Academia de Canto Sebastian Mellino

 

 

    

 

 
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COMENTARIOS SOBRE CINE
 

*Colaboración del crítico y productor Carlos Pierre

https://www.elsabragato.blogspot.com  El site de Elsa Bragato

Conoce los libros de Elsa Bragato

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JUEVES 15 DE ABRIL DEL 2021.- 

Estrenos en salas cinematográficas: 

l) MORTAL KOMBAT, basada en el video juego de los años 90, dirección de Simon McQuoid. 

2) 100% LOBO, animación cuya crítica se publicó la semana pasada.  

3) ASUNTOS DE DIVÁN, de Manele Labidi. Francia. Una comedia más. 

4) CICATRICES, de Miroslav Terzic. Serbia. Intenso drama, denso y taciturno, sobre el robo de bebés durante los enfrentamientos ocurridos hace 20 años. 

 

LA PELÍCULA DE LA SEMANA ES NOMADLAND 

NOMADLAND 

Guion y dirección de Chloe Zhao. Con Frances McDormand, David Strathairn, Linda May, entre otros. Fotografía de Joshua James Richards. Música de Ludovico Einaudi. Duración: 108 minutos. 

XXXXX- NÓMADES DEL PRIMER MUNDO 

La joven periodista Jessica Bruder, nacida en New Jersey y especializada en Subculturas de los Estados Unidos, advirtió las nefastas consecuencias sociales del quiebre económico del 2008 en el 2013: miles de personas son trashumantes en su propio país. Gente en edad de jubilarse sin aportes, pérdidas de las casas por hipotecas impagables, deambulan buscando trabajo. La clase media destruida. Bruder decidió tomar su furgoneta y recorrer su país, fueron 24 mil km recogiendo testimonios. Descubrió una sociedad paralela: la de los sin techo, de raza blanca, excluidos del sistema económico que ayudaron a consolidar. Los llamados también "workampers". El gran mérito de Bruder fue transformar su experiencia en un libro que cayó en las manos de Frances MacDormand y luego en la de Chloé Zhao. A partir de este hallazgo literario, surgió el guion para esta película.  

Para Jessica Bruder, el hecho de que haya trabajadores sin trabajo, nómades, buscando changas en un estado u otro, fue una novedad (aquí los llamamos trabajadores golondrinas pero la situación de los nuestros con los workampers es absolutamente diferente a nivel social). Observó, además, que la mayoría son mujeres de piel blanca, viudas, con aportes incompletos como para tener una jubilación, sin familias, pero con una Van o un coche que les permite trasladarse.  

Frances McDormand es la protagonista profesional del film, otorgándole al rol de Fern una humanidad tan intensa que acapara de principio a fin.  Se da cuenta de que no es la única en situación de calle. El terrible ocaso socioeconómico ocurre cuando una poderosa empresa cierra su planta el 31 de diciembre del 2011 en Empire, estado de Nevada. Fern, viuda y sin trabajo, pierde todo, pero le queda una Mini Van con la que sale a recorrer el país buscando trabajos temporarios. En esos recorridos tan extensos, encuentra al gurú Bob Wells que reúne a hombres y mujeres como ella bajo el nombre de Rubber Trump Rendevous, la concentración de nómades ex clase media más grande del mundo. La acompañan en diversas secuencias tanto Wells como Linda May y Swankie, que son nómades auténticos transformados en actores famosos por la directora Zhao. Obligados a ejercer cualquier tarea, tienen en la protagonista un gran ejemplo: Frances McDormand realizó trabajos temporarios junto a ellos. Y ahora les marca el camino de la actuación. 

El film es arrollador por su humanidad, por la sensibilidad que Zhao logra plasmar tanto en la dirección actoral como en la narración. Aquello que es agotador en cualquier otra propuesta, por ejemplo, esas semipampas rojizas y las largas charlas alrededor de un fuego, en este caso se transforman en secuencias de enorme profundidad espiritual, de una generosa humanidad real y concreta que conmueven, que obligan a repensar en las diferencias sociales entre los sin trabajo del Norte y los sin trabajo nuestros. Tanto como tener en cuenta el egoísmo de las corporaciones sin dejar de escuchar la rebelión interior que va creciendo en los grupos sociales que quedan fuera de un sistema económico injusto y explotador. Es una road movie, es una historia de vida, es un western existencial, es la otra cara de un gigante cuyos pilotes de sostén están podridos. Magnífica, excelente, conmovedora. 

Elsa Bragato 

 

EN GUERRA CON MI ABUELO 

De Tim Hill. Guion de Addario, Astle, Ember, Sycaruse. Fotografía de Greg Gardiner. Música de Christopher Lennertz. Con Robert De Niro Uma Thurman, Oakes Fegles, Rob Rigade, Christopher Walken, Laura Marano, entre otros. Duración: 94 minutos. 

 

XXX- DE NIRO EN TIERNO ROL DE ABUELO 

La propuesta basada en la novela homónima de Robert Kimmel Smith (galardonado autor de novelas infantiles) que llega al cine con Robert De Niro en el rol del abuelo viudo es inocua y simpática a la vez. De Niro olvida por un largo momento sus muecas a lo gangsters para sonreir amorosamente en su rol de abuelo que enfrente a un nieto enojado. 

La cuestión se centra en la llegada del abuelo a la casa de su hija (bella Uma Thurman) quien le da el dormitorio de su hijo menor para que esté comodo y al pequeño lo envía al ático donde suele jugar. Esto deviene en una guerra entre ambos, nieto y abuelo, que se declaran en secreto. 

Hay secuencias simpáticas, previsibles, que tienen ternura y generan sonrisas. Aún en la reiteración de situaciones, De Niro dota a su personaje de una actitud amorosa y cálida que le vimos, por ejemplo, en uno de los capítulos de Las edades del Amor (2005). Su personaje, recientemente viudo, le enseña a su nieto díscolo a no ser egoísta mientras va advirtiendo que vivir solo, a pesar de su tristeza, puede ser más que conveniente. 

Es una película que reconforma, que saca sonrisas, nada poco en estos tiempos. 

Elsa Bragato 

 

OJOS DE ARENA 

Dirección de Alejandra Marino. Guion de Marcela Marcolini y Alejandra Marino. Con Paula Carruega, Ana Celentano, Sandra Sandrini, Victoria Carreras, Manuel Callau, Joaquín Ferrucci, entre otros. 

XXXX- FILM INTENSO SOBRE LA TRATA  

La trata de blancas, la persecución a mujeres y niños, las consecuencias en el entorno familiar a raíz de un secuestro, son algunas de las aristas que la realizadora Alejandra Marino encara en una apuesta fuerte, intensa, dramática que, a pesar de surfear en situaciones límites, encuentra esperanza en su camino. 

Carla (Paula Carruega) y Gustavo (Joaquín Ferrucci) es una pareja que padece el secuestro de su chiquito en momentos en que ella, psicóloga forense, se involucra con una joven captada por los tratantes. Su intento de ayudarla tiene como consecuencia el rapto de su hijo. Inicia con Gustavo, su marido del que se ha separado a raíz de esta situación (el enfrentamiento, la culpa, impiden la convivencia), una búsqueda a partir de una fotografía y de un hombre al que cree reconocer. El hogar de Horacio (Manuel Callau) y su esposa Inés (Ana Celentano) los recibe y les permite continuar con la búsqueda. 

Es un intenso drama familiar que deriva en un thriller policial, en el que los protagonistas logran generar un clima de angustia arrolladora. La narración fluye hasta que en el desenlace algunas secuencias son un tanto teatrales. Esto ralentiza la narración si bien no pierde autenticidad. 

Sin embargo, estamos frente a una propuesta diferente por temática y, esencialmente, por tratamiento de la misma, sumado a actuaciones muy logradas. También hay una textura visual muy interesante con una buena música incidental. Aspectos ambos que siempre deben tenerse en cuenta. Ojos de Arena es una grata sorpresa cinematográfica. 

Elsa Bragato 

 

EL UNIVERSO DE CLARITA 

Guion y dirección Tomás Lipgot. Cámara y Dirección de Fotografía: Javier Pistani. Música: Pablo Urristi. Canciones: Lucrecia Aragón y Julieta Micheletti. Duración: 73 minutos.  

Conicet Documental protagonizado por Clara Micheletti, Yayo Ekdesman y Sofía Méndez. 

XXX- TOCANDO EL CIELO CON LA CÁMARA 

Tres años le demandó a Tomás Lipgot filmar el documental Unicet El Universo de Clarita tomando el caso de una niña curiosa y apasionada por el cielo, Clarita Micheletti quien, desde los 4 años, quería ser cosmonauta para luego fascinarse con la astronomía. A través de juegos y conocimientos tuvo en Yayo Ekdesman y Sofía Méndez dos mentores que le dieron abierto apoyo a su inquietud inquebrantable. Clarita se inclinó hacia la ciencia y la antropología, sin dejar de lado la religión por la que se sentía superada, especialmente sobre el origen del universo. Desde su Rosario natal, Santa Fe, recorrió el Planetario de La Plata y el Campo de Cielo en el Chaco, poblado por meteoritos y cráteres, con muchos de sus rostros de hierro y níquel mirando el cielo. 

Además de una curiosidad genuina y bonhomía de Clarita, bien plasmada en la narración, este laborioso documental es una ventana abierta hacia el conocimiento para los niños a través de una fotografía deslumbrante: planos panorámicos, cenitales, entre tierra y cielo, matizado, por ejemplo, con una danza ritual alrededor de un meteoro en el Chaco para pasar a la secuencia de un eclipse total de sol en San Juan. Contrastes, cielos distintos, logran el objetivo de mostrarnos el universo especial de Clarita.  

Más aún: Lipgot, a través de su cámara, nos introduce en un mundo tan especial para Clarita como para nosotros, permitiéndonos disfrutar, entre canciones, de la Constelación de Orión y de Las Tres Marías con su cinturón luminoso, de las supernovas y de los rayos cósmicos, de los fotones viajeros y nuestra reconocible Cruz del Sur y de tantas otras maravillas de un universo inabarcable. Lipgot nos acerca el Cosmos que nos rodea y al que pertenecemos con la hermosa excusa de la inquieta Clarita por tocar el cielo con las manos.  

Carlos Pierre 

 

JUEVES 8 DE ABRIL DEL 2021.- 

ESTRENOS EN SALAS CINEMATOGRÁFICAS 

UNA CASA LEJOS 

Escrita y dirigida por Mayra Bottero. Con Stella Galazzi, Carlos Rivkin, Valeria Correa, Alicia Muxo, entre otros. Dirección de Fotografía: Martín Benchimol. Montaje: Valeria Racioppi. Música: Rocío Bottero, Axel Noguera, Juan Pablo Sosa. Duración: 78 minutos. 

XXX- ENTRE EL CIELO Y LA TIERRA 

Segunda película de la realizadora Mayra Bottero, Una casa lejos, filmada en Buenos Aires en 2019 en un colegio de la Capital y en el Hospital de Agudos de Haedo. Historia plantada en la tierra con el sueño de una maestra (Stella Galazzi) a punto de jubilarse y viajar a Colón, Entre Ríos, aunque fuera a hacer dulce, según lo que le dice su compañera de escuela (Alicia Muxo). 

Mientras aguarda la resolución de la jubilación, descubre que su padre mantiene en secreto una extraña relación con una joven de la calle (Valeria Correa), y está embarazada. Historia repetida en el cine es contar historias basadas en la relación de personas mayores con chicas jóvenes. El dato diferente es que el padre echa a su propia hija de la casa. 

Acertada metáfora del título, Una casa lejos, distante y difícil de lograr tanto como los propios sueños de la protagonista. El guion resulta atractivo, unido a la fotografía de Martín Benchimol, matizada con muy buenos planos medios ylargos. Excelentes protagónicos de Carlos Rivkin y Stella Galazzi, un padre desquiciado y una hija sufriente, estableciéndose en forma muy clara el aspecto terrenal, o sea la vida cotidiana, frente al desafío de cumplir un sueño. 

Carlos Pierre 

 

EL PADRE 

De Florian Zeller. Con Anthony Hopkins, Olivia Colman, Rufus Sewell, Olivia Williams, Imogen Poots, Mark Gatiss. Fotografía de Ben Smithard. Edición de Yorgos Lamprinos. Música de Ludovico Einaudi. Duración de 97 minutos. 

XXXXX- APABULLANTE ANTHONY HOPKINS 

Florian Zeller, coautor del guion de "El padre", se basó en su propia novela que, con la colaboración de Christopher Hampton, adaptó al cine. "Anthony" es un octogenario que empieza a sufrir aquello que, en principio, se denomina "olvidos benignos seniles". Su hija "Anne" (conmovedora Olivia Colman) vive con él y su marido, atenta a cualquier empeoramiento de la salud de su progenitor. La pérdida de la hija menor y su propia edad en la que la decadencia física llega pesan inexorablemente minando la salud de Anthony. Es aquí donde el magnífico Hopkins hace gala de su maestría ante cámaras, de su presencia escénica inconmensurable, dándole vida a ese hombre lúcido para muchas cosas aunque su memoria empeore mezclando pasado y presente. Florian Zeller toma elementos de los films paranormales para mostrarnos aquello que Anthony, en su incipiente Alzheimer, ve y la realidad, supuesta en ambos casos, de lo que su hija y su yerno están viendo. Esta doble puesta en escena obliga a repensar cada palabra del octogenario así como las situaciones que enfrenta Anne con su marido, el recuerdo de su hermana, la asistente social que sufre la furia del anciano, y la tozudez de éste para no caer en los brazos de la total pérdida de la conciencia. Esta lucha interior de Anthony frente a su hija y su yerno y aquélla de su propia hija para decidir el futuro del padre se conjugan en una narración profunda, dolorosa, desgarradora por momentos, que no cae en lo patético. He aquí el logro de Zeller con un texto que no es novedoso en el cine (recordemos "Iris", del 2001" con Judi Dench y la nacional "El hijo ve la novia" con Norma Aleandro) pero que, dependiendo de sus protagonistas, nos hacen revivir o presentir el ocaso inevitable de la vejez. En este caso, Anthony Hopkins realiza un trabajo para el que los calificativos faltan, imprimiéndole una ternura y compromiso jamás visto en una composición de este tipo. Es un unipersonal matizado con la presencia de Olivia Colman (Oscar por "La favorita" así como Hopkins por El silencio de los inocentes). Memorable actuación.  

Elsa Bragato 

 

PEQUEÑOS SECRETOS 

Guion y dirección de John Lee Hancock. Con Denzel Washington, Rami Malek, Jared Leto, Crhsit Bauer, entre otros. Fotografía de John Schwartzman, Música de Thomas Newman, Duración: 127 minutos. 

XXX- TRÍO DE ASES EN UN POLICIAL CONVENCIONAL  

John Lee Hancock reunió a tres ganadores del Oscar para protagonizar esta película, Pequeños secretos (o Little Thinks en inglés): Denzel Washington, doblemente oscarizado como mejor actor y actor de reparto, Rami Malek como mejor actor, y Jared Leto como mejor actor de reparto. Con semejante trío, la historia de un sheriff de un "county" de California y del jefe de distrito de Policía de Los Angeles, se nutre de potencia creciente, de enfrentamientos y de búsqueda conjunta, poniendo al límite los nervios. Más que el guion en sí, bastante convencional, el valor de esta película está en las actuaciones de Washington, Malek y Leto. Cada uno, desde su personaje, aporta una generosa dosis de verosimilitud, necesaria para un thriller policial que vacila entre suspicacias y realidades. En verdad, no se puede agregar nada más sin hacer un spoiler. No es el mejor film del género pero tiene actuaciones convincentes y mantiene la atención de principio a fin, junto a cierta elegancia en la realización fotográfica y una dirección de arte dado que el film se ubica en 1990. Buen entretenimiento.  

Elsa Bragato 

 

PINOCHO 

De Marco Garrone. Con Roberto Benigni y Federico Ielapi en los roles principales. Basado en el cuento de Carlo Collodi. Fotografía de Nicolai Bruel. Música de Darío Marianelli. Duración: 125 minutos.  

XXXX- FIDELIDAD A UN CUENTO TRADICIONAL 

Desde el 2018, Pinocho renació en toda Italia, de donde es oriundo su creador, Carlos Collodi (1826-1890). Periodista y escritor, su cuento "Las aventuras de Pinocho" tuvo una rápida difusión al punto que, al menos hasta hace un par de décadas, no había ningún chico que no la conociera. En Florencia, provincia italiana donde nació, existe una ciudad destinada a estas aventuras, paseo mágico llevado por la punta de la larga nariz del protagonista surgido de un leño. La película se lanzó por streaming el año pasado. Y recién llega a nuestras salas. Gepetto está encarnado por Roberto Benigni ("La vida es bella"), el padre de este muñeco, Pinocho (Federico Ielapi), un largo tronco que cobra vida. Hay que destacar la dirección de arte, la producción en sí, de esta película en la que asombran los efectos logrados por Garrone, la fotografía (no hay lugar de la provincia de Florencia que no sea bello) y la creación de máscaras y vestuario. Para quienes conocen el cuento, la narración respeta el original. No hay novedades, y, en este sentido, para qué buscarlas si basta con la historia en sí. Para quienes desean efectos altisonantes y novedades estrepitosas, ésta no es la película para ver. Con "Pinocho" tenemos un cuento filmado al mejor estilo Disney pero con impronta italiana.  

Elsa Bragato 

 

100% LOBO 

De Alexs Stadermann. Basada en la historia de Ranald Allan, David Breen, Alexs Stadermann y Stephanie Zehnal.  Animación fotográfica de Heidy Villafañe. Música de Ash Gibson Greig. Duración: 85 minutos. 

 

XXX- ANIMACIÓN PARA TODA LA FAMILIA 

 

Esta película, 100% Lobo, es de origen belga y ofrece un entretenimiento inocuo, más de lo mismo, con personajes diferentes: el pequeño Freddy Lupin es un niño bien humano que pertenece a una prestigiosa familia de "hombres-lobo", transformación que llega luego de un primer aullido en la pubertad. Su padre es líder de la manada que se comporta como Batman, salvando a la sociedad y sus miembros de catástrofes. Suceden algunos cambios imprevistos en el cuerpo de Freddy que pondrán en juego su "licantropía". En verdad, si bien no estamos ante una historia diferente, estos lobos distraen, atraen, hay pequeñas situaciones que dejan consejos optimistas. Es para disfrutar en familia. La diferencia con otras historias es que aquí no hay humanos –más que los necesarios- sino lobos orgullosos de serlo que luchan en sociedades de hombres y mujeres a favor siempre del bien. EB 

 

IMPLOSIÓN 

De Javier Van de Couter. Guion de Javier Van de Couter y Anahí Berneri. Con Pablo Saldías Kloster, Rodrigo Torres, Nina Vera. Entre otros. Fotografía de Federico Lasta y Luis Sens. Arte de Camila Pérez y Manuel Franco. Edición de Andrea Kleinman. Sonido de Germán Suracce. Música de Nahuel Berneri. Duración. 84 minutos. 

 

XXX- CONSECUENCIAS DE UNA TRAGEDIA SOCIAL. 

  

Javier Van Couter regresa a su ciudad natal para investigar la reacción de dos sobrevivientes de la llamada Masacre de Carmen de Patagones, ocurrida el 28 de setiembre del 2004 en la escuela Instituto 202 Islas Malvinas. Ese día, un estudiante de 15 años ingresó con un arma a su aula y disparó a quemarropa matando a tres compañeros e hiriendo a cinco, mientras la sociedad del lugar quedó hasta el día de hoy con una herida prácticamente abierta. Pablo y Rodrigo (personajes a cargo de Pablo Saldías Kloster y Rodrigo Torres respectivamente) son sobrevivientes de la masacre y quieren encontrar al agresor. Inician una búsqueda que, por momentos, pierde pasión y tensión al desviarse del eje inicial, llevando a los dos protagonistas a boliches y fiestas caseras. El 90 por ciento de la narración bucea en estas actividades, muy lejos de la búsqueda inicial. Esto desvirtúa, entendemos, el objetivo del film transformándolo en una estudiantina plagada de mediocridad. 

Es decir, pierde la esencia hasta que, por algún motivo, los dos protagonistas recuerdan cómo fueron heridos y qué sucedió aquel aciago día. En verdad, la búsqueda del agresor es una excusa narrativa demasiado grave como para soslayarla en una road movie donde interesan más circunstancias colaterales que la búsqueda propuesta. Hay una falta de clima, de thriller, exasperante. Esto no quita que los aspectos técnicos sean buenos. La cuestión pasa por un planteo narrativo que nos es ni chicha ni limonada.  

Elsa Bragato 

 

UN CRIMEN COMÚN 

De Francisco Márquez. Guion de Francisco Márquez y Tomás Downey. Con Elisa Carricajo, Mecha Martínez, Eliot Otaso, Ciro Cohen Pardo, Cecilia Rainero. Fotografía de Federico Lastra. Música de Orlando Scarpa Neto. Duración: 96 minutos. 

 

XXX- DENUNCIA TRUNCA  

Francisco Márquez encara "Un crimen común" ateniéndose a lo que el título plantea: la desaparición de personas en nuestro país, Argentina, resulta un hecho tan frecuente (sin contabilizar en este momento en la brutal represión de la última dictadura militar) que se transforma en algo cotidiano, común. Recae sobre la protagonista, Elisa Carricajo, en su rol de "Cecilia", una socióloga que dicta clases en la UBA. Diversas circunstancias espontáneas la relacionan con la desparición y muerte del hijo de quien la ayuda en su casa, una humilde mujer que vive en un barrio carenciado.  

Ir con la cámara detrás de "Cecilia" (Carricajo) nos permite vivir sensaciones encontradas frente a un hecho delictivo, uno más, del que no formamos parte. Surgen la culpabilidad, la incapacidad de reacción, la impotencia, la desolación. Es decir, vemos esta película desde el lado de la protagonista dejando el crimen como disparador de nuestras propias reacciones, en este caso, de las de "Cecilia". Sin embargo, hay demasiada carencia de reacción en quien padece la pérdida del ser querido a manos de fuerzas vivas. Se entiende, entonces, que la muerte de alguien es un elemento casi descartable para nuestra sociedad quedando en carne viva los sentimientos de los que padecen la pérdida de un ser querido. Como denuncia de crímenes de lesa humanidad, no cumple con su objetivo.  

 

Elsa Bragato 

 

Finalmente se anuncia el estreno de "Freaky", film de la Warner de terror. Respecto a "El padre", podría levantarse su estreno este jueves. 

Al cierre de esta sección, faltaba confirmarlo. 

 

ESTRENO EN WWW.PUENTESDECINE.COM 

 

"RAFA, SU PAPÁ Y YO" 

De Santiago Muro. Documental. Montaje de Anita Remón y Julia Strafacce. Producción de Nevada Cine. 

 

XXX- UNA VOZ QUE ES LA DE MUCHOS 

"Rafa, su papá y yo", de Santiago Muro, funciona como un documental autorreferencial, sin ser autobiografía. Santiago Muro realiza un trabajo para la Universidad, una filmación de su familia, y encuentra en su padre, Rafa, a un actor dúctil, elegante, dispuesto a la cámara. Con su voz en Off (recurso bien empleado pero con dicción poco clara) filma a su padre, abuelos, tíos, hermanas, cuando, repentinamente, se encuentra registrando aspectos de su propia vida, desde su mamá que lo tuvo a los 17 años hasta su padre llevando a cabo diversas actividades, desde trapecista hasta empleado de reconocida línea de hoteles internacionales. Descubre repentinamente que la historia de la familia se repite desde hace varias generaciones, que él padece lo mismo que sus tíos, que sus pequeñas hermanas, que otros antepasados afincados en Perú. La razón es una sola: padres abandónicos que optan por sus egoístas caminos olvidando la responsabilidad de la paternidad. 

A medida que transcurre la narración, aquello que empezó tibiamente se transforma en una historia atrapante que funciona como espejo. Por lo que fuere, trabajo, desamor en la pareja, el caso es que los hijos quedan penando con heridas que no cierran nunca aunque recuperen la relación parental. Bien planteados los mojones de atracción-conflictos, Muro logra emocionar por la honestidad de un relato que se transforma en la voz de muchos. 

Elsa Bragato 

 

JUEVES 1RO DE ABRIL DEL 2021.- 

De todo un poco. Estrenos presenciales, en Cinépolis Recoleta y cines barriales, como Online en el sitio del INCAA, Cine.ar Play. 

CINE.AR PLAY 

Desde el viernes 2 de abril, en forma gratuita en esta plataforma durante siete días. 

En conmemoración a los caídos en la Guerra de Malvinas, cuyo inicio fue el 2 de abril de 1982, el INCAA lleva a la pantalla online dos documentales sobre historias conocidas que ameritan nuestro recuerdo: 

1.- NOSOTRAS TAMBIÉN ESTUVIMOS, de Federico Strifezzo, sobre las tres enfermeras de la Fuerza Aérea que cumplieron tareas en tierra salvando la vida de muchos de nuestros soldados. 

2.- 1982, de Lucas Gallo. Se resume en este documental la campaña mediática llevada a cabo cuando las tropas argentinas intentaron recuperar las islas ocupadas por los británicos. 

 

CINES DE CAPITAL 

CAOS, EL JUICIO, de Chaos Walking, sobre un mundo distópico sin mujeres. De Doug Liman 

LOS NUEVOS MUTANTES, sobre 5 jóvenes mutantes que descubren superpoderosas habilidades. De Josh Boone. 

PÁNICO EN LAS ALTURAS, sobre cinco jóvenes que van a celebrar el fin de año en la cima de una montaña. De Tigran Sabakyan. 

 

HERMOSA VENGANZA 

Guion y dirección de Emerald Fennell. Con Carey Mulligan, Bo Burnham, Alison Brio, Connie Britton, Adam Brody, Jennifer Coolidge, Alfred Molina, entre otros. Fotografía de Benjamín Kracun. Edición de Frederic Thoraval. Música de Anthony Willis. Duración: 113 minutos. 

XXXX- ATRAPANTE POLICIAL SOBRE LA VIOLENCIA CONTRA LA MUJER 

La violencia contra la mujer es el eje del guion de "Hermosa Venganza", interpretación del título en inglés "Promising young woman". Carey Mulligan, exitosa actriz (recordamos su estupenda actuación en "An Education", del 2009) encarna a "Cassandra" o Cassie, quien vive con sus padres, trabaja en una cafetería y, desde hace años, persigue la secreta de venganza de encontrar al culpable de la violación y muerte de su mejor amiga, Nina, con quien se crió.  Cassie planifica justicia por mano propia, aunque sabe que su vida puede correr peligro. Sin embargo, se arriesga a transformarse en una seudo alcohólica para identificar y atrapar en diferentes boliches a quien ella supone que fue el victimario de Nina.  

El guion es muy complejo. Las respuestas a las preguntas iniciales no surgen en forma inmediata sino que el espectador deberá comprender y sacar conclusiones luego de que Cassie se manifieste como alcohólica comportándose en la intimidad como una suerte de "viuda negra" que enreda.

Es un planteo interesante que sigue una rutina previsible, no así las consecuencias de la misma. Cassie visita a todos los implicados en la muerte de Nina, hombres y mujeres de la época universitaria, planifica salidas, almuerzos, boliches, va desenmascarando uno a uno hasta que da con su talón de Aquiles. 

Interesante, atrevida, obliga a pensar en la desigualdad entre hombre y mujer en nuestras sociedades, aún no resuelta, y en cómo nos comportamos ante la violencia extrema, así como en los peligros que se corren cuando la justicia está en manos de inescrupulosos abogados y jueces. Desde este punto de vista, "Hermosa venganza" tiene todos los ingredientes del policial negro, un oxímoron a su título en castellano. No podemos decir nada más. Atrapante. 

Elsa Bragato 

 

EL SILENCIO DEL CAZADOR 

De Martín Desalvo. Con Pablo Echarri, Alberto Ammann, Mora Recalde, César Bordón, entre otros. Guion de Francisco Javier Kosterlitz. Fotografía de Nicolás Trovato. Música de Jorge Chikiar. Arte de Daniela Podcaminsky. Duración: 103 minutos. 

XXXX- DUELO ACTORAL ECHARRI-AMMANN 

Buen thriller nacional con Pablo Echarri y Alberto Ammann  (en el 2009, este cordobés obtuvo el Goya a la Revelación por su participación en Celda 211) en el dúo protagónico, sacándose chispas en "El silencio del cazador", título sugestivo que nos lleva a la selva misionera (alguna similitud con "Al acecho", protagonizada por Rodrigo de La Serna). "Ismael" (Echarri) enfrenta varios desafíos: la aparición de un tigre que mata el ganado de la zona, el ex de su mujer - "Sara" (Mora Recalde, médica de la zona)- apodado "El Polaco" Orlando (Amman) y la supervisión de un destacamento en medio de la selva. El pasado amoroso de su compañera y el acecho constante de El Polaco, tanto al monte para cazar furtivamente como a su mujer a quien no olvidó, generan un clima hostil creciente. 

La fotografía es estupenda: Misiones regala colores, rojos, verdes, y Nicolás Trovato hace buen uso de ellos. Se une a un guion que no da tregua a sus protagonistas: paso a paso elabora tensión, genera situaciones límites, provoca tanto al espectador como a los personajes que rivalizan, que se detestan, que están dispuestos a matarse. No en vano transcurre dentro de una atmósfera atrapante sostenido, que es donde gana la realización. Nunca decae.  Buen cine, buenas actuaciones, buena historia, Martín Desalvo logra un thriller medido, intenso, sin baches. Para ver. 

Elsa Bragato 

 

HABITACIÓN 212 

Dirección y Guion de Christopher Honoré. Con Chiara Mastroianni, Benjamí Biolay, Vincent Lacoste, Camille Cottin, Carole Bouquet, Harrison Arevalo, entre otros. Fotografía deRemy Chevrin. Duración; 86 minutos. 

XXX- LA HIJA DE MASTROIANNI EN GRAN PERSONAJE 

El realizador Christopher Honoré trabaja con un romanticismo cruel dentro de un aire teatral en Habitación 212, film cuya narración está montada en un juego de espejos: dos hoteles, uno frente a otro, cara a cara. Enfrenta hábilmente el amor y el desamor de una pareja tras 20 años de matrimonio. La separación irrumpe como primer gran conflicto teñida de infidelidades. La elección de Honoré no pudo ser mejor: Chiara Mastroianni encarna el protagónico de "María", sacándole chispas a su personaje ("hija de tigre" tenía que ser, nacida de la relación de Marcello Mastroianni y Catherine Deneuve). La actriz aparece flacucha y algo desgarbada, componiendo a una esposa con algunos años a cuesta, sin aminorar su magnetismo, eje de esta historia difícil de digerir pero fácil de admirar. 

La primera parte resulta más compacta, coherente al plantear con claridad la relación matrimonial. Discusiones, miserias cotidianas, afloran dentro de un romanticismo con cierto matiz perverso, de idas y vueltas. La habitación 212 del hotel de enfrente es centro de cavilaciones, de dudas y de pasiones no declaradas. De pronto Christopher Honoré retuerce el guion y la historia empieza a enmarañarse: desde una profesora de piano que revive a Scarlatti hasta un amante de verano aparecen para complicar la vida de la pareja. Se puede decir que aquí la idea central de una pareja en y con conflictos pierde el rumbo. No obstante, Honoré supo cómo montar una historia de matrimonios desavenidos con refinamiento y picardía.  

                               Carlos Pierre
 

RECORDAMOS ESTRENO PRESENCIAL DE LA SEMANA PASADA CON BUENA REPERCUSIÓN 

XXX- REINVENCIÓN DE LA COMEDIA ROMÁNTICA  

La Fábrica de Sueños es el tercer largometraje del joven realizador alemán Martin Schreier; los anteriores fueron Robin Hood y Unsere Zeit ist jetzt, siendo este último una descripción del mundo del cine. No es ocioso destacar que Schreier siente pasión por el séptimo arte, reflejando estos sentimientos no solo en su condición de realizador sino en sus personajes. "Milou", en una secuencia de la película que vamos a comentar, dice: "El que vive enteramente en el cine es porque no tiene lugar en la realidad". 

Estamos frente a una historia romántica ambientada en 1961, año en el que se levantó el Muro de Berlín. En ese entonces, los dramas personales ocuparon muchas crónicas. Y Schreier toma una de ellas, la explica en forma de cuento y regala una comedia dramática diferente. Emil y Milou conforman la pareja central: él es extra en los famosos estudios de cine Babelsberg, donde conoce a Milou, una bailarina francesa partiquina de una estrella. Repentinamente se cancela el rodaje, Milou regresa a París y Emil queda desolado en una Berlín cerrada. Emil no se consuela y traza un arriesgado plan para reencontrarse con su amada.Schreier vuelca sus propias razones y creencias en este relato romántico, en algunas secuencias muy almibarado pero, a decir verdad, frente a la andanada de películas policiales y de terror, la propuesta resulta más que edificante. Y en esto también hay que destacar el desborde visual de algunas secuencias como la lluvia de pétalos de rosa o, en una noche muy cerrada, las luciérnagas como única iluminación de los enamorados. Ciertamente, hay un romanticismo excesivo que se hace necesario en un cine cargado de oscuridad y balaceras. Con Schreier, la comedia dramática de amor se reinventa. 

Carlos Pierre 

 

JUEVES 25 DE MARZO DEL 2021.- 

 

Hay estrenos presenciales, online y algunos del BAFICI aún. 

 

LA NOCHE MÁS LARGA 

Guion y dirección de Moroco Colman. Con Daniel Aráoz, Romina Arietti, Rocío Figueroa, Camila Murias, Sabrina Núñez, entre otros. 

El film se estrenó casi a principios de año en la ciudad de Córdoba con buen éxito. En CABA ser ofrece en Cinepolis Recoleta y en complejos alejados del centro. El protagonista es Daniel Aráoz quien protagoniza al violador serial de esa provincia que,  a lo largo de 19 años, atacó a más de 93 mujeres entre los años 1985 y 2004. Aráoz recibió el premio al mejor actor en octubre del año pasado en Alemania. Es un film basado en hechos reales. Esta sección la incluye, aunque no existió posibilidad de visionarla para comentarla. 

 

 

LA FÁBRICA DE SUEÑOS 

Dirección: Martin Schreier. Guion: Arend Remmers, Martin Schreier, Tom Zickler, Sebastian Fruner. Fotografía: Martin Schreier. Con Dennis Mojen, Emilia Schule, entre otros. Música: Philipp Noli. Duración:125 minutos. 

XXX- REINVENCIÓN DE LA COMEDIA ROMÁNTICA  

La Fábrica de Sueños es el tercer largometraje del joven realizador alemán Martin Schreier; los anteriores fueron Robin Hood y Unsere Zeit ist jetzt, siendo este último una descripción del mundo del cine. No es ocioso destacar que Schreier siente pasión por el séptimo arte, reflejando estos sentimientos no solo en su condición de realizador sino en sus personajes. "Milou", en una secuencia de la película que vamos a comentar, dice: "El que vive enteramente en el cine es porque no tiene lugar en la realidad". 

Estamos frente a una historia romántica ambientada en 1961, año en el que se levantó el Muro de Berlín. En ese entonces, los dramas personales ocuparon muchas crónicas. Y Schreier toma una de ellas, la explica en forma de cuento y regala una comedia dramática diferente.  

Emil y Milou conforman la pareja central: él es extra en los famosos estudios de cine Babelsberg, donde conoce a Milou, una bailarina francesa partiquina de una estrella. Repentinamente se cancela el rodaje, Milou regresa a París y Emil queda desolado en una Berlín cerrada. Emil no se consuela y traza un arriesgado plan para reencontrarse con su amada. 

Schreier vuelca sus propias razones y creencias en este relato romántico, en algunas secuencias muy almibarado pero, a decir verdad, frente a la andanada de películas policiales y de terror, la propuesta resulta más que edificante. Y en esto también hay que destacar el desborde visual de algunas secuencias como la lluvia de pétalos de rosa o, en una noche muy cerrada, las luciérnagas como única iluminación de los enamorados. Ciertamente, hay un romanticismo excesivo que se hace necesario en un cine cargado de oscuridad y balaceras. Con Schreier, la comedia dramática de amor se reinventó, y no deja de emocionar. 

                                                                                  Carlos Pierre 

 

 

CALLES EN GUERRA 

De Lior Geller. Con Jean Claude Van Damme, Elijah Rodríguez, David Castañeda, entre otros. Música de Koskas, Duración: 92 minutos. 

XXX- CUANDO LA VIOLENCIA SUPERA LÍMITES 

El título de nuestro comentario es aplicable a la mayoría de las películas que hoy se estrenan bajo el género policial o thriller. La capacidad de la técnica, de los efectos especiales, permite lograr secuencias de horror inimaginables hace pocos años. Y si la mayoría de los films norteamericanos que llegan a las salas son de esta índole, mucho de lo mismo se transforma en un veneno para el alma. Menos es siempre más. 

Los estrenos en salas con aforo esta semana se caracterizan por la violencia y la alta truculencia con la que se quiere atraer al espectador. Es el caso de "Calles en guerra" que muestra el lado oscuro de la ciudad de Washington DC donde operan las "maras" o grupos "pirañas" de narcotraficantes, lo que no se muestra al turista, lo que no se ve pero está. 

Nos cuenta la vida de Lucas, de 14 años, que se involucra en la vida de las pandillas y quiere evitar que su hermano menor caiga en las mismas redes. La aparición de Jean Claude Van Damme le da cierto toque de distinción, en un personaje no protagónico pero central en la historia. Sin embargo, uno sale asqueado de la sala por lo que ha visto. No hay nada positivo que se le aporte al espectador. La realización es muy buena y la actuación de los dos jóvenes protagonistas es excelente. Lástima el guion con el que debutaron. 

Elsa Bragato 

 

 

Además se estrenan: 

LOS INTRUSOS (The Owners) 

De Julius Berg. Con Mashie Williams, Rita Tushingham, Jake Curran, entre otros. Duración: 92 minutos. 

XXX- TERROR A LA INGLESA 

Hay dos géneros que el cine inglés domina por darle una pátina muy propia, diferente: la comedia y el terror. Se reconoce el sello "british" siempre. Y es el caso de "Los intrusos", una traducción no literal del título en inglés, "The owners", que es mucho más apropiado, Los propietarios. Nos cuenta la historia de un grupo de jóvenes de una aldea quienes deciden robar en la casa de un médico de la zona. Allí vive con su esposa, Ellen, nada menos que Rita Tushingham, la notable actriz del cine inglés contemporáneo a la Nouvelle Vague francesa. 

El terror es clásico, nada que no se haya visto. Pero la vuelta de tuerca que se le da al guion es inesperada y se transforma en el quid de la historia. Tampoco aporta novedad en sus detalles, ya lo hemos visto, pero refuerza la acción y la tensión a límites extremos. 

Sangre por doquier, un matrimonio de adultos mayores que se las saben todas y jóvenes inexpertos que no tienen miramientos. Sin duda, elementos básicos para desencadenar una tragedia rural en una casa en medio de una zona boscosa, con una caja fuerte en su sótano. 

Dentro de los estrenos en salas con aforo, es el mejor de la semana en materia de cine extranjero. 

  

GODZILLA VS KONG, es el tercer film extranjero que se ofrece en salas con aforo. Duelo de monstruos que no nos deja más que gritos, aullidos sordos, y terror ya visto. Como siempre, la humanidad queda atrapada en la ciclópea pelea. Tal vez en esto podamos encontrar alguna metáfora de las grandes corporaciones que tienen en vilo a los pueblos (peleas de multinacionales, de laboratorios, etcétera) aunque sería hilar muy fino. Al menos, pensándolo así, le damos algún vis de superación de los clishés. EB 

 

BAFICI 

 

       QUEER DIARIES 

Guion y dirección de Santiago Giralt. Documental experimental. Duración: 65 minutos. 

XXX-AUTODOCUMENTAL ECLÉCTICO 

Santiago Giralt es un múltiple artista que, desde hace más de una década realiza una intensa actividad cinematográfica. En principio, es uno de los hacedores de la saga "UPA, UNA PELÍCULA ARGENTINA" que, como "UNA PANDEMIA ARGENTINA" se acaba de presentar en el BAFICI-. En este caso, ha recopilado, seleccionado, material personal que fue acumulando a lo largo de 15 años. En ellos, tal como se muestra en este documental, hay fragmentos de filmaciones en distintas ciudades del mundo, sin un denominador común, salvo el que el mismo autor le da dividiendo la narración en Partes así como poniendo su voz en Off. Es un material absolutamente ecléctico que, en algunas secuencias, tiene atractivo visual, poético. 

Como integrante del colectivo homosexual, aporta imágenes de una marcha del Orgullo, la primera de la que participó y comparte su sensación de libertad al poder expresar su elección sexual. Interesante. EB 

 

 

UNA CASA SIN CORTINAS  

de Julián Troksberg. Documental sobre Isabel Martínez de Perón, viviendo a sus 90 años en un barrio privado de Madrid. Guion de Julián Troksberg y Omar Ester. Fotografía de Luciano Zito. Edición de Omar Ester. Música de Pablo Trilnik. Duración: 91 minutos. 

XXX- LUZ SOBRE LA HISTORIA RECIENTE 

Julián Troksberg, hijo de un desaparecido en 1976, compuso un documental muy inteligente, con abundante información, sobre uno de los personajes más oscuros de la historia reciente de nuestro país: Isabel Martínez de Perón, quien fuera ungida presidente del país al morir su marido, el general Juan Domingo Perón, cumpliendo entonces su tercer mandato. A través de 28 entrevistados (desde Juan Manuel Abal Medina, Nilda Garré, Dante Gullo, hasta Carlos Corach, Hugo Curto, Carlos Ruckauf, Osvaldo Papaleo, entre muchos otros), se va construyendo la personalidad de esta mujer que conoció a Perón en 1954, se unió a él en calidad de amante, y partió en 1957 a Panamá formando parte de un ballet argentino. Allí se reencontró con su amado, si bien para la prensa del mundo fue un "flechazo" que ambos tuvieron en la lejana tierra centroamericana. 

La visión de los peronistas de hasta hace dos años, al menos, fue muy pobre sobre Isabelita, tal como se la llamaba: una mujer que no estuvo a la altura de las circunstancias, ligada al espiritismo por una relación anterior a la de Perón, luego dominada por López Rega, el "Brujo" del gobierno de entonces. Sin capacidad intelectual para afrontar el enorme desafío de una Argentina en llamas, se le reconoce la enorme dignidad de los muchos años de cárcel que padeció en manos del proceso de 1976: nunca se quejó, cumplió con las órdenes de Perón, lo admiró, trajo el cadáver de Evita al país (limpió a Eva Perón momificada, sin ayuda, en Puerta de Hierro) y calló para siempre. Nadie ni nada ha podido sacarla de su ostracismo madrileño. 

Los bienes de la pareja presidencial se conservan como se puede; la Quinta de San Vicente contiene muchas prendas suyas y hasta su banda presidencial si bien se observa en los techos filtraciones. Fue la misma Isabelita quien donó objetos que incluyen algunos del general Perón.  

Fue quien, además, desde la primera magistratura, implementó el aniquilamiento de los movimientos rebeldes, siguiendo un concepto de Perón. Es en esta dicotomía de su personalidad, el silencio y el trágico decreto que terminó firmando Luder, donde hay un encontronazo entre el pertinaz silencio y las desapariciones y muertes que le sucedieron. Valioso documental que, no obstante, no ahonda en los comportamientos de Isabelita sino que se conforma con los comentarios de quienes la conocieron.

Elsa Bragato 

 

CINE.AR Y CINE.AR TV 

LÓPEZ, documental de Ulises Russell.  Se trata del único estreno nacional que esta semana ofrece el INCAA en Cine.ar Play, en forma gratuita desde el viernes 26. También se ofrece en el Gaumont. Ulises Rosell, el director de "El Etnógrafo, hace un retrato de las actividades públicas y privadas en un determinado momento de la vida del reconocido fotógrafo Marcos López.

 

JUEVES 18 DE MARZO DEL 2021.- 

 

SINTIENTES 

(Se estrena en www.puentesdecine.com, en su Sala Virtual) 

De Juan Baldana. Guion de Alejandro Kretschel y Juan Baldana. Fotografía de Javier Grafi y Gastón Delecheze. Música original de Charo Bogarín y Pablo Sala. Voz de Charo Bogarín. Duración: 88 años. Año 2020 

 

XXX- PLANIFICACIÓN INTELIGENTE DE LA VIDA 

En este documental, "Sintientes", localizado en la selva jujeña, un poblado acepta reconvertir su modo de vida respetando el entorno. Esta actitud, que puede salvarnos de un desastre climático irreversible, lleva el nombre de Economía Empoderativa teniendo en Ale Kretschel, coautor del guion, a un integrante de una organización que recibe donaciones y aprende a comercializar sus propios productos. Es un circuito positivo que se inicia con los habitantes de San Francisco asistiendo a diferentes talleres: desde aprovechar la arcilla que la naturaleza les regala, la madera para hacer instrumentos autóctonos, hasta sembrar sus propias plantas medicinales para el botiquín primario de la salita de primeros auxilios. Comprueban las posibilidades reales de transformar los deshechos en materiales reutilizables, de vender la producción propia, de redistribuir las ganancias entre todos. Es una efectiva forma de vida a partir de una planificación inteligente. Nada que sea imposible de hacer aún en las grandes ciudades. Edificante, útil, este documental de Juan Baldana cuenta con una excelente fotografía aérea (de repente, surge el poblado en medio de las nubes, encerrado por montañas) acompañada por el cálido y ronco sonido de aerófonos y una voz característica del Altiplano. Es un retrato social diferente, donde cobran valor las encendidas miradas de los pobladores cuando ven todo lo que son capaces de hacer sin dañar el entorno. Son "sintientes" per se, por condición humana, y le dan sentido y sentimiento al entorno. Aleccionador, para ver y aprender. 

Elsa Bragato 

 

 

CORPUS CHRISTI 

(salas de cines) 

De Jan Komasa. Guion de Mateusz Pacewicz. Música de Evgueni Galperine y Sacha Galperine. Fotografía de Piotr Sobocinski Jr. Con Bartosz Bielenia, Aleksandra Konieczna, Elysa Rycembel, Leszek Lichota, Lukasz Simlat, Tomasz Zietek, Barbara Kurzaj. Duración: 118 minutos. Polonia. 

XXXX- IMPLACABLE THRILLER SOBRE LA REDENCIÓN 

Jan Komasa logró el protagonista perfecto, Bartosz Bielenia, para el rol de "Daniel" quien le da vida a un relato descarnado sobre la fe y sus contradicciones y, por sobre todo, la finalidad de las cárceles como reformatorios o verdaderos infiernos. "Daniel" (Bartosz Bielenia) descubre su profunda fe católica (Polonia es uno de los países más católicos de Europa) cuando está por terminar una condena. Diversas circunstancias lo llevan a la iglesia del pueblo debiendo suplantar al párroco de manera imprevista. Una mentira inicial se transforma en un designio de vida por un largo tiempo, con consecuencias sociales inesperadas. Sabe que es un impostor pero en esa impostura sustenta su cambio interior. El pasado está latente, golpea a la puerta de la sacristía, es una señal diabólica que regresa para arrastrarlo al infierno del que salió. 

Y es en este fluir, donde sexo, droga, y un misticismo gregoriano, van casi de la mano. La narración fluye sólidamente apoyada en el rostro angelical de Bartosz Bielenia, protagonista absoluto irredento de una historia de violencia y de religiosidad. De manera indirecta, el director cuestiona las apariencias, el rumor, la mediocridad que envuelve la vida cotidiana de las sociedades. Jan Komasa agrega un plus atrapante al desangelar a Daniel, a quien no juzga, asignándole un rol a sangre y fuego de principio a fin.  Implacable thriller que aborda la fe sin complacencia, rescatando la fragilidad humana en el "tira y afloja" entre el bien y el mal, en busca de una redención que no siempre llega a tiempo. 

Elsa Bragato 

 

CINE.AR PLAY 

INCAA anuncia dos films nacionales. "Realidad Virtual" y "Bandido". Respecto del primero, su director, Hernán Findling, informó que no habría visionado previo para el periodismo por estar aún en los tramos finales de la postproducción. Por lo tanto, nos referiremos solamente a "Bandido". 

 

BANDIDO 

Bandido

(Complejo Gaumont, desde el 19, durante 7 días, en Cine.ar Play) 

Dirección de Luciano Juncos. Guion de Luciano Juncos y Renzo Filippa. Con Osvaldo Laport, Juan Manuel Lara, Hernán Alvarellos, Victoria Ríos, Magdalena Combes, Juan de Battisti y Maico Pradal. Arte de Florencia Wehbe. Fotografía de Nadir Medina. Sonido de Pamela Soulé y Patricio Tosco. Montaje de Luciano Juncos por Argentina y Rodrigo Melero por España. Duración: 95 minutos. 

XXXXX- LAPORT EN UNA GRAN PERFORMANCE 

Cálida y honesta narración sobre la vida de un cantante popular para quien los años no pasaron en vano. Soberbia composición de Osvaldo Laport en el rol de Roberto Benites, "Bandido" de sobrenombre, cansado de trajinar por escenarios. Piensa en abandonar su carrera, ante la desesperación de su mánager, un simpático "Antonio" que encarna el español Juan Manuel Lara. Un asalto lo reúne con los amigos de toda la vida enfrentándose a dos realidades: por un lado, ayudar con su voz a una comunidad y, por otra parte, reconvertir su situación sentimental ante la decisión de su joven hija de vivir con él. La esperanza empieza a tallar. 

Si bien se conoce la calidad actoral de Osvaldo Laport, en este rol carga con el peso de la narración sin desfallecer nunca, dotándolo de virtudes que le son propias y que trasuntan la pantalla: desde la calidez que mencionábamos hasta el señorío en su actuación. 

Es a partir de este protagonista que la construcción de la ficción, tanto del director Juncos como del actor Osvaldo Laport, logra cabalmente el planteo existencial buscado: la reconversión del camino de vida que es resiliencia aunque nunca resignación. Ambos trabajaron con sentimientos, con reacciones, frente a situaciones inesperadas. Que de eso se trata la vida. Se logra así una historia profundamente humana, sencilla, sin pretensiones inútiles, sino con aciertos en el fluir narrativo al punto que nos permite redescubrir a Osvaldo Laport, uno de los grandes actores rioplatenses que, a la hora de actuar, une corazón con profesión. No se la pierdan.  

Elsa Bragato 

 

BAFICI 

DE esta nueva entrega del festival de cine independiente de esta ciudad comentaremos los films a los que esta sección tenga acceso mediante links. El festival se realiza en forma presencial, online y al aire libre, en alrededor de 27 espacios determinados. 

(UPA!) UNA PANDEMIA ARGENTINA 

Guion y dirección de Tamae Garateguy, Santiago Giralt y Camila  

Toker, con Valentine Torre. Participaciones especiales de Axel Kuschevasktzky, Juan Minujín, Martín Slipak, Marina Glezer, Ariel Winograd, entre otros. Música de Tomi Lebrero. Sonido de Guillermo Picco y Pablo Gamberg. Montaje de Sabrina Parel y Santiago Giralt. Duración: Lado A de 103 minutos. Lado B de 61 minutos. 

XXX- EXPERIENCIAS FRENTE A CÁMARAS 

Desde el 2006, el trío formado por Tamae Garateguy, Santiago Giralt y Camila Toker se presentan con productos experimentales que, en definitiva, son largometrajes diferentes. Un cine no contemplativo, de mucha rebeldía, contra las presiones del sistema, entiéndase carencia de presupuestos, de aportes, de inversiones, para quienes no forman parte de un determinado mundo de entidades y empresariales. "UPA" significó "una película argentina" en su primera muestra, transformándose ahora en "UPA, una pandemia argentina". Dividida en dos entregas, Lado A y Lado B. En LADO A, los tres creadores exponen sus crisis personales y las paupérrimas condiciones económicas para hacer cine. Mantienen el sesgo experimental que los caracterizó desde el comienzo, aportando un lenguaje fresco y desparpajado, además de imprimir un aire burlón en la mayoría de las secuencias. Tienen la idea de ir a Hollywood con el proyecto pero la pandemia Covid 19 pone fin al sueño. Sin embargo, se disponen trabajar aún en pandemia para filmar la vida de Eva Perón, reviviéndola, según sus conceptos, en diversos medios. El plano virtual ocupa entonces el centro de la narración, apareciendo desde Axel Kuschevasktzky hasta Juan Minujin, propuesto para el rol del General Juan Domingo Perón. El fracaso los ronda y el proyecto termina por naufragar. Surge entonces otra idea: un film de terror. El LADO B, que llega a los minutos necesarios para ser un largometraje, se centra en el hallazgo de una casona antigua, de oscuro pasado, donde los cineastas, cada uno en su rol, intentarán darle vida a fantasmas, encapuchados y asesinos. La incorporación de medios digitales agiliza la propuesta que desvaría en varias secuencias por el alto consumo de alcohol de sus protagonistas. En sí mismo, ambos Lados de "UPA, una pandemia argentina" apuntan a lo mismo: la búsqueda de un cine que se pueda hacer con bajos presupuestos, desnudando las imposibilidades de concretar proyectos cuando hay más de un criterio.- El final es lo que vemos: un experimento de cine dentro del cine, sin referencia alguna al cine de ningún tipo de género. Es "UPA", el comienzo de algo, como aquel viejo libro de lectura para los más chiquitos que se utilizaba en los años 50. Algo así como UPA, una producción alocada. 

     Carlos Pierre    

 

OTROS ESTRENOS 

En salas con aforo, se anuncian: 

MUJER MARAVILLA 1984, regreso a tres años de la primera película de la actriz Gal Gadot en este rol que supo tener tanta repercusión en la televisión de hace 40 años. Hay un plus en medio de los créditos finales. No obstante, es más de lo mismo y se encuentra en plataformas online. Solo hay que buscar. 

BILLIE EILISCH, documental sobre un tour de esta cantante. 

 

JUEVES 11 DE MARZO DEL 2021.- 

Varios estrenos llegan este jueves a algunas salas abiertas y otros, online. Hay muchos cambios en la programación prevista para cada semana, por lo que no nos hacemos cargo de los mismos. Asimismo este jueves se reabre el cine Gaumont, luego de varios meses de trabajos, y se estrena en cines comerciales la primera película nacional 2021 titulada "La noche mágica", comedia dirigida por Gastón Portal.
 

LA AUDICIÓN 

De Ina Weisse. Con Nina Hoss, Simon Abkarian, Jens Albinus, Sefarin Mishiev, entre otros. Fotografía de Judith Kaufmann. Guion de Daphne Charizai e Ina Weisse. Duración: 99 minutos. Coproducción de Alemania y Francia. 

XXXX- WEISSE-HOSS A LO CHABROL-HUPPERT 

Intenso clima genera la cámara de Ina Weisse, entre hierático y ascético, basándose en la performance de la estupenda Nina Hoss que, de principio a fin, compone a "Anna" de manera meticulosa, profunda, un rol que duele y perturba, acercándola a la gran Isabelle Huppert.  "Anna" es profesora de violín en una escuela berlinesa, mientras su marido es luthier y su pequeño hijo, estudiante de violín también. Tiene a su cargo un alumno de grandes dotes técnicas que será pivot en su complejo mundo interior. 

El film es esencialmente europeo, específicamente francoalemán, pueblos para los que la música es a todo o nada, es decir, se concibe para triunfar. Aquí ancla el espíritu de "La audición" y de "Anna" para desarrollar su pesadilla anímica: siente la obligación de ser virtuosa, traspasando su obsesión al alumno de manera posesiva y a la vez silente. Tan taciturna y metódica es "Anna" que raya lo psicótico, erosionando tanto su relación matrimonial como la maternal. Weisse se centra en "Anna" porque en ella reside la columna vertebral de esta narración que transita algunos géneros hasta que el conflicto parece definirla como thriller. Pero, aún en él, hace un giro inesperado a lo Chabrol resignificando la propuesta. Actriz y directora se entregan mansamente a una historia inquietante. Podríamos definirla como la síntesis de un estilo de pertenencia social: se es como mandan más que como se siente. Esto genera una problemática psicológica compleja de la que surgen desde la frustración de Anna hasta el "yo aspiracional", inimaginable. En el rostro de "Anna" está la respuesta a un enigma que sobrevuela de comienzo a fin. Excelente propuesta. 

Elsa Bragato 

 

 

AKELARRE 

(Se estrena el jueves a las 22 en Cine.ar TV y, desde el viernes 11, gratis en la plataforma del INCAA, Cine.ar Play durante siete días) 

De Pablo Agüero. Guion de Pablo Agüero y Katell Guillou. Con Amaia Aberasturi, Alex Brendemuhl, Daniel Fanego, Yune Nogueras, entre otros. Fotografía de Javier Aguirre. Montaje de Teresa Font. Arte de Mikel Serrano. Sonido de Urko Garsi. HA 

Hablado en Euskera y Castellano. Duración: 90 minutos. 

XXXX- FASCINANTE HISTORIA DE INQUISIDORES Y HECHICERAS 

El mendocino Pablo Agüero logró cinco Goyas, sobre nueve nominaciones, en la última edición de este premio en Málaga, España, correspondientes a los rubros técnicos de "Akelarre". Para nosotros, mereció varios más en el rubro artístico. Pero, es el juego de las premiaciones. 

En tiempos en que las mujeres luchan, y avanzan un poco, por su consideración social (trabajo, familia, equiparación de sueldos, etc), esta mirada hacia hechos ocurridos en el País Vasco en 1609 reafirman la necesidad de la valoración social actual que se persigue. Agüero se sintió atraído por la historia del inquisidor francés Pierre de Lancre quien viajó hacia esa zona española para exterminar a las supuestas brujas, hechiceras, antes de que pasaran la frontera a Francia. Llevó a la hoguera a criaturas que recién despertaban a la pubertad para exorcizar, según su brutal criterio, al maligno y sus secuaces. "Akelarre", con k, es una voz euskera que se ajusta al significa de "aquelarre" en castellano o sea reunión de brujas que se reunían en los bosques para llamar al Diablo y copular con él. 

Agüero trabaja con contrastes muy atractivos, bases de esta narración, mientras filma a la luz de las velas que da un sepia intenso a "lo Rembrandt", realzando la fotografía de Javier Aguirre. Hay otros contrastes, como la luz del día y la penumbra de las cárceles, la libertad y la opresión, la alegría de las chicas arrastradas a las sombras y la oscura y retorcida psicología de Pierre de Lancre, exigido por su Consejero, rol a cargo de Daniel Fanego en gran performance. A medida que transcurre, la narración va ganando en suspenso a través de secuencias que oscilan entre el erotismo y la crueldad, entre un humor irónico atemorizante y la sordidez de los bajos instintos de Pierre de Lancre. Es una fascinante historia de jóvenes sometidas que quieren salvarse de la muerte injusta, y, aunque viene de siglos, es al mismo tiempo un fuerte clamor actual por los derechos de las mujeres. Antes como ahora, las historias se repiten aunque puedan maquillarse de modernidad o hipócrita "superación". Excelente propuesta. 

Elsa Bragato 

 

 

TOM Y JERRY 

Dirección: Tim Story. Guion: Kevin Costello (Personaje: William Hanna, Joseph Barbera). Fotografía, Animación: Alan Stewart. Duración: 101 minutos. Música: Christopher Lennertz. Animación: Chloé Grace Moretz, Michael Peña, Rob Delaney, Colin Jost, Ken Jeong, entre otros. Con Chloé Grace Moretz, Michael Peña, Patsy Ferran, Pallavi Sharda, Colin Jost, entre otros. 

XXX- TOM Y JERRY LLEGAN A LA PANTALLA GRANDE 

Warner Bros da un giro realizando un trabajo muy original al trasladar las icónicas aventuras de Tom y Jerry, salidas de las plumas de William Hanna y Joseph Barbera, a la pantalla grande a todo color.  

Las famosas peripecias de la rivalidad entre el gato Tom y el ratoncito Jerry de electrizantes 9 minutos hasta llegar a esta película de 101 se redimensionan en el largometraje con el objetivo del entretenimiento familiar. La buena idea fue valerse de la interacción de actores reales y personajes animados. La historia tiene su eje en el casamiento de una pareja venida de la milenaria India. Lujosos hoteles de Nueva York, y su icónica imagen de avenidas y del Central Park, conforman el mejor escenario para las aventuras de Tom y Jerry, rodeados de perros, gatos, flamencos y una fauna simpática que se relacionan en diversas secuencias. 

Hay que reconocer el trabajo en el guion, que supera eventuales altibajos saliendo airoso del riesgoso traspaso del corto al largometraje. Sin nostalgias ni evocaciones de aquellas animaciones del siglo pasado, este "Tom y Jerry" se transforma en una muy buena propuesta para chicos y grandes, lanzando a dos personajes animados ultra famosos a la posibilidad de una saga en la pantalla grande. Además de divertir sanamente, por detrás hay una buena excusa comercial que Hollywood siempre necesita.  

Carlos Pierre 

 

 

CHARLOTTE 

(Se estrena el jueves 11 a las 20 horas en Cine.ar TV, desde el viernes 12, gratis durante 7 días en la plagaforma Cine.ar Play del INCAA) 

De Simón Franco. Con Angela Molina, Ignacio Huang, Lali González, Gerardo Romano, Fernán Mirás, Nico García. Guion de Constanza Cabrera, Simón Franco y Lucila Podestá. Fotografía de Pablo Desanzo. Música de Mariano Barrella. Coproducción argentino- paraguaya. Duración: 79 minutos. 

XXXX-COMEDIA AGRIDULCE CON LA GRAN ANGELA MOLENA 

Angela Molina es una de las grandes estrellas del cine español con  décadas de éxito, galardonadas hace unos pocos días con el Goya a la trayectoria (recordamos "El oscuro objeto del deseo" de Luis Buñuel) Y es también la protagonista de "Charlotte" dándole título al film de Simón Franco en el rol de una celebrity del cine olvidada. En su casa porteña, se entera de que el director de cine que la lanzara está por filmar en el Paraguay. Y no cualquier texto sino uno en común. Empieza así la parte sustancial de esta narración, entre road movie y thriller con humor, que Angela Molina protagoniza junto a Ignacio Huang (el mismo compañero de rubro de Ricardo Darín en "Un cuento chino") en el rol de su ayudante.  Ir en busca de ese director (rol especial a cargo de Gerardo Romano) implicará una serie de aventuras de toda índole, ya en tierras guaraníes. 

Sin ser hilarante, aunque Molina se las ingenia para mostrar su vis irreverente, hay un plafón de humor constante a través de varias secuencias muy logradas. Por cierto, es brillante la actuación de Angela Molina, a quien no la perturban ni sus mechones canosos ni las arrugas. Cuenta con participaciones especiales de Fernán Mirás y a Gerardo Romano, en un rol tierno, fuera de sus habituales policías y malevos duros. 

Elenco pequeño, cuidada producción, atrapa por la calidez de la propuesta y la desbordante participación de Angela Molina, desparpajada y sensual a la vez. Muy buena propuesta. 

Elsa Bragato 

 

OTROS ESTRENOS ANUNCIADOS: 

 

LA NOCHE MÁGICA, de Gastón Portal, Argentina 

LA LEYENDA DE LA VIUDA, film ruso 

EL SECRETO DEL BOSQUE, de USA 

 

JUEVES 4 DE MARZO DEL 2021.- 

A estos comentarios hay que añadir el estreno de "Soul" (está en Netflix) y de "Eureka", animé japonés, el primero premiado con un Golden Globe. 

CERRO QUEMADO 

Guion y dirección de Juan Pablo Ruiz. Docuficción sobre tres mujeres que se reencuentran en ese cerro salteño. Con Micaela Chauque, Cornelia Yurquina, Felipa Zerpa. Fotografía de Gustavo Schiaffino. Sonido de Juan Pablo Ruiz, Alejandro Nantón y Omar Mustafá. Música de Micaela Chauque. Montaje de Juan Pablo Ruiz y Alejanddro Nantón. Duración: 64 minutos. 

(Se estrena en Cine.ar TV el jueves y el sábado a las 22 hs. El viernes es gratuito en Cine.ar Play por siete días) 

XXX- UNA CIVILIZACIÓN QUE SE PIERDE 

Juan Pablo Ruiz logra un documental fantástico sobre tres mujeres coyas, una hija y su madre que van en busca de la abuela que habita el Cerro Quemado, lugar del que fueron desterrados sus habitantes originales. No son personajes sino tres personas de la vida real: Micaela Chauque, autora de la música, es una reconocida quenista y folklorista, que habla con su madre, Cornelia Yurquina, para ir juntas a ver a la abuela, Felipa Zerpa, última representante de la comunidad del Cerro Quemado. Tres generaciones de mujeres coyas. El viaje es pintoresco y difícil, los montes, el colorido, la vegetación, caminos montañosos angostos, madre e hija se unen en esta silente travesía, por momentos mística, ungida de una religiosidad profunda. 

Ruiz trabaja con planos generales donde las dos mujeres se muestran de espaldas a la cámara en esos serpenteados caminos. Cuando descansan, comen, o llegan al lugar, los planos son "close up". Casi sin diálogos, Ruiz logra un clima metafísico que se quiebra con la matanza de un animal, secuencia excesivamente cruel entre los gritos del vacuno y la sangre que se derrama. Este hecho, si bien está relacionado con la alimentación de las tres mujeres, le baja puntos a un docuficción de intensa espiritualidad. Hasta ese momento tan penoso, es un largometraje que deja un mensaje claro: en el norte, hay una civilización a punto de perderse. En este sentido, el objetivo está logrado con creces. 

Elsa Bragato 

 

ESTRENOS EN CINES 

TENET 

Guion y dirección de Christopher Nolan. Con Robert Pattinson, Elizabeth Debicki, John David Washington, entre otros. Fotografía de Hoyte Van Hoytema. Música de Ludwif Goransson. Duración: 150 minutos. 

 

XX- SIN TON NI SON 

Parece imposible que Christopher Nolan sea el autor de un guion tan mediocre y de una narración sin alma como Tenet, un palíndromo que solo tiene de atractivo el serlo. Uno de los personajes que rodean al protagonista encarnado por el ascendente John David Washington, sin nombre, le dice "no intentes entenderlo". Aquí debería terminar nuestro comentario, verdad?. Más que un "ataque del futuro" como pretende Nolan, la confusión de presente, pasado y futuro en lo que el director ha llamado "conceptos generales sobre la entropía" es un asunto personal desde su iniciático "Memento" hasta ahora, aunque en este caso sus inquietudes no se trasladaron a la narración audiovisual. Las persecuciones están a la orden del día como cualquier policial, con el agregado de atravesados diálogos que van desde las "armas invertidas" hasta una bomba nuclear que va a alterar el "algoritmo" y si esto sucede, se termina el mundo. Todo es de una complejidad inútil. 

Kennet Brannagh, gran actor y director británico, cumple con un rol especial, un malvado angloruso que tiene el secreto del maldito algoritmo. Sin embargo, su actuación se pierde en un contexto narrativo irracional, más allá de la postproducción de altísimo nivel tecnológico. Esta película se ve como una chiquilinada de Christopher Nolan, realizador de la trilogía de Batman más notable que se vio, encaprichado con el devenir del tiempo, el pasado que se cruza en el presente, el choque de ambos y el futuro que llega con ganas de llevarse todo por delante. Desangelada propuesta ya estrenada el año pasado que llega a nuestras salas en esta incipiente apertura a raíz de la pandemia. En síntesis, una paparruchada entre física cuántica y millones de dólares que algunos pueden invertir para sentirse realizados. No hay que perder ni tiempo ni dinero. 

Elsa Bragato 

 

ESTRENO EN WWW.PUENTESDECINE.COM 

"La cima del mundo", cuyo comentario subimos la semana pasada 

 

REESTRENOS EN CINE 

 "8, ½" DE FEDERICO FELLINI 

 

RECOMENDACIONES DE NETFLIX 

 

EL JUICIO DE LOS 7 DE CHICAGO, de Aaron Sorkin. Con Eddie Redmayne, Sacha Baron Cohen, Mark Rylance, Frank Langella, Josep Gordo-Levitt, Jeremy Strong, entre otros. Fotografía de Phedon Papamichael. Música de Daniel Pemberton. Duración: 129 minutos. 

XXXX- NOTABLE REALIZACIÓN SOBRE FAMOSO JUICIO 

El año 1968 fue convulsionado para todo el mundo: mientras ocurría el Mayo francés, en los Estados Unidos agrupaciones jóvenes se oponían violentamente a la Guerra de Vietnam iniciada por el Presidente Lyndon B. Johnson. Al mismo tiempo, el país del Norte estaba horrorizado por los asesinatos de Martin Luther King y el senador Robert Kennedy. Se recuerda la oposición de Cassius Clay a ser soldado en Vietnam, por lo que fue a la cárcel. En Chicago el alcalde prohibió movilizaciones y la realización del Festival de la Vida. Mientras tanto, se organizaba la Convención Demócrata, por lo que eran de esperar algunas revueltas sociales. Las manifestaciones se produjeron, con presos y heridos. Años después, se infirió que la exaltación social se debió al ataque policial. Abbie Hoffman, John Froines, Lee Weiner, Dave Dellinger, Rennie Davis, Tom Hayden y Jerry Rubin fueron "cabecillas" de las expresiones de los jóvenes. Desinflar un neumático de un móvil policial fue la única excusa que encontró el alcalde de Chicago para encarar un juicio sin sentido, irracional, contra los siete muchachos. Junto a ellos estaba el líder de los Panteras Negras, John Sinclair quien, luego de ser torturado, logró que su juicio se celebrara aparte. 

El film es de gran excelencia narrativa: las persecuciones policiales están realizadas en detalle, contando con inserts en blanco y negro de filmaciones de la época. Destacamos del elenco a Sacha Baron Cohen (recibió dos Golden Globe por otras performances) quien logra un rol muy diferente a todos los que le conocemos.  

Por otra parte, el tema basado en las distintas etapas de un juicio podría resultar denso, pero aquí está la sabiduría del realizador al preparar una interesante puesta con flashbacks que agilizan la historia. Hay que destacar los diálogos, verosímiles, intensos. Ameritan aplausos. Una gran película que empieza a recorrer la temporada de las premiaciones de Hollywood. 

Elsa Bragato 

 

JUEVES 25 DE FEBRERO DEL 2014.-

SANTA

(Se estrena jueves y sábado en Cine.ar TV y desde el viernes en Cine.ar Play gratis durante siete días)

Dirección y Guion: Víctor Postiglione. Con Manuel Vainstein, Dai Hernández, Roly Serrano, Jonathan Da Rosa, Germán de Silva, Moro Anghileri, Iván Steinhardt, Sofía Ailén Navarro, entre otros. Director de Fotografía y Cámara: Pablo Desanzo. Montaje: Emiliano Serra. Música: Pablo Borghi. Duración: 75 minutos.

XXXX- LOGRADO DRAMA SOBRE LA TRATA DE PERSONAS

Segunda ficción (Tiempo Muerto, 2016 y Santa, 2019) del realizador Víctor Postiglione quien logra un clima claustrofóbico matizado con encuadres fotográficos estupendos para mostrar una de las tantas caras terribles de la trata de blancas. En este caso, el guion parte de la personal odisea de Robinsonm de 16 años (Manuel Vainstein) que busca a su hermana, Santa de 15 (Sofía Ailén Navarro), víctima de una red de prostitución. La familia de ambos jóvenes vive en un pueblo humilde de la provincia de Buenos Aires donde se sufre la presión del “patrón” del prostíbulo, El Toni (Roly Serrano).

Así como hay “roadmovies” que van descubriendo caminos, en este caso Postiglione encara ese género descubriendo los sentimientos de los dos personajes, Robinson y su primo: ambos atraviesan caminos interiores dolorosos así como realidades plagadas de seres miserables. Los dos jóvenes se tienen cariño y amistad fraternal, que, sin embargo, no pueden ocultar la vulnerabilidad propia de sus años ante la pérdida de la hermana y prima a la que aman. No bajan los brazos si bien la realidad es brutal. Es aquí donde el film de Postiglione tiene su “plus”.

Es decir, el realizador abre un doble camino interpretativo: la búsqueda en sí, donde la trata está descripta sin eufemismos, cruda lacerante como la realidad misma, y el camino interior de los dos protagonistas, lo que sienten, las profundas decepciones reflejadas en sus rostros, la tristeza y el coraje que pendulan en sus corazones y en sus acciones. En este fluir narrativo, Víctor Postiglione contó con el sustento fotográfico de Pablo Desanzo y una buena música incidental de Pablo Borghi, dos aspectos técnicos fundamentales que apuntalan la atmósfera de encierro, oscuridad y opresión que caracterizan muchas secuencias. Muy buen trabajo.

Carlos Pierre



MANIFIESTO

Guion y Dirección de Alejandro Rath. Con Iván Moschner, Pompeyo Audivert, entre otros. Arte de Angeles Frinchaboy, Música de José Goyeneche. Sonido de Nicolás Torchinsky.

(Se estrenó el martes 23 en Cine.ar Play y se podrá ver en canal Encuentro el viernes a las 22 horas)

XXXX- DESCUBRIENDO A DOS LÍDERES DEL SIGLO XX

León Trotsky escapó de la persecución stalinista y de los exilios en Siberia, entre otras localidades, llegando a México en 1937, único gobierno que lo aceptó. Vivió un tiempo en la casa de Frida Kahlo y Diego Rivera, pintora notable y su marido, muralista aclamado hasta en los Estados Unidos. Amante de los animales, la novela “El hombre que amaba los perros” del cubano Leonardo Padura es uno de los retratos más fantásticos, aún con ficción, que se hizo de Trotsky. André Breton, poeta francés, visitó en México en 1938, encontrándose con el líder de Octubre 1917, León Trotsky, reunión de unos 4 meses que quedó plasmada en “Manifiesto por un arte revolucionario independiente” con la firma de Breton y Rivera, dado que Trotsky, autor intelectual, cedió su lugar a un artista plástico.

Alejandro Rath toma este momento histórico para su tercer largometraje, titulado “Manifiesto”, contando con dos excepcionales intérpretes: Iván Moschner como Bretón y Pompeyo Audivert como Trotsky. La locación fue una zona boscosa y marítima a la vez de la costa bonaerense, lográndose un clima intimista propicio para la interrelación de los actores. El comienzo fue el trabajo del equipo y los protagonistas de elegir los textos tanto del manifiesto como el material impreso sobre las charlas entre ambos intelectuales. Breton fue hostigado por Trotsky para que escribiera ese documento que intentó separar el arte del marxismo, y Rath utiliza esa presión psicológica del político sobre el poeta para trabajar su narración, generando incluso imágenes oníricas y surrealistas.

El Arte del film es interesante: estamos ante el ensayo de dos actores que encarnan a dos potentes hombres del siglo XX, poco a poco van asumiendo sus personajes, notándose en sus gestualidades y en las inflexiones de voz, la “carnadura” alcanzada por cada uno. Al mismo tiempo, Rath invita a rememorar un hecho histórico que marcó la cultura del siglo pasado, un año antes de la Segunda Guerra Mundial, del capitalismo feroz y su contrapartida en el comunismo brutal de Stalin. Es también un giro hacia la biografía de Frida Kahlo para quien Trotsky fue un amante fugaz.

Muy interesante material, ondulando entre lo onírico y el hecho histórico.

Elsa Bragato



LA CIMA DEL MUNDO

Docuficción de Jazmín Carballo. Edición de Lorena Moriconi. Sonido de Marcos Zoppi y Emiliano Biañ. Duración: 60 minutos.

(Se estrena en www.puentesdecine.com, en su sala virtual, pagando un ticket que habilita el visionado durante 72 horas)

XXX- CUITAS ENTRE MADRE E HIJA

Jazmín Carballo, con excelente background como actriz, escritora y cineasta, logra plasmar la cotidianeidad entre una madre y su hija que sueña con cantar a través de un relato más basado en los hechos pequeños (pintarse las uñas de los pies) que en el objeto del deseo de la jovencita. En ese entramado entre madre e hija van surgiendo coincidencias y disgustos, hasta que llegan a un punto de encuentro que beneficia a ambas.

Secuencial, lineal, la historia fluye a partir de Anastasia (Anastasia Amarante), quien canta en el baño, en el automóvil, manifestando sus deseos de llegar al “top of the hit”, mientras es su madre (Cecilia Cavotti, mamá en la vida real de Anastasia) quien compone la contrafigura, quien tiene los pies en la tierra, hasta que un “click” en su interior le permite sumarse al sueño de su hija. En este discurrir de las dos mujeres fluye una historia que tiene más espontaneidad que storyboard. Carballo muestra capacidad de captar el alma de sus personajes, tiene fibra de realizadora. Y, a partir de estas cualidades, nos deja un relato. Algo que transcurre entre madre e hija. La intensidad de los sentimientos, de lo que entre ellas realmente sucede, queda en manos del espectador. Nos hubiese gustado más profundidad, buscando lo cinematográfico en sí por sobre la relación de ambas mujeres. No está mal.

Elsa Bragato



RECOMENDACIONES DE NETFLIX

EL AGENTE TOPO, de Maite Alberdi guion y dirección. Música de Vincent Van Warmerdam, Fotografía de Pablo Valdés. Con Sergio Chamy, Rómulo Aitken, Marta Olivares, entre otros. Duración: 90 minutos. Chile. Film elegido para representar a Chile en los Oscar 2021, en abril. Excelente ficción que, a manera de documental, nos cuenta la vida de Sergio, de 83 años, en un geriátrico. A su edad, viudo, se presenta en un casting para un trabajo y es elegido por Rómulo, un investigador privado, quien le pide que se infiltre en un geriátrico para seguir a una señora y ver cómo la tratan porque su hija teme que no esté bien. Sergio cumple con su misión, elevando partes diarios vía celular que nos recuerdan a la notable novela titulada Pantaleón y las Visitadoras de Mario Vargas Llosa. La realidad que encuentra es muy diferente a la de la hija que clama por su madre pero no la visita. Es ciertamente un film enternecedor que nos muestra cómo los geriátricos u Hogares de Ancianos, aunque bien puestos como el del film, carecen del calor de hogar, de la caricia del hijo o del nieto, factores esenciales para la sobrevida de los ancianos. En principio, uno busca el documental pero no está, surge la ficción con Sergio como protagonista que nos golpea el corazón, nos enternece y nos enfrenta a una realidad que debiera cambiar:no más geriátricos como depósitos. Notable propuesta chilena. EB

JUEVES 18 DE FEBRERO DEL 2021.- 

 

FANTASMA VUELVE AL PUEBLO 

(Jueves y Sábado a las 20 hs por Cine.ar TV y desde el viernes durante 7 días en Cine.ar Play, online y gratuito) 

Guion y dirección de Augusto González Polo. Con Alfonso Tort, Juan Román Diosque, Laura Josefina Kramer, Fernando Rosa, Marcelo Márquez, Lucía Amarillo, Jorge Ratosk. Duración: 110 minutos. 

XXX- CUANDO EL AMOR ES MÁS FUERTE 

"Fantasma vuelve al pueblo" es uno de los ocho films que se realizaron en la provincia de Misiones, uno de los polos cinematográficos más importantes que hay en el país.      Augusto González Polo nació en la localidad Aristóbulo del Valle de Misiones y fue allí donde rodó "Fantasma..." contando con la colaboración de la gente del lugar. Como protagonista, eligió a Alfonso Tort, reconocido actor uruguayo, protagonista de la aclamada "La noche de 12 años", entre otros films del país hermano. En este caso, es "Fantasma", sobrenombre de su personaje, que regresa a ese pueblo a los 40 años sin ninguna meta y sin ninguno de los títulos universitarios prometidos. Vive con sus padres y consigue una changa, que se basa en conseguir un cerdo para faenar. Será este animal quien cambie su vida así como el rumbo del film. 

Veamos: González Polo logra una buena pintura de pueblo, costumbres ancestrales, desde cierta morosidad en las acciones hasta la matanza hogareña de animales para cualquier festejo.  

El quid de la película es resaltar buenas costumbres contra atavismos que pueden replantearse. No obstante, falta nervio al guion. No es un problema de Augusto González Polo sino una característica del cine nacional que debiera cambiarse. No hay clima sino sucesión de secuencias, muchas de ellas anodinas. A su favor está que nada es previsible y que, entre el accionar cansino de Fantasma, sus viejas amistades, cerveza de por medio, fiestas electrónicas y un dejarse estar a cada paso que da, el desenlace está en actitudes sutiles. Con ellos, González Polo logra cerrar el círculo narrativo que tuvo altibajos pero no descubrió el objetivo de la propuesta. 

Elsa Bragato 

 

SOLANAS EN FILMACIÓN 

Documental recuperado de Dolly Pussi y Enrique Muzio.  

(Se ve en www.puentesdecine.com, Sala de cine virtual de PCI conmemorando el natalicio de Fernando Pino Solanas) 

XXXX- JUSTO TRIBUTO A SOLANAS 

El año pasado, víctima del Covid 19, falleció en Francia el realizador y político Fernando Solanas, quien utilizó su cámara para mostrar las injusticias sociales de este bendito Tercer Mundo. El cine como arma de denuncia, hecho que le valió desde una querella del recientemente fallecido ex presidente Carlos Menem en 1991 hasta una balacera a la salida de unos estudios. La recuperación de este material personal de "Pino" es un hallazgo emotivo, transformándose en un justo tributo a quien obtuviera el mayor premio del Festival de Cannes por "Sur, el exilio de Gardel" en 1988. 

Vemos a un Solanas escribiendo guiones, que revisaba varias veces antes de cada escena, para luego recorrer futuros sets, así como dando indicaciones precisas y gestuales a los actores. 

Surge el verdadero "Pino", feliz por filmar, por marcar actuaciones, disfrutando de los diálogos de los protagonistas, o recuperando espacios abandonados para transformarlos en estudios. 

Hay que recordar enfáticamente el estreno de "La hora de los Hornos" en los 70, un documental que en aquellos años llamó mucho la atención. Aún no se "degustaba" la democracia y ese material recopilado por Solanas, que desnudaba lo que sabíamos, resultó extraño y perturbador en la pantalla grande. Solanas había tenido el valor de transformar injusticias reales en una denuncia cinematográfica. Esto marca el profundo sentido social de su cine, jamás opacado por su especial glamour, presente tanto en su elegancia en el vestir como en sus gestos. 

"Solanas en filmación" se basa en el rodaje de "El viaje" (1992) que el fotógrafo Marcos López registró. Curiosamente, tantas horas de filmación estuvieron perdidas durante décadas. El hallazgo permitió que Dolly Pussi y Enrique Muzio, junto al montajista Mario Berardi, lograran un interesante largometraje en homenaje a Solanas. Lo vemos en acción en el medio que amó, el cine, tomando de sus conocimientos como historietista el sentido de la crítica a través de la sátira. Inmejorable trabajo para recordar a un grande. 

Elsa Bragato 

RECOMENDACIONES DE NETFLIX 

L"ULTIMO PARADISO, de Rocco Ricciardulli. Música de Ferrandino y Ricciardulli. Con Riccardo Scamarcio, Gaia Bermani Amaral, Valentina Cervi, entre otros. Duración: 107 minutos. La historia se ubica en la Italia de los 50, rural, donde un impetuoso agricultor se enamora de la hija de un hacendado. El rol del galán está a cargo de Riccfardo Scamarcio que juega un doble papel, el propio de galán y el de su hermano que vive en la ciudad. En verdad la historia es una referencia directa el cine costumbrista italiano, una nostalgia que le impide crecer como drama quedando en el melodrama simplón. Por cierto, es entretenimiento, pero no el mejor. Más que regular. CP 

 

NOVEDADES DEL MUNDO, de Paul Greengrass. Música de James Newton Howard. Con Tom Hanks, Helena Zengel, Neil Sandilands, Elizabeth Marvel, Ray McKinnon, entre otros. Duración: 118 minutos. El traslado de una jovencita de 12 años hasta Texas, a 600 km de donde la encuentra el capitán Jefferson kyle Kidd (Tom Hanks), veterano de la Guerra Civil, se transforma en un infierno por los delincuentes que encuentra en esas vastas tierras, de generosa fotografía (el polaco Dariusz Wolski). Su tarea de reunir a los pueblos para leerles las novedades publicadas por los diarios se ve dificultada por la presencia de Johanna (la bella berlinesa Helena Zengel, de 12 años), de quien se hace cargo. El film nos recuerda a "Temple de acero" con Jeff Bridges, un tipo de western que muestra el lado humano de personajes que empuñan armas sin piedad. En el caso de Bridges, su lado flaco estaba en su brioso caballo. En el caso de Hanks, en el maletín con diarios y en esa pequeña niña cuya vida depende de él. Es un film atrapante, magnético por la presencia del gran Tom Hank para quien no hay rol chico o difícil. Es una película que, partiendo de una anécdota pequeña, gana el corazón, conmueve. Y se agradece.Se termina diciendo "qué bien que se filmó esta historia". Para ver sin dudar. EB 

 

TRIBUTO A LITO STANTIC, SALA L LUGONES, ONLINE 

El Ministerio de Cultura, a través del Complejo Teatral de Buenos Aires, y Cinemateca Argentina han organizado un ciclo denominado Lita Stantic, cineasta, qu se llevará a cabo a partir del jueves 25 de febrero en la plataforma del Ministerio de Cultura y la web del Complejo Teatral de Buenos Aires. El ciclo está integrado por cinco películas producidas por la realizadora y productora argentina Lita Stantic en diversas etapas de su extensa y rica carrera, e incluye títulos de María Luisa Bemberg, Lucrecia Martel, Pablo Reyero, Gustavo Fontán y la realizadora paraguaya Paz Encina. El programa se completa con el único largometraje dirigido por Stantic en 1993, la notable Un muro de silencio. Este ciclo online anticipa una futura retrospectiva presencial en la Sala Leopoldo Lugones, cuando las condiciones sanitarias lo permitan. Podrá accederse a las proyecciones de la Sala Leopoldo Lugones virtual en la plataforma del Ministerio de Cultura https://vivamoscultura.buenosaires.gob.ar/ y la web del Complejo Teatral de Buenos Aires https://complejoteatral.gob.ar/cine. Cada título estará disponible durante siete días. 

 

JUEVES 11 DE FEBRERO DEL 2021.- 

SELVA  

(Jueves y sábado en Cine.ar TV y desde el viernes, durante 7 días gratis, en Cine.ar Play) 

De Iñaqui Echeberría. Guion de luigi Serradori. Con Edgardo Castro, Joao Scholler, Víctor Laplace, entre otros. Duración: 82 minutos. 

XXX- FUERTE DENUNCIA CONTRA LA EXPLOTACIÓN 

Segundo film de Iñaqui Echeberría, afincado en Misiones, en la que encara la violencia que se ejerce sobre pueblos selváticos, hombres, mujeres y niños, por escuadrillas a manera de ejércitos de la muerte. Arrasan para limpiar los terrenos que utilizarán multinacionales. Con total crudeza, Echeberría desnuda a través de Selva, un niño de 13 años (magnífica actuación del Joao Scholler), no solo la brutal pérdida de la niñez sino el avasallamiento a las poblaciones por parte de sicarios que responden a multinacionales.  

El pequeño Joao es reclutado por el capitán Estanislao al frente de un grupo de violentos saqueadores. Y su niñez se transforma en un infierno. El mismo que viven las aldeas destruidas por este "ejército de la paz" que provoca dolor y muerte.  

La técnica de Iñaqui Echeberría es excelente, maneja con fluidez la narración, tiene la ayuda de la selva misionera que fotografía inmejorablemente desde cualquier ángulo. Pero menos es más, es decir, mostrar vejaciones y relaciones sexuales de todo tipo, además de consumo de drogas duras, con tanto detalle le quita mérito al planteo social perturbador. La narración cae en golpes bajos que inquietan en demasía no por un sentimiento hipócrita sino porque es mejor sugerir que mostrar. Lo "liso y llano", más que rebelar y movilizar, asquea. Si con esas secuencias Echeberría buscó repulsión, lo logró. 

Carlos Pierre 

ZOMBIES EN EL CAÑAVERAL 

Guionista, director y productor: Pablo Schembri. Documental. Fotografía de Guido de Palma. Música de Javier Ruiz. Con Mónica A. Falu, César Legname, Carlos Lizarraga, Luciano Saraacino, Isabel Sarli, Diego Trerotola, Roger Koza, Laura Casabe. Duración: 88 minutos. 

(Jueves y sábado en Cine.ar TV y desde el viernes, durante 7 días, en Cine.ar Play) 

XXXX- TUCUMÁN, CUNA DE LOS ZOMBIES  

En verdad, si alguien nos habla de la película "Zombies en el cañaveral" el gesto de extrañeza será la respuesta. Se pudo escuchar este título pero ver este film nacional de 1965, nadie lo logró. Se trata de una película que se realizó en la provincia de Tucumán bajo la dirección de Ofelio Linares Montt, un apasionado del cine, que se prestó para este documental sobre su película perdida, quemada, censurada por el gobierno de facto de Onganía, pero aplaudida en los Estados Unidos. Es una real antecesora de "La noche de los muertos vivos" que tres años más tarde lanzaba George A. Romero. Y todo indica que el suceso de sus zombies surgió de la idea del tucumano Linares Montt.  

La búsqueda de un inquieto investigador de cine, incesante, costosa porque tuvo que trasladarse a diferentes países, permitió que Ofelio Linares Montt volviese a sonreír en su Tucumán natal, hacia donde fueron las cámaras de Pablo Schembri. Cuenta cómo se hizo aquella película, cómo surgió en él la idea de estos monstruos luego de una estadía en New York, y el planteo social que conllevaba. Para algunos críticos, los zombies personifican a los obreros oprimidos que se transforman en fieras contra el sistema. Pero éste (el capitalismo, las multinacionales) gana siempre.  La película tiene mucho ritmo, fluye, y resulta muy interesante no solo para los cinéfilos sino para todos en general porque muestra cómo en épocas de gobiernos de facto, o sea de dictaduras, la verdad era distorsionada. El ejemplo más claro fue la "desaparición" de este film. Un detalle muy interesante es la aparición de Isabel Sarli contando cómo la censura llevaba a la cárcel a Armando Bo. Es que en nuestro país existió una terrible censura durante décadas: el cine nacional y extranjero pasaba por la mirada de un grupo de opresores que mandaban a "cortar" secuencias enteras. En el caso que nos atañe, directamente la película se "esfumó". Vale recordar que ni Montt ni su entusiasta productor Miranda sabían hacer cine pero lo hicieron, naciendo así el cine de género en el país y, tal como se infiere, en el mundo. 

La recomendamos, resulta muy esclarecedora, y nos ilustra sobre el daño de la censura a la cultura nacional.  

Elsa Bragato 

RECOMENDACIONES DE NETFLIX 

LA MADRE DEL BLUES, DE George C. Wolfe. Con Viola Davis, Chadwick Boseman, Glynn TurmaMan, Colman Domingo y Michael Potts entre otros. El film parte de la obra teatral Ma Rainey's Black Bottom fue de August Wilson, de 1982. Es una obra biográfica que narra un momento especial en la vida de la cantante Ma Rainey, fallecida en 1933. La acción se centra en un estudio de grabación de aquellos años del siglo XX, una sesión de jazz que será un hervidero de tensión. Sin perder la esencia teatral, se enriquece con las actuaciones de los dos protagonistas, Davis y el recordado Buseman (fallecido hace pocos meses atrás, cuando estaba por encarar nuevamente "Black Panther"), un verdadero choque de talentos. Es allí donde explotan las vanidades de la cantante y las inquietudes del trompetista, los egoísmos, las presiones de la discográfica, del manager que los contrató, las miserias personales, las veleidades de la diva afroamericana enfrentadas a las del trompetista. La atracción del film no está en lo visual sino en las actuaciones. El alma y la mirada del espectador van indefectiblemente sobre Viola Davis y Chadwick Boseman, hacedores de un film potente aunque en tono menor. Sin ampulosidad pero con grandiosidad actoral. E.B. 

 

BAJO CERO, de Lluis Quilez. Con Javier Gutiérrez, Marra Elejalde, Luis Callejo, entre otros. Netflix lleva a su plataforma una de las excelentes películas españolas de los últimos tiempos (destacamos La trinchera infinita). Cuenta el traslado de presos peligrosos en un furgón durante un largo trecho en plena tormenta de nieve. Algo sucede que cambia el rumbo inicial, aún encarcelados individualmente surgen las peleas a muerte, y los enfrentamientos que a algunos de ellos los ha llevado a la cárcel. El film es muy potente, fuerte, parece no haber brecha entre esas peleas, la sensación de claustrofobia es permanente. Un halo de luz permitirá cerrar cada historia personal en un guion que le dio oportunidad al desarrollo de los personajes. Son ellos los que arman la trama y no una trama salpicada de personajes.  Desde el punto de vista cinematográfico, es una realización magistral. A la altura están la dirección, la postproducción, las actuaciones. Plato fuerte" EB 

 

MANK, de David Fincher. Basada en textos de Jack Fincher, padre del realizador. Con Gary Oldman, Amanda Seyfried, Lily Collins, entre otros. Se trata de una biopic sobre el escritor Herman Mankiewics, apodado Mank, a quien se le atribuye ser el guionista de "El ciudadano Kane", el film de Orson Welles, considerado la mejor película de todos los tiempos. Hoy en día este juicio de valor habría que ponerlo en contexto... Dicho esto, asistimos a una realización soberbia en blanco y negro, con la excluyente actuación de Gary Oldman. Notable. Se lo ve en una cama, recuperándose de un problema óseo y dictándole a una secretaria dada por el estudio, la MGM, el guion de lo que llevaría a pantalla Orson Welles. La historia tiene un fluir interesante, aunque se detiene demasiado en secuencias donde cierta agilidad habría sido más que beneficiosa. Welles no aparece sino sobre el final, mostrándose como se dice que era: un joven de 24 años impetuoso y maleducado, arrollador, vehemente, sin mucha consideración por el prójimo. Mank, luego de furibundas discusiones con Welles, acepta compartir la factura del guion. Si analizamos la historia que presenta "El ciudadano Kane", basado en la vida del prepotente magnate de los medios William Randolph Hearst, sin duda fue escrita por un hombre que conocía la vida, algo que no ocurría con Orson Welles dada su juventud. La realización de la película de Fincher es excelsa, dirigida a un público mayor, capaz de tolerar algunas secuencias estupendas pero soporíferas. Añadimos que el guion, de Mank y Welles (decisión de Mank) recibió el Oscar en 1941 aunque la película no tuvo éxito de taquilla. (Nota de redacción: en 1973 la nieta de Hearst, Patty, fue secuestrada por un grupo de izquierda norteamericano. Exigieron donaciones para los barrios pobres de Los Angeles. En ese tiempo, Patty Hearst participó de un asalto al banco Hibernia de San Francisco, manifestando que se llamaba Tania, por la argentina Tamara Bunke que murió en Bolivia junto al Che Guevara. Fue capturada en 1975, condenada a 7 años de prisión. La pena fue conmutada por Jimmy Carter. Patty Hearst se enamoró del custodio casándose con él. Vive criando perros y haciendo beneficencia junto a dos hijos. Enviudó hace 7 años). EB 

 

JUEVES 4 DE FEBRERO DEL 2021.-

(En www.puentesdecine.com adquirir tickets 160 pesos, 24 horas de disponibilidad)

ELLA ES CRISTINA

Dirección y guion de Gonzalo Maza. Con Mariana Derderián, Paloma Salas, Roberto Farías, Néstor Cantillana, Daniela Castillo Toro, Alejandro Goic, Claudia Celedón. Fotografía de Benjamín Echazarreta, Música de Cristóbal Carvajal.

XXX- AMORES Y DESAMORES EN CLAVE SESENTISTA

El debut en el largometraje de Gonzalo Maza (reconocido por sus guiones) con "Ella es Cristina" cuenta con la producción de Salma Hayek, apoyando de esta manera al cine latinoamericano. Cristina es la protagonista de una historia de resiliencia tras un divorcio conflictivo contando con una amiga de toda la vida que tiene problemas con sus padres. La propuesta es lo que se ve, son las secuencias que están en pantalla, lamentándose la ausencia de desarrollo de los dos personajes protagónicos. Es decir, no hay profundidad psicológica sino narración de hechos en blanco y negro, muy nouvelle vague sesentista. La desazón de Cristina (Mariana Derderián) por su divorcio con Rubén (Néstor Cantillana) le deja depresión, o desazón profunda, que la llevará a tener muchas confusiones mientras su amiga del alma, Susana (Paloma Salas), enfrenta situaciones imprevistas con sus padres.

El quid de esta historia está en las buenas actuaciones del dúo protagónico, Mariana Derderián y Paloma Salas, airosas siempre. Maza no logra plasmar una relación entre la propuesta del título y la trama narrativa, pero sí una pintura de cierta clase social chilena con aspiraciones intelectuales que se trasuntan en una confusión existencial de la que las dos mujeres son fáciles presas.

Elsa Bragato

 

ESTRENOS EN CINE.AR PLAY 

 

AL TERCER DÍA 

(Jueves 4 en CineAr TV  y sábado también a las 20 horasy; desde el viernes, en Cine.ar Play) 

De Daniel de la Vega. Guion de Alberto Fasce y Gonzalo Ventura. Con Moro Anghileri, Diego Cremonesi, Gerardo Romano, Rodolfo Ranni, Arturo Bonín, Osmar Núñez, Lautaro Delgado Tymruk, Osvaldo Santoro, entre otros. Edición de M Blousson, D de la Vega y G Gatti. Efectos de Lionel Cornistein y J.G. Coñuel. Música de Luciano Onetti. Fotografía de Mariano Suárez. Vestuario de "La polilla". Duración: 85 minutos. 

 

XXXX- TERROR ARGENTO DE MUY BUENA FACTURA 

Daniel de La Vega presentó un nuevo trabajo dentro del género que maneja: el thriller, el terror, el horror. Se titula "Al tercer día", película basada en el libro homónimo de Gonzalo Ventura. Un gran elenco encabezado por Moro Anghileri da vida a una historia retorcida, compleja, donde el estar o el desaparecer, los rituales religiosos y esotéricos, recaen, conspiran, sobre la vida de una joven mujer y su hijo. "Cecilia" (Moro Anghileri) decide marcharse con su hijo, Martín, luego de una disputa con su ex marido, sale por una ruta oscura teniendo un brutal choque. Supuestamente al tercer día comienza a deambular cayendo en manos de seres extraños (desde el personaje de Gerardo Romano como "Enrique" - siniestro e impiadoso- hasta el gurú que compone Osmar Núñez). No encuentra a su hijo, iniciando una búsqueda desesperada. La visión del pequeño nos recuerda un film antológico, Venecia Rojo Schocking (1973), el impermeable con capucha de color rojo, las puertas que se abren y el pequeño que las cierra. Paralelamente, "Enrique" inicia brutales truculencias mientras la policía busca a madre e hijo a todo o nada (Osvaldo Santoro en el rol del comisario "Ventura" mientras que Rodolfo Ranni cumple una brevísima participación sustanciosa). Complejo argumento, que se enrarece a medida que avanza, planteando el horror ante lo desconocido y la propia visión en medio de circunstancias límites. Es decir, "Cecilia" se enfrenta a sí misma y a sus temores más ocultos. Cada personaje es autónomo pero la vida irá cerrando círculos y caminos para todos.  

Hay muy buenos efectos técnicos, como actuaciones valiosísimas. Tener a tantas figuras para roles pequeños es un alarde de producción que aplaudimos. El resultado es un film atrapante aunque retorcido, que pone los pelos de punta. Buen nivel para entretenerse pegando saltos en la butaca o el sofá del living. 

Elsa Bragato 

 

 

SECTOR VIP 

(Cinear TV a las 22 jueves y sábado, desde el viernes 5 en Cine.ar TV durante siete días) 

De Eduardo Pinto. Guion de Rodolfo Cela. Con Joaquín Berthold, Ana Celentano, Luis Machin, Martina Krasinsky, Gaby VAlenti, Carlos Portaluppi, entre otros. Fotografia de Federico Jacobi, Sonido de Assis Alcaraz Baxter,. Arte de Julieta Wagner, FX de David Alexander Vargas, Música de Claudio Miño. Duración: 105 minutos. 

XXX- VERDADES QUE ESTREMECEN 

Policial duro, "noir", de Eduardo Pinto es "Sector VIP" basado en hechos reales que muestran la otra cara de famosos boliches. La nocturnidad está puesta en tela de juicio. Mujeres jóvenes que se relacionan con presuntos productores artísticos terminan en la prostitución "vip". En esos sectores el peligro acecha: desde la generación de "fake news" hasta el consumo de drogas y el "enganche" de las jóvenes con hombres poderosos. Un círculo del que no se puede salir si la tentación es mayor que la conducta.  

Nada que no sepamos pero que se hacía necesario mostrar en una narración que va in crescendo, bien dosificada por el realizador Eduardo Pinto. Al comienzo, las pinceladas de realidad son ligeras. Luego gana en densidad dramática a través de entramados insospechados entre los protagonistas. Hay que destacar la tarea de la joven actriz Martina Krasinksy, la del ex jugador profesional de Hockey y buen actor Joaquín Berthold, así como la performance de Luis Machín, avezado actor con una generosa trayectoria jalonada de éxitos. Tres personajes cada uno de ellos buscando un destino dispar: solo uno maneja los hilos del resto, como titiritero de la vida y la muerte de unos y otros. Nadie es imprescindible. La extorsión (tan sutilmente común en muchos programas de televisión donde se ventilan asuntos personales de las celebrities) está a la orden del día, lográndose voluntades de periodistas y empresarios. El film tiene muchos puntos a su favor porque lo que se cuenta es moneda corriente en esa "nocturnidad" que tiene nombres y apellidos conocidos. La verosimilud de la historia estremece.  

Elsa Bragato 

 

RECOMENDACIONES DE NETFLIX 

 

LA EXCAVACIÓN, de Simon Stone. Con Ralph Fiennes, Carey Mulligan,k entre otros.Se basa en el descubrimiento de "Sutton Hoo", cercano a Ipswich, en 1939, pleno inicio de la Segunda Guerra Mundial, ingresando en ella Gran Bretaña.  Se basa en la novela de John Preston del 2007, y cuenta el hallazgo del llamado "cementerio Sutton Hoo" que permitió darle sustento a la edad media anglosajona, de la que no se tenía datos. La realización es perfecta, minuciosa, morosa y profunda a la vez, rica en la pintura de época. Incluso, tanto el autor del libro como el director van más allá del notable descubrimiento debido a la intuición de la protagonista: hay un planteo existencial, con proyección para las generaciones futuras que deja un buen mensaje social. Excelente. EB 

 

 

OPERACIÓN FINAL de Crhis Weitz. Con Ben Kingsley, Oscar Isaac, Melanie Laurent, entre otros. La película se basa en la captura del asesino nazi Adolf Eichmann, jerarca mano derecha de Hittler que diseñó la captura, traslado y asesinato en los campos de concentración alemanes. Fue la mano derecha de Hitler y logró escapar a la Argentina con ayuda de la Cruz Roja y del Vaticano utilizando un pasaporte falso bajo el nombre de Ricardo Klement. Vivía en el San Fernando. Tuvo varios hijos y el mayor, de novio con una vecina, participó con ella de una reunión neonazi que fue el principio del fin de Eichmann. El Mossad confirmó de quien se trataba e inició el operativo "captura" de inmediato, aún violando la soberanía argentina. Ben Kingsley compone a un Eichmann notable, muy cercado en sus gestos al que la sociedad argentina conoció a través de filmaciones durante el gobierno del presidente Arturo Frondizi, en 1960. El film comenzó a rodarse en nuestro país en 2017, tiene una reconstrucción de época excelente retratando en detalle la captura del criminal nazi que estremeció al mundo por su crueldad. EB  

 

 

 

MANUEL ANTIN EN FOCO 

EN ESTAS PELÍCULAS 

  

LA CIFRA IMPAR (Argentina, 1962. 85 min. Ficción) 

Guion: Manuel Antin y Antonio Ripoll, según el cuento "Cartas de mamá", de Julio Cortázar 

Elenco: Lautaro Murúa, María Rosa Gallo, Sergio Renán, Milagros de la Vega, Maurice Jouvet 

Asoc. De Cronistas Cinematográficos de la Argentina - Cóndor de Plata 1963 al Mejor Director, Mejor Actor (Lautaro Murúa), Mejor Actriz de Reparto (Milagros de la Vega) 

  

INTIMIDAD DE LOS PARQUES (Argentina/Perú, 1965. 65 min. Ficción) Con Ffancisco Rabal y Dora Baret.  

CIRCE (Argentina, 1964. 80 min. Ficción) 

Elenco: Graciela Borges, Alberto Argibay, Walter Vidarte, Sergio Renán, Lydia Lamaison, Beatriz Matar 

Festival Internacional de Cine de Berlín, 1964: Nominada al Oso de Oro 

  

DON SEGUNDO SOMBRA (Argentina, 1969. 105 min. Ficción) 

Guion: Manuel Antin según la novela de Ricardo Güiraldes 

Elenco: Adolfo Güiraldes, Héctor Alterio, Alejandra Boero, Lito Cruz, Juan Carlos Gené, Juan Carlos Galván, Soledad Silveyra. Asoc. De Cronistas Cinematográficos de la Argentina - Cóndor de Plata 1965 a la Mejor Película 

Festival de Cine de Cannes, 1970 – Nominada a la Palma de Oro 

  

CASTIGO AL TRAIDOR (Argentina, 1966. 70 min. Ficción) 

Guion: Andrés Lizarraga y Manuel Antin según el cuento "Encuentro con el traidor", de Augusto Roa Bastos 

Elenco: Sergio Renán, Marcela López Rey, Miguel Ligero, Jorge Barreiro, Eva Dongé. Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, 1966 – Nominada a Mejor Película en la Competencia Internacional 

  

JUAN MANUEL DE ROSAS (Argentina, 1972. 120 min. Ficción) 

Guion: José María Rosa y Manuel Antin 

Elenco: Rodolfo Bebán, Sergio Renán, Añberto Argibay, José María Gutiérrez, Miryan de Raider, Ricardo Passano, Onofre Lovero, Pedro Aleandro, Silvia Legrand, Jorge Barreiro, Aldo Barbero 

  

LA SARTEN POR EL MANGO (Argentina, 1972. 85 min. Ficción) 

Guion: Manuel Antin según obra teatral de Javier Portales 

Elenco: Claudio García Satur, Víctor Laplace, Ana María Picchio, Alberto Argibay, Dorys del Valle, Betiana Blum, Enrique Liporace, 

  

LA INVITACION (Argentina, 1982. 85 min. Ficción) 

Guion: Rodolfo Mórtola, Gustavo Bossert y Manuel Antin, sobre la novela homónima de Beatriz Guido 

Elenco: Rodolfo Bebán, Graciela Alfano, Pepe Soriano, Ulises Dumont, Elida Gay Palmer, Boy Olmi, China Zorrilla 

Asoc. De Cronistas Cinematográficos de la Argentina - Cóndor de Plata 1983 a la Mejor Fotografía (Alberto Basail) 

  

ALLA LEJOS Y HACE TIEMPO (Argentina, 1978. 119 min. Ficción) 

Guion: Mario Reynoso según la novela homónima de Guillermo Enrique Hudson 

Elenco: Juan José Camero, Gianni Lunadei, Leonor Manso, Dora Baret, Walter Santa Ana, Osvaldo Terranova, Susú Pecoraro, Rita Terranova
  

LOS VENERABLES TODOS (Argentina, 1963. 85 min. Ficción) 

Guion: Manuel Antín, sobre la novela de su autoría. 

Elenco: Walter Vidarte, Lautaro Murúa, Fernanda Mistral, Leonardo Favio, Maurice Jouvet, Beto Gianola, Raúl Parini 

Festival de Cannes, 1963 – Nominada a la Palma de Oro 

 

JUEVES 28 DE ENERO DEL 2021.- 

 

UNA TUMBA PARA TRES 

De Mariano Cattaneo. Con Diego Cremonesi, Daniel Pachecho, Damián Salomón, Chucho Fernández, Hernán Márquez, Mónica Villa, Gerardo Romano, entre otros. Duración: 78 minutos. 

XXX- TIROS A MANSALVA EN POLICIAL BIEN "ARGENTO" 

Mariano Cattaneo encara "una de tiros" con sabor argentino, aunque sobrevuele algo del western hollywoodense y tarantinesco. Mérito notable es ese humor porteño que transforma el error fatal de tres matones de cuarta en una tragicomedia, para muchos un cine Clase B que se ve, a no dudarlo, como Clase A.  

Al no cumplir con el objetivo que el jefe Roselli (Chucho Fernández) de la banda les dio, "Víctor" (Diego Cremonesi), "Juan" (Daniel Pacheco) y "Manuel" (Demián Salomón), intentan limpiar la escena, pero todo se complica por una vecina comedida (Mónica Villa) y el comisario de la zona (Gerardo Romano). 

Droga, tiros a mansalva, extraño gurú con gran poder, transitan la narración que oscila entre la escatología sanguinolenta y el humor intrínseco virando, aun dentro del policial denso, a la comedia.  

Mónica Villa deja huella aun en un rol pequeño pero sustancial, mientras que Gerardo Romano retoma la composición de un personaje duro e implacable, una característica de muchos de sus trabajos tanto en televisión como en cine. El resultado de esta producción de Mariano Cattaneo es bueno, potente, contando con una fotografía clara, limpia, para una historia que fluye en medio de tiros y situaciones pintorescas, lineal y efectiva. 

Truculencias, buenos efectos técnicos, visiones, jalonan además esta propuesta policial "argenta" que resulta atractiva y simpática a la vez. 

Elsa Bragato 

 

BUITRES, LA CARA SALVAJE DEL CAPITALISMO 

Documental de Mariano Mucci. Con Locución de Joe Goldman. Duración: 72 minutos. 

 

XXXX- ARGENTINA, "COBAYO" DE LOS BUITRES 

Más que bienvenido resulta Mariano Mucci con el documental "Buitres, la cara salvaje del capitalismo", marcando el camino que iniciara el recordado Pino Solanas hace varias décadas con "La hora de los hornos". En "Buitres..." a través de Joe Goldman, periodista norteamericano radicado en el país hace 30 años y staff de ABC News, Mucci muestra el inicio y el recorrido de nuestro endeudamiento, así como la otra cara de la presidencia de Mauricio Macri, basada en la manipulación de medios con la ayuda del padre de los buitres, Paul Singer, además de explicar el surgimiento de éstos en los 80 de la mano de Ronald Reagan y Margaret Thatcher.  

Joe Goldman, con su voz en off, entrevistó a Martín Guzmán, Axel Kicillof, Rafael Correa, Greg Palast y Adrián Paenza, entre otros. Pone en la picota a su propio país de origen por su justicia "republicana" con el ejemplo del ex juez Thomas Griesa, siempre a favor de los "buitres", así como el insólito surgimiento de los paraísos financieros como "Delaware" a espaldas de los propios ciudadanos norteamericanos. 

Nos redescubre el origen venal de la señal Bloomberg con el reportaje a Paul Singer, mientras el mismo Goldman participa de movilizaciones intentando captar la esencia de los reclamos populares y, al mismo tiempo, la indiferencia de los "Singer" del mundo para quienes no existen los otros sino ellos mismos.  

Es un paseo traumático sobre los problemas financieros del país y las nefastas consecuencias en todos nosotros, aunque no menos necesario para saber con certeza de que hemos sigo elegidos como cobayos de múltiples experiencias de los ricos del mundo. Lamentable pero real.  

Elsa Bragato 

 

RECOMENDACIONES EN NETFLIX 

 

YA NO ESTOY AQUÍ, de Fernando Frías de La Parra, México. 

 

El realizador mexicano La Parra sigue la vida de Ulises, un joven adolescente de Monterrey, México, que vive en barrios carenciados. La zona se divide en bandas que se enfrentan a punta de pistola, que tienen un lenguaje localista inentendible y que se reúnen de noche para bailar cumbia "Kolombiana", caracterizada por ser muy lenta, de caderas cadenciosas y pisadas fuertes. La huida de Ulises a New York le salva la vida. Pero no es fácil vivir en Brooklyn, menos aún desconociendo el idioma. 

Hay varios planteos en la narración de La Parra: en primer lugar, realiza una pintura de cierta adolescencia de América Central donde los padres están ausentes. En este  cuadro, detallista por demás, La Parra muestra, no juzga, y plantea las desigualdades que anidan en el corazón de muchos de nuestros países. No se puede generalizar opinando que se trata de los jóvenes de América Latina porque, en verdad, desde esta parte del mundo nunca se pudo viajar en masa hacia los Estados Unidos. Pero sí desde algunos países de América Central y, en especial, de México. Es por eso que al norteamericano se le hace muy difícil entender que, más al Sur de la línea del Ecuador, estas bandas que asolan mayoritariamente a algunas sociedades son una minoría, producto de factores socioculturales de diferente raíz. A la Argentina, por ejemplo, casi ni el gaucho nos queda. 

Elsa Bragato 

 

NADIE SABE QUE ESTOY AQUÍ, de Gaspar Antillo, Chile. 

 

Entre las producciones latinoamericanas que se encuentran en Netflix, sin duda esta producción chilena, surgida de los Larraín, es la que más nos llegó al corazón. La historia de Memo Garrido, un niño de maravillosa voz pero una obesidad que estallará en su adultez, y el robo de su identidad con consentimiento de su padre por razones económicas, atrapa y pone sobre el tapete la valoración de los talentos y el daño que los padres pueden hacer en la mente y el cuerpo de sus hijos al obligarlos a ser aquello para lo que no nacieron. No se puede contar mucho más de este film en el que la música y el respeto por el otro son sus pilares. Lo recomendamos fervientemente. El título es un gran acierto: nadie sabe quién es ese joven obseo que descuera ovejas. Agregamos que trabaja nuestro Gastón Pauls, muy ligado a la cinematografía de los Larraín, en un papel breve pero esencial. 

 

Elsa Bragato 

 

CANCIÓN SIN NOMBRE, De Melina León, Perú 

 

Alguien dijo que este film en blanco y negro, con imágenes tratadas hacia el pastel, borrosas a veces, es imperfecto pero bello a la vez. Sin duda, Melina León lo consiguió. Toma el caso de Georgina Condori, música andina, cantora, cuya hija le es arrebatada inmediatamente luego del parto. El deambular de su pareja y ella, sacada de la camilla a poco de dar a luz, se transforma en un canto de dolor desgarrador a lo largo de los 93 minutos. Como en el caso de La Parra en "Ya no estoy aquí", hay un disfrute en las escenas de bailes y danzas tribales o populares en exceso. Falta, por cierto, ese toque profesional que permite "airear" la narración audiovisual con tomas de diferente índole logrando en la síntesis el mejor relato. No obstante estas imperfecciones, hay mucha belleza de la mano de Melina LEón, que no atina a dar desarrollo a su Georgina, pero que la arropa con una estética en un blanco y negro misterioso. Muy interesante. Gran camino para León. 

Elsa Bragato 

 

ADÚ, de Salvador Calvo, España. Nominada a 14 premios César. Con Luis Tosar y Moustapha Oumarou como Adú, dos pilares de esta historia. 

 

Salvador Calvo encaró tres historias que corren paralelas en envergadura para conformar una narración vibrante, compleja, envolvente, con una fotografía excelsa. Lo épico radica en los tres grupos protagónicos: el de los africanos que llegan hasta las vallas de contención de España, saltándoles y algunos muriendo en el intento por la represión; el caso del español encargado de una ONG que defiende a los elefantes –en vías de extinción- de los cazadores furtivos si bien no siempre lo logra (la escena es desgarradora), y el caso de una jovencita que es enviada junto a su hermanito menor, Adú, a París creyendo que todo está pago. Cada grupo humano enfrenta su propia epopeya,  con salvación, frustración, mentira, desilusiones, pérdidas irreparables, sentido de supervivencia. Se va hilvanando un perturbador entramado de hechos en los que los sentimientos tienen mucho que ver. 

Fotografía, actuaciones, planteos narrativos, confluyen en la necesidad de llegar a España por diferentes motivos. Hay un peso pesado de la actuación como Luis Tosar en un rol diferente mientras que el pequeño Adú tiene una actuación soberbia con sus escasos años de edad, de ésas que hacen llorar al alma. A veces son minutos, otras son segundos. El arte es un toque. Y esta película de Calvo logra eso, toques de arte cinematográfico en varios rubros. Tal vez no en todos. 

Elsa Bragato 

 

JUEVES 21 DE ENERO DEL 2021.- 

Para el próximo jueves, ofreceremos comentarios de los films "Canción sin nombre" y "Adú" (ambas en Netflix), nominada a 14 premios Goya. 

La apertura de cines en CABA aún debe esperar que se ultimen detalles de las condiciones anti Covid 19. En la provincia de Córdoba, se abrieron algunas de ellas. Los grandes tanques anunciados por las "Majors" recién se estrenarán cuando las salas sean autorizadas. Todo está bajo estudio. 

 

LA NOCHE MÁS LARGA 

(Estreno en la provincia de Córdoba. No hay aún fecha para CABA) 

De Moroco Colman. Protagonizada por Daniel Aráoz, ganador del premio al mejor actor en el festival de Odeburg, Alemania, por este rol. La historia se basa en los crímenes de Marcelo Sajen, un asesino serial. Hechos reales. 

 

LOS TIBURONES 

(Se estrena en Puentesdecine.com, ir a Sala Virtual)
 

Guion y dirección de Lucía Garibaldi. Con Romina Betancur, Fabián Arenillas, Antonella Aquistapache, Valeria Lois, Federico Morosini. Fotografía de Germán Nocella. Música de Fabrizioi Rossi y Miguel Recalde. Duración: 83 minutos. Coproducción Uruguay, Argentina y España. 

 

XXX- RETRATO DE UNA ADOLESCENTE
 

Lucía Garibaldi construye una historia lánguida sobre un momento especial en la vida de ""Rosina" (Romina Betancur), quien ayuda a su padre a recomponer jardines y casas en un balneario del Uruguay durante el verano. Con una estructura narrativa fluida y muy buena fotografía, Garibaldi ubica a su protagonista en el centro de su propuesta: tres elementos serán puntuales en el desarrollo de conflictos y secuencias, desde una perra embarazada, su propio despertar sexual y la aleta de un tiburón que alertará a toda la población. 

La costa uruguaya, más bucólica que cansina, está muy bien reflejada en Rosina y su entorno, en esas tardes calurosas que se resuelven entre las dunas de playas alejadas del centro, los bosques aledaños y los jardines de los chalets, fantasmales testigos de todo cuanto acontece. 

Las elucubraciones de Rosina a sus 14 años, cuya mirada fija habla más que sus escasos diálogos, hasta la receptividad del poblador local son retratados con habilidad por el fotógrafo Germán Nocella y la propia realizadora Garibaldi. Se logra una historia honesta, y sencilla a la vez, dentro de un tono menor que descarta las altisonancias. Rosina y su mirada constituyen los atractivos centrales de esta propuesta con estilo particular, que hace honor a las peculiaridades del cine uruguayo. 

Elsa Bragato 

 

CINE CLUB NÚCLEO 

Desde comienzos de la pandemia ofrece Cine Online, o por streaming, y se sea socio o no, se puede acceder a las películas que se ofrecen. Solo hay que ir hasta www.cineclubnucleo.com.ar donde aparecen las películas y las contraseñas. 

 

"¿DÓNDE ESTÁ ELLA?" 

De Guillaume Senez. Con Romain 

 Duris, Basile Granberger, Lena Girar Voss, Lucel Debay, Laure Calamy, Laetitia Doseh, Sarah Le Picard, Dominique Valadié. 

 

XXX- MELODRAMA FAMILIAR 

 

Este reestreno que ofrece Cine Club Núcleo nos presenta la segunda película del belga Guillaume Senez atravesada por la crisis laboral europea y el creciente empoderamiento femenino que deja a "Olivier" (notable Romain Duris) a cargo de sus dos hijos pequeños. En verdad, se trata de un planteo socio-político en el que se ponen sobre el tapete el lugar del trabajo, las exigencias patronales insensibles, el mantenimiento del hogar, la presencia de los padres en la educación de los hijos, la relación matrimonial, entre muchos otros tópicos. 

A Olivier le faltará, de la noche a la mañana, su esposa. Y serán las mujeres de la familia quienes le hagan el soporte espiritual y material para que pueda sobrellevar su nueva realidad. Está el vacío de la esposa y madre. Y en ese hueco material y espiritual deben acomodarse padre e hijos, mientras la familia ayudará sin entrometerse ni juzgar. En todo caso, la respuesta la tiene el tiempo. Como en nuestro presente, más preguntas que respuestas. CP 

 

PREMIOS GOYA Y PREMIOS OSCAR 

En varias plataformas se pueden ver con antelación las películas que están nominadas a ambos premios. En el caso de los premios Goya, en Netflix se encuentra la española Adú que logró 14 nominaciones. Mientras que, para Mejores Películas Extranjeras, se encuentran algunas de las ya presentadas a los Oscar tales como Canción sin nombre, Ya no estoy aquí, Nadie sabe dónde está. 

 

 

JUEVES 14 DE ENERO DEL 2021.- 

 

MILAGRO, LA PELÍCULA 

 

De Cynthia García y Martín Adorno. 

Reestreno del documental sobre la dirigente social. Se realizó en el 2018. Al cumplirse cinco años de su detención se reestrena en Cine.ar Play.   


CAMPUSANO EN FOCO 

 Durante todo el mes de enero se podrá ver la siguiente selección de la rica filmografía de José Campusano, uno de los referentes del cine realista nacional de las dos últimas décadas. 

  1. Placer y Martirio, ficción 
  2. El perro Molina, ficción 
  3. El Azote, ficción 
  4. Fango, ficción 
  5. Vil Romance, ficción 
  6. Vikingo, ficción 
  7. El sacrificio de Nehuen Puyelli, ficción 

 

RECOMENDACIONES EN NETFLIX 

Dentro de los recientes estrenos de la plataforma Netflix está "Mosul", del género bélico, fuerte ficción basada en hechos reales. Se trata de un comando que debe buscar a sus respectivas familias mientras enfrentan, en la destruida ciudad de Mosul, a grupos terroristas de ISIS. Hay escenas muy sangrientas, muy reales, y, en algún sentido, es una historia similar a "Rescatando al Soldado Ryan" si bien no tiene esas fiorituras narrativas propias de Hollywood. En el caso de Mosul, todo es directo, brutal, explosivo.
  


 

 

JUEVES 7 DE ENERO DEL 2021.- 

Dada la pandemia de Covid 19, el panorama del cine nacional e internacional sigue siendo virtual, una modalidad que no logra convencer por ser una industria que requiere mucha inversión. Sin embargo, pensamos que bien puede mejorarse la implementación online entre gratuidad y cine pago.  

Dentro de este marco, el INCAA no propuso estrenos nacionales en su sitio Cine.ar Play, online y gratuito. Y, en cambio, el único estreno de la semana es el documental "Rocanrol Cowboys", sobre Los Ratones Paranoicos, de Alejandro Ruax y Ramiro Martínez, en la plataforma Netflix, que es paga. 

A su vez, la plataforma Cont.ar, gratuita, estrena la serie documental "La huella en la imagen. Historias de la fotografía argentina en el siglo XIX", a cargo de Darío Schvarzstein. 

En Netflix, la plataforma más conocida y común, hay varios films interesantes como Mosul, Baile, y Cielo de Medianoche, producida, dirigida y actuada por George Clooney, un film sobre un futuro distópico, un hombre y un niño que alertan a una nave que descienda en la Tierra, destruida. El film es profundamente triste, agnóstico, y bastante deshilvanado en su trama. No obstante, es una alternativa. 

 

JUEVES 31 DE DICIEMBRE DEL 2020.- 

 

BUENAS NOCHES MALVINAS 

De Ana Fraile y Lucas Scavino. Con familia Bustos. Voz en off de rafael Spregelburd. Duración: 66 minutos. 

XXX- INTENTO DE EXORCISAR UN PROFUNDO DOLOR SOCIAL 

El cine de fin de año se presenta con este documental performático que intenta redescubrir las heridas subsistentes en nuestra sociedad por la Guerra de Malvinas. Silenciosas, pero reales. Desde el 2011 los dos realizadores tomaron contacto con la familia Bustos cuyo hijo Fabián, que era conscripto, fue llevado a la guerra sin mayor aviso. Sus padres y sus dos hermanos redescubren el dolor que tienen e intentan rehacer el camino de Fabián Bustos en sus corazones, en sus vidas y hasta en Malvinas. Es una performer porque se trabajó con la palabra de padres y hermanos, imágenes de Malvinas, y un grupo teatral que intenta expresar el dolor de los familiares de Fabián. Cada cual frente al otro. Son los Bustos los que ven a ese elenco vestido de negro darle sentido dramático, desde el punto de vista teatral, a la angustia que jamás perderán, la culpa que alguno de sus miembros sienten, el libro del conscripto sobre su experiencia, y esos caminos helados con vientos cortantes de Malvinas que uno de ellos se anima a recorrer. 

Es una puesta interesante. Con un target de público definido y dividido en dos secciones etáreas: los jóvenes y los adultos, los primeros por comprender desde siempre el significado de una guerra absurda que terminó con la vida de cientos de sus pares, y los mayores porque en esa isla quedaron hijos, nietos, sobrinos, seres queridos a los que no volvieron a ver. Interesante. Diferente. 

Elsa Bragato 

 

LA HERIDA Y EL CUCHILLO 

(Notas para una película sobre García Wehbi) 

Documental de Miguel Zeballos. Con Emilio García Wehbi. Duración: 74 minutos. 

XXX- GARCÍA WEHBI, ARTISTA DISRUPTIVO 

Como curiosidad, apuntamos que este último jueves del 2020 se ofrecen en Cine.ar Play, desde el viernes y durante 7 días, dos documentales performáticos. Una coincidencia poco común. 

En el caso de "La herida y el cuchillo", Miguel Zeballos trabajó durante un buen tiempo recabando imágenes de las preproducciones de García Wehbi, artista disruptivo, experimentador nato, para quien el cuerpo humano es eje de las situaciones teatrales. Hay falta de coherencia en el material presentado, se va de un ensayo musical a las partes pudendas de algunos actores; sin embargo, es la esencia de esta narración el ir y venir por lo menos previsible según el propio Zeballos. Tenía muchas secuencias archivadas hasta que logró organizarlas de alguna manera a fin de que confluyeran con la idea del cuerpo humano y su utilidad o adecuación a la dramaturgia. Sería esto último lo que da unidad conceptual a un documental muy diferente, performático, orientado a un target muy restringido: un público ávido de experiencias constantes sin que haya una historia que las sostenga, más que el denominador común que da el autor de las mismas, García Wehbi. 

EB-CP 

 

JUEVES 24 DE DICIEMBRE DEL 2020.-
 
EMILIA
 

Dirección y guion: César Sodero. Con Sofía Palomino, Nina Dziembrowski, Claudia Cantero, Ezequiel Díaz, Fernando Contigiani, Jorge Sesán, Camila Peralta, entre otros. Director de Fotografía: Pigu Gómez. Montaje: Sebastián Schjaer. Música: Mariana Debenedetti. Duración: 97 minutos. 

XXX-REVIVIENDO EL PASADO 

"Emilia" es ópera prima del rionegrino César Sodero. La filmó en Sierra Grande, un pueblo de Río Negro, volcando su propio encuentro con la vida, si bien tomó la licencia literaria de transferir su propio rol a un personaje femenino, Emilia (Sofía Palomino). 

Nuestra protagonista rompe su relación con Ana, decide instalarse en la casa de su madre y logra trabajo como profesora de escuela.  Está perturbada por la reciente ruptura amorosa, a tal punto que opta por dar rienda suelta a su instinto carnal, esencialmente libertino e incontrolable, seduciendo al esposo de su mejor amiga. Además, se reencuentra con el pasado que desechó, al que enfrenta a partir de su quebranto amoroso. El paisaje patagónico acompaña a Emilia, desde la playa hasta la gente común, estática, previsible, chata, que choca con el espíritu de la joven.  

La realización se destaca por la fotografía, a través de una cámara que expresa, por momentos, más que la historia en sí: es muy eficaz Pigu Gómez en su trabajo. Compite mano a mano con la protagonista y, en varias oportunidades, le gana. 

Es una despareja incursión en el largometraje de César Sodero, aunque deja mojones muy interesantes que, sin duda, irá desarrollando a medida que avance en este camino, elegido a partir de sus 17 años, cuando viajó a Buenos Aires y conoció la Sala Leopoldo Lugones y muy especial programación cinematográfica. El Derecho perdió a un abogado y el cine nacional ganó un realizador con futuro asegurado.  

Carlos Pierre 

 

LA CASA DE PALOS 

De Sebastián Sarquis. Guion de Ignacio Vega. Con Adrián Navarro, Omar Fanucchi, Moro Anghileri, Facundo Navarro, Uma Germán, Charly Arzulián. Fotografía de Fernando Marticorena. Vestuario de Gabriela González. Edición de Rafael Menéndez. Sonido y Música de Pablo Salo. Duración: 91 minutos. 

XXX- LICÁNTROPOS EN PUGNA 

Sebastián Sarquís presenta su cuarto largometraje "La casa de Palos" trabajando el género fantástico, no muy frecuentado en nuestra cinematografía. Recordemos que Sarquís viene de realizar títulos interesantes como "El mal del Sauce", "Yarará" e "Introducción para la poligamia". 

El guion de "La casa..." se basa en dos clanes de hombres lobos. Uno es consciente de lo que es, el otro debe aceptarlo aún, y es éste el quid de una fábula con mucho misterio.  

La casa de Palos está usurpada por Omar (Adrián Navarro) y su familia: su mujer Llora (Anghileri) y sus hijos Cirilo (Facundo Navarro) y Rufina (Uma Germán), junto a la fuerte figura del abuelo encarnado por Omar Fanucci (a quien está dedicada la película a raíz de su deceso en julio de este año). Dos escenarios sirven de sostén a los personajes: el interior de la casa, donde la familia intenta resguardarse del "virus" del hombre lobo, y el bosque que la rodea, donde están los peligros. Una mujer, un murciélago y un perro desatan una historia atávica de licantropía. 

Por sobre los detalles está la creación de una atmósfera fantástica, que hilvana las reacciones de unos y otros, tanto dentro de la casa, donde se genera un mundo claustrofóbico especial, como en el bosque. El miedo sostiene una vida familiar diferente, miedo por sí mismos y miedo por el afuera. 

Aciertos valiosos dentro de una narración que le escapa a las convenciones al utilizarlas en forma dosificada caracterizan esta interesante propuesta de Sarquís, que se puede ver en Cine.ar TV hoy y el sábado, y desde mañana 26 en Cine.ar Play durante siete días en forma gratuita. 

Carlos Pierre 

 

ESTRENO EN "PUENTES DE CINE" 

¿Dónde ver "Chuva é Cantoria na Aldeia dos Mortos"? Ingresando en "SALA DE CINE VIRTUAL", dentro de la web http://www.puentesdecine.com 

🔴 A partir del Jueves 24 de Diciembre del 2020 

🔴 En el HOME del CINE VIRTUAL, clickeando en el film y luego en ver película, el espectador debe registrarse con su usuario de la plataforma. 

🔴 El pago de la entrada de $ 160.- se hace vía Mercado Pago, tarjeta de débito o crédito. 

 

CHUVA É CANTORIA NA ALDEIA DOS MOROS 

De Joao Salaviza y Renée Nader Messora. Guion de Salaviza y Nader. Fotografía de Renée Nader. Edición de Joao Salaviza, Edgar Feidman, Renée Nader. Sonido de Pablo Lamar. Con Henrique Ihjac Kraho, Raene Koto Krahó. Idiomas: krahó y Portugués. Duración: 114 minutos. Coproducción Brasil y Portugal. 

XXXX- CRECER DE GOLPE 

La brasileña Renée Nader Messora y su pareja, el realizador portugués Joao Salaviza, se instalaron en el estado de Tocantins, Brasil, en el paraje denominado Pedra Branca, donde vive la comunidad indígena Krahó. Con un hábil manejo de la realidad y la poesía, logran un retrato inusual de cómo viven en tan lejanos lugares selváticos los integrantes de una comunidad indígena. El elenco está formado por los lugareños, siendo su protagonista el joven Ihjac, de 15 años, casado y padre de un hijo, al que lleva a cuestas acompañado por su joven esposa a través de un largo recorrido. La muerte de su padre lo inquieta, escucha su voz cuando se acerca a las caídas de agua, recordándole que aún no le realizó la ceremonia con la que lo dejará ir hacia la Aldea de los Muertos, pero debe aceptar, primero, que ya no está. He aquí el centro de una historia de amor filial diferente, que nos cuentan en casi dos horas de narración, divididas por el viaje de Ihjac a un hospital de la ciudad más cercana. 

Es muy rica, preciosista, la fotografía de Renée Nader Messora que va desde las tomas semisecuenciales hasta los primeros planos. Junto a su pareja, Joao Salaviza, escapa a la vulgar búsqueda de lo exótico basada en una mirada extravagante que el primer mundo (SIC) tiene sobre nuestras poblaciones autóctonas. Rostros cetrinos, ojos achinados y cabellos renegridos, perfectas proporciones, extrañamente bellos nos transportan a una historia con protagonistas y paisajes diferentes, aunque los sentimientos son los mismos, lloremos a nuestros seres queridos en una iglesia o cerremos sus ciclos de vida con una ceremonia de troncos.  

Elsa Bragato 

 

 

JUEVES 17 DE DICIEMBRE DEL 2O20.- 

 

ENCONTRADOS 

De Diego Musiak. Con Nacho Gadano, Rocío Igarzábal, Nahuel Monasterio, Matías Desiderio, Pedro Tolchinsky, Daiana Povenzano. Fotografía de Ricardo de Angelis, Sonido de Esteban del Río, Montaje de Diego Musiak y Juan Pablo Copelo, Arte de Paloma Fernández Melul. Vestuario de Alejandra Musi. Make up de Patricia Julio. Música de Kevin Mac Leod Kai Engel, Duración: 90 minutos.

 

XXXXX- DIFÍCIL ENCUENTRO ENTRE PADRE E HIJO 

La vida centrada en lo material es el eje de un hombre que se olvidó de ser padre, Oscar (Nacho Gadano). Una novia linda y joven. Malva (Rocío Igarzábal), un tríplex espectacular en la zona norte de la capital con una piscina cuyas aguas parecen fundirse en el horizonte, y una vinacoteca, son sus placeres. Los objetos y la cosificación del otro, la falta de compromiso afectivo, trabajar al límite de lo ético, conforman el día a día de Oscar. Hasta que aparece su hijo adolescente, Franco (Nahuel Monasterio), quien socavará la pétrea indiferencia de su padre. 

La narración de Diego Musiak es secuencia a secuencia, por lo que una primera parte es excesivamente bucólica, perdiéndose potencia en el relato aunque su nudo explota sobre el final. Es allí donde los personajes desenmascaran sus frustraciones, sus errores y sus profundos dramas. Queda muy en claro que olvidarse de los sentimientos no le conviene a nadie, ni aun queriendo hacerlo. La complejidad narrativa aparece cuando surge el tema etario: los más jóvenes frente a los mayores y la falta de comprensión de unos y otros sobre ciertas pautas de vida.  

El marco es una muy interesante fotografía, como las actuaciones son buenas, creíbles, destacándose Nahuel Monasterio (El kiosco), prácticamente un protagónico, cuyo personaje irrumple en la vida de Oscar y su entorno, si bien Diego Musiak condujo una historia coral. Por otra parte, hay algunas secuencias previsibles que podrían haberse suprimido. Menos es más, siempre. 

Elsa Bragato 

 

ÁMBAR 

Dirección: Esteban Ramírez. Guion: Esteban Ramírez, Agustina Liendo. Con Freddy Viquez, Jorge Marrale, Paula Sartor, entre otros. Director de Fotografía: Sebastián Gallo. Montaje: Alberto Ponce. Música: Bernal Villegas. Duración: 83 minutos. Coproducción Costa Rica-Argentina. 

XXXXX- INTENSO POLICIAL 

Este es el quinto largometraje del joven realizador costarricense Esteban Ramírez: en "Ámbar" apunta al policial utilizando los tópicos inherentes al género. Se basa en un padre muy joven y, por consiguiente inexperto, que abandona a su pequeña hija, tema recurrente entre las relaciones humanas. 

Helmut (Freddy Viquez) es un detective privado que intenta esclarecer las extrañas circunstancias que rodearon el accidente de su hija Ámbar a pesar de que ese trabajo remueve su profundo dolor por tamaña pérdida. Está por sobre él la sombra de haber sido un padre abandónico, preocupado por su carrera policial bajo el comando de Frank (Jorge Marrale). 

El realizador Ramírez elaboró un guion lineal, secuencial, con falta de nervio, de "pathos", si bien logró una cuidada fotografía de la ciudad de San José, especialmente de su cara más moderna y sofisticada. Realización en sí es muy buena pero no logra superar los altibajos narrativos que se observan en algunas débiles pátinas de realismo. Queda un armado convencional de una historia dramática que, en el comienzo, apuntaba muy alto. 

Destacamos las buenas interpretaciones del elenco mixto, costarricense y argentino, donde se lucen tanto nuestro compatriota Jorge Marrale como el convincente Freddy Viquer en el rol del padre atormentado. 

No obstante es una historia de interés para quienes gustan de los vericuetos policiales con acción ininterrumpida donde los pañuelos hay que tenerlos bien a mano. 

Carlos Pierre 

 

JUEVES 10 DE DICIEMBRE DEL 2020.- 

 

LLENO DE RUIDO Y DOLOR 

Dirección: Nacho Aguirre. Guion: Octavio Montiglio y Nacho Aguirre. Director de Fotografía y Cámara: Hans Bonato. Directora de Arte: Mariela Jucht. Vestuario: Ramiro Álvarez. Montaje: Nacho Aguirre y Romina Coronel. Música Original: Sebastián Lema y Germán Lema. Elenco: Emanuel Gallardo, Facundo Sáenz Sañudo, Juan Manuel Alari, Emilio Bardi, entre otros. Duración: 101 minutos. Cine.ar Play desde el viernes 11. Jueves y Sábado en Cine.ar TV a las 22 hs- 

XXXXX-WESTERN PATAGÓNICO SOBRE TRES BANDOLEROS  

Afianzando el clásico western en la cinematografía de nuestro país, el realizador Nacho Aguirre llega al largometraje "Lleno de ruido y dolor" con una ficción narrada en la Patagonia en el año 1928: tomó hechos delictivos reales ocurridos en la localidad de Bariloche. En esa ciudad,donde tres bandoleros -Soria (Emanuel Gallardo), Román (Facundo Sáenz Sañudo)y Foster (Juan Manuel Alari)- prepararon un plan para asaltar el banco zonal sin advertir que el comisario Baigorria (Emilio Bardi) les seguía los pasos del raid delicuencial.  

Nacho Aguirre se adecua a los elementos propios del western plagando la historia de tiros, crueldades y sangre fría. Sustenta el guion en una esmerada producción con un diseño de arte atinado, desde la ambientación, pasando por el vestuario hasta los detalles que configuraron esa década del siglo XX. Y cuenta además con un sólido elenco, en su mayoría local.  

De esta manera, logra un retrato de la violencia en el sur de nuestro país muy acabado, de acuerdo a las crónicas, donde la lejanía de los escasos centros urbanos propició el robo de ganado, el asalto a los almacenes de ramos generales y una manifiesta agresividad de los bandoleros, ladrones impiadosos a sangre y fuego (recordar la vida del bandolero Butch Cassidy en Chubut durante varios años, muriendo en 1908 en tierras de Bolivia).  

Esta producción nacional fue vista en Marché du Film de Cannes, en Almería Western Film Festivales y en festivales de Chile y Argentina con buena aceptación. Es una propuesta interesante. 

 

Carlos Pierre 

 

EL AMOR ES MÁS FÁCIL 

De Daniel Pensa. Guion original de Backsstory Contenidos. Elenco: Ailin Zaninovich, Andrés Gil, Santiago Jorovsky, Brian Buley, Ana Celentano, Rafael Spregelburd, entre otros. Fotografía de Sebastián Gallo. Arte de Jimena Soldo. Vestuario de Betiana Temking. Maquillaje de Mariela Aracena. Montaje de Alejandro Alem. Edición online de Mauricio Halek. Música de Mariano Barrella. Efectos de Ivo Dukcevic. Duración: 76 minutos. Cine.ar Play desde el viernes 11. Jueves y sábado a las 20 hs en Cine.ar TV. 

XXXXX- EN BUSCA DE LA FELICIDAD 

Daniel Pensa nos pinta una relación juvenil de manera lineal, honesta, en "El amor es más fácil", su segundo largometraje, un retrato de jóvenes treinteañeros que vienen de fracasos sentimentales e intentan rehacer la vida, además de cumplir con sus propios sueños de realización personal. Gala, de 29 años, camarera de un bar, conoce a Diego, quien lidera con éxito una sección de una firma comercial. Mientras la primera quiere grabar un video para una audición que podría lanzarla a Broadway, Diego intenta seducirla de manera cándida.  

El subtema se plantea: si la fidelidad es factible, si las faltas se perdonan, si es posible volver a querer, ¿qué es más fácil? ¿El desamor o el amor? 

La propuesta es sincera, sin rebuscamientos argumentales: es lo que se ve. Equivocarse sin segundas intenciones complica el camino de la felicidad, aunque ésta siempre está a la espera de quien quiera verla y tomarla. La buena actuación de los protagonistas colabora en esta comedia romántica que no intenta salir de ese tono: Ailín Zaninovich es "Gala", un rostro atractivo que atrapa la cámara, que transmite lo que siente, mientras Andrés Gil es "Daniel", joven actor de trayectoria muy interesante. La participación de Ana Celentano como la mamá de "Gala" es un excelente aporte tanto como el de Rafael Spregelburd, breve incursión pero determinante. Disfrutable encuentro con el romanticismo en el cine. 

Elsa Bragato 

 

VENDRÁ LA MUERTE Y TENDRA TUS OJOS 

 

Guion y dirección de José Luis Torres Leiva. Con Amparo Noguera y Julieta Figueroa, entre otros. Fotografía de Cristian Soto. Arte de Catalina Devia. Sonido de Claudio Vargas. Duración: 90 minu8tos. Chile. En www.puentesdecine.com 

XXXXX- LA VIDA QUE RUEDA 

Complejo relato sobre el amor y la muerte. José Luis Torres Leiva encara en "Vendrá la muerte y tendrá tus ojos" el caso de una pareja de mujeres de las cuales una de ellas tiene una enfermedad terminal, por lo que ambas deciden vivir el tiempo que les quede juntas en un lugar tranquilo. A partir de esta premisa construye una historia con algunos altibajos aunque resulta efectiva en su fotografía: el trabajo en primerísimos primeros planos de los rostros de ambas mujeres dialogando o mirándose tienen una sublime belleza. Esta forma narrativa es utilizada en varias oportunidades confiriendo un clima poético y melancólico a la vez. 

Como decíamos al comienzo, la historia es compleja. Lejos de dejarse llevar por la relación de la pareja protagónica, el realizador chileno encuentra el subterfugio de dos cuentos de la selva donde el amor muestra otras caras, desde el nacimiento hasta una relación homosexual. Lamentablemente, no se funden con la historia principal quedando como paréntesis que, siendo tales, se pudieron suprimir. La amargura ante la muerte inminente, la resignación que no llega, y el renovado brío de la vida, no obstante los vaivenes narrativos, conforman la rueda vital propuesta. Sutilmente el guion trabaja el darse al otro en clara oposición al acto sexual en el bosque donde solo hubo deseo. Poesía real con dejo de amargura más cercana al cine arte que al comercial. 

Elsa Bragato 


 

 

JUEVES 3 DE DICIEMBRE DEL 2020. 

RECOMENDACIÓN: EL FILM "CENIZA NEGRA" ESTRENADO EL JUEVES PASADO SE PUEDE VER EN EL SIGUIENTE LINK: 

https://www.cenizanegra.com 

 

EL CADÁVER INSEPULTO 

(Cine.ar TV y Cine.ar Play desde el viernes) 

Dirigida y escrita por Alejandro Cohen Arazi. Con Demián Salomón, Héctor Alba, Fernando Miasnik, Mirta Busnelli, Pablo Palacio, Carolina Marcovsky, Juan Pablo Cestaro, Marcelo Xicarts, Angie Gambetta, Federico Velasco, entre otros. Director de Fotografía: Leonel Pazos Scioli. Montaje: Gabriela Jaime. Música: Gustavo Ariel Pomeranec. Duración: 84 minutos. 

XXXXX- CLAROSCUROS ATÁVICOS Y SANGRIENTOS 

La perversión de una familia desencadena una orgía de horror, que se desata al morir el dueño de un matadero, quien supo adoptar a un grupo de huérfanos. Regresa uno de ellos al pueblo, Maximiliano (Demián Salomón), exitoso psiquiatra, quien será presa de visiones hirientes de su niñez, mientras reinicia su relación con Anita (Carolina Marcovsky), docente del pueblo. Poco a poco, él y los demás herederos dan rienda suelta a una educación tribal, satánica, enquistada en sus espíritus. Los hijos del patriarca se debaten en un claroscuro muy logrado tanto formal como conceptualmente a través de la fotografía que trabaja con las piezas del ajedrez y el negro de los Aberdeen Angus y el blanco uniforme de sus verdugos. La narración hilvana tensión y terror crecientes en medio de una herencia que se transforma en bienestar y en condena a la vez sujetos como están a un atavismo sangriento del que participa una extraña sacerdotisa (a cargo de Mirta Busnelli). 

Los contrastes, los opuestos, resultan fundamentales en la concepción de un film gore que tiene todos los clishés propios del género. Aunque sobrevuela la metáfora del poder en sí mismo sobre los otros, dándole una subjetividad potente por sobre lo meramente gore. 

Carlos Pierre 

 

LAS MIL Y UNA 

Guion y dirección de Clarisa Navas. Con Sofía Cabrera, Ana Carolina García, Mauricio Vila, Luis Molinena Casanova, entre otros. Fotografía de Armin Marchesini. Duración: 120 minutos. Coproducción de Argentina y Alemania. 

XXXXX- REALISMO POPULAR EN UN AMOR ADOLESCENTE 

(Cine.ar TV y desde el viernes, Cine.ar Play) 

Clarisa Navas asombra con su segundo largometraje, Las mil y una (barrio de calles laberínticas), a partir de una narración virtuosa con planos secuencias enriquecedores al punto que la historia en sí de dos adolescentes, Iris (Sofía Cabrera) y Renata (Ana Carolina García) es superada. La forma por sobre el fondo, si bien no opaca el concepto que Navas maneja con sutileza: el lesbianismo, la homosexualidad, como referentes de la incertidumbre adolescente ante el despertar de la vida adulta. Lejos están los mayores, a los que se ve en reuniones barriales dejando a su arbitrio a los hijos. Iris es tímida, sus únicos amigos son sus dos primos, mientras que la aparición de Renata es su opuesto, es la jovencita que toma decisiones, resultando poderosamente atractiva.  

La realizadora Navas parte de un personaje, Iris, para ir sumando otros a fin de conformar una historia coral en la que todos tienen que ver con todo lo que sucede. La narración se tensa poco a poco hasta alcanzar un impacto emocional dentro de un mundo adolescente "queer", diferente, que resulta perturbador, inquietante. Es que Navas plantea la relación de dos chicas desde la ternura tan solo como "pivot" donde articula un fuerte realismo popular.  

Elsa Bragato 

 

EL PAÍS DE LAS ÚLTIMAS COSAS 

(Cine.ar Play) 

Dirección de Alejandro Chomski. Guion de Chomski y Paul Auster, autor de la novela del mismo nombre de 1987. Con Jazmín Diz, Christopher Von Uckermann, María de Medeiros, Juan Fernández, Ettore D'Alessandro. Fotografía de Diego Poleri. Edición de Andrés Tambornino. Arte de Wilhem Pérez, Música de Christian Basso. Duración: 89 minutos. 

XXXXX- LA REALIADAD SUBYACENTE 

Con la producción y la colaboración en el guion de Paul Auster, el reconocido escritor norteamericano, Alejandro Chomski llega a su tercer largometraje, una distopía ficcional que nos enfrenta a la realidad, en especial, la latinoamericana. "Anna Blume" (Jazmín Diz) recorre las calles de una ciudad destruida de este tiempo con su carrito, tratando de salvarse de los francotiradores: las usinas se alimentan con cadáveres. La voz en off de "Anna" inquieta: vive en un pequeño cuarto compartido por una pareja de indigentes, hasta que encuentra una vieja biblioteca donde se esconde un reportero extranjero (Christopher Von Uckermann) del que se enamora. Fuera, la destrucción social subsiste. Hay corrupción, persecución, todos buscan un lugar para dormir y un pedazo de pan. 

El espectador se encuentra con una historia tratada con esmero técnico en blanco y negro, con flashes de color en alguna secuencia muy breve y puntual, tomando al amor como concepto de esperanza, único acto humano superador. Es lo que queda, lo que permanece intacto, lo que genera vida. 

Alejandro Chomski logra una historia que se acomoda a la Argentina que se vivió en el 2001 y 2002, aunque no se indique en el film. Para nosotros, es la alegoría de lo que vivimos. La de los cartoneros, la indigencia, las familias viviendo en las veredas, la destrucción institucional. Chomski metaforiza la vida a través de Auster. Y logra una película inquietante, la realidad que está y que solo una pátina de cemento intenta ocultar. Gran trabajo. 

Elsa Bragato 

 

SANGRE 

(Cine.ar Play Estrenos) 

De Juan Schnitman. Guion de Schnitman y Agustina Liendo. Con Juan Barberini, Natalia Tena, Bella Camero, Dirk Martens. Fotografía de Soledad Rodríguez. Arte de Marina Raggio. Montaje de Andrés Estrada. Música original de Paloma Peñarrubia. Duración: 90 minutos. 

XXXXX- AMORES VIOLENTOS 

Dos amantes, un embarazo, crisis de violencia, son los aspectos que Juan Schnitman, en su segundo largometraje (el primero fue Incendio), trabaja en "Francisco", protagonista a cargo de Juan Barberini de "Sangre". La historia de los romances simultáneos matizan esta fábula que se resuelve linealmente si bien el brusco cambio de personalidad de "Fernando" desdobla en dos partes la historia, siendo la segunda atrapante.  

Y es donde Schnitman maneja con acierto la cámara, a través de una fotografía fuerte, haciendo surgir el rojo sobre los ríos del Delta del Paraná. Violencia, celos, matizan un guion que va directamente a cumplir con lo señalado en su título. Se verá "sangre", sí o sí, con la inclusión de secuencias violentas de sexo. Explicitar lo que va de suyo es innecesario. Recordemos que menos es más en todo tipo de narración audiovisual. Hay tensión, hay suspenso, hay susto, hay sangre. La propuesta se cumple a pesar de cierto tiempo muerto y de de linealidad argumental porque es evidente que "Francisco" no tiene mucho para decir. 

Elsa Bragato 

 

EDICIÓN ILIMITADA 

(Cine.ar Play) 

Cuatro directores, cuatro capítulos, cuatro equipos técnicos, cuatro elencos. 

XXXXX- ANTOLOGÍA AUDIOVISUAL DE CUATRO MAESTROS 

La palabra como generadora de vínculos es el tema de cuatro capítulos a cargo de Eduardo Cozarinsky, Santiago Loza, Virginia Cosin y Romina Paula, respectivamente. Y, a través de ella, la concepción de la literatura y de la palabra en el diálogo entre generaciones. Cozarinsky es el protagonista del Capítulo 1, un hombre mayor que se vincula con jóvenes mujeres aduciendo que no puede leer bien. La palabra leída es el factor de un encuentro con un café de por medio. En el caso de Santiago Loza, es un joven escritor que visita a un encumbrado hombre de letras, la visión de uno y otro sobre lo que se lee y cómo se piensa respecto de diferentes aspectos de la vida los relacionan, la vida misma fusiona uno y otro parecer. 

Virginia Cosín encara un momento en la vida de una joven y atractiva mujer que acaba de editar su primera novela. Y está en un cumpleaños junto a críticos, pintores, amigos. Sin embargo, la voz en off, su conciencia ficcional, indica que nada de lo que ve la conmueve. Está sola por dentro, sin una actitud positiva hacia lo exterior; los gritos, la torta, la velita, la bebida, algún baile, tiene una sensación de vacío enorme ante la vida de la que no puede participar. Finalmente, Romina Paula se centra en un taller literario. Los alumnos y la palabra, la distribución de personajes del escrito de uno de ellos, las distintas voces, las correcciones. Es decir, el discurso que se construye a partir de la enseñanza.  

Cada capítulo es revelador de un aspecto de la palabra y, en cada uno, se plantea su evolución: el primero, la comunicación con el otro. En el segundo capítulo, la palabra elaborada y la iniciática. En el tercero, la palabra impresa, y en el cuarto, la palabra del autor de textos. Es una película diferente, un reflejo de la intelectualidad cotidiana, el trabajo de cada uno de nosotros para comunicar vivencias. Excelente. 

Elsa Bragato 

 

VICENTA 

(Cine.ar Play desde el viernes 4) 

De Dario Doria. Guión de Luis Camardella, Florencia Gattari y Darío Doria. Voz en off the Liliana Herrera. Fotografía de Darío Doria. Música de Ezequiel Menalled. Arte de Mariana Ardanaz. Casa Productora: Cepa Cine. Duración: 69 minutos. 

XXXXX- TESTIMONIO REVELADOR SOBRE LOS DERECHOS DE LA MUJER 

"Vicenta" es uno de los cortometrajes testimoniales más conmovedores de los últimos tiempos en el cine. Con muñecos de plastilina, la diseñadora de arte Mariana Ardanaz, también ilustradora de cuentos infantiles, trabajó artesanalmente estos muñecos que dan vida a una historia profunda, visceral, que aún hoy nos conmueve por la carencia de una ley nacional sobre el aborto legal. Es el caso de Vicenta Avendaño, quien aparece en el final. Su hija menor, Laura, que padece cierto retraso madurativo, sufrió a sus 19 años (2006, Guernica) una violación que la dejó embarazada. Vicenta y su hija recorrieron hospitales y juzgados para obtener el aborto legal, pero fue imposible. Este caso de Derechos Humanos de los que carecemos lo tomó Darío Doria, avezado realizador de publicidad y largometrajes como Grissinopoli y Salud rural, trabajando con real virtuosismo determinados recursos técnicos hasta lograr que estos silentes protagonistas, carentes de gestualidad, toquen el corazón. Si hay algo que faltaba para derrocar el machismo vigente sobre este tema es este cortometraje donde una madre y una de sus hijas, que representan a miles de madres e hijas, alzan su voz defendiendo el derecho de manejar sus propios cuerpos. O sea, el de todas las mujeres del mundo. 

Elsa Bragato 

 

JUEVES 26 DE NOVIEMBRE DEL 2020.- 

 

CENIZA NEGRA 

Estreno simultáneo en www.cinevirtual.com.ar (Sala 1) en Argentina, Costa Rica y Chile. 

Plataforma MUBI a partir del 5 de diciembre, Plataforma Eyelet a partir del 20 de diciembre. 

Guion y Dirección de Sofía Quirós Ubeda. Con Keha Brown, Smashleen Gutiérrez, Humberto Samuels, Hortensia Smith, entre otros. Fotografía de Francisca Sáez Agurto. Música de Wissam Hojeij. Duración: 82 minutos. 

XXXXX- FASCINANTE FÁBULA CARIBEÑA 

Ritos, luto, adolescencia, conforman la base del relato de Sofía Quirós Ubeda, argentina-costarricense, que narra la vida de Selva (revelación de Smashleen Gutiérrez) niña huérfana cuidada por sus abuelos en las riberas caribeñas de Costa Rica. La abuela desaparece, quedando el abuelo que ya no quiere vivir. A partir de estos hechos, plasmados con una fotografía evanescente y fantasmagórica, la jovencita enfrentará, antes que la felicidad, las tristezas de la vida envuelta en un halo existencialista sobre la vida y la muerte, el estar y el desaparecer. Es muy lograda la ambientación de Quirós Ubeda, así como su dirección actoral, contando con un elenco pequeño de actores no profesionales. Logra entonces un sutil balance entre lo trágico y lo onírico, con actuaciones acordes que dotan de profunda sensibilidad las secuencias. Destacamos, además de la protagonista, a Humberto Samuels, el "Tata" o abuelo, cuyo carisma resulta conmovedor. 

Cine independiente del bueno que muestra otra sociedad, otros lenguajes cotidianos, cautivantes, a través de una historia diferente donde la adolescencia es vista no solo como un despertar sexual sino como un despertar a los misterios de la vida. 

Elsa Bragato 

 

AL MORIR LA MATINÉE 

En Cine.ar TV este jueves a las 22 hs. Desde mañana viernes una semana gratis en Cine.Ar Play. Sábado 28 a las 22 hs en Cine.Ar TV. 

De Maximiliano Contenti. Guión de Manuel Facal. Con Luciana Grasso, Ricardo Islas, Julieta Somelli, Franco Duran, entre otros. Fotografía de Benjamín Silva. Música de Hernán González. Arte de Cristina Nigro. Sonido directo de Santiago Carambula. Vestuario de Dominique Souberbielle. Maquillaje de Daniela Bayares. FX de Daniela Bayares. Montaje de Santiago Bednarik. Duración: 88 minutos. Uruguay. 

XXXXX- SANGRE A TROCHE Y MOCHE 

Bien gore, "Al morir la matinée" retrata una tarde lluviosa de 1993 en Montevideo, dentro de un cine barrial que proyecta un film italiano de terror. Muy pocos espectadores y una nueva proyectorista: la hija del titular. Cumpliendo con el target de este género cinematográfico, asisten a la función de la matinée varios adolescentes.  

El realizador Contenti se toma su tiempo para plantear las bases de la historia y los personajes, los  siete jóvenes y un niño que se esconde entre las butacas. El asesino serial tiene una aparición como tal (y en esto reside el secreto del guion), semioculto en la platea. A partir de la media hora se ingresa a otra película: el gore en su máxima expresión, sangre por doquier, degüellos, cuchilladas, horror en la pantalla y en la sala. ¿ "Cine dentro del cine"?, lo que se ve en pantalla será un símil de lo que se viva entre los espectadores. El género está logrado, aún con sus convenciones, así como la fotografía - virando al rojo intenso- aporta su buena cuota sangrienta. En el caso del grupo actoral, por momentos hay cierta declamación de los parlamentos mientras que la música incidental resulta funcional aunque elemental. La película cumple con el horror, el terror, y el suspenso, por lo que tiene público asegurado. 

Elsa Bragato 

 

BUSCANDO A TABERNERO 

Documental de Eduardo Montes-Bradley. Duración: 72 minutos. 

XXXXX- TRIBUTO AL MEJOR FOTÓGRAFO DEL CINE 

Eduardo Montes-Bradley es un reconocido documentalista argentino en nuestro país y en el exterior. De vastísima trayectoria, realiza "Buscando a Tabernero", documental con riquísima información transformándolo en un tributo a uno de los "padres" de la fotografía del cine nacional clásico. Nos cuenta la historia de Peter Weinschenk, nacido en Alemania en 1910 por lo que vivió la Primera Guerra Mundial, la terrible Gripe Española que asoló Europa desde 1915 a 1917, y conoció la persecución nazi por ser judío ni bien la República de Waimer se disolvió hacia 1930. Fue un buscavidas pleno, de grandes conocimientos adquiridos en la escuela de fotografía de la Asociación Lette en Berlín, donde se inició como asistente de dirección. 

Para salvar su vida ante la llegada del nacismo que obligó al despido de los empleados de origen judío, decidió usar la traducción literal de su apellido, Tabernero, desplazarse a Barcelona, donde fue reclutado para la Guerra Civil, hasta que en 1937 pudo emigrar a nuestro país convirtiéndose en el director de fotografía de más de 40 películas de la época de oro de nuestro cine al integrar el staff de los famosos Laboratorios Alex.  

A través de varias entrevistas, podemos conocer a discípulos suyos como Ricardo Aronovich, su participación en "La Quintrala", film de la década del 50 de Hugo del Carril, sus primeros trabajos de "selfies", y su labor como docente. Se lo reconoció siempre por el dominio que logró en la iluminación cinematográfica, capaz de generar con efectos muy propios estados oníricos y fantasmales. En la década del 60 partió con su esposa e hijos a Nueva York, donde vivió hasta su fallecimiento. Filmada en Berlín, Barcelona y Buenos Aires, este documental aporta luz sobre la figura de uno de los grandes hombres de nuestra cinematografía, generador de una escuela en el arte de manejar las luces y sombras a través de una cámara. Excelente. 

Elsa Bragato 

 

RETIROS {IN}VOLUNTARIOS 

Dirección: Sandra Gugliotta. Guion: Sandra Gugliotta y Miguel Zeballos. Edición: Juan Loustaunau. Fotografía: Carole Sainsard, Armin Marchesini Wihmüller y Juan Aguirre. Sonido: Joel Nacud. Música: Pono Graziola. Duración: 85 minutos. Idioma: Francés y Español. Documental 2020. 

XXXXX- LA CODICIA DE LA MINORÍA 

En Francia, en Argentina (o en cualquier país del mundo), la pérdida de trabajo significa en sí misma una humillación que deja efectos devastadores en quienes la sufren. La directora Sandra Gugliotta (Un día de suerte, Las vidas posibles, La toma, Arrebato), después de un paréntesis de 6 años, analiza una ola de suicidios ocurrida en Francia a fines de la década pasada, parangonando esa tragedia social con la situación que se vivió en nuestro país en la primera mitad de los '90. El desencadenante de este documental socioeconómico y político es el suicidio de un hombre de 53 años, en Francia, que se arrojó a las vías del tren de su pueblo. Había sido empleado de France Telecom, empresa que implementó la reducción laboral a través de la humillación y el menozcabo de los empleados hasta quebrarlos psicológicamente por lo que solo les quedaba renunciar.  

La llegada de Entel de España y de Francia a nuestro país durante el gobierno de Carlos Menem, década del 90 del siglo XX, provocó similares situaciones: aquí esas empresas despidieron a 28.000 empleados (recordemos al ex ministro de economía Cavallo que alegremente informó por televisión que quedaban 35 mil empleados ferroviarios en la calle por el cierre de ramales).  

Gugliotta realizó numerosas entrevistas y testimonios en ambos países, confirmando las humillaciones a los empleados muchos de los cuales se suicidaron. Es tocante el planteo de la realizadora porque este documental parte de un caso personal que pudo revertirse: su papá padeció todo tipo de humillaciones en la vieja Entel, y pudo superar la tremenda depresión sufrida. Dos hechos, dos países, empresas telefónicas en ambos casos, demuestran la codicia de unos pocos sobre la mayoría. Tenerlo presente. 

Carlos Pierre 

 

 

RECOMENDACIONES DEL STREAMING 

NETFLIX 

Hay dos films tontones pero agradables para estos tiempos tan difíciles: 

  1. Amor de Calendario, de John Whitesell. Emma Roberts y Luke Bracey. Fiestas complicadas y simpáticas, historia de un noviazgo previsible pero eficaz. No dejes de verla. 

  2. Rebeca, de Ben Wheathley, con Lily James y Armie Hammer. Basada en la novela de Daphne de Maurier. Se cumplen 80 años de la primera versión de Rebeca, que realizó magistralmente Alfred Hitchkock en 1940. Si bein estamos ante una versión edulcorada, tiene a su favor el respetar la novela original, algo que no ocurrió hace 80 años por imposiciones de Hollywo0od.  

 

 

JUEVES 19 DE NOVIEMBRE DEL 2020.- 

 

 

ANGÉLICA 

Dirección de Delfina Castagnino. Guion de Delfina Castagnino, Agustina Liendo, Martín Feldman y 

Martín Mauregui. Con Cecilia Rainero, Antonio Grimau, Andrea Garrote, Diego Cremonesi. Fotografía de Iván Gierasinechul. Música de Alejandro Kauderer, Ignacio Gabriel. Duración: 103 minutos. Ganadora Mejor Película Competencia Argentina Festival de Mar del Plata 2019 

 

XXXXX- LAS VENAS ABIERTAS A LOS 40 

La segunda película de Delfina Castagnino (debutó en el 2010 con Lo que más quiero) es esencialmente autoreferencial: ubica el eje del thriller psicológico en su casa materna que está a punto de venderse. La muerte de su madre y cumplir 40 años son venas abiertas que la sumergen en un remolino autodestructivo. 

Angélica (Cecilia Rainero) comienza un raid demencial a escondidas de su hermana Amalia (Andrea Garrote): quiere revivir la vida de su madre en la casa donde se crió, ya en ruinas. Entre objetos queridos, recuerdos y sexo con su ex novio Ariel (Sebastián Arzeno), le llegan invitaciones sociales donde conoce a Alfonso Arrieta (Antonio Grimau), un hombre maduro con quien comienza a vivir una onírica relación, mezcla de ficción y realidad. La presencia de la madre fallecida, los operarios que demuelen, se combinan en una tensa narración, atrapante en varias secuencias, acicateando la atención. 

Es para destacar que, en esta producción, el montaje compite con la actuación (excelente Cecilia Rainero). Castagnino trabaja el sobresalto visual, con escorzos reiterados, y un duelo de solisombras que enriquece la fotografía. Se observa la maestría de montajista de Delfina Castagnino puesta a prueba en decenas de films. En este segundo largometraje, hace gala de su virtuosa técnica.  

Carlos Pierre 

 

 

GOLONDRINAS 

Dirección de Mariano Mouriño, Guión de Mariano Mouriño, Fernando Gallucci, Patricio Stigliani. Con Germán Palacios, Melanie Nacul, Isaías Salvatierra, entre otros. Fotografía de Juan Guillermo Peña. Arte de Augusto Latorraca. Sonido de Fernando Gallucci. Edición de A. Remón. Música de Patricio Alvarado Plaza. Distinciones del INCAA, Mejor Película Argentina 7 Construir Cine 2020, Premio Sagai a Mejor Actor, entre otros. Duración: 65 minutos. 

  

XXXXX- DOS HERMANOS, DOS DESTINOS 

De narración fluida, atrapante, con silencios que hablan, sin diálogos superfluos, esta película de Mariano Mouriño, cuyo guion ha recibido varios premios (lo trabajó desde el 2011) nos introduce en la vida de una pareja de hermanos, Juan y Ana, nacidos en Tucumán, que trabajan en diversos campos como "golondrinas", única forma de escaparle a la pobreza. En Santiago del Estero encuentran un campo para cosechar nueces donde un capataz maltrata a sus peones mientras que el dueño del campo, "Gerardo", a cargo de un excelente Germán Palacios advertirá que puede cuidar mejor él mismo de sus empleados. Lejos de la ternura, Gerardo siente deseo por Ana, el necesario, ocultando, en todo caso, un atisbo de ternura. Juan, por su parte, entiende que la adultez ha llegado para cada uno de ellos dos. 

El trabajo de Mouriño nos recordó "El cielito", film de María Menis, filmado también en Entre Ríos, con planos largos y silencios que acompañan más que las palabras, siguiendo en detalle el trabajo de cada uno de los hermanos, además de generar la perturbación inherente al suspenso. El secreto de esta historia sencilla, directa, está justamente en esta forma de narrar de Mouriño, en la que los detalles están, además, manejados con mucha agilidad. No se queda en el final de la secuencia, se la deja al espectador, pasando rápidamente al momento de vida siguiente del personaje, evitando la imagen redundante, o consabida. Se aúnan aspectos técnicos bien manejados, sin estridencias, muy buenas actuaciones y una banda sonora de calidad, que surge con fuerza hacia el final. Grata experiencia. 

Elsa Bragato 

 

RECOMENDACIÓN 

Miniserie "Carmel, ¿Quién mató a María Marta?" 

(Netflix) 

De Alejandro Hartmann. Miniserie en 4 capítulos, documental. 

XXXXX- RIGUROSO DOCUMENTO SOBRE EL CASO MARÍA MARTA 

Cuatro capítulos, cuatro horas de duración, exponen a consideración del público todas las aristas familiares, policiales y judiciales del asesinato de María Marta García Belsunce, ocurrido el 27 de octubre del 2002, en el country Carmel, ubicado en Pilar; 18 años después, los familiares de la víctima esperan la reapertura de dos juicios inherentes al femicidio en el 2021. Este brutal hecho vuelca la mitad de las opiniones en contra del viudo Carlos Carrascosa y la otra mitad en contra de un vecino, enarbolando una confabulación familiar, el ocultamiento de un asesinato por motivos muy diversos, desde la alcurnia de los García Belsunce hasta una suerte de ajuste de cuentas. Como fuere, el éxito de la miniserie es innegable en el país y en el exterior. Y no se debe al morbo, como suele decirse, del público, sino a la necesidad de que haya un esclarecimiento contundente de tan aberrante hecho.  

La productora Vanessa Ragone supo tomar los hechos necesarios y los testimonios oportunos que mostraron todas las voces, desde los familiares de María Marta hasta los fundamentos del fiscal Diego Molina Pico, hermanos de la occisa, hermanastros, periodistas como Pablo Duggan (escribió un libro con su propia investigación), dejando que el telespectador infiera su opinión, sin bajadas de líneas. Al mismo tiempo, el éxito de la miniserie obligó a la reaparición en la televisión porteña de Horacio García Belsunce, de Carlos Carrascosa, entre otros, que consideraron que no se había realizado un homenaje a María Marta sino que se había dejado bien parado al fiscal Molina Pico, a quien defenestran.  

Todo esto es consideración subjetiva. A nivel crítica, se puede afirmar rotundamente que el documental es riguroso, que atendió todos los flancos del espinoso caso, y que las dudas sobre quién mató a María Marta están resueltas para muchos y para otros todavía falta encontrar a los o al culpable. Un batacazo de Netflix. 

Elsa Bragato-Carlos Pierre 

 

JUEVES 12 DE NOVIEMBRE DEL 2020.- 

 

PROYECTO PARQUE PATAGONIA 

Documental 

Dirección: Juan Dickinson. Edición: César Custodio. Director de Fotografía: Adrián Tagliabue. Música original: Sufian Cantilo-AnaelCantilo. Duración: 80 minutos.  

 

XXXXX- NUESTRO SUR, ENTRE FORÁNEOS Y LUGAREÑOS 

Juan Dickinson muestra, con este documental, la difícil situación generada en el Sur, concretamente en Parque Patagonia, proyecto de los filántropos internacionales Tomkins y Wise alrededor de la Meseta del Lago Buenos Aires, Provincia de Santa Cruz. 

Los dos foráneos trabajan en la Fundación Flora y Fauna ("Rewilding Argentina"), con la idea de proteger al Maca Tobiano, pato oriundo en peligro de extinción. Para los pobladores no se trata más que de un pretexto basado en el insólito donativo de 500.000 hectáreas. Según los inversores, deben unir esta área "salvada" con la del mismo nombre que ya se hizo en Chile, afirmando que van a generar un turismo pujante en la región. Revertir el proceso de devastación en restauración de la flora y fauna de una zona es, en principio, laudatorio. El gran "pero", el impacto negativo, sería la proliferación de animales carnívoros como los pumas, además de guanacos y gallaretas, porque es zona de ganado lanar.  

Dos tendencias en pugna, la presencia llamativa de extranjeros en hectáreas nacionales, la unión de las mismas con terrenos de igual extensión en Chile, y la reacción de los pobladores de la zona se reflejan con claridad en esta filmación que incluye a las localidades de Los Antiguos y Perito Moreno, el Parque Nacional Patagonia, la Meseta del Lago Buenos Aires y el Sitio Arqueológico Cueva de las Manos, Río Pinturas, además de interiores de las Estancias en entrevistas con sus dueños. Valioso material que Juan Dickinson nos descubre en este documental, sobre la patria del sur, que es necesario conocer. 

Carlos Pierre 

 

ACLARACIONES 

 

 Se habían previsto dos estrenos nacionales. El segundo pasa a ser estrenado en los cines en el mes de diciembre, de acuerdo al protocolo recientemente aprobado. 

 

RECOMENDACIONES 

 

 

LA TRINCHERA INFINITA (Netflix), de Jon Garaño, Aitor Arregi, José Mari Goenaga. Con Antonio de la Torre, Belén Cuesta, Vicente Vergara, entre otros. Duración; 147 minutos. 

El film ha sido elegido para competir representando a España en los premios Oscars, que se llevarán a cabo el 21 de abril del 2021.- 

Es una de las películas más estupendas que hemos visto sobre las consecuencias de la Guerra Civil Española. Nos habla de la trinchera real, el tener que esconderse para que los franquistas no fusilaran a los opositores, y nos hablan de la trinchera del alma, ésa que uno suele generar para evitar la agresión exterior. Ambas, en forma conjunta, provocaron la "desaparición" de cientos de españoles que recién reaparecieron luego de que Franco falleció. Es una película portentosa, de enorme suspenso y de enorme humanidad. 

Elsa Bragato 

 

PRÓXIMO JUEVES 

 

Tendremos la crítica de La vida ante sí, de Edoardo Ponti, con el regreso a la pantalla grande de la notable Sofía Loren, esta vez dirigida por uno de sus dos hijos. Loren tiene 86 maravillosos años. Esperamos con ansiedad su estreno este viernes 13 en Netflix para darles nuestro comentario el próximo jueves. 

 

 

 

JUEVES 5 DE NOVIEMBRE DEL 2020.- 

Estrenos en la plataforma Cine,ar Play desde el viernes 6 

 

HERMANAS DE LOS ÁRBOLES 

Guion y Dirección: Camila Menéndez y Lucas Peñafort. Dirección de Fotografía y Cámara: Camila Menéndez. Edición: Santiago Esteves y Camila Menéndez. Sonido Directo: Lucas Peñafort. Idioma: Mewari. Subtítulos: Español-Inglés. Documental. Duración: 86 minutos. Países: Argentina-India. 

XXXXX- LUCHA CONTRA FATALES ATAVISMOS 

Los realizadores Camila Menéndez y Lucas Peñafort, movidos por el deseo de retratar la vida y la muerte en una cultura milenaria, encontraron en 2018 -casi milagrosamente- en Rajastán, India, la comunidad Plipantri, cuyo modelo social se basa en la plantación de 111 árboles cada vez que nace una niña. Esto sucede desde 2005, a partir del esfuerzo y sabiduría del ex intendente Shyam Sunder Paliwal y la comunidad que decidieron cambiar el destino de los bebés si nacían con sexo femenino: se opusieron a la atávica matanza de las bebés, en favor de la subsistencia de los bebés varones. Y esto se pudo lograr gracias al árbol Banyan, cuyas poderosas raíces lograron elevar el nivel de las napas de agua y transformar, una zona árida rodeada de canteras de mármol, en un paraíso. 

La decisión de ese hombre y de las mujeres del lugar generó una sociedad diferente, con mejor nivel cultural para hombres y mujeres, con trabajo para ambos sexos muy diversos, desde la plantación de árboles y plantas de Aloe Vera -utilizadas en la fabricación de gel, shampú, y jabón. Una decisión en conjunto de impedir feticidios e infanticidios transformó un pueblo perdido en milenarias tradiciones en una comunidad con salida económica y sólida educación escolar. 

Son las mujeres de Plipantri las que dan su testimonio, envueltas en coloridas prendas y rodeadas por un rico paisaje, surcado por torrentes de aguas cristalinas y una tupida vegetación. Este descubrimiento de Menéndez Y Peñafort tiene un mensaje "prima facie": la superación de la desigualdad produce bienestar en todos los estratos sociales. Las mujeres de Plipantri hoy no temen serlo, trabajan en y fuera de sus casas, y son esposas felices, sin soportar costumbres que atrasan. 

Afortunadamente esta sociedad se replica en otros 147 pueblos del Norte de India, lográndose imponer un fuerte desafío a la discriminación y al atropello que, para muchos, ha significado la globalización. 

Bienvenido "modelo Plipantri", documental sin desperdicio. 

Carlos Pierre 

 

 

ESCRIBIR EN EL AIRE 

Guion y dirección de Paula de Luque. Fotografía de Marcelo Iaccarino, Arte de Rodolfo Pugliese, Edición de César Custodio. Música de Leo Sujatovich además de "La muerte del cisne" de Camile Saint-Sáens y de "La consagración de la primavera" de I. Stravinsky. Elenco formado por los bailarines Antonella Zanutto, Magali Brey, cuerpo de baile de Oscar Aráiz. Duración: 83 minutos. 

XXXXX- POEMA VISUAL: TRIBUTO A OSCAR ARÁIZ 

En este sexto largometraje, Paula de Luque reúne poesía y cámara, dibuja en el aire –como indica el título- los rastros evanescentes que los cuerpos de los bailarines dejan, estelas invisibles que solo una fotografía muy especial nos permite retener por escasos segundos. Dentro de este inusual universo de trazos corporales, de brazos y manos que se estiran como alas, o de torsos que se tuercen hasta quebrarse, surge la imponderable figura del maestro Oscar Aráiz, nacido en Punta Indio en 1940, uno de los adalides de la danza en el país y en el mundo: en 1968 creó el cuerpo de baile del Teatro General San Martín, fue maestro del cuerpo de baile del teatro Colón, tuvo a su cargo en los 80 el ballet de la ópera de Ginebra, entre tantos otros puestos donde dejó su impronta, surgida en el hogar paterno con especial inclinación por el diseño y lo bello. Para Aráiz, el camino del arte fue su destino.  

Tomando versiones reconocidas de "La muerte del cisne" o de la notable "La consagración de la primavera", logra que su actual cuerpo de baile transmita cada nota con movimientos etéreos, de ésos que dan la impresión de ser espontáneos. Las charlas en un escenario con Renata Schussheim y los encuentros con Ana María Stekelman, María Julia Bertotto y Miguel Angel Elías, matizan este poema visual y musical en el que las naranjas y un niño en un camino hacia el horizonte son la clave a descubrir. Paula de Luque realizó un trabajo más que ponderable en la búsqueda de imágenes sensoriales a las que logró plasmar en una exquisita mezcla de documental y plástica corporal. 

Elsa Bragato 

 

LA MUERTE DE UN PERRO 

Guion y dirección de Matías Ganz. Con Guillermo Arengo, Laura Báez, Ezequiel Fernández, Soledad Gilmet, entre otros. Fotografía de Miguel Hontou y Damián Vicente. Música de Sofía Scheps. Duración: 80 minutos. Uruguay (coproducción con Argentina y Francia) 

XXXXX- EXASPERANTE THRILLER 

Maestría en el suspenso logra Matías Ganz con la puesta de esta historia, donde una pareja de jubilados se ve envuelto en una tragedia que cambiará sus vidas. "Mario", veterinario, enfrenta la muerte de un perro en su negocio. Su mujer tendrá paranoia creciente a partir de los indigentes que tocan el timbre de su casa pidiendo comida. Nada impedirá, sin embargo, que los desvalijen cuando salen por un momento.  

De ahí en más, Matías Ganz maneja el suspenso con destreza de avezado en el thriller: hay signos de que algo estallará, un piedrazo en la Veterinaria de Mario, las cámaras de seguridad de la casa de la hija, la mucama que mira con desdén, el que se extravía, la sangre en el jardín. Pocos personajes, silencios extensos, miradas cómplices, van generando un clima opresivo que encierra tanto la culpa como la paranoia de uno y otro, transformando para siempre la vida de todos. Una característica del cine del Uruguay es, justamente, manejarse con elencos pequeños, integrados por excelentes actores que toleran primeros planos en medio de las crisis de sus personajes. Una puesta detallada, la dosificación del thriller y el trabajo fotográfico le permitieron a Ganz la resolución de su historia. Suspenso genuino y exasperante. 

Elsa Bragato 

 

 

JUEVES 29 DE OCTUBRE DEL 2020.- 

 

CRÓNICA DE UNA TORMENTA 

Dirección y Guion: Mariana Barassi. Con Clara Lago, Ernesto Alterio, Quique Fernández, Moria Recalde. Dirección de Fotografía: David F. Mayo. Edición: Clara Martínez Malagelada. Música: Paula Olaz. Duración: 85 minutos. Año: 2020. Coproducción España-Argentina. 

XXXXX- ENTRETELONES DEL "CUARTO PODER" 

"Crónica de una tormenta" es la ópera prima de Mariana Barassi, basada en la obra teatral "Testosterona" de Sabina Berman. Desafío múltiple ya que el drama transcurre en un día de Nochebuena dentro de la redacción ya vacía de un diario. La tormenta arrecia, los dos protagonistas, Antonio (Ernesto Alterio), el director, y Maca (Clara Lago), la subdirectora, permanecen encerrados entre el olor a tinta mientras los tejes y manejes del oficio los va envolviendo. 

Antonio es periodista de toda la vida cuyo retiro no está muy lejano, mientras que Maca es una periodista joven que comenzó como becaria subiendo escalones hasta llegar a la subdirección. Un tercer protagonista, Vargas, es el alter ego de Antonio, contemporáneo suyo que se siente relegado. 

El nudo de la película es actual: el rol de la mujer dentro de las esferas del poder, la desigualdad frente al hombre, y la lucha de los últimos tiempos para revertir la situación. El tema está sobre el tapete, y, con sus rispideces, toca a cada uno de los protagonistas. Ernesto Alterio realiza una de sus mejores actuaciones, sólida y convincente, junto a Clara Lago, sin estridencias en un personaje fuerte. El manejo de los diálogos que realiza Mariana Barassi así como la puesta son superlativas: los dos están encerrados pero sin generar claustrofobia sino intimidad, y ésta, a su vez, permite que surjan la lucha de la mujer, los entretelones del cuarto poder, su injerencia en la política y en la sociedad. Marina Barassi ingresa al mundo del largometraje con una solvente ópera prima, contando con el sostén impecable del rubro técnico. 

Carlos Pierre 

 

 

PLANTA PERMANENTE 

Dirección de Ezequiel Radusky. Guion de Diego Lerman y Ezequiel Radusky. Con Liliana Juárez, Rosario Blefari, Verónica Perrotta, Nina Suárez, entre otros. Fotografía de Lucio Bonelli. Música de Maximiliano Silveira. Edición de Valeria Racioppi. Duración: 78 minutos. 

XXXXX-LA LEY DEL GALLINERO 

Con mano firme, Ezequiel Radusky ingresa al mundo de las plantas permanentes estatales, en este caso provincial para poner en primer plano la amistad de dos mujeres amigas, "Lila" (Liliana Juárez) y "Marcela" (Rosario Bléfari) hallazgos artísticos. Se encargan de la limpieza de la oficina, y del almuerzo, que se ofrece en un cuarto abandonado, para sus compañeros ganándose unos pesos extras. La situación se trastoca cuando cambia cuando hay un cambio de autoridades (Verónica Perrotta). El enfrentamiento entre las amigas es inevitable.  

El conflicto está, y es en él donde brilla la actuación de Liliana Juárez en su rol de "Lila", quien no necesita levantar la voz para hacer creíble un personaje perseverante y ambicioso a la vez, mientras Marcela opone resistencia generando nuevos cotidianos conflictos. El cine europeo, especialmente el francés y el belga, dieron muestras de las nuevas sociedades con sus cambios bruscos en todos los estamentos, la falta de trabajo, la necesidad de ingresos extras, el avasallamiento a los empleados, y, en definitiva, el poder indiscriminado sobre los trabajadores de parte de quienes ostentan un cargo, tanto sea gubernamental como privado. Un sistema feudal que no se ve como tal por la pátina de modernidad que conlleva: son empresas pero parecen feudos; son ciudadanos tratados como inferiores. Radusky hace fluir su propuesta con una narrativa sencilla donde plantea la oscuridad de las miserias humanas: la humillación del trabajador, la envidia, la insensibilidad, el poder de unos sobre otros. Un gallinero donde la que está arriba hace su tajada. Para pensar. 

Elsa Bragato 

 

 

JUEVES 22 DE OCTUBRE DEL 2020.- 

 

RIVERA 2100 

Dirección: Miguel Kohan. Guion: Miguel Kohan, Paula Romero Levit, Alicia Beltrami. Director de Fotografía: Federico Bracken. Director de Sonido: Nicolás Giusti. Montaje: César Custodio, Camila Menéndez. Documental, 2019, 2020. Música: Lito Vitale, Daniel Curto, Juan del Barrio, Alberto Muñoz, Juan Belvis. Duración: 68 minutos. 

 

XXXXX- DOCUMENTAL NECESARIO PARA LA CULTURA 

En 1976, en plena dictadura militar, el matrimonio de Rubens "Donvi" Vitale y Esther Soto junto a sus hijos, Lito y Liliana, se mudaron a Rivera 2100, una vieja imprenta construyendo un estudio de grabación en pleno corazón de Villa Adelina, frente a la estación de ferrocarril, un lugar "Entre el Ser y la Nada", manifiesta alusión al existencialismo del filósofo francés Jean-Paul Sartre. 

Los Vitale fundaron MIA (Músicos Independientes Asociados), cooperativa de artistas y técnicos, convirtiéndose en los pioneros de la producción musical independiente del país. Las nuevas figuras musicales tuvieron un lugar desde ese momento. EDesfilan en el documental un rico material formado por viejas fotografías, películas caseras, reuniones entusiastas con muchos artistas como Mex Urtizberea, Miguel Grinberg, Jano Vitale, Emme, contactos con Alberto Spinetta, Egberto Gismonti, Miguel Angel Estrella, Gustavo Santaolalla y Patricio Rey.  

La casa de los Vitale fue otro centro de cultura porteño, como ocurrió con la casa de otros grandes músicos, lugares de reunión ineludibles. El rescate de tanto material familiar y artístico da a este documental un altísimo valor histórico. Al mismo tiempo, se transforma en un tributo emotivo a Rubens Donvi Vitale, fallecido, cuya herencia recae hoy en su hijo, Lito, uno de los excelentes compositores y pianistas actuales. 

Carlos Pierre 

 

LA DOSIS 

Guion y dirección de Martín Kraut. Con Carlos Portaluppi, Ignacio Rogers, Lorena Vega, Germán de Silva, Alberto Suárez, Arturo Bonín. Fotografía de Gustavo Biazzi. Edición de Eliane D. Katz. Arte de Juan Giribaldi. Música de Juan Tobal. Duración: 93 minutos. 

XXXXX- LA VIDA EN MANOS DE TERCEROS 

A través de una narración sencilla pero eficaz, Martín Kraut logra un thriller intenso, dentro del ámbito de la medicina. El protagonista es Carlos Portaluppi, intenso, verosímil, en el rol de Marcos Roldán, enfermero del área de Terapia intensiva durante 20 años. La incorporación de un joven colega, Gabriel (a cargo del actor Ignacio Rogers), cambiará el rumbo del trabajo durante un largo tiempo, obligando a Roldán a vivir situaciones insólitas. La dosis de determinados medicamentos en enfermos terminales, la salvación o no de muchos de ellos, determinará el destino de uno y otro enfermero. 

Por sobre la anécdota está el clima opresivo y de enorme suspenso que Kraut logró a través de la fotografía virada hacia el verde-azul, a través de cierto tinte claustrofóbico que mantiene durante todo el film. Hay que destacar la perturbadora secuencia inicial, cruda, fuerte, y ese límite impreciso entre la vida y la muerte de un paciente de esa área por ser además la generadora del clima del film que hará oscilar entre la duda y la verdad de uno y otro protagonista tanto como al espectador, sumergido en una gran inquietud. 

Este primer largometraje de Martín Kraut es altamente auspicioso porque aporta al género un tema poco transitado en nuestra cinematografía con estos ribetes policiales. Muy bueno. 

Elsa Bragato 

 

Estreno en www.teilú.com.ar y en Cine.ar Play 

 

PARAÍSO 

Guion y dirección de Pablo Falá. Fotografía de Ulises Rodríguez Pomba, Rodrigo Zaya. Arte de Silvana Aponte. Montaje de Pablo Falpa Cámara de Elías Gismondi. Producción de Marina Arnaudo, Julián Palacios y Marcos Mossello. Con Marina ARnaudo, Favio Camino, Sofía Lananaaro y Ernesto D'Agostino. Duración de 64 minutos. 

La película de Pablo Falá tiene un gran mérito: ser un producto absoluto del polo cinematográfico de la provincia de Córdoba. La cuestión pasa por la carencia de guion, la ausencia de conflictos que permitan desarrollar soluciones, algo más que charlas banales sobre cómo está la casa, la fotografía, las fiestas sicodélicas, el sexo previsible en la piscina. Hay superficialidad extrema en el encuentro de Sofía, que viene del exterior, y su provincia y sus amigos de toda la vida. No hay sustento dramático para desarrollar una narración consistente.  

Elsa Bragato 

 

www.puentesdecine.com.ar 

 

MUJER EN GUERRA 

De Benedikt Erlingsson. Con Halldora Geirbardsdottir, David ]Por Jonsson, Magnus, Trygvason Eiassen, entre otros. Música de David Thor Jonsson. Fotografía de Bergsteinn Bjorgulfsson. Coproducción Islandia-Ucrania- Francia. 

XXXXX- EXÓTICA COMEDIA ISLANDESA 

 

Pocas películas llegan desde Islandia, todas con un mensaje ecológico explícito o implícito. La agreste naturaleza de la isla es un personaje más en "Mujer en guerra", donde "Halla" (Halldora Geirbardsdottir), maestra de coros, desarrolla una actividad secreta: sabotear las líneas de transmisión de electricidad. Drones, helicópteros, la persiguen pero Halla consigue escapar siempre, viviendo situaciones insólitas y simpáticas a la vez. Un primo "presunto", así lo definen, será quien la ayude tanto como su hermana gemela (la excelente actriz compone los dos personajes). La llegada de una niña ucraniana en adopción obliga a Halla a tomar rumbos impensados que involucrarán tanto al primo como a su hermana. 

La realización es diferente, excéntrica: las acciones de Halla son acompañadas por un trío que toca la batería, el trombón y el piano en su presencia o bien por un trío femenino de voces, mujeres vestidas con ropas folklóricas. La protagonista los ve, nadie más, las disfruta, pudiéndose intuir que representan unos y otros los sonidos que "bailan" en su interior. 

Erlingsson hace una puesta en escena exótica, una anormalidad escenográfica que redunda en favor de la narración. Este conjunto de elementos visibles, aunados a la fotografía de exteriores y la historia de "la mujer de la montaña" (sobrenombre con que Halla se oculta), conforman una película atrapante, divertida, que recorre la amplia gama que va desde el thriller hasta la comedia intimista. 

Elsa Bragato 

 

 

JUEVES 15 DE OCTUBRE DEL 2020.- 

 

TENGO MIEDO TORERO 

De Rodrigo Sepúlveda. Con Alfredo Castro, Leonardo Ortizgris, Julieta Zilberberg, Sergio Hernández, Ezequiel Díaz, Luis Gnecco, Amparo Noguera, Paulina Urrutia. Música de Pedro Aznar, inclusión de temas por Chavela Vargas, Eva Ayllón y Diego El Cigala. Fotografía de Sergio Armstrong. Edición de las argentinas Ana Godoy y Rosario Suárez. Dirección de Arte de Marisol Torres. Duración: 93 minutos. Coproducción argentino-chilena. 

XXXXX- AMOR EN TIEMPOS DE DICTADURA 

A partir de la adaptación de la novela homónima de Pedro Lemebel (única novela de su producción literaria) reconocido escritor chileno que retrató la marginalidad y la vida trans con veracidad, Rodrigo Sepúlveda lleva al cine la historia de "La loca" (Alfredo Castro) y "Carlos" (el mexicano Leonardo Ortizgris). Los dos protagonistas se conocen en la noche santiagueña, escapando de las razias policiales pinochetistas. Surge una cálida amistad que le servirá a Carlos para ocultar al grupo extremista que integra mientras que La Loca se enamorará de ese hombre sin percibir su difícil situación política. Sepúlveda imprime una sutil belleza a la marginalidad de La Loca, mientras el entorno político se cuela en la relación de los protagonistas. Aunque no cae en la tentación de darle primacía a la política sino a los sentimientos que van envolviendo a la mujer trans con el guerrillero. Buen gusto y una realización excelente completan esta producción de Rodrigo Sepúlveda quien supo llegar al alma de los personajes creados por Lemebel. Agregamos que el titulo responde a una de las expresiones de La Loca frente a situaciones difíciles, complejas de resolver. En síntesis, es un film inteligente sobre la transexualidad, sin estridencias ni obviedades, aspecto este último que aplaudimos (jueves a las 22 en Cine.Ar TV, y desde el viernes en Cine.ar Play). 

Elsa Bragato 

 

TOMANDO ESTADO 

Guion y Dirección de Federico Sosa. Con Germán de Silva, Sergio Podeley, Verónica Gerez, Chang Sung-Kim, Federico Liss, Elvira Onetto, Malala Olivares, Emilio Bradi, Darío Levy, Ramiro Vayo, entre otros. Fotografía de Alejandro Reynoso. Montaje de Laura Palottini y Alberto Ponce. Sonido de Pablo Orzeszko. Música original de Santiago Pedroncini. Arte de Estela R. Sánchez. Ambientación de Marcelo Acevedo. Vestuario de Carolina Vélez. Duración: 83 minutos. 

XXXXX-RECUPERANDO LOS IDEALES 

En "Tomando Estado", su cuarto largometraje, Federico Sosa alcanza una remarcable madurez narrativa. La historia irrumpe dentro de un grupo de empleados técnicos de una cooperativa eléctrica del interior en plena crisis del 2001; están encargados de reparar la electricidad de la zona a raíz del robo de cables o instalaciones deficientes. "Carlos" (Germán de Silva), cuya esposa quiere irse de esa localidad, recorre el pueblo acompañado por un joven compañero que busca un amor duradero. Por sobre las historias personales, dosificadas en la propuesta dándole solidez al guion, se plantea la dicotomía entre la fuente laboral asegurada o la denuncia de los desmanes sindicales, la lucha por los ideales o agachar la cabeza para sobrevivir. Esta recuperación del ideal en sí es uno de los logros de esta película que transita por el costumbrismo con fluidez, agrada por la empatía que produce, seduce por la cotidianeidad de sus diálogos, y refleja un modo de ser nuestro, cargado de nobleza y sencillez. La nueva realización de Sosa derrocha argentinidad, la de los ideales y el trabajo por lo que las escasas referencias políticas son aleatorias. Destacamos las actuaciones de Germán de Silva (Las Acacias) y del elenco, así como la música original de Santiago Pedroncini, que subraya lo necesario sin exageración. 

 

Elsa Bragato 

RECOMENDACIONES EN NETFLIX 

l) La teoría del todo 

2) Yo, Daniel Blake 

3) Las horas más oscuras 

4) El hilo fantasma 

 

JUEVES 8 DE OCTUBRE DEL 2020.- 

 

www.play.cine.ar 

 

Sumamos a los estrenos de este jueves el del martes 5 "Su versión", documental de Santiago Podestá, en Cine.Ar Play. 

 

SU VERSIÓN 

Guion, música y dirección de Santiago Podestá. Duración: 60 minutos. 

Santiago Podestá encara con habilidad el tema de la sindicalización posible de la policía, de la gendarmería, es decir, de las fuerzas de seguridad de la población. Recupera videos de diferentes noticieros de los canales porteños con los reclamos de más de 20 años de policías, pidiendo desde aumento de sueldo hasta elementos para poder salvaguardar la vida de los ciudadanos. La provincia de Córdoba ha sido epicentro de "huelga de policías", hecho que se reiteró en otras provincias. Incluso en esta ciudad capital hay testimonios de movimientos de ese tipo de la policía federal. Los últimos acontecimientos son de hace muy pocas semanas y pusieron en jaque la tranquilidad de la ciudad y hasta de la quinta presidencial donde muchos uniformados se presentaron con sus reclamos estando armados. Si bien nuestra Constitución no lo prohíbe, no hay nada que tampoco indique cómo puede ser una "unión" o "sindicato" de fuerzas de seguridad, que sí existe en otros países. Incluso el SIDOPA creado en Córdoba fue prohibido por la Justicia en el 2017. En principio, se considera que las fuerzas policiales son "rehenes" de los gobiernos de distinto color político porque, de tener una sindicalización, se manejarían con independencia de los tres poderes. El tema está en la mesa para discutir y Podestá no escatimó el riesgo del mismo sino que, a través de un documental, muestra las necesidades que existen en nuestra policía y gendarmería de sindicalizarse y de contar con los medios necesarios (hablamos no solo de armas sino de chalecos antibalas, de cascos, de uniformes, de móviles). Por último, juega en el título con la idea de la "subversión" si la policía y la seguridad nacional hacen huelga y con "la versión" de ellos mismos por mejoras en las condiciones de trabajo que está lejos de la subversión. Inteligente llamado de atención. 

 

Elsa Bragato 

 

DESDE EL VIERNES 8 DE OCTUBRE 

 

EL MUNDO ENTERO 

Documental histórico de Sebastián Martínez. Producción de Sebastián Martínez, Saula Benavente, Paula Orlando. Guión de Sebastián Martínez y Valeria Groisman. Edición de Iara Vilardebó y Federico Rozas. Diseño de sonido de Víctor Tendler. Fotografía de Diego Poleri. Música de Hernán Kerlleñegvich. Duración: 78 minutos. 

 

XXXXX- DESCUBRIENDO PIRIÁPOLIS 

Más que interesante trabajo realizó Sebastián Martínez, incluyendo su relato en off, sobre la construcción de la ciudad de Piriápolis en el hermano país de Uruguay. Hasta allí llegó, desde Génova, la familia Piria, con varios hijos. Fue uno de ellos, Francisco Piria, quien reunió una serie de conocimientos increíbles desde la alquimia medieval hasta los de fundación de ciudades. Martínez indaga con certeza a destacados estudiosos de la biografía de Piria, determinando que también la ciudad de Montevideo le debe su crecimiento, a partir de 1902, con la creación de 200 barrios. Ignorado allí, va hacia la costa eligiendo un puerto natural como punto de partida para "su" ciudad, la de Piria, o Piriápolis. Inauguró el primer gran hotel de turistas el 15 de diciembre de 1905 transformando la economía de la zona para siempre. El estudio de las formas arquitectónicas del gran hotel, centro de Piriápolis hoy, tiene relación directa con los masones así como la parcelación de la zona y la difusión de sus aguas minerales, hizo de Francisco Piria una personalidad famosa y, al mismo tiempo inescrutable. Sus libros, como "El socialismo triunfante" cierran este círculo de vida tan hermético. El valor documental del film reside justamente en las investigaciones que realizó Sebastián Martínez así como en la inclusión de fílmicos muy antiguos mostrándonos aspectos actuales de Piriápolis con aquélla que conoció don Piria. Es realmente un material visualmente muy atractivo que aporta muy buena información. Se destaca el trabajo de postproducción que es donde un director imprime su sello al material registrado. Más que interesante. 

Elsa Bragato 

 

NARANJO EN FLOR 

Guion y Dirección: Antonio González Vigil. Con María Marull, Eduardo Blanco, Dalia Elnecavé, Constanza Fiardi Mazza, Fausto Collado, Verónica Bonter, entre otros. Fotografía: Federico Juárez. Música: Gustavo García Mendy. Duración: 93 minutos. Coproducción España-Argentina. 

XXXXX- ALTÍSIMO VOLTAJE EN THRILLER BIEN PORTEÑO 

"Naranjo en flor" es un thriller sentimental, bien porteño, donde almas perdidas, arrastrando frustraciones y soledades, buscan su salvación. Solo en el amor erótico, la milonga, el delito, los manejos de la droga, el dinero, encuentran la sanación a destinos tan adversos. 

La oscura melancolía de Malena (auspicioso debut cinematográfico de María Marull), una psicóloga de buen pasar, la lleva a salvar de una feroz paliza a una prostituta al golpear y matar al policía que la maltrataba.  

Pero el destino está al acecho. En una milonga se enamora de Carlos el Sabina (Eduardo Blanco), con quien se trenza en juegos amatorios de altísimo voltaje (el film está prohibido para menores de 18 años). El guion se torna muy complejo, entrando en escena la viuda del policía y su pequeña hija además de otros personajes ligados al malevaje. Inesperados giros del guion entre los personajes los irá conduciendo a sorprendentes desenlaces. Esta historia de Antonio González Vigil es altamente transgresora, fuerte en imágenes, que hace honor a los versos de "Naranjo en flor" en la voz del inolvidable Goyeneche ("Primero hay que saber sufrir, después amar, después partir y, al fin, andar sin pensamientos"). El realizador envuelve a sus personajes con un hilo invisible, los ata, los enreda, ubicándolos en el bajo fondo de la ciudad, allí donde se hunde esa raíz tan porteña de los suburbios, allí donde las almas transitan pecados y redenciones. 

Carlos Pierre 

 

www.puentesdecine.com 

 

DRIFT 

Dirección y fotografía de Helena Wittmann. Guion de Helena Wittmann y Theresa George. Música de Nika Son. Elenco: Theresa George y Josefina Gill. Duración: 98 minutos (2017). 

XXXXX- HORIZONTE EN FUGA 

Este primer largometraje, Drift, de la alemana Helena Wittman es raro y encendido a la vez. Dos amigas pasan unos días en una playa del Mar del Norte para luego separarse. Una volverá a su país, Argentina (se menciona el lago Nahuel Huapi y su monstruo "nahuelito" en el fondo y hasta se dicen algunos números en perfecto castellano argentinizado), la otra cruzará el océano dejando la natal Hamburgo. Wittmann propone algo más que la historia de una amistad larga o breve, de un romance de días, algo que muy poco se aclara sobre el final. En cambio, logra la fusión de la forma con lo conceptual, basándose en contrastes bruscos: la luminosidad del cielo durante el día y la luz de una linterna en la negra oscuridad sobre la playa, la morosidad de sus protagonistas versus el movimiento constante del océano, la carencia de diálogos frente al murmullo constante del mar, omnipresente. En algún punto, Wittmann opone la diminuta dimensión humana frente a la inconmensurable del océano, sus olas densas como brazos monstruosos frente a la figura de una de las protagonistas prácticamente perdida en un "valle" de rocas. En realidad, se está frente a un concepto metafísico de la vida transmutado en imágenes con el horizonte que se pierde y se gana, el vaivén de la vida, el "drift" del título. Wittmann queda fuera de lo comercial para ingresar al cine-arte; su película es para ofrecerla a los sentidos, para aprehenderla desde la butaca. 

Elsa Bragato 

 

JUEVES 1RO DE OCTUBRE DEL 2020.- 

 

VARIOS SITIOS PARA DISFRUTAR DE CINE 

 

http://www.miradadistribution.com/catalogo 

 

Nuevo catálogo para disfrutar del cine de Mirada Distribution, recomendamos "Querido señor", "Solo una mujer", "El otro lado de la esperanza", entre varios títulos de primerísimo nivel. Te adelantamos algunos comentarios. 

 

  1. "45 AÑOS", de Andrew Haigh (2016). Basada en el cuento Another Country, de David Constantine. Con Charlotte Rampling y Tom Courtenay, entre otros. Duración: 95 minutos. Gran Bretaña. 

Un matrimonio se prepara para festejar sus 45 años de vida juntos. En el término de seis días de sus vidas, Geoff (Tom Courtenay) recibe una carta donde se le indica que el cadáver de una novia de juventud podría rescatarse de entre los hielos de un glaciar. Kate (Charlotte Rampling), su esposa, asiste a la confusión de su marido, sus titubeos, si ir o quedarse a festejar una vida junto a ella. Es una pequeña joya intimista, con soberbias actuaciones de Rampling y Courtenay. Un cuadro perfecto de la intimidad de un largo matrimonio. No deje de verla. CARLOS PIERRE 

 

2.- "EL OTRO LADO DE LA ESPERANZA", de Aki Kaurismaki (2017). Duración: 100 minutos. El cineasta finlandés construye la vida de un sirio, Haled, que escapa de la destruida Aleppo junto a su hermana, sobrevivientes de la guerra. En Finlandia Khaled cree encontrar el paraíso, en paralelo a la vida de Wilstrom, hombre mayor de negocios que abandona a su mujer y mediante el juego logra comprar el restaurante. En algún momento, ambas historias se entrecruzarán. Nada será como lo sueña uno y otro, pero la vida siempre da un respiro. Kaurismaki regresa con una historia muy suya en el tratamiento, teatral, cáustica, estática, basada en silencios, en gestualidad, en un "tempo" narrativo hierático. Sin embargo, dota a sus personajes de humanidad. La sangre no llega al río. Mientras tanto, da la sensación de que los personajes cargan con el peso de la vida más que vivirla. Muy buena. ELSA BRAGATO. 

 

www.cineartelumiere.com.ar 

 

Recomendamos "La academia de las musas" y una buena selección de cine israelí. 

 

NETFLIX 

 

1.- ENOLA HOLMES, de Harry Vradheer. Con Millie Bobby Brown, Sam Claflin, Henry Cavill, entre otros. Duración:123 ninutos. 

Esta película ha resultado ser de las más vistas por la simpatía que emana de su protagonista y la historia siempre atrapante de los "Holmes", inspector ficticio británico que, sin embargo, cuenta con una "casa propia" en el centro de Londres abierta a los turistas. Así nos enteramos de que Sherlock Holmes no fue único hijo sino que tuvo un hermano, con quien se ve, y una hermana menor prácticamente abandonada por la madre de ellos, una mujer muy extraña por su desarrollada intuición. El rol de la madre es la siempre eficaz Helena Bonham Carter, aquí en un rol fundamental pero absolutamente fugaz en la pantalla. Los hermanos varones intentan educar a la traviesa Enola, pero será Sherlock quien, a pesar de su indiferencia, descubra en ella los dones estupendos de la intuición detectivesca.  Es una comedia más, superficial, ligera, pero agradable de ver, que saca sonrisas en tiempos harto difíciles para todos. Ya se está elaborando la continuación de este personaje, Enola (el nombre, al revés, significa Alone, "sola" tal como ella está en el mundo) también con Sherlock Holmes, encarnado por Henry Cavill, británico. Enola será nuevamente la simpatiquísima Millie Bobby Brown, hermana surgida de la pura ficción del ficticio detective Holmes (creado por Arthur Conan Doyle en 1887). Un spin-off más que logrado que da para una saga. Muy buena. Elsa Bragato 

 

2.- THE DEVIL'S MISTRESS, de Fillip Rene, con Tatiana Pauhofova, Lark Markovics, Gedeon Burkhard, entre otros. República Checa. Narra la vida de Lida Baarova, actriz checa que falleció a los 86 años en su país natal, pobre y repudiada. El film retrata cómo la bella actriz, en la década del 30 y bajo la insistencia de su madre, se transformó en una de las bellezas de la época. Fue pareja de uno de los actores del momento y vivió en una mansión lindante con la de la familia Goebbels. Comenzó allí su encantamiento y derrumbe por el acoso del jerarca nazi. Hitler se conmovió ante ella pero desistió. Goebbels la transformó en su amante. Hasta que Hitler lo permitió. Lida fue deportada a su país, y la salvó del fusilamiento un empresario pobre de teatro, con quien formó un dúo de titiriteros que llegó a la Argentina en tour. Lida murió sola, pero dejó el legado de su biografía, "La dulce amargura de mi vida". En la que se basó este film. Muy buena. Elsa Bragato 

 

                 

www.cont.ar 

 

¡QUE VIVAS CIEN AÑOS! 

Cuentos documentales de Víctor Cruz 

 

(Domingo 4, 22 hs en Canal 7. Desde el 1ro en Cont.ar) 

 

Víctor Cruz logró tocarnos el alma a través de viñetas basadas en abuelos longevos. Recorrió con su cámara la zona de Nicoya, en Puerto Rico, cruzó el Atlántico y ancló en la isla de Cerdeña con sus nonagenarios en plena actividad, para terminar su recorrido en Okinawa, Japón, donde un grupo de abuelas viejecitas en edad cantan y danzan con alegría frente a cámaras. Panchita Villegas tiene 109 años, vive en Nicoya, y es visitada por sus nonagenarios hijos todas las tardes. Es el momento en que unen sus manos, disfrutan del estar vivos. Descubrimos que no son viejos sino que tienen ritmos diferentes. Ocurre en Costa Rica, en Cerdeña y pasa lo mismo en Okinawa donde las abuelas japonesas- superando tristezas y duelos- están dispuestas a ser geishas del siglo XXI para dejarnos un mensaje de actitud y de vitalidad. Víctor Cruz hace sonreír al corazón, genera un tsunami de esperanzas, y obliga a repensar el rol social que se les da en Occidente a los mayores de 80. Un documental insoslayable que se vale de tan maravillosos protagonistas sin recurrir a la trajinada entrevista frente a cámara. En este caso, la vida misma se puso al hombro el rol protagónico. 

 

                           Elsa Bragato       

 

www.cine.ar 

 

 

LOS QUE VUELVEN 

 

Dirección: Laura Casabé. Guion: Paulo Soria, Lisandro Bera, Laura Casabé. Dirección de Fotografía: Leonardo Hermo. Edición: Luz López Mañe. Dirección de Arte: Marina Raggio. Diseño de Sonido: Santiago Fumagialli. Música: Leonardo Martinelli.Elenco: Lali González, María Soldi, Alberto Ajaka, Javier Drolas, Cristian Salguero, Edgardo Castro, Sebastián Aquino, entre otros. Duración: 92 minutos 

 

XXXXX- LA VENGANZA DE LOS HUMILDES 

 

Continuando la línea del cortometraje La vuelta del Malón, de Angel de La Valle, Laura Casabé presenta una historia de terror y suspenso ubicada en estas tierras. En este caso, la venganza del pueblo guaraní en 1919 y en la selva misionera. La utilización de "secciones narrativas" ayudan a la fluidez del relato a través además de una impactante realización que se sustenta en la fotografía en la que sobresalen impecables claroscuros. A esto se le suma la dirección de arte y el diseño de sonido en postproducción que gravita en cada secuencia dramática. Cada rubro técnico alcanza un alto grado de acierto como la música compuesta por Leonardo Martinelli, que incluye solos de violín y violonchelo. 

La historia de Julia (Lali González) inicia esta trama diferente, entre el drama y el gore, con su recién nacido hijo muerto en brazos mientras le ruega a la Iguazú, la madre del día y la noche, que lo regrese a la vida, desconociendo que este llamado al más allá trae consecuencias funestas. Al desoír a la sirvienta Kerana (María Soldi) los "capangas" o dueños de grandes tierras, entre los que está su marido Mariano (Alberto Ajaka), deberán enfrentar la venganza de "los que vuelven", los masacrados, los sometidos, los torturados. 

Casabé filma en la exuberante selva misionera, describe con la cámara y con drones la belleza de la zona, mientras va desentrañando un intenso melodrama histórico, con fuerte carga de suspenso. Maneja con habilidad el gore que surge repentino de los ritos paganos, a su vez basados en leyendas aborígenes, y logra incluir una temática diferente en la saga cinematográfica dedicada a los zombies. Casabé hace la diferencia utilizando elementos del género pero argentinizándolos. Excelente. 

 

Carlos Pierre 

 

Además se estrena MAREA Y VIENTO, de Ulises de la Orden. Documental sobre la escuela experimental "Los Biguá" del Delta arge4ntino. 

 

 

La mujer de piedra . Dir Noelia Carrizo

 

JUEVES 24 DE SETIEMBRE DEL 2020.- 

 

"PERÓN Y LOS JUDÍOS" 

Documental de Sergio Shlomo Slutzky.  

 

XXXXX- LAS DOS CARAS DE UNA MONEDA 

 

Para Sergio Schlomo Slutzky, el quid para iniciar este documentado documental fue el mote de "gorila" a su padre (Gorila como calificativo habría surgido en el film "Mogambo"), fallecido en 1983, un hombre esencialmente progresista. Fue tan solo la excusa para relatar la relación de Perón y Evita con la comunidad judía en Argentina y con el recién creado Estado de Israel en 1948. El trajinar de Slutzky para obtener información es superlativo: desde historiadores de Israel hasta estudiosos argentinos, descendientes del primer embajador argentino en Israel, representantes judíos de las principales entidades, y un razonamiento claro que logra testimonios de los pro peronistas y de los antiperonistas judíos. 

Rica información, films de época desconocidos hasta ahora, pueblan de datos fehacientes, por sobre sentimientos de rechazo o aceptación, la actitud del general Perón hacia la comunidad pasando por la ayuda que la Argentina otorgó al floreciente país con miles de frazadas que llevaron el sello de la Fundación Eva Perón hasta incluir la picardía política de fundar entidades paralelas a las judías con sus propios candidatos (OIA u Organización Israelita Argentina frente a la DAIA, opositora a la Casa Rosada). Interesante propuesta y diferente, que muestra una cara desconocida del peronismo de la década 45-55 del siglo XX (en Cine.ar TV el jueves y el sábado a las 22 y desde el viernes 25 en Cine.ar Play). 

 

Elsa Bragato 

 

EL GIGANTE EGOÍSTA 

Guion y Dirección: Liliana Romero y Norman Ruiz. Largometraje de animación basado en el cuento homónimo de Oscar Wilde. Participación de Alejandro Parker, Adriana Salonia, Virginia Kaufman, Manuel Wirtz, Mechi Lambre. Duración: 111 minutos. Música: Andrés Ortega y Manuel Wirtz. Año 2020.   

XXXXX- COLORES Y CANCIONES EN BRILLANTE ANIMACIÓN 

La dupla conformada por Liliana Romaro y Norman Ruiz cuenta con importantes producciones tales como El color de los sentidos, Cuentos de la selva, Anida y el circo flotante, de vasta repercusión. Interesante trayectoria que, en esta adaptación del cuento homónimo del escritor irlandés Oscar Wilde titulado El gigante egoísta, alcanza los mismos niveles de excelencia. Aquí nos cuenta la historia de un gigante muy solitario, que vive enclaustrado en lo alto de una gran montaña, más allá de las nubes, desde donde ha luchado contra el Invierno hasta lograr el secreto de la primavera eterna, que no comparte con nadie. Varios personajes como una luciérnaga, un pequeño dragón y los sabios consejos del Verano, trataran que cambie.  

La realización se basa en dibujos simples, planos pero significativos, muy coloridos aunque lineales, que van armando un bello paisaje nativo de nuestro país. La historia en sí habla del derecho a la igualdad entre los niños y también es un alegato a la conciencia ecológica de chicos y grandes. Destacamos la canción "Brilla" compuesta por Manuel Wirtz, que tiene una melodía muy pegadiza y muy alegre. 

 

Carlos Pierre 

 

CINE EN CONT.AR 

 

1.- Vida de pasante, coproducción Argentina, Brasil. Serie. 

2.- La mujer de piedra, realización salteña. Serie. 

 

3.- 1973, un grito de corazón, documental de Liliana Mazure. 

 

CINE ARTE LUMIERE 

NUEVO CICLO DIRECTORAS, VIERNES 20 HORAS 

 

Viernes 25 de septiembre – 20 hs.
Baldío (2019), de Inés de Oliveira Cézar.
Con Mónica Galán, Gabriel Corrado, Nicolás Mateo, Rafael Spregelburd.

Viernes 2 de octubre – 20 hs.
Ata tu arado a una estrella (2017), documental de Carmen Guarini.
Con Fernando Birri, Eduardo Galeano Ernesto Sábato, Osvaldo Bayer, León Ferrari.

Viernes 9 de octubre – 20 hs.
Hasta que me desates (2017), de Tamae Garateguy.
Con Martina Garello y Rodrigo Guirao Díaz, Paula Carruega, Naiara Awada. 

Viernes 16 de octubre – 20hs. 
Rosita (2018), de Verónica Chen.
Con Sofía Brito, Marcos Montes y Dulce Wagner. 

Viernes 23 de octubre – 20 hs. 
Desmadre, fragmentos de una relación (2017), de Sabrina Farji.
Con Leonor Schlimovich, Zoe Trilnick Farji, Joelle Levy Farji y Sabrina Farji. 

Viernes 30 de octubre – 20 hs. 
Método Livingston (2019), documental de Sofía Mora.
Con Rodolfo Livingston.  

Viernes 6 de noviembre – 20 hs.
Miró. Las huellas del olvido (2018), documental de Franca González. 

(El ciclo comenzó el viernes 18 de setiembre con el film "La finadora de árboles", de Natasha Smirnoff) 

NETFLIX 

  1. Milada, de David Mrnka. Con Ayelet Zurer, Robert Gunt, entre otros. Duración: 124 Minutos. Película Checa. Cuenta la vida de la líder Milada Horáková quien enfrentó a los nazis y luego a los rusos, cuando invadieron la antigua Checoslovaquia en 1968. Nació en Praga en 1904 y fue ahorcada luego de un juicio donde se la culpó de sedición y traición en 1950. Film de estructura clásica, atrapante, pausado pero sin dejar de inquietar. Excelente biopic. 

2)La vida de Maudie, de Aisling Walsh. Con Ethan Hawke y Sally Hawkins, entre otros. Duración: 115 minutos. Cuenta la vida de Maud Dowley que tiene una belleza diferente, poco común, quien decide abandonar a su familia para independizarse y acepta el trabajo de mucama en la casa de un huraño pescador. Es una hermosa historia de amor, previsible, pero aún así empática, agradable, una película de ésas que hacen bien verlas en tiempos difíciles. Nos encantó. Muy buena realización. 

 

JUEVES 17 DE SETIEMBRE DEL 2020.- 

GIRO DE ASES 

Dirección de Sebastián Tabany y Fernando Díaz. Con Juan Grandinetti, Carolina Kopelioff, Lautaro Delgado, Thelma Fardin, Esteban Pérez y Romina Gaetani, entre otros. Cinematografía de Pigu Gómez, Edición de Lionel Cornistein. Música de Eric C. Kuschevatskty. Duración: 84 minutos.  

 

XXXXX- ROMANTICISMO ENTRE NAIPES Y ESTETICISMO VISUAL 

El realizador Sebastián Tabany, mago y crítico de cine, se inspiró en el clásico truco de magia Twisting the Aces, creado por el canadiense Dair Vernon, para escribir esta mágica comedia romántica, género novedoso en la cinematografía nacional. Desde el 2004 pergeñó los personajes y la historia que hoy protagonizan Juan Grandinetti y Carolina Kopelioff, jóvenes actores de esta comedia ambientada en el mundo fantástico de la magia. Martín (Grandinetti) es croupier del casino y practica magia en su tiempo libre. Se enamora, luego de un fuerte traspié amoroso, de Sofía (Carolina Kopelioff), y, junto a un amigo, conocerá a René (Romina Gaetani). Fluye una narración diferente donde las "mentiras legítimas" se dan cita entre tréboles, diamantes y corazones. Aparecen también grandes nombres nacionales de la magia, quehacer que genera en el protagonista un sentido místico por sobre su hobby. 

Es una muy interesante propuesta en la que el nudo romántico es a los efectos de construir una historia sobre la magia, sustentada en una notable realización por el sentido estético de la fotografía y las muy buenas actuaciones. Solo se recuerda "Nueve reinas", film del que se cumplen 20 años, como antecedente de un guion relacionado a los naipes mágicos. Excelente debut del colega Tabany junto a Fernando Díaz por el tema y por la concepción visual del hecho cinematográfico (jueves y sábado por Cine.ar TV a las 22 horas. Desde el viernes 18, en Cine.ar Play gratis durante 7 días). 

 

Carlos Pierre 

 

VILCA, LA MAGIA DEL SILENCIO 

Documental de Ulises de la Orden y Germán Cantore. Ricardo Vilca fue un gran artista del noroeste argentino. Su obra musical fue notable pero oculta para el gran público. Este documental le rinde tributo a su figura y a su arte (jueves y sábado a las 20 por Cine.ar TV y desde el viernes en Cine.ar Play gratis durante 7 días). 

 

EL ÁRBOL NEGRO 

Documental de Máximo Ciambella y Damián Coluccio. Edición de Lucía Torres. Sonido de Atilio Sánchez. Música de Guido Picrangeli y de Atilio Sánches. Duración: 80 minutos. 

 

XXXXX- RETRATO DE LA VIDA QOM
 

El pueblo Qom ha sido noticia en la televisión porteña por sus reclamos de mejoras en la calidad de vida, cortando calles de esta ciudad y acampando en la avenida 9 de Julio. En este caso, los realizadores Ciambella y Coluccio dan una visión pragmática y, a la vez, poética de los pobladores y su relación con la naturaleza, el respeto por la vegetación y por la fauna, la necesidad mutua de sobrevivir. La fotografía de Cobi Migliora permite esta interrelación del espectador con la vida de los Qom, siendo de excelencia al imprimirle un marco de belleza y calma a la descripción de los quehaceres cotidianos. La vida se desarrolla entre charlas de amigos, trabajos de campo, y asambleas con numerosa concurrencia de las mujeres. El día a día se resuelve de manera pacífica, siendo la comunidad la centralidad de los Qom. Desde lo particular (Martín, Valentín, Sirilo y Laureano son los protagonistas) hasta lo grupal, los realizadores no dejan de lado ningún aspecto de una cotidianeidad que se desconoce. Voz en off, idioma propio, caracterizan un documental que, desde lo autóctono, universaliza el tema de las etnias autóctonas (ver en Cine.ar Play, gratis) 

Elsa Bragato 
 

OTROS ESTRENOS 
 

EL PREMIO 

Guion y dirección de Paula Markovitch. Con Paula Hertzog, Laura Agorreca, Sharon Herrera, Viviana Suraniti. Fotografía de W. Staron. Música de Sergio Gurrola. Duración: 115 minutos.
 

XXXXX- BIOPIC ASOMBROSA POR SU CALIDAD EMOTIVA 
 

En el 2011, Paula Markovitch lanzó su primer largometraje, El Premio, que, si bien tuvo magníficas críticas en el exterior, aquí no consiguió siquiera su estreno. Se hace ahora vía digital en el sitio Puentes de Cine. 

Narra la vida de "Cecilia", una pequeña de 7 años (Paula Hertzog) cuyo trabajo es de excelencia. Coach y dirección actoral pudieron contribuir pero realmente la niña entonces asombra por su ductilidad y la consubstanciación con los reclamos propios de una hija a su madre. Deja sin palabras. 

La historia se ubica en 1977, localizada en San Clemente del Tuyú, es autobiográfica y, seguramente, allí está la raíz de la empatía que se produce en forma inmediata con el espectador. Una casa pobre, llena de trastos, sirve de refugio a Lucía Edelstein (Laura Agorreca) y su hija que aprendió a ocultar los datos personales por temor, sensación que su madre le transmite en todo momento, mientras espera la llegada del papá, militante político. Las playas sin gente, la amistad con una compañerita del colegio, los juegos infantiles, muestran una vida fuera de los cánones urbanos, una escuela con pocos recursos y una maestra (Viviana Suratini) rural, conformando el entorno de esta historia que retrata, como ninguna otra (con excepción de La historia oficial, obra maestra), las terribles vivencias que provocó la última dictadura militar. La pequeña "Ceci" resume en su rostro el asombro y la incomprensión por el terror que, sin palabras, vive, y el miedo y la rebeldía que se desatan en ella ante las reacciones de desesperanza y dolor de su madre. El desenlace es rico y profundo, llegando con la carga emotiva necesaria para que el final sea el que se ve. Una obra de excepción que logra este nivel de emotividad por expresar una realidad tal como fue. Notable (la realizadora está radicada hace varias décadas en México DF). 

Elsa Bragato
 

OTRAS PLATAFORMAS
 

www.cineartelumiere.com 

  

gratuita, con cine internacional 
 

www.cont.ar 

 

cine nacional, cine mexicano, cine internacional, programación de Encuentro, series 
 

NETFLIX
 

"El dilema de las redes", producida por Jeff Orlowske. Docuficción que entrevista a ex empleados de Google, Facebook, Instagram, Pinterest, Twitter, quienes afirman que el producto no son los datos que se van dejando en las redes sino las mentes de los usuarios, obligándolos subliminalmente a consumir internet y, obviamente, a quedar presos de una tecnología que no les da réditos. El rédito pecuniario es para las empresas citadas quienes, a más "mentes" captadas, suman más dinero de los anunciantes. 

 

JUEVES 10 DE SETIEMBRE DEL 2020.- 

 

LEJOS DE CASA 

De María Laura Dariomerlo. Con Cumelén Sanz, Gabriel Gallicchio, Ana Celentano, Abel Ayala y Daniel Kusniccka. Guion de Javier Martínez Foffani. Cámaras de Adrián Lorenzo. Arte de Dariomerlo. Sonido de Germán Suracce. Música de Hernán Matorra. Edición de Javier Favort. Duración: 67 minutos. 

 

XXXXX- BUENA HISTORIA DE AMOR JUVENIL 

 

La historia planteada por Javier Martínez Foffani y la directora María Laura Dariomerlo tiene honestidad intelectual: "Lejos de casa" es sencillamente la decisión de un padre y su nueva mujer de enviar a la hija adolescente del primero a vivir con su madre.  Lejos, en la costa (como siempre, valiosa Ana Celentano como la madre que asume su rol). Sin fórmulas complicadas, se desarrolla una historia de redención, no se cae en entelequias que compliquen innecesariamente la historia dejando fluir la narración con buenos planos, pocos diálogos e intensidad actoral. El peso protagónico recae en Cumelén Sáenz, un rostro bello además de buena actriz, por el que se traslucen las intensas emociones de esta hija rebelde, enfrentada a los problemas de los adultos y no a sus intensas ansias de vivir. María Laura Dariomerlo presenta una bien realizada comedia romántica sin excesos, transformando el problema de las adiciones de una adolescente en una valiosa historia de vida. Destacamos incluso la música original de Hernán Matorra, quien compuso un minué inicial delicioso para trío de cuerdas. Buen gusto, buen trabajo. Para ver sin dudar (Cine.ar Tv el jueves y el sábado a las 20. Desde el viernes 11 durante siete días en Cine.Ar Play) 

 

Elsa Bragato 

 

 

LAVA 

 

De Ayar Blanco. Voces de Sofía Castiglione, Justina Bustos, Martín Piroyansky, Ayar Blanco, Darío Lopilato, entre otros. Duración: 63 minutos. 

 

XXXXX- EXTRATERRESTRES SOLO PARA ADULTOS 

 

Ayar Blasco y Juan Antín son los creadores de "Mercano el Marciano", animación de Much Music, y de historietas como Catzole, Océano y Chatquito, editadas en la década de los 90. De la historieta "El niño malcriado", surgió la película "Mercano el Marciano" y, en el 2012, se estrenó la película "El Sol" (2009), hitos de esta extensa carrera en los cómics. 

La animación "Lava", 2019, resulta un producto equilibrado dentro de la vasta, inquieta y muy acabada producción sobre invasiones extraterrestres que llegan a la Tierra para manipular la mente humana. Lava es el nombre del personaje central que, desengañada de su arte, busca la excelencia vital de la humana Débora (Sofía Castiglione) en el "tatoo". Así comienza esta dominación extraterrestre ejercida por enormes y amenazantes gatos posados sobre los edificios y la clásica bruja con escoba incluida, elementos frecuentados, trillados, del cine. En secuencias de 11 minutos, además de los personajes realizados sin tercera dimensión, se ven excelentes dibujos que muestran diversos lugares de la ciudad de Buenos Aires (el Congreso, el Cabildo, El Puerto, Plaza de Mayo, entre otros sitios icónicos de Buenos Aires). Sofía Gala Castiglione, Justina Bustos, Ayar Blasco, Martín Piroyansky, Darío Lopilato, componen con sus voces a los cinco personajes que padecen la manipulación de Lava.  

Aunque la animación esté dirigida a los adultos, para el mundo del "Adult Swim", el lenguaje resulta por momentos muy grosero (reminiscencias de South Park) palideciendo el hallazgo brillante del tatoo. Dispar animación con aciertos y otros no tanto. 

Carlos Pierre 

                        

 

EN CINE ARTE LUMIERE, gratis 

www.cineartelumiere.com.ar 

 

QUERIDO PAPÁ, de Yuval Delshad. Israel. 

 

La historia de un padre y su hijo, su emigración de Irán a Israel, planteándose un choque de culturas no entre pueblos sino intrafamiliar. El cine Israelí cuenta historias pequeñas con puestas que se adecuan tanto al planteo narrativo formal como a la sensibilidad de los personajes. Para ver. 

 

FESTIVAL DE CINE DE LAS ALTURAS. gratis 

11 al 20 de setiembre 

 

VISIONADO DE PELÍCULAS, DOCUMENTALES Y CORTOS 

1- Ingresá al sitio web cinedelasalturas.com.ar 

2- Registrate: creá tu cuenta ingresando tu email y una contraseña. Con este registro podrás ver todas las películas del Festival del 11 al 20 de septiembre. 

3- Elegí el film: accedé a la sección OnLine y seleccioná la película que quieras ver. Se habilitarán tres largometrajes (ficción y documental) por día de las Competencias Internacionales. Los cortometrajes de la Competencia Cortos NOA estarán habilitados todos los días. 

4- Voto del Público: al finalizar la película podrás darle tu voto. 

Importante: Las películas estarán disponibles cada día desde las 00h a 23.59h según el horario de cada país. 

 

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DOCUMENTAL. gratis 

www.fidba.org/2020 

www.cont.ar 

 

(hasta el 30 de setiembre) 

Ya podés ver en Cont.Ar, donde te registrás en forma muy simple, la primera serie documental El tiempo de los trabajadores, cuatro episodios, que está incluido en este fantástico festival internacional de documentales. También podés ingresar a FIDBA, el sitio oficial del festival, de manera muy simple. Cine internacional gratuito. No te lo pierdas.  

 

FESTIVAL DE CINE ALEMÁN, ONLINE, gratis 

Del 10 al 14 de setiembre 

 

www.cinealeman.com.ar 

 

Recomendamos "El caso Collini" y "La audición", de las que tuvimos preestreno.  

 

NETFLIX 

 

CORAZÓN LOCO 

Dirección: Marcos Carnevale. Con Adrián Suar, Soledad Villamil, Gabriela Toscano, Betiana Blum, Alan Sabbag, Darío Barassi, entre otros. Música: Félix Monti.            Duración: 106 minutos. 

 

XXXXX- SUAR AL LÍMITE 

 

Tema reiterado: la doble vida amorosa es la base del guion de Corazón Loco. Tiene un aceptable soporte técnico, probada idoneidad del reducido elenco, la experiencia del director Marcos Carnevale, reunidos en torno a la figura de Adrián Suar, que sabe exponer sus dotes de comediante contando con aceptación de un vasto público. Por supuesto, conscientes de que se trata de pasatismo puro. Sin nada nuevo que mostrar, Suar y Carnevale basan el guion en la vida de un bígamo consuetudinario, Fernando Ferro (Adrián Suar) quien mantiene dos hogares, el de Paula (Gabriela Toscano) en la ciudad de Mar del Plata, donde es un prestigioso traumatólogo y en esta ciudad con Vera (Soledad Villamil). Fernando está enamorado de las dos y por ellas se desvive los jueves para ir y venir de la costa a Buenos Aires. Tiene dos hogares, hijos con una y otra, dos trabajos, dos automóviles, ropa para cambiarse a mitad de camino. Y es feliz. Siempre al límite, tanto en la vida del personaje como en la liviandad del planteo, caballito de batalla en la cinematografía internacional. Basta con recordar "Un toque de distinción" de 1972, con George Segal y Glenda Jackson, que batió todos los récords de taquilla. 

Convengamos que el sentido del film es entretener sin mayor profundidad, aun cayendo en lo anticuado, sobreentendiéndose en estos tiempos que las mujeres pueden seguir aceptando tanto destrato masculino. 

 

Carlos Pierre 

 

FESTIVAL INTERNACIONAL DE DOCUMENTALES FITBA 

GRATUITO 

 

LOS DOCUMENTALES DE STAN NEUMANN SOBRE LA HISTORIA DEL TRABAJO DE LA HUMANIDAD 

 

Notable historia del trabajo de la Humanidad, desde el siglo XVII al presente. Newman divide su filmografía en El tiempo de los trabajadores, El tiempo de las barricadas, El tiempo de la cadena, El tiempo de la destrucción, para contarnos con datos abundantes y animaciones, el surgimiento de la era industrial, la generación del proletariado, los grandes filósofos del siglo XIX acerca del trabajo y los empresarios, la industria de las guerras del siglo XX, las barricadas y los fusilamientos del siglo XIX, el trabajo industrial en Inglaterra rápidamente imitado por Bélgica, el trabajo artesanal de Francia, y la opresión de los dueños de fábricas y emprendimientos de todo tipo sobre los trabajadores de todos los siglos, desde obligarlos a vivir en los lugares de trabajo hasta quitarles las casas y someterlos a torturas, no considerar un horario fijo, no considerar la salud del obrero, y fusilar a los revoltosos, balas que se conservan en las piedras del cementerio Pere Lachaise de París. 

Entre los datos interesantes que aporta en este monumental trabajo de Stan Neumann surge la industria textil como la primera que genera una importante masa de obreros, primero en el siglo XVIII en Londres y Escocia, para luego trasladar la tarea a fábricas donde los aldeanos eran sometidos a horarios infrahumanos. Se recuerda la rebelión de los hilanderos alemanes, la de los obreros del centro de Italia, la creación de la palabra comunismo y el significado de "proletariado" (el que solo tiene a sus hijos, su prole). Un film de aquellos primeros años del siglo XX que es un hito en la materia fue, y es, "Metrópolis" de Fritz Lang, alemán que abandonó su país cuando surgió el nazismo. Siniestra automatización, penurias, hasta el día de hoy en el que se habla de la "destrucción" de los trabajos convencionales para darle lugar a la tecnología y a los robots, a la inteligencia artificial. Se puede ver en el sitio de FITBA y en Cont.Ar con solo registrarse. 

Carlos Pierre
 

JUEVES 3 DE SETIEMBRE DEL 2020.- 

 

UNA HISTORIA DE LA PROHIBICIÓN 

Guion y Dirección de Juan Manuel Suppa Altman y Martín Rieznik. Fotografía de Ary B. Lukides, Voz en off de Martín Armada. Cámaras de Lukies, Kelvo y Rieznik, Drone de Guillermo Ravaschino. Música original de Lu Foglio. Edición de Mauro Caporosi, Archivo de Ana Bovino, Jaun Manuel Suppa Altman, Gabriela Haberle. Duradión: 67 minutos. 

 

XXXXX- PARADÓJICA LUCHA CONTRA LAS ADICCIONES 

 

Juan Manuel Suppa Altman es abogado y periodista. EN 2018 publicó "La prohibición, un siglo de guerra a las drogas" e, interesado en el desarrollo del tema, realizó su primer largometraje basándose en sus investigaciones, junto a Martín Rieznik. El documental parte del caso de Eric Sepúlveda quien, en el 2016, fue detenido en Córdoba por poseer aceite de marihuana medicinal. Al terminar la edición del documental aún se esperaba el fallo judicial. 

Esto movilizó al realizador que, a través de cinco capítulos (El enemigo, La Ley Seca, La burocracia, Los bolches, La paradoja prohibicionista), explica la intervención directa de los Estados Unidos en el condicionamiento de los opiáceos y drogas de todo tipo, actitud invasiva que surge luego de la guerra civil del siglo XIX. Reuniones y convenciones internacionales a lo largo de todo el siglo XX sin que hasta el día de hoy se haya disminuido la cantidad de adictos no solo a la marihuana no medicinal sino a todo tipo de alucinógenos.  

En el siglo XXI, la liberación parcial de la marihuana (nombre puesto por el norteamericano Harry Anslinger, arquitecto de la guerra contra las drogas) se produjo en la República Oriental del Uruguay, pero subsiste un "mercado negro" de su aceite en nuestro país y Chile, cuanto menos.  

La intervención directa de los Estados Unidos en la resulta pues una prohibición paradójica porque, si hay un país consumidor de alucinógenos, es nada menos que el país del Norte. Recordamos que en los 80, fue una "moda" la apertura de granjas de recuperación por adicciones. Y no está mal preguntarse qué relación tuvo ese negocio al servicio de la salud con las presiones norteamericanas y la venta ilegal de drogas. 

El tema sigue en pie, como en el siglo XIX. Profusión de datos, entrevistas en la provincia de Córdoba, el aumento de fuerzas policiales, plantean el tema de manera que las preguntas y respuestas quedan en mano del espectador. El realizador no condena ni señala. Sin duda, hay demasiadas excusas políticas para que los países dominantes sigan teniendo la sartén por el mango (22 hs, jueves 3 septiembre, Cine.Ar Play) 

Elsa Bragato 

 

KARAKOL 

 

Guion y dirección de Saula Benavente. Con Agustina Muñoz, Dominique Sanda, Soledad Silveyra, Guido Losantos, entre otros. Participaciones especiales de Gabriel Corrado y Luis Brandoni. Fotografía de Fernando Lockett. Dirección Arte de Graciela Galán. Sonido de Moteni y Pecoro y Cacha Pérez. Montaje de Marco Furnari., Música de Gabriel Chwojnik. Duración:93 minutos. 

XXXXX- MÁS ARTE QUE BÚSQUEDA INTERIOR 

 

Karakol, así, con K, intenta hablar de la introspección, del duelo, de la búsqueda de consuelo. Saula Benavente consigue un alto nivel de realización, una narración fluida, en Karakol, película con buenos atractivos fotográficos. Pero no aborda la introspección que requiere su personaje, Clara, luego de la muerte de su padre. La historia se ambienta en una casona-mansión, donde vive la flamante viuda a cargo de Dominique Sanda (la actriz francesa fue pareja de Pino Solanas y decidió adoptar nuestro país como segunda patria). Salones de clase media alta, casa rodeada de parques, y visitas para darle el pésame, conforman el entorno social de la protagonista, Clara. Es ella quien no encuentra consuelo y decide buscar lejos de la Argentina ese "otro yo" que supone tenía su papá. El viaje trascendental termina siendo un tour costoso, plagado de diálogos superficiales, insulsos, que ni siquiera sobrevuelan el profundo dolor que Clara dice sentir. 

En síntesis, una muy buena realización técnica (Saula Benavente tiene una amplia trayectoria como directora) y un guion muy endeble son las características de esta película nacional que describe más los asuntos de una familia que una búsqueda interior de alguna respuesta ante la muerte. Se afirma que "menos es más": la extensa participación de Soledad Silveyra inicial le quita espacio, recursos, al desarrollo psicológico de la protagonista, o sea, al planteo de su dolor en toda su dimensión. La mirada interior, el meterse adentro como un caracol, no se produce. Añadimos, en líneas generales, que el cine nacional tiende al maniqueísmo conceptual: o lo marginal o la clase alta. Habría que repensar los guiones antes de llevarlos al rodaje. 

Elsa Bragato 

 

FESTIVAL DE CINE ALEMÁN: 20 EDICIÓN GRATUITA 

Se anuncia la 20 edición del Festival de Cine Alemán a realizarse del 10 al 14 de setiembre en todo el país. Será un festival vía Streaming, de forma totalmente gratuita. La programación incluirá 13 películas en preestreno, además de las secciones Next Generation Schort Tiger 2020, Documental y Para toda la familia. Solo tenés que ingresar a la página del festival. 

https://www.cinealeman.com.ar 

FESTIVALES DE CINE EN EL MUNDO: BERLIN, LONDRES, SAN SEBASTIAN, MAR DEL PLATA 

Hay fechas para los más importantes festivales de cine internacionales del mundo. El de San Sebastián se desarrollará entre el 16 y el 26 de setiembre próximos, allí compiten 10 films argentinos en diferentes secciones. El de Londres, el BFI, está previsto entre el 7 y el 18 de octubre. Y la famosa Berlinale asegura que será un "festival físico" o sea no online, en febrero del 2021. El muy nuestro de Mar del Plata tiene fecha para el próximo mes de noviembre.  

 

FESTIVAL CINE DEL MAR DE PUNTA DEL ESTE 

PREMIOS JORGE JELLINEK 

Culminó el Festival del Cine del Mar en Punta del Este. El film ganador fue "El hombre búfalo" del mexicano David Torres, alzándose con cuatro premios: Mejor película, Mejor Guion, Mejor Actor y Mejor Edición. El premio al Mejor Documental fue para la española "Tierras construidas" de Arturo Dueñas, el premio al Mejor Director fue para Fernando Duarte, la Mejor Actriz recayó en Malena González.  

 

 

OTROS ESTRENOS PREVISTOS EN CINE.AR PLAY: 

 

1.- EXPERIENCIA CUMBRE, documental de Magalí Buj y Federico Palumbo 

                                                                                                          

2.- INSULA, docuficción de María Onis, desde el 1ro de setiembre, Cine.ar Play

 

JUEVES 27 DE AGOSTO DEL 2020.- 

 

REESTRENO: SOLO GENTE, DE ROBERTO MAIOCCO, EN CINE.AR PLAY A LAS 22 HORAS DE ESTE JUEVES 

 

 

JUANAS, BRAVAS MUJERES 

 

Documental de Sandra Godoy. Voz de Mónica Cabrera. Sonido de Horacio Almada. Sonido directo en Uruguay de Fabiana Zalazar. Cámara y Fotografía de Javier Hick. Animaciones de Adrián Anarella. Música: Variaciones de Hijos del Pueblo de Pablo Grinjot. Duración: 69 minutos. 

 

XXXXX- CON LA REVOLUCIÓN A CUESTAS 

 

La revolución femenina del siglo XXI tiene poderosas representantes en el siglo XX, olvidadas, dejadas de lado, cuando fueron fundamentales en la reivindicación de los derechos femeninos. Una de ellas (porque hubo varias mujeres con fuerza social arrolladora) fue Juana Bueda o Juana Rueda, nacida como María de la Concepción Juana L. Vicenta Buela en España en 1869, fallecida a los 80 años en esta ciudad a raíz de un accidente automovilístico. Para Sandra Godoy, guionista y directora de este documental, el plural del título "Juanas" es una especie de síntesis de todas las mujeres que acompañaron a Juana Rueda en su lucha. Para nosotros, es la misma Juana en tres: nació como Juana Buela, tuvo un larguísimo nombre de nacimiento (ver más arriba), y fue Juana Rouco, seudónimo que le permitió subsistir en algunas redadas. El film se basa, en gran medida, en su autobiografía publicada en 1964 "Historia de un ideal vivido por una mujer", además de los datos que proporcionaron sus dos nietas, así como militantes anarquistas tanto de esta ciudad como de Montevideo, donde fue deportada. Desde los 15 años, Juana se subía a un banco arengando multitudes, avasallando con su temperamento y sus ideas muy claras, y la voluntad de enfrentar a la policía de esas décadas. Se la vio en la primera manifestación de inquilinos de 1907 hasta el conocido levantamiento anarquista de 1919, que tuvo una sangrienta respuesta por parte de las autoridades. En 1921 se unió a su compañero José Cardella con quien fue madre de 2 hijos. En 1930, la abandonó coincidiendo con la revolución de Uriburu. Necochea, Madrid, Barcelona, París, Montevideo, Río de Janeiro, conocieron su fuerza revolucionara, su capacidad para fundar diarios escritos por mujeres reuniéndose con congéneres tan capaces como ellas, cuyas voces estaban acalladas. Habló de la anticoncepción y del salario igualitario entre hombres y mujeres en la década del 30 adelantándose más de medio siglo a movimientos feministas similares. 

A nivel cinematográfico, Sandra Godoy planificó una narración diferente y atractiva: en los casos en que no tuvo material filmado de época, se valió de escenarios reales integrándolos con figuras animadas. La resolución del relato es estupenda, así como la dosificación de las entrevistas y de los archivos ilustrativos. La voz en off, con acento castizo, de Mónica Cabrera nos permite viajar en el tiempo y transitar tantas luchas como si estuviésemos con la misma Juana Rouco Buela, atemporal y eterna como sus principios de vida. No se pierdan este documental. 

 

Elsa Bragato 

 

MALVA 

Documental de Carina Sama. 

 

XXXXX- HISTORIA DE LA TRANS MÁS LONGEVA 

 

Durante un año y medio, la inquieta cámara de Carina Sama "dialogó" con Malva, la trans más longeva, de 95 años, en una casa de retiro de la provincia de Buenos Aires, aunque los fines de semana se iba a su casa en Villa Urquiza. Con respeto y responsabilidad, Sama ingresó al mundo tan especial de una trans con casi un siglo de vida, cargada de experiencias inimaginables, casi 100 años de historia desde un lugar no convencional. La militancia de Malva, desde los años 40 hasta los 80, se apoya no solo en su relato plácido sino en el propio archivo conformado por 204 fotografías. Nacida en Chile recuerda cómo vino a pie a nuestro país donde fue cocinera y vestuarista, vestida "de varón" para su trabajo. Las represiones de los 50, la cárcel y vivir en libertad defendiendo su elección sexual, formaron parte de su vida, un mundo desconocido para la mayoría que la memoria de la trans más longeva nos descubre con un hablar sobrio, con la inestimable colaboración de su amiga (también trans) Marlene Wayar. Lamentablemente esta notable protagonista falleció cuando se comenzaba la postproducción dejándonos su rico relato como documento inestimable sobre la transexualidad en el siglo XX, acallada por represiones e hipocresía social. Excelente trabajo (Cine.Ar Tv el viernes 18 de agosto a las 18 hs, repetición sábado 29 a las 6 AM y 12 PM; desde el viernes 28 una semana gratis en Cine.Ar Play) 

 

Elsa Bragato 

 

 

MATAR AL DRAGÓN 

 

De Jimena Monteoliva. Con Guillermo Pfenning, Justina Bustos, Luis Machin, Cecilia Cartasegna, Querelle Delage, entre otros. Cinematografía de Georgina PRetto. Edición de Kats,Kleinman y Manouchan. Fotografía de Georgina Pretto, Duración: 125 minutos.  

 

XXXXX- LABERINTOS DEL HORROR   

Los opuestos se atraen, tal pareciera ser la secreta consigna de este logrado film de Jimena Monteoliva, que narra la vida de una joven, Elena (Justina Bustos), raptada por el asesino de sus padres; con el tiempo, la devuelve a la casa familiar, donde habita su hermano (Guillermo Pfening) junto a su mujer y dos pequeñas niñas. Monteoliva busca laberintos faunescos virando la fotografía al verdeazulado al mismo tiempo que confía la acción a un gran actor como Luis Machín, transformado en un ser tenebroso, bastardo y lascivo –como los faunos mitológicos-. El dragón del que nos habla el título es el mal, lo oscuro, lo bestial, que encarnan seres subterráneos, convivientes de "Tarugo" (Machín), opuestos a la luz y al señorío del afuera, retratada por la mansión en la que Facundo (Pfening) habita. Por sobre la historia, que cobra dimensión de intenso thriller con la aparición de "Tarugo", está el metamensaje social: la opulencia vs la marginalidad, aunque Monteoliva mo acusa ni a unos ni a otros. Solo muestra, retrata, la desigualdad de ambos sectores, a semejanza del bosque que rodea la casa de Facundo que esconde lo siniestro si bien deja claros amplios por donde se cuela la luz del sol. Buena narración, buena fotografía, con un comienzo diferente animado (leyenda de La Hilandera), destacándose la actuación de Guillermo Pfening y Luis Machín. Solidez en la historia, planos opuestos diferenciados, y dosis creciente de terror con el toque "gore" necesario. 

 

Elsa Bragato 

 

LA MALDICIÓN DEL GUAPO 

 

Dirección y guion: Beda Docampo Feijóo. Con Gonzalo de Castro, Juan Grandinetti, Malena Alterio, Ginés García Millán, Carlos Hipólito, entre otros. Dirección de Fotografía: Imanol Nabea. Montaje: Cristina Laguna. Dirección de Arte: Sandra Iurcovich. Música: Federico Jusid, orquesta Sinfónica de Hungría. Coproducción de España- Argentina. Duración: 89 minutos. 

 

XXXXX- UNA HISTORIA DE ELEGANTES ESTAFADORES 

 

Elegante y altisonante comedia de Beda Docampo Feijóo con punzantes diálogos, a través de una estética basada en una edición efectiva, un desarrollo argumental diferente con personajes que no son lo que parecen. Hay maestría en la realización del cineasta, de trayectoria vasta y prestigiosa (Camila de 1984, nominada al Oscar en 1985, El último tren de 2002, Amores locos de 2009, Francisco de 2015, sobre la vida del Papa Bergoglio, entre otras), que vuelve a sorprender con un lenguaje propio, culto, que incluye alusiones desde Borges (el nombre de un dogo de Burdeos), hasta Diario de un seductor del danés Sören Kierkegaard, Freud, entre otros representantes de la cultura universal. Dentro de este vasto espectro, fluye la comedia, con sorpresivos cambios de personalidad en sus protagonistas. 

La trama se basa en la ayuda que Humberto (Gonzalo de Castro), ex convicto, guapo y seductor, le da a su hijo Jorge (Juan Grandinetti) para que reponga la joya que dos mujeres sustrajeron del negocio donde trabaja. A partir de esta línea argumental, surgen diálogos agudos, cortantes, que resultan efectivos, algunos con cierta falta de vehemencia. No obstante, las actuaciones son muy destacadas. Entre otros integrantes del elenco, sobresale Malena Alterio (protagonista de notables sucesos de Antena 3, España, hija de Héctor Alterio) en el papel de "Dora", la gerente del negocio teniendo un rol sustancial en la narración. Destacamos la música incidental de Federico Jusid, compositor argentino radicado en Madrid, que enfatiza las secuencias entre padre e hijo otorgándoles emotividad.  En síntesis, se trata de una comedia elegante, prolija, que entretiene de principio a fin. 

 

Carlos Pierre 

 

JUEVES 20 DE AGOSTO DEL 2020.-


CRIMENES DE FAMILIA

De Sebastián Schindel. Con Cecilia Roth, Miguel Angel Solá, Bengamín Amadeo, Sofía Gala Castiglione, Paola Barrientos, Yanina Avila, Diego Cremonesi, Marcelo Subiotto y Claudio Martínez Bel. Fotografía de Julián Apezteguía. Edición de Sebastián Schjaer. Arte de Daniel Gimelberg. Sonido de Ignacio Goyen y Federico Esquerro. Música de Sebastián Escofet. Duración: 99 minutos.

XXXXX- DRAMAS DE LA VIDA COTIDIANA

Un drama familiar, un thriller: la vida misma en una nueva película de Sebastián Schindel (recordar "El patrón, radiografía de un crimen"). Un matrimonio acomodado enfrenta la cárcel de su hijo, el alejamiento de la nuera, la imposibilidad de ver al nieto, y la violencia de género contra la mucama, madre de un niño. Cecilia Roth carga al hombro el hilo conductor de esta historia con muchos matices de la vida componiendo a "Alicia" quien enfrenta las circunstancias límites desde su clase social; cuando los hechos no se pueden manejar, la solución es el dinero "cash". Su marido es Miguel Angel Solá, "Ignacio", abandónico y egoísta con una pátina de tierna pasividad. Un baño de realidad golpea al núcleo familiar que se quiebra recomponiéndose en solitario, cada uno como puede. Surgen diferentes subtemas o capas narrativas, una sobre otra, y "Alicia" en el centro, como sostén no voluntario del drama de otros y del propio. Sofía Gala Castiglione, sustancial en roles protagónicos o secundarios, lleva la piel de la nuera, mientras Benjamín Amadeo es el hijo no pródigo de "Alicia" e "Ignacio". Cada personaje descargará su dolor, su frustración o su felicidad sobre "Alicia", sin ella la resolución será imposible.

La historia está muy bien contada, siguiendo el paso a paso concebido en el guion del mismo Schindel junto a Pablo Del Teso: logran una puesta dosificada y ágil a la vez entre el drama cotidiano y el policial. Elenco de primerísimo nivel, actuaciones excelentes y un cuento bien contado, tres elementos manejados con habilidad y creatividad por Sebastián Schindel. Para no dejar pasar (desde este jueves 20 en Netflix. Entre el viernes 21 y el jueves 27 inclusive se puede ver además en Cine.ar Play, mientras que este jueves y el sábado a las 22 se emite por Cine.Ar TV).

Elsa Bragato



LA SUPERBALL

Dirección: Agustín Sinibaldi. Guion: Gonzalo Caldera. Dirección de Fotografía: Danilo Galgano. Montaje: Alejandro Rath. Música: Los Mutantes del Paraná. Duración: 66 minutos. Documental (20l7). Filmado en Bell Ville, Provincia de Córdoba.

XXXXX-LA "REDONDA", DE CÓRDOBA AL MUNDO

Fútbol pasión de multitudes es mucho más que una frase del "cotidiano". Tiene que ver con nuestra idiosincrasia, a pesar de sus raíces anglosajonas. El barilochense Agustín Sinibaldi se nutrió de la historia del fútbol nacional y de las particularidades de la que fuese llamada "la pecosa". Focalizó en Bell Ville, Córdoba, para reivindicar el invento de tres hombres que revolucionó el mundo de este deporte para siempre: tres amigos lograron modificar las costuras y la ubicación de la válvula haciendo que la pelota de cuero lograra perfección en su esfera, porque cabalmente no lo era.

Hay dos significativas anécdotas de los Mundiales de Fútbol de 1950 y 1978, respectivamente, el recordado "Maracanazo" en el que Uruguay se llevó el preciado título, y el mundial Argentina 1978 donde brilló Mario Kempes, cordobés de pura cepa: la pelota "a lo cordobés" se uso en ambos eventos. La revancha divina tuvo dos elementos sustanciales: la pelota que rodó y nos hizo ganadoras de ese Mundial y la performance inolvidable de Mario Kempes, cordobés de pura cepa. Es que los gestores no lograron cambiarle el nombre, de Superball, bien sajón, a Superbal, con nuestra "a" bien clarita. Pero "la que rodó" fue la Bellvillense. El documental está filmado en esa hermosa localidad de Córdoba, mostrando nuestra sociedad, nuestra cultura, nuestras industrias, y valorando la labor de los clubes del barrio tanto como el de las sacrificadas mujeres cosedoras. Prolijidad narrativa, atractivo planteo, "La Superball" cuenta con una veintena de entrevistados y la especial presencia de Mario Kempes, ícono del fútbol nacional. Es una muy interesante propuesta que rescata una historia valiosa del fútbol: el de la "redonda" que hoy se usa, la que rueda y nos da la gloria o todo lo contrario (Cine.ar Play).

Carlos Pierre



ALBA

De Ana Cristina Barragán. Con Macarena Arias, Pablo Aguirre, Amaia Merino, entre otros. Fotografía de Simón Brauer, Sonido de Alex Icaza, Edición de Asuad, Melero y Avilés. Arte de Oscar Tello. Duración: 94 minutos. Coproducción Ecuador, México, Grecia.

XXXXX- MIRADA DE NIÑA

Pocas palabras, una historia silente pero gestual y profunda. Con apenas 11 años y ninguna experiencia actoral, la niña Macarena Arias asume un protagónico conmovedor, el de Alba. Su rostro y su mirada suplantan con creces cualquier diálogo. Su presencia es absoluta en esta historia como hija de un matrimonio en el que la madre está internada y el padre es un ser ausente. Alba debe resolver de qué manera acepta las circunstancias adversas que le tocan vivir. Para la directora Ana Cristina Barragán, su objetivo ha sido que el film "vaya más allá de la historia". Lo logra con creces. Se ve claramente que su dirección actoral ha sido magistral: Alba, o sea la pequeña Macarena Arias, fascina desde su mirada de asombro, su resolución de situaciones complicadas, aceptando un destino con la madurez de los niños que la pelean desde que nacen. Barragán, al revés de otros directores, cuenta mucho con pocas palabras utilizando planos precisos, determinados, para retratar cada una de las reacciones de la protagonista. El instinto actoral de la pequeña es conmovedor nutriendo a su personaje de una solvencia demoledora, sin dejar de ser niña, de vivir su primer beso, de tener sus amigas, aceptando como puede a su padre, en medio de una conmoción interior que solo se lee en su mirada. "Alba" es una mirada tierna y veraz de una niña que enfrenta situaciones de adultos. Es un film diferente, de ésos que solo podemos mirar con los ojos del corazón (se puede visualizar a partir de este jueves en Home del Cine Virtual, la entrada vale 160 pesos por Mercado Pago, www.puentesdecine.com).

Elsa Bragato
 



OTROS ESTRENOS PREVISTOS

SENTADAS EN EL UMBRAl, ficción de Daniel Alvarado. Por Cine.ar Play.

RECOMENDACIONES EN NETFLIX:

1.- The hater, film polaco

2.- "Sinatra", documental

3.- "Nasha Natasha", documental sobre Natalia Oreiro.

 

JUEVES 13 DE AGOSTO DEL 2020.-

 

UNA CHICA INVISIBLE

Guion y dirección de Francisco Bendomir. Con Andrea Carballo, Javier de Pietro, Pablo Greco, Lola Ahumada, María Rosa Fugazot, Leandro Martín López, Claudio Torres, Amancay Kazgudenian. Arte de Luis Montoya. Sonido de Fernando Ribero. Música de Pablo Crespo. Duración: 80 minutos.

 

XXXXX- SER EN TIEMPOS DE VIRTUALIDAD

 

Una actriz frustrada, un hacker, un novio celoso, una niña impertinente, conforman la plana protagónica de “Una chica invisible”, idea de Francisco Bendomir, su realizador. A partir del film americano “Truman Show”, pensó en lo traumático que sería vivir rodeado de cámaras espías. Y es lo que le ocurre a la protagonista, “Andrea”, que intenta suicidarse con un tutorial online. Personajes incomunicados afectivamente, viviendo realidades más virtuales que reales, caen presa de las tentaciones que ofrece la “vida online”: un hacker ayuda al novio de “Andrea” en su “voyeurismo” por celos. El aislamiento de cada uno de ellos se acentúa por el uso de la cámara: plano y contraplano en una narración con una progresión incierta y con sus protagonistas que se reúnen en escasas oportunidades. Prima la individualidad mientras que las pocas reuniones resultan explosivas. Un aspecto poco cuidado es el vocabulario que intenta veracidad pero cae en un sublenguaje grosero. En general, se trata de un planteo atractivo con personajes bien delineados y cierta ironía teniendo a la invisibilidad como sustrato conceptual. Es decir cómo seguir siendo sin el otro (la “otredad” en tela de juicio) porque unidos las cosas no van tan bien (ver en Cine.ar ESTRENOS a partir de este jueves 13).

 

Elsa Bragato

 

 

LOS TRABAJOS Y LOS DÍAS

Documental de Juan Villegas. Fotografía de Inés Duacastella. Montaje de Guillermina Chiariglione. Sonido de Valeria Fernández. Duración: 61 minutos.

 

XXXXX – DESDE EL SÓTANO DEL TEATRO COLÓN

 

El realizador Juan Villegas retrata en el documental “Los trabajos y los días” el quehacer del CETC (Centro de Experimentación del Teatro Colón) donde sobrevuela el recuerdo del pianista y compositor Gerardo Gandini, gestor de la ejecución de la música del Siglo XX, aquélla de avanzada con eco, especialmente, en la gente joven a partir del año 1996.

Inquieto proyecto ideado por Sergio Renán en 1990, 30 años atrás, que fue dirigido por el maestro Gandini durante un período de tiempo importante (Gandini falleció en el 2013). Nada más apropiado que el título Los Trabajos y los Días, como aquel poema de Hesíodo, dado que este documental muestra la cocina de una trabajosa labor técnica e instrumental para llevar adelante una obra musical que deberá ejecutarse en unos pocos días en los espacios más íntimos del Teatro: están en el sótano del Colón, por lo que deberán sortear no pocos obstáculos para salir a la luz.

La escritora Beatriz Sarlo testimonia con su voz el homenaje al recordado maestro Gandini, quien aparece en el comienzo poniendo a punto su piano y, en el final, a través de la ejecución de la obra en preparación a cargo de un pequeño conjunto de cámara.

La narración resulta, por momentos, carente de la proverbial mística que brota de esta sala porque ameritaba otro tipo de relato para retratar la ejecución de una obra moderna, de audaz frenesí, como la que se ve y escucha. Es que gran parte del trabajo del realizador Villegas consiste en mostrar con fidelidad la tarea de iluminadores, escenógrafos, y administrativos, dejando poco espacio para la producción musical del centro que revolucionó en los últimos años el quehacer musical porteño. De todas maneras, es un valioso rescate de la figura del maestro Gerardo Gandini, discípulo de la famosa Juilliart, músico de jazz y tango de vanguardias, compositor de óperas, al frente del CETC, en donde subsiste su impronta (a partir de este jueves en el salón virtual de www.puentesdecine.com ).

 

Carlos Pierre

 

 

LA CONQUISTA DE LAS RUINAS

Documental de Eduardo Gómez. Coproducción de Argentina, Bolivia y España. Fotografía de Fernando Marticorena. Música de Guillermo Semproni. Sonido de Vladimir Alba Ortuno. Montaje de H. Freddy H. Gómez Quiroga. Duración: 70 minutos.

 

XXXXX- LA CIVILIZACIÓN QUE DESTRUYE

 

Filmado en blanco y negro, el realizador boliviano Eduardo Gómez describe con imágenes y sonido incidental conmovedor la destrucción y la construcción, desde las canteras que se explotan a riesgo de vida de los trabajadores hasta la construcción con esas mismas piedras procesadas de las ciudades, que crecen y arrasan con subsuelos. Planta sus cámaras en Orcoma, Capinota, en Cochabamba, Bolivia, y en Villa El Chocón, entre Río Negro y Neuquén. El riesgo de vida, la pobreza extrema, la discriminación social, son los factores con los que conviven los peones bolivianos y argentinos, respectivamente. Los barrios privados, los campos minados de restos fósiles como La Buitrera (Río Negro), los paleontólogos (Sebastián Apesteguía descubrió esta zona hace unos años) y los herederos de las antiguas civilizaciones, se unen en un solo clamor: rescatar los cementerios indígenas, los campos fosilíferos, de la codicia constructora humana. Tanto material a documentar está unido por una notable fotografía y una música incidental potente que obra como acompañante del desgarro de las canteras en este ir y venir desde la destrucción a la construcción, inherente a la vida humana. Es definitiva, es una propuesta interesante que tiene por protagonista a la naturaleza misma en contraposición con lo hecho por la mano del hombre que desecha y destruye. Controversial y real.

Elsa Bragato

 

 

Otros estrenos previstos:

 

CABALLO DE MAR, de Ignacio Busquier. Ficción sobre Rolo, un marinero cansado de la vida en alta mar, que pierde su barco en un pueblo portuario. Un thriller romántico.

 

NOVEDADES DE CINE.AR PLAY

 

1.- Ata tu arado a una estrella, de Carmen Guarini

2.- Sueño Florian+opolis, de Ana Katz

3.- Ñices u diemdes. De Ñicoama Maza Toimil

4.- Lua Em Sagitario, de Marcia Paraíso

5.- Sombras de Luz, de Daniel Henríquez

6.- A más tardar, de Mariana Guth

7.- Joel, de Carlos Sorín

8.- Vocemte Casares, de Gonzalo Zapico, corto

9.- Mirko, de Federico Luis Tachella, corto

 

RECOMENDACIONES DE NETFLIX: HATER, FILM POLACO, Y DOCUMENTAL “SINATRA, ALL OR NOTHING AT ALL”, BIOGRAFÍA DE FRANK SINATRA

 

6 DE AGOSTO DEL 2020.-

 

LOS CAMINOS DE CUBA

Guion y dirección: Luciano Nacci. Producción, Sonido y Montaje: Luciano Nacci. Fotografía: Pablo Franco. Música: Ficus Music. Duración: 61 minutos. Documental, 2019.

XXXXX- REDESCUBRIENDO LA LUCHA CUBANA

El rionegrino Luciano Nacci realizó “Los caminos de Cuba” a 60 años de la revolución liderada por Fidel Castro con una cámara inquisidora para desentrañar las raíces del pueblo cubano, un interior profundo de heroísmo y pobreza. Trabó amistades con campesinos, músicos, artesanas, un entrenador de béisbol -deporte nacional-, contando con el apoyo de un taxista para cumplir con su objetivo.

Fueron cuarenta y cinco días compartidos con estos cubanos de pura cepa que contaron sus vivencias, sus carencias y el apoyo del gobierno posterior a través de la medicina gratis y la electricidad doméstica, por ejemplo, y manifestaron su apoyo a la revolución sin tapujos, salvo un disidente.

Luciano Nacci debuta en el largometraje con varios aciertos desde lo estrictamente cinematográfico como completar con fotografías en blanco y negro rememorando aquellos años de la revolución hasta ser él mismo un interlocutor válido para los pobladores entrevistados, teniendo su propia opnión sobre ellos, Cuba y las preguntas y respuestas que logró y las que quedaron en el tintero. Promisorio debut de Luciano Nacci redescubriendo una revolución que movilizó los cimientos de América Central y América Latina. Muy interesante (Jueves 6 en Cine.Ar TV y Viernes 7 en Cine.Ar Play).

Carlos Pierre

 

AL ACECHO

De Francisco D’Eufemia. Con Rodrigo de la Serna, Belén Blanco, Walter Jacob, Facundo Aquinos, entre otros. Fotografía de Diego Poleri, Edición de Francisco D’Eufemia, Arte de Juan Pedro Valle, Sonido de Natalia Toussaint, Música de Ariel Polenta. Duración: 84 minutos.

 

XXXXX- ATRAPANTE THRILLER RURAL

Si hay un actor que garantiza credibilidad, ése es Rodrigo de la Serna, reconocido en el país con un premio Kónex, un Cóndor de Plata y un Martín Fierro (entre otros) y, en el exterior, con el premio Independent Spirit Award y el BAFTA. En Al Acecho lleva sobre sí la historia de este thriller rural: compone a Pablo Silva que es enviado como guardaparque al Parque Pereyra Iraola para detener a los cazadores furtivos de la zona. La cámara de D’Eufemia utiliza planos secuencias cortos que empatizan al espectador con el personaje a través de una narración dúctil. De esta manera le otorga buena dosis de suspenso a un guion dependiente del protagonista. La historia en sí es pequeña pero logra que la imaginación del espectador juegue sintiendo miedo o bien previendo desenlaces terribles. Por ello resulta muy atractivo el planteo cinematográfico de Francisco D’Eufemia quien, lejos de buscar efectos fuera de la cámara, se apoya en la creatividad y la coherencia para alcanzar su objetivo. Para tener muy en cuenta (Jueves 6 en Cine.Ar TV y viernes 7 en Cine.Ar Play a las 22 hs).

Elsa Bragato

 

UN LUGAR LEJANO

(Esta crítica fue presentada el 23 de julio pasado en esta sección)

(2009)

Dirección: José Ramón Novoa. Guion: José Ramón Novoa-Fernando Butazzoni. Con Erich Wildpred, Marcela Kloosterboer, Mirela Mendoza, Tristán Ulloa, Alberto Alifa, Elba Escobar, entre otros. Sonido: Guillermo Palacios. Fotografía: Oscar Pérez. Montaje: Sergio Zóttola. Coproducción: Venezuela, Argentina, España, con el aporte técnico de Panavisión. Música: Osvaldo Montes. Duración: 100 minutos.

XXXXX- APUESTA A LA RESILIENCIA

Drama romántico basado en la novela “Un lugar lejano” del narrador uruguayo Fernando Butazzoni, está protagonizado por Erich Wilpred (Julián), un famoso fotógrafo, en sus 40 años, se siente abandonado a su tristeza, mientras enfrenta un cáncer en el pulmón. Su sueño es tomar una foto una foto especial, por lo que decide ir en busca de su deseo. Encuentra el nombre Manchuria de manera accidental en la Patagonia argentina, que es una estación muy antigua caracterizada por una locomotora especial. El viaje es azaroso: de Venezuela, Julián parte a Galicia y vuelve a América Latina concretamente a nuestra Patagonia, pleno invierno, helada. Se siente desfallecer cuando una montañera llamada María, que encarna Marcela Kloosterboer. Se hace cargo de su salud. 

El director Novoa logra remontar la narración que tuvo una introducción muy lenta hasta llegar a una segunda parte donde la presencia de María es el “twist” necesario para re-encarar la historia. Los rubros técnicos son muy buenos, desde la producción en sí hasta la fotografía y el posterior montaje. Aún con una morosa narración inicial, Julián y María protagonizan una emotiva historia, que se disfruta. A pesar de que hay dos partes bien claras, una inicial muy lenta y la segunda ágil, hay que tener en cuenta la coproducción entre tres países y la solvencia actoral del rubro protagónico. Novoa y sus personajes despiertan un grato aliento de ternura y resiliencia. (jueves y sábado a las 20 horas en Cine.ar Tv y desde elviernes, en Cine.ar Play)

Carlos Pierre

 

OTROS ESTRENOS PREVISTOS EN CINE.AR PLAY

ECOSISTEMAS DE LA COSTANERA SUR, documental de Matías Szularski.

“ESPERO TU (RE) VUELTA”

Documental de Eliza Capai. Música de Decio 7. Fotografía de Eliza Capai y Bruno Miranda, Edición de YHuri Amaral  Eliza Capai. Duración: 93 minutos.

XXXXX- JUVENTUD, DIVINO TESORO

Este documental, “Espero tu (re) Vuelta”, de Eliza Capai no tiene parangón por lo novedoso y su calidad técnico-narrativa validando cada uno de los premios que logró en su carrera festivalera internacional (Berlín, Amnesty international Film PRize, Peace Film Award, Best Youth Feature Film, BAFICI, Seattle international film Festival, Shelfield International Documentary Festival, entre otros). Sin solución de continuidad, Capai muestra los comienzos de las luchas estudiantiles en San Pablo, primero por recuperar el boleto estudiantil, para luego hacer retroceder a varios gobiernos (Dilma Rousseff, Michel Temer y Jair Bolsonaro) en sus embestidas como lo fue la peregrina idea de renovar la educación en todos los niveles ocultando el cierre de casi 100 escuelas públicas para favorecer a las privadas. Como un espejo a lo largo de América Latina, los jóvenes reaccionan como se debe ante el avance del ideario neoliberal que es discriminador en esencia: ser negro, ser pobre, suficientes condiciones sociales no buscadas para tener vidas invivibles. Sin dejar que la cámara haga su trabajo, Capai se vale de tres jóvenes como narradores en off: lucas Penteado, Nayara Souza y Marcela Jesús. Y se mete objetiva y subjetivamente en medio de las refriegas policiales que cargan sobre las manifestaciones con gases lacrimógenos (con uno solo se comprarían 500 almuerzos) y palazos, dejan inconscientes y malheridos a muchos jóvenes. Bataholas que, desde mayo de 1968 (al menos un comienzo relativamente reciente) hasta nuestros días, nunca dejaron de producirse por un sentimiento elemental: la justicia social, la que esperamos, la que se necesita. Notable documental, el mejor en muchos años que hemos visto no solo por el contenido sino por su realización sin fisuras. Añadimos que estos movimientos comenzaron en San Pablo en el 2015 y culminaron en el 2018 sin que esto signifique un “nunca más”. La injusticia continúa de pie (A partir del 6 de agosto en Sala de Cine Virtual de www.puentesdecine.com, el pago de la entrada de 160 pesos via Mercado Pago, tarjeta de débito o crédito).

Elsa Bragato

 

JUEVES 30 DE JULIO DEL 2020.-

 

AGUA DOS PORCOS

De Roly Santos. Con Roberto Brindelli, Mayana Neiva, Daniel Valenzuela, Alana Lopes, entre otros. Guion del autor de la novela “El muertito”, Oscar Tavernise. Fotografía de Vinni Gennaro, Arte de Magno Ferreira, Música de Edu Zvetelman. Duración: 108 minutos.

 

XXXXX-DETECTIVE POR ENCARGO

Dentro del llamado “neo-noir” se inscribe “Agua dos porcos”, film coproducido que dirigió Roly Santos, basándose en la novela “El muertito”, de Oscar Tavernise, (primer libro del afamado guionista de “Poliladron”). La historia se desarrolla en medio de la selva misionera, concretamente en la Triple Frontera, siendo “Aguas dos porcos” un paraje argentino dentro de la zona con nombre en portugués. El actor uruguayo Roberto Brindelli, radicado en Brasil, compone a Gualtieri, el protagonista de esta historia, ex policía, ahora detective por encargo. El merodeo en situaciones densas laterales hace perder fuerza al objetivo que es mostrar lo que sucede con ese “muertito” en una zona alejada del poder central donde todo es posible, desde la trata de blancas hasta el contrabando de niños. La no linealidad narrativa torna confuso el guion, aunque permita conocer historias colaterales interesantes porque de una u otra forma están ligadas al trabajo de Gualtieri. Aspectos técnicos muy logrados, fotografía, música y actuaciones, dentro de un mundo delincuencial que estremece, en un film atractivo, aunque sin la fuerza del policial neto. (Cine.ar TV jueves y sábado a las 20 horas, Cine.ar Play desde el viernes 31, durante una semana).

 

Elsa Bragato

 

EL ENCANTO

De Juan Pablo Sasiaín y Ezequiel Tronconi. Con Ezequiel Tronconi, Mónica Antonópulos, Boy Olmi, Andrea Frigerio, Michel Noher, Lucas Crespi, Yamila Saud. Fotografía de Eric Elizondo, Arte de Lucila Presa, Sonido de Adrián Rodríguez y Gustavo Pomenarec. Duración: 74 minutos.

 

XXXXX-AMOR DESPUÉS DEL AMOR

Ezequiel Tronconi no solo es codirector sino también el protagonista de esta película que se centra en la pareja que “Bruno” mantiene desde hace 8 años con “Juliana” (Mónica Antonopulos), conductora de televisión. Tanto Troncoli como Antonopulos componen una hermosa pareja, con mucha química actoral con escenas íntimas filmadas con cuidado extremo, dándole un matiz poético poco común. Se produce empatía, encanto, con el espectador.

El problema no está en la realización que es honesta y esmerada sino en el guion: este amor que Bruno y Juliana sienten, esa búsqueda del hijo que los atrae y los separa, tiene un elemento disruptivo convencional, de nula profundidad psicológica. Es el engaño, lo inoportuno, lo inesperado: Bruno no quiere ser padre y cae en situaciones conflictivas. Esta decisión sobre la paternidad se diluye en el transcurrir del relato con mucha superficialidad. Aunque rescatamos varias secuencias interesantes como los diálogos de Bruno con su padre (Boy Olmi) que nos devuelven al eje narrativo. El amor está, la pareja atractiva es el centro de la historia, los personajes secundarios (Olmi- Frigerio) aportan mucho a esta fábula sobre un matrimonio joven que debe enfrentar la llegada de un hijo sin temor. Propuesta interesante, guion con debilidades, excelentes actuaciones y realización. (Cine.ar TV jueves y sábado a las 20 horas, Cine.ar Play desde el viernes 31, durante una semana).

 

Elsa bragato

 

BUSCANDO A PANZERI