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COMENTARIOS SOBRE CINE
 

*Colaboración del crítico y productor Carlos Pierre

http://www.elsabragato.blogspot.com  El site de Elsa Bragato

Conoce los libros de Elsa Bragato

 Ver estrenos anteriores

 

 

 

 

JUEVES 28 DE MAYO DEL 2020.-
Hay tres estrenos nacionales en streaming. Jueves y sábado a las 20 por Cine.ar Play, luego desde el viernes en esta plataforma de forma gratuita durante una semana.

LA CHANCHA, de Franco Verdoia. Con Gabriel Goity, Esteban Meloni, Raquel Kamo, Gladys Florimonte, entre otros. Duración: 97 minutos. Coproducción Brasil-Argentina.

Se trata de un drama psicológico que remite al protagonista, Pablo, a su niñez, a sus ocho años, cuando fuese violado. Regresa a las sierras de Córdoba ya adulto junto a su mujer Raquel y su hijo, y se enfrenta cara a cara con su violador que hace intentos por seducir al pequeño hijo, Joao, de la joven pareja. El guión, premiado y elogiado, tiene fuerza y coherencia, y cumple con la metáfora planteada en el título. “La Chancha” es un animal que, en algunos casos, se come a su cría. El pez grande se come al chico, Goity seduce, fascina. Es ese adulto, pederasta, que no puede reprimir su bajo instinto ni siquiera con el hijo de Pablo. El cerro Uritorco con su magia, los valles cordobeses plácidos y bellos, conforman el ambiente que rodean a Pablo, su familia y el pederasta, centro de este thriller de excelente factura técnica con muy buenas actuaciones. Gabriel Goity, con pocos parlamentos y una gestualidad superlativa, logra componer un personaje nefasto a través del cual se pone sobre el tapete un drama social aún no solucionado. CP.-

EL CAZADOR, de Marco Berger. Con Juan Pablo Cestaro, Lautaro Rodríguez, Buan Barberini, entre otros. Duración: 81 minutos. Ezequiel tiene 15 años y siente el despertar sexual. Lo rodean jóvenes como él a quienes invita a su casa porque sus padres están de viaje. Sus encuentros gays son tratados con máxima delicadeza por Marco Berger, a quien le interesa la temática difícil, tabú. No cae en escatologías ni en escenas bajas. La idea de mostrar cómo los chicos pueden caer en una red de prostitución infantil queda apenas esbozada. El extremo cuidado por no lastimar la adolescencia impide un desarrollo superior de una temática muy interesante. Está lejos de Krampac, de Cesc Gay, 2000, y de Llámame por tu nombre, 2017, por la linealidad narrativa. EB

CATORCE, de Dan Sallitt. Duración: 94 minutos. En inglés con subtítulos en castellano. El cineasta norteamericano independiente Dan Sallitt, egresado de Havard, retrata la vida de dos amigas desde la secundaria: Mara y Jo (Tallie Medel y Norma Kubling). El mérito de Sallitt es haber buscado momentos claves en la vida de las dos jóvenes mujeres como narración diacrónica, sin flashback. Mara cae en abismo, mientras que Jo la sostiene dejando fluir, al mismo tiempo, su vida personal y profesional. He aquí el mérito del cineasta: mojones de vida, con un sentido estético minimalista y colorido. El tiempo va de escalón en escalón en la vida de las dos amigas, un vínculo que no se destruye, se autoalimenta por la fidelidad de Jo y la confianza de Mara. Por la capacidad de una de ellas para dar siempre y la incapacidad de la otra para no aceptar ni su propia entidad. EB

Esta película se estrena en la plataforma de Puentes de Vida, en su sala virtual

RECOMENDACIONES EN EL STREAMING

1.- EMMA, de Autumn de Ville. Con Anya Taylor-Joy, basada en la novela homónima de Jane Austen. La directora es una de las mejores fotógrafas de la actualidad, preciosismo fotográfico, riqueza visual, interpretada por una juvenil y rebelde Anya Taylor.Joy, Un film simpático, queridble, con excelente dirección de arte.

2.- COLA DE TIGRE, del coreano Alan Yang. Retrata la vida de un joven coreano que emigra recién casado a los Estados Unidos donde forja una vi9da y un buen pasar. Queda viudo y debe enfrentar la soledad y a su joven hija. Es un drama profundo, sostenido narrativamente, que expone un retrato familiar con honestidad- Muy buena.

3.- LA DECISIÓN, film iraní de Vahid Jalilvand. Es un reestreno. Notable mirada sobre los dilemas morales, sobre la ética personal y profesional. Excelente. Se emitirá a través de la SALA VIRTUAL del renovado CINE ARTE LUMIÉRE, que abre sus puertas este jueves, en este caso, virtuales.
 

JUEVES 20 DE MAYO DEL 2020.-

 

Varios estrenos con muy escasa difusión se dan este viernes en la plataforma “Cine.ar TV”, a la que se puede acceder registrándose, procedimiento muy rápido y sencillo, en forma gratuita los jueves y sábados a las 20 horas y 22 horas respectivamente. Y, desde el viernes siguiente, durante ocho días, en forma gratuita también.

 

1.- SOLO, documental de Artemio Benki. Con Martín Perino, Federico Daniel Bustos, entre otros. Toma el caso de Martín Perino quien recibe el diagnóstico de Esquizofrenia Paranoide y es internado en el Borda, a raíz de conflictos familiares. Al salir de la internación, busca una forma de vida que encuentra en el piano, brillando por su virtuosismo.

 

2.- MIRAGEN. De Eryk Rocha. Ficción con Fabricio Boliveira, Barbara Colen, Inés Estévez y Luis Ziembrowski. Coproducción Argentino- Brasileña. Presentado en el BFI del año pasado, esta coproducción obtuvo varios premios, entre ellos, el de mejor actor para Fabricio Boliveira en el festival de Cine del Brasil, así como también resultó galardonada la fotografía. Retrata la vida de Paulo quien no puede ver a su hijo por deber las cuotas alimentarias. Se decide a trabajar en un taxi en medio de una sociedad convulsionada como la brasileña- Su situación personal plagada de miedo y sinsabores se choca con una realidad distópica de la que no será fácil sustraerse.

 

RECOMENDACIONES

 

1.- STREAMING

PINOCCHIO” de Matteo Garrone con Roberto Benigni. Relata la vida del tradicional muñeco de madera que cobra vida de las manos de su “padre humano”, Giuseppe. El autor del famoso cuento fue Carlos Lorenzini, quien adoptó como apellido artístico el nombre de la ciudad de su madre y donde pasó su infancia: Collodi, cercana a Lucca, en la provincia de Florencia, Italia. Tiene una realización estupenda, con recreaciones de los personajes que fue encontrando en su camino el popular muñeco que llaman la atención: Es desbordante el diseño de arte, así como la fotografía y las actuaciones. Excelente. CP

 

A HIDDEN LIFE, de Terrence Malick. Con August Diehl, Valerie Pachner, entre otros. Austria. Estupenda ficción sobre el amor de Franz y FRanziska que se casan antes de la Segunda Guerra Mundial. El advenimiento de las acciones bélicas trastocará sus vidas. Más que diálogos, hay momentos del film de profunda intimidad a través de la gestualidad de los protagonistas y de la fotografía. Los paisajes, el joven matrimonio, y la tragedia de una guerra, se unen para dejar una historia maravillosamente contada describiéndonos sus enormes tristezas y alegrías. EB

 

2.- YOUTUBE

 

DÍAS DE VINO Y ROSAS, de Blake Edwards. Con Jack Lemmon y Lee Remick, entre otros. Vamos al rescate de esta élicula que marcó una época, realizada en Blanco y Negro por el notable director Blake Edwards, esposo de Julie Andrews hasta el final de sus días. La película se estrenó en 1962, siendo nominada al Oscar. La melodía que lleva el título del film fue compuesta por Henry Mancini y J. Mercer. quien obtuvo el Oscar por la misma. EB-CP

 

3.- NETFLIX

 

A SECRET LOVE, de Chris Bolan, relata la vida de Terry Donahue, fallecida, y Pat Henscheld, dos mujeres unidas por amor durante m{as de seis décadas que recién, sobre el final de sus existencias y cuando Terry ya padecía de Parkinson –falleció hace relativamente poco- decidieron decirle a sus familiares que no eran “primas” sino una pareja y casarse frente a ellos. Terry tuvo que ver con el deporte, así como Pat fue quien le fue dando la oportunidad de vivir momentos de enorme felicidad. Es un film atrapante por la historia en sí misma, más que por alguna otra razón técnica. El leit motiv musical es “Secret love” que hace años cantó Doris Day para un film homónimo. EB

 

 

JUEVES 14 DE MAYO DEL 2020.-
1.- Estreno en PUENTESDECINE.COM que es una nueva plataforma del programa del mismo nombre correspondiente a la Asociación de Directores de Cine PCI. A partir del 14 de mayo funciona como una sala de cine virtual.


CANELA
De Cecilia del Valle. Colaboración: Romina Tamburello. Fotografía y cámara de Lucas p{erez. Sonido de Santiago Zecca. Música de Juani Favre. Duración: 77 minutos.

VIDA DE UNA MUJER TRANS

El tema de las mujeres trans es tratado en el cine nacional con adultez en numerosos documentales e incluso ficciones. En este caso, Canela es el centro de este documental, es una mujer trans sexagenaria que asume vivir su nuevo género a una edad poco común. Tiene hijos de su época de varón, los mantiene, pero desde aproximadamente hace 10 años se dio cuenta de su real necesidad de vivir tal como es, una mujer trans. Arquitecta, se hace cargo de su tarea, da clases, y también se da tiempo para elegir ropa, maquillaje y sacarse muchas dudas sobre una eventual operación visitando a diferentes médicos y a otras colegas trans.
Desde este punto de vista, el documental es honesto, generoso en la propuesta porque, a partir de este caso en especial, se aclaran muchas dudas. Canela es, en sí, un personaje querible, auténtico, tímido, que esconde un profundo dolor por muchas circunstancias vividas, que no las repetirá con sus hijos. La charla con su terapeuta pone el punto sobre las íes que el guion necesitaba.
Hay una buena narración, variada en sus tomas, en las locaciones, que trasunta verosimilitud y calidez. EB

2) EL MAESTRO

De Julieta Tamagnini y Julián Dabien. Con Diego Velázquez, Ezequiel Tronconi, Ana Katz, Valentín Mayor Borzone, entre otros. Producción de Lalo Mamani, Cristina Tamagnini. Arte de Andrea Benítez. Sonido de Rufino Basavilbaso. Vestuario de Paz Stamboni Day. Maquillaje de Juan Díaz Velasco. Montaje de Martin Mainoli. Música de Pablo Soler. Duración: 69 minutos.
Se estrena el jueves 14 en Cine.ar Play a partir de las 20 horas, y el sábado también a la misma hora. A partir del viernes es gratuita durante una semana.

EN MEMORIA DE UN GRAN MAESTRO

Filmada en La Merced, provincia de Salta, Julieta Tamagnini junto a Julián Dabien personifican en “Natalio” (Diego Velázquez) a un maestro muy conocido de Ucacha, Córdoba, donde nació la directora y de quien fue alumna: se trata de Eric Sattler, fallecido repentinamente en enero del 2019. Es una historia honesta, frontal, sin complicaciones de guion, que pone sobre el tapete la hipocresía social y el apego a viejos prejuicios que se creen desterrados pero que subsisten. La llegada de un joven homosexual, Juani, y la ayuda que recibe de Natalio complican a éste en su trabajo docente al punto de tener que irse del lugar con diversas consecuencias en el alumnado y en su familia.
Se destaca el trabajo de Diego Velázquez, verosímil, sólido, puntal de esta historia que alcanza madurez narrativa a medida que transcurre. La historia fluye aunque sin prisa, hay agilidad en los planteos cotidianos del personaje a través de tomas muy interesantes. Se nota la mano de ambos directores en el plano actoral y en la manera de contar con sencillez. Es en estos dos planos donde el film gana en credibilidad. CP

3) LA ISLA DE LAS MENTIRAS
De Paula Cons. Con Darío Grandinetti, Aitor Luna, Nerea Barros, Victoria Teijeiro, Ana Oca. Fotografía de Aitor Mancobla. Música original de Santiago Escofet., Montaje de Julia Juániz. Duración: 95 minutos.
Se exhibe hoy a las 23 horas y el sábado a la misma hora por Cine.ar y desde mañana viernes 15, durante una semana, en Cine.ar Play.

EL TITANIC GALLEGO

El 2 de enero de 1921 el barco a vapor Santa Isabel se hundió frente a la isla de Sálvora, que pertenece a un pequeño archipiélago del territorio de Galicia, ubicada a solo 3 km de la costa. Fue, luego de la catástrofe del Titanic, una tragedia olvidada. Tres mujeres de la pequeña isla, por diversos motivos, se encargan de salvar a los pasajeros que pueden. Todos venían a Buenos Aires. Eran 218 de los que murieron 213: Josefa Parada, María Fernández, Cipriana Orup, fueron consideradas las heroínas del pueblo. La presencia de un periodista argentino, encarnado por Darío Grandinetti, echará por tierra la mentira que el hecho en sí esconde.
Hay un concepto de cinematografía excelente que Paula Cons maneja perfectamente, a pesar de que el guion se hace previsible y el thriller decae. Retoma la tensión narrativa antes del desenlace y en su final abierto. Es muy buena la fotografía, como lo son las actuaciones. Darío Grandinetti tiene una de sus mejores performances junto a un elenco muy sólido y verosímil. El diseño de arte colabora en esta ficción que partió de un hecho real y creó una fábula que trae a la luz una tragedia marítima olvidada así como la banda sonora incidental del platense Santiago Escofet cobra dimensión sobre el final, ajustada a la narración. La concepción del todo que tiene Paula Cons más que valorable, dándole a su historia coherencia narrativa y riqueza visual. EB
 

JUEVES 7 DE MAYO DEL 2020.-
La película de la semana es “Las furias” que se puede ver hoy a las 20 en Cine.ar Play y el sábado a la misma hora, en ambos casos en forma gratuita.

1.- Las furias, de Tamae Garateguy. Con Guadalupe Docampo, Nicolás Goldschmidt, Daniel Aráoz, Juan Palomino, Susana Varela.  Guion de Diego Fleischer. Idea de Guadalupe Docampo y Nicolás Goldschmidt. Fotografía de José María Gómez. Musica de Sami Buccella. Sonido de Lucas Kalik. Montaje de Catalina Rincón e Ignacio Massllorens. Arte de Andrea Benítez. Duración: 75 minutos.


Comentario: Tamae Garateguy es una de las nuevas directores nacionales (recordamos muy especialmente por “UPA! Una película argentina”, del 2007). En “Las furias”, su quinta película, se nutre del western rural, localizado en la provincia de Mendoza, pasando por diferentes géneros que van desde la road movie al policial y el thriller. El amor imposible entre Leónidas, joven huarpe de las tribus puntanas, por Lourdes, la hija del dueño de las tierras, desencadena un baño de sangre entre ambas familias. Garateguy logra climas fotográficos novedosos, muy atractivos, que se contraponen a cierta endeblez del hilo argumental. Esplendor visual y dos grandes actores como columnas vertebrales (Juan Palomino y Daniel Aráoz) colaboran en la resolución de un film que, aún con exageraciones, ostenta audacia y técnica. Elsa Bragato para Actores on Line. y Radio La Clave.com.ar
 

JUEVES 30 DE ABRIL DEL 2020.-

 

 OPERACIÓN CÓNDOR, DE ANDREA BELLO Y EMILIANO SERRA. Son Stella Calloni, Miguel Angel Estrella, Marta Rodríguez Santamaría, Pablo Oubiña, Alejandrina Barry y Edy Binstock.

 

El film relata los detalles del plan de eliminación sistemática de dirigente sudamericanos que la CIA ideó para América Latina en los 70- Desde la escuela de Chicago se inició con la “prueba piloto” en Chile: la idea, que se llevó sangrientamente adelante, fue imponer un modelo económico sin que nadie pudiese reaccionar ante el avasallamiento de los poderosos. Una historia que se conoce pero que nunca dejará de indignar.

Los directores estuvieron muy relaciones con los organismos de derechos humanos de todo el mundo. Andrea Bello, fallecida en enero del año pasado, fue secuestrada y torturada. Emiliano Serra fue montajista de importantes films y coordina la postproducción de Conicet Documental y de la Unidad Audiovisual del Ministerio de Educación de la Nación. EB.-

 

EN YOUTUBE:

“TUPAMARO-GUERRILLAS URBANAS”, de Martín Andrés MArkovita. Biopic del tupamaro venezolano Alberto “Chino” Carías, quien se autoapodaba "La muerte” o “El Diablo”. Falleció por una enfermedad en el 2017. Desde niño fue feroz, algo que reconoció ante el entrevistador y el realizador. El documental logra ingresar en la vida del “Chino”, conocer su hogar, sus hijos, su madre. Oriundo de la barriada “23 de enero”, que llamaríamos “villas de emergencia” de Caracas, apoyó a Hugo Chávez, mientras que en el gobierno de Nicolás Maduro quedó fluctuando entre la CIA y el FBI, acusándoselo de ser un doble agente. La pel{ícula es del stremen Amazon Prime Video, empresa que acaba de liberar este material en Youtube.

 

El documental ganó varios premios en el Festival de Beverly Hills, lo transmitió la National Geographic, entre otras señales de Televisión. El realizador y el productor agradecieron regresar con vida a los Estados Unidos y poder contar con tan valioso material. EB

 

EN STREAMING - ON LINE – se recomienda:

 

1.- Seberg

2.- Never rarely sometimes always

3.- Hogar

 

JUEVES 23 DE ABRIL DEL 2020.-
El INCAA sigue ofreciendo estrenos nacionales en su plataforma on line Cine.ar Play y los jueves y sábados a las 20 horas en Cine.ar TV. A partir del viernes, los estrenos nacionales son gratis durante una semana. Luego se abonan 30 pesos por visionado.

l) TÓXICO, la primera película argentina sobre una pandemia y un mundo distópico, de Ariel Martínez Nerrera. Con Jazmín Stuart y Agustín Ritanno en los protagónicos junto a gran elenco. La película va creciendo en interés y tensión. Lo llamativo es que se filmó mucho antes de la pandemia que aqueja al mundo. Barbijos, tos, gente insomne, parecen datos y personajes de hoy en día. Resulta un film diferente que ingresa a un género que nunca antes se filmó en nuestro país. Es el thriller y es la distopía; para el Hemisferio Norte son los zombies, para nosotros son los insomnes. Se destaca la banda sonora original, con música de Lucas Fridman a cargo del quinteto de Luna Sujatovich. Muy buena narración, diferente, a pesar del comienzo un tanto desvaído; atrapan las vivencias del joven matrimonio de Laura y Augusto (Stuart y Ritanno) que escapan en un lujoso motorhome de la pandemia. Para ver.



2.-HOMELESS, de José Ignacio Navarro, Jorge Campusano y Santiago O Ryan, Animación. Un grupo de vagabundos se enfrenta a la dictadura de la última corporación existente, tratando de restablecer el sistema que detestan y recuperar así el hogar bajo el puente.

Entre los estrenos está LO HABRÁS IMAGINADO alquiler a 30 pesos.
También recomendamos películas de hace algunos años como El hijo de la novia, Papeles al viento, y la reciente Al Desierto. Hay buen material! A elegir!

Informes EB-CP
 

ALGUNAS RECOMENDACIONES EN TIEMPOS DE CUARENTENA

Los fans del cine saben cómo recorrer internet y encontrar buenas películas.
Los que no son fans también pueden intentar buscar buenos films.
Recomendamos La hija del ladrón, española, y Mujercitas, americana.

En Netflix hay varias muy interesantes, ganadoras de premios, como #l hoyo, La trinchera infinita, y Klaus en animación.
Con producción americana tenemos La lavandería -docuficción con Meryl Streep-, American Factory documental, Diamantes en bruto, Historia de un matrimonio y El precio de la verdad, en ficción.

En Cine.ar Play, sitio donde hay que registrarse muy fácilmente, están los estrenos del jueves que anunciamos oportunamente:
Hacer la vida”, buena dentro de las dificultades que plantea un elenco coral y sus diferentes historias, y el documental “Un sueño hermoso”, sobre la filmación de “De esto no se habla” de María Luisa Bemberg y La elección de Alejandra Podestá, que padecía enanismo, quien se convirtió en la protagonista femenina del film junto a Marcello Mastroianni.
En Flow hay mucho material gratuito de Woody Allen, desde Match Point hasta La rosa púrpura del Cairo.

 

JUEVES 9 DE ABRIL DEL 2020.-


De acuerdo a las disposiciones del INCAA sobre los estrenos de películas nacionales en tiempos de Cuarentena, este jueves se inicia la exhibición de Un sueño hermoso, de Tomás de Leone. Se podrá ver en televisión en Cine.ar el jueves a las 20 horas con repetición el sábado a la misma hora. También estará disponible en la plataforma de streaming Cine.ar Play.
Se anuncia además el estreno de Hacer la vida, de González y Santander, los mismos días pero a las 22 horas.
Recomendamos chequear la plataforma Cine.ar Play donde hay mas films nacionales estrenados como Ni héroes ni traidores y La creciente.
 


ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 2 DE ABRIL DEL 2020

Este jueves 2 de abril se estrenará vía “streaming” el film “Campo Minado”, de Lola Arias, a quien pertenece también el guión. El elenco está compuesto por ex combatientes argentinos e ingleses, que se enfrentaron en la guerra de Malvinas de 1962. El film estará disponible hasta el 4 de abril. El sitio es Cultura en Casa, del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, cuyo link dejamos.
https://www.buenosaires.gob.ar/culturaencasa
También se anuncia el estreno de “La creciente” , de Franco González y Demián Santander en las plataformas de Cine.ar TV y Cine.ar. El jueves 2 de abril será a las 20 horas, y el sábado 4 de abril se repetirá a la misma hora.
EB-CP
 

JUEVES 12 DE MARZO DEL 2020.-

NI HÉROE NI TRAIDOR
Dirección: Nicolás Savignone. Con Juan Grandinetti, Inés Estévez, Rafael Spregelburd, Gastón Cocchiarale, Fabián Arenillas, Héctor Bidonde, Mara Bestelli, Agustín Daulte, entre otros.

XXxxx- ENCRUCIJADA ÉTICA IMPUESTA POR EL PODER

La guerra de Malvinas regresa al cine a partir de un caso particular: Matías (Juan Grandinetti), vive en Buenos Aires, tiene 19 años, terminó la “colimba” yu sueña con irse a España para estudiar música. Su padre se opone y, en medio de estas preocupaciones, surge el conflicto bélico. Matías es llamado a servir a la Patria junto a tres amigos. Si bien al principio la idea lo entusiasma, los pensamientos sobre la muerte, matar a otro, alteran su decisión. Un disparo desafortunado, mentiras que son descubiertas y las tribulaciones de un joven que prefiere pensar en pentagramas antes que en balas, dan una visión diferente de la guerra a partir de sentimientos comprensibles.
La película de Savignone tiene un notable elenco, de fuste, y una idea estupenda: la hipocresía social que un joven se anima a enfrentar. Algo falla en la narración porque queda estancada la idea del guion, muy atractiva, en una medianía gris de la que no se sale hasta el final. Se destaca el joven actor Agustín Daulte (hijo del notable director y dramaturgo Javier Daulte) con una performance diferente, personal, aguda.
No obstante, es valioso el concepto que aporta Nicolás Savignone sobre un tema “tabú: se toma el fusil o se es un traidor y un cobarde. Ir a la guerra como quien va a un “after hours” planteando una encrucijada ética para quien acaba de salir de la adolescencia. Interesante, a pesar de cierta falta de contundencia cinematográfica, de la misma manera que la realización técnica es impecable.

Carlos Pierre

LA BIBLIOTECA DE LOS LIBROS OLVIDADOS
(esta película fue programada para el jueves 27 de febrero pasado)

Trailer: https://youtu.be/LmSGqJEMJAY

De Remi Bezancon. Con Fabrice Luchini, Camille Colttin, Alice Isaaz, entre otros. Música de Laurent Perez del Mar. Fotografía de Antoine Monod. Montaje de Valerie Deseine. Duración: 100 minutos.

XXXXx- UNA DELICIA DE HUMOR Y MISTERIO

Hay historias pequeñas que, cuando están bien contadas, son una delicia de humor y misterio. Es el caso de “La biblioteca de los libros olvidados”, una curiosidad que existe en un pueblo francés cercano a París. Una editora joven la recorre y encuentra una novela tipeada y fotocopiada firmada por un tal Henri Pick, al que reconoce como el pizzero de la zona, fallecido dos años antes. Trabajando en dos ambientes, el parisino y el pueblerino, Remi Bezancon hace crecer la narración hasta unirlos a través de un programa televisivo cuyo conductor, Jean Michel Rouche (Fabrice Luchini), es un avezado crítico literario. Desconfiando de la autoría del pizzero literato, inicia una búsqueda de la verdad a lo “Sherlock Holmes”, recorriendo lugares, visitando parientes de don Pick, y entablando una cálida amistad con su descendiente, Josephine (Camile Cottin), culta y dueña de una importante biblioteca personal.
El film pasea por diferentes géneros: la comedia en sí, el policial, el thriller, sin perder el humor fino, agradable, dentro de una historia de pura cepa francesa: la intelectualidad. Deja un personaje librado, en apariencia, al azar, pero todos terminarán imbricados en una historia simpática, atractiva, diferente. Humor inteligente que aplaudimos. Y sin efectos especiales.
Elsa Bragato

EL PRECIO DE LA VERDAD

Trailer: https://youtu.be/F2BDFcP64i8

De Todd Haynes. Guion de Matthew Carnahan, Mario Correa y Nathaniel Rich (artículo en el New York Times). Con Mark Ruffalo, Anne Hathaway, Tim Robbins, Bill Pullman, entre otros. Fotografía de Edward Lachman. Música de Marcelo Zarvos. Duración: 126 minutos.

XXXxx- UNA BIOPIC QUE NOS VIENE MUY BIEN

Todd Haynes dirige esta película basada en hechos reales: el granjero Wilburt Tennant de la zona de Parkersburg (Virgina Occidental, Estados Unidos) se contactó con el abogado Rob Billot, perteneciente al Taft Stettinius & Hollister. Las aguas de la zona están envenenadas por los desechos de la poderosa química DuPont. Hoy, luego de 20 años, ha sido obligada a pagar una multimillonaria suma de dólares en compensación por la muerte de pobladores enfermos de cáncer y la de miles de animales de la zona.
Mark Ruffalo encarna a Rob Billot (personajes, empresas y hechos son mencionados con sus nombres reales) quien toma nota del caso. Fue una lucha de décadas en las que contó con el apoyo que recibió del entonces jefe de Buffet Tom Terp (Tim Robbins).
El paso a paso de la denuncia, de la toma de conciencia de lo que sucedía, y del embate legal contra la poderosa firma, son encarados por Todd Haynes con detallismo y mucho ritmo. Transforma la historia de un abogado y una denuncia en un atrapante thriller judicial que no tiene sobresaltos pero descubre, a través de un caso, lo que una pequeña población padece aun hoy.
Pero no es la única zona afectada: la nota del periodista Nathaniel Rich del 2018 fue el puntapié inicial para el guion de este film de visión obligada a fin de que tomemos tomar conciencia de que las aguas subterráneas de todos los continentes están contaminadas por PFPS y PFOA. DuPont es solo una de las químicas que envenena las aguas. Y es, hoy por hoy, el ejemplo más cercano de que el daño a la vida de terceros, tarde o temprano, se paga. El tema que no se toca, muy relacionado con el caso del granjero Tennant, es el del Ejército norteamericano que realizaba prácticas en la zona utilizando la espuma de DuPont, contenedoras de los dos elementos cancerígenos indicados, entre muchos otros.
La sociedad norteamericana tiene la loable característica de resaltar a los ciudadanos comunes que han servido a sus comunidades y Hollywood acompaña con estas biopics. Excelentes actuaciones de Ruffalo, Hattaway, Robbins. Narración atrapante. Realización clásica con inteligente dosificación del climax.
Las aguas oscuras nos rodean. En nuestro país, nada se hace al respecto aunque las denuncias sobran. Por eso, esta película nos viene muy bien.

Elsa Bragato

LA SOMBRA DEL GALLO

Trailer: https://youtu.be/rDkQ2_1Hzvk

De Nicolás Herzog. Con Lautaro Delgado Tymrek, Claudio Rissi, Rita Pauls, entre otros. Guion de Herzog y Bobillo. Fotografía de Fernando Lorenzale y Josefina Tomassi. Música de Matías Sorokin. Dirección de Arte de Germán Naglieri y equipo. Duración: 84 minutos.

XXXxx- SOFOCANTE POLICIAL

Con un excelente trabajo fotográfico, Nicolás Herzog llega a su primer largometraje de ficción, luego de dos documentales muy bien conceptuados como “Orquesta roja” y “Vuelo nocturno”. Filmada en su Concordia natal, Entre Ríos, durante tres semanas (y una semana en Buenos Aires), “La sombre del gallo” cuenta el regreso de un ex policía, Román Maidana (Lautaro Delgado Tymruk), con libertad condicional para hacerse cargo de la casa donde nació a raíz de la muerte de su padre. Un amigo de la fuerza, encarnado por el eficiente Claudio Rissi, lo invita al hogar para esa primera noche. Y es allí donde se plantea el “quid” de esta historia a partir de un noticiero de televisión y dos jóvenes que participan de la cena.
Trabajando escenas nocturnas, con personajes turbios, Herzog maneja a “Román” con notable habilidad, dotándolo de somnolencia o hastío constante que lo acicatean en una búsqueda que no pareciera tener un objetivo claro. Sin embargo, el thriller está planteado desde el primer momento gracias a una buena coordinación de narración y música incidental, roles bien definidos y una historia muy compleja que apela a la imaginación del espectador. Nicolás Herzog comentó que el guion lo empezó a escribir hace más de 10 años, a partir de una idea que surgiera en 1994 con la desaparición de dos mujeres en su provincia.
Inquietante, perturbadora, críptica y sofocante, “La sombra del gallo” marca la llegada de un realizador potente y profundo a la pantalla grande nacional.

Elsa Bragato

BLOODSHOT
De Dave Wilson. Con Vin Diesel, Toby Kebbell, Guy pearce, Eiaq Gonzqlezm entre otros. Guion basado en el cómic “Valiant”. Fotografía de Jacques Jouffret. Música de Steve Jablonsky. Duración: 110 minutos. ESTADOS UNIDOS

Trailer: https://youtu.be/Tj2vUQ_jIYg

XXxxx- TERMINATOR HAY UNO SOLO

Claustrofóbica y violenta es esta película que se basa en el cómic “Valiant”. Un soldado de los Estados Unidos es herido y muerto. La empresa “Rising Spirit Tecnologies” lo revive a base de una inyección de sangre especial: las plaquetas son una suerte de mosquitos gigantescos que se accionan ante una herida a la que rápidamente cicatrizan. Hasta alguno lanza un grito tipo dinosaurio minúsculo dentro del torrente sanguíneo.
Vin Diésel compone a Angelo Mortalli o Bloodshot (la inyección de sangre, literal traducción del inglés) y su brutal manipulador es Guy Pierce (Memento) como el doctor Emil Harting: ha logrado revivir a un soldado y hacer de él lo que quiere a través de la computación. Pero Diesel y su personaje no son fáciles, generándose la acción propuesta.
Eso sí, nada de sutilezas: entre la furia de “Angelo” porque le borraron la memoria y los oponentes que le crean, el film es pura violencia, softwares, y algunos momentos donde Diesel muestra que es también un corazón enamorado.
A estas alturas, es más de lo mismo. Ya hemos conocido a otros héroes “recauchutados” que fueron furor. Nos quedamos con Terminator que, semiderretido, se arrastraba para seguir luchando. Ese sí fue un superhéroe.

Elsa Bragato

2.- MY SPY, de Peter Segal. ESTAODS UNIDOS.

Trailer: https://youtu.be/gsslltLeZvA


“”Una comedia de acción tópica, aunque excéntrica. Su encanto reside en su mezcla de tonos y géneros”, de Jace Wilson, The Age.

“Una versión ligera y fresca de una premisa conocida”, de Vicky Roach, News.

 

JUEVES 5 DE MARZO DEL 2020.-

LOS MISERABLES

Dirección de Ladj Ly. Guion de Ladj Ly, Giordano Gederlini, Alexis Manenti. Fotografía de Julien Poupard. Con Damien Bonnard, Alexis Manenti, Djibril Zonga, entre otros. Duración 102 minutos. Música

XXXxx- HOY COMO ENTONCES

Montfermeil, suburbio al este de París, padece las tensiones que existen entre dos grupos organizados, árabes y africanos y, para contrarrestar esta lucha sin final, el agente Stephane (Damien Bonnard) se une a la Brigada de Lucha contra la Delincuencia que dos experimentados compañeros, Chris (Alexis Manenti) y Gwada (Djibril Zonga), comandan con brutalidad. La situación se agrava con la aparición de un circo ambulante de gitanos a los que un joven africano les secuestra un bebé león. Los enfrentamientos se suceden con el agravante de este animal al que no se encuentra, surgiendo Stephane como componedor. Las grescas en los suburbios de París son un elemento constante en la sociedad actual europea, por la forzada convivencia de nativos e inmigrantes, generándose pugna de culturas y costumbres.

La narración tiene un elemento novedoso: un joven filma los hechos con un dron desde una terraza realzando visualmente la historia planteada porque le agrega múltiples tomas cenitales. Justamente estas panorámicas dan verosimilitud a las luchas brutales y al odio que existe entre las dos culturas.

El realizador Ladj Ly ingresa al mundo del largometraje con el pie derecho: Les Miserables (absoluta relación con el memorable título de Víctor Hugo, de quien se incluye una frase en el final: “Las hierbas y los hombres no son malos sino quienes los cultivan”) logra conmover al retratar la realidad social de París (y, por extensión, de Europa) que le valieron varios premios desde la nominación al último Oscar, hasta el César a la Mejor Película del año y el mismo premio en los Lumiere. Así como el actor Alexis Manenti logró el César y el Lumiere como Revelación 2020.

Estas luchas barriales actuales están bien llevadas durante una larga hora y media hasta que se llega a un montaje frenético y áspero hacia el desenlace que no tiene nada que ver con el clima del film: fuegos de artificio, sofisticadas armas, que colaboran con el elemento visual en sí pero desentonan absolutamente con el tono planteado desde el comienzo. De todas maneras, resulta muy interesante el paralelismo que realiza Ladj Ly con la novela histórica de Víctor Hugo basada en la realidad: dos siglos diferentes y dos hechos similares en una misma sociedad o sea la no aceptación del otro. Los miserables nos descubre a un director que tiene mucho que decir.

Carlos Pierre

 

 

FAMILIA

De Eduardo Castro. Con Alicia Mabel Pepa, Edgardo Castro, Magda Castro, Félix Castro. Fotografía de Inés Ducastella. Duración: 97 minutos.

XXxxx-EXTRAÑO CASO DE DOCUMENTAL-FICCIÓN

Edgardo Castro, luego de la aplaudida “La noche”, desconcierta con “Familia”, donde retrata a sus padres y su hermana en el hogar de Comodoro Rivadavia hacia donde se dirige en un silente viaje. Recién a los 21.02 minutos un melifluo “aquí tenés la llave” quiebra el clima apenas “coloreado” por un paso por la peluquería, un almuerzo solitario, un camino hacia el sur en el automóvil que maneja el mismo director. Si antes fueron los personajes de la noche, aquí el grupo humano es diferente: es su familia, su padre, su madre, su hermana, que están acostumbrado a ser noctámbulos. Se levantan al mediodía, siendo la hermana quien prepara el desayuno y las comidas diarias mientras los padres disfrutan de una vida sencilla sin sobresaltos gracias a la jubilación.

Castro bordea el documental aunque quiere instalarse en la ficción. Pasa el límite para cómodamente hacer un documental sobre una familia, sin diálogos escritos (tal vez alguno que otro delineado por el director). Cansino relato sin ningún conflicto narrativo que altere la parsimonia de situaciones y personajes, llano, simplote, más un film casero que un producto semicomercial. El espectador queda con las manos y la mente vacías. Salvo… que filosofemos pragmáticamente sobre la soledad del ser humano y los roles de cada familia, o qué es vivir en paz o no. Todos temas muy complejos imposibles siquiera de escudriñar en esta propuesta.

Elsa Bragato

 

 

NIÑA MAMÁ

Documental de Andrea Testa. Con Evelyn Fernández, Guadalupe Salazar, Aylén Parolini, Analía Ortega, Luciana Sánchez López, Vanesa Velez, Johana, Analia Ortega, Ludmila Figueredo, Andrea Perner, Rocío Alce, Fabiana Lartigue, Catherine Díaz, Carolina Rodríguez, Daniela Acosta, Anabella Basualdo, Karen, Marcela DAlegre, Soledad Cartasso, Victoria Montiel, Carolina Rodríguez, Yesica. Fotografía de Gustavo Schiaffini. Edición de Lorena Moriconi. Duración: 66 minutos.

 

XXXxx-NIÑAS CON HIJOS A CUESTAS

La maternidad infantil es uno de los grandes problemas de la sociedad argentina. Niñas de 13 años, sin mayor formación sobre relaciones sexuales sanas y métodos anticonceptivos, ingresan a la vida adulta de la peor manera: desde el noviecito de la escuela hasta el hombre joven que se niega a usar condones, el que dispersa sífiles y tarda en recurrir al médico, las niñas mujeres enfrentan el sexo y el supuesto amor con temores, golpes, abusos, y gran desinformación.

La cámara de Testa enfoca, sin profusión de frames, el rostro de las jóvenes que van al hospital por chequeos, desde la joven de 20 años que tiene a su cuarto hijo en brazos, hasta la chica de secundario con sífilis que acepta tener el bebé. Como muñecos, si es que los tuvieron, sostienen a sus bebés en brazos, aferrándose a ellos como salvación del sentido de la vida que perdieron en las palizas dadas por sus parejas. Abandonadas o por la propia familia o por las madres, buscan un camino a tientas para tener vidas dignas.

Valiente documental que, sin alardes técnicos, redescubre un tema del que nadie parece ocuparse como se debiera. Debe ser tenido en cuenta en el “Metoo” o “NI UNA MENOS” con mayor claridad y potencia.

Elsa Bragato

 

 

Otros estrenos previstos para este jueves:

1.- LOS CABALLEROS, de Guy Ritchie. ESTADOS UNIDOS

Trailer: https://youtu.be/Ln2JKzmBBbg

“Aburguesado por una década en las grandes ligas de Hollywood, parece que Ritchie ya no conoce sus propios bajos fondos”, de Guy Lodge, Variety.

“Otra dosis de gángsters a la vieja usanza que se disfruta más con los giros estelares de Matthew McConaughey y Hugh Grant… Ritchie ha creado un entretenido retorno a sus raíces “mockney”, de Peter Bradshaw, The Guardian.

“El regreso a casa de Ritchie es un trabajo bastante común, pero también refrescante y divertido, hábilmente narrado y con más frases ingeniosas y menos machismo grosero que sus obras más tempranas”, de Stephen Dalton, The Hollywood Reporter.

2.- UNIDOS, animación, de Dan Scanlon. ESTADOS UNIDOS

Trailer: https://youtu.be/aLpNGVkBSDQ

“La mejor película de Pixar en años es una especie de Frozen para chicos”, de Steve Roce, The Guardian.

“Aunque no entra en el panteón de la compañía junto a obras como The Incredibles y Wall-E, Unidos es una rareza conmovedora y realizada con mucho amor”, de Justing Chang, Los Angeles Times.

 

JUEVES 27 DE FEBRERO DEL 2020

 

BUSCANDO JUSTICIA

De Destin Cretton. Guion de Cretton, Andre Lanham, sobre la novela de Bryan Stevenson. Con Michael B Jordan, Jamie Foxx, Brie Larson, O Shea Jackson, entre otros. Música de Joel West. Fotografía de Brett Pawlak. Duración: 136 minutos.

XXXxx- MÁS DE LO MISMO

La película Just Mercy, “Buscando Justicia”, es una biopic sólida, sin aportar más que la historia en sí como novedad. Clásica en su formato y en su previsibilidad, “Buscando…” nos introduce en la vida del abogado Bryan Stevenson quien, luego de licenciarse en Harvard, se unió a la activista Eva Ansley (Brie Larson) de Alabama. Stevenson se propone determinar si los presos del “Pasillo de la muerte” tuvieron un correcto juicio o van al patíbulo como inocentes por ser afroamericanos. El caso puntual es el de Walter McMillian (Jamie Foxx), sentenciado a muerte en 1987 por el asesinato de una joven de 18 años. Stevenson deberá enfrentarse a la “justicia de los blancos”. Y como sabemos, se pondrá sobre el tapete la discriminación social que subyace en la sociedad de los Estados Unidos hacia los afroamericanos, a pesar de estar absolutamente integrados.

La narración muestra en detalle los pasos del abogado afroamericano en busca de la verdad, por lo que es un film más sobre este tipo de abogados justicieros. Convincentes las actuaciones de Jackson y Foxx, los roles tienen características precisas donde vale más el apego a la realidad que la creación personal. No está mal, tampoco es la panacea dentro del universo de las biopics.

Elsa Bragato

 

LA BIBLIOTECA DE LOS LIBROS OLVIDADOS

De Remi Bezancon. Con Fabrice Luchini, Camille Colttin, Alice Isaaz, entre otros. Música de Laurent Perez del Mar. Fotografía de Antoine Monod. Montaje de Valerie Deseine. Duración: 100 minutos.

XXXXx- UNA DELICIA DE HUMOR Y MISTERIO

Hay historias pequeñas que, cuando están bien contadas, son una delicia de humor y misterio. Es el caso de “La biblioteca de los libros olvidados”, una curiosidad que existe en un pueblo francés cercano a París. Una editora joven la recorre y encuentra una novela tipeada y fotocopiada firmada por un tal Henri Pick, al que reconoce como el pizzero de la zona, fallecido dos años antes. Trabajando en dos ambientes, el parisino y el pueblerino, Remi Bezancon hace crecer la narración hasta unirlos a través de un programa televisivo cuyo conductor, Jean Michel Rouche (Fabrice Luchini), es un avezado crítico literario. Desconfiando de la autoría del pizzero literato, inicia una búsqueda de la verdad a lo “Sherlock Holmes”, recorriendo lugares, visitando parientes de don Pick, y entablando una cálida amistad con su descendiente, Josephine (Camile Cottin), culta y dueña de una importante biblioteca personal.

El film pasea por diferentes géneros: la comedia en sí, el policial, el thriller, sin perder el humor fino, agradable, dentro de una historia de pura cepa francesa: la intelectualidad. Deja un personaje librado, en apariencia, al azar, pero todos terminarán imbricados en una historia simpática, atractiva, diferente. Humor inteligente que aplaudimos. Y sin efectos especiales.

Elsa Bragato

 

QUERIDO SEÑOR

Trailer: https://youtu.be/h36-Hkno6QQ

Guion y dirección de Rohena Gera. Con Tillotama Shome, Vivek Gomber, entre otros. Fotografía de Dominique Colin. Música de Pierre Aviat. Duración: 96 minutos.

XXXXx-DELICADA HISTORIA DE AMOR

Rohena Gera es una joven realizadora india que se presentó con “Querido señor” en Cannes en 2018, obteniendo innumerables elogios. La historia, de alguna manera, es algo que ella vivió: la diferencia de clases, tan marcada en la India. Rohera Gera pertenece a una familia acomodada que podía pagar servidumbre, como el caso de Ashwin (Vivek Gomber) cuya mano derecha es Ratna (Tillotama Shame), una viuda muy joven que es enviada por sus suegros a ganarse la vida. En estos dos protagonistas, Gera elaboró una historia de amor sutil, delicada, donde la división de clases está muy presente. Refleja una realidad incomprensible, a diferencia de otros filmes como “Roma” donde la criada es una más de la familia.

Ratna siente que nació en una clase social destinada a servir, Ashwin no cree en las diferencias sociales, educado como está en el exterior. La narración fluye sin sobresaltos, no hay golpes bajos, solo emociones más fuertes en algunas secuencias que los personajes transmiten con calidez. Sencillez, emotividad, la historia de amor de Ratna y Ashwin nos regala una sonrisa tierna haciéndonos ver que el lugar de los sentimientos siempre está por sobre lo material.

Elsa Bragato

 

 

SALVADOR DALÍ: EN BUSCA DE LA INMORTALIDAD

Trailer: https://youtu.be/SuSki31tsrw

Dirección de David Pujol. Guion de Montse Aguer y David Pujol. Fotografía de Iván Carrero. Edición de Jordi Muñoz. Documental. Duración 110 minutos.

XXXXx-VIDA Y OBRA DEL GENIAL DALÍ

Documental sobre la vida y obra del genial Salvador Dalí desde 1929, cuando ingresa al grupo surrealista donde conoce a Gala, su esposa y musa, hasta el 23 de enero de 1989, año en el que fallece. Recorrido vital y artístico que David Pujol realizó en Portiligat, su casa y taller, Figueres donde nació, Púbol donde se encuentra el castillo que regaló a Gala, ex esposa del poeta Paul Eluard.

La vida de Dalí fue diferente, plena de aventura y escándalo. Vivió en Italia, Francia y Estados Unidos, países donde acumuló gloria, admiración y dinero, que sirvieron para consolidar su museo icónico, escenario de su talento liberador. Aún así su vida no fue fácil: enfrentado a su padre, notario de rígidas costumbres, huyó de la guerra civil, y se aferró a Gala, su musa extravagante de origen ruso y tremendo carácter.

El realizador David Pujol encaró este documental basándose en el archivo fotográfico de Rosa María Maurell, en los documentos audiovisuales de Lucía Moni y en la coordinadora de la Fundación Dalí, Cuca Costa. Terminar este largometraje biográfico fue una empresa de gran esfuerzo, tácita invitación al espectador de ahondar en la vida y obra de Salvador Dalí, mucho más que un artista plástico español. Fue una inteligencia múltiple, interesada en la ciencia y en la astrofísica, un hombre revolucionario enmarcado en el surrealismo francés, período de aventuras intelectuales que cambiaron las artes para siempre.

El título del film agrega “En busca de la inmortalidad”. Y, en este sentido, sintetiza el sueño de Dalí de perdurar por su obra, consciente como era de que la inmortalidad no tenía, ni tiene, certeza. Su obra lo eternizó. Gran dibujante, excelente escultor, el entorno vital cobró vida en su complejo universo intelectual. Más que interesante documental.

Carlos Pierre

 

RESPIRA

Trailer: https://youtu.be/YBKWtytSoiY

Guion y dirección de Gabriel Grieco. Con Sofía Gala Castiglione, Lautaro Delgado Tymruk, Leticia Bredice, Gerardo Romano, Nicolás Pauls, Daniel Valenzuela, entre otros. Fotografía de Diego Poleri. Música de Diego Hensel y Ale Kursz. Duración: 76 minutos.

XXXxx-MISERIA Y AGROTÓXICOS, DRAMAS SOCIALES

Gabriel Grieco regresa a la pantalla grande con una mezcla de policial, thriller, y drama matrimonial, dejando en calidad de subtema el motivo del film: la denuncia sobre las enfermedades que acarrean los agrotóxicos. Tanto en el comienzo como en el final, la fotografía es generosa y recorre campos con cámara subjetiva interesante por lo que se plantea en forma visual y tácita a la vez el tema en cuestión.

La historia nos muestra la vida del joven matrimonio de Leticia y Leonardo (Sofía G. Castiglione y Laurato Delgado Tymruk) que tienen un hijo en edad escolar. Leonardo logra trabajo como fumigador gracias a un contacto de su esposa. Y marchan al campo. Los tres deberán enfrentar a los habitantes del lugar que han sufrido serios problemas de salud por los agrotóxicos. He aquí cuando la historia se dispersa demasiado y el tema central de “Respira” queda relegado a la condición de asmático del pequeño hijo de la pareja: Grieco enfoca más la situación del matrimonio cuyo primer hogar es un rancho en condiciones inaceptables.

El film de Grieco, entonces, obra como comienzo de un camino para que otros realizadores ahonden en el tema de la denuncia social tanto por las condiciones de vida paupérrimas en las que los trabajadores viven, como por el tema de los agrotóxicos cuyas consecuencias quedan en un segundo plano.

Se destaca la labor del notable elenco reunido por Grieco, al mismo tiempo que consideramos que los parlamentos son muy lineales, dejando el tema central en manos de pocas secuencias que juegan Leticia Bredice y Nicolás Pauls. Un elemento para destacar es la banda sonora, con el tema “Respira” de Ale Kurz.

En líneas generales, la nueva película de Grieco es un thriller policial que desnuda las miserias de un pueblo sumido en la pobreza, dominado por los dueños de campos de soja y maíz.

Elsa Bragato

Otros estrenos previstos:

1.- EL LLAMADO SALVAJE, de Chris Sanders. Con Harrison Ford. ESTADOS UNIDOS.

Trailer: https://youtu.be/cZRuEzVo9Fs

2.- EL HOMBRE INVISIBLE, de Leigh Whannell. ESTAODS UNIDOS.

Trailer: https://youtu.be/8reR9N1I_KE

3.- YA NO ESTOY AQUÍ, de Fernando Frías de la Parra- MÉXICO.

Trailer: https://youtu.be/29jqYUgjJ3Q

 

JUEVES 19 DE FEBRERO DEL 2020.-

AMENAZA EN LO PROFUNDO

Dirección de William Eubank. Guion de Brian Duffield y Adam Cozad. Con Kristen Stewart, Vincent Cassel, T.J. Miller, Jessica Henwick, Mamoudou Athie, entre otros. Fotografía de Bojan Bazelli. Música de Marco Beltrami. Duración: 95 minutos.    

XXXxx-CATÁSTROFE SUBMARINA A MITAD DE CAMINO

En medio del terror, un equipo de investigadores submarinos debe ponerse a salvo después de que un terremoto devastó su laboratorio subterráneo. Oscuras profundidades en las que descubren espantosas criaturas amenazantes.

Norah (Kristen Stewart), protagonista de esta escapada del siniestro, encabeza la caminata a través del suelo marino. Paul (T.J. Miller) la secunda con su fortaleza física, y el Capitán (Vincent Cassel) y Emily (Jessica Henwick), más disminuidos, siguen a la delgada heroína que, en verdad, intenta salvarse y salvar rumbo a lo desconocido. A la catástrofe se le agrega el acoso de criaturas extrañas, de formas deshilachadas con un viso antropomórfico. Imprimen terror repentino sin llegar a asustar en forma sostenida  porque la narración le da más preponderancia a la catástrofe que a estos miedos momentáneos.

Entre tantas películas de este tenor, la realización cobra relativo valor por la participación protagónica de Kristen Stewart: su personaje tiene arrojo, siente solidaridad por sus compañeros y hace gala de su esbelta figura. Son varios parámetros que le dan el plus a esta catástrofe submarina, motivo central de esta producción. Personajes y salvación quedaron bastante rezagados.

Carlos Pierre

 

 

GRETEL Y HANSEL

Trailer: https://youtu.be/T3XR2CcOduk

Dirección de Oz Perkins. Guion de Rob Hayes (historia basada en los hermanos Grimm). Con Shopia Lillis, Sammy Leakey, Alice Krige, entre otros. Fotografía de Galo Olivares. Música de Robin Coudert. Duración:  88 minutos.   Estados Unidos.       

XXXxx- HERMANITOS QUE SE LAS TRAEN

Esta historia tan conocida en nuestra niñez tiene una vuelta de tuerca poniéndose acento en el terror en su grado más extremo. De acuerdo a los tiempos sociales en el mundo, muestra el empoderamiento femenino a través de Gretel (Sophia Lillis) quien ahora asume el rol de la hermana mayor con cierto temperamento cauteloso y consciente de los peligros del mundo. En cambio, Hansel (Sammy Leakey) es aquí el hermano menor, vulnerable y necesitado de contención.

Es una deliberada inversión de edades y roles originados en un guion audaz e innovador. Los dos hermanitos padecen las aflicciones familiares de pobreza y hambruna, por los que son dejados en medio del bosque, desconocido y amenazador. Encuentran una casa, buscan amparo, y la anciana dueña de casa, Holda (Alice Krige), resulta en principio agradable y hospitalaria. Con profusión de abrigo, calor y comida, la anciana prepara diabólicas circunstancias, en medio de murmullos de niños perdidos y encarnaciones.

En este tipo de films de género, que se basan en historias infantiles (los orígenes de las mismas no fueron justamente cuentos para los más pequeños. Esto lo lograron los hermanos Grimm y Perrault), vale el tratamiento cinematográfico, la fotografía oscura, neblinosa, que genera climas terroríficos, como antesala de secuencias que nos harán saltar de las butacas. Hay que destacar, en este sentido, el vuelco dado a la historia original, en la que se escarbó profundamente hasta encontrar este atisbo de espanto bien desarrollado. Del cuento infantil no quedó nada. Ni mazapán ni miguitas en el camino. Aquí la bruja es terrible y los hermanitos se las traen. 

Carlos Pierre

 

 

EL ESCÁNDALO

Trailer: https://youtu.be/DjH68re5iI4

De Jay Roach. Con Nicole Kidman, Charlize Theron, Margot Robbie, Kate McKinnon,  John Lithgow, Malcolm McDowell, Alice Eve, Alanna Ubach, entre otros. Guion de Charles Randolph. Fotografía de Barry Ackroyd. Música de Theodore Shapiro. Duración: 108 minutos. Estados Unidos.

XXXXx-LUZ, CÁMARA Y… ACOSO!

La señal Fox News, que puede verse en las cableras nacionales, tuvo varios cambios de conductores en los cuatro últimos años. “Bombshell” o bomba o “El escándalo” saca a la luz las turbulencias escabrosas que determinaron que otros rostros femeninos, siempre bellos, tomaran la posta frente a cámaras. Con un estilo muy similar al de Oliver Stone en “JFK”, Jay Roach (recordar la biopic “Trumbo”) se metió en las entrañas de los conflictos de Fox News con varias de sus principales mujeres. Fue el caso de Megyn Kelly (Charlize Theron, irreconocible), ofendida públicamente por el presidente Donald Trump, así como el de Gretchen Carlson (Nicole Kidman) quien fue la primera en iniciar acciones contra el CEO Roger Ailes (John Lithgow). Ailes fue la encarnación del abusador nato desde el poder: fue quien dio vida a Fox News con la fortuna que Rupert Murdoch (Malcom McDowell) puso a su disposición.

En “El escándalo” la narración es muy ágil y fluida plagada de datos por lo que hay que estar atentos para no perderse en medio de un fárrago de personajes y secuencias en las que Margot Robbie (la actriz del momento por “Aves de paso”) compone un personaje ficticio que muestra cómo sus colegas Carlson y Kelly tenían que agradar al desagradable Ailes. Y también al famosísimo conductor republicano Bill O Reilly que supo tener un espacio a la noche durante muchísimos años y, de pronto, desapareció de la pantalla. Fue denunciado por acoso. El dueño de la fortuna, Murdoch, tomó el asunto en sus manos y despidió sin vueltas a sus hasta entonces estrechos colaboradores.

Hay que destacar la valentía de productores, director, guionista y elenco de celebrities para desnudar los trapitos sucios del mundo en el que se mueven, poniendo sobre el tapete el avasallamiento a la mujer, famosa o principiante, detrás de cámaras. Nadie ha dicho que estos acosos estén terminados sino que aún hay mujeres que no hacen las denuncias pertinentes, o tardan en hacerlas, porque necesitan trabajar. Situaciones retratadas con mucha sobriedad, Roach evita lo escabroso mostrando que las apariencias también sirven en las sociedades avanzadas: ser y parecer. No fue en busca de sábanas sino de la denuncia estricta de famosas que dieron origen al movimiento “Me too”. Es el otro lado de las cámaras, cuya luz roja enceguece prometiendo fama y excelentes remuneraciones. Roach obliga a que la tele se mire el ombligo y empiece a limpiarse.

(Redacción: un ejemplo de película sobre la televisión, tan escasas por otra parte, fue“Network” , 1976, de Sidney Lumet con Peter Finch).

Elsa Bragato

 

DE REPENTE, EL PARAÍSO

Trailer: https://youtu.be/MjKGPCS3E7Y

Guion y dirección de Elía Suleiman. Con Elía Suleimán, Alí Suliman, Holden Wong, Robert Higden, Francois Girard, Gael García Bernal, entre otros. Fotografía de Sofian El Fani. Duración: 97 minutos. Palestina.

XXXXx-DELECTACIÓN PARA CINÉFILOS

Como el Jacques Tati que las últimas generaciones no conocieron, Elía Suleiman, reconocido director palestino con ciudadanía judía, vuelve al cine minimalista y gestual, profundo y desesperanzado. Como hilo conductor de su vida y de la película, Suleiman nos permite ingresar a un mundo especial en el que los planos y su rostro cobran absoluta relevancia: la punta de su sombrero asoma al jardín y se recorta sobre el fondo blanco de las paredes del balcón, o los extraños policías parisinos que se deleitan corriendo con patinetas, o el vecino que le cuenta una exótica historia,  Suleiman mira a cámara o a su eventual interlocutor sin emitir sonido alguno. El secreto está en sus gestos. Tomar un avión e irse a París o a New York no parece cambiar la sensación de frustración que siente en su hogar. El asombro, la perplejidad, parecen ser iguales en todas partes aunque las costumbres sean diferentes. En algún lugar serán los limones, en otras ciudades una pelota de fútbol. El ser humano no cambia. Unos caminan, otros corren, todos viven lo mismo. Lo justo y lo bello no parecen estar al alcance de la mano.

“De repente, el paraíso” funciona como acuarela de conductas diversas que pueden asombrar o no, pero que se repiten bajo distintos ropajes. A lo Tatí, Suleiman reconstruye un universo propio: si quiso dejar todo en Palestina, el viaje le demostrará que usos y costumbres quedan pegadas en el alma. Elía Suleiman pareciera afirmar que lo otro, lo de afuera, es una construcción personal del mundo por lo que, en cualquier parte, veremos y sentiremos lo mismo aunque las apariencias tiendan a engañarnos. Será que el paraíso está en uno y no en el patio de atrás o en las calles de París o en el Broadway neoyorquino.

Elsa Bragato

Otros estrenos previstos:

1.- ARAÑA, de Andrés Wood, los 70 en Chile. Con Mercedes Morán. CHILE

Trailer: https://youtu.be/tW2XKve648c

2.- SILVIA, documental de María Silvia Esteve. ARGENTINA

Trailer: https://youtu.be/HG0sn4ETIdc

3.- BAD BOYS FOR LIFE, tercera película y final de la saga que tuvo su inicio en 1995 y su continuación en el 2003. ESTADOS UNIDOS.

Trailer: https://youtu.be/T3GkE27amtE

“Tiene identidad propia o al menos algo parecido viniendo de un gigantesco proyecto industrial como éste”, de Todd McCarthy, The Hollywood Reporter.

“Mantiene la acción pero con más espacio para la reflexión”, de Alejandro Alegre, El Confidencial.

 

JUEVES 13 DE FEBRERO DEL 2020.-

 

¡POR FIN SOLOS!

Guion y dirección: Fabrice Bracq (Guion original: Guillaume Clicquet de Mentque). Con Thierry Lhermitte, Michele Laroque, Nicole Ferroni, Omar Mebrouk, Judith Magre, Alain Doutey, entre otros. Fotografía: Philippe Brelot. Música: Adrien Bekerman. Duración: 97 minutos.       

XXxxx-ABUELOS EN PROBLEMAS

Fabrice Bracq incursiona en el largometraje con una comedia familiar, estructurada, con pulcritud actoral y técnicamente actual. Con la fotografía y un buen soporte de producción, logra una historia conocida, que incluye secuencias sin peso ni carnadura, muy teatrales y discursivas. Demasiado visto.

Michele Laroque (Marilou) y Thierry Lhermitte (Philippe) inician la jubilación, ella dentista y él con retiro anticipado, buscando una vida sin ataduras bajo el sol de Portugal. Gestionan la compra de un terreno para edificar el nuevo hogar, al que sueñan como un nido de paz y amor, alejados de los entuertos familiares. Sin embargo, se desatará una ola de problemas de todo tipo, equívocos y frustraciones, que generarán no pocas trabas al matrimonio mayor. Con este tipo de situaciones, Fabrice Bracq intenta dar un aire de comedia simpática y reidera, pero no fluye sino que apenas envuelve la historia con un halo de tibia simpatía. En verdad, “Por fin solos” es un proyecto a medio camino, reiterando situaciones que no generan nada.

Por cierto, todo está empaquetado con un buen tono francés, entre elegante y socarrón. Habrá que esperar otra realización de Fabrice Bracq donde su ingenio pueda lucir. En este caso se quedó corto en todo. 

Carlos Pierre

 

 

LA MALDICIÓN RENACE

Trailer: https://youtu.be/sMzc0my_tlk

Dirección de Nicolás Pesce. Guion de Jeff Buhler. Con Andrea Riseborough, John Cho, Demián Bichir, Jackie Weaver, Peter Spencer, Frankie Faison, Betty Gilpin, entre otros. Fotografía de Zack Galler. Música de The Newton Brothers. Duración: 94 minutos.

XXxxx- UNA HISTORIA QUE NO DA PARA MÁS

Si el reinicio de una saga de cualquier género resulta como esta cuarta película titulada “The Grugde” (resentimiento), traducido como “La maldición renace”, habrá que evitarlo. La alteración del tiempo, personajes que están en los flashbacks y que reaparecen no se sabe muy bien si en el presente pero se intuye que es en el pasado, generan una confusión narrativa sin ton ni son.

Parejas desparejas, psicópatas sueltos, seres que surgen de bañeras repletas de agua sangrienta y la brutal escena de una mujer que ahoga a un niño, piden a gritos que escapemos de la sala. Y lo inevitable: que la maldición de la casa que se intenta vender, centro de la historia, somete a quienes la visitan a brutales pesadillas. El guion es muy débil, los personajes no tienen desarrollo y la narración confunde al no identificar las secuencias, salvo en un comienzo, que responden al pasado. Es un lío de gags superviolentos, cuerpos calcinados, niños monstruosos y muertes espantosas.

Sam Raimi, con su reconocida empresa “Ghost House Pictures”, fue uno de los afamados productores de esta fallida película de terror, basada en el original japonés del 2002, la remake norteamericana del 2004, y las subsiguientes “The Brudge 2, y 3” del 2006 y 2009 respectivamente.

Elsa Bragato

 

Otros estrenos previstos para este jueves:

1.- SONIC, live-action basada en el videojuego de SEGA, el erizo azul que vive todo tipo de aventuras. Coproducción Japón-Estados Unidos.

2.- LOVE-LIVE FEST 2020, concierto por los 9 años de Love-Live filmado en Japón (animación y ficción).

3.- VIOLET EVERGARDE, de Haruka Fujita. Animación, Japón.

 

JUEVES 6 DE FEBRERO DEL 2020.-

 

EL PRÍNCIPE

Guion y dirección: Sebastián Muñoz. Con Juan Carlos Maldonado, Alfredo Castro, Gastón Pauls, entre otros. Fotografía: Enrique Stindt. Música: Ángela Acuña. Duración: 96 minutos. Coproducción: Chile-Argentina-Bélgica.

XXXXX-BRUTAL HISTORIA CARCELARIA

Sebastián Muñoz se basó en el libro “El Príncipe” de Mario Cruz, novela erótica, carcelaria, ambientada en Chile poco antes de asumir la presidencia el doctor Salvador Allende. El escritor retrató el deterioro de la sociedad chilena a través de una historia de violencia, amor y sexo entre presidiarios.

Inevitable, el encierro provoca que los más bajos instintos afloren. Desde la búsqueda instintiva de ternura hasta la homosexualidad brutal, llamada “amor negro”. En “El príncipe”, el joven Jaime, que ingresa por ser culpable de un homicidio debido a un arrebato pasional, se enfrenta al “jefe”, llamado “El Potro”, hombre mayor respetado por los demás estableciendo una relación dueño-esclavos, fuerza coercitiva y dependencia. Entre los reos, está el actor Gastón Pauls, como el “Che Pibe”, completando un elenco coral pequeño pero significativo conceptualmente.

Surge un apasionado romance entre Jaime y El Potro, un “amor negro” en el que irán trasvasándose el mando de ese grupo de presos, hasta que el joven se transforma en “El príncipe” (metáfora cargada de cinismo) obligando a ser reconocido en su poder.

Sebastián Muñoz, en su ópera prima, tiene mucha osadía. Construye una historia sólida pero lineal con un relato claustrofóbico y brutal. El film agrede la sensibilidad del espectador desprevenido con escenas repulsivas del tipo “R” (calificación de los Estados Unidos para películas solo aptas para mayores de 21 años). Poco desarrollo de personajes, previsibilidad, Muñoz echa por la borda cualquier cuestionamiento pudoroso. No es para todo tipo de público.

Carlos Pierre

 

Otros estrenos previstos para este jueves:

1)JUDY, de Rupert Goold, con Renée Zellweger. Invierno de 1968, Judy Garland regresa a Londres. Estados Unidos.

“Todo es angustia. No logro sentirme cómplice de tanto sentimiento desbordado. El trabajo de Rupert Goold es correcto y también frío (…) Contemplo esta tragedia desde fuera, sin entrar en ella”. De Carlos Boyero, Diario El País.

“Ni la película ni el hercúleo esfuerzo de Zellweger se zambullen en las aguas trágicas, terribles y sórdidas de la estrella”, de O. Rodríguez Marchante, Diario ABC.

“Zellweger se mueve entre la entrega total a la intensidad del personaje y su repertorio de mohínes habitual que desconcentran al espectador”, de Eulalia Iglesias, El Confidencial.

2) PUERTO ALMANZA, documental de Juan Pablo Lattangi y Maayan Feldman. Argentina.

3) ANDRÉS CARRASCO, CIENCIA DISRUPTIVA, documental de Valeria Tucci.

 

 

AVES DE PRESA

De Cathy Yan. Con Margot Robbie, Mary Elizabeth Winstead, Ewan McGregor, Jurnee Smollen.Bell, Ella J. Basco, Rosie Pérez, entre otros. Fotografía de Matthew Libatique. Guion de Dixon, Gorfinkel, y Hodson, basado en el Cómic de Greg Land. Música de Daniel Pemberton. Producci{on de Margot Robbie. Duración: 109 minutos. Estados Un9d0s.

XXXXX- UNA CHICA SIN ESCRÚPULOS

Exótica y salvaje, llega “Aves de presa” con Margot Robbie en el protagónico de “Harley Quinn”; es la ex amante de Joker por lo que se convierte en un ave de presa para los enemigos de quien fuera su pareja, a quien conoció como su paciente dado que es psiquiatra.

“Harvey Quinn” es un nombre derivado artificiosamente de “Arlequín”, spinoff de “Escuadrón Suicida” donde aparece por primera vez. De manera coloquial la protagonista rinde culto a la venganza femenina sin ton ni son derribando la cuarta pared, es decir, hablándole directamente a la audiencia mientras en pantalla se desarrollan acciones superpoderosas. “Harvey” nos cuenta quién es, cómo se siente, y descubre su alma cruel mientras enfrenta a “Roman Sionis” (un Ewan McGregor potente), a quien le robaron un enorme diamante. De manera “descolgada”, aparecen por primera vez en la pantalla cinematográfica otros personajes de DC Cómics como “Canario Negro“ (Jurnee Smollen Bell), Renée Montoya (Rosie Pérez) y la oriental “Casandra Cain” (Ella Jay Basco).

Payasesca por sus mohines y su maquillaje a lo “Guasón”, “Harvey Quinn” enfrenta de principio a fin a buenos y malos liquidándolos sin vueltas. No se detiene a preguntar, mata y sonríe a cámara. Gimnasta, aprovecha sus dones para asesinar a decenas de musculosos sin miramientos. Un rasgo más de su temperamento es su mascota, una hiena a la que cuida con amor.

La película tiene clima de suspenso de principio a fin que se resuelve, minuto a minuto, con asesinatos a mansalva, explosiones, persecuciones, y falta de arrepentimiento. “Harvey Quinn” es una psicópata linda sin escrúpulos. Se advierte ternura hacia la jovencita “Cain” y hacia su mascota. “Harvey” es digna descendiente de la locura de “Joker”, y dentro de los héroes y heroínas de ficción, un personaje de extrema violencia que se puede cuestionar moralmente.

Es un film para los fans de “DC Cómics” y para quienes no se amilanan ante el ruido ensordecedor de metralletas ni la sangre que explota a borbotones. Los fans de los cómics tienen una película a medida, con “crash”, “punch”, “booms”, “oops”, “pow” y “bang” a troche y moche. Lo más parecido es “Deadpool”.

Elsa Bragato

 

JUEVES 23 DE ENERO DEL 2020.-

XXXXx- APOCALIPSIS DEL CAPITALISMO

 

El realizador Bong Joon Ho logró una de las mejores sátiras sociales dramáticas, mostrando la división de clases desde otra cara, insólita, un verdadero salto entre géneros. Thriller y comedia, narración por momentos tan diferente que no se encuentra una clasificación exacta. Es una comedia sin cómicos y una tragedia sin villanos, una conmoción feroz, gradual caída libre, terreno en el que Bong Joon Ho se siente muy a gusto.

Un padre de familia sin trabajo vive en una precaria casa ubicada en un sótano de la ciudad de Seúl. Para estar en contacto con el mundo, se “cuelga” del wifi de sus vecinos, única forma de sobrevivir subterráneamente. La historia cambia cuando el hijo mayor se las ingenia para ser convocado en casa de una familia adinerada como tutor de inglés. Con artimañas, el joven y su famélica familia se van infiltrando en el seno de los ricos sustituyendo al chofer y al ama de llaves. Son parásitos humanos que no se diferencian en nada de los “reemplazados” o bien sus opresores. Es aquí donde la narración de Bong Joon Ho alcanza una profunda expresión social, muestra una realidad incontrastable que, además, se verifica en el día a día de cualquier sociedad: los ricos emergen y los pobres son arrojados al afuera. Son los oprimidos. Ambos clases sociales conviven, todos viviendo de todos, versión apocalíptica del director coreano del capitalismo. La historia se torna inquietante con el subrayado de las miserias más oscuras del ser humano. Extremos con los que se regodea este realizador atrevido y lacerante, aclamado por la crítica a lo largo de su carrera cinematográfica (The host, Showpiercer, sus dos films más taquilleros sobre una producción de 8). Acaba de obtener el máximo SAG awards como Mejor Elenco, siendo el primer film de habla no inglesa que alcanza tamaña distinción en el Sindicato de Actores de los Estados Unidos. Y la Palma de Oro de Cannes. Boon Joo Ho algo está diciendo. Hay que escucharlo.

Carlos Pierre

 

1.- DOLITTLE AKA, de Stephen Gaghan, con Robert Downey Jr, Antonio Banderas, Michael Sheen, Emma Thompson, Rami Malek, entre otros. Comedia. Estados Unidos.

“Demuestra ser tan predecible como repulsiva. Pone a prueba la paciencia de los espectadores”, de Courtney Howard, Variety.

“La historia sigue siendo floja, las actuaciones son irregulares y el humor poco frecuente”, de Manobla Dargis, The New York Times.

“En definitiva, Dolittle no solo es una historia floja y mal contada, también es un desperdicio de talento”, de Kristen Page-Kirby. The Washington Post.

2.- LA POSESIÓN DE MARY, de Michael Goi. Con Gary Oldman. Thriller. Estados Unidos.

“Un barco que hace aguas pese a la competente dirección de Michael Goi y a un reparto en el que figura Gary Oldman”, de Dennis Harvery, Variety.

“Oldman y Mortimer hacen, como siempre, un papel sobresaliente. Pero mientras que el veterano director de TV Michael Goi logra que todo luzca un buen aspecto, tiene muchos problemas a la hora de asustar con su guion”, de Noel Murray, Los Angeles Times.

“(…) Se necesita el talento de Hercule Poirot para entender qué es lo que ha traido a actores de tal calidad a un material tan patético y repleto de clichés”, de Frank Scheck, The Hollywood Reporter.

LOS PROHIBIDOS

Dirección, guion y producción de Andrea Schellemberg. Cámara y fotografía de Diego Gachassin. Montaje de Fernando Vega. Con la presentación de Silvana Casro, María Julia Rillo y Diana Campi. Duración: 65 minutos.

 

XXXXX-LOS LIBROS QUE NOS OCULTARON

En este cuarto largometraje documental de Andrea Schellemberg, la realizadora ingresa a la Biblioteca del Congreso de la Nación, específicamente a la Sala de Colecciones Especiales. Allí se encuentran los libros que las diferentes dictaduras y gobiernos neoliberales ocultaron al público. Se focaliza en la vida de Silvana Castro, bibliotecaria, que estuvo desaparecida, torturada brutalmente, quien intenta que ese lugar del histórico parlamento nacional retome las visitas guiadas incluyendo además las colecciones de diferentes autores, con la llamada Colección Peronista. En esas visitas guiadas, hay que mantener una opinión ecuánime dado que hay público que viene con preconceptos tildándolas de “peronchas” o “gorilas”, según lo que muestren y expliquen.

En verdad, la realización de Schellemberg decae porque apunta a varios focos informativos en lugar de centrar el documental en Castro y sus vivencias para luego, a partir de ella (hace un relato en off mientras Schellemberg la filma en su hogar), diversificar en otras bibliotecarias. La inclusión, el insert de un discurso del ex presidente Mauricio Macri y algunos pasajes de la brutal represión policial a manifestantes, nos muestran momentos d e los últimos años que, aunque muy claros respecto del sentido de la libertad de expresión neoliberal, apartan del tema. Nos quedamos sin saber cuáles son todas las colecciones especiales, además de Juan María Gutiérrez y Juan Domingo Perón en especial. Es decir, el testimonio de Castro es fundamental tanto como las Colecciones Especiales, dos ejes del film que se desdibujan. No obstante, se logra la confirmación intuida pero no dicha: así como hubieron canciones prohibidas, también ocurrió con escritores y libros de todas las épocas en manos de dictadores de todo tipo y pelaje.

Elsa Bragato

 

OTROS ESTRENOS EN EL CINE GAUMONT, DOCUMENTALES:

A)  EL HUEVO DEL DINOSAURIO, de Josefina Recio, documental. Argentina.

B)  FOTOSÍNTESIS, de Diego Fidalgo, documental. Argentina.

C)  LA OTRA MAGIA, de Leandro Bartoletti, documental. Argentina.

 

JUEVES 16 DE ENERO DEL 2020.-

 

EL ROBO DEL SIGLO

Dirección: Ariel Winograd. Guion: Alex Zito, Fernando Araujo. Con Guillermo Francella, Diego Peretti, Luis Luque, Pablo Rago, Rafael Ferro, Mariano Argento, entre otros. Fotografía: Félix Monti. Música: Darío Eskenazi. Duración: 114 minutos.

XXX-EXCESO DE SARCASMO EN INTENSO THRILLER

Ariel Winograd pasó de la comedia exitosa “Mamá se fue de viaje” a un intenso policial basado en los hechos de público conocimiento ocurridos el 13 de enero del 2006,: el robo al Banco Río de Acassuso con el liderazgo del uruguayo Vitette (Guillermo Francella) y el plan pergeñado por Araujo (Diego Peretti), además de la fundamental ayuda material para concretar el túnel y taladrar las cajas fuertes a cargo de Marciano (Pablo Rago), un eficiente mecánico.

El plan fue sincronizado y astuto y milimetrado: la banda mantuvo en vilo a una veintena de rehenes, a centenares de policías y hasta al Grupo Halcón, logrando fugarse a través de un túnel. Fueron muy eficaces al engañar al policía “Sileo” (Luis Luque) y a un representante de la Justicia (Rafael Ferro), llevándose una millonaria suma de dinero y joyas. Con el tiempo, fueron capturados, enjuiciados, condenados y encarcelados. Al cumplirse cierta parte de la condena, fueron liberados y, en el caso de Vitetti, se le concedió la extradición al Uruguay donde hoy dueño de una joyería.

El entorno histórico subyace: el “robo” de los bancos a los clientes al quedarse con sus ahorros (decisión gubernamental) y el robo al Banco Nación de Villa Ramallo ocurrido a fines de los 90 y conocido como la “Masacre de Ramallo”. Es decir, una sociedad convulsionada por políticas de saqueo y los bancos como los “malos” de la situación económica.

El film denota un gran esfuerzo de producción, con una muy buena investigación. Sin embargo, hay luces y sombras en la propuesta, puntos a favor y en contra. El elenco es de consagrados: Diego Peretti, un actor fetiche de Winograd, convence siempre, mientras que Luis Luque, Pablo Rago y Rafael Ferro son efectivos en los roles respectivos poco desarrollados. En el caso de Guillermo Francella, hay que lamentar la gestualidad  propia de su comicidad porque confunde: ¿thriller o comedia?. Tampoco colabora la banda sonora de Darío Eskenazi, con demasiado resabio hollywoodense,  Finalmente, Winograd abusó de la “canchereada” porteña, fuera de época a estas alturas, quitándole veracidad a un hecho dramático.

La película tiene figuras que enganchan. Y apunta más a una buena taquilla que a quedar en la historia como hito policial. Winograd logra tener un cine para todos, atractivo, con buena boletería, perdiendo su marca personal.

Carlos Pierre

 

LA HORA DE TU MUERTE

Guion y dirección: Justin Dec. Con Elizabeth Lail, Anne Winters, Charlie McDermott, entre otros. Fotografía: Maxime Alexandre. Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans. Duración: 90 minutos.

XX- ABURRIMIENTO FATAL

El terror tecnológico poco original es lo único rescatable de “La hora de tu muerte”: sucesión de sustos Una joven enfermera, Quinn Harris (Elizabeth Lail), descarga una aplicación – una “app”- para su celular llamada “Countdown” que predice la hora de la muerte. De esta manera, descubre que solo le quedan tres días de vida, una cuenta regresiva, un “countdown” imposible de detener aunque tratará de esquivar con desesperación el inexorable final.

Teniendo a una “app” como protagonista del terror, el guion apabulla por su endeblez. Son solo los minutos de ese reloj los que marcan el mayor suspenso de la historia. Al mismo tiempo, al centrar el “miedo” en un reloj, se agotan los recursos de terror, por lo que el resto lo hacen la actriz y su gestualidad. El colmo del absurdo es la aparición de un personaje caricaturesco, burdo, que inicia una persecución insólita a la atribulada Quinn quien ya tiene bastante con su corto destino.

Exageradamente simple, superficial, esta película aburre y desgasta aún más a los consabidos sustos y trucos del género. En realidad, quien cuenta los minutos es el espectador porque el aburrimiento es peor que aquello que Quinn teme en la ficción. Y se cumple aquello de que con una buena idea solamente no se logra un buen film en este caso. La ausencia de imaginación hizo que esta mezcla de thriller y terror sea una real cuenta regresiva para la mediocridad. Sin duda, Quinn y su historia se derrumban pesadamente.

Carlos Pierre

 

 

JUEVES 9 DE ENERO DEL 2020.-

1)  La muerte no existe y el amor tampoco, de Fernando Salem. Argentina.

Trailer: https://youtu.be/v_nVhgxt94

2)  Lo mejor está por venir, de Alwxandre de La Patelliere y Matthieu Delaporte, Francia.

Trailer: https://youtu.be/rEMh13N0LbI

3)  Cats, de Tom Hopper. Musical. Estados Unidos.

Trailer: https://youtu.be/df46czZycdA

“Hooper se estrella estrepitosamente. Ha resuelto la adaptación de la peor manera posible”, de Alberto Luchini, Diario El Mundo.

“Cuesta entrar al ritmo y la emoción pero lo cierto es que está todo fielmente logrado aunque hay que atravesar una primera parte de aclimatación para llegar a lo intenso”, de Oti Rodríguez Marchante, Diario ABC.

(Recordamos que, frente a las críticas adversas, la producción de “Cats” decidió bajar la producción de la competencia de los premios Oscars)

 

 

4 LONKOS

 

Guion y dirección: Sebastián Díaz. Documental. Elenco: Marcelo Valko, Osvaldo Bayer, Carlos Martínez Sarasola, Fernando Pepe, Claudia Solomón Tarquini, Facundo Gómez Romero, Nora Galván, Luis Eduardo Pincen, Lorenzo Cejas Pincen, Domingo Catriel, Walter Minor. Música original: Daniel Bugallo. Fotografía: Manuel Muschong y Mauro Braga. Animaciones: Carlos Escudero y Juan Carlos Camardella. Duración: 78 minutos.

XXXXX-PATRIOTAS QUE NO LO FUERON

En este segundo largometraje del documentalista platense Sebastián Díaz (Muralla criolla del año 2017 fue el primero) nos narra la vida, muerte y profanación de 4 grandes caciques (Lonkos) de La Pampa y Patagonia: Mariano Rosas, Cipriano Catriel y Juan Calcufurá, cuyas tumbas fueron profanadas luego de la Campaña del Desierto en nombre de la ciencia. Dos de los cráneos fueron a parar a museos antropológicos argentinos y otras partes de los esqueletos son objeto de estudio. El cuarto “lonko” fue Vicente Pincén quien escapó de este sacrilegio porque nunca fue encontrado. Logró huir quedando solo su huella en cuatro fotografías tomadas por sus fracasados captores.

La historia argentina de finales del siglo XlX, la lucha de frontera contra el indio a cargo del Gobierno Nacional con tropas al mando del general Roca y el coronel Villegas. Fue un oprobio teñido de sangre. Nombres consagrados por la “historia de los ganadores” como el Perito Moreno y el abogado Estanislao Cevallos caen entre los asesinos y profanadores de entonces.

Este documental, dividido en cuatro capítulos, tiene compromiso con la verdad y está lleno de pasión. Sebastián Díaz, joven cineasta, construye su camino de manera minuciosa, buceando en archivos, organizando una cuidadora preproducción y teniendo a mano, aún entonces, a historiadores de la talla de Osvaldo Bayer en una de sus últimas intervenciones didácticas. Es una historia real que conmueve y echa luz sobre aspectos históricos que pueden explicar acciones de hoy en día. En la historia nacional a los aborígenes se los masacró y profanó. En la historia nacional de estos días aún siguen luchando por sus derechos como seres humanos con muertes que esperan el dictamen de la Justicia. Es un documental imperdible por ser pasional y riguroso a la vez.

Carlos Pierre

 

 

JOJO RABBIT

Dirección y guion adaptado de Christine Leunens. Con Taika Waititi, Scarlett Johansson, Roman Griffin Davis, Thomasin McKenzie, Rebel Wilson, Alfie Allen, entre otros. Fotografía: Mihai Malaimare Jr. Música: Michael Giacchino. Duración: 108 minutos.

XXXXX- TRANSGRESORA PROPUESTA SOBRE EL NAZISMO

“Jojo Rabbit” es la adaptación de la novela de Christine Leunens, basada en un planteo delirante –o realismo mágico- sobre el nazismo y la persecución de los judíos a través de la visión de un niño y su singular amigo imaginario. Por momentos, el humor campea por la historia quitándole solemnidad y permitiendo digerir conceptos y hechos muy duros. La Segunda Guerra Mundial, que los alemanes perdieron a manos de los Aliados y los Rusos, aparece con un enfoque diferente que hace abrir los ojos sobre lo ocurrido y los temores ante su eventual reaparición.

El niño Jojo Rabbit se alista a las Juventudes Hitlerianas. Es tímido y algo torpe. Vive con su madre (Scarlett Johansson), sofisticada y misteriosa. Su ingenuo ímpetu nazista tambalea cuando descubre que su madre esconde en el ático a una niña judía (Thomasin McKenzie). Desde ese momento, su imaginario mundo oscila entre el nacionalismo, la niña oculta y su amigo imaginario que es nada menos que Adolfo Hitler, interpretado por el director neozelandés Taika Waititi.

Los protagonistas Taika Waititi, Roman Griffin Davis y Scarlett Johansson alcanzan picos altísimos en sus performances por lo que, aún dentro de la irrealidad de la propuesta, se logra solidez.

Hay un desafío argumental muy interesante por parte de Waititi al llevar a la pantalla la figura de Hitler unida a un niño ingenuo y a una niña judía escondida. Y caben las preguntas: si es posible el humor a partir de personajes tan monstruosos y cuáles son los límites en todo caso. O bien si el delirio de una propuesta resuelve cualquier conflicto ético. De allí que, en este planteo, transcurren secuencias de gags aunque, a medida que la historia avanza, van perdiendo hilaridad. Es que el tema se las trae, no es nada fácil recrear la figura de Adolf Hitler en una comedia que bordea lo mágico con la transgresión más desenfadada. Se la toma o se la deja.

Carlos Pierre

 

EL ACOSO

De Michal Aviad. Con Oshri Cohen, Menashe Noy, Liron Ben Shlush, entre otros. Fotografía de Daniel Miller. Duración: 93 minutos. Israel.

XXXXX-LA REALIDAD SIN VUELTAS

La historia es conocida por todas las mujeres del mundo: ser secretaria privada es vía directa para el acoso. Es el caso de este film retratando, de manera concisa y verosímil, a una joven mujer, madre de tres hijos, y felizmente casada con un joven que tiene un restaurante al que le falta la habilitación. Consigue trabajo como secretaria de un poderoso constructor que comienza por admirar la capacidad de la joven para luego iniciar un plan de acoso que pone en peligro la relación laboral.

El tema está tratado con honestidad a través de una narración detallada tanto de la vida hogareña como del trabajo de “Orna” (Liron Ben-Shlush). Michal Aviad no recurre a ningún golpe bajo ni a momentos melodramáticos sino a una exposición del caso con todos sus matices tal como se suelen dar. Con lentitud pero sin pausa, la vida de Orna, su hogar, la relación con su marido, los tres niños, y las exigencias laborales, van gestando la problemática del acoso. Las cosas son así, tal como se dan en la vida real, y Aviad, junto a su protagonista, lleva adelante la historia de manera aséptica, seca y verosímil. Un film que las mujeres deben ver.

Elsa Bragato

 

 

JUMANJI, EL SIGUIENTE NIVEL

De Kale Kasdan. Con Dwayne Johnson, Karen Gilian, Jack Black, Danny DeVitto, Danny Glover, Awkwafina, entre otros. Fotografía de Gyula Pados. Música de Henry Jackman. Guion de Rosenberg, Kasdan u Pinkner, sobre el libro de Chris Van Allsburg. Duración: 123 minutos. Estados Unidos.

XXXXX-DIVERSIÓN DE A RATOS

El regreso del juego de mesa “Jumanji” al cine (creado por el exitoso novelista infantil Chris Van Allsburg) es atractivo pero en este “siguiente nivel” se nota más de lo mismo y menos esplendor visual. El elenco es de altísimo nivel teniendo una primera parte interesante y simpática con Danny DeVito, Danny Glover y los jóvenes protagonistas. El viejo juego de mesa vuelve a “abducir” a los jóvenes regresándolos a las tierras de Jumanji donde ya está el Dr Smulder Bravestone (Dwayne Johnson). Los esperan otros juegos, que incluye la inversión de personalidades, sustos varios, y hombres medievales que ostentan la piedra con la que se puede volver a la realidad. Dwayne Johnson tiene un rol menos actoral y más físico, incluyendo un fallido romance, mientras que Danny DeVito y Jack Black hacen gala de sus virtudes histriónicas. Destacamos la participación de Awkwafina, reciente ganadora de un Golden Globe (Mejor Actriz en comedia o musical por Farewell), quien asume varias identidades, uno de los “quids” más logrados de la película.

Innegable que hay momentos simpáticos pero, en el mientras tanto, tanto desierto termina por aburrir. La primera versión de este imaginario juego que se vio en nuestro país fue fantástica y divertida. En esta continuación la historia resulta menos atractiva que el anterior film, destacándose, tal como indicamos antes, la primera parte bastante extensa donde Danny DeVito hace comicidad de la buena. Es que los famosos del elenco sostienen la endeblez de la historia. Entretiene. No se le puede pedir más.

Elsa Bragato

 

JUEVES 2 DE ENERO DEL 2020.-
 

EL CASO DE RICHARD JEWELL

De Clint Eastwood. Con Paul Walter Hauser, Sam Rockwell, Kathy Bates, Jon Hamm, Olifiva Wilde, ente otros. Fotografía de Wes Belanger. Edición de Joel Cox. Música de Arturo Sandoval. Duración: 131 minutos. Estados Unidos.

XXXXX- CINE: REGALO DE EASTWOOD

Si se quiere aprender a contar una historia en el cine, hay que ver este nuevo film del maestro Clint Eastwood realizado a sus casi 90 años. En “El caso de Richard Jewell”Eastwood revela la verdad sobre el caso de Richard Jewell, un guardia de seguridad que no pudo ingresar a la policía por su torpeza y su exceso de peso, a cargo del estadio donde actuaban varios números para alegrar aún más los Juegos Olímpicos organizados en Atlanta en 1996. Estaba a cargo del Centennial Olympic Park, advierte un bolso sospechoso, alerta a la policía y pone a salvo a miles de personas con una actitud valiente.

Rápidamente es elevado por el periodismo a la categoría de héroe nacional, hasta que, a raíz del periodismo opositor y, en especial, de una redactora sin escrúpulos del Atlanta Journal-Constitution, se culpa a Richard, sin pruebas, del atentado.

El film pendula entre la vida simple de Richard (encarnado por Paul Walter Hauser en su debut como protagonista) junto a su madre (Kathy Bates, notable) y la caída brutal a nivel social que el diario zonal le provoca. El brutal allanamiento del FBI a su hogar y la humillación social van debilitando la saludable naturaleza de Robert, defendido por un ex jefe suyo (Sam Rockwell). Sabe que todo es tanto mentira mediática como de los organismos estatales de seguridad.

Clint Eastwood pone el acento de manera frontal y sin vueltas, pero con la sutileza de un gran realizador, el poder de los medios y de los organismos de seguridad de su país y, por extensión, de cada uno de nuestros países.

Por momentos, el poder mediático es más poderoso que la verdad, la real. Crea su propia verdad de la misma manera que la justicia resuelve los casos a partir de la verdad que logra reconstruir, que no siempre coincide con la realidad de la vida.

Sin prisa pero sin pausa, Eastwood va enlazando secuencias que no permiten respiro alguno: no existe violencia visual sino narración fluida a través de una fotografía clásica rayana en la perfección. Notable realización del maestro Eastwood. Una clase de cine que hay que ver. Es el imperdible de la semana.

Elsa Bragato

 

NUEVA YORK SIN SALIDA

Dirección: Brian Kirk. Guion: Matthew Carnahan, Adam Mervis. Con Chadwick Boseman, Sienna Miller, Taylor Kitsch, J.k. Simmons, Stephan James, Keith David, Victoria Cartagena, entre otros. Fotografía: Paul Cameron. Música: Alex Belcher, Henry Jackman. Duración: 99 minutos.

XXXxx- ADRENALÍNICO POLICIAL

Thriller oscuro, con una acción de violencia empoderada a lo largo de más de una hora y media; una verdadera lluvia de balas en Manhattan. Es allí, en la Gran Manzana, donde está el escenario para que un policía, Andre Davis (Chadwick Boseman) se encargue de la investigación del asesinato de ocho policías y el de su propio padre, dolor profundo que lo acicatea aún más. Durante la búsqueda contrarreloj de los asesinos se cerrarán los 21 puentes de la ciudad, de allí el título sugestivo y literal a la vez. Es de imaginarse el clima del film que atraviesa balaceras de todo tipo, color y duración. Aunque, si bien Davis cuenta con el apoyo logístico de toda la policía neoyorquina, en algún momento enfrentará a los asesinos en soledad.

El guion, si bien previsible, tiene todos los condimentos de un verdadero policial: conspiraciones policíacas, droga y dealers, sótanos, calles oscuras, matones. No le falta nada gracias a la fotografía de Paul Cameron que muestra desde secuencias de enfrentamientos hasta una Manhattan nocturna delictiva con tomas angulares desde los altos edificios, los ríos laterales (East y Hudson) y los vuelos rasantes de enormes helicópteros . En esto reside la atracción: si vamos a ver un policial, que sea uno de pura cepa como éste. Aquí uno se sienta en la butaca y queda en medio del fragor de las balas. Es un thriller clásico, siempre efectivo, atrapante y adrenalínico.

Carlos Pierre

1.- Bacurau, de K.Mendonca Filho y Juliano Dornelles. Con Sonia Braga.

“Mientras permanece en sintonía con los modos del realismo mágico, satisfecha de ser cine genuinamente raro, es una obra del todo disfrutable”, de Nando Salvá, Diario El Periódico.

“Un western retrofuturista y lisérgico a la brasileña. Es, en definitiva, una extravagancia visualmente muy gozosa”, de Philipp Engel, Dario El Mundo.

Trailer: https://youtu.be/RZVpW5yC3pM

 

2.- El aro, de Hideo Nakata. Japón.

“Refleja que esta serie fantasmagórica está tan obsoleta como la cinta de la que surgió. Lo peor que le puede pasar a una película de terror es ser aburrida y ésta lo es en exceso”, Meagan Navarro, Bloody Disgusting.

“Es menos terrorífica que contextualmente relevante. Esto me gusta porque pone lo significativo por encima de los cadáveres aunque seguro que esto decepcionará a mucha gente”, de Jared Mobarak, The Film Stage.

Trailer: https://youtu.be/3-1GGz_gTnQ

 

3.- Frozen II, de Chris Buck y Jennifer Lee.

“Es infinitamente menos trascendente que Frozen y además es solemne, plomiza y de unamagia plúmbea. Tras unos primeros veinte minutos muy buenos se empiezan a perder los posibles paralelismos”, de Javier Ocaña, Diario El País.

“Una narración sorprendentemente confusa”, de Nando Salvá, Diario El Periódico.

Trailer: https://youtu.be/EBtguNk_Rck

 

4. Somos Calentura, de J. Navaas. Coproducción Colombia-Argentina.

“Su trama se desenvuelve con ritmo seguro y hace alardes de sus principales atractivos: música estrepitosa a todo dar, vistosas coreografías en muelles y discotecas, acrobáticos movimientos de cámara y contorsiones corporales”, de Mauricio Laurens, El Tiempo

Trailer: https://youtu.be/7kSlL7XR8RM

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JUEVES 27 DE DICIEMBRE DEL 2019.-

 

LA GOMERA (o LOS SILBADORES)

Guion y dirección de Corneliu Porumboiu. Con Vlad Ivanov, Catrinel Marlon, Rodica Lazar, Sabin Tambrea, entre otros. Fotografía de Tudor Mircea. Duración: 97 minutos. Coproducción Rumania. Francia. Alemania.

XXXXx - SILBADORES PARA UN PODEROSO ROMPECABEZAS

Una nueva propuesta de Porumboiu, reconocido director rumano, complejo, enmarañado, confuso aunque interesante. Nos cuenta la historia de un policía ligado a la mafia, llamado Cristi, que viaja a La isla La Gomera donde el lenguaje críptico de los habitantes está en los silbidos con diferentes intensidades y modulaciones. Tiene el encargo de sacar de la cárcel a Zsolt, quien sabe dónde hay 30 millones de euros escondidos.

La narración está dividida en capítulos, relativos a los diferentes personajes de la historia, y cada uno de ellos comienza con otra situación respecto del capítulo anterior. Lo más justo es decir que Cornelio Porumboiu se pasea por diferentes géneros, desde un quasi bucólico (el aprendizaje del lenguaje del silbido) hasta un thriller psicológico, pasando por el policial neto. Dentro de esta gama de idas y venidas narrativas los personajes tienen cambios inesperados al punto de que lo que se está viendo no corresponderá en nada a lo que veremos hacia el final. Mafiosos, una femme fatale, policías, corrupción, drogas, botines, una madre preocupada, un cura codicioso, van girando en esta historia que tiene todos los géneros o todos los matices, que rehúye del intimismo familiar rumano para insertarse en el policial europeo.

Porumboiu maneja a sus actores a la manera de un hábil titiritero, los ubica en diferentes situaciones y entornos cumpliendo roles en situaciones impensadas. En esto radica la fascinación de la trama y también el rompecabezas que cada espectador debe armar una vez que llegue al “The End”. Tendrá asombros varios, quedará perplejo más de una vez y, al salir de la sala, hará sus conclusiones: nada fue lo que pensó en un principio.

Elsa Bragato

 

 

NOSOTROS TRES

Guion y dirección De José Alcalá. Con Daniel Auteuil, Catherine Frot, Bernadr Lo Coq, entre otros. Fotografía de Philippe Guilbert. Música de Fred Avril. Duración: 90 minutos, Francia.

XXXxx-PICARDÍAS ENTRE ADULTOS MAYORES

La vida de los jubilados hoy en día es bien diferente a la de hace 50 años. Para muchos, los adultos mayores son “viejos” irrecuperables. Para José Alcalá, todavía tienen chances de vivir como les place. Este último aspecto es el que toma el guionista y director para recrear la vida de un matrimonio que lucha contra ciertas estrecheces económicas. “Simone”, la bella Catherine Frot, se hartó de su marido (un Auteuil en un rol diferente, de introspección), se distrae con su vecino. Hasta que se decide por su libertad, por elegir ella misma cómo quiere vivir.

Los protagonistas Auteuil y Frot hacen gala de una gran capacidad de resiliencia y ganas de vivir, recuperarse mutuamente y de perdonarse. Es una historia de amor entre adultos mayores que no dejan de hacer picardías para vivir intensamente. Nada está perdido luego de una jubilación sino que hay una nueva vida por delante. Solo hay que saber verla, adecuarse a los tiempos, ignorar el que dirán y vivir.

Elsa Bragato

 

JUEVES 19 DE DICIEMBRE DEL 2019.-

“La botera” es el film nacional anunciado como estreno hace un par de semanas. La crítica fue publicada en la sección. Se reestrena “La dolce vita”, de Federico Fellini.

 

LOS AMORES DE CHARLOTTE

De Sophie Lorain. Con Margherite Bouchard, Romane Denis, Rose Adam, entre otros. Música de diversos artistas. Fotografía de Alexis Durand Brault. Duración: 89 minutos. Canadá.

 

XXXXX-RETRATO DE AMORES ADOLESCENTES

 

Más que interesante propuesta sobre la sexualidad en la adolescencia femenina, la explosión hormonal, el deseo contenido, la virginidad. Tres chicas que están por terminar el secundario buscan trabajo en una tienda de juguetes porque los dependientes son lindos chicos. Cada una de ellas soñará con el amor o el sexo, o ambos, de acuerdo a sus personalidades. La superfogosa, la virgen, la más tímida pero no menos osada, frente a chicos que padecen también de explosiones hormonales y lejos están de pensar en uniones duraderas.

La narración de Sophie Lorain es muy fluida, trabajada en Blanco y Negro, y le sabe dar profundidad a los sentimientos de cada personaje. El desarrollo psicológico de las tres protagonistas está muy bien perfilado desde una mirada contemplativa sin enjuiciar.

Ni promiscuas ni sumisas. Las tres chicas tienen qué decir respecto del sexo y cómo cada una de ellas lo enfrenta como siente. Tienen libertad de conciencia para obrar y hablar.

Se produce una suerte de “Lisístrata”, la obra del griego Aristófanes a quien se menciona en la película: las mujeres de Esparta, al frente de Lisístrata, decidieron no tener sexo con sus maridos más afectos a las batallas que al hogar. En la propuesta de Lorain, las chicas harán abstinencia sexual para poner a prueba a sus compañeros.

Esta situación genera un conflicto que suma intensidad al ver la respuesta de los varones. Es un “darse cuenta” de la existencia del otro como persona, tomando conciencia de que el amor puede surgir. El tema es recurrente en los últimos meses (acabamos de ver “Hogar” la semana pasada). Lo que siempre ocurrió de manera “invisible” en la sociedad, hoy toma cuerpo en el cine a través de películas que, como ésta, muestran a las mujeres con la enorme capacidad de hacerse elegir. Aún con libertades o sin ellas, con condenas sociales o no, la mujer supo siempre sus límites, los exploró y tomó sus decisiones al respecto, más allá de cualquier aceptación del entorno. Carismáticas protagonistas para una película muy femenina.

 

Elsa Bragato

 

LEJOS DE PEKÍN

Guion y dirección de Maximiliano González. Con Elena Roger, Javier Drolas, Cecilia Rossetto, José María Marcos, entre otros. Fotografía de Agustín Alvarez. Arte de Jimena Soldo. Música de Pablo Polidoro. Montaje de Alberto Ponce. Duración: 82 minutos. Argentina.

 

XXXXX- BUEN RELATO SOBRE LA ADOPCION

 

Maximiliano González encaró su tercer film cerrando una muy buena trilogía que inició con “La soledad” y “La guayaba”. Nacido en Misiones, hace honor a los productores y directores de esa provincia que han logrado productos de calidad internacional en los medios audiovisuales.

En “Lejos de Pekín”, retrata la larga noche de una pareja, compuesta por María (Elena Roger) y Daniel (Javier Drolas), que están en algún lugar de Misiones a la espera de un bebé a través de trámites de adopción. Algo inesperado los obliga a pasar una noche de diluvio en el hotel, lugar donde ambos sacarán a relucir sus miedos, sus rencores, sus dudas y sus frustraciones.

Elena Roger compone uno de sus papeles más logrados, creíbles, sentidos. Mientras que Javier Drolas en el rol del marido cumple con creces como sostén dramático de situaciones intensas.

El tema de la adopción de bebés en la provincia de Misiones tiene larga data. En este caso, el director lo aborda desde un lugar legal, hay papeles de adopción. Pero aparecen inconvenientes absolutamente verosímiles.

La narración en off es la protagonista principal porque abre y cierra esta historia a la manera de un cuento. La fotografía se suma a los protagonistas así como otros elementos técnicos que viran el film hacia las tonalidades sepias. El clima es intimista, con diálogos adultos y una concepción de las relaciones amorosas con gran sentido estético, muy poco común en nuestro cine. Todo confluye para que la historia de esta pareja en busca de un hijo sea emotiva y profunda.

Buena propuesta nacional.

Elsa Bragato

 

STAR WARS: EL ASCENSO DE SKYWAKER

Dirección: J.J. Abrams. Guion: J.J. Abrams y Chris Terrio. Con: Daisy Ridley, Adam Driver, John Boyega, Oscar Isaac, Lupita Nyong’o, Naomi Ackie, Kelly Marie Tran, Carrie Fisher, entre otros. Fotografía: Daniel Mindel. Música: John Williams. Duración: 155 minutos.

XXXXX

Novena y última entrega de la saga Star Wars y cierre de la trilogía iniciada con El despertar de la fuerza, Episodio VII, del año 2015: un desafío enorme para J.J. Abrams. La protagonista ahora es Rey (Daisy Ridley) quien, junto al resto de los héroes, tendrá que enfrentar la amenaza del Lado Oscuro de la Fuerza encabezada por el Kylo Ren (Adam Driver), entrenado por el Supremo Snoke. Fue unido a los remanentes del Imperio Galáctico reencarnados en la Primera Orden, posee la Base Starkiller, diez veces más grande que La Estrella de la Muerte, destruye La Nueva República y asesina a su padre, Han Solo, a sangre fría. Será Rey, entonces, la heroína que resucite La República, la libertad y la democracia en la dinastía.

La primera parte de esta entrega que cierra la saga tiene un guion enmarañado, que se enreda al explicar y atar cabos sueltos, aunque pleno de explosiones y luchas que entretienen. En la segunda parte, la cuestión es bastante más clara y se puede seguir el hilo narrativo sin mayores complejidades hasta el final. Destacamos una suerte de “cameo” onírico de Harrison Ford a través del sueño
de Kylo Ren.

Aventura y acción, cierto humor, el valor y el amor, el heroísmo de Rey y sus amigos, lucen a través de un despliegue audiovisual poderoso, donde la selva tropical contrasta con el planeta desértico Tatooine. Las batallas tienen un poderoso impacto visual, fundamentos de la propuesta de J.J. Abrams, destacándose las actuaciones de la joven inglesa Daisy Ridley y del norteamericano Adam Driver en los protagónicos, a la altura de la saga y nada menos que del cierre de la misma. No podemos dejar de mencionar a la recordada Carrie Fisher en el rol de Leia Organa que, gracias a la tecnología, pudo aparecer en el film. Esta novena producción llega sin mayores aportes aunque se descuenta el entusiasmo de los millones de fans de los Skywalkers y los Darth Vader por conocer el final esperado tantos años.

Carlos Pierre

 

 

ESCONDIDO

De Miguel Baratta. Documental.

 

XXXXX-RECUPERACIÓN DE LO OCULTO

Este documental de Miguel Baratta fue exhibido en el Arteplex de Belgrano. Analiza a través de una estupenda fotografía con matices novedosos y una escenografía estudiada los elementos de la Cátedra de Morfología y Diseño Práctico de la Facultad de Arquitectura de esta ciudad. La recuperación de fotografías, collages con diversos elementos, las formas, los colores, dan lugar a la exploración de momentos históricos muy dolorosos: está el joven estudiante que compara los crímenes cometidos en la llamada Conquista del Desierto, los huesos encontrados, fotografías y cerebros en formol, con los horrores de la última dictadura militar. También de esas formas que recuperan vida en las manos de los estudiantes surge el relato del fotógrafo torturado en la ESMA y el de una sobreviviente del Holocausto, o el recuerdo de un veterano de la Guerra de Malvinas. Se opone al rigor de estos relatos los colores rosa pastel, cubos y cuadrados, donde los entrevistados se sientan para hablar a cámaras. Todos referencian elementos escondidos, guardados, descubiertos circunstancialmente, contraste del dolor-horror con la maravillosa fotografía de Baratta y su equipo.

Elsa Bragato

 

JUEVES 12 DE DICIEMBRE DEL 2019.-

 

HOGAR

Guion y dirección de Maura Delpero. Con Lidiya Liberman, Denise Carrizo, Agustina Malale, Marta Lubos, Livia Fernán, Isabella Cilia, Alan Rivas, entre otros. Fotografía y cámara: Soledad Rodríguez. Montaje: Ilaria Fraioli-Luca Mattei. Argentina-Italia. Duración: 91 minutos.

XXXXX-MIRADAS FEMENINAS SOBRE LA MATERNIDAD

Ópera prima ficcional de la italiana Maura Delpero aborda el tema de la maternidad en tres jóvenes a través de sus respectivas miradas religiosa, social y democrática. Siempre con prudencia, con una cercana distancia, sin juzgar ni subrayar, expone con maestría los diferentes pareceres de las madres adolescentes, que viven en un hogar religioso italiano en Buenos Aires.

Fátima (Denise Carrizo) y Luciana (Agustina Malale), madres solteras reciben a la recién llegada Sor Paola (Lidiya Liberman), quien toma sus votos perpetuos con humildad, tratando de entrar a ese mundo diferente del hogar, bajo la severa custodia de varias monjas. Una de las madres solteras, embarazada de su primer hijo y a disgusto con la joven mamá de Nina (Isabella Cilia), se fuga del hogar para reunirse con su amante. Es allí donde aparece Sor Paola cuidando y protegiendo en secreto. Se tratan en síntesis, de tres jóvenes mujeres que tienen tres puntos de vista diferentes sobre la maternidad. Maura Delpero trabaja entre la ficción y el documental aportando una puesta precisa, clara, vívida, de los sentimientos femeninos sobre la maternidad y el amor.

Hay que destacar las performances del trío protagónico, que incluye el debut de las argentinas Carrizo y Malale, junto al enorme trabajo de la italiana Lidiya Liberman. Sin dejar de lado el gran aporte del bello racimo de actrices que encarnan a las monjas, destacándose la fotografía con cámara en mano de Soledad Rodríguez, que tiene un enorme gusto para los planos secuencias. Con ellos abre la historia de las jóvenes en el hogar, le otorga dinamismo a la propuesta, que fluye sin dificultad.

El tema de esta fábula tiene enorme importancia en tiempos de empoderamiento femenino. Sin embargo, Maura Delpero pasea sin dificultad alguna por el tema religioso, la cruda realidad social, no los enfrenta sino que los yuxtapone, no critica sino que pone sobre el tapete. “Hogar” es una de las mejores películas del año.

Carlos Pierre

 

 

ESCRIBIR EN EL AIRE

Guion y Dirección de Paula de Luque. Documental sobre Oscar Araiz. Fotografía de Marcelo Iaccarino. Música de Leo Sujatovich con la inclusión de La consagración de la primavera, de Igor Stravinski, y “La muerte del cisne” de Saint-Saens. Testimonios de Oscar ARaiz, Renata Schussehim, Ana María Stekelman, María Julia Bertotto, Antonella Zanutto, Miguel Angel Elías. Se utilizaron videos pertenecientes al archivo personal del maestro Araiz. Argentina.

XXXXX- AUDACIA DESCRIPTIVA EN TRIBUTO A ARAIZ

Sugestiva, hipnótica por momentos, “Escribir en el aire” es una nueva manifestación de la bailarina y realizadora Paula de Luque, dándole corporeidad a lo más inasible: ese trazado invisible de los cuerpos que bailan, el aire que cortan los movimientos de brazos y manos. Conocedora del paño que filma, De Luque rinde homenaje al notable maestro de danza Oscar Araiz, reconocido internacionalmente a la par de otros grandes contemporáneos como Maurice Bejart. La tarea emprendida por De Luque es difícil: con la complicidad del elenco de Araiz, corporiza varias ideas del maestro: la interpretación de “La muerte del cisne”, un clásico del ballet y del violoncello escrito por Saint Saens, donde papeles blancos acompañan a la bailarina cayendo desde un “cielo” imaginario como si fuesen las plumas blancas del ave que agoniza. O bien la fuerte impronta de “La consagración de la primavera” de Stravinski a través de varias interpretaciones.

La realizadora sabe que su tarea es como “escribir en el aire”: capturar la sutileza de los movimientos dibujados en el espacio, transformarlos en tangibles, y subyugar a la audiencia conmovida por la música y los movimientos. Es un “ensemble”, una unión de danza y música junto con la complicidad de una cámara que sabe lo que quiere retratar. Una muestra más de la exquisita sensibilidad de De Luque en este homenaje a un gran maestro como Oscar Araiz.

Elsa Bragato

 

 

RICCHI DI FANTASÍA (Ricos en fantasía)

De Francesco Micciché. Guion de Bonifacci y Micciché. Con Sergio Castellitto, Sabrina Ferilli, Valeria Fabrizi, Matilde Gioli, Antonio Catania, Antonella Attiu, Gianfranco Gallo, Paolo Calabresi. Fotografía de Arnaldo Catanari. Música de Francesco Cerasi. Duración: 102 minutos. Italia.

XXXXX- AMANTES EN FUGA EN DIVERTIDA COMEDIA

Si hay ganas de pasarla bien, “Ricos en Fantasía” es la propuesta cinematográfica a elegir. Este film de Francesco Micciché, al mismo tiempo coguionista, nos devuelve el humor a la italiana del que no se disfruta desde hace tiempo. “Sergio” (Sergio Castellitto) está enamorado de “Sabrina” (Sabrina Ferilli) quien está unida a “Gigi”, un hombre que la ayuda a criar a sus dos hijos pero al que no ama. A raíz de una broma en el trabajo, donde Sergio es carpintero calificado, éste decide abandonar a su esposa, una “doña” muy malhumorada, cargar con su madre y sus dos hijos, y embarcar a “Sabrina” y sus dos hijos en la aventura de vivir a lo rico. Cuando se le avisa que ha sido una broma, la nueva vida de Sergio y Sabrina está en marcha y las aventuras y desventuras se sucederán sin vuelta atrás en hilarantes secuencias.

Se trata de una comedia con todo el sabor a la italiana, que reúne lo mejor de la tradición cómica del cine peninsular, desde personaje hasta situaciones, la madre-suegra insufrible, el enfrentamiento nuera-suegra, el jefe de familia buscando dinero, mentiras por todas partes, y un clima que, dentro de la desventura que vive “Sergio”, se torna festivo, fuera de lo común, haciendo hincapié en que el hombre italiano no puede ser fiel a nadie. O bien que la infidelidad puede ser el origen de todos los males o el principio de una vida de ensueños a alcanzar.

La historia es verosímil pero, por sobre todo, están las actuaciones de la pareja protagónica que nos remiten al espíritu de “Pan, amor y fantasía”, por ejemplo, o a los tics de los grandes cómicos del cine italiano. Refrescante, bien realizada, bien actuada. ¿Qué más se puede pedir?

Elsa Bragato

 

 

LA SABIDURÍA

Guion y dirección: Eduardo Pinto. Con Sofía Gala Castiglione, Analía Couceyro, Daniel Fanego, Paloma Contreras, Leonor Manso, Lautaro Delgado Tymruk, Juan Palomino, Luis Ziembrowski, Diego Cremonesi, entre otros. Director de Fotografía: Eduardo Pinto. Música: Fabián Picciano. Duración: 89 minutos.

XXXXX- ORGÍA DE CRUELDAD

La Sabiduría es el nombre de una estancia enclavada en el corazón de la llanura pampeana, a la vez perdida en el tiempo. Tres jóvenes mujeres (Sofía Gala Castiglione, Analía Couceyro y Paloma Contreras) deciden pasar un fin de semana allí después de una fiesta de música electrónica; lo que parecía una estadía despreocupada y feliz se transformará en una pesadilla. A bordo de un viejo automóvil emprenden este viaje que será tenebroso y cruel. Destacamos la muy breve actuación de la talentosa actriz Leonor Manso (mamá de Paloma Contreras) quien está a cargo del personaje que presiente y presagia el horror por venir.

Instaladas en la vieja estancia, participan de un ritual nocturno con los indios y los peones. Allí comienza la odisea, teñida de sangre y feroz violencia. Es un impensado y perturbador viaje al pasado, cuando las mujeres eran despreciadas y los indios, perseguidos: ambos están unívocamente manejados por un anacrónico personaje que encarna Daniel Fanego, un extorsionador caudillo militar.

La película de Eduardo Pinto muestra un descarnado y brutal maltrato a las mujeres, junto al caudillismo, al colaboracionismo de la policía y a un rico estanciero, configurando el retrato de una sociedad obsoleta que incluye el maltrato animal. Con el padrinazgo de Alex de la Iglesia, Pinto confirma su desprecio por estas prácticas sociales que, hoy en día, conforman una completa orgía de crueldad. Las escenas conmocionan, abruman de dolor.

Carlos Pierre

 

 

LOS FUEGOS INTERNOS

De Ana Santilli Lago, Ayelén Martínez, Laura Lugano y Malena Battista. Documental. Duración: 70 minutos

XXXXX-ARTES Y AMOR CONTRA LA SINRAZÓN

Abordar la locura o los momentos de irracionalidad incontrolable es tarea ardua, dolorosa y compleja. Este docuficción de Santilli, Martínez, Lugano y Battista, retrata la experiencia de tres internos, Daniel, Miguel y Germán, que sufrieron el encierro psiquiátrico, y que fueron capaces de superar las etapas críticas de sus dolencias a través de las artes y del amor. Nunca mejor testimonio de que el arte es salvífico, es sanador.

Cada ex interno cuenta su experiencia, la soledad interior de verse rechazado, de ser considerado un marginal, de sufrir la humillación social, de estar perseguido y estigmatizado. Cada uno con una problemática diferente, pero cada uno con fuerza de voluntad para dejar de dormir en el hospital. Esas noches frías, eternas, oscuras, de tumbas en vida, son dejadas de lado por la poesía, por la danza, por el amor de una mujer. Las cuatro realizadoras manejan con temple y gran sentido estético este documento sobre la resiliencia a través de close-up, de planos secuencias, de ir desde un cuerpo desnudo que corre por un pequeño bosque hasta el plano largo de la orilla del mar y los tres amigos que lograron salvarse de morir en vida. Esclarecedor, necesario, docuficción.

Elsa Bragato

 

 

JUGANDO CON FUEGO

De Andy Fiekman. Con John Cena. John Leguizamo, Keegan-Michael Key, Judy Greer, entre otros. Fotografía de Dean SEmler. Música de Nathan Wang. Duración: 99 minutos. Estados Unidos. Nickelodeon.

 

XXXXX-TIPICO PRODUCTO DE TEVE

“Jugando con fuego” nos muestra, en sus primeras secuencias, la tragedia de los incendios forestales en California. Sin decir “agua va”, se transforma en una comedia infanto-juvenil donde brigadistas aéreos toman el protagonismo: Jake Carson (John Cena) y su equipo rescatan a una adolescente y sus dos hermanos menores de una casa prácticamente destruida por el fuego. De ahí en más, deben hacerse cargo de los niños. Es en el desarrollo de la historia, donde se producen otras batallas: en vez de fuego, los avezados bomberos rescatistas deberán vérselas con niños insufribles.

Travesuras de todo tipo jalonan la breve estadía de los chicos, entre las que se mezclan las infaltables secuencias escatológicas. Es donde el humor pierde toda su calidad transformándose en burdo y desagradable.

De la tragedia a la comedia sin aviso y finalmente al melodrama con buen mensaje familiero: se puede criticar lo que está fuera de lugar o la broma pesada innecesaria pero no el objetivo del film que es la unión de la familia, los tuyos, los míos y los nuestros. Esto salva a la película de ser un desastre. La ondulante propuesta que va pasando por diversos géneros, escatología agregada, es un típico producto de Nickelodeon para las tardes tórridas de diciembre. Claro, hablamos de televisión.

Elsa Bragato

 

  Otros estrenos previstos:

1.  Frozen II, de Chris buck, y Jennifer Lee. Animación. Estados Unidos

”Canciones pegadizas, una continuidad sin ofrecer lo mismo al espectador, y una factura de la animación virtuosa. Una digna heredera del trono del nuevo y más moderno emporio Disney”, de Marta Medina, El Confidencial.

“Una narración sorprendentemente confusa. Ni se toma la molestia de pretender que su existencia misma responde a nada más que la voluntad de hacer caja”, de Nando Salvá, Diario El Periódico.

 

2.-La luz del fin del mundo, guion y dirección de Casey Affleck. Con Casey Affleck y la pequeña Anna Pniowsky, entre otros. Estados Unidos. (Recordar “La carretera” con Viggo Mortensen).

“Un sensible retrato en un mundo abandonado de ese momento clave del paso a la adolescencia. Preciosa historia entre padre e hija”, Irene Crespo. Cinemanía.

“Un delicado y profundo estudio sobre la relación padre e hija. Sin embargo, y pese al largo capítulo de aciertos, cuesta reponerse a la sensación de lo ya visto”, de Luis Martínez, Diario El Mundo.

3.- Entre navajas y secretos, de Rian Johnson. Con Chris Evans, Jamie Lee Curtis, Daniel Craig. Estados Unidos. (Daniel Craig está nominado a los Globos de Oro por esta performance)

“”En la tradición de los relatos de intriga de Agatha Christie y sin nada que ver con lo que el director Rian Johnson ha hecho antes, el filme se revela como un sofisticado divertimento menor”, de Quim Casas, Diario El Periódico.

“Un largometraje sorprendentemente gustoso de ver que cuenta con un gran elenco de protagonistas y que está repleto de giros, sorpresas y revelaciones inesperadas”, de Antonio Weinrichter, Diario ABC.

JUEVES 5 DE DICIEMBRE DEL 2019.-

LAST CHRISTMAS, LA ÚLTIMA NAVIDAD

De Paul Feig. Guion de Kimmings y Emma Thompson. Música de Theodore Shapiro. Fotografía de John Scwartzman. Con Emilia Clarke, Henry Golding, Michelle Yeoh, Emma Thompson, Lydia Leonard, entre otros. Duración: 102 minutos. Reino Unido- Estados Unidos.

XXXXX- AGRADABLE MELODRAMA NAVIDEÑO

Una de las novedades que aporta “La última navidad”, historia romántica convencional, es mostrar la ciudad de Londres engalanada para las fiestas de fin de año. Una jovencita, “Kate” (Emilia Clarke) está enfrentada a su madre (Emma Thompson, también productora y coguionista del film) y prefiere vivir como “homeless”. Así conoce a “Tom” (Henry Golding) con quien vivirá una hermosa amistad con un final bien del siglo XIX pero aceptable. La película tiene diálogos picantes, simpáticos, muy actuales, que incluyen desde el “brexit” hasta cierta xenofobia europea. La simpatía de Emilia Clarke también suple el exceso de melodrama u rol de “Elfo” de una tienda de accesorios navideños mientras que Henry Golding compone a un voluntario de indigentes que recorre la noche londinense en bicicleta y se topa con la extraña y simpática “Kate”.

El film puede fracasar en algunos aspectos a raíz del repentino melodrama, pero tiene a su favor actuaciones ágiles con muy buenos diálogos y elementos de la actualidad sociopolítica dentro de una propuesta romántica convencional por su desenlace. Agrada el clima navideño, los equívocos, la picardía de “Kate”, la nobleza de “Tom”, y la sucesión de hechos un tanto insólitos pero agradables. Por ahí recordamos a “Ghost”, pero solo una pizca. La hilación narrativa la dejamos en suspenso… Resulta forzada. Película agradable a pesar de su convencionalismo.

Elsa Bragato

EL BUEN MENTIROSO

De Bill Condon. Guion de Jeffrey Hatcher sobre la novela de Nicholas Searle. Con Helen Mirren, Ian McKellen, Russell Tovey, Kim Carter, entre otros. Fotografía de Tobías A. Schliessler. Música de Carter Burwell. Duración: 109 minutos. Estados Unidos.

XXXXX- INVEROSÍMIL THRILLER PSICOLÓGICO

Solo Helen Mirren y Ian McKellen pudieron sostener un guion tan falible e inverosímil como el de “El buen mentiroso”. Sin duda, la novela de Nicholas Searle debe tener una solidez que el traspaso a otro género artístico como el cine ha desvirtuado. Si no, no se comprende cómo personas que rozan los 75 u 80 años pudieron vivir en calidad de adolescentes situaciones tremendas en la Segunda Guerra Mundial. El tiempo de vida no da para situaciones adultas.

Es el caso del “Cazador cazado”: un estafador serial llamado Roy Courtnay (Ian McKellen) que vive en un pequeño pueblo inglés y sobrevive estafando a troche y moche, encontrará la horma de su zapato. Tiene cita con una dama, “Betty McLeish” (Helen Mirren), incluso vivirá en su casa, bajo la vigilancia de uno de sus “nietos”. En realidad, hay más de un buen mentiroso: son el director y el guionista. Nada de lo que se ve se ajusta a una realidad que saltará ante los ojos del espectador en un viraje de guion inverosímil. Ambos personajes esconden pasados que no se comprenden establecidos en un duelo actoral entre Mirren y McKellen. Los protagonistas superan la inconsistencia de la propuesta por su enorme versatilidad actoral. Llama la atención que hayan aceptado roles tan poco creíbles por sus historias respectivas.

Elsa Bragato

LAS BUENAS INTENCIONES

Guion y dirección: Ana García Blaya. Con Javier Drolas, Amanda Minujín, Ezequiel Fontenla, Carmela Minujín, Jazmín Stuart, Sebastián Arzeno, Juan Minujín, entre otros. Dirección de Fotografía: Soledad Rodríguez. Música: Ripe Banana Skins. Edición: Rosario Suárez, Joaquín Elizalde. Duración: 85 minutos.

XXXXX-EMOTIVO HOMENAJE EN PROMETEDORA OPERA PRIMA

Ópera prima de Ana García Blaya, supo volcar con nostalgia la relación con su padre, ser entrañable pero disociado de compromiso social, con profunda vocación musical, caótica, trasnochada, porros, y un viejo Torino (década de los 90).

Esta historia cinematográfica es el espejo cabal de la realidad vivida con sus padres separados: Gustavo (Javier Drolas) y Ceci (Jazmín Stuart) son los padres, ella misma como Amanda (Amanda Minujín), confrontativa pero apegada a su padre. Sus hermanitos, Lala (Carmela Minujín) y Manu (Ezequiel Fontela), no tuvieron la misma actitud decidida. Según el relato, Ceci y su novio, Guille (Juan Minujin) tienen la buena intención de llevarlos al Paraguay, a fin de pasar un mejor momento económico. Pero la vida de la familia se desmadrará porque Amanda se resiste a ir, quiere permanecer al lado de su padre y su mundo, la música, la atención de la disquería de Néstor (Sebastián Arzeno), el fútbol y la pileta, un papá que no sienta cabeza, bohemio y de gran bonhomía.

Esta película fue estrenada en Toronto y en el Festival de San Sebastián, teniendo muy buena repercusión. En el ámbito local, está la inaugural actuación de las hijas de Juan Minujín, la evocación de una banda de culto como Sorry, donde una Ana García Blaya muy joven participaba junto a su papá.

El film, más allá de ser un retrato o autobiografía de una niñez-adolescencia determinada, tiene una referencia directa a las relaciones filiales, a las consecuencias de la separación de los padres en los hijos, a las afinidades y el respeto que hay que tener de ellas, y a la relación intrafamiliar y entre familias ensambladas que hoy en día se producen. En este caso, más con amor que con dolor, dentro de un clima de bohemia y realidad que produce una gran empatía.

Pequeña como una primorosa cajita de alhajas, “Las buenas intenciones” es una más que prometedora ópera prima que aúna el debut de jóvenes actrices, mantiene recuerdos de otras décadas, logra escenas no convencionales, algunas del recordado VHS, además del aporte de una inteligente fotografía. Evocativa, profunda, deja una estela afectiva en un sentido homenaje a los padres que ya no están.

Carlos Pierre

LA BOTERA

Guion y dirección de Sabrina Blanco. Con Nicole Rivadero, Alan Gómez, Sergio Prina, Gabriela Saidon. Música de Rita Zart. Arte de Diana Orduna, Vestuario de Lucía Gasconi. Fotografía de Constanza Sandoval. Edición de Valeria Racioppi. Duración: 75 minutos.

XXXXX- LOS QUE NO QUEREMOS VER

A la manera del mejor cine independiente francobelga, Sabrina Blanco encara con estilo personal este retrato de adolescencia marginal, con la presencia en cámara de manera absoluta de “Tati”, la protagonista de 13 años que vive en la Isla Maciel con su padre. La pobreza, la falta de formación más allá de la asistencia forzada a la escuela, los amigos del barrio, el despertar sexual, conforman una historia que duele, real que muestra lo que no se quiere ver.

Sabrina Blanco entra de lleno en la relación fallida de un padre con su hija, la responsabilidad del hombre ante la educación de una hija mujer, temores contenidos, cariño no expresado sino modos hoscos y brutales. Y un mundo masculino más cordial con Tati que el femenino, que la somete a discriminación. No hay asombro frente a la historia planteada sino estupor por su subsistencia en sociedades presuntamente evolucionadas en algunos aspectos. Tati se mueve en un mundo de carencias, desde las económicas hasta las afectivas y su ambición es ser botera, es decir, trasladar a la gente de la isla a la ciudad en un bote precario. Un objetivo corto pero seguro.

El personaje de Tati así como la narración se desarrollan a través de una fotografía sincera, siguiendo a la protagonista. Esa cámara es, aunque concreta, también subjetiva: no solo aparecen Tati sino la gestualidad cargada de emociones de una excelente actriz. “La botera” es una muy buena película nacional, que habla más allá de las imágenes, con una narración precisa, honesta, no pretenciosa sino detallista contándonos una historia cotidiana pero invisible para la mayoría de nosotros. Las “Tati” existen. Y Blanco leS da presencia concreta.

Elsa Bragato

Otros estrenos previstos:

1.- Los dos Papas, de Fernando Meirelles. Estados Unidos. (Ver en Netflix a partir del 20 de diciembre. Comentaremos en el momento del estreno oficial).

2.- El patalarga, de Mercedes Moreira. Animación. Argentina.

3.- La Reina de las Nieves, de Robert Lence y Aleksey Tsitsilin, Animación. Rusia.

4.- Raúl, la democracia desde adentro. Documental de Cine Tren.

 

JUEVES 28 DE NOVIEMBRE DEL 2019.-

 

LECTURA SEGÚN JUSTINO

Guion y dirección: Arnaldo André. Con Julieta Cardinali, Mike Amigorena, Diego González, María Laura Cali, Edgardo Moreira, Loren Acuña, Jesús Pérez, Ramón Del Río, entre otros. Dirección de Fotografía: Hugo Colace. Música: Derlis González. Duración: 95 minutos. Paraguay-Argentina.

 

XXXXX- ENTRE GUARANIAS Y ÑANDUTÍ

Basada en hechos reales, la historia se ubica en San Bernardino, Paraguay, entre los años 1955 y 1956: toma un año de vida del reconocido actor paraguayo Arnaldo André, en especial, la experiencia durante el último año de la primaria en calidad de becario de una escuela alemana. Los recuerdos de André tienen el peso de lo vivido, de lo real, y esa pizca de fantasía que va proveyendo el tiempo. El es Justino, el protagonista (Diego González), quien encarna esa etapa de la vida del muy querido galán, actor, guionista y director.

Son muchos los aciertos del guion y de la realización: desde la elección del trío protagónico hasta el amor platónico, muy secreto, entre la maestra de escuela (Julieta Cardinali) y un refugiado alemán (Mike Amigorena): Justino fue el mensajero de los poemas que el alemán enviaba a la maestra, no suyos sino los poemas de Friedich Schiller. La temprana muerte del papá de Justino obliga al niño a transformarse en el hombre de la familia para ayudar a sus hermanas y su madre. Fue improvisado cartero con solo 11 años. Mientras tanto, tejía el amor secreto de su maestra y el alemán llevando las cartas de uno y otro. A partir de este personaje, alter ego de Arnaldo André, se sabe que el pueblo de San Bernardino, a orillas del famoso lago de Ypacarí, fue fundado por alemanes, una colonia muy importante en el país hermano, que incluyó hasta la presencia del cuñado del filósofo Nietzche. André logra una clara ubicación en el tiempo a través del costumbrismo con el que retrata la década del 50. incluyendo referencias al gobierno del general Stroessner – después sanguinario dictador- así como a la ayuda que los pobladores recibían de Eva Perón (juguetes y alimentos), y a la visita de la Virgen de Caacupé, que conmocionaba a todo el pueblo. El fluir narrativo, a través de recuerdos de infancia, hace, de este primer largometraje de Arnaldo André, una película evocativa y emotiva, romántica y veraz.  La lectura de Justino es, por cierto, la lectura de André de su propia vida. Una muy buena dirección actoral, la fotografía de Hugo Colace y la música incidental de Derlis González, cierran este círculo virtuoso que coronan al galán-actor como realizador de largo aliento en el mundo del cine.

                                                                                 Carlos Pierre

 

EL SECRETO DE JULIA

Guion, dirección, producción y música incidental: Ernesto Aguilar. Con Natalia D’Alena, Daryna Butryk, Santiago Schefer, Luciana Grasso, Emiliano Díaz, Germán Rade, Lucas Pose, entre otros. Duración: 106 minutos. Dirección de fotografía y cámara: Marcela Suppicich. Duración: 106 minutos.

 

XXXXX-SECRETOS SIN SUTILEZA ALGUNA

La realización de Ernesto Aguilar, titulada “El secreto de Julia”, apunta a movilizar al espectador con propuestas que, si bien son de oportuna actualidad, están en el conocimiento de todos e, incluso, condenadas por la Justicia. La violación reiterada de un padre a su hija que es una adolescente de 16 años, el lesbianismo y el sexo despiadado y brutal, conforman este “secreto” con el que se intenta atraer al público.

Julia (Natalia D’Alena) vuelve a la casa de la infancia, en las afueras de un pequeño pueblo del interior en compañía de Ana (Daryna Butryk), con quien mantiene una relación intensa. Ambas se instalan en la casa de familia esperando concretar su venta. Es la casa donde Julia padeció la violación de su padre, recientemente fallecido. Mientras se aguarda la operación inmobiliaria, aparece el vecino José (Santiago Schefer), violador reiterado de su hija Belén (Luciana Grasso), historia que se reitera y que devuelve fantasmas agobiantes para la protagonista.

Violación, lesbianismo a través de escenas explícitas, secuencias de violencia y terror, intranquilizan, inquietan, perturban. El film tiene una linealidad exacerbante, previsible, que la torna monótona porque tampoco los diálogos son brillantes sino esquemáticos. Aguilar se transformó en un realizador artesano que trabajó un tema de rabiosa actualidad sin sutilezas ni creatividad.

Carlos Pierre

 

EL CUIDADO DE LOS OTROS

De Mariano González. Con Sofía Gala Castiglione, Mariano González, Jeremías Antún, Laura Paredes y Edgardo Castro. Fotografía de Manuel Rebella. Edición de Delfina Castagnino y Susana Leunda. Arte de Marina Raggio. Sonido de Emiliano Bain y Marcos Zopi. Música de Las Ex. Duración: 72 minutos.

 

XXXXX-SOFÍA GALA, DE MARAVILLAS

La vida cambia en un segundo. El infortunio o la suerte determinan el futuro de manera repentina. Es el caso de Luisa (Sofía Castiglione) quien trabaja en una fábrica de estatuillas y gana pesos extras como babysitter. Cuida al pequeño Felipe, con quien tiene mucha familiaridad y cariño. Un inesperado suceso produce un conflicto que desencadenará la culpa en Luisa, el alejamiento del pequeño que debe ser internado, y el rechazo de los padres del niño a ella y su novio. La culpa está presente en este drama intenso en el que los culpables no están. Es el dedo que señala, o que no asume la responsabilidad: es más fácil culpar a un tercero y someterlo a la furia que reconocer la propia falta. Sofía Gala está omnipresente frente a cámaras, su rostro traduce el dolor, la angustia, el llanto, el sufrimiento, que un hecho fortuito causa en su vida.  Y la pregunta surge inevitable: cuál es el principio que nos rige para ser responsables o erigirnos en jueces, o dónde están los principios éticos que nos dejan dormir tranquilos. Gran trabajo de Sofía Castiglione, uno más, en un drama muy al estilo de los “hermanos Dardenne”, intenso, parco, real. Hay segundos fatales, imprevistos, que tuercen, aunque sea un poco, nuestros destinos.

Elsa Bragato

 

LOS ANGELES DE CHARLIE

Guion y dirección de Elizabeth Banks. Con Kristen Stewart, Naomí Scott, Ella Balinska, Elizabeth Banks, Patrick Stewart, Djimon Hounsou, Sam Claflin, Noah Centineo, Jonathan Tucker y Nat Faxon. Fotografía de Bill Pope. Música de Brian Tyler. Duración : 118 minutos.

 

XXXXX-LOS EXCESOS HACEN DAÑO

El “reboot” de “Los ángeles de Charlie” (recordemos la película que en el 2000 encabezó Cameron Díaz, sobre la serie del mismo nombre dr 1976) llega con caras muy pocos conocidas a excepción de la de Kristen Stewart, alejada de los vampiros y cerca del cine “indie”. A falta de superproducciones, llegó la propuesta de la actriz y directora Elizabeth Banks quien pergeñó un guion con muchos efectos especiales y poca hilación narrativa. La inclusión de actrices desconocidas como el caso de la altísima afroinglesa Ella Balinska (antes del film, era vendedora de zapatos masculinos en una gran tienda de Londres) y de la ya actriz Naomí Scott, habla más del empoderamiento femenino a ultranza que de la saga en sí, mítica, de Los Angeles de Charlie. Las chicas aquí no dejan hombre en pie, yendo mucho más allá que un simple trompazo: los “empalan” los “trituran”, transformándose en asesinas seriales con el único objetivo de una pretendida justicia que no es tal.

Tanta agresión, tanta insensibilidad, muestra a las mujeres en roles extremos que entran a alguna categoría psiquiátrica severa: no sienten remordimiento alguno por tantas matanzas. A veces, innecesarias incluso en la propuesta de Banks. Y son tantas las luchas que, en varias oportunidades, la trama resulta confusa. La película es adrenalínica, es decir, si no nos detenemos a pensar en la sinrazón de tanto golpe y muerte, la película funciona como entretenimiento para descargar malas energías. Hollywood apoya con sus múltiples recursos técnicos bien como siempre. Pero nada más.

Elsa Bragato

 

BODA SANGRIENTA

De  Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett. Guion de Guy Busick y R. C. Murphy. Con Samara Weaving, Adam Brody, Mark O Brien, Henry Czemy y Andie McDowell. Fotografía de Brett Jutkiewicz, Edición de Terei Gibson, Vestuario de Avery Plewes, Diseño de producción de Andrew M Steam. Música de Brian Tyler. Duración: 95 minutos.

 

XXXXX- ESCONDIDAS NADA RECOMENDABLES

Encontrarle una vueltita a los gags de los films de terror es un logro descomunal. “Boda sangrienta” o, en inglés, “Ready or not” (lista o no) tiene ingredientes que la hacen única en su género: gore al máximo y humor negro, porque, de otra manera, no se puede “colorear” a la ironía que campea en los diálogos en medio de muertes y una boda cuyo fin no es una noche de placer sino un juego macabro. Para los productores, es haber encontrado el “crowd pleasing” o sea el placer de la mayoría en este género donde, por lo general, no hay creatividad alguna porque todo se hizo ya.

La boda de Grace con Alex se realiza en la mansión de este último, familia adinerada que permite el ingreso de la novia, de origen muy humilde. Sin embargo, la aceptación va más allá del “sí”: hay que jugar a la medianoche según la tradición familiar. Nadie avisa de qué se trata y Grace cae en la trampa de “las escondidas”: cada integrante de la familia carga un arpón o bien fusil o revólver y empiezan a buscar a Grace. A la novia hay que matarla para evitar morir al amanecer, según el “cuento” que un antepasado les legó. Un personaje que parece salido de “Los locos Addams” anda a los tumbos con su feroz arco y flecha mientras la novia empieza a correr con desesperación y, junto con ella, los espectadores. Es el juego del ratón y del gato, tiros al aire, escondites que se pueden vigilar con cámaras, errores fatales. ¿Quién se puede salvar de tan cruenta noche? Aún así, es imposible no reírse porque el absurdo está en diálogos y situaciones, transformando un film de horror en uno de los mejores exponentes de los últimos tiempos. Es cierto que “se matan” sin piedad, pero no es menos cierto que hay tanto humor que hasta la muerte se transforma en un “gag” de explosiva risa coronada por un borbotón de sangre.

Elsa Bragato

 

GOLEM LA LEYENDA

De Doron y Yoav Paz. Guion de Ariel Cohen. Fotografía de Rotem Yaron. Música de Tal Yardeni. Con Hani Furstenberg. Ishai Golan, Kirill Cernyakov, Brynie Furstenberg, entre otros. Duración: 95 minutos.

 

XXXXX- LEYENDA QUE METE MIEDO

Basada en una leyenda judía, Golem está narrada con sinceridad no queriendo ser más que aquello que la tradición indica. Una joven, Hannah (Hani Furstenberg), a raíz de la enfermedad de una adolescente de otro pueblo por la que son amenazados de muerte, invoca a “Golem”, figura mítica de la tradición judía. Es un niño (Kirill Cernyakov) que resiste balas, golpes y mata a los enemigos de Hannah. La muerte de un hijo y la imposibilidad de quedar embarazada hacen que la joven mujer deposite en la criatura todo su amor hasta que descubre los horrores que es capaz de realizar. En sí, el guion es una adaptación de la historia del Golem de Praga: el Rabino de esa ciudad creó una figura de barro del suelo, utilizando la sabiduría del Cabalá. En vez de centrar la historia en un hombre, los directores pensaron en una protagonista femenina, acorde a estos tiempos.

El espíritu del film está basado en el terror generando una película de género con visos de realidad a través de una conocida leyenda. Además hay una reconstrucción de época muy puntual a partir de una concepción específica del diseño de arte. El siglo XVI y sus villorrios están reconstruidos de manera tal que se ingresa a una narración épica que atrapa de principio a fin.

Factura y elenco adecuados generan el clima de suspenso necesario dejándonos también una serie de subtemas interesantes: empatía psicofísica de madres e hijos, el respeto a las tradiciones y sus consecuencias, el exorcismo por la oración y la música frente al poder del amor materno.  Se trata de un producto atractivo, diferente por el marco histórico, en el que se presentan varios conflictos y, en consecuencia, sus resoluciones. Impera lo imprevisto, el miedo, por sobre la leyenda en sí. El terror se reinventa sin apelar a sus tradicionales gags. Ahora se llama “terror judío”.

Elsa Bragato

 

Otros estrenos previstos para este jueves:

1.- Midway, ataque en altamar, de Roland Emmerick, Estados Unidos

2.- Frankie, de Ira Sachs, Portugal-Francia

3.- En buenas manos, de Jeanne Herry, Francia

4.- La noche de las nerds, de Olivia Wilde, Estados Unidos.

 

JUEVES 21 DE NOVIEMBRE DEL 2019-

 

LOS SONÁMBULOS

Guion y dirección: Paula Hernández. Con Érica Rivas, Marilú Marini, Ornella D’Elia, Luis Ziembrowski, Daniel Hendler, Rafael Federman, Valeria Lois, entre otros. Director de Fotografía:Iván Gierasinchuk. Música: Pedro Onetto. Duración: 107 minutos. Argentina-Uruguay.

XXXXX-BUEN ELENCO PARA ZOZOBRAS VARIAS

La realizadora Paula Hernández pergeñó la reunión de una familia en ocasión de fin de año, en una casona ubicada en medio de un bosque. Reune muchos elementos inquietantes si bien el mayor pecado del film es su previsibilidad. La abuela Meme (Marilú Marini), sus hijos Sergio (Daniel Hendler), Emilio (Luis Ziembrowski) e Inés (Valeria Lois), deciden estar juntos, viviendo encuentros y desencuentros bajo el tórrido verano argentino. El foco narrativo rápidamente se traslada a Luisa, rol a cargo de la notable Erica Rivas, que compone a la esposa de Emilio. Tienen una hija, Ana (Ornella D´Elía), una relación matrimonial muy desgastada, debiendo asumir el sonambulismo de la adolescente que provoca el conflicto necesario desencadenante de otras secuencias. Alejo (Rafael Federman) será la mecha que encienda la definitiva discordia familiar.

Paula Hernández tiene varios elementos que sostienen su largometraje: el elenco de fuste y su forma de narrar a través de enriquecedores planos secuencias, una cámara subjetiva inquieta, y buena banda sonora de Pedro Onetto unida a la exquisita fotografía de Iván Gierasinchuk. Con su reconocida habilidad, Hernández construye un inquietante núcleo familiar que tiene, a raíz del sonambulismo, un duermevela existencial que subyace como verdadero gestor de infortunios varios. Muy atractiva propuesta a pesar de su previsibilidad.

Carlos Pierre

 

DOWNTON ABBEY, LA PELÍCULA

De Michael Engler. Con Maggie Smith, Hugh Bonneville, Michelle Dockery, Joanne Froggart, Kate Phillips, Allen Leech, entre otros. Guión de Julian Fellowes basada en la serie británica homónima. Fotografía de Ben Smithard. Música de John Lunn. Duración: 122 minutos.

XXXXX- ESPLENDOR VISUAL SIN CONSECUENCIAS INTELECTUALES

Si no viste Downton Abbey, no te preocupés. Esta película basada en la famosa serie televisiva homónima. que cuenta las vicisitudes de la familia Crawley en la segunda década del siglo XX. funciona como un capítulo doble donde cada personaje queda bien definido, dejando la sensación de haber compartido una jornada fuera de la común junto a gente de la nobleza europea.

Nos muestra un día de fantástica organización de menúes y habitaciones para recibir a la Reina y el rey de Inglaterra solo por una noche. Y con tan elemental guion, la película resulta fascinante por su esplendor visual, los diálogos picantes, breves y cargados de humor inglés tajante, que lucen de manera especial en Maggie Smith (una de las grandes actrices británicas junto con otra mítica, Judi Dench). Preparativos, la servidumbre real que enfrenta a la de la mansión de los Crawley, las zancadillas de algunos para no dejar de estar junto a los reyes, y una orquesta de cuerdas tocando los valses de Strauss, completan un menú destinado al placer del espectador. Se disfruta del buen gusto, de personajes bien definidos, de buena música, de bailes fantásticos, de amores consolidados, y nada más. Y nada menos: no siempre llega al cine un film destinado a congraciar al espectador por el simple hecho de hacerlo. Si quiere un momento de paz y belleza audiovisuales, vaya a ver este film.

Elsa Bragato

 

EL IRLANDES, DE MARTÍN SCORSESE.

Esta película de más de tres horas es la última obra maestra del realizador norteamericano que fue producida por Netflix. La empresa y las cadenas comerciales de cine tienen el acuerdo de proyectar durante poco menos de una semana el film en las salas tradicionales para luego integrarlo definitivamente a Netflix. Esto ocurrirá el jueves 28 de noviembre, oportunidad en la que sí comentaremos la película de Scorsese.

 

HUÉRFANOS DE BROOKLYN

Guion y dirección de Edward Norton. Fotografía de Dick Pow. Música de Daniel Pemberton. Con Edward Norton, Bruce Willis, Willem Dafoe, Alec Baldwin, Gugu Mbatha.Raw, Josh Pais, entre otros. Duración: 144 minutos.

XXXXX- FANTÁSTICA RECREACIÓN DEL NEW YORK DE 1950

Edward Norton cumplió el sueño de realizar su segundo largometraje, titulado “Motherless Brooklyn” o bien “Huérfanos de Brooklyn”, literal traducción, basado en la novela homónima de Jonathan Lethem, uno de los escritores contemporáneos clásicos más valorados en el género detectivesco.

La fotografía y el jazz-soul de la banda sonora son dos grandes hallazgos de Norton unido a un guion muy complejo, de acción y diálogo en el que descuellan luminarias como Bruce Willis y Alec Baldwin como jefes de uno y otro “bando”, mientras William Defoe es un segundón a igual que “Lionel Essrog” (Norton en una performance inolvidable), personaje con el Síndrome de Tourette. El y dos amigos salidos del St Vincent’s Home For Boys viven bajo la tutela de Frank Minna, hombre acaudalado que se enfrenta a la mafia comandada por Moses Randolph (Baldwin), a quien secundan en sus negocios e investigaciones.

El entramado del film es complejo, bastante arduo, compensado por la fotografía sepia, la búsqueda de tomas, y la banda sonora. La reconstrucción de Nueva York en 1950 es perfecta. Por suerte, Hollywood tiene comprados varios barrios de Brooklyn que dan sobre el Océano Atlántico, donde es posible filmar en medio de callejones y construcciones de comienzos del siglo XX, con ladrillos a la vista y portones oscuros metálicos roídos.

El eje del guion es el poder en sí, el enriquecimiento ilícito de los poderosos que compran inmuebles, tierras, a través de testaferros. “Essrog” es detective privado que queda desamparado junto a sus amigos luego de la desaparición de Minna, iniciando una investigación policial para saber detrás de qué estaba. Hay un parlamento de Alec BAldwin que pone al descubierto un concepto repetido por los políticos en la intimidad: el poder permite el acceso a todo de cualquier manera, y no se lo puede abandonar. Por eso se mata. El resto de la población es “huérfana”, carece de protectores, sirve –servimos- a estos oscuros patrones que manejan los hilos de las sociedades. Siniestro mensaje y real. Con sus idas y vueltas, una gran película.

Elsa Bragato

 

¿DÓNDE ESTÁ ELLA?

De Guillaume Senez. Con Romain Duris, Lucie Debay, Basile Grunberger, Lena Girard Voss, Laetitia Dosch, entre otros. Fotografía de Elin Kirschfink. Duración: 98 minutos. Bélgica.

XXXXX- RETRATO DE FAMILIA

Tema recurrente en la filmografía franco-belga es el análisis socioeconómico y político que se vive en fábricas y en empresas de todo tipo. Guillaume Senez, en su segundo largometraje, sigue la vida de Olivier (Romain Duris), jefe de una sección fabril, que está casado con Laura y tiene dos hijos, Elliot y Rose, pequeños aún.

Los trabajadores europeos tienen regímenes laborales extremos; la precariedad laboral es la norma cotidiana, contra ella luchan, muchas veces resintiendo el tiempo que dedican al hogar. Desde lo particular hasta lo social, pasando por la actividad sindical, Senez ubica a Olivier en un estrato laboral envidiable para cualquier trabajador argentino. Sin embargo, en Europa no alcanza un sueldo mediano para pagar hipoteca, mantener el auto –no es lujo, es indispensable-, escuela para los chicos, vestimenta. La repentina ausencia de su esposa Laura (exquisita Lucie Debay) obliga a un replanteo profundo de las situaciones laborales y familiares.

Es allí donde el film de Senez gana en profundidad y emotividad genuina. Los pequeños Basile Grunberger como “Elliot” y Lena Girard Voss como “Rose” asumen con madurez interpretativa sus roles: las vicisitudes familiares recaen con brutalidad en los más pequeños, desprotegidos sociales bajo una supuesta vigilancia de sus derechos. Es en ellos donde las consecuencias del accionar adulto se ve con una claridad que Senez se encarga de puntualizar: Rose no hablará durante un tiempo, los hermanos saldrán a buscar a la madre, oscilarán entre culpar al papá y a ellos mismos por la ausencia de la madre.

Guillaume Senez maneja con ductilidad el conflicto y su colateralidad narrativa, sostén de un drama social inherente a estos tiempos. La resolución está en la capacidad de superar el impacto de lo que no se comprende para rehacer la propia vida. Una gran película social, intimista, real.

Elsa Bragato

 

Otros films previstos para este jueves:

1.- Reflejos siniestros, terror de Rusia.

2.- Te pido un taxi, comedia argentina de Martín Armoya.

3.- El hombre del futuro, de Felipe Ríos Fuentes.Chile.

4.- Instrucciones para la poligamia, de Sebastián Sarquís, Argentina.

5.- Venezia, de Rodrigo Guerrero, Argentina-Italia.

6.- Apurimac, El Dios que habla, documental de Miguel Mato, Argentina.

7.- Cuerpos marcados, documental de Novelli y San Martín. Argentina.