Crítica On Line
Los estrenos de la semana
Por Elsa Bragato

JUEVES 5 DE MARZO DEL 2015.-

Doce estrenos que incluyen documentales y films premiados. “Invasión”, documental de Abner Benaim, sobre el desembarco estadounidense en Panamá en 1989, “Hamdam”, del argentino Martín Solá, sobre un líder palestino que estuvo en las cárceles israelíes, y “Tango, pasión, amor y sexo”, de Abel Beltrami.

SUEÑO DE INVIERNO

Guión y dirección de Nuri Belgi Ceylan (Turquía). Con Haluk Bilginer, Melisa Sozen, Demet Akbag, entre otros. Fotografía de Gokhan Tiryaki. Duración: 196 minutos.

BUENA. ALMAS EN CONFLICTO

Nury Belgi Ceylan es un autor de culto del cine turco, con antecedentes muy bienvenidos por la crítica tales como “Los climas”, “Tres monos” o bien “Erase una vez en Anatolia”. Llega a las salas con una monumental obra de 196 minutos, ganadora de la Palma de Oro en Cannes, donde pone a sus protagonistas a mirarse cara a cara y a desnudar sus almas. Densa, en algunas secuencias mucho más de lo deseado, y con escenas de crueldad animal, mete su cámara en la confrontación de egos, especialmente entre un veterano actor, su joven esposa, y los pocos residentes que, atraídos por la publicidad en internet, llegan al perdido hotel. Desde el punto de vista dramático, es un verdadero compendio de los altibajos de todo tipo que los seres humanos tenemos, más aún en geografías donde las inclemencias de las estaciones obligan a una convivencia forzada entre cuatro paredes, sean lugares amplios o pequeños. Nuri Belgi Ceylan transforma el refugio invernal en el escenario de las aflicciones de los que conviven incluso circunstancialmente en el lugar.

En cuanto a la realización, hay más desplazamientos y encuadres teatrales que lo conveniente. El movimiento de las cámaras es forzosamente menor por cómo se plantea la historia y el lugar y la estación del año en la que se desarrolla. Tiene un tinte claustrofóbico y centra el trabajo fotográfico en los residentes y sus respectivas problemáticas.

Hay ideas muy buenas que tal vez requirieron de otro tratamiento narrativo. No es Ingmar Bergman, pero sigue ese camino cinematográfico. El entorno, el medioambiente, se transforma en otro protagonista más, tal vez el más poderoso porque es el que obliga a esos seres afligidos a estar donde están y a mirarse a la cara. Es una película para cinéfilos, con parlamentos inteligentes y extensos, más cerca del teatro que de lo que hoy se considera cine. Y, aún así, la porfía de Ceylan ha logrado un film con un atractivo especial sobre estas almas a las que desnuda sin piedad a lo largo de un extenso largometraje que no siempre se mantiene en pie.

Carlos Pierre

PISTAS PARA VOLVER A CASA

De Jazmín Stuart. Con Erica Rivas, Juan Minujín, Hugo Arana, Beatriz Spelzini, entre otros. Música de Guillermo Guareschi. Duración: 89 minutos.

BUENA. ROAD MOVIE FAMILIAR

Múltiples aristas muestra este guión de la realizadora Jazmín Stuart: encara una historia familiar divertida y melodramática, a la manera de “road movie”. Dos hermanos (Erica Rivas y Juan Minujin, en notable ascenso) a bordo de un viejo Renault 12 van en busca de su padre, internado en un hospital rural por un accidente. No se han frecuentado demasiado por vivir separados, y cada uno de ellos está sumido en su propio fracaso. Una suma de dinero ganada por el progenitor y escondida en un matorral los anima a este viaje, dado que están solos porque ni la madre (Beatriz Spelzini) se ha preocupado por los hijos.

La película llega al corazón, se hace entrañable, aún con debilidades en la coherencia narrativa, es decir, hay un encabalgamiento de secuencias que resulta forzada algunas veces. Se destacan las actuaciones de Rivas y Minujin, siempre creíbles y eficaces, quienes logran que la mediana endeblez de la historia se supere con sus performances. Entre el drama y la comedia, con fluidez de emociones, más espontáneas que dirigidas, la película de Jazmín Stuart nos convence, nos deja “ese algo” en el espíritu que se recuerda al salir de la sala.

Carlos Pierre

LO MEJOR DE MÍ

De Michael Hoffman. Con James Mardsen, Michelle Monaghan, Liana Liberato, Luke Bracey, entre otros. Música de Aaron Zigman. Duración: 118 minutos.

REGULAR. EDULCORADA REVISIÓN DE MÁS DE LO MISMO

El exitoso autor de “The notebook” vuelve con esta producción basada en un libro propio, “The best of me”, cuyo título en castellano es traducción literal del inglés. Desde el vamos nos encontramos con lo mismo. Dos jóvenes adolescentes sse enamoran, algo pasa y se separan, se reencuentran 20 años después y se dan otro “permiso” para amarse. En el medio ocurre lo de siempre, accidentes, desencuentros, lágrimas, cajas con cartas y flores secas, y, en síntesis, esas mieles del amor adolescente que ahora enfrenta la madurez e historias de vida diferentes.

Se destaca la fotografía del paisaje exuberante de New Orleans, una vegetación maravillosa que le da un marco estupendo a una historia que se cae porque no convencen los personajes más que las actuaciones, acotadas a un guión sin nada nuevo que ofrecer. Es un melodrama, un folletín del siglo XIX, que muestra lo que ya sabemos: las luces y sombras de lo que pudo ser, de lo que es, con no poca tragedia en el medio. La idea es buena: la segunda oportunidad para el primer amor, al que suele ubicarse como el “salto” para el amor adulto y luego olvidar. Más para la tele que para el cine actual.

Carlos Pierre

FRANCISCO DE BUENOS AIRES (LA REVOLUCIÓN DE LA IGUALDAD)

Documental dirigido por Miguel Rodríguez Arias. Música original de Vox Dei. Coproducción argentino-italiana.

REGULAR. INFORMATIVO SOBRE EL PAPA FRANCISCO

Las reflexiones de Miguel Rodríguez Arias sobre la decisión de filmar este documental del Papa Francisco son interesantes: el primer Papa no europeo desde el año 740, el primero latinoamericano en la historia de la Iglesia Católica, el primer Jesuita en llegar a el máximo sitial del catolicismo. Razones valederas para que este reconocido documentalista echara manos a la obra.

El documental comienza y termina de manera interesante: la cripta de San Francisco de Asís, un lugar poco visitado por la mayoría de los argentinos, y luego, la presencia de argentinos (algunos hoy muy cuestionados) e italianos, cercanos a Su Santidad, expresando lo que ya conocemos sobre Jorge Bergoglio.

Salvo la mayoría de los testimonios (algunos no nos convencieron), el resto es una sumatoria de imágenes ya vistas en los noticieros de televisión. Y, aunque se trate de resumir los dos primeros años de Papado, resulta un material reiterativo, que no nos aporta nada nuevo. Se esperaba mucho más: una verdadera investigación sobre estos 24 meses de gestión de un Papa que ha revolucionado a la Iglesia Católica. No es así y hay que decirlo. Una cámara más curiosa, metida en el seno del Vaticano, habría sido lo mejor y no un empalme de lo registrado por la televisión.

Elsa Bragato
 

MCFARLAND

De Niki Caro. Con Kevin Costner, María Bello, Morgan Saylor, Carlos Pratts, entre otros. Música de Antonio Pinto. Duración: 129 minutos.

BUENA. EL DEPORTE COMO VEHÍCULO DE SOCIALIZACIÓN

Kevin Costner ama el deporte en la vida real y no es la primera vez que encarna un rol que tiene estrecha vinculación con el esfuerzo y los sentimientos que el mismo despierta en los jóvenes. En este caso, se trata de la biopic de Jim White, un entrenador de raza blanca que cayó en desgracia en su propio país y fue a parar con su familia a McFarland, un poblado de inmigrantes mexicanos, pobres pero de espíritu indomable. “White” no se amilana por la situación y comienza a preparar los recolectores de coles en el deporte. La tarea es difícil y encomiable: estos jóvenes deben enfrentar a equipos muy competitivos del llamado “Cross Country”, especialmente a los de Palo Alto, un condado o “county” caracterizado por el alto nivel de vida.

La historia plantea subtemas interesantes: la simbiosis, por momentos forzada, de la raza sajona con la latina, tan difícil en el comienzo, que se va consolidando con el tiempo entre los inmigrantes mexicanos y el entrenador norteamericano. Costner nos regala su apostura habitual, su enorme solvencia actoral y la contundencia de una performance que nos transmite emociones, que nos llega al corazón.

Los Estudios Walt Disney eligieron un tema interesante, no novedoso pero bien realizado, que muestran hechos de la vida real. Jim White aparece en los créditos a través de documentales de la época (década del 80) y la película cumple con su objetivo de aleccionar y entusiasmar. La carrera de estos chicos por mejorar es, desde ya, un punto a favor que destacamos.

Carlos Pierre

JOVEN Y BELLA

De Francois Ozon. Con Marine Vacth, Geraldine Pailhas, Frederic Pierrot, Charlotte Rampling, entre otros. Música de Philippe Rombi. Duración: 95 minutos.

BUENA. SEXO O AMOR EN LA MIRADA ADOLESCENTE

Francois Ozon es un indagador de las almas, de las conductas humanas especialmente relacionadas con el erotismo, tanto masculino como femenino (Gotas que caen sobre piedras calientes, Swimming pool, entre otros títulos). En este caso, nos cuenta en cuatro capítulos, con cuatro temas musicales diferentes y diferenciadores, la vida de Isabelle, que está de vacaciones con sus padres y su hermano menor, que le encanta ver porno por internet, y que tiene un plan de vida muy diferente al que sus padres desean. Ozon toma a la bella actriz Marine Vacth como eje de una historia sin respuestas: “Isabelle” no cree en el amor y sí en el sexo casual, como el que ella disfruta por internet. Elige a un joven apuesto para perder su virginidad al que descarta sin vueltas, y ya en la ciudad, entre el colegio y la casa paterna, se transforma en “Lea”, una bella prostituta de flamantes 17 años que cobra por el placer que le da a hombres grandes, sometiéndose a vejámenes según los diferentes gustos. El resultado es una buena cantidad de dinero que guarda con indisimulado placer.

Un trágico hecho pone al descubierto la actividad de la joven, la enfrenta a sus padres y a una de las esposas de sus ocasionales amantes, que será determinando en su vida.

Francoiz Ozon, realizador francés de bien ganado prestigio, logra un film cargado de erotismo, con algunas escenas de sexo casi explícito, y marca rigurosamente la actuación de la juvenil Marine Vacth, impasible, con un plan de vida que obliga a repreguntas: ¿es producto de las facilidades tecnológicas actuales? ¿Es resultado de una sociedad que poco y nada ofrece a los jóvenes? ¿Es consecuencia de ausencias notables de formación e información? En un ambiente con más cultura sustancial cotidiana, ¿sería posible que una joven eligiera la prostitución como el mejor camino de vida?

¿Es facilismo, es falta de presencia paterna? La elección final de “Isabelle-Lea” queda librada al espectador, por lo que las preguntas surgen y son el legado de este film de Ozon, una suerte de “Belle de Jour” del Tercer Milenio.

A nivel realización, Ozon ha cuidado muchos aspectos porque la temática no es sencilla así como una dirección actoral, tal como indicamos más arriba, muy precisa. Marine Vacth se revela como uno de los nuevos rostros del cine francés, magnético y profundamente bello.

Elsa Bragato
 

NATURALEZA MUERTA

De Gabriel Grieco. Con Luz Cipriota, Juan Palomino, Nicolás Pauls, Amín Yoma, Mercedes Oviedo, entre otros. Música de Pablo Vostrouski. Duración: 90 minutos.

MUY BUENA. THRILLER VEGANO DE EXCELENTE REALIZACIÓN

Grata sorpresa produce este primer thriller “vegano”, que tiene un interesante recorrido por diferentes festivales internacionales. Se trata de la opera prima de Gabriel Grieco quien contó con un excelente elenco para esta película de marcada tensión creciente, muy bien lograda, y de secuencias al mejor estilo “gore”, en nombre del “veganismo”. Empecemos por esclarecer el término “vegano”, que creó el inglés Donald Watson en 1944 a partir de la palabra latina “vegere”, que significa estar sano y fuerte. Watson la aplicó para quienes se abstienen de comer productos de origen animal.

En pueblos del interior (dos localidades de la provincia de La Rioja) los animales se toman venganza de los hombres que los matan para comérselos. Una joven periodista (una fantástica Luz Cipriota) es enviada a investigar los casos y se involucra profundamente con las desapariciones de habitantes amantes de los asados. Los vecinos le advierten que no vaya más allá por razones de seguridad (Juan Palomino, Nicolás Pauls, entre otros). Pero ella irá por más.

El valor de este film es muy amplio. El tema es novedoso y muy real: matar a seres de sangre caliente para comerlos como si tal cosa no es bienvenido en buena parte de la sociedad mundial más conciente del dolor que los humanos infringimos por este hábito. La película va virando desde un comienzo de búsquedas, desapariciones, y encuentros con personajes ligados al salvataje animal, hacia la intensidad del thriller violento y sangriento, de inesperada resolución, lo cual agrega un valor, un plus, al film. Como decía Enrique Anderson Imbert, los cuentos deben tener un final insospechado, que surja en las dos líneas finales. Gabriel Grieco es fiel al estilo de la narración y asesta el golpe donde debe ser, generando un clima de tensión con una realización impecable. Es, sin duda, una agradable sorpresa del cine nacional que merece verse. Diferente, real, Grieco se hace eco del pensamiento de buena parte de la sociedad actual.

Elsa Bragato

FOCUS, MAESTROS DE LA ESTAFA

De Glen Ficarra, John Requa. Con Will Smith, Margto Robbie, Rodrigo Santoro, entre otros. Música de Nick Urata. Duración: 114 minutos.

REGULAR. MALANDRAS QUE SE ENAMORAN

La apertura del film es impactante: una imagen zenital de la fantástica New York, bellamente realizada, con una música incidental más que agradable de Nick Urata. Will Smith anduvo por Buenos Aires filmando en diciembre del 2013 y conmocionó a los porteños. Figura valorada del cine norteamericano, nos ha regalado buenas performances. No quiere decir que aquí no realice un buen papel. El tema está en la endeblez del guión que nos deja en ascuas todo el tiempo. Un experimentado ladrón, en realidad “carterista”, le enseña a una joven, novata en el “oficio”, a hacer “foco” en los ojos de la víctima mientras le roba llaves, billeteras, y todo lo que pueda. De allí el título, y en eso se quedará. La historia no encuentra mayor desarrollo, se agota en las primeras escenas, aún cuando vengan a Buenos Aires y sintamos orgullo por ver algo de nuestra ciudad en un film de Hollywood.

Idas y venidas entre maestro y alumna, una separación forzada, y un enamoramiento que se prevé y que resulta al final tal como presentimos. Es un film más, no aporta nada salvo distracción y merecería estar en el cable y no ocupar un lugar en la cartelera porteña, salvo por mostrar algo de nuestra ciudad. Uno sale de la sala como si no hubiese visto nada… Para comer “palomitas”.

Elsa Bragato

AUTÓMATA

De Gabe Ibáñez. Con Antonio Banderas, Dylan McDermott, Melanie Griffith, entre otros. Música de Zacarías M. de la Riva. Duración: 109 minutos. Coproducción de España y Bulgaria.

BUENA.

En el 2044 la ciencia ficción estará rodeándonos de manera que hoy no podemos imaginarlo. Para eso están las películas cómo ésta, Autómata, que cuenta con el guión de su realizador, el madrileño Gabe Ibáñez. Dentro del género, tiene un tono moderado si bien apela a cierta intelectualidad para abordar la relación entre el hombre y la máquina, aludiendo a la Teoría de la Evolución y a cierta ventaja que los “autómatas” tendrían sobre los humanos por el rápido desarrollo que tienen. ¿Pueden estos seres artificiales ser independientes del hombre, que los ha creado?

Gabe Ibáñez ha tomado buena nota de los cambios climáticos y nos ofrece una visión de la Tierra con desertificación gradual. Los científicos entonces crean androides para que ayuden a los hombres a sobrevivir. En especial, una corporación millonaria cuyo inspector (Antonio Banderas) asiste a una de estas criaturas por un defecto que presenta. Las consecuencias son insospechadas.

Hay varios aciertos de Gabe Ibáñez que queremos destacar: incursiona en el futuro sin un alarde técnico desmesurado porque, en verdad, nada cambiará tan radicalmente salvo un desastre cósmico. Y luego de colaborar con Guillermo del Toro, Alejandro Amenábar y Steven Soderbergh, entre otros, la experiencia para elaborar mundos diferentes con buen ritmo y capacidad de narración cinematográfica sin baches están a la vista.

En definitiva, ¿quiénes son más humanos, los androides o nosotros? Esos seres mecánicos, ¿tienen sentimientos, tienen capacidad de razonamiento propio? Film interesante, con buenas actuaciones de todo su elenco, buena fotografía y un guión, dentro del género, que nos plantea algo diferente que lleva a la reflexión.

Carlos Pierre

 

JUEVES 19 DE FEBRERO DEL 2015.-

Hay cuatro novedades entre las que aparece uno de los títulos importantes de los Oscar: “Selma”.

INVOCANDO AL DEMONIO

Guión y dirección: David Jung. Con Shane Johnson, Ella Anderson y Cara Pifko, entre otros. Música de Mark Bindea. Duración: 83 minutos.

BUENA. EL DIABLO METE LA COLA

Con pocos recursos ambientales, con un marcado tono claustrofóbico, asistimos a la gradual y escalofriante transformación de un cineasta (Shane Johnson) cuando decide, desesperanzado ante la muerte accidental de su esposa, investigar y filmar sucesos sobrenaturales que se dan sobre él. Teníala convicción de que el deomonio y Dios jamás se muestran a la Humanidad en forma “directa”, por lo que decide recurrir a demonólogos, sacerdotes y psiquiatras a fin de encontrar una manifestación del propio Mal. Y éste se manifestará en el propio cuerpo del protagonista a través de heridas sangrantes, insectos que lo recorren, a medida de que su figura se va devastando.

Es un film “bueno” a nuestro criterio porque hay un guión muy esforzado, de búsqueda permanente, por encontrar al Demonio, o Satanás, o el mismísimo Diablo, de alguna forma. Y en esto reside el quid de esta película dentro de su género, y lo que realmente la salva de una calificación menor. Estamos en presencia de un universo demoníaco que hará las delicias de los amantes del terror y también de aquéllos que buscan una personificación del Mal para denostarlo o… someterse a él. Para fans…

Carlos Pierre

SELMA

De Ava Du Vernay. Con David Oyelowo, Carmen Ejogo, Tin Roth, Lorrainge Toussaint, Oprah Winfrey, Tom Wilkinson, Cuba Gooding Jr., entre otros. Música de Jason Moran. Duración: 127 minutos.

MUY BUENA. LA LUCHA DE MARTIN L. KING

Resulta muy interesante este momento en la vida del pastor y líder de los derechos de los negros en los Estados Unidos Martin Luther King, asesinado el 4 de abril de 1968, después del asesinato en 1965 del líder revolucionario Malcom X, su oponente por perseguir los mismos ideales pero con violencia. Interesante como cualquier biopic que ponga sobre el tapete, en momentos de grave crisis de la paz mundial, los conflictos trágicos de un pasado no tan lejano que intentan aflorar nuevamente.

La brutal represión a los negros en aquellos años (se volvieron a repetir en el 2014) no tenia en cuenta edades: así vemos cómo cuatro niñas negras son asesinadas (palabra que repetiremos) con una bomba, mientras los negros son maltratados en bares de blancos, se les prohíbe ir a la escuela, y se les niega el derecho al voto (Oprah Winfrey encarna a la mujer que intenta votar y se lo impiden). En ese contexto, King recibe el premio Nobel de la paz en 1964, a meses del asesinato del presidente John F. Kennedy en noviembre de 1963. Es entonces Lyndon Johnson (Tom Wilkinson), sucesor de Kennedy, quien dirime cuestiones con Martin L. King (David Oyelowo) enfrentando al discriminador gobernador de Alabama, George Wallace (Tim Roth) y la negativa de varios estados de incluir a los afroamericanos en el padrón general.

El film se centra en las marchas que Martin L. King realizó desde la localidad de Selma, en Alabama, hasta la ciudad de Montgomery, encontrando en las dos primeras el avance de la policía local con brutal ensañamiento contra los negros, golpeando, hiriendo, a hombres, mujeres y niños. La tercera es la vencida y se le suman representantes de otras religiones y blancos, cansados de la violencia de su gobernador. Es atrapante desde el punto de vista cinematográfico la inserción de los documentales de la época con la marcha filmada para la película.

Recordemos que conocimos a David Oyelowo en el papel del hijo de “El mayordomo”, film que vimos el año pasado con el protagónico de Forest Withaker, donde también actuó Oprah Winfrey, la millonaria ex conductora de tevé que se ha volcado a la beneficencia hacia sus hermanos de raza y a apoyar y producir este tipo de films. Una característica técnica de la película de Ava Du Vernay es la fotografía que apunta a medios planos y a un color virando al sepia, otorgándole un acercamiento al espectador con los protagonistas del film y sus vivencias, incluso las personales de Martin L. King: su relación con su esposa Coretta Scott (Carmen Ejogo).

Dentro de la línea de “12 años de esclavitud” y “El mayordomo”, por nombrar solo los films más recientes sobre el tema, “Selma” nos acerca un momento de la historia norteamericana que vale la pena conocer. Instructiva, bien realizada, buenas performances, sin llegar a las “alturas” de otras películas del mismo tenor, cumple con su objetivo y está nominada entre las 8 mejores películas del 2014 según la Academia de Hollywood.

Elsa Bragato

ANNIE

De Will Gluck. Con Jamie Foxx, Quvenzhané Wallis, Rose Byrne, bobby Cannavale, Cameron Díaz, entre otros. Música de Greg Kurstin con canciones de Charles Strouse y Martin Charnin, y canciones originales de Greg Jurstin, Sia y Will Gluck. Duración: 118 minutos.

BUENA. FLOJITA…

Ni grandes coreografías ni una búsqueda de excelencia. Simplemente una historia conocida recreada a partir del original, en este caso, la tira cómica de 1924 “La pequeña huérfana Annie”, de Harold Gray. Tampoco es un tema ignorado por los argentinos porque, en 1982, Pinky fue la productora del musical de Broadway en la city porteña (con no pocos problemas por los derechos autorales de los americanos). Ese mismo año John Huston hacía la versión cinematográfica con el protagónico de Aileen Quinn, hoy con título universitario y esporádicas intervenciones en cine y televisión y cameo en este film, mientras en 1999 Disney llevaba la historia de Annie a la televisión. El musical de Broadway data de 1977.

Hecha la presentación, digamos que Jamie Foxx se luce sobre el final como el buen cantante que es, baila tap con Annie siendo una de las secuencias más lindas. Antes, desde el comienzo hasta ese momento, tenemos un film lineal con musicales de Annie y sus compañeras de la casa que las hospeda, al frente de la cual está Cameron Díaz en uno de sus peores papeles. Inverosímil por donde se la mire.

La acción ha sido aggiornada. Se está en la New York actual, sin que se haga un aprovechamiento turístico de la “gran manzana”, y del original “Daddy Warbucks” se pasa a “Will Stucks”, el papel de Foxx como supermagnate que aspira a ser el gobernador del estado. Un ayudante que complica más que colabora, y una secretaria rubia, completan el trío que tratará de utilizar a Annie porque ha sido redituable para la figura de Stucks el haberla salvado de un accidente automovilístico. Nada nuevo bajo el sol: el amor que se descubre entre el millonario y la joven rubia, la adopción de Annie, los falsos padres para dar un tono un tanto dramático, y algunas canciones que son realmente muy bellas como “Tomorrow”. Para toda la familia.

Elsa Bragato

KINGSMAN: SERVICIO SECRETO

De Matthew Vaughn. Con Colin Firth,Samuel L. Jackson, Michael Caine, Taron Egerton, entre otros. Música de Henry Jackman y Matthew Margeson. Duración: 129 minutos.

MUY BUENA. “BRITISH GORE”

Entre el mítico James Bond y los films más actuales de espías (algunos memorables, no es el caso), oscila “Kingsman”, señores dedicados al espionaje muy selectivo y a desbaratar a un genio de la tecnología. El villano está a cargo de un enflaquecido Samuel L. Jackson mientras que el superespía es el elegante Colin Firth, que cumple a la perfección con el rol de un muy british hombre de los servicios. El gran Michael Caine, cuya presencia siempre se agradece, es algo así como el “capo” de una logia (¿recuerdan la logia Lautaro del siglo XIX, tan mentada en nuestra historia?) que necesita reclutar a jóvenes deseosos de llevar secretos en sus almas y vestir con elegancia suprema. Firth (Harry Hart) se encarga de que su “protegido” (Taron Egerton) luzca de manera impecable, requisito “sine qua non” para ser un “kingsman”. Importa más la “pilcha” que las cualidades que vendrán luego de un fuerte entrenamiento. Además de una torpeza notable que motiva secuencias “a lo Bond”.

La diferencia con otros films del género radica en el “british gore”, en ver a un Colin Firth en un medio narrativo poco habitual, un Samuel j. Jackson en un gran papel, la inclusión de Caine en mesas redondas al estilo del “Rey Arturo”, y acción elegante. Película sólida, de muy buena factura, rinde un homenaje a los primeros films de James Bond. Y no escapa al “story-board” característico de los guiones basados en cómics, en este caso a la serie sobre espías de Mark Millar y Dave Gibbons, publicadas entre el 2012 y el 2013. Es espionaje de alcurnia con grandes actores.

Elsa Bragato

 

Hay 4 estrenos: "TINKERBELL y la bestia de nunca jamás" para la platea menuda, y el documental "Ciudades de lluvia" de Juan Gonzalez Lanuza, un tour sobre el Museo Británico y sobre la mítica ciudad de Stonehenge.

50 Sombras de Grey

De Sam Taylor Wood, con Jamie Doman y Dakota Johnson.

NADA QUE DECIR
Basada en el primer libro de los tres que componen la saga de la inglesa E.L. James, de 2011, es un producto muy menor para exacerbar el morbo en especial de los adolescentes. Esta muy lejos de '9 SEMANAS y MEDIA, y es tan solo un producto comercial sin relevancia narrativa. Es un gran éxito de taquilla, como lo fueron los libros.

Elsa Bragato

Birdman

De Alejandro Gonzalez Inarritu. Con michael Keaton, Edward Norton, Emma Norton, Naomi Watts, Zach Galifianakis, entre otros.Duracion: 119 minutos

MUY BUENA. Atrapante viaje por los sentimientos

Entre el humor negro y la comedia dramática, Inarritu junto a los argentinos Armando Bo Jr y Nicolás Giacovone y el fotografo Emmanuel Lubezki (esta rodada en una falsa única toma secuencia) nos cuentan la vida de un actor famoso por un personaje de superhéroe en conflicto con la vida, la fama y la relación con su hija. Broadway aparece con sus luces y sombras, en medio de una batalla espiritual y profesional de conmovedora factura. Hay mucho de la vida del propio Keaton, que renace con este film firme candidato al Oscar como Boyhood.
Hay dialogos y secuencias de gran intensidad emocional, el hombre tratando de superar las minitragedias cotidianas, y una actuacion memorable de Keaton que nos toca el corazón. No se la pierda.

Elsa Bragato

 

JUEVES 5 DE FEBRERO DEL 2015.-

Hay seis estrenos en soporte fílmico. Entre ellos, “El destino de Júpiter”, de los hermanos Wachowski (los mismos de Matrix), un film de ciencia ficción, y el docuficción chileno “Naomí Campbel”, de Nicolás Videla y Camila Donoso, sobre un transexual afrocolombiano y sus peripecias para transformarse en la bella modelo que da título al documental.

EL CÓDIGO ENIGMA

De Morten Tyldum. Con Benedict Cumberbatch, Keira Knightley, Mark Strong, Matthew Goode, Charles Dance, entre otros. Música de Alexandre Desplat. Duración: 114 minutos.

MUY BUENA. EL MATEMÁTICO QUE SALVÓ MILLONES DE VIDAS

Basada en el libro biográfico “Alan Turing, the enigma”, de Andrew Hodges, este film británico es un reconocimiento póstumo al gran matemático, criptógrafo, analista y héroe de la Segunda Guerra Mundial, Alan Turing, que descifró el código Enigma alemán, por lo cual ayudó a ponerle fin a la guerra salvando millones de vida. La Reina de Inglaterra lo honró 50 años después por su tarea levantando el “secreto de Estado” sobre su trabajo en el código alemán.

Alan Turing fue un hombre brillante, para quien no había “puzzle” imposible de descifrar. Se presentó en el ejército de su país con la confianza de poder descifrar el enigma alemán, sin pensar que con este hecho serviría para descubrir con antelación los bombardeos alemanes sobre su país y sobre Europa en general. Su carácter introvertido, que solo admitía una notable científica a su lado como compañera de vida (una fantástica Keira Knightley), se debió a su condición homosexual, condenada en esos tiempos por la sociedad al punto de merecer o cárcel o tratamientos hormonales para “curar” la elección sexual.

De formato clásico, sólido, la narración de Tyldum es muy atractiva y atrapante. En principio, no se hace hincapié en la vida personal de Turing de manera morbosa sino que surge el tema hacia el final. Se toma esta situación personal como algo tangencial a su enorme inteligencia. Y es un logro del guión, sin que abandone el tormento íntimo del gran matemático. Puntillosa, creíble y emotiva, esta biopic (una de las cuatro que se presentan en los Oscar sobre ocho films elegidos en el rubro “Mejor película”) es moderna y contenida, agregándole la música del compositor Alexandre Desplat como sostén acertado de la trama.

Los dos protagonistas han sido nominados a los premios de la Academia de Hollywood. Keira Knightley, que ha trabajado en numerosos films del género, compone a “Joan Clarke”, criptógrafa y numismática inglesa de Cambridge, que trabajo junto a Turing durante la guerra, enérgico personaje y femenino, para quien la homosexualidad de su compañero de trabajo no fue mella para quererlo y hasta proponerle matrimonio a fin de salvarlo de la persecución legal. Por su parte, el ascenso profesional de Benedict Cumberbatch amerita la consideración como uno de los mejores actores actuales. Pasaron 70 años de este reconocimiento mundial. No se la pierda.

Carlos Pierre

LA TEORÍA DEL TODO

De James Marsh. Con Eddie Redmayne, Felicity Jones, David Thewlis, Emily Watson. Música de Johann Johannsson. Duración: 125 minutos.

MUY BUENA. LA SUPERVIVENCIA ENTRE LÁGRIMAS Y CIENCIA

El impacto emocional que produce “La teoría del todo” tiene un hacedor: el actor Eddie Redmayne, que viene ganando todos los premios por su rol de Stephen Hawking, y a quien vimos en “Los miserables”. Inglés, actor de teatro, cantante, su personificación de Hawking es realmente notable, aunque muchos piensen en golpes bajos y en manipulación del espectador. La realidad, la vida misma de Hawking y su desfiguración física por la esclerosis múltiple, no son ficción. Son lo que es y lo que, en gran medida, muestra el film. Y esto no es manipular sino mostrar. No podemos ocultar la vida misma.

El punto es la actuación y, en este sentido, faltan palabras para describir la performance de Redmayne quien nos golpea el corazón. El científico y el drama, tal como en la vida real. Se une a “Código Enigma” porque ambas tienen un comienzo en la bella ciudad medieval de Cambridge, donde el “numen” de las mentes brillantes británicas tiene a sus principales escuelas y mentores.

En principio, puede tomarse como un film romántico porque nos narra la vida del científico y su primer gran amor, la madre de sus tres hijos, basándose en el libro “Travelling to infinity. My life with Stephen”, que escribió la misma Jane Wilde (su esposa). La “teoría del todo” aparece como la obsesión (subsiste en él) del científico inglés, pero no es una película que analice fórmulas sino que muestra una vida difícil, sobrellevada por él mismo y su esposa, con la alegría de los hijos. Una enfermera, que en pocas pinceladas se nos muestra como “la otra”, es quien dará por terminada la relación matrimonial. Bien puede decirse que está más sugerido que narrado este hecho, por lo que no habría estado mal unos minutos más de película para explicarnos por qué Hawking abandonó su hogar por esta mujer. Es, en síntesis, lo que le falta a este film biográfico.

Destacamos secuencias de gran emotividad como el momento de la separación de Hawking y Jane, en el que no hacen falta muchas palabras y sí emoción. Que de eso se trata el film, un amor que se sobrelleva durante años y que se quiebra por esas razones que solo el corazón entiende. Historia romántica, sobrecogedora por la actuación del protagonista, lacrimógena, pero fue y es la vida de Stephen Hawking, mostrando la dureza de un temperamento aunque a muchos les desagrade. Así como la importancia de su primera esposa, Jane Wilde, para que Hawking sobreviviera a los dos años de vida que la ciencia de entonces le había dado. Nos atrapó, aunque hubiésemos visto el buen documental inglés interpretado por Benedict Cumberbatch; por esas coincidencias de la vida, tanto Eddie Redmayne como Cumberbatch están nominados a los Oscar como los mejores actores del año, entre otros. Estilo clásico, buena banda sonora del ascendente sueco J. Johannsson, cuyo estilo oscila entre el puramente clásico y el minimalismo de Philip Glass, narración convincente, buenas tomas, conforman una biopic muy interesante que merece verse.

Elsa Bragato

EN EL BOSQUE

De Rob Marshall. Con Meryl Streep, Emily Blunt, James Corden, Anna Kendrick, Lilla Crawford, Daniel HUttlestone, Mackenzie Mauzi y Johnny Depp. Música de Stephen Sondheim y James Lapine. Duración:

REGULAR. PERSONAJES EN BUSCA DE ALGUNA LUZ

Barajar y dar de nuevo. Algo así ocurre con los personajes más tradicionales de la literatura infantil en esta película, basada en una obra de Broadway que escribieron el notable Stephen Sondheim y James Lapine (recordemos que S. Sondheim fue el letrista de L. Bernstein en “Amor sin barreras”). Rob Marshall tomó el libro, habló con sus escritores y organizó este film donde se entrecruzan los cuentos de los hermanos Grimm (Cenicienta, Caperucita Roja, Rapunzel) y el anónimo inglés “Jack y los porotos mágicos”. Marshall conoce bien con quiénes trabajó dado que dirigió a Depp en “Piratas del Caribe navegando aguas misteriosas”. El resultado no conforma, además por la inclusión de canciones poco pegadizas.

Meryl Streep, nominada al Oscar por este trabajo, jamás desentona. Es una bruja cabal, de espantosas uñas largas y aspecto desgreñado que le impone a un matrimonio cuatro prendas a cumplir para poder tener un bebé. Empezamos mal… Estas tareas tienen relación con los cuatro cuentos famosos. Johnny Depp la secunda en breve aparición como el “lobo feroz”, personajes que el actor acepta con fruición, siempre con un toque estrafalario, alejándose de roles dramáticos de envergadura.

No se puede objetar la fotografía, es impecable, ni tampoco abrir juicio sobre la producción con recreaciones escenográficas fantásticas. A lo mejor, con un tono oscuro exagerado. El bosque del título en inglés (“Into the Wood”) es estereotipado y, aunque preste ayuda a los personajes, no logra equilibrar el agobio provocado por tantas canciones sin fuerza, desteñidas. Es que un teatro en Broadway es un escenario diferente al set de filmación y, si bien Sondheim es un gran compositor, llama la atención que su propia adaptación no haya estado a la altura de “Sweeney Todd”.

El film, en síntesis, puede dividirse en dos partes, una primera más clara que la segunda, densa. Sin canciones que nos atrapen y con un forzado guión que intenta atraparnos sin conseguirlo, resulta una elección poco gratificante para ir al cine.

Carlos Pierre

BOB ESPONJA UN HÉROE FUERA DEL AGUA 3D

De Paul Tibbitt. Con Antonio Banderas, Clancy Browns, Tom Keny, entre otras voces. Música de John Debney. Duración: 93 minutos.

REGULAR. BOB ESPONJA EN UNA HISTORIA DISCONTINUA

Que se van a entretener con el nuevo Bob Esponja, no lo dudamos. Pero hay que ser honestos y decir que el guión filmado por Paul Tibbitt adolece de discontinuidad y de un tufillo bélico que no nos gustó para nada. Bob Esponja, que vive en su ciudad submarina del océano Pacífico llamada Fondo de Bikini, tiene la fórmula secreta para hacer unas hamburguesas que los amiguitos comen hasta intoxicarse. No falta quien lo traiciona y ahí comienzan los problemas. Está secundado por sus amigos de siempre como Calamardo, Patrick, Arenitas, entre otros, que tomarán dimensiones importantes, como Plancton en una especie de Hulk. El robo de la fórmula de las hamburguesas genera tal desaguisado que produce una guerra. No hay balas pero sí papas que se tiran como torpedos, casitas que se incendian y un panorama desolador propio de lo que hoy vemos que ocurre en el mundo. Bob Esponja se queja de cómo ha quedado su ciudad. Y aquí entramos en la disyuntiva de si es una animación para chicos o para adultos, porque tampoco llega a serlo.

Antonio Banderas actúa como el pirata que quiere la fórmula y se arriesga, en una secuencia inicial que resulta la única espléndida por el sobrevuelo del océano y la buena banda de Debney. Es mejor Banderas como el Gato con Botas…

Papas, patatas, o lo que fuere, generan agresiones con torpedos, aviones lanza-bombas, y todo tipo de elementos bélicos. Y sinceramente no mueven a risa sino a preguntas: “¿Esto tienen que ver nuestros hijos pequeños?”. En medio de esta confusión, de personajes que gritan (Bob Esponja pegando gritos altera al espectador más templado), de Plancton sujetado con cintas para “ser torturado”, hay algunas secuencias, sobre todo en el final, donde el bien le gana al mal. Pero hubo sustos e imitaciones de las desgraciadas guerras, además del “torturado” Plancton y de la Computadora, atada como rehén en una improvisada cárcel, que no nos convencieron en medio de una deshilachada historia que solo al final logra reunirse. Así y todo uno se plantea si este bélico Bob es lo mejor para nuestros chicos.

Elsa Bragato

 

JUEVES 29 DE ENERO DEL 2015.-

Hay cinco estrenos confirmados en las salas más importantes de esta ciudad de Buenos Aires. Entre ellos, la comedia francesa “Dios mío, ¿qué hemos hecho”, de Philippe de Chauveron, que viene con buenas críticas, y la nacional “El desafío”, de Juan Manuel Rampoli, con Nico Riera, Rocío Igarzábal, Gastón Soffritti, Diego Ramos, en los rubros protagónicos. Consignamos que Nico Riera y Rocío Igarzábal es una pareja surgida en la televisión y que hace un año que no están en la pantalla chica. El film está dirigido a la platea femenina adolescente. Se anuncia también el estreno del documental “El vals de los inútiles”, sin difusión para la mayoría de los críticos, del chileno Edison Cajas.

ST VINCENT

Guión y dirección de Theodore Melfi. Con Bill Murray, Jaeden Lieberther, Melissa McCarthy, Naomí Watts, entre otros. Música de Theodore Shapiro. Duración: 102 minutos.

MUY BUENA. MURRAY SE ADUEÑA DE LA PANTALLA

“St Vincent” nos muestra a Bill Murray en su mejor interpretación, a manera de unipersonal, en el cine. Dueño de un estilo mesurado, de una gestualidad muy particular, Murray se adueña de la pantalla en esta historia, una comedia dramática, cuyo nudo se centra en la relación de este hombre mayor y un niño, agredido en una escuela de un Brooklyn bello pero difícil y reo. Vincent es un veterano de Vietnam, malhumorado, atormentado, con muchos vicios que van desde el cigarrillo hasta el alcohol, pasando por las apuestas en carreras de caballos, sin un dólar a mano, con su mujer en un geriátrico y una amante rusa (la bella Naomí Watts) que está embarazada. Por esas cosas del destino, Vincent se ve involucrado con una nueva vecina (Melissa McCarthy) y su pequeño de 12 años (Jarden Lieberther).

Bill Murray sabe cómo adueñarse de su personaje y hacerlo vivir el entorno que le toca en suerte. Su rol es ir a buscar al niño a la salida del colegio religioso, transformándose en un singular “babysitter”, recibiendo un sueldo a cambio. Aquí se ve la mano de Theodore Melfi en el tratamiento del guión y la dirección actoral, dejando con sabiduría que Murray y el elenco se explayen en sus roles sin notar el invisible hilo que los sostiene.

El film tiene varios golpes bajos, hay un tosco sentimentalismo, y una serie de clishés y algunas sobreactuaciones de Bill Murray que, sin embargo, atrapan, no declinan el interés por este personaje, eje del film. Bill Murray se transforma no solo en el “babysitter” que la ficción le exige sino también en el sostén de un muy buen elenco. Y por esta actuación que es superlativa le damos un “muy bueno” al film, sin olvidarnos que, detrás de Bill Murray, hay títulos inolvidables como “Hechizo del tiempo”, “Perdidos en Tokio”, y los lejanos films de entretenimientos sobre los “cazadores de fantasmas”. Murray hace suyo el film y merece verse.

Carlos Pierre

BÚSQUEDA IMPLACABLE 3 (TAKEN 3)

De Olivier Megaton. Con Liam Neeson, Famke Jansson, Maggie Grace, Forest Whitaker. Musica de Nathaniel Méchaly. Duración: 109 minutos. Guión y producción de Luc Besson.

REGULAR. DESANGELADA BÚSQUEDA

Los policiales son atractivos, aún con sus menos… En este caso, esta tercera película final de la saga “Taken” (se inició en el 2008 y continuó con Taken 2 en el 2012), luce sin gracia, desangelada, atada a clishés de los que ha sabido crear Luc Besson y su mano está más que clara, con algunas escenas que nos recuerdan y mucho a “Lucy” (esos pasillos largos plagados de custodios muertos a tiros). Para Liam Nesson, uno de los grandes actores de Hollywood, la franquicia de Besson lo catapultó a la taquilla nuevamente (en su haber tiene la magnífica “La lista de Schindler” o “Kinsey”, entre tantos otros títulos), valiéndose del mismo director de “Taken 2”, Olivier Megaton, que pertenece a su estrecho círculo de colaboradores. Film francés con actores ingleses e irlandeses. Recordemos la otra franquicia de Besson, “El transportador”, que le dio fama mundial al excelente actor inglés Jason Statham, conocido en su país por su labor teatral. Es decir, Luc Besson le encontró la vuelta a su fábrica de sucesos de acción.

Hechas estas consideraciones, vamos al film en cuestión. Aquí el ex agente Bryan Mills se enfrenta al nuevo marido (¿acaso no había reiniciado su relación con Brian Mills en Taken 2?) de su ex esposa (una sensual Famke Janssen) y al asesinato de ésta, quedándole solo su hija (la bella Maggie Grace como “Kim Mills”) para defender. Tan previsible es la historia que ni habría valido la pena la película porque, de entrada, nos damos cuenta de quién es el asesino, a pesar de que Besson hizo giros en la trama para alentar el suspenso. Inútiles. Está “Franck Dotzler” (Forest Whitaker, de quien nunca olvidaremos su interpretación en “El último rey de Escocia” y la más reciente “El mayordomo”) como el inspector que sigue los pasos de “Mills” con escasa suerte. Un rol de taquito para Whitaker.

Entre los hechos que pueden desalentar al espectador es la no ubicación real del film, qué ciudad, dónde estamos. Todo indica que es Los Angeles donde efectivamente se filmó gran parte del film. Hay tomas interesantes aéreas y alguna secuencia lograda. En general, Liam Neeson luce agotado del personaje si bien, aún con dobles de riesgo, sale indemne de tanta acción. La cuestión pasa por su inexpresión, no nos transmite nada porque, evidentemente, Neeson ya está para otros personajes. Y Besson finiquitó su propia franquicia.

Elsa Bragato

INQUEBRANTABLE

De Angelina Jolie. Guión de los hermanos Cohen. Con Jack O’Connell, Miyavi, Garrett Hedlund, Jai Courtney, entre otros. Música de Alexandre Desplat. Duración: 134 minutos.

REGULAR. CÓMO QUEBRANTAR AL ESPECTADOR

El 26 de enero pasado Louis Zamperini habría cumplido 98 años, falleció el año pasado, luego de ser honrado por esta película, la segunda que filma Angelina Jolie (la anterior fue “En la tierra de sangre y miel”, una historia de amor en la Guerra de Bosnia, 2011). Pocos días después, se estrena el film basado en el libro de Laura Hillebrand sobre su vida. Los hermanos Cohen, creativos de alta alcurnia, y la misma Jolie se encargaron de este guión donde no se ahorró ningún sufrimiento para el espectador quien, en más de una oportunidad, se retorcerá en su butaca ante las escenas sin cortapisas que ve. El tema (honrando la vida de un atleta olímpico que soñó con participar en los juegos de Tokio, siendo enviado a la segunda guerra mundial desde 1941 a 1945) sobre la supervivencia en condiciones infrahumanas en las temibles barracas japonesas, castigos brutales, naufragio de 47 días en el Pacífico, ya lo hemos visto en “La vida de Pi”, “Kon-Tiki”, y “Un pasado imborrable” con Colin Firth y Nicole Kidman, donde se muestran las torturas japonesas, si bien las historias eran diferentes.

La actuación de Jack O’Connell es excelente y se nota el esfuerzo físico para el rol: de tener un peso normal a llegar a ser esquelético en los campos de concentración de Japón; el resto del elenco cumple con su tarea denotando profesionalismo y buena dirección de Angelina Jolie. La fotografía también es estupenda, especialmente en las secuencias iniciales donde se muestra la lucha aérea de los Aliados y los escasos recursos de este batallón. El naufragio es inmediato y los sobrevivientes, entre ellos Louis Zamperini, se aferran a botes salvavidas donde pasarán más de un mes. He aquí escenas que nos hacen saltar de la butaca como la caza y despanzurramiento de una gaviota, de un pez-pescado comido casi vivo a mordiscones desesperados y de un tiburón. Y luego la captura por los japoneses donde Zamperini es violentado por el jefe de las barracas, el temible Mutsuhiro Watanabe apodado “El pájaro“, quien estuvo 7 años escondido después de la guerray, aún siendo catalogado como un asesino, logró escapar del juicio por torturas, falleciendo en el 2003.

Las trompadas que recibe “Louis Zamperini” por orden de “El pájaro” de cada uno de los prisioneros de guerra, uno a uno, hasta quedar destruido, los latigazos en su rostro que le propina “El pájaro”, los bastonazos en su frágil cuerpo, son larguísimas secuencias que terminan por agotar al espectador ante tanto sufrimiento (sin dudas, real). Zamperini, en su propia vida (regresó con la llama olímpica a Tokio ya superando los 80 años), fue más fuerte espiritual y físicamente que cualquier espectador que debe tolerar la seguidilla de torturas bien completitas a las que fue sometido.

El film resulta una narración audiovisual de manual. A su favor está la biografía de Louis Zamperini por lo que el traslado al cine de la pieza literaria debió ser lo más fiel posible. En su contra, la realización es convencional como indicamos, aunque se destaca la actuación de Jack O’Connell. Poco convincente resulta el japonés “Miyavi”, reiterativo en sus expresiones y parlamentos. Innecesariamente extensa, añadimos que inquebrantable fue Zamperini. Quebrantable es la tolerancia del espectador.

Elsa Bragato

 

JUEVES 22 DE ENERO DEL 2015.-

Hay seis estrenos de cine. Además de los que comentamos, llegan a la pantalla “Mortdecai” con Johnny Depp, basada en una famosa trilogía literaria; para los chicos, “Los pingüinos de Madagascar”, surgidos de la estupenda “Madagascar”, y la nacional “Libre de sospecha”, policial de Emilio Blanco que protagoniza Miguel Habud.

LA DAMA DE NEGRO 2 (EL ÁNGEL DE LA MUERTE)

De Tom Harper. Con Phoebe Fox, Helen McCrory, Jeremy Irvine, Leilah de Meza, entre otros. Música de Marco Beltrami, Brandon Roberts y Marcus Tramp. Duración: 98 minutos.

REGULAR. MÁS QUE TERROR, RISAS…

No valió el salto del siglo XIX de “La dama de negro” a la Segunda Guerra Mundial del siglo XX para lograr un acendrado terror en esa forzada secuela. Encontramos la casa en ruinas, siempre cargada de una mala energía que no logra efectos salvo sustos por audios excesivos y clishés de lo que sería “un terror original”, y la locación es la isla separada de tierra firme por ondulantes marismas, terrenos bajos y pantanosos que se inundan por las aguas del mar.

Ocho niños son llevados a la casa para huir de los bombardeos nazis. Sus ocasionales tutores son una rígida directora de escuela (Helen McCrory), una joven maestro (Phoebe Fox) y un desplazado aviador de la RAF (Jeremy Irvine, que debutara en la fantástica “Caballo de guerra” de Steven Spielberg). Uno de los niños es huérfano y, como en la versión anterior, cae atrapado en las pantanosas marismas.

En realidad, es la película en sí la que está atrapada y empantanada, y el destino de los personajes no fluye, no hay evolución sino gags y “sustitos”. Se percibe claramente un clima forzado con situaciones imprevistas pero que, lejos de causar miedo, mueven a risa. Debiera ser una gran preocupación para los productores el haber lanzado este film como secuela de un éxito, una “dama de negro” devaluada, con actuaciones que no convencen, y con esfuerzos denonados por salvarla de las propias marismas. Olvidable.

Carlos Pierre

AMERICAN SNIPER – FRANCOTIRADOR

De Clnt Eastwood. Con Bradley Cooper, Sienna Miller, Luke Grimes, Kyle Gallner, entre otros. Duración: 132 minutos.

EXCELENTE. EASTWOOD A TODO NADA EN GRAN FILM BÉLICO

El cine bélico ha regresado en estos días con muy buenas producciones: la que comentaremos y el film protagonizado por Brad Pitt, “Corazones de hierro – Fury”. Esta última, más romántica aunque cruel, y la de Eastwood, una de esas narraciones del gran director que conmueven porque son mucho más que secuencias intensas en contenido y en imágenes.

Clint Eastwood tomó el libro de Chris Kyle, asesinado en el 2013 por un ex combatiente. En su corta vida, logró ser el francotirador que más bajas produjo en Irak, cargando sobre su alma la muerte de un niño que llevaba una granada para arrojarla a un batallón de marines. Eastwood repasa con habilidad de cámara y de criterio la vida personal de este “SEAL” (marine francotirador para tierra, aire y mar), su casamiento, el nacimiento de sus hijos, y su noble principio de combatir para salvar a su país del terrorismo. Y no nos ahorra tremendas escenas porque de eso se trata la guerra. Pero va más allá. En la brillante interpretación de Bradley Cooper (uno de los productores del film junto con Malpaso, la productora de C. Eastwood) se percibe, nos llega al corazón, la lucha interior de Chris entre matar para salvar a su gente y el sinsentido de la guerra que sobrevuela en cada tiro certero que da.

La figura del héroe entonces, y solo por la reflexión de Clint Eastwood, es puesta en tela de juicio: Chris Kyle logra renombre entre sus camaradas, mientras se enfrenta a situaciones complejas en su matrimonio. La tragedia no es solo la los iraquíes,

Chris Kyle debe matar al francotirador iraquí más famoso, tan popular como él. La notable tecnología militar estadounidense se pone en marcha: al mejor estilo “google”, se sobrevuela la zona con una espectacular toma-secuencia, hasta determinar el lugar del “asalto”. La pantalla se recorta y queda enmarcada en la pared de los mandamás del Pentágono. Desde allí, C.Kyle recibe las órdenes y se le indica por donde se acercan los enemigos. Es el comienzo de una de las secuencias más impresionantes vistas hasta ahora donde, en medio de un polvillo rojo intenso, se mueven como sombras los soldados, son heridos, otros son muertos, caen y manos salvadoras los rescatan. Increíble ejercicio de filmación, que incluye efectos especiales.

Resulta también innovador el trabajo del sonido en postproducción. A diferencia de otros filmes suyos, Clint Eastwood utiliza percusión para acentuar el drama o la tragedia que se avecinan. Y sobre el final, el angustiante “Toque de silencio” que se ejecuta con trompeta (surgió en 1862 durante la Guerra de Secesión de los Estados Unidos) se funde en una variación con pocos instrumentos. Tremendo cierre que nos deja un interrogante, como el solitario toque de queda, y variaciones que debieran tener respuestas: ¿de qué vale tanta perfección para matar? ¿De qué vale la crueldad del fundamentalismo de cualquier índole como la venganza en un niño al que se le perfora la cabeza? ¿No es hora de que todos digamos “basta” a este poderío insano de balas, metralletas, granadas, e inútil perfeccionismo para matar? Clint Eastwood, a los 84 años, nos deja un film memorable y un legado de reflexiones a su país y al mundo.

Elsa Bragato

WHIPLASH

De Damien Chazelle. Con J.K. Simmons, Miles Teller, Melissa Benoist, entre otros. Música de Justin Hurwitz. Duración: 106 minutos.

MUY BUENA. LA OTRA CARA DE LA MÚSICA

En principio, debemos decir que si a usted no le interesa la batería, la música en general y menos el jazz, no vea este film. Pero si a usted lo emociona el “detrás de escena”, la generación de un artista, sea cual fuere su especialidad, no deje de ver “Whiplash” que literalmente significa “latigazo”. Y es el que dan los bateristas cada vez que ponen sus palillos sobre los diferentes “drums” o elementos de la batería. Agregamos que el tema que da título al film pertenece a Hank Levy.

Poco se sabe sobre la formación de un músico. Y podría resultar exagerado el notable director de orquesta que encarna J.K. Simmons (posible ganador del Oscar al mejor actor de reparto) músico en su juventud. Sin embargo, esta película retrata, aún en la exageración que indicamos, la dura tarea de un músico profesional, el batallar horas con su instrumento y someterse a un régimen de perfeccionamiento cotidiano a solas y dentro de una orquesta o “banda”.

“Andrew Neyman”, a cargo del joven actor Miles Teller, quiere ser un gran baterista. Y se topa con un exigente director musical, el maestro Terence Fletchner. La ofensa, los golpes, la sangre en las manos y los dedos por tocar sin parar, no son imaginaciones del film sino la dura realidad de cualquier profesional de la música. La escuela europea “goza” de estas cualidades que incluyen hasta la frustración de alguien con la capacidad para ser músico. Es el pan cotidiano. Y en nuestro país hay renombrados casos de directores de orquesta que apelaron a la frustración, al golpe y al insulto para que sus cantantes y músicos fuesen los mejores aún a costa de problemas de salud.

El realizador Damien Chazelle (se conoció solo un film anterior suyo en uno de los festivales de cine de Mar del Plata, un corto donde retrató su propia brutal experiencia como estudiante de música) ha recibido numerosos premios en el último Sundance Festival por este film así como está nominado a cinco premios Oscar 2015. Más que merecidos reconocimientos porque ha sabido captar el significado de ser músico profesional. El premio musical para el espectador son algunas canciones que la banda del film ejecuta como “Caravana” y la melodía que da título al film, “Whiplash”,con un exigente “latigazo” doble de la batería. Imperdible.

Elsa Bragato

CON PECADO CONCEBIDOS

De Vinko Bresan. Con Kesimir Mikic, Niksa Butjer, Marija Skaricic, entre otros. Música de Mate Matisic. Duración: 94 minutos.

MUY BUENA. UNA JOYITA DE SÁTIRA SOCIAL

Vinko Bresan es un aclamado director croata, nacido en Zagreb, de 51 años, que llega a nuestras salas con una de las mejores comedias europeas de los últimos tiempos. “Con pecado concebidas” es el título en castellano de su “Los hijos del cura”, en otra traducción de “Svenekikova djeca”. En una isla del Adriático, un joven sacerdote que llega para ayudar al párroco del lugar observa que hay más fallecimientos que nacimientos y, en combinación con el quiosquero de lugar y el farmacéutico, deciden “pinchar” los condones para que no cumplan su función. La isla se convertirá en un polo de atracción para los turistas que desean ser padres, provocando un desenlace insólito la llegada del obispo. La tragedia que se avecina tiene un desarrollo coherente que no abandona esa suerte de picaresca que Bresan ha utilizado desde el comienzo. Quedan envueltos y enredados desde los dogmas más recalcitrantes hasta la convivencia de pocas almas en una pequeña isla.

Una pequeña joya de análisis sociopolítico donde las secuencias novedosas son un solo un aporte a una narración aparentemente clásica. Vinki Bresan muestra su poder de síntesis en una inteligente comedia… para pensar.

Elsa Bragato

 

JUEVES 15 DE ENERO DEL 2015.-

Hay cuatro estrenos esta semana que incluyen la comedia romántica “Los imprevistos del amor”, de Christian Ditter para los más jóvenes y afectos a los diálogos melifuos.

EL SÉPTIMO HIJO 3D

De Sergey Bodrow. Con Jeff Bridges, Julianne Moore, Ben Barnes, Kit Harington, Alicia VIkander, entre otros. Música de Marco Beltrami. Duración: 103 minutos.

MUY BUENA. ENTRETENIDA FANTASÍA SOBRE ESPECTROS Y BRUJAS

Jeff Bridges a sus 65 años parece empeñado en interpretar a personajes estrambóticos, al estilo de Johnny Depp, que lo alejan de los roles románticos y profundamente dramáticos como el de “The door in the floor” o “Crazy Heart” que le valió su primer Oscar como mejor actor, sin desestimar “True grit”. Una aldea medieval, un bosque de espectros al que “Maestro Gregory”, su personaje en “El séptimo hijo” , frecuenta y una lucha con una ex amante, la bruja Malkin interpretada por la bella JuliAnne Moore, son el entorno primario de esta película basada en el primer libro de la saga “”Crónicas de la piedra Ward” de Joseph Delaney, lo cual asegura una franquicia exitosa.

El séptimo hijo del séptimo hijo está encarnado por Ben Barnes como “Tom”, cuya madre ha sido una bruja hecha y derecha en el pasado pero de las buenas. Jeff Bridges se encarga de darle a su “espectro Gregory” un matiz muy personal y esperado por la audiencia con frases que suenan a “morcilleo” y sin duda alguna simpáticas y atrapantes. Y Julianne Moore es una maldita con todas las ganas, acentuando estas características por un make-up de base blanca con tiznes negros alrededor de los ojos en los momentos cruciales. La cuestión de Maestro Gregory es terminar con la maldad en el mundo que encarna esta ex amante suya que mató a su esposa. Y a uno de sus jóvenes ayudantes.

El camino es largo y permite una narración más que entretenida y disfrutable, con seres malignos que, de polvo en movimiento, se transforman o en aves espantosas o bien se depositan en el suelo como bellas mujeres. La técnica actual todo lo puede. Precipicios que terminan en bellos mares azules, impactante secuencia inicial sobrevolando montañas y la cumbre de una de ellas donde un joven Gregory hace de las suyas con Malkin, son atractivas secuencias a pura acción y música incidental del gran Marco Beltrami.

Destacamos la fotografía, el diseño de producción, el diseño del sonido, el vestuario, y la escenografía, así como los efectos especiales que apuntábamos. Si queremos valorar la interpretación, Jeff Bridges está en su salsa componiendo a este espectro que no lo parece y que, con más de seis décadas de vida, se da el lujo de participar de coreografías de peleas espectaculares. Es una lucha cuerpo a cuerpo con brujas y amantes del bien, bocas gigantescas de dragones que “comen” al espectador, cataratas fantásticas, además de un romance entre los juveniles Ben Barnes y la fotogénica Alicia Vikander en medio de espectaculares secuencias de fuego, calaveras, monstruos y espadas al rojo vivo. ¿Un “Señor de los anillos” devaluado? Puede ser, pero entretiene y vaya cómo!

Elsa Bragato

13 PECADOS

De Daniel Stamm. Con Mark Webber, Devon Graye, Tom Bower, Rutina Vesley, Ron Perlman y Pruitt Taylor Vince. Música de Michael Wandmacher. Duración: 92 minutos.

BUENA. …PORQUE ATRAPA, NADA MÁS

El realizador alemán Daniel Stamm (El último exorcista) se basó en el film tailandés “13: Game of death” para narrar esta historia ambientada en una nada ostentosa Nueva Orleans, “cuna” de otros films gore de superior factura (recordar “Angel Heart”). Un vendedor de seguros (Mark Webber) pierde su trabajo y tiene la agobiante responsabilidad de sostener a su novia embarazada, a su hermano discapacitado y a su padre minusválido. Un reguero de golpes bajos… Este infortunado hombre recibe un llamado donde se le informa que puede participar de un reality show realizando 13 tareas de crueldad en aumento por lo que podría ganar hasta 6 millones de dólares. Una característica de este show es que deberá matar y comer una mosca (¡Marley lo superó ampliamente en la ingesta de insectos!). El juego va tornándose más temerario y sangriento. Manipulado por espectadores invisibles, debe completar las tareas que lo llevan a un camino sangriento y sin retorno.

La narración se va tornando, a su vez, menos creíble. Sin embargo, es rescatable el interés que despierta cada tarea por la actuación de Mark Webber, endemoniado y consustanciado con cada pecado, según el guión que resulta bastante ingenioso en algunas secuencias, si bien las palmas se la sigue llevando el film original tailandés.

Por momentos, las vueltas de tuerca de la trama resultan sorpresivas y nos conducen a un final con sangre que brota de la pantalla, cruel, despiadado e inhumano.

Es regular el resultado final de la película pero resulta buena la destreza narrativa para superar sus propios escollos. No es un “gore” genuino, tampoco un policial acabado. Es un desquiciado juego que solo puede gustarle a los seguidores del género en un film menor.

Carlos Pierre

CORAZONES DE HIERRO

De David Ayer. Con Brad Pitt, Shia Labeouf, Logan Lerman, Michael Peña, Jon Brnthal y Brad William Henke. Música de Steven Price. Duración: 134 minutos.

MUY BUENA. OTRA DE GUERRA PARA BRAD PITT

A la manera de “Rescatando al soldado Ryan”, David Ayer (guionista de “Día de entrenamiento) pone a Brad Pitt al frente de un batallón sobre finales de la segunda guerra mundial en plena Alemania (un toque de “Bastardos sin gloria” de Q. Tarantino) tratando de sofocar los últimos ataques de los soldados de Hitler que no estaban enterados del fin de la conflagración. Tienen una misión sin retorno a cumplir y cuentan con un casi destartalado tanque Sherman, inferior a los tanques alemanes en todos sus aspectos. Buena parte del film transcurre en ese interior donde la amistad, el compañerismo, la solidaridad, se transforman en los sentimientos cotidianos. Un novato religioso que jamás mató a nadie es sumado a este grupo de hombres que se han pasado toda la guerra a sangre y fuego.

Una espectacular toma inicial, un plano largo con un jinete que asoma en el centro y a lo lejos en medio de un campo de batalla reducido a muerte e incendios, nos pone en tema de inmediato. “Don “Wardaddy” Collier” – Brad Pitt recibe a un novato al que debe entrenar incluso obligándolo a fusilar a los alemanes que encuentran en el camino. De aquí en más, las secuencias serán muy duras con algunas escasas muy clishés: el aliado que se mete en una casa y pide comida y baño, la pelea por una joven alemana, la piedad del líder del batallón por sus impiadosos compañeros y el novato. Un remanso en medio de escenas filmadas en medio plano de una verosimilitud pocas veces vista hasta ahora gracias a la tecnología.

Esa Europa con lluvias en abril del 45, los tanques que aplastan a restos de cuerpos de soldados en su paso hacia las aldeas, las granadas que explotan y se producen despedazamientos de cuerpos en las narices del espectador, las luchas finales en un ambiente de polvo rojizo, balazos que retuercen de dolor, edificios que se derrumban y cuerpos que asoman en los escombros, un final preanunciado pero aceptado, son solo algunos d e los elementos de esta film sobre un hecho pequeño y particular de una segunda guerra mundial que pudo o no existir tal como se lo cuenta, pero que sin duda forma parte de muchas luchas solitarias de pequeños grupos de hombres para derrotar al nazismo.

Como detalle visual está el corte de pelo de Brad Pitt y algunos de sus compañeros, pelados a los costados y con copete, un estilo tan de moda hoy que se ve en algunas fotografías de la época y no en todos los batallones. Otras particularidades del film es que se rodó en la campiña inglesa y que se empleó el único tanque Panzer VI Tiger utilizable, perteneciente al Museo de Tanques de Bovington, de Dorset, al Sur de Gran Bretaña.

Es un film de guerra que impresiona, de gran realización, con buenas actuaciones aunque tenga algunos clishés. Fuerte, dura, sin medias tintas. No hay que desestimarlo porque su realismo es impactante.

Elsa Bragato

 

JUEVES 8 DE ENERO DEL 2015.-

Hay seis estrenos, todos muy interesantes. Entre ellos, el nuevo film del realizador nacional Juan Taratuto titulado “Papeles en el viento” con un superelenco integrado por Pablo Rago, Diego Peretti, Diego Torres y Pablo Echarri, así como el documental nacional “Sordo”, de Marcos Martínez.

SIN CONTROL (JOHN WICK)

De David Leitch y Chad Stahlski. Con Keanu Reeves, Willem Dafoe, Alfie Allen, Michael Nywvis, entre otros. Música de Joel J. Richard, Tyler Bates. Duración: 101 minutos.

BUENA. ACCIÓN Y SUSPENSO AL POR MAYOR

Keanu Reeves, en sus flamantes 50 años, regresa a la pantalla alejado de su personaje de “Matrix” y logra convencernos de que es un asesino retirado. Conforma, junto a Denzel Washington y Liam Neeson, la trilogía de los cincuentones que se mantienen en forma para realizar films de intensa acción física, aunque sea coreografiada y tengan dobles de acción para algunas secuencias.

Para entrar en tema, nunca te metas con alguien que acaba de perder a su esposa, le roban su Mustang 601 y le matan a su perro, regalo de la mujer para que la recuerde. Es el caso de John Wick, el personaje que compone Reeves, un asesino a sueldo que se retiró pero que, ante la sangrienta acción de un joven mafioso (Ian McShane), decide volver a las armas e iniciar una sangrienta venganza.

El guión está ambientado en New York, buscando los personajes delictivos que deambulan en la gran ciudad. La mafia rusa es una de las presencias más actuales y el joven mafioso es el hijo del máximo gangster ruso (Michael Nyqvis), ex jefe de Wick, quien sabe muy bien que el ex asesino no perdona y su hijo corre peligro de vida.

Con una fuerte presencia de la ciudad de los rascacielos, de una fotogénica y singular New Jersey, con tomas zenitales iluminadas, con secuencias del bajo fondo, miserable y sofisticado a la vez, los directores Leitch y Stahlski muestran las dos caras de una misma moneda. Hay una densa telaraña de submundo que va envolviendo la historia y, junto a los violentos, están los que hacen un culto de la amistad como el personaje que encara Willem Dafoe junto a la bella y malísima a la vez Adrianne Palicki.

Hay que destacar la intensidad creciente de la venganza que se desata, muy sangrienta y brutal, con ausencia de policías, aunque el escándalo provocado sea extremo, respetándose los clishés del género, especialmente cuando de mafias se trata. Kenue Reeves sale muy bien parado de esta performance, como el dúctil Willem Dafoe (que en el 2014 anduvo por Buenos Aires), la narración audiovisual está cuidada en todos sus detalles, coreografías de luchas realmente impactantes y balaceras que no dejan ganas de enfrentarse con John Wick aunque ya se habla de que lo volveremos a ver porque da para una saga. Un sólido policial con todos sus ingredientes.

Carlos Pierre

FOXCATCHER

De Bennet Miller. Con Steve Carell, Channing Tatum, Mark Ruffalo, Sienna Miller y Vanessa Redgrave, entre otros. Música de Rob Simonsen, West Dylan Thordson y Mychal Danna. Duración: 130 minutos.

MUY BUENA, INTENSA BIOPIC SOBRE UN MILLONARIO ASESINO

Bennet Miller es el consagrado realizador de “Capote” con el recordado Philip Seymour Hoffman como protagonista. Tiene un estilo narrativo muy especial, detallista, un tanto desangelado pero potente porque atrapa al espectador más allá de la historia en sí. En “Foxcatcher” nos regala otra película donde la narración no tiene fisuras, logrando una dirección de actores puntillosa, que acompaña con un trabajo estupendo en postproducción del sonido y una fotografía que le da aire, respiro, a la historia de los famosos luchadores Schultz, los hermanos Mark y Dave, contratados por el psicópata millonario John E. Du Pont. Mark está en la piel de Channing Tatum quien logra superar su etapa de carilindo para entregarnos una muy buena actuación, mientras que Steve Carell asombra como el magnate Du Pont al adoptar una gestualidad en la que solo reconocemos al personaje, la mirada fría y penetrante, el mentón levantado, el andar marchando.

Los datos son absolutamente reales y fueron tomados del libro de Mark Schultz quien, luego de ver el film, expresó su “odio” al director. Ciertamente, trasladar un texto literario a la narración cinematográfica no es sencillo y permite licencias que, como en este caso, produjeron el rechazo del real Schultz. Recordemos que los hermanos Schultz ganaron medallas de oro en los Juegos Olímpicos y que Mark Schultz fue dos veces campeón mundial.

Du Pont fue un excéntrico magnate, con serios problemas mentales, dominado por su madre (una envejecida Vanessa Redgrave, siempre eficaz aún en apariciones breves), que quiso convertir la finca, de enormes dimensiones, en el centro de entrenamiento de los Estados Unidos para los luchadores especializados en “lucha libre”. El primero en ser contratado es Mark, quien organiza ese centro y se transforma en el amigo del magnate en una relación profesional y fraternal, si bien el director Miller le da un toque, en una sola secuencia, de algo más personal, pero no lo define sino que lo deja librado al criterio del espectador (hecho rechazado por el auténtico Schultz). La mente enfermiza de D Pont lo llevó a odiarlo y hasta abofetearlo frente al grupo de luchadores, quebrándose toda relación. Sin embargo, contrató a su hermano mayor, Dave, para reemplazarlo como entrenador, intentando resquebrajar la relación de los hermanos. Du Pont está loco por lo que toma una decisión insólita, inesperada, pero no contamos nada más porque sería develar el “quid” de esta historia.

El tema en sí puede alejar a muchos espectadores: la lucha libre, los ganchos entre los cuerpos, y otro tipo de posturas para enfrentar al contrincante son secuencias muy extensas a las que les falta pasión. Secas, a puro golpe, nos internan en los secretos de la lucha libre sin parlamentos. Y hay una parsimonia especial en Bennet Miller para mostrar en detalle las luchas, las presentaciones entre luchadores y el magnate, darle amplitud a la mirada extraviada y soberbia de Du Pont, lejos de algún rasgo de emoción. El personaje de Mark Ruffalo, Dave Schultz, es el que tiene más posibilidades de mostrar sus sentimientos, hay calidez en su entorno, y es un hermano mayor afectuoso que supo preparar a su hermano en la lucha, además de brindarle contención psicológica. Sin embargo, Ruffalo no se queda en la comodidad de un personaje amable sino que pone su cuerpo al servicio del mismo, estilizado, con músculos, y con diferencias notables en su aspecto. Nos regala una notable actuación. Como detalle apuntamos la música incidental, especialmente un piano que, con pocos acordes, crea climas opresivos en las secuencias en las que Miller elimina el audio y se ve el accionar de los actores.

Fría pero cercana a la perfección de la narración audiovisual, con algunos altibajos en la expresividad de Channing Tatum más allá de elogiar su gran trabajo (incluye un aumento excesivo de peso y una escena de furia bien lograda), “Foxcatcher” se acerca a los Oscars como firme candidata a alguna estatuilla. Cabe consignar que el film parece, por momentos, un panfleto republicano por los discursos de Du Pont frente a cámaras para difundir su centro de entrenamiento. Su afición por las armas de guerra, la práctica de tiro, y la reiterada mención a defender al país, lo transforman en un representante del actual “tea-party”. Una narración impecable y actuaciones para aplaudir.

Elsa Bragato

DE TAL PADRE TAL HIJO

Guión y dirección de Hirokazu Kore-Eda. Con Masahuru Fukuyama, Machiko Ono, Yoko Maki, entre otros. Música de Takeshi Matsubara, Junichi Matsumoto, Variaciones Goldberg de Bach. Duración: 121 minutos.

MUY BUENA. LA PATERNIDAD MÁS ALLÁ DE LOS HIJOS PROPIOS

Hirokazu Kore-Eda vuelve a sus temas preferidos, la vida intrafamiliar, y enfoca en la paternidad acuciada por leyes y condicionamientos no comunes pero hoy en día habituales como el cambio de los hijos de dos parejas en la maternidad donde vieron la luz. Con la minuciosidad propia del documental, género en el que Kore-Eda es también un avezado realizador, dos familias enfrentan la noticia de que sus hijos fueron cambiados por una nurse. La historia se va hilando con el sustento de un encuadre donde el paisaje de estas almas conmovidas está respaldado por una fotografía de líneas convergentes, en una ciudad muy moderna donde las pagodas no son parte de la cotidianeidad.

Uno de los matrimonios representa la clase media refinada del Japón, con modales delicados al extremo, mientras que la segunda pareja es más simple. Ni el dinero de uno ni la vida sencilla del otro pueden superar el drama que enfrentan ambos por igual: el niño que cada matrimonio ha criado le pertenece al otro, tras largos seis años. He aquí una paradoja existencial que la criminalidad ha provocado. Cómo resolver que los hijos se puedan adaptar a los verdaderos padres cuando fueron criados por otros padres? En la Argentina, el caso más crucial y doloroso está en los nietos recuperados por las Abuelas de Plaza de Mayo.

Las Variaciones Goldberg de Bach para piano acentúan el drama de esta historia inteligente y difícil sin excederse. Resulta muy interesante, atrapante, para el espectador el retrato de familia de cada matrimonio que realiza Kore-Eda, con emotividad y elegancia, pero con contundencia. El acierto del guión reside en no mostrar quiebres o dobleces en la conducta de los matrimonios, recursos fáciles para arribar a un final que nos coomplazca. Los lazos de sangre y el rigor de la ley se unen en una historia audaz, valiente, que, como dijimos, hemos conocido vastamente desde otro lugar, aunque todos sabemos que estos casos existen. Una gran película, bellamente emotiva y dramática.

Carlos Pierre
 

UNA NOCHE EN EL MUSEO 3, EL SECRETO DE LA TUMBA

De Shawn Levy. Con Ben Stiller, Owen Wilson, Robin Williams, Patrick Gallagher, Steve Coogan, Dan Stevens, Mickey Rooney, Dick Van Dyke, Ben Kingsley, Hugh Jackman, entre otros. Música de Alan Silvestri. Duración: 105 minutos.

MUY BUENA. INGENIOSA VUELTA DE TUERCA

Nos divierte y toca el corazón “Una noche en el museo 3” por la realización en sí y la presencia de dos grandes actores que ya no están: Mickey Rooney y Robin Williams, a quienes les está dedicado el film, además de la actuación de un ícono de la televisión de los 60, Dick Van Dyke, hoy de espléndidos 89 años. La vuelta de tuerca en el guión ha sido por demás efectiva a partir de la tabla de Ahkmenrah, encontrada en las excavaciones realizadas en Egipto en 1938. Es la que, de noche y por la luz de la luna, se ha venido activando permitiendo que esqueletos de “saurios” y hombres primitivos, así como el mono Dexter disecado y el mismísimo B. Roosevelt (Robin Williams), entre otros personajes, cobren vida y disfruten en las madrugadas de una fraternal convivencia bajo la mirada del guardia nocturno que compone Ben Stiller, “Larry Daley”.

La tabla egipcia está perdiendo poder por una extraña corrosión y “Larry” y sus amigos deciden viajar al British Museum de Londres donde están los padres del Faraón Ahkmenrah, conocedores del secreto de reactivación de la misma. El joven faraón decide quedarse con sus padres y con la tabla, por lo que los seres del museo de Nueva York ya no podrán tener vida. He aquí el dilema que encuentra una vía de solución en la guardia femenina de Londres, la simpática “Tilly” (Rebel Williams).

Destacamos varias secuencias de humor y con muchos gags así como otras de enorme emotividad: cuando “Roosevelt”, o sea Robin Williams, se entera de que no tendrá vida por las noches en New York, le dice a “Larry” que “los deje ir”. Prepare el pañuelo… La partida del mono Dexter también sensibilizará a chicos y grandes. Pero a estas secuencias se le suman otras muy simpáticas como el asombro de “Lancelot” (Dan Stevens) por la representación de “Camelot” en un teatro londinense por Hugh Jackman, quien se presenta como él mismo. O cuando, por una tea que está blandiendo, Lancelot empieza a perder su nariz, que se derrite en la punta colgando ridículamente, o bien los famosos leones de piedra de Trafalgar Square, centro neurálgico de Londres, que cobran vida. También las secuencias iniciales de las excavaciones en Egipto en 1938 tienen una recreación impactante, así como la gran noche de reapertura del museo neoyorquino con las autoridades presentes y un cambio alocado en las actitudes de los habitantes del museo, las aventuras en Pompeya y la reactivación del volcán. Y resulta más que simpática la relación entre la joven rubia que es la guardia nocturna del museo británico y el hombre primitivo elaborado a imagen y semejanza de “Larry”. Quizás la más perfecta de las secuencias sea el baile nocturno, que dura segundos en pantalla, de los fragmentos de estatuas que, en el sector grecoromano, se lucen en el museo de Londres.

Podríamos hablar de evolución de los personajes o de transformación de otros. Pero sería inverosímil porque se parte de personajes de cera de un museo, y son lo que son. Pedirles más sería entrar en otro género y desvirtuar la esencia del entretenimiento que esta vez está logrado con creces siendo muy superior a la segunda entrega. En cuanto a los gags, están renovados por los fantásticos efectos especiales. El guión ha logrado un entorno diferente para los mismos personajes que resulta muy atrapante para el espectador.

Pensamos que esta tercera película de “Una noche en el museo” es realmente un regalo de humor, emotividad, y efectos especiales deslumbrantes que rodean a un elenco de grandes figuras. Fue la última participación actoral del gran Robin Williams y también de Mickey Rooney, en una brevísima aparición que emocionará a los adultos. No se la pierda. Es un entretenimiento hecho con madera noble.

NdeR: los tesoros egipcios fueron repartidos en varios museos del primer mundo. Por lo tanto, los féretros de las familias de los faraones quedaron separados entre Londres, París y New York especialmente (en los Museos del Vaticano hay también momias y féretros egipcios pero en menor cantidad). Este hecho explica que el hijo del gran faraón esté “viviendo” en el museo neoyorquino y sus padres, en el británico.

Elsa Bragato

 

JUEVES 1RO DE ENERO DEL 2015.-

OUIJA

De Stiles White. Con Shelley Henning, Olivia Cooke, Vivis Colombetti, Sierra Henermann, Daren Kagasoff, Ana Coto, Bianca Santos, Douglas Smith, entre otros. Música de Anton Sanko Duración: 89 minutos.

BUENA. SUSTOS EN CADENA PARA LOS MÁS JÓVENES

La Ouija es un viejo juego: una tabla, varios interesados en los espíritus y una pequeña madera que les irá armando un mensaje sobre un abecedario si el espíritu aparece. El consejo más sano es no meterse con la Ouija, no jugarlo porque, en verdad, no es un juego y se atraen espíritus malignos que no han podido subir y merodean nuestras viviendas tratando de cobrarse alguna venganza o sea matando al que se meta con ellos. A partir de esta premisa común, Stiles White armó un buen producto con jóvenes actores. Los adolescentes, especialmente en los últimos años de la escuela secundaria, son los preferidos para este tipo de género.

Una jovencita, que quedó sola en la casa, juega con una Ouija que encontró en el desván. Y termina ahorcándose. Sus amigas (una mesera y dos hermanas huérfanas de madre con el papá que ha viajado), su novio y el de la fallecida no superan la ausencia e intentan traerla a la tierra mediante el viejo juego. Su mejor amiga lo había practicado. La frase “Hola amigos” (en inglés) le aparece a todos y esto indica que nadie se salvará, salvo algún artilugio de último momento. Un fantasma está haciendo de las suyas y vaya cómo. Le cosieron los labios y solo espera que alguien corte esos malditos hilos y pueda lanzar su tenebroso grito de terror. Pero no se queda solo con este pedido. El alma en pena es bastante “malita” y se las trae.

No es una novedad. Ni el tema ni la presencia de adolescentes en el elenco. Pero Stiles White supo conseguir atmósferas opresivas, sustos que aumentan el terror y mantienen en vilo al espectador más avezado. Y la película, que no nos ofrece ninguna novedad, cumple con su objetivo, destinado especialmente a los más jóvenes.

El trabajo en el sonido es muy bueno y la banda sonora aparece en el momento justo acentuando el terror. Hay una excelente toma secuencia en los primeros minutos, y mucho silencio que funciona muy bien para meternos el miedo en el alma. Al menos, la narración es muy atractiva desde el punto de vista fotográfico y por los efectos conseguidos, si bien el film tuvo un presupuesto modesto. Por lo visto, muy bien empleado.

Elsa Bragato

EL HOBBIT: LA BATALLA DE LOS CINCO EJÉRCITOS

De Peter Jackson. Basada en El Hobbit de J.R.R.Tolkien. Tercera y última parte. Con Martin Freeman, Ian Holm, Christopher Lee, Benedict Cumberbatch, Cate Blanchett, Orlando Bloom, entre otros. Música de Howard Shore. Duración: 144 minutos.

BUENA. DESANGELADA SUCESIÓN DE BATALLAS

Esta tercera y última parte de El Hobbit : la batalla de los cinco ejércitos (las anteriores fueron El Hobbit: un viaje inesperado y El hobbit: la desolación de Smaug) encuentra a Bilbo Bolsón, tío de Frodo (el personaje que nos guía durante las tres películas de El señor de los Anillos en una sucesión de luchas y caminos mágicos) termina sus recuerdos sobre por qué tiene el llamado Anillo Unico, que dejará a su sobrino. La visita del Mago Gandalf en las anteriores dos películas lo lleva a una serie de luchas impensadas. En este caso, está en la Ciudad de los Lagos, una reminiscencia muy bella de Venecia, donde se acerca un gran peligro, tal como terminó el segundo film: se ha despertado una fuerza maligna, la del estupendo dragón Smaug que le ha robado el tesoro a los enanos y los ha echado de sus tierras. Bilbo no consigue que Thorin, enano poderoso, devuelva el tesoro y provoca luchas impensadas con los Orcos y otros ejércitos. Y el incendio de toda la Ciudad de los Lagos en secuencias de notable valor estético y técnico.

El film se vuelve alocado por las luchas cuerpo a cuerpo, muy bien coreografiadas, que se añaden a las batallas, impulsadas por la tecnología que produce miles de soldados en la pantalla. Tiene un punto de unión que salva de la incoherencia total al guión y es Bilbo joven (Martin Freeman) y ya anciano, cuando ha comenzado a recordar lo que estamos viendo, personaje que encarna el actor Ian Holm.

Mantener en alto la franquicia ha provocado esta caída en tres films vistosos pero sin la pasión que existió en la trilogía “El señor de los anillos”, única en su género marcando un hito en la historia del cine. En los tres Hobbits, incluyendo esta última parte que tiene puntos de enlace con “El señor…” (uno d e los guionistas es nada menos que Guillermo del Toro, hombre de fantástica imaginación) se sumaron otros escritos de Tolkien. Y hay luchas y hechos que no están en los libros originales de Tolkien. Esto debe ser así siempre que se transporta un texto literario al cine por obvias razones de narración audiovisual. Sin embargo, en este caso hay muchos elementos que se agregan y no aportan nada.

Destacamos la secuencia de la furia de Smaug sobre la Ciudad de los Lagos, la lucha cuerpo a cuerpo de Thorin con el troll Azog sobre el hielo, cierto romanticismo sin gracia y frío entre Tauriel y Kili, y las batallas que están realizadas a la perfección. En medio de estas secuencias, solo se suman hechos que alargan el film sin gracia alguna. Cate Blanchett está desconocida tanto física como actoralmente.

Es una película atractiva visualmente, pero con baches argumentales que tal vez sean exceso de personajes y de hechos. Distrae, establece la unión con la trilogía “El señor…” pero sin esa pasión que sentimos a flor de piel en la primera trilogía mencionada. Faltó ángel y sobró tecnicismo a favor de una franquicia que debe ser taquillera sí o sí.

Elsa Bragato

LA FAMILIA BELIER

DE Eric Lartigau. Con Karin Viard, Francois Damiens, Louane Emera, Roxane Duran, entre otros. Música de Michel Sardou. Duración: 100 minutos.

BUENA. BOCANADA DE AIRE FRESCO PARA EMPEZAR EL AÑO

“La familia Belier” es aire puro, fresco, para comenzar un año con esperanzas, con ganas de que todo es posible, aún en medio de las adversidades. Una sugerencia, más que moraleja, que debió estrenarse en Navidad. Así las cosas, decimos que es una comedia bien francesa, sobre una familia afincada en las afueras de la ciudad, dedicada a la fabricación de queso a partir de sus propias vacas. El padre (Rodolphe Belier), la madre (Gigi) y el hijo pequeño (Quentin) son sordomudos. Solo la mayor, Paula (Louane Emera), de 16 años, no tiene discapacidad, y ayuda a sus seres queridos a comunicarse con el medio que los rodea. Paula canta en el coro del colegio y su voz llama la atención por lo que es llevada a un concurso de la Radio France.

La vida rural francesa es el entorno de este film e incluye el crecimiento de los hijos de la familia, que robustece aún más la gran conexión entre todos. De alguna manera, y allá a lo lejos, nos recuerda la excelente tira “Nano” de Canal 13 porque aquí Paula se comunica con sus padres y hermano mediante el lenguaje de señas. Ni aún con este detalle, el film pierde dinamismo. Todo es vertiginoso dentro de un clima muy amable y cálido.

La emoción es inevitable en varias secuencias y esto no significa que se caiga en el melodrama. Son emociones genuinas ante una realidad que nos puede tocar de cerca o no pero que está contada con buena entraña, en forma natural, con diálogos y situaciones que conmueven. Linda de ver, nuestros corazones no salen indemnes, salen emocionados y con una esperanzadora mirada sobre la vida. Pudo caerse en los clishés, en un costumbrismo pesado, en un melodrama familiar, pero no ocurre nada de eso. Una buena película para empezar el año sin efectos especiales y limpiarnos un poco el alma de tanta balacera que puebla la cartelera porteña.

Carlos Pierre

 

JUEVES 25 DE DICIEMBRE DEL 2014.-

EL APOCALIPSIS

De Vic Armstrong. Con Nicolás Cage, Cassi Thomson, Chad Michael Murray, Lea Thompson y Nicky Whelan. Música de Jack Lenz. Duración: 111 minutos.

REGULAR. CAÍDA EN PICADA DE NICOLÁS CAGE

Es un film raro que produce el efecto contrario en el espectador. O se ríe o se asusta. Por lo general, ocurre lo primero. Partimos de una antinomia entre el guión, con fuerte acento religioso, bíblico, y su realización, con una técnica muy buena y eficaz, donde no se escatimó lo puramente material, es decir, coches accidentados, disturbio sy saqueos que sobrevienen al rapto o desaparición de los niños del mundo y también de algunos hombres considerados “buenos”. Es la mano de Dios.

El guión se torna poco creíble y pueril al proponer este apocalipsis en la Tierra, y su correlato en un avión de línea entre New York y Londres piloteado por su impertérrito capitán, personaje que encarna Nicolás Cage. Este ha sido descubierto por su hija (Cassi Thomson) en una infidelidad con una azafata, y, desde tierra, sigue los avatares del avión tratando de hacerlo aterrizar.

Nada es convincente. Nicolás Cage como el papá “Rayford Steele” aparece forzado y hierático, sin expresividad frente a cámaras, no dota a su rol de nada. Para muchos, Cage toma cuanto papel se le alcanza en forma mecánica y no le importa nada más que su cachet. Es la impresión que da por lo que marca una “caída a pique” en su carrera aunque, por lo visto, no le preocupa.

Es una de las peores películas del año y va camino a recibir esta distinción, superando a “Transformers 4”, otro bodrio fenomenal.

Carlos Pierre

APUESTAS PERVERSAS (CHEAP THRILLS)

De E.L.Katz. Con Pat Healy, Sara Paxton, Ethan EMbry y David Koechner. Duración: 88 minutos.

REGULAR. DEGRADACIÓN HUMANA, SANGRIENTA Y MORBOSA

El cine independiente puede considerarse, en el género del gore y del terror, o una genialidad o una basura. Hay términos medios y es el caso de “Apuestas perversas” que remeda “Propuesta indecente” pero dentro de otro contexto: bajo presupuesto, cámara a puro medio plano en casi todas las secuencias, buenos actores y un guión sin distinción y sí cargado de escoria espiritual. El elenco salva a este film por rostros conocidos en el género del terror, de allí su presencia en diferentes festivales donde ha obtenido importantes galardones. En el circuito comercial, es una atracción para morbosos o bien una forma de acicatear el morbo del ser humano.

Craig pierde su trabajo y lo están por desalojar. Se reúne casualmente con un amigo de otras épocas y ambos, en una noche de tragos para olvidar el futuro negro que se les viene, aceptan el convite de un matrimonio de perversos, una bella mujer joven con un hombre de mediana edad que hace alarde de su dinero. La invitación está hecha: la casa y las apuestas, que irán cumpliendo los dos desgraciados hasta la automutilación o la escatología más degradante, el consumo de drogas y un “gore” intenso, bien logrado, pero desagradable. No siempre se puede mirar la pantalla grande. El dinero es el consuelo para estos desgraciados, es decir, dos hombres sin la gracia del futuro digno.

Se puede recomendar el film para los que aman este cine. El libre albedrío los guiará o no a la sala de cine pero se pagará la consecuencia de casi una hora y media de degradación humana. No nos complace este cine, entendemos su existencia, aplaudimos a los actores que sobreviven en ese medio, pero se pueden tener otras ideas para mostrar la pobreza espiritual y las consecuencias del capitalismo salvaje en la vida de los pueblos. La droga, la mutilación, las heces, no resultan edificantes. Ni siquiera por un puñado de dólares.

ESCOBAR: EL PARAÍSO PERDIDO

De Andrea Di Stefano. Con Josh Hutchrson, Benicio del Toro, Clauda Traisac, entre otros. Música de Max Ricther. Duración: 120 minutos.

MUY BUENA. POTENTE “BENICIO DEL TORO”

Elsa Bragato

ESCOBAR: PARAÍSO PERDIDO

De Andrea Di Stefano. Con Josh Hutcherson, Benicio del Toro, Claudia Traisac, Brady Corbet, entre otros. Música de Max Richter. Duración: 120 minutos.

MUY BUENA. BIOPIC FAMILIAR DE UN MONSTRUO

Está de moda en la televisión. No podía faltar del cine. “Escobar: paraíso perdido” es la otra cara de Pablo Escobar, el poderoso narcotraficante que fue considerado un dios por los pobres de sus país y un monstruo por sus enemigos, aún los supuestos, porque los mató sin piedad. Carga sobre sus espaldas miles de asesinatos. Murió en su ley. En el caso de la película, el debutante en largometrajes Andrea Di Stefano convocó a Benicio del Toro que, con bigotes, asemeja lindamente, hay que decirlo, al desagradable Escobar real. Pero está en segundo plano. La historia de este temible patrón del mal es tomada lateralmente. Un surfista canadiense se enamora de una bella colombiana que es nada menos que la sobrina de Pablo Escobar. Josh Hutcherson compone a Nick, el surfista canadiense, luego de ser el “Peeta” de las supertaquilleras “Los juegos del hambre”. El joven actor de 22 años no desentona y, junto con Benicio del Toro, compone un papel interesante que le da tinte de thriller romántico a un policial intenso.

“María” es Claudia Traisac y lleva al seno de su familia a Nick. La cotidianeidad del jefe de narcotráfico era diferente, amaba a su familia, pero eso no le impedía ordenar telefónicamente el asesinato de quien quisiera, como ocurrió con tres presidenciables de su país. Es interesante cómo Di Stefano no deja de lado la pintura social de Colombia, que es el fondo constante que sirve de justificación, aunque no se la comparta, a las actividades de Escobar. Amado por los pobres, con quienes se comportó como Robin Hood, este lado positivo se contrapuso siempre a su deseo de poder y de dinero, llegando a ser uno de los hombres más ricos del mundo.

Nick ve el horror del “entrecasa” del mafioso y, sin querer estar, queda en medio de situaciones que ayudan al thriller policial. Si nos atenemos al título, alude más a Pablo Escobar que a Nick, quien guía en buena medida el guión. Intentando una explicación, Escobar perdió su paraíso y el joven Nick, novio de la sobrina del narcotraficante, también. Lo que soñó no fue. El paraíso estuvo en el amor de María pero su realidad fue tan tremenda que perdió esa ilusión primera. Andrea Di Stefano cabalga entre el thriller violento, el policial atenuado y la comedia romántica casi costumbrista. No es poco, por lo que pueden notarse baches narrativos. La historia y la actuación de Del Toro suplen estas contingencias.

Agregamos que la actuación de Benicio del Toro, potente y sólida, aún en un segundo lugar, ocupa el primero porque es contundente. Del Toro tiene el suficiente oficio y el don de tornar sus performances en únicas, poderosas y atractivas para el público. Con sus más y sus menos, destacamos este film por aportar una muy buena visión del costado poco conocido del mafioso colombiano, y entrando en familia de una manera casi ingenua para toparse con la monstruosidad de un asesino sin piedad. No se la pierda.

Carlos Pierre