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Comentarios de CINE
Por Elsa Bragato

BRAGATISSIMO
www.arinfo.com.ar

Sábados de 16 a 17

ELSA BRAGATO Y CARLOS PIERRE

 

*Colaboración del crítico y productor Carlos Pierre

http://www.elsabragato.blogspot.com  El site de Elsa Bragato

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JUEVES 4 DE ENERO DEL 2018.-

Cinco estrenos variados inician el camino del cine nacional e internacional de este nuevo año, 2018.

“OLÉ, EL VIAJE DE FERDINAND"

Animación dirigida por Carlos Saldanha. Música de John Powell. Animación de Renato Falcao. Es la historia de un toro manso, no le gusta embestirse con otros toros y sí, en cambio, descansar bajo un árbol y oler flores. Por error, es elegido para las corridas de toros en Madrid.

“No tanto un “olé” pero más que aceptable (…) Consigue subsistir con escenas lo suficientemente encantadoras y gags entretenidos que compensan una historia que se atasca”, de Michael Rechtshaffen, The Hollywood Reporter.

Encantadora (…). Sincera, agradable, sorprendentemente divertida y, en general, fiel al material original”, de Peter Debruge, Variety.

LA RUEDA DE LA MARAVILLA (WONDER WHEEL)

Guion y dirección de Woody Allen. Con Kate Winslet, Justin Timberlake, Juno Temble, Jim Belushi, entre otros. Música de catálogo. Duración 101 minutos.

XXXXX – LA RUEDA DEL INFORTUNIO

Esta es la película número 47 de Woody Allen, realizador incansable y generador a ultranza de convergencias y oposiciones, menos risueño y más dramático, en este caso muy teatral. Regresa a su New York natal, con su habitual devoción, recreando en forma magnífica el parque de diversiones de Coney Island, en 1950, a dos pasos del océano.

Con narrador en off incluyendo monólogos a cámara, está el personaje omnisciente de Michey (Justin Timberlake), seductor socorrista. Hay tres personajes más que componen un intrincado cuarteto: Ginny (Kate Winslet), una ex actriz venida a menos que trabaja como mesera en una casa de venta de almejas, Humpty (Jim Belushi), operador de carrusel, y Carolina (Juno Temple), hija de Humpty que se esconde de los gángsters en el departamento de su padre luego de un gran alejamiento del mismo.

Violencia y pasión se desata entre los cuatro personajes, . Ginny quiere volver al teatro y Mickey sueña con ser escritor. Son ellos la pareja central: el socorrista enamora a la desvalida actriz –no se lleva bien con su marido, Humpty (J.Belushi)- y, sin muchos peros, hace caer en sus brazos a la joven Carolina. Amores, sexos, traiciones, van acentuando el clima de la narración. Son cuatro almas desoladas e insatisfechas con sus vidas, que esconden dramas personales, en medio del bullicio del parque de diversiones de Coney Island. Un contraste elemental pero que le sirve a Woody Allen para mostrar blanco sobre negro. Y, para no dejarse evaporar por el sólido elenco, el octogenario realizador buscó un “alter ego” inusual: el hijo de Humpty, piromaníaco, burlón y díscolo. Una película, en este sentido, con toques autobiográficos de Allen, quien conoce muy bien New York y, en especial, la zona de Coney Island.

Si bien esta película no es la más lograda de Allen, especialmente porque sobrevuela el drama más que profundizarlo, hay momentos intensos como los que encara Kate Winslet: la tragedia humana, o el vivir esas vidas, resulta convincente aún con pequeñas debilidades en el guion que, no obstante, carece de fisuras. La fotografía de Vittorio Storaro es de excelencia subrayando la intensidad de las escenas con planos cortos así como diseño de arte se luce en la recreación de Coney Island, sumándose la música de catálogo, nunca incidental, soporte indiscutido de este empedernido amante del jazz. Es el mismo de siempre: Allen agrega a su extensa filmografía un toque dramático, muy clásico, tal vez “old fashioned”, pero con su sello indiscutido.

                                                                      Carlos Pierre

 

27 EL CLUB DE LOS MALDITOS

Guion y dirección de Nicanor Loreti. Con Diego Capusotto, Sofía Gala, Daniel Aráoz, Willy Toledo, Yayo Guridi, El Polaco, Nai Awada, Ezequiel “El Polaco” Cwirkaluk, entre otros. Música de Pablo Sala. Efectos especiales de Leandro Pedrouza y Pablo Zamparini. Duración: 80 minutos.

XXXXX- DESPARPAJADO THRILLER NACIONAL

El realizador Nicanor Loreti escribió un guion audaz y desopilante, armando una seguidilla de famosos rockeros, quienes fallecieron a los 27 años. Transforma estos hechos luctuosos en una confabulación que no solo es de nivel internacional sino que se revela también en Buenos Aires.

Jimi Hendrix, Janis Joplin, Amy Winehouse y Sid Vicious (este último a los 22 años) fallecieron a los 27 años por extraño consumo excesivo de drogas.  Y, en nuestra ciudad, se produce el asesinato de un tal Leandro De La Torre  quien es arrojado desde un balcón en una calurosa noche de verano. Su joven fan Paula (Sofía Gala Castiglione) se convierte en una investigadora involuntaria, junto con el detective encargado del caso, Martín Lombardo (Diego Capusotto), acérrimo hincha de Racing.

Sofía Gala Castiglione sigue sorprendiendo con cada nueva actuación. Tanto en el drama (la soberbia “Alanis”) como en la comedia muestra notable capacidad actoral y presencia escénica indudable, logrando personajes creíbles y atrapantes. Capusotto, por su parte, es dueño de un desparpajo infrecuente, sólido, contundente, aún en el difícil humor absurdo que aborda y hace suyo, así como hay que sumar a Daniel Aráoz, portentoso actor que viene de protagonizar una gran película también, “Una especia de familia”. Tres notables actores que hacen suyos sus personajes basados en el guion de Nicanor Loreti, en este tributo al rock a través de baluartes internacionales del género, reverenciados y malditos a la vez. Ciertamente Loreti supera  la anterior realización “Krytonita” y “Nafta Super”, serie estrenada por Space.

Las actuaciones potentes señaladas tienen el correlato de la fotografía, electrizante, realzada por el glorioso blanco y negro en recreaciones de los instantes finales de vida de los famosos del rock mundial, secuencias que se intercalan. Hay esmero, producción, humor inteligente y encomiable elenco bajo una experta dirección. No se la pierda.

(Nota de redacción: Jimi Hendrix, l942-l970, cantante y guitarrista inglés, intoxicado por drogas, Janis Joplin, 1943-1970, cantante norteamericana, muerta por sobredosis de droga, Amy Winehouse, 1983-2011, inglesa, muerta por sobredosis de droga y Sid Vicious, 1957-1979, inglés, bajista de Sex Pistols, muerto a los 22 años por sobredosis)

Carlos Pierre

 

 

JUMANJI, BIENVENIDOS A LA JUNGLA

De Jake Kasdan. Con Dwayne The Rock Johnson, Jack Black, Kevin Hart, Karen Gillan, Alex Wolff, Ser’ Darius Blain, Madison Iseman, Morgan Turner, Nick Jonas, Maribeth Monroe, Tim Matheson, Rhys Darby, Marc Evan Jackson, entre otros. Fotografía de Giula Pados. Música de Henry Jackman. Duración: 119 minutos.

XXXXX- ENTRETENIMIENTO FÁCIL Y EFECTIVO

Si hay que buscar una película para entretenerse, reírse fácilmente, y no pensar, “Jumanji, bienvenidos a la jungla”, secuela de “Jumanji” de 1994 con el recordado Robin Williams, es la película ideal para toda la familia. Nada rebuscada, Jake Kasdan recurrió a lo ya conocido: efectos especiales en una jungla plagada de peligros, con un malvado al que rodean en su cuello serpientes y arañas estremecedoras, es decir, seres muy feítos que viven en la oscuridad o matan con sus venenos.

De la misma manera que el film inicial, un adolescente, Spencer, encuentra en la playa una valija semiescondida en la arena. La lleva a su casa y descubre el videojuego “Jumanji”. A diferencia de 1994 que se jugaba con dados para avanzar o retroceder, aquí se van subiendo niveles hasta lograr que la enorme piedra preciosa se incruste en el lugar justo de una gigantesca estatua de un tigre, a través del video. Tras algunas peripecias en la escuela, Spencer y sus amigos, en circunstancias especiales, son abducidos por la potente luz que emana el juego Jumanji.

Al volver en sí, no serán los mismos sino sus “avatares” o imágenes corporizadas: Spencer (Alex Wolff), el líder, se transforma en un musculoso atractivo (Dwayne Johnson), mientras que Fridge (Kevin Hart) será un afroamericano zoólogo y botánico (Darius Blain), la engreída Bethany (Madison Iseman) correrá suerte despareja: su avatar será un gordito bajo que encarna Jack Black, y deberá superar las diferencias físicas a través de secuencias ingenuas y simpáticas. Finalmente Martha (Morgan Turner) se convertirá en una amazona conocedora de artes marciales (Karen Gillan), en contraposición a su timidez natural.

Nada nuevo bajo el sol: las aventuras son archiconocidas, los efectos especiales de manadas de elefantes enfurecidos y rinocerontes carnívoros ya fueron vistos tanto en Indiana Jones y hasta en La Momia (uno de los primeros éxitos de Dwayne Johnson) y un jugador perdido desde 1996, que no puede alcanzar el nivel siguiente, “Gamer” (Mason Guccione). Los cuatro y Gamer tratarán de sortear la férrea valla de los secuaces del malvado de turno.

Sin sorpresas pero con humor y muchos gags, sustentados por las muy buenas actuaciones del elenco, la película atrapa, distrae y funciona perfectamente en su objetivo: hacernos pasar un rato divertido. Para toda la familia, sin dudarlo.

(Nota de Redacción: En 1995 se adaptó el relato de 32 páginas de Chris Van Allsburg, cuyo cuento fue publicado en 1981. En el caso de esta película, es una secuela de aquélla tomando como eje el juego y los personajes, aggiornados).

Elsa Bragato

 

 

PENDULAR

De la brasileña Julia Murat. Con Raquel Karro y Rodrigo Bolzan en los protagónicos. Música de Lucas Marcier y Fabiano Kriegier. Edición de Lía Kulaukauskas y Marina Meliande. Duración: 108 minutos.

XXXXX- AMOR SIN PASIÓN

Intelectualizar una relación afectiva no suele dar buenos frutos. Es el caso de esta película de la conocida directora brasileña Julia Murat. Una bailarina y un escultor mantienen una intensa relación sexual mientras la relación personal se va resquebrajando o, en verdad, no parece existir. Rutinaria, largas sesiones de estudios coreográficos aletargan la narración en demasía, hasta molestar profundamente la falta de “pathos: la reacción de los dos enamorados se basa en las duchas y el sexo, bastante explícito-

Tampoco deja de ser una historia común: relaciones que fracasan, aborto incluido, y solo una secuencia donde tanta laxitud explota y quiebra la letanía narrativa, que intenta traducir la que vive esta pareja.

Diálogos excesivamente cerrados, anclados en las actividades de cada uno, desconectan del drama existencial que ambos viven, que manifiestan gestualmente. Es aquí donde Julia Murta encuentra cierto encanto en el guion y los actores. Sexo, una fiesta entre amigos que no aporta nada, clases de danza, y no mucho más. La fotografía juega con claroscuros interesantes mientras que la música incidental no es acorde a la propuesta, muy dramática a la manera de un film de género.
Se nota un estilo marcadamente sesentista: se está en un presente a rajatabla, seco, que muestra el transcurrir de los días de una pareja que aún no sabe si se quiere o si solo está unida por una descomunal atracción física. Interesante, para cinéfilos.

Elsa Bragato 

 

JUEVES 28 DE DICIEMBRE DEL 2017.-
En principio, cinco estrenos se anuncian para el último jueves de diciembre del 2017. De diferentes géneros y para todos los gustos.
JEEPERS CREEPERS 3, de Víctor Salva, quien llega de esta manera a su tercera película de terror, conformando una saga. La primera fue “El demonio” en el 2001, la segunda se llamó “Jeepers Creepers” en el 2003, y ahora revive al monstruo en “Jeepers Creepers 3”. Su protagonista ha sido siempre Jonathan Breck, el “Creepers” o Demonio. El título del film toma el de la famosa canción de Harry Warren y Johnny Mercer (década del 30). La ex adolescente que perdió su hermano ha quedado traumatizada con los eventos de hace 23 años. Y está dispuesta a acabar con el monstruo.


LA LEY DE LA JUNGLA, de Antonin Peretjatko. Con Vincent Macaigne, Vimala Pons, Mathieu Amalric. Un interino del ministerio es enviado a Guayana francesa para implementar una pista de esquí con nieve sintética. El viaje será estrambótico, con aventuras de todo tipo. Es una película de humor absurdo,locura, excentricidad, que ha batido record de taquilla en Francia.
PATTI CAKE$, de Geremy Jaspers. Con Danielle Macdonald. Cuenta la historia de una rapera, Patricia Dombrowski, excedida de peso, quien, contra viento y marea cumple con su sueño de ser una representante del hip hop famosa. Se la compara con “8 Mile”, el film que lanzó a la fama al primer rapero blanco, Eminem.
“Geremy Jaspers lanza a una estrella del rap poco común, inolvidable perdedora independiente, en su energético debut”, de Peter Debruge, Variety.
“La perdedora del pueblo intentando abrirse paso en el mundo de la música no es exactamente la idea más original (…) pero consigue romper esa convención familiar con brillantez”, de Gregory Ellwood, The Playlist.


EL GRAN SHOWMAN
De Michael Gracey. Con Hug Jackman, Zac Efron, Rebecca Ferguson, Zendaya, Paul Sparks, Diahann Carroll, Michelle Williams. Fotografía de Seamus McGarvey. Música de Pasek & Paul. Duración: 139 minutos.

XXXX- JACKMAN ATRAPA EN NUEVO MUSICAL
Un nuevo musical que recuerda a “Moulin Rouge” por su factura llega a las pantallas, teniendo como protagonista a un más que avezado actor en el género: Hugh Jackman. La historia toma algunos momentos fundamentales de la vida de P.T. Barnum, fundador del circo más afamado en el siglo XIX (“Ringling Bros and Barnum & Bailey Circus”), después de la Guerra Civil de los Estados Unidos, la llamada “Epoca de Oro” del entretenimiento. Por eso no es una biografía al pie de la letra sino una recreación de la vida de quien es considerado el pionero del entretenimiento para las masas. En aquellos años, el arte estaba destinado a la clase alta (opera, ballet, representaciones varias). 
Michael Gracey lanza su ópera prima con su compatriota Hugh Jackman como protagonista. Dueño de un gran carisma, hace que la pequeña historia de amor y de familia que sustenta la trama sea efectiva y tierna a la vez. Como su esposa está la actriz Michelle Williams, en un papel muy breve pero de intensidad dramática. Zac Efron es “Phillip”, el protegido de Barnum, demostrando su capacidad para el musical, tanto como Zendaya y el elenco restante.
Barnum recorríó su país buscando personas raras como la mujer barbuda (Keala Settle), el hombre superalto, el enano, entre otros, que eran discriminados. Al darles un rol en el circo (quedó reducido a cenizas dos veces, en la película se muestra solo un feroz incendio) recuperaron su lugar en la sociedad. Por raros, lograron aplausos y reconocimiento. Y esto solo valió el amor y la gratitud que sintieron desde entonces por P.T. Barnum. 
La narración es clásica, remite a musicales de otras épocas, y tiene una contrapartida muy interesante: las melodías y las canciones compuestas por Justin Paul y Benj Pasek (La La Land) tienen ritmo pop muy actual, intenso, con mucha percusión. En ese contraste entre el mundo del siglo XIX y la música 2017 radica una de los principales fuertes de la película: una historia pequeña con profusión de números musicales. Es un musical elaborado a lo largo de 7 años especialmente para el cine en el que se priorizan los musicales y la humanización de las relaciones entre razas, entre padres e hijos, entre esposos, y a la no discriminación de ningún tipo. Muy atractivo, tierno, inspirador: a los sueños se los persigue y se los alcanza.
PD: la biografía de Barnum tiene tres antecedentes en el cine: “The mighty Barnum” (1934), “Jules Verne’s Rocket to the moon (1967) y “Barnum” (1986).
Elsa Bragato


EL DÍA DESPUÉS
Guion, fotografía, música y dirección de Hong Sang-Soo. Con Kim Min-hee, Kwon Hae-hyn, entre otros. Duración: 93 minutos. Corea del Sur.

XXX – ENTRE EL AMOR Y LA FILOSOFÍA
En el glorioso blanco y negro, el reconocido Hong Sang-Soo narra la historia de un amor prohibido, su universo preferido. Con maestría, aunque se queda en el plano y contraplano con pocas tomas diferentes (una de las más mencionadas es la de su joven secretaria en un taxi mirando caer la nieve), muestra a la joven Kim Min-hee, una belleza coreana que acepta ser secretaria de un editorialista casado, pero muy infiel. Su ex amante ya no está en el lugar de trabajo pero llega su esposa y confunde a la jovencita como “la otra”. No hay mayor innovación en el nudo de la historia. Pero hay un gran logro en el manejo de los diálogos para que lo más archiconocido se transforme en perturbador e inquietante: la novel relación jefe-secretaria transita por pensamientos existencialistas, de profunda filosofía, sobre la vida, la muerte, Dios, el miedo, el agnosticismo, en medio de un frugal almuerzo. El tono es melancólico, triste por momentos, exasperante en otros, y, según quienes frecuentan a Hong, este protagonista es el “alter ego” de su vida personal, en la que se debate entre Dios y un corazón muy inquieto.
He aquí el valor de esta película. Los amoríos del protagonista quedan en segundo término aunque sean el centro de las secuencias y, obviamente, de la historia. Agregamos que Kim Min.hee es hoy la nueva pareja de Hong Sang-Soo, un realizador que no logra público en su país pero que en nuestro BAFICI arrasa. Diferente y existencial.
Carlos Pierre
 

 

 

 

JUEVES 21 DE DICIEMBRE DEL 2017               .-

Pocos estrenos, solo cuatro. Hay que lamentar que los films nacionales no tengan difusión suficiente entre los críticos. La mejor película de la semana es “The disaster artista” del actor y director James Franco.

XX -QUIZÁS HOY, de Sergio Corach. Fue presentada en diversas muestras nacionales. El guión también pertenece a Corach así como la actuación. Rodada en gran parte en blanco y negro, nos cuenta un día en la vida de este joven que se siente frustrado y piensa en cambiar de trabajo y acaso profesión. Es básicamente un monólogo con voz en off (si bien hay otros personajes), buena fotografía, que va revelando los sentimientos más profundos del personaje “Miguel” en un medio tono constante y monótono. El film resulta un tanto snob o destinado a un target muy específico de público cinéfilo, una experimentación sobre el existencialismo , las idas y venidas vivenciales que la vida provoca en cada uno de nosotros, a partir de un caso específico. EB

HOTEL INFIERNO, de Marcos Palmeri, es una demostración del cine de género que tiene interesantes cultores en nuestro país, siendo el más reconocido Daniel de La Vega. Palmeri logra una buena narración, incluso con efectos bastante creíbles: dos hermanos buscan la verdad sobre la muerte del padre y, en medio de una tormenta, llegan a un hotel aislado. Un extraño libro y una sesión de espiritismo es el inicio de un thriller gore, impensado en el comienzo.  Palmeri transita por todos los lugares comunes que hacen al género, y logra atrapar. Se trata de su ópera prima, 2015, y ha tenido un recorrido por diferentes festivales. Auspiciosa carrera para Palmeri.

 

SE OCULTAN EN LA OSCURIDAD

De Drew Gabreski. Con ryan Krause, Jaimi Paige, Louis Herthum, entre otros. Fotografía de Scott Peck. Música de Corey Wallace. Duración: 99 minutos.

XXX –  TERROR CONOCIDO PERO ENTRETENIDO

Curiosamente, otro film de terror previo a las Navidades. En este caso, John Chambers y su familia estrenan casa en un pueblo cercano de Pennsylvania. John comienza a tener “parálisis de sueño” (esos dos o tres minutos en los que una persona puede sentirse como atada a la cama aunque se despierte, sin poder hablar o gritar), ve seres horrendos, mientras su hijo visita el bosque aledaño a pesar de los ruegos de la mamá, que está embarazada. Algo pasó antes… A manera informativa, la primera secuencia nos remite a ese pasado no tan lejano en el que una pequeña desapareció ante la vista de sus padres. Y es, desde el punto de vista cinematográfico, un comienzo muy inquietante y atractivo. En cuanto a las actuaciones, son correctas pero el no conocimiento de los actores porque no son populares al menos en nuestro país le quita mucho mérito.

La narración transcurre más en el ámbito familiar, la relación padre e hijo, la relación padre y madre, que en las situaciones sangrientas o dramáticas. Esta particularidad le da un matiz diferente dentro del género, si bien están los elementos que hacen al terror: desde los túneles en las montañas cercanas hasta las tormentas, las sombras siniestras y los gritos aterradores, las desapariciones y las apariciones como contrapartida. Hay un clima perturbador muy logrado aún con los clishés que apuntamos, y un transcurrir de la historia que no decae y mantiene la atención del espectador. Incluso, algunas tomas nos remiten, o bien nos hacen un guiño, a “Los pájaros”, del genial Alfred Hitchcock, aunque no tenga esa misma factura. Para quienes gustan del terror, es una buena propuesta sin ser sobresaliente ni diferente.

Elsa Bragato

 

THE DISASTER ARTIST: OBRA MAESTRA

De James Franco. Con James Franco, Dave Franco, Seth Rogen, Judd Apatow, Bryan Cranston, Zac Efron, Melanie Griffith, Sharon Stone, entre otros. Fotografía de Brandon Truste. Música de Dave Porter. Duración: 104 minutos.

https://youtu.be/cMKX2tE5Luk

XXXX – EL ÉXITO MENOS ESPERADO

James Franco ha realizado numerosos personajes, algunos más triviales que otros. Sin embargo, es un cineasta muy comprometido como tal y lleva filmados no menos de 35 cortos y documentales. En este caso, logró los derechos de “The room”, filmada y protagonizada por Tommy Wiseau en el 2003, logrando el fracaso más rotundo del cine norteamericano. Millonario, quiso llegar a Hollywood y triunfar de la noche a la mañana. Un aspirante a actor, Greg Sestero (filmó algunas secuencias para Franco pero fueron suprimidas en la edición final), fue el protagonista del considerado “desastre” del cine y, años después, escribió el libro sobre su experiencia actoral en “The Room”.

Es decir, cine dentro del cine, el backstage de una filmación que el millonario Wiseau financió de su bolsillo (unos seis millones de dólares) para durar tan solo dos semanas en cartelera. Franco, como Wiseau, logra un papel encomiable que no cae en la burla sino en la reconstrucción de un espíritu a toda prueba de adversidades y con la convicción de ser el mejor actor…sin serlo. Su amigo desde 1998 (año en el que Wiseau llegó a Hollywood), Greg (Dave Franco, hermano del director y protagonista) logra ese papel que, en lugar de catapultarlo a la fama, lo sepultará. No será así con el libro que deja un texto muy rico para explotar narrativamente. Es lo que hace James Franco en un trabajo que ha merecido el premio mayor de San Sebastián con posibilidades de varios premios más de Hollywood. Es inevitable recordar “Ed Wood”, de Tim Burton en la que cuenta el otro lado de la cámara de quien es considerado el peor director de cine de todos los tiempos (vivió entre 1924 y 1978).

En sí misma, es una comedia que resulta absurda e hilarante, menos patética porque no hay burla, pero sí dolorosamente risible, pasional e irreverente. Lo involuntario y lo menos esperado es la popularidad que ha ganado Wiseau así como Sestero dado que James Franco ha compartido, junto con su hermano Dave, gran cantidad de reportajes. Hoy “The room”, horriblemente actuada, con tomas elementales y escenografías imperdonables, es un éxito en las trasnoches de las grandes salas de los Estados Unidos. Para ver, disfrutar y cargarse al hombro el narcisismo a ultranza, del que da buena cuenta James Franco más que en la ridiculez de un film patético como “The room”.

Elsa Bragato

 

 

JUEVES 14 DE DICIEMBRE DEL 2017.-
Diez estrenos se anuncian este jueves con una particularidad: seis films nacionales que, salvando uno, se dieron solo en festivales. En cierto sentido, tanto estas películas como las extranjeras son el marco que se le da, o “relleno”, al supertanque “Star Wars, Los últimos Jedi, episodio VIII”, esperada desde hace un año. Ofrecemos una reseña del material que se estrena:
“El zoco de la Buri Buri”, de Lorena Jozami. Documental que rescata al escritor Jorge Rosenberg, escritor santiagueño muy reconocido por sus viñetas sobre las tradiciones de Santiago del Estero que continua publicando hasta hoy. Jozami rescata a un personaje de la cultura del país a través de su serie de libros más populares. “Zoco” proviene del árabe y significa “mercado” y “buri buri” es memoria, algo así como “el mercado de la memoria”.

“El camino del perro”, de Pablo Doudchitzky. Documental que rescata a Carlos Masoch, impulsor junto a Bobby Flores y Lalo Mir de la conocida Radio Bangkok en los 80. Desde chico se dedicó a la pintura, una pasión que continua hasta hoy por aquello de que, de pronto, una imagen da vueltas y vueltas en la cabeza o nos persigue durante toda la vida. La pintura como redención.

“Pescadores”, primer largometraje de Marcos Quintana. Ficción con Daniel Valenzuela, Rubén Noceda, Chang Sung Kim, entre otros. La historia se ubica en la Isla Maciel y el robo que cometen tres individuos dispuestos a cambiar sus vidas, cada uno con su propia motivación.

“Niña Perro”, primer largometraje de la misionera Verónica Gentili. Se presentó en el Festival de Cine de las Tres Fronteras. Cuenta la vida de “Candelaria” quien quiere viajar a Buenos Aires pero la férrea actitud de su padre se lo impide. Se forja un “alter ego”, la “Niña Perro”, que le da coraje para conseguir su objetivo.


“Historias Breves 15”, cortos de siete directores noveles. Se vienen ofreciendo desde hace 23 años. En esta oportunidad participación los siguientes realizadores: Ezequiel Yofre con “La sombra quema”; Micaela Gonzalo con “Toda mi alegría”; Lucía Ayelén Dobal con “Carla”; Mauro Iván Ojeda con “La de Messi”; Adrián Ramírez con “El último cuentista”; Tomás Pernich con “Capacocha”; Matías E. Guillán y Guido Villaclara con “Superdulce”.


STAR WARS EPISODE VIII-THE LAST JEDI
Guion y Dirección de Rian Johnson. Con Mark Hamill, Daisy Ridley, John Boyega, Adam Driver, Carrie Fisher, Oscar Isaac, Domhnall Gleeson, Gwendoline Christie, Anthony Daniels, Laura Dern, Benicio Del Toro, Andy Serkis, entre otros. Música de John Williams. Duración: 152 minutos.

XXXX-HISTORIA CÓSMICA SIN FIN
George Lukas pergeñó la superópera espacial que cambió la historia de los tanques en el cine: hace mucho, mucho tiempo, en una lejana galaxia, se generó una confederación planetaria que sigue atrapando al público desde los 70. De compleja estructura, “Star Wards Episode VIII: Los Últimos Jedi” es la inmediata continuación de lo sucedido en “Star Wars VII: EL Despertar de la Fuerza” (2015). Recordemos que la saga inicial (1977), conformada por tres películas, correspondieron a los hechos posteriores al inicio. Es decir, Lukas comenzó por el episodio IV, V y VI de su historia, ofreciendo las precuelas I, II y III luego, en los años 1999, 2002 y 2005, respectivamente.
A lo largo de 152 minutos se focaliza en Rey (Daisy Ridley), recolectora de chatarra , que es enviada por la Resistencia a encontrar al maestro jedi Luke Skywalker (Mark Hamill) en el remoto planeta Ach-To, génesis de la cultura Jedi. Debe instruirse en el arte de la fuerza. La muerte de Han Solo (Harrison Ford) y la destrucción de la base Starkiller por el ataque enemigo de los Sith generó un nuevo grupo imperial que amenaza a la Galaxia, bajo el liderazgo del general Hux (Domhnall Gleeson) y del misterioso Líder Supremo Snoke (Andy Serkis): estos Sith quieren acabar con los Jedi.
La Resistencia de los Jedi es liderada por Leia Organa (la fallecida Carrie Fisher, a quien se le dedica el film por haber sido justamente ésta su última actuación) logrando, a lo largo de muchas escaramuzas, detener a la Primera Orden. Finn (John Boyega), un ex storm trooper, y Poe Dameron (Oscar Isaac), avezado e intrépido piloto Ala-X, luchan denodadamente por recuperar el gobierno para los jedi.
DJ (Benicio Del Toro), extraño personaje cargado de incógnita, es un hacker de inframundo, así como C3Po (Anthony Daniels) es un antiguo androide de protocolo y R2-d2 (Jimmy Vee), otro antiguo androide electromecánico, se unen a una variada fauna para ayudar a la Resistencia.
Todos van a luchar contra el malvado Kylo Ren (Adam Driver), el hijo de Han Solo y Leia, quien se constituye como un traidor, en un final a todo sable de luz, arma usada por los jedi y los sith indistintamente. Sky Walker y Kylo Ren son el centro de un furioso enfrentamiento. Los efectos especiales son de última generación e inundan la pantalla a través de feroces luchas derramando fuego y destrucción. El alivio llega en breves secuencias socarronas, efectivos guiños al público.
John Williams, a partir de su partitura emblemática, no da tregua alguna a los bronces (múltiples trompetas, cornos, trombones, tubas), otorgándoles una apabullante sonoridad así como la percusión es obsesiva y marcial, constituyéndose en el soporte insoslayable de la historia.
La gran pregunta es si este film hace honor a la fantástica historia cósmica de George Lukas. Y la respuesta es sí, porque Rian Johnson, el director de la nueva trilogía, admira a Lukas desde la infancia y tiene una visión muy precisa sobre cada personaje: para Johnson la humanidad es “Jedi” y está relacionado con Sky Walker, el personaje con el que terminó el film anterior y con el que comienza éste. De allí que esta historia galáctica e inteligente tenga un atractivo especial para quienes han seguido su historia desde siempre o bien leen e investigan a los personajes de antes y a los nuevos. A quien no haya visto nunca una película de la saga, la historia le resultará atravesada aunque muy efectiva a nivel visual.
La saga continuará. Disney adquirió Lucasfilm, como ya se sabe, por lo que se prevé “Solo: A star Wars Story” en 2018, “Star Wars, Episodio IX” en 2019 y “Obi-Wan Kenobi, A Star Wars Story” en 2020. Tan solo queda esperar…
Carlos Pierre


LUNA, UNA FÁBULA SICILIANA
De Fabio Grassadonia y Antonio Piazza. Con Julia Jedlikowska, Gaetano Fernández, Corinne Musallari, Andrea Falzone, Lorenzo Curcio, Vincenzo Amato, Filippo Luna, Sabine Timoteo. Fotografía de Luca Bigazzi. Música de Anton Spielman. Duración: 122 minutos.


XXXX- UN CRIMEN IMPERDONABLE
La mafia no ha muerto. Pero sus principales criminales, sí. Fabio Grassadonia y Antonio Piazza presentan esta película, “Luna una fábula siciliana”, partiendo del secuestro y posterior asesinato (diluyeron su cuerpo en ácido) de Giuseppe Di Matteo, hijo de un capomafia que había decidido hablar y entregar a sus “colegas” en los años 90, período en que mafiosos y autoridades italianas se enfrentaron a morir.
Es el punto de partida de una historia donde la fotografía juega un papel sustancial, generando atmósferas fascinantes, mientras la realidad es brutal. Luna es una adolescente que se enamora de su compañero de clase Giuseppe, hasta que un día éste es secuestrado. Inicia así una búsqueda muy personal en el que personajes extraños y un bosque ubicado en los alrededores permiten que la historia ingrese en momentos de gran belleza exterior y conmoción interior. Sin duda, hay un fundido de géneros, thriller y romance, que da una pátina de profunda melancolía a una historia real: de haber sido contada tal como fue (brutal), hubiese sido un policial más.
Aún con algunos excesos, empezando por la extensión, “Luna…” deja una profunda inquietud donde lo racional se mistura con lo onírico, reflejando el mundo interior de una jovencita que enfrenta a su madre y a la sociedad entera para encontrar a su joven enamorado. La mafia está diezmada, pero subsiste en el recuerdo de los sicilianos en especial por este caso (hubo muchos niños asesinados entonces) y hay atisbos de sobrevivencia aún hoy. Los de entonces se revuelcan en sus tumbas porque la memoria colectiva no muere nunca.
Elsa Bragato


LA NAVIDAD DE LAS MADRES REBELDES
De Jon Lucas y Scott Moore. Con Mila Kunis, Kristen Bell y Kathryn Hahn. Música de Christopher Lennertz. Duración: 104 minutos.


XXX-MADRES EN APUROS
Secuela de “El club de las madres rebeldes”, la acción se ubica en las Navidades, la compulsión por las compras, los trabajos cotidianos, y tres mujeres como Amy, Kild y Carla, que enfrentan todo tipo de conflictos comunes al período del año y a las familias. A éstos se les añade la llegada de sus madres que no siempre serán colaboradoras, sino, sin querer hacerlo, perturbadoras.
Estamos frente un producto convencional, dentro de ese tipo de comedias que Hollywood produce sin esfuerzo. Con una salvedad: sus protagonistas son excelentes y son las que sostienen un argumento trivial.
El lugar común y hasta el que está fuera de lugar hacen gala en muchas secuencias de esta película, a la que calificamos entre la comedia tonta y la genuinamente divertida. Mila Kunis es “Amy”, eje de la trilogía materna, una actriz que ha quedado relegada a papeles sin mayor compromiso. Habrá pasajes que interesen más a las mujeres o que reflejen ese supuesto “martirio” de ser obedientes amas de casa y excelentes esposas, pero no hay mucho más ni siquiera para comentar. Es lo obvio, lo consabido, la risa fácil y el entretenimiento inconsistente. Aunque eficaz, hay que reconocerlo.
Elsa Bragato


GOOD TIME – VIVIENDO AL LÍMITE
De Josh y Benny Safdie. Con Robert Pattinson, Benny Safdie, Taliah Webster, Barhkad Abdi, entre otros. Fotografía de Sean Price Williams. Música de Oneohtrix Point Never. Duración: 101 minutos.


XXXX-SALVAJE THRILLER
Josh y Benny Safdie son directores independientes que, pese a su juventud, tienen notoriedad en los círculos más intelectuales de New York, donde se criaron, alternando Manhattan con el barrio de Queens. En este film, apuestan a la violencia extrema en las calles de New York a partir de un ladrón, Connie Niklas, quien, junto a su hermano Nick (Benny Safdie), asalta un banco. En la primera secuencia de la narración está el quid de toda la historia propuesta. Espectacular robo que ata a la butaca para sumergir al protagonista, Pattinson, en una búsqueda sin fin de su hermano menor, quien padece un problema cognitivo.
La secuencia narrativa en general nos remite a muchos policiales de acción nerviosa, tensa, inquietante, vertiginosa. En ésta, sin embargo, hay un elemento diferente: la actuación de Robert Pattinson quien deja atrás el lánguido personaje de “Crepúsculo” para descollar en una performance de enorme trascendencia para su carrera. Físicamente diferente, Robert Pattinson le debe a los hermanos Safdie un trabajo que lo transforma en uno de los mejores actores del año (destacamos su performance en “Cosmopolitan”=
Es decir, gran actuación y un film policial en una New York sin glamour y marginal, que supera los lugares comunes por el tratamiento cinematográfico. He aquí el logro de los Safdie.
Elsa Bragato


ALGO FAYÓ
De Santiago García Isler. Documental sobre el historietista Pablo Fayó.


XXX-EL PLUMÍN OLVIDADO
El cine documental rescata a personajes quienes, aun teniendo estrecha relación con la cultura porteña, quedan en un injusto olvido. Santiago García Isler los rastrea y encuentra para traerlos al dominio público. En este segundo documental, bucea en la vida de Pablo Fayó, reconocido historietista que surgió en los 80, participó de la primera etapa de la revista Fierro, y un buen día colgó el plumín. Diferente al resto de ilustradores y hacedores de historietas por sus dibujos de trazos largos y enrulados, Fayó optó por vivir la vida que quiso y quiere: canta tangos en la Buenos Aires nocturna. Vive en la terraza de una pensión, y tiene encuentros con su hija adolescente quien muestra admiración y amor por su padre y juntos bromean con el apellido.
El escritor Juan Sasturain aporta sus recuerdos sobre cómo llegó a aceptar a Fayó para la revista Fierro: primero fue descartado quedando “apilado” entre los posibles futuros dibujantes. Hasta que un día, repasando los trazos de tantos aspirantes, se atrevió a darle la oportunidad de la publicación.
Santiago García Isler apuesta a la espontaneidad absoluta a la manera de reverencia al estilo de vida de Pablo Fayó. El protagonista parece preocuparse por la luz del sol, si ilumina o bien, por ahí mira al director, se entiende con el camarógrafo, charla con otro integrante de la productora. Se reúne con amigos más jóvenes, acepta una sesión de acupuntura, y la filmación de sus performances en bares. Se muestra extrañado por este seguimiento de cámaras y equipo de filmación. Pero acepta la situación (duró un año) con educación. Todo gesto del protagonista es parte del documental.
Algunos desniveles, que no llegan a perjudicar la hilación narrativa, confluyen, como la edición de secuencias donde Pablo Fayó está sin camisa seguida por otra donde aparece con saco grueso de inverino, es decir, las estaciones van y vienen sin calendario provocando cierto desconcierto. No obstante, el valor del personaje sobresale por sobre cualquier tema de postproducción. Pablo Fayó dejó que ‘los otros” intervinieran en su vida sin rebelarse y fue y es lo valioso.
Elsa Bragato
 

JUEVES 7 DE DICIEMBRE DEL 2017.-


Continúan los jueves con exceso de estrenos. Doce esta semana!!!!! Hay que aclarar que varios de ellos van directamente a las salas tanto del off como comerciales. Es el caso de “Heaven’s lost property”, animación japonesa, que solo tendrá funciones especiales en algún multicine /basada en un famoso manga del Japón).


“El implacable”, de Martin Campbell. Con Jackie Chan y Pierce Brosnan, filmado en Inglaterra. “Una mezcla irregular de acción y política (…) La trama es complicada y dispersa (…) Brosnan tiene pocas oportunidades para lucirse, pero Chan hace mucho con poco”, de Clarence Tsui, The Hollywood Reporter.


“En defensa propia”, de Steven C. Miller, con el regreso de Bruce Willis. “Una película que difícilmente podría confundirse con algo bueno (…) Una entretenida serie de persecuciones con todoterrenos y tiroteos en lugares remotos”, de Peter Debruge, Variey.


“Bajo cero, milagro en la montaña”, del novel director Scott Waugh. “El director S. Waugh y el guionista Ailish Bracken de alguna manera encuentran una manera de hacer absolutamente tediosos estos desgarradores acontecimientos”, de Frank Scheck, The Hollywood Reporter.


“La posesión de Verónica”, del español Paco Plaza (“Rec”), basada en el caso real denominado “Expediente Vallecas”, asentado el 27 de noviembre de 1992, sobre la posesión demoníaca de una adolescente de esa localidad española. “Independientemente de si crees o no en los espíritus, te vas a creer “Verónica”. Paco Plaza “vallequiza” con gran estilo el cine de posesiones demoníacas”, de Andrea Bermejo, El Mundo.


“Un pueblo hecho canción”, documental de Silvia Majul, sobre la vida de Ramón Navarro, cantor riojano nacido en el pueblo Chuquis, en lengua “diaguita”. Navarro recibió el homenaje de su pueblo que puso el nombre de sus canciones a sus calles. Fue integrante de numerosos conjuntos folklóricos.


“Cemento”, documental de Lisandro Caarcavallo. Logró abrir el mítico boliche dedicado al rock, que dirigió Omar Chabán. De allí surgieron los más famosos exponentes del rock nacional a partir de los 80. Contó con valioso material filmado en el lugar, ubicado en Estados Unidos 1234.


TODO LO QUE VEO ES MÍO
Guion y dirección de Mariano Galperín y Román Podolsky. Con Michel Noher, Malena Sánchez, Julieta Vallina, Luis Ziembrowski, Guillermo Pfening, Julia Martínez Rubio. Música de Diego Tuñón. Duración: 80 minutos. Idiomas: Castellano y Francés.


XXX- RETRATO DE UN LIBERTARIO
En 1918, Marcel Duchamp, de 30 años, era conocido en Nueva York y París por su obra irreverente y provocativa. A mediados de ese año, ante la intervención de Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial, partió de Nueva York a Buenos Aires, buscando un destino más grato. Lo acompañó su amiga Ivonne Chastel, joven artista vanguardista como él.
Creador de un método que habría de revolucionar el arte, su famoso Ready Made (crear una obra artística a partir de elegir o tomar simplemente un objeto), Duchamp abrió el camino para convertir en piezas de arte todo lo cotidiano. Su obra más famosa fue La Fuente (1917), un mingitorio que elevó a categoría artística.
En Buenos Aires habitó un departamento ubicado en Alsina 1743, teniendo un taller en Sarmiento 1507, donde funciona actualmente la plaza seca del Centro Cultural San Martín. Trabajos siempre alternados con su pasión por el ajedrez.
Michel Noher personifica a Marcel Duchamp y Malena Sánchez a Ivonne Chastel, quien no se adaptó a Buenos Aires por considerarla alejada de la modernidad que ambos profesaban con aire snob y libertario. Prosaicos, festejaban la comida, los paseos tranquilos por parques y plazas, y, en la intimidad, sus juegos amorosos.
Hay varios hallazgos de los realizadores Mariano Galperín y Román Podolsky al redescubrir a este artista inconformista que influyó en el Dadaísmo (movimiento antiarte surgido en Suiza. “Dadá” significa “caballo de madera” en francés). Duchamps se paseó por esta ciudad derramando una estela no convencional o alejada del arte clásico. En el cincuentenario de su fallecimiento (París, 1968), este film nacional tiene la virtud del blanco y negro, de la reconstrucción minimalista de época, y de la solidez interpretativa de sus protagonistas. El trabajo de Michel Noher es superlativo por su fluido francés y su sólida prestancia entre otras virtudes. También se destaca la fotografía que se comporta como la mirada del artista sobre su entorno buscando objetos para hacerlos suyos. Solo hay que lamentar que se haya hecho hincapié en la vida personal más que en sus trabajos artísticos. Por otra parte, es conveniente saber que, si bien es una biopic, hay secuencias extremadamente silenciosas que pueden exasperar. Sin embargo, el producto final es muy loable.
Carlos Pierre


AMOR.COM (UN PROFIL POUR DEUX)
De Stéphane Robelin. Con Pierre Richard, Yaniss Lespert, Fanny Valette, entre otros. Música de Vladimir Cosma. Cinematografía de Priscilla Guedes. Duración: 99 minutos.


XXX-ODA AL AMOR A LOS 80
No hay edad para el amor y el arte de la seducción. Así lo demuestra esta comedia que transcurre entre París y Bruselas y la lejana Shanghai: un eterno Pierre Richard y su alter ego, Yaniss Lespert, entrecruzados por la “religión” virtual actual incluyendo el Skype, que derriba fronteras.
Pierre Stein (Pierre Richard) tiene 80 años, desde hace dos años es viudo y está muy deprimido. Vive con su hija y su nieta, a la que no saluda porque, mientras su novio está en Shanghai trabajando, tiene un novio ocasional, Alex, instructor de computación y vinculado a la literatura. Sin dinero, se va a vivir con la nieta de Pierre. Este hecho permite que Alex se transforme en el instructor de Pierre quien, en poco tiempo, descubre el mundo virtual, los sitios de citas, y se enamora de la joven Flora, de 31 años. Le esconde su edad pudiendo establecer una primera cita. Aquí empieza a jugar un rol importante Alex, quien deberá ser el “Pierre” que Flora conozca.
El realizador Stéphane Robelin encontró el justo medio para esta comedia de amor y amistad, en la que sale del estereotipo social de los “viejos” para retratar lo que realmente siguen siendo a pesar de la edad: personas que sienten, que quieren amar y vivir con plenitud hasta el final de sus días. Con firme y pulcro timón, Robelin no cae en bufonadas y sí en fino humor valiéndose del sustrato efectivo de brillantes actores, de la fluidez del guion y la fotografía con pinceladas parisinas atractivas. Es una comedia muy actual, elegante, risueña y emotiva, con la validez de sus gratas redondeces finales. El amor no tiene edad.
Carlos Pierre


LOS SENTIDOS
Documental de Marcelo Burd, filmado en Olapacato, el pueblo más alto del país, ubicado en la Puna Salteña. Duración: 72 minutos.


XXXX- LA ARGENTINA QUE DUELE
Marcelo Burd realiza su tercer largometraje, en este caso en solitario, eligiendo la localidad de Olapacato, ubicada en el límite entre Salta y Jujuy, a más de 4000 metros de altura. Pocos habitantes, hoy tiene una escuela como centro de actividades y se sobrevive con el trabajo que dan las compañías explotadoras de minerales como oro, plata y especialmente litio.
Burd logra un docuficción inquietante: es la realidad misma la que enfoca con una cámara inmóvil observando el quehacer de un matrimonio de maestros quienes mitigan la carencia de medios del lugar y de la escuela con imaginación: fuera de toda curricula, les enseñan a los chicos cómo armar cohetes, les leen novelas de Julio Verne, y analizan las leyes de Newton. 45 chicos asisten a clase y van a comer y merendar. Salomón Ordoñez, Victoria Ramos, Sixta Casimiro, Florinda y Rosa Choque, se reparten las tareas y las tribulaciones. Pocos son los que se atreven a charlar sobre la explotación del entorno que no tiene en cuenta las consecuencias deplorables para la salud y el biosistema de Olapacato. Hay un atisbo de rebelión que queda en una charla de atardecer, así como los niños comentan las suspensiones laborales de sus padres, desconociendo el alcance de lo que pasa pero absorbiendo el sufrimiento familiar.
Sin voz en off, son los mismos habitantes los que actúan su verdad: el quehacer diario, donde se unen las clases en la escuelita, la enseñanza de las coplas a los niños o la preocupación de las madres por las ausencias de sus chicos dado que van a trabajar o a cuidar a los mayores. La charla espontánea entre el matrimonio de maestros muestra otra verdad: sus hijos están en la capital mientras ellos cuidan a los hijos de los habitantes de ese pueblo. Dejar o no la escuela es también un tema que los conmueve.
La ausencia del ferrocarril surge en forma recurrente. Había pero en los 90 el ramal quedó inactivo: las vías están y por allí hacen equilibrio los chicos, que sueñan con el tren mientras los mayores sufren los traslados por la carencia de buenos servicios de ómnibus. Lluvias, frío invierno, casas de ladrillos de barro, precariedad absoluta y un olvido de los funcionarios que este sistema socioeconómico hace tan doloroso e incomprensible.
Varios premios jalonan la trayectoria de este documental hasta llegar este jueves a los cines nacionales. No dejen de verlo: para docentes, para todas las edades y todos los públicos.
Elsa Bragato


ARPÓN
Guion y dirección de Tom Espinosa. Con Germán de Silva, Ana Celentano, Laura López Moyano, Nina Suárez Blefari en su presentación. Música de Nascuy Linares. Fotografía de Manuel Rebella. Coproducción Venezuela, España y Argentina. Duración: 82 minutos.


XXXX- INTENSO THRILLER
El venezolano Tom Espinoza estudió cine en nuestro país filmando el cortometraje “Las arácnidas” que obtuvo premios internacionales y fue nominado a los premios Cóndor este año. En el caso de Arpón toma un elemento secundario otorgándole el valor de fuerte metáfora que se condice con el thriller que lentamente se genera en la narración.
El director de escuela Germán Argüello (Germán de Silva) debe lidiar con las alumnas adolescentes, revisándoles las mochilas para evitar que se droguen o traigan armas. Es secundado por Sonya (Ana Celentano) quien sigue sus órdenes dictatoriales sin chistar o bien reclamándole en privado alguna acción. Desaliñado, malhumorado, vive solo con ocasionales encuentros con “Cata” (la laureada Laura López Moyano). La alumna “Mica” (debut de Nina Suárez Blefari) se rebela, trae jeringas con las que inyecta un supuesto “colágeno” en los labios de sus compañeras y es descubierta por Argüello. Un hecho inesperado los obliga a convivir pocas horas, cuidando el director de que la jovencita esté a resguardo hasta la llegada de sus parientes. Pero situaciones y personajes impensados surgen para conmover profundamente la vida de Argüello.
El film pasa de la presentación y primeros momentos en la escuela, donde un director reta con fuerza a una alumna, a secuencias donde los jóvenes se divierten en el río y uno de ellos utiliza un arpón con consecuencias fatales. La película gana en intensidad y se revela como un thriller intenso, donde el actor Germán de Silva tiene notable protagonismo, convincente, de gran fuerza dramática. Y, aunque la historia pareciera detenerse en su desenlace, logra un final no previsible que da una vuelta de tuerca a cualquiera previsibilidad. Es una muy buena realización, con lograda fotografía, montaje y trabajo en sonido, contando con una cautelosa banda incidental de Nascuy Linares.
Elsa Bragato


LA ESTRELLA DE BELÉN
De Timothy Reckart. Música de John Paseano con canción principescrita y dirigida por Mariah Carey. Christopher Plummer, Oprah Winfrey, Steven Youn, entre otros, en las voces originales. Duración: 86 minutos. Segunda película animada de Sony Pictures Animation (la anterior fue “Arthur Christmas: operación regalo”, 2011).


XXX- RECREACIÓN DEL NACIMIENTO DE JESÚS
Basada en el Nuevo Testamento, llega “La estrella de Belén” desde la perspectiva de los animalitos que presuntamente estuvieron en el establo de Belén donde nació Jesús. Obviamente, está dirigida al público cristiano. Nos cuenta la vida del burro Bo, con enorme parecido al de “Shrek”, quien desestima su vida en cautiverio para lograr la libertad y convertirse en el burro-mascota de María y su reciente esposo, José. La llegada del Espíritu Santo, el embarazo de María, son contadas desde un lugar muy espontáneo y libre. No hay ataduras a una rígida tradición sino que sabe tocar el corazón a través de figuras modernas con un tratamiento actual del embarazo de la joven mujer y una aceptación de su flamante marido de ser los padres del Hijo de Dios.
Bo, mascota de María, luchará para que la joven embarazada sortee peligros que vienen de Herodes, quien ordena matar a la joven pareja. Bo no está solo en su aventura sino que se le une la oveja Ruth, que perdió su rebaño, y la paloma Davie que lo incita a buscar otros horizontes. Los Tres Reyes Magos aparecen siguiendo en pleno desierto a la estrella tan luminosa que está en el cielo, mientras sus camellos ensayan alguna explicación: ¿dónde irán los reyes con regalos tan extraños, a un baby-shower o un cumpleaños? Divertidos diálogos mientras el camello de Gaspar nos recuerda a la jirafa de “Madagascar 1” por sus problemas físicos, especialmente su debilidad.
La animación es muy cálida y simpática por la carencia de adustez y, en cambio, la soltura para dibujar estos personajes confiriéndoles actualidad y belleza. Además, hay una serie de detalles técnicos que merecen ser tenidos en cuenta: por ejemplo, es la segunda vez que el gran Christopher Plummer pone su voz a “Herodes”, la segunda vez que Mariah Carey escribe una canción para un film bíblico, el cuarto film en el que Oprah Winfrey presta su voz a un personaje animado, y la segunda vez que Sony Pictures Animation se lanza al mercado con una producción animada. Si le interesa la recreación del nacimiento de Jesús y el hogareño que llamamos “Pesebre”, no se la pierda.
Elsa Bragato


ASUNTOS DE FAMILIA
Guion y dirección de Maha Haj. Con Amer Hlehel, Mahmond Shawahdeh, Maisa Abd Elhadi, Ziad Bakrie, entre otros Fotografía de Elad Debi. Música de Habib Shadah. Israel.


XXX-UNA CUESTIÓN DE TODOS
Maha Haj llegó a los 40 años y pudo filmar su primer largometraje, “Asuntos de familia”. Habiendo nacido en Nazaret, Israel, muestra una humanidad notable para con los palestinos que habitan mayormente en esa ciudad. A partir de personajes que conoce, pergeñó esta historia basada en un matrimonio que ha llegado a no hablarse porque la rutina los devoró y sus hijos, que escaparon literalmente a otras ciudades y países para no ver la decadencia de sus mayores. Tres generaciones de palestinos están tratados con simpatía y humanidad: la vida en familia es cuestión de todos.
Con pinceladas de humor, nos muestra la vida del matrimonio mayor. Ella cocina, teje, mira televisión, y no habla. Su marido vive con la computadora portátil encima, harto de la rutina. Sus hijos están en diferentes lugares: el mayor vive en Suecia, el menor está en Ramallah, soltero empedernido, y vive con su hermana, con embarazo avanzado y casada con un mecánico al que le ofrecen un papel en una película. Conviven con la abuela materna quien padece un severo Alzheimer. Es quien mantiene vivo el pasado: la directora utiliza a este personaje para que no se olvide a la “generación del Nakba” o éxodo palestino ocurrido entre 1946 y 1948.
Salpicada con hechos surrealistas, desde un coma diabético inesperado hasta bailar un tango en una sala de interrogaciones policiales, Haj hace honor a una familia palestina que debe sortear la frontera con Israel bajo la presión amenazante de los “checkpoints” o puntos de chequeos, quienes tiran a matar si alguien no acata la mínima orden. Un viaje a Suecia para conocer a la pareja de su hijo logra que el matrimonio mayor enfrente la verdad que no se dicen mientras pasean en un bote por un lago idílico. Entre el drama y la comedia, una auténtica “dramedia”, la directora israelí consigue una historia profunda, aunque los personajes sean lineales. Tiene piedad de ellos y los exagera con humor socarrón al mismo tiempo que nos regala un espejo de los asuntos entre cuatro paredes que a algunos pueden rozar. Valioso film.
Elsa Bragato


GALPÓN DE MÁSCARAS
Guion y dirección de Miguel Baratta. Música de Marcelo Moguilevsky. Duración: 74 minutos.


XXX-TESORO ARTÍSTICO INUSUAL
El realizador Miguel Baratta ingresa al mundo que la reconocida escritora Luisa Valenzuela atesora: un universo de 250 máscaras que fue adquiriendo en cada país que conoció. El puntapie inicial de este interesante documental fue la invitación de una muestra de parte del Museo de Arte Decorativo de la Ciudad de Buenos Aires. Si bien las máscaras son objetos inertes, cobran vida y sugestión al estar expuestas como cuadros, una suerte de desfile mágico en la amplia galería, o Galpón de Máscaras, donde se misturan lo cotidiano del hogar, un niño, el loro Coco, un perro juguetón y una tortuga de tierra, todos abrazados por una vegetación exuberante que se deja ver a través de grandes ventanales.
Una excelente idea fue corporizarlas. Baratta fue al encuentro de profesionales de las máscaras a quienes hace aparecer en diferentes secuencias entre bailes y acrobacias. Desde lo más remoto y lo sagrado, surgen máscaras de México, Tailandia, de la Comedia del Arte, máscaras argentinas y blancas a partir de los pañuelos blancos de Las Madres de Plaza de Mayo, máscaras de Carnaval, de Cerdeña, del Teatro Cabuia japonés, máscaras de Oruro, entre tantas otras diferentes, extrañas, inquietantes.
La fotografía juega un papel protagónico: el glorioso blanco y negro hasta la fiereza casi amenazante de los colores, luces y sombras que inquietan mientras lo sagrado y lo pagano se entrecruzan. Grandes canastos de mimbres apilan estas máscaras, celosamente cuidadas por Luisa Valenzuela. Les espera la luminosidad de una exposición. Logrado documental, diferente, que descubre un tesoro artístico inusual.
Carlos Pierre

JUEVES 29 DE NOVIEMBRE DEL 2017.-

Demasiadas películas! Y evidentemente no hay público para todas, al menos con taquillas importantes. En principio, son 10 films, aunque a último momento se suelen agregar otros que van a circuitos no comerciales. Nos atenemos a la información enviada por las distribuidoras al cierre de esta edición.

El hijo de Piegrande”, de Ben Stassen y Jeremy Degreson, Bélgica.

”Esta propuesta moderadamente entretenida y para toda la familia será mejor recibida por los más chicos que no están preparados para las metaficciones más sofisticadas de Pixar o DreamWorks", Jordan Mintzer, The Hollywood Reporter.

“Dos amores en París”, de Eric Lavaine.

“Se comprende rápidamente que la historia es muy ligera y es un pretexto para instalar a la chispeante Alexandre Lamy que fuera exitosa en su presentación “Retour chez ma mére”, de Claudine Levanneur, Avoir-lire.com, Francia.

“Guerra de papás 2”, de Sean Sanders, con Mark Wahlberg y Mel Gibson.

“Se trata de una cínica sintética producción de Hollywood a modo de ensayo narrativo con las sobras de la ya mediocre comedia (de hace dos años) sobre familias mixtas”, de Wendy Kide, Observer, U.K.

Feliz día de tu muerte”, de Christopher Landon.

“Que el metraje sea corto, apenas unos 90 minutos, y el ritmo particularmente acelerado, ayudan a que el resultado de “Feliz día de tu muerte” sea satisfactorio. La película es una grata sorpresa de terror teen para adolescentes de la nueva era”, de Alberto Quintanilla, IGN, España.

 

EXTRAORDINARIO (WONDER)

De Stephen Chbosky. Guion de Steve Conrad y Jack Thorne. Basado en el libro La lección de August de Raquel Jaramillo Palacio. Con Julia Roberts, Owen Wilson, Jacob Tremblay, Mandy Patinkin, Millie Davis, Izabela Vidovic, Ali Liebert, Elle McKinnon, entre otros. Música de Marcelo Zarvos. Duración, 113 minutos.

XXXX-CONMOVEDOR MELODRAMA

Jacob Tremblay, el pequeño actor tan magnético del film La habitación compone el conmovedor personaje de August Pullman, de 11 años, nacido con malformaciones faciales por las que tuvo que padecer 27 operaciones de cirugía reparadora. Razones que llevaron a sus padres Isabel (Julia Roberts) y Nate (Owen Wilson) a dedicarle una atención sin fisuras junto a su hermana mayor.

August no ha asistido a la escuela nunca, y la enseñanza estuvo a cargo de su madre especialmente con la complicidad tierna de su padre. Amante de la ciencia, de la astronomía, del espacio exterior y las infinitas estrellas, August usa un casco de astronauta de la NASA con el cubre su rostro marcado por tantas cicatrices. Cuando llega el día de asistir a clase, en quinto grado, va con su casco a resguardo del rechazo y, al sacárselo, produce una conmoción entre sus compañeros. Nadie lo acepta y es objeto de “bullying”. Esto obligará a August-Auggie a superar una dura cuesta de burlas y rechazos.

Hasta que un día, en una clase de ciencia, August expone sus conocimientos al responder acertadamente la pregunta sobre la primera ley de Newton y la refracción de la luz. Comienza entonces a llamar la sana atención de sus compañeros y profesores.

Con las sólidas actuaciones de Julia Roberts y Owen Wilson, se destaca el trabajo de este notable protagonista, Jacob Tremblay, siendo el centro de la emoción y el encanto de la historia así como del asombro que provoca su enorme capacidad actoral a tan corta edad. La realización es clásica, robusta por basarse en una novela. Incluso puede ser convencional. No obstante, la actuación de Trembley salva de cualquier otra calificación al film.

Sin sentimentalismo o compasión, el film abre el corazón por la sensibilidad que despierta una pequeña vida sometida a tanto sacrificio, físico y espiritual. August es un diminuto héroe del que será difícil olvidarse.

Carlos Pierre

 

 

DJAM

De Tony Gatlif. Con Daphne Patakia, Simon Abkarian, Maryne Cayon, entre otros. Cinematografía de Patrick Ghiringhelli. Música en general rebética (de los bajos fondos griegos). Duración: 97 minutos. Francia-Grecia-Turquía.

XXX- LA LIBERTAD DE SER UNO MISMO

Con un guion simple, el realizador gitano-argelino Tony Gatlif pergeña esta road movie risueña, musical, anárquica, contestataria y erótica a partir de una estrella de rock, la carismática francesa Daphne Patakia, o simplemente Djam,  eje electrizante de la historia.

Grecia es la locación elegida y, en especial, la mítica isla de Lesbos. El tío de Djam, un viejo marino que encarna Simon Abkarian, le encarga a su sobrina una compra en Estambul. Djam inicia un viaje diferente: libre, desprejuiciada, canta y baila el “rebético”, género que los griegos desarrollaron a comienzos del siglo XX y que proviene de los bajos fondos (se lo suele unir al tango, blues, fado). En esta travesía, que Djam transforma en un aprendizaje, surge el tema de los refugiados, la pobreza y una subyacente protesta contra el poder y las carencias económicas de esta parte del mundo. Canciones bellas, hermosas locaciones del noreste de la Tracia, y gestos alocados de Djam de mostrarse sin ropa íntima, jalonan una narración que navega entre el buen gusto y la melancolía. Al mismo tiempo, es la cultura musical griega que trasciende las fronteras, rítmicamente vital. En esta realización de Tony Gatlif hay una simpleza que es profunda, tiene sentido humanístico y se enlaza con habilidad en la grácil cintura de Daphne Patalia-Djam en un canto de libertad.

                                                                    Carlos Pierre

 

 

SOLAR

Documental de Manuel Abrqmovich. Fotografía de Manuel Abramovichy Flabio Cabobianco. Guion de Fernando Krapp, Javier Zaballos, Manuel Abramovich y Flavio Cabobianco. Duración: 78 minutos.

XXX-DOCUFICCIÓN A MITAD DE CAMINO

Entre el documental y la ficción transcurre este primer largometraje de Manuel Abramovich (corto “La reina) sobre Flavio Cabobianco quien, en 1991, siendo un niño, editó el libro “Vengo del sol”, gracias a la recopilación –o forzosa planificación- de sus padres, ña psicóloga Alba Zuccoli y don Omar Néstor Cabobianco, personas vinculas a las nuevas tendencias que dieron el nacimiento de la New Age. Se destaca el ordenamiento que realizara la periodista austroargentina Ama Hilde Bostrom de todo el material.

Con más de 25 años de aquel hecho de su niñez, Flavio Cabobianco recorre el mundo dando conferencias y tirando el I Ching (acompañado por su hermano a quien se señala como verdadero artífice de muchas teorías), mientras entabla una relación un tanto caótica con Abramovich forcejeando sobre quién debe utilizar la cámara. Finalmente el realizador accede a ser un “personaje” en off del documental. Y, a la manera de “Fuckand” de Marques, Flavio se enfoca el rostro, deja caer la cámara, mostrándose irreverente y petulante.

El documental en sí comienza cuando Abramovich inserta videos de los reportajes que se le hacían en televisión al pequeño Flavio: Graciela Alfano, Andrés Percivale, entre otros. Todos boquiabiertos con los análisis de la materia, de la reencarnación de las almas y del movimiento del Universo, del  pequeño niño. Quedan dudas, muchas, sobre si repetía los conceptos que especialmente su madre le daba, habitué de prácticas orientales como la meditación.

Como docuficción, tarda en concretarse. La historia recién toma color cuando Flavio, junto a su hermano y su madre, muestra el material de la reedición de su libro. La severidad de Alba Zuccoli diciendo “esto no va, esto sí” y la simpatía que produce la microfonista frente a cámaras agregan dos elementos opuestos que explican mejor de qué va todo esto tan caótico: la influencia materna en lo conceptual y el documental en lo formal.

Elsa Bragato

 

 

NIÑATO

Docu-ficción de Adrián Orr. Con actuación de la familia Ransanz. Fotografía de Adrián Orr. Duración: 72 minutos. España.

XXX- EL RAP DE LA DESOCUPACIÓN

De no ser porque se nos indica que es documental, pensaríamos en una ficción sobre un padre soltero y sus hijos pequeños. Es la vida de David Ransang y sus tres pequeños hijos, Oro, Mia y Luna, filmados en su intimidad cotidiana, idea del novel director madrileño Adrián Orr. Recibió el primer premio en la Competencia Internacional del BAFICI y, si bien no tiene grandes méritos su docu-ficción, el mejor y más claro es la utilización de la cámara para narrar la historia de alguien que es un “niñato”, es decir, un hombre despreocupado y presumido. David Ransanz es un “parado” madrileño. Su obsesión es el “rap” y cuidar de sus tres pequeños hijos. Vive en la casa de sus padres junto a su hermana y tiene una novia. De noche canta rap, le enseña rap a sus pequeños hijos y no se hace mayor problema por no aportar nada al hogar paterno.

Orr realiza un buen retrato de familia por cómo enfoca esta narración: la cámara se posa en medios planos cerrados sobre David preparando el desayuno de los niños y en éstos, que no quieren levantarse para ir al colegio. Incluso con cámara en mano, Orr sigue, en cierta medida, la escuela de los Dardenne (la tremenda “El hijo”). David se muestra tal como es, sin ningún prejuicio por no tener trabajo y sin ninguna esperanza más que la del día a día. Charlas en off con su madre, mientras él está con los hijos, le dan un matiz diferente a un documental que no parece tal (recibió el premio Fénix a la mejor fotografía en documental). Y en eso reside el valor absoluto de esta primera obra de Adrián Orr. Ensayo de crítica social y ligerísimo análisis de la psicología de un hombre joven sin preocupación por el futuro, “Niñato” tiene sus mejores secuencias en el pequeño Ransanz rapeando con su padre o solo o peleando con la abuela.

Elsa Bragato

 

 

AL DESIERTO

De Ulises Rossel. Guion de Ulises Rosell y Sergio Bizzio.  Con Valentina Bassi, Jorge Sesán, entre otros. Fotografía de Julián Apezteguía. Dirección de Arte de Raggio-Oyarce. Música original de Miranda y Tobar.Música adicional: Eduard Artemiev. Duración: 94 minutos. Argentina-Chile

XXXX- INTENSO WESTERN PATAGÓNICO

Entre el western, la road movie y el thriller psicológico, se mueve esta intensa narración propuesta por Ulises Rossel con las excelentes actuaciones de Valentina Bassi como Julia y de Jorge Sesán como Armando. Las locaciones elegidas fueron la ciudad de Comodoro Rivadavia y la árida meseta patagónica con sus fuertes vientos, polvaredas enceguecedoras y vegetación achaparrada.

Dos personajes dan vida a la trama: Julia (Bassi) trabaja como camarera en un casino de Comodoro Rivadavia, y conoce a uno de sus habitués, Armando (Sesán) quien le propone una tarea administrativo en la petrolera donde trabaja. Combinan una cita y Julia parte en su chata amarilla. Como no toman la ruta, desconfia de Armando, se lo recrimina y en un gesto brusco por tirarse del automóvil, éste se da vuelta. Intenta escapar pero Armando la obliga a seguir. Caminan kilómetros, llegan a casas desocupadas en apariencia, duermen a la intemperie, se lanzan en los arroyos del lugar para bañarse. Polvorienta y exhausta, Julia acepta a regañadientes su situación. Odia a Armando pero se encariña de una manera no explícita.

El film es, esencialmente, una larga travesía por la meseta del sur, sin que mengüen el atractivo y la tensión dramática: Bassi y Sesán están estupendos en sus respectivos roles, y no hay exageraciones dramáticas. El tema es muy actual: la violencia contra la mujer en todos sus aspectos, obligándola a seguir un camino incierto, a una relación que no se quiere pero se da, a hacer valer la fuerza física del varón por sobre la de la mujer. Y se cuela el llamado “síndrome de Estocolmo”, algo circunstancial para Julia. 

La magnífica fotografía de Julián Apezteguía es un regalo adicional, un plus fantástico, que retrata el Sur argentino de manera espléndida. Película intensa, atrapante y perturbadora.

Elsa Bragato

 

 

BATALLA DE LOS SEXOS

De Jonathan Dayton y Valerie Faris. Con Emma Stone, Steve Carell, Andrea Riseborough, Natalie Morales, Bill Pullman, Austin Stowell, Lloyd Bridge (video en blanco y negro), Elisabeth Shue, Alan Cumming, entre otros. Música de Nicholas Britell. Diseño de producción: Judy Becker. Duración: 121 minutos.

XXXX-BIOPIC DE LA MÁS GRANDE TENISTA

Esta película de Fox toma el título del libro de Billie Jean King, considerada la más grande tenista de todos los tiempos: ganó, a finales de los 60 y comienzos de los 70, 12 títulos de Gran Slam, entre otros premios, y luchó por la igualdad salarial entre hombres y mujeres profesionales de tenis. Además, batalló por la libertad sexual, si bien se casó muy joven, y enamorada, con Lawrence King (sinceró su lesbianismo luego de 20 años de matrimonio. Desde hace 30, vive con una tenista australiana).

Billie (Emma Stone) descubre que, frente a los 1500 dólares que ganaba una tenista, los varones recibían 12 mil de manos de la United States Lawn Tennis Association. Se enfrenta a “Jack Kramer”, presidente de la entidad, fundando con sus colegas y su marido la World Team Tennis en 1965. Tras cabildeos, partidos perdidos y confusión amorosa, llega la oportunidad de enfrentarse al gran tenista Bobby Riggs, primer ganador de Wimbledon en los 30 y 40 (Steven Carell), ya de 55 años, petulante, jugador y estafador que vivía a costa de su mujer, encarnada por Elisabeth Shue. Tras algunas idas y venidas y el enamoramiento de Billie Jean King de su estilista, Marylin (Andrea Riseborough), se produce la llamada “Batalla de los sexos”: el match entre Billie y Bobby, el 20 de setiembre de 1973.

Es curioso que una película previsible y convencional en su realización mantenga el interés, atrape y convenza de que las dos horas no son tiempo perdido. El tema tiene gran vigencia y las actuaciones de Steve Carell como Bobby Diggs y de Emma Stone como Billie Jean King son impagables. “El cerdo machista” de Riggs, como él se definía, quería enviar a las mujeres “a lavar los platos y a la cama”. Biilie Jean King se convirtió en el símbolo feminista más importante de aquellas décadas, equiparando el tenis femenino a la misma categoría económica que la del tenis masculino. No se la pierda. Entretenida y actual.

Elsa Bragato

 

 

JUEVES 23 DE NOVIEMBRE DEL 2017.-

Once películas se estrenan este jueves, varias nacionales sin difusión. Veamos:

La noche más fría, de Cristian Tapia Marchiori, con Juan Palomino en el protagónico del linyera Carlos, fue rodada en Pergamino. Narra la historia de un linyera que fuera combatiente en la Guerra de Malvinas, quien trata de sobrevivir a la noche más fría del año. Está referido a este período posterior a la conflagración angloargentina en el que los veteranos de guerra no eran reconocidos por el Estado.

La fraternidad del desierto, documental de Iair Kon, sobre la congregación Hermanitos de Jesús que, en los 60, se había radicado especialmente en La Rioja. Fueron los antecesores de la Teología de la liberación y debatían si entrar en la lucha o abstenerse en épocas de dictaduras. La creación de la orden se debe a René Voillaume quien puso en práctica el legado socioreligioso de Charles Foucauld, místico que dio origen a la “espiritualidad del desierto”. Esta congregación trabajó entre 1959 y 1977 especialmente.

El mensaje de la luz, de Javier Garriga. Es una historia semifantástica y espiritual sobre un artista que no consigue suficiente dinero con su arte mientras su padre, también pintor, padece Alzheimer. En su balcón recupera plantas que encuentra y empieza a descubrir otros pequeños mundos reales. Esta búsqueda ocasional le permitirá salvarse en el mundo real.

Bad Cat, de Mehmet Kurtulus, animación de origen turco basada en un cómic. “Bad Cat” es el alter ego de “Garfield”. Lejos de “El Sultán” o “Mesdezir”, es un gato maleducado, sin sofisticación alguna. La animación no es apta para menores.

Desaparecido, de Luis Prieto, con Halle Berry.

“(…) Un viaje algo ridículo pero estimulante”, afirma el crítico Alonso Duralde, The Wrap.

 

SUBURBICON

De George Clooney, guion de Ethan Coen, Joel Coen, George Clooney y Grant Heslov. Con Matt Damon, Julianne Moore, Oscar Isaac, Glenn Fleshler, Noah Jupe, Michael D. Cohen, entre otros. Música de Alexandre Desplat, Duración: 105 minutos.

XXX-THRILLER SOBRE LA HIPOCRESIA SOCIAL

Fábula norteamericana sobre un idílico barrio ambientado en los años 50, alejado de las grandes ciudades, cuyos habitantes mantienen a rajatabla los usos y costumbres de la raza blanca. Disfrutan de sus creencias, y no desean interferencias. Hasta que un matrimonio afroamericano se va a vivir a una de las casas. Comienza entonces otra historia, paralela al thriller que se vivirá: el hostigamiento verbal y gestual, el “apartheid” al que es sometido, empalizadas que rodean a la pareja de color, violencia creciente hasta llegar a un incendio.

La historia pergeñada por los Coen en 1986 y retomada por George Clooney tiene el tono de amable comedia que deviene en una oscura trama, en thriller noir: el matrimonio encarnado por Matt Damon y Julianne Moore, un pequeño hijo y la cuñada del jefe del hogar, gente de buenos modales, es asaltada por dos delincuentes que comenzarán a extorsionar a la familia. El “suburbicon” inicial da paso a una realidad desconocida, es un cambio absoluto que hace virar la historia hacia el policial extremo con chantajes, venganzas y traiciones, males insospechados en este paraíso profundamente hipócrita y segregacionista.

Se destaca la fidelidad en el diseño de arte al estilo de los 50, la actuación soberbia de Matt Damon, alejado de la acción, así como Julianne Moore, que vuelve a sorprender una vez más por su versatilidad. La banda sonora está compuesta por el notable maestro Alexandre Desplat e interpretada por la impecable Filarmónica de Londres.

El sello de los Coen está asi como la mano de George Clooney. El resultado es un film pretensioso, pulcramente realizado con sorprendentes virajes narrativos y cierta división entre la historia central del asalto y sus consecuencias y el desprecio a la raza negra, tema reincidente en la sociedad norteamericana.

Carlos Pierre

 

 

MAREA HUMANA (HUMAN FLOW)

De Ai Weiwei. Documental, USA. Música de Karsten Fundal. Duración: 140 minutos.

XXXX- LA NECESIDAD DE SOBREVIVIR

El afamado artista chino Ai Weiwei (actualmente con una exposición en la Fundacion Proa de Buenos Aires) realizó una obra épica con este documental que le demandó recorrer no menos de 23 países con su equipo de filmación. Plástico contemporáneo, arquitecto, erudito, radicado en Berlín luego de enfrentar la cárcel por su oposición al gobierno de China, trae su sentido humanístico profundo en cada secuencia, retratando a más de 65 millones de personas obligadas a abandonar sus hogares para escapar al hambre y la muerte. Para Weiwei, hay dos pivots: el cambio climático y la guerra, fundamentos de este desmesurado desplazamiento poblacional.

Ai Weiwei aparece por momentos en medio de la gigantesca marea humana que camina hasta quedar exhausta o se recluye en hacinados y precarios campamentos bajo el frío y la lluvia. La cámara está presente en la sufriente África, en Israel y Palestina, en las aguas del Mediterráneo, y en la desesperada búsqueda de millones de seres humanos de un lugar donde recalar: Francia, Italia, Alemania, retenciones en las fronteras o infranqueables murallas de alambres con púas. Son sombras errantes que, aún en la crudeza de la extrema pobreza y del hambre, fueron filmadas con dignidad, desde drones, por ejemplo. Secuencias con tono paisajístico que hablan del artista Weiwei y su sensibilidad: mareas humanas en lugar de mareas oceánicas.

La piadosa mirada del realizador se infiere, se siente, a través de la narración que utiliza diferentes tomas, desde las cortas sobre algún juguete hasta las zenitales, donde las personas son solo puntos.

Más allá de estremecer, Weiwei construye un manifiesto político con una elocuente visión de las miserias humanas: esa marea humana se desplaza como un tour atormentado, una fatalidad irredenta, un clamor por la vida misma. Si bien es un documental extenso, la marea humana que se desplaza como nunca antes es una realidad ineludible.

                                                                    Carlos Pierre

 

 

LA VILLANA

Guion y dirección de Jung Byung-Gil. Con Kim Ok-Bin, Shin Ha-Kyun, Kim Seo-Hyung, entre otros. Música de Koo Ja-Wan. Duración: 143 minutos.   Corea del Sur.

XXXX-MÁS ACCIÓN QUE GUION

“La villana” hace honor a su título en castellano. Es un thriller de venganza, violento y sangriento, coreografiado con secuencias de extrema acción. Bien se podría decir que es una característica del cine surcoreano, aunque tiene obras de maravillosa poesía como “Camino a casa”, de Lee Jeong-hyang. Deja perplejo la portentosa metralla de armas de fuego y acero, además de tácticas marciales que transforman el guion en acción virulenta.

A esta acción desenfrenada, bien lograda y puntal indiscutido del film, se le contrapone un guion bastante transitado así como embarullado y, por momentos, incomprensible.

Nuestra heroína-villana (la estupenda Kim Ok-Bin) desde la más remota infancia ha sido entrenada para convertirse en una asesina impiadosa. La jefa del servicio de información de Corea del Sur la recluta, la tiene cautiva y le ofrece una oportunidad: diez años de su vida y luego la libertad. Al mismo tiempo, tiene la fachada de una actriz de teatro. Bajo la apariencia de una vida normal deberá desentrañar los secretos de su pasado, dos hombres distintos que la atormentan y confunden.

El guion es lo de menos, es un pretexto para realizar un film vertiginoso, que comienza con brutal acción y cámara subjetiva para darle más verosimilitud. A quienes les guste la acción porque sí, ésta es la película. No busquen razones porque no las encontrarán. Brilla Kim Ok-Bin en el papel de la villana, que le permite navegar por la acción y la violencia más contundentes.

                                                                       Carlos Pierre

 

 

SOY TU KARMA

De Who. Guion de Gustavo Cormillon. Con Willy Toledo, Ana María Orozco, Florencia Peña, Liz Solari, Boy Olmi, Silvia Pérez, Leonora Balcarce, Luisa Kuliok, Emilio Disi, Ariel Núñez, entre otros. Música,   Pablo Sala. Duración, 80 minutos.

XXX-COMEDIA ENREDADA PERO EFICAZ

El realizador WHO es un afamado director de publicidad que desarrolló proyectos en Europa, América, África y Asia y, en éste, su primer largometraje, reunió una pléyade de actores basándose en un guion osado de Gustavo Cormillon. Si bien están presentes las inocencias de una ópera prima, bien se puede afirmar que Who sale indemne.

Darío (el español Willy Toledo) en el día de su compromiso con Melisa (Leonora Balcarce) se despierta al lado de una mujer que no conoce. Será una trampa, una broma, una estafa. Pero esta desconocida (Ana María Orozco) no será la única aparecida, habrá una monja con arrebatos sexuales (Liz Solari), un hombre con un lenguaje extraño (Ariel Núñez), otra aparecida (Florencia Peña), y hasta un aviador (Emilio Disi), entre otros. Llegarán sus futuros suegros (Boy Olmi y Silvia Pérez) con su prometida del aeropuerto, y Darío se desespera porque quiere alejar a estos seres que solo él ve. Así comienza un calvario plagado de sobresaltos que tienen como aditamento la mirada indiscreta de una vecina (Luisa Kuliok).

La idea es muy buena. Pero se enmaraña y no queda bien en claro qué persigue. Nos atrevemos a hablar, entonces, basándonos en el título, que el “karma” de Darío tiene una directa filiación con la filosofía presocrática (y la oriental). Hay una directa relación con el filósofo Empédocles de Agrigento quien afirmó: “Yo he sido en otro tiempo muchacho y muchacha, arbusto y un ave, y un pez mudo en el mar”.

La película de Cormillon es osada: plantea, de manera oculta y en tono de comedia, que la existencia no se reduce a una vida sino que presupone la existencia de otras vidas anteriores y futuras. Aún con vaivenes narrativos por causas del guion, Who promete mucho teniendo excelencia en el manejo de la cámara.

                                                                    Carlos Pierre

 

 

LA COMUNIDAD DE LOS CORAZONES ROTOS

De Samuel Benchetrit. Con Isabelle Huppert, Gustave Keryern, Michael Pitt, Valeria Bruni Tedeschi, Jules Benchetrit, Tassadit Mandi. Guion de Samuel Banchetrit y Gabor Rassov. Música de Raphael. Fotografía de Pierre Aim. Duración: 100 minutos.

XXXX-CARICIAS QUE HACEN FALTA

Tres parejas, enamoramiento, amistad, tratadas con surrealismo y una mirada existencialista perspicaz, son los elementos que toma Samuel Benchetrit para regalar una comedia que mantiene equilibrio entre el melodrama y la realidad. Un vecino (Gustave Kervern), quejoso y tacaño se enamora de una enfermera; una alocada actriz (Isabelle Huppert) encuentra en un joven vecino (Jules Benchetrit) un aliciente para presentarse en un casting, y un astronauta norteamericano (Michael Pitt) cae desde el cosmos en el departamento de una anciana argelina (Tassadit Mandi) cuyo hijo está preso.

La desgracia de estos tres seres generan situaciones entre hilarantes y conmovedoras. A medida que avanza la narración, Benchetrit plantea la ironía que subyace en la vida cotidiana, aún en los hechos más comunes. Entre la poesía y el toque surrealista, se muestra la necesidad de afecto de los vecinos de un destartalado condominio, esos “corazones rotos” que no se muestran como tales y que, sin embargo, están clamando por una caricia al alma. Hay momentos sublimes como el encuentro final del vecino huraño que hará un tortuoso camino sin su silla de ruedas para llegar hasta la enfermera. O los diálogos entre inglés y francés del rubio astronauta con la argelina a quien la NASA le encomienda que lo cuide en situaciones insólitas así como el recitado de un texto teatral por Huppert ante la cámara de su joven vecino quien espera ser adoptado. Todo es real: existen astronautas, argelinas, presos, actrices en decadencia, hombres en sillas de ruedas y enfermeras que salen a fumar de madrugada. Está entonces la enorme capacidad de un director para ensamblar a estos seres humanos en una historia que, en alguna medida, representa los sentimientos de todos: la necesidad del afecto, de la caricia, de la palabra justa cuando el alma está quebrada y hay que seguir sonriendo. Lo patético como parte de la vida misma. Nada más cierto. Además Samuel Benchedrit rindió homenaje a su vida en un suburbio parisino donde pasó su infancia.

PD: hay varios films que tratan la vida en condominios, y hasta un comic español, “13, Rue del Percebe”, del español Francisco Ibánez, cuya primera edición fue en 1961. Algunos críticos internacionales han considerado que este film de Benchecrit está basado en el mismo.

Elsa Bragato

 

 

VICTORIA Y ABDUL

De Stephen Frears. Con Judi Dench, Ali Fazal, Eddie Izzard, ]Olivia Williams, Robin Soans, Johnathan Harden, Paul Higgins, Michael Gambon, entre otros. Fotografía de Danny Cohen, Música de Thomas Newman. Duración: 112 minutos.

XXX-LA MONARCA AMIGABLE

Nadie mejor que la enorme Judi Dench para encarnar a la Reina Victoria del Reino Unido en sus últimos 15 años de reinado. El estilo “british” era fundamental y Judi Dench encarna a la inglesa de más pura estirpe. En este caso, se relata la amistad de la anciana monarca (63 años al frente del Reino Unido) que tuvo con su siervo Abdul Karim, uno de los dos siervos que tomó de la entonces colonia británica India. Fueron llamados “los munshi”. Abdul fue la compañía de la reina en todos los momentos, protocolares o no. Años antes, luego de que quedara viuda, se le había adjudicado un romance con el siervo escocés John Brown. En este caso, Abdul fue un hijo más, el décimo, dado que Victoria tuvo 9 con su primo, Alberto de Sajonia, Coburgo y Gotha. Heredera del trono a los 18 años, al quedar viuda se recluyó durante mucho tiempo. Hubo rebeliones, idas y venidas políticas, varios intentos de asesinatos, hasta que se llegó al Jubileo de la reina quien ordenó traer dos indios musulmanes como siervos. Uno de ellos fue Abdul, muerto ya John Brown. Hasta el último día de vida de Victoria, Abdul estuvo a su lado. Luego se retiró a las tierras que la reina le había donado en su país viviendo de una pensión.

El retrato de época está logrado, pero el film histórico no sale de una medianía aunque la narración tenga pinceladas sutiles y, por momentos, subyugantes. El esplendor de una monarquía, la discreción y los rumores de palacios pintan perfectamente los últimos años de vida de una de las monarcas que más tiempo estuvo al frente de un reino, siendo la primera su tataranieta la Reina Isabel II. La historia es fascinante en sí misma, aunque haya quedado subordinada a las coordenadas de tiempo y espacio que el cine pudo dar. Para nostálgicos y para quienes admiren a la gran Judi Dench.

Elsa Bragato

 

 

 

JUEVES 16 DE NOVIEMBRE DEL 2017.-

Hay varios estrenos interesantes sin ser un montón (se esperan para la semana que viene).

Cauce, de Agustín Falco. Con Alberto Ajaka, Luis Machín, Juan Nemirovsky, Martín Slipak. Primer largometraje de Falco, reconocido docente y realizador de audiovisuales. Cuenta la vida de un padre de familia que pierde el trabajo en una ola de despidos y acepta el menos recomendable: la venta de drogas, un secreto que no puedo compartir con su familia.

Bienvenido a Alemania, de Simon Verhoeven. Con Senta Berger, Palina Rojinski, entre otros. El tema de los refugiados es el eje de esta historia. Una familia afincada en Munich recibe al nigeriano Diallo. A partir de este hecho, Verhoeven traza un retrato de la sociedad alemana y los conflictos que vive para aceptar a los “nuevos”, o sea la hipocresía de ser “buenos” por tratar de serlo. Recordemos que Alemania tiene muchísimos ciudadanos turcos por la proximidad de las fronteras, existiendo casamientos entre ambas nacionalidades, a pesar de los conflictos sociales generados y que no se han resuelto aún.

Eva, de Ricardo Von Muhlenbrock, documental sobre la preparación de la puesta en escena de la obra teatral homónima del escritor y periodista Vicente Zito Lema. Toma como “pivot” la figura de Eva Perón para demostrar que el rencor nos ha dañado irremediablemente. Se ofrece en el cine Gaumont y fue presentada en General Roca.

“BEPO”

De Marcelo Gálvez. Con Edgardo Desimone, Luciano Gugliemino, entre otros. Música de Juan Falú. Duración: 72 minutos.

XXXXX-EL “CROTO” MÁS FAMOSO

Con excelente manejo narrativo, Marcelo Gálvez nos relata la vida de Bepo, basado en el libro “Bepo, vida secreta de un linyera”, de Hugo Nario, hombre prominente de la ciudad de Tandil (croto es un argentinismo. Proviene del apellido “Crotto”, reconocido Radical, quien permitió que los linyeras subieran a los trenes de carga para trasladarse). Los paisajes son los mejores telones de fondo para este hombre, llamado “José Américo Ghezzi” quien, en 1935, recorría el país como podía. La década es importante: aunque fuese por reflejar la realidad escrita por Nario, tiene que ver con nuestra historia y la inmigración, los rechazos de los gauchos a los gringos, y la vida sin futuro, sin trabajo ni techo. Viviendo de la caridad y durmiendo bajo las estrellas.

La actuación de Luciano Gugliemino conmueve por su impasible mirada hacia algún lugar, y retrata fielmente el sentimiento de los sin techo: la nada como forma de vida por segregación o por elección.  En esa década, tener trabajo y un lugar donde pasar la noche era la principal búsqueda. Las diferencias sociales estaban muy marcadas, algo que no desapareció y que sobreviven a los sistemas dictatoriales y democráticos. Por aquel entonces, la llegada de los europeos con ideas políticas revolucionarias –el anarquismo- conmovió a la sociedad argentina, especialmente a la masa trabajadora. Los crotos fueron tan comunes como ahora: no había leyes que ampararan al trabajador (“I compagni”, de Monicelli, si bien enfoca los comienzos del siglo XX, es un buen ejemplo).

Los personajes que se le cruzan en su andar a Bepo son circunstanciales, como el paso de él mismo por cada lugar. Filmada en 12 locaciones de la provincia de Buenos Aires, Marcelo Gálvez logra una historia diferente, atractiva, precisa, y obliga a pensar en el sufrimiento no dicho de los sin techo, los de entonces y los de actuales. “Bepo” dice mucho más que lo que nos muestra y habla.

Elsa Bragato

 

A LA GUERRA POR AMOR

Guión, protagónico y dirección de Pierfrancesco Diliberto (PIF). Con Pif, Miriam Leone, Andrea Di Stefano, Maximo Bologna, entre otros. Música de Santi Pulvirenti. Duración: 99 minutos.

XXXXX- TRAGICOMEDIA A LO “TANO”

El amor de Arturo, que vive en New York, por Flora supera los límites de lo razonable. Ambos se aman pero no pueden casarse. Un pacto del futuro suegro complica con la mafia el amor de la pareja. Arturo decide enrolarse para viajar a Sicilia y solucionar el conflicto. La historia se ubica en 1943, plena segunda guerra mundial. Pierfrancesco Diliberto, o PIF, escribió el guion, lo dirigió y protagonizó en este film donde ensaya un humor a lo Lando Buzzanca (buen amigo de la Argentina) con el pintoresquismo de la simpatía italiana.

Es una tierna historia de amor que mezcla a la mafia y al desembarco de las tropas norteamericanas en Sicilia. Una alianza secreta de la mafia que, en USA, lideraba “Lucky” Luciano, con el gobierno de los Estados Unidos mantuvo a raya a los habitantes y los mafiosos que aún subsistían luego de la razzia organizada por Mussolini. Tienen gran valor el diseño de arte y de producción en general por la reconstrucción histórica, que choca con la comicidad de PIF, insulta y fuera de “tempo”. Es que la caricatura resulta forzada frente a la tragedia de la guerra como fuerte telón de fondo. Hay secuencias loables pero PIF no logra la altura de un Roberto Begnini.

Entre los momentos insólitos está el “desembarco” de Arturo desde un helicóptero en la isla italiana. Entonces lo normal fueron los paracaidistas y recién sobre el final de la guerra los alemanes usaron algunos. El amor, el pedido de mano de Flora y hasta la inclusión de un informe sobre la mafia en Sicilia son elementos interesantes que, si bien están, no logran que el film supere cierta mediocridad. Exageraciones y caos, con tinte “tano”.

Carlos Pierre

 

THE SQUARE

De Ruben Ostlund. Con Clars Bang, Elizabeth Moss, Dominic West, Terry Notary, entre otros. Cinematografía de Fredik Wenzel. Duración: 151 minutos.

XXXXX- SER Y PARECER EN COMPLEJA TRAMA

Luego de “Fuerza mayor” (2014), Ruben Ostlund, director sueco, regresa con “The square”, ganadora de la Palma de Oro en Cannes 2017. Si bien hay muchos planteos interesantes, no es una película compacta como la primera mencionada, aquel padre que, en el momento en que se produce un alud, abandona a su mujer y sus hijos a merced de la catástrofe para reaparecer después. En este caso, se basa en la vida de “Christian” quien es director de un museo de arte al que no le va muy bien y para colmo pierde su celular, disparador de una generosa historia sin “peinar”. No obstante este personaje envuelto en una profunda crisis existencial organiza una muestra de arte moderno, “The Square”, nucleo de las inquietudes de Ostlund. A decir verdad, “aprehender” el sentido de una obra de arte moderno no es fácil ni de dominio general. ¿Qué sentido tiene para nuestra vida ese tipo de comprensión? He aquí el quid de “The Square” que delinea ideas muy reveladoras que hacen a la vida social, a la hipocresía, a ser políticamente correctos, a parecer lo que no somos, pero que no hinca el diente. Es una narración eficiente, con una fotografía clásica, y un cúmulo de ideas buenas esbozadas. Quedan ahí. Las hijas de Christian serán quienes develen el verdadero significado que para Ostlund o bien “Christian” tiene la vida.

El supuesto “ataque” de Ostlund al Arte Contemporáneo o Moderno es tan solo una gran metáfora de la vida en las sociedades actuales. La propuesta del realizador es provocadora: las ideas golpean, acicatean y, en definitiva, hacen pensar en nuestras realidades y cómo somos funcionales a manierismos sociopolíticos y económicos aún sin querer.

Elsa Bragato

 

LA LIGA DE LA JUSTICIA

De Zack Snyder. Con Ben Affleck, Gal Gadot, Ezra Miller, Jason Momoa, Ray Fisher, Henry Cavill, Willem Dafore, Diane Lane, Amy Adams, entre otros. Fotografía de Fabian Wagner. Música de Danny Elfman. Duración: 121 minutos.

XXXXX- LIO EN EL PARNASO

A Zack Snyder se le volaron algunas hojas del guion porque en “La liga de la justicia”, basada en la reunión de los superhéroes de DC Comics/Warner, los personajes se presentan sin cohesión narrativa entre sí en un menjunje que aturde. El mal ahora se llama SteppenWolf (Ciaran Hinds), tiene un complejo edípico notable y esta secundado por unos horribles hombres-mosquitos que constituyen el ejército de Parademons. “Batman” (Ben Affleck) anuncia los días aciagos por venir y participa de un homenaje cuanto menos macabro a Superman (Henry Cavill) junto a los superhéroes que se reúnen para desenterrarlo. La lucha contra el Mal es el único sentido que tiene el guión porque las secuencias, si bien guardan un orden temporal, parecen agrupadas sin el mínimo sentido común.

Solo quienes siguen la historia de los superhéroes de DC Cómicas conocen a “SteppenWolf”: pertenece a los “NewGods” y su arma es el hacha. A decir verdad, fue creado por Jack Kirby en 1972… Los fanáticos preferían a Darkseid. Pero no pudo ser. Para el espectador común, el personaje malvado surge de la “nada” sin que haya conexión argumental que lo justifique con los meta-humanos, salvo la lucha del bien contra el mal, al que representa.

Componen este “parnaso” de superhéroes un hombre mitad humano y mitad computadora “Cyborg” (Ray Fisher), el moderno Neptuno llamado “Aquaman” (Jason Mamoa), la “Mujer Maravilla” (Gal Gador, quien hizo su primera aparición en la fallida Batman Vs. Superman) y hasta “Superman”!!!!!! Así como mencionamos el orden temporal, Zack Snyder se olvidó por completo del orden espacial. No se sabe dónde se pelea fuera de los límites de Ciudad Gótica, los lugares aparecen como por arte de magia. Y esto hay que decirlo: los actores no actúan. Masacote de efectos especiales, Zack Snider solo desarrolló un personaje con futuro: “Flash” y se olvidó del resto. Añadimos que con este film el director terminaba su trilogía para Warner: Hombre de acero, Batman vs Superman y La liga de la justicia. Pero habría más…

Elsa Bragato

 

JUEVES 9 DE NOVIEMBRE DEL 2017.-

Diez estrenos de los cuales cinco son películas nacionales de buena factura, en general, que incluyen el debut de Nicolás Puenzo, heredero de una excelente dinastía cinematográfica argentina. Las tres mejores películas de la semana son: “Al centro de la Tierra”,“Paterson” y “Paula”.

Entre los internacionales está la animación “La familia monster”(XXX), de Holger Trappe, realizada en Alemania, en la que se cuenta la historia de la familia Wunschmann, sus pesares y cómo la bruja Babayaga los embruja convirtiéndolos en monstruos. Es más de lo mismo pero siempre entretienen estos cuentos animados.

XXXPersonas que no son yo”, de Hadas Ben Aroya, es de origen Israelí, que ganó el premio Astor en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata en el 2016. Se narra la historia de “Joy”, una redactora de una agencia de publicidad, quien sufre un fuerte desengaño amoroso y empezará un difícil derrotero de amistades sexuales que la llevarán del llanto a la risa. Es un atractivo film de Ben Aroya, quien debuta en el cine internacional con este largometraje. Escenas fuertes.

XXXLiebig, un pueblo en busca de su identidad”, de Christian Ercolano. Documental sobre el pueblo Liebig, Entre Ríos, que surgió alrededor de la fábrica de extracto de carne del mismo nombre de origen británico. Tuvo su época de esplendor hasta los años 70. Ercolano recoge valiosos testimonios de sus ex empleados y de los vecinos de la fábrica, construyendo una historia sensible y rigurosa. Ahora Liebig busca una nueva razón de ser para redefinirse como pueblo. Fue presentado el año pasado en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y en festivales internacionales teniendo muy buenas críticas.

XXX“Los decentes”, de Lukas Valenta Rinner. Con Iride Mockert, Martín Shanly, entre otros. Coproducción de Argentina, Austria y Corea del Sur. Valenta Rinner es un austríaco radicado en nuestro país con una visión especial de la sociedad, más sajona que latina por obvias razones. En este caso utiliza la metáfora de dos grupos sociales: el de un country y el de un grupo nudista. En el country la mucama Belén (Iride Mockert) siente curiosidad por saber quiénes están del otro lado del cerco (escucha ruidos, voces), y se encuentra con un grupo nudista integrado por personas de diversas edades, quienes conviven a la manera de una secta. De a poco se integra por curiosidad. Las escenas que retrata Valenta Rinner son sin vueltas, desnudos de todo tipo y “grosor” que le dan aire de tosquedad aunque no menos verídico. Quién es decente y quién es indecente es la pregunta que surge espontáneamente. ¿Los que miran a la sociedad desde un sitio supuestamente superior por tener dinero o aquéllos que son capaces de desnudarse compartiendo todo tipo de momentos? Considerando al “desnudo” como indecente per se. Es una propuesta con cabeza europea que analiza, desde un ángulo personal, la moral hipócrita de las sociedades, vestidas con diferentes ropajes morales. EB

 

XX“Más que hermanos”, de Arienne Benedetti. Con Drew Fuller, Valerie Domínguez, Robin Durán, entre otros. Es una coproducción de Panamá-Estados Unidos-Argentina. Arienne Benedetti es una gran difusora del cine panameño, siendo creadora de festivales y leyes de fomento para la industria cinematográfica de su país. En el 2006 publicó una primera novela, “Más que hermanos”, cuyos textos convirtió en guion para este film, luego de pasar por la televisión de su país y por estudios superiores audiovisuales en España. La película se basa en la historia de dos hermanos, Josuá (Robin Duran) y Mia (Valerie Domínguez) quienes se quedan huérfanos y pierden todo siendo pequeños. Viene la lucha por la sobrevivencia, adversidades y logros, que jalonan dos vidas que no son fáciles. Sin embargo, la picardía centroamericana, esas chispas de humor, las tonadas simpáticas caribeñas, le dan un tinte agradable. Benedetti se reservó un rol muy especial, el de “Mani”, amiga de “Mía”.A pesar de todo, el toque televisivo es muy fuerte y la película cae en un melodrama común. CP

XXXX“Al centro de la tierra”, de Daniel Rosenfeld. Docuficción, con Antonio Zuleta, y José y R. Cachi. Música de Jorge Ariagada. Fotografía de Ramiro Civita. Daniel Rosenfeld es el mismo realizador de “Cornelia frente al espejo”, una película que subyugó a la crítica y al público, entre otras producciones suyas. En este caso, viajó a Salta para un casting en Cachi y allí tuvo la oportunidad de conocer a Antonio Zuleta y sus dos hijos, así como su pasión por los OVNIS, teniendo mucho material filmado que, hasta el momento, no fue difundido de manera oficial u oficiosa. En esos fragmentos de amor padre e hijo, como en su visita a Buenos Aires para conocer a Fabio Zerpa, quien se asombra por el material logrado por Antonio aunque no le cree mucho (Fabio Zerpa es hoy en día un referente obligado como ovnílogo, si bien en sus comienzos fue pianista y luego galán de televisión), Rosenfeld retrata la vida de un hombre que vive muy modestamente y que tiene una profunda fe, creencia, en la existencia de los OVNIs, a los que, según sus documentos, fotografía y filma. El clima generado por Rosenfeld es estupendo y el tema del film no escapa a uno de los ítems que todo ovnílogo que se precie de tal pueda desconocer: la creencia a rajatabla de que los extraterrestres existen dentro de la Tierra. Hay quienes han descripto a la Tierra como “hueca”, y allí vivirían los “aliens”. Otros afirman que están en océano Atlántico, frente a las costas argentinas del sur desde donde se ven surgir extraños “objetos no identificados” u Ovnis. Antonio Zuleta tiene su propio objetivo: la confirmación de que los Ovnis y los seres extraterrestres ya habitan la Tierra y en ese camino está. Un docuficción diferente, muy atractivo por la narración de Rosenfeld, con muy buena banda sonora, y una fotografía estupenda. EB

 

PATERSON

Guion y dirección de Jim Jarmusch. Con Adam Driver, Golshifteh Farahani, Barry Shabaka Henley, Cliff Smith, entre otros. Música del Grupo Squrl. Duración: 113 minutos.

XXXXX-POESÍA, EJE DE UN ESTUPENDO FILM

Exponente del cine independiente, esta película de Jim Jarmusch limita con la utopía y es profundamente lírica. El eje de la historia es la poesía, soslayada por otros géneros literarios. Para Jarmusch es la estrella, la luz íntima de un conductor de autobús que escribe poesías cotidianamente. Surgen de lo que ve y escucha en los pasajeros, entre fantarrones y anarquistas.

La poesía ha bajado hasta Paterson, en Nueva Jersey, palpita en una cascada de esa ciudad que vio nacer a Lou Costello, está en el rostro de su amada Laura (Golshifteh Farahani), clara alusión al poeta Petrarca. Paterson (Adam Driver), en interesantes tomas cenitales, todos los días a las 6 de la mañana está abrazado a su esposa y se dispone a ir a su trabajo, una rutina que no lo aleja de su sentir poético. La narración toma siete días en la vida del protagonista, de lunes a domingo. Nuestro poeta Paterson no deja de escribir diariamente y el realizador utiliza la pantalla para mostrar los versos del protagonista. Adam Driver y Golshifteh Farahani componen un matrimonio que será difícil de olvidar. Una reunión tierna y amalgamada  entre el vuelo soñador de él y los pies en la tierra de ella. En realidad, los poemas son del septuagenario Rod Pedgett, así como el Adam alude constantemente a la obra de William Carlos William, y ordena sus libros en la modesta biblioteca. Libros que son cuadernos plagados de versos. Lo inesperado ocurre a través del bulldog blanco que la pareja tiene. Y un personaje oriental es quien le dará el viraje final que nos devuelva el aliento.

Jim Jarmusch logra una película de extraordinaria sensibilidad, fuera de todos los cánones comerciales. Músico (tuvo que ver también con la banda sonora del film) y poeta, se dio el lujo de realizar un film absolutamente diferente, emotivo y de enorme riqueza espiritual. Heroica y plausible narración.

Carlos Pierre

 

ASESINATO EN EL EXPRESO DE ORIENTE

De Kenneth Branagh. Con Kenneth Branagh, Penélope Cruz, Willem Defoe, Johnny Depp, Michelle Pfeiffer, Daisy Ridley, Judi Dench, entre otros. Música de Patrick Doyle. Fotografía de Haris Zambarloukos. Duración: 116 minutos.

XXXXX-DISFRUTABLE REMAKE

“Asesinato en el expreso de Oriente” es uno de los libros más leídos, más famosos, por consiguiente, de Agatha Christie. En este caso, es una remake del notable director y actor Kenneth Branagh, quien encarna al legendario detective belga Hércules Poirot. La reconstrucción de la estación de Estambul, así como de la locomotora en estudios londinenses son perfectas y asombrosas. Desde este punto de vista, el film es una superproducción. En segundo término lo es por el elenco superestelar que tiene, desde la magnífica Judi Dench hasta los principales coprotagonistas Michelle Pfeiffer (bellísima en su sesentud) y Johnny Depp. No obstante, la cantidad de personajes que surgen al comienzo hacen muy compleja y densa la trama, y hasta uno de ellos, que tiene directa relación con “Poirot”, es dejado de lado a mitad de la trama. Es decir, hay un esplendor en la realización que tiene desniveles en el resto de la narración. Es una filmación clásica sin picos de tensión, apenas los marcados por el libro original: la narración mantiene un mismo tono en forma constante. Branagh, uno de los actores más “shakespereanos” que existe, declama sus parlamentos y la postproducción fotográfica queda deslucida en algunas secuencias por un abuso de la tecnología. El resto es muy atractivo, aunque tenga tufillo de algo pasado de moda. Se disfruta.

Elsa Bragato

 

PAULA

De Christian Schwochow. Con Carla Juri, Albrecht Schuch, Roxane Duran, Joel Basman, entre otros. Música de Jean Rondeau. Fotografía de Frank Lamm. Duración: 123 minutos.

XXXXX-BIOPIC DE UNA GRAN PINTORA ALEMANA

Luego de “Loving Vincent” sobre Van Gogh llega “Paula”, biopic de la artista alemana Paula Modersohn-Becker, la primera artista del expresionismo Germán. Desde sus comienzos hasta el final, Paula se mantuvo enfrentada con la sociedad de entonces, llena de prejuicios, que intentaron coartar su libertad de acción: debía trabajar, pero ella amaba pintar. Una escuela en las afueras de su Dresde natal le permitió dar rienda suelta a su creatividad, a pesar del estupor de sus profesores. Su gran amiga Clara (Roxane Durán) sentía sus mismos aires libertarios. Pero en la escuela conoció a Rainer María Rilke (Joel Basman), con quien se casó. Paula se enamoró de uno de los profesores, Otto Modersohn (Albrecht Schuch) , viudo y con una pequeña hija y siguió los pasos de Clara. Pero su espíritu fue más poderoso que las rígidas costumbres sociales, especialmente para las mujeres. Y en 1900 se marchó a París, decidida a vivir de sus pinturas. Un bohemio pintor reconoció su arte como ni su marido ni su padre lo habían hecho. Un amor furtivo que la llevó a divorciarse aunque Otto volvió una y otra vez a su vida, hasta que los dos retomaron el matrimonio y se propusieron ser padres. Otto tenía mucho temor por el parto pero para la joven Paula nada debía ser imposible a sus 31 años.

La película de Schwochow goza de una estética fantástica, cada secuencia donde se fotografía al grupo de pintores parece un cuadro del impresionista Renoir: sombreros y vestidos blancos en las mujeres, de arrolladora belleza. El ambiente bohemio parisino también es otro hallazgo del film así como la actriz Carla Juri es perfecta para el rol de Paula con su rostro de extrema dulzura y una firme personalidad, inquebrantable. Es una biopic digna de verse con tiempo, la narración fluye, atrapa, manejándose un tempo interior calmo. Es un documento sobre la libertad de la mujer y sobre los derechos que le asisten. Los deberes ya los conocemos.

Elsa Bragato

 

LOS ÚLTIMOS

De Nicolás Puenzo. Con Germán Palacios, Peter Lanzani, Natalia Oreiro, Juana Burga, Alejandro Awada y Luis Machín. Guión de Nicolás y Lucía Puenzo. Música de Pedro Canale. Duración: 91 minutos.

XXXXX-DISTOPÍA FUTURISTA

Innegable el ADN de Nicolás Puenzo que contó con la coguionista Lucía, su hermana, y la producción de su padre, Luis Puenzo, y también de Lucía. La fotografía es estupenda, y la historia muestra la valentía de un joven realizador que debuta en el largometraje con un género inexplorado en el cine nacional: un mundo distópico, de desolación, de exterminio, con un grupo de sobrevivientes quienes buscarán un lugar apacible para vivir. Digamos que el “síndrome Mad Max” también surge en este novedoso film nacional, con el sello inconfundible de los Puenzo (la excelencia en la fotografía, por ejemplo): Pedro (Peter Lanzani) y Yaku (la actriz peruana Juana Burga) esperan un hijo y van hacia el Pacífico huyendo de saqueadores del Altiplano. En el camino, surgirán otros personajes: la doctora Ortega (Natalia Oreiro), y el fotógrafo Ruiz (Germán Palacios) entre otros. Se mezclan hábilmente el western y la roadmovie.

La narración es atrapante de principio a fin. El diseño de producción es uno de los mejores que hemos visto en el cine nacional en muchos años y el elenco tiene la solvencia reconocida por todos. Es de destacar a Peter Lanzani, quien tiene una carrera de niveles internacionales, tanto como Natalia Oreiro o Awada o Machín o Palacios. Hay excelencia, más allá de algunos altibajos narrativos, pero es, en definitiva, una película para tener muy en cuenta.

Elsa Bragato

 

JUEVES 2 DE NOVIEMBRE DEL 2017.-


Once estrenos llegan a los cines. Muchos!!!!!! Desde terror convencional hasta biopics.


JIGSAW VIII, de Michael y Peter Spierig. De esta producción dijeron los críticos:
“Jigsaw” no es horrible. Servirá a cualquiera que tenga ganas de ver una película de “SAW”en cines el fin de semana pero (…) volver a ver la “SAW” original podría ser un mejor uso de tiempo y dinero”, de Noel Murray, Los Angeles Times.
“Una película de terror despiadada y vacía justo en tiempos de Halloween, más truco que trato”, de Cath Clarke, The Guardian-


VOLVER A EMPEZAR, de Bavo Defurne, con Isabella Huppert. Drama musical.
“Es una película tan ligera que apenas existe, pero Huppert hace que merezca la pena recordarla”, de Benjamín Lee, The Guardian.


ESCUELA DE VIDA, primer largometraje documental de Silvina Estévez, sobre una escuela de Bellas Artes ubicada en San Clemente del Tuyú. La realizadora filmó la vida de las jóvenes estudiantes durante todo un año. El documental se presentó en el FIDBA con muy buena recepción de la crítica nacional.


LA MURALLA CRIOLLA, de Sebastián Díaz. Interesante documental sobre la Zanja de Alsina, planificada por el ministro de Guerra y Marina Adolfo Alsina durante la presidencia de Nicolás Avellaneda. Se levantó en el Oeste de la provincia de Buenos Aires, llegó a tener 374 km de los 700 previstos y fue una muralla con fortificaciones que intentó detener el avance de los malones de los indios. Varios investigadores de fuste como Osvaldo Bayer, entre otros, dan sus opiniones con datos muy interesantes sobre la que fuera “La Muralla China Criolla”, iniciada en 1876 e interrumpida en 1877. Como todo documental, tiene gran valor de rescate histórico.


CORRALÓN
Guion y dirección de Eduardo Pinto. Con Luciano Cáceres, Pablo Pinto, Joaquín Berthold, Brenda Gandini, Carlos Portaluppi, Nai Awada, entre otros. Música de Axel Krygier. Duración: 97 minutos


XXXXX- FURIA ANTE LA OPRESIÓN SOCIOECONÓMICA
Film difícil, brutalmente sincero, desarrolla la historia en un medio árido u desagradable en pleno invierno, con una llovizna pertinaz que ensucia todo, hasta las almas de dos trabajadores: Juan (Luciano Cáceres) e Ismael (Pablo Pinto) que trabajan en un corralón de la localidad de Moreno, provincia de Buenos Aires. Nada complace al espectador y el blanco y negro elegido por Eduardo Pinto (“Palermo Hollywood) resulta lacerante porque las secuencias no son fáciles de digerir.
La opresión estalla un día, cuando ambos llevan materiales de construcción a un matrimonio acaudalado. El marido (Joaquín Berthold) los recrimina hasta la humillación por la demora en la descarga mientras su mujer (Brenda Gandini) asiste a ese momento de denigración. “Juan” enloquece, y los ataca ferozmente, los encierra en la casa y comienza el calvario para los opresores.
La crueldad de estos oprimidos es tremenda, altera la sensibilidad y dan ganas de no mirar, pero hay una atracción por conocer qué pasa con esos seres atrapados en su propia concepción de una sociedad dividida. El ámbito de la narración se torna truculento y serán los oprimidos los que den un ejemplo brutal de que la riqueza no les asegura impunidad y que un día de furia puede resolver brutalmente toda diferencia social
“Corralón” es una metáfora sobre el abuso discriminatorio de los poderosos sobre los trabajadores, el encierro al que los conducen por las condiciones laborales y económicas a las que los someten. Sin duda, un film revelador distópico, fuerte, con un sólido elenco que dota a esta narración de un dramatismo profundo y creíble. La grieta entre los que tienen y los que no es tajante.
Carlos Pierre


TE ESPERARÉ
De Alberto Lecchi. Guion de Alberto Lecchi y Daniel García Molt. Con Darío Grandinetti, Inés Estévez, Juan Echanove, Hugo Arana, Jorge Marrale, Juan Grandinetti, Ana Celentano, entre otros. Música de Iván Wyszogrod.


XXXXX- PASADO Y PRESENTE EN SORPRENDENTE THRILLER
Los resabios dolorosos de la Guerra Civil española, la relación padre-hijo, la violencia política de los años 70 en Argentina, el exilio, la fe en Dios y la ausencia de credo son los temas de esta laberíntica y sorprendente película de Alberto Lecchi, quien regresa así al cine.
Como si fuese una madeja, Lecchi va desatando los hilos de una historia que tiene dos vertientes: la nacional, con la familia que preside Ariel (Darío Grandinetti), arquitecto casado con la psicóloga Laura (Inés Estévez), tambos padres de un hijo, Federico (Juan Grandinetti. Y la española con la llegada del escritor Juan Benítez (Juan Echanove), quien viene a buscar datos para completar la biografía de un héroe de la revolución española, Miguel Creu, al que apoda “Manuel Rojas” en su libro. Obligadamente debe hablar con Ariel porque éste es hijo real de su personaje, aunque a Ariel no le interese el pasado de su padre. En Ariel se vislumbra temor a enfrentarse con historias que quiso superar y Benítez, el español, lo obliga impensadamente a recorrer un pasado que no desea repetir ni en su memoria. Es aquí donde se empieza a desenredarse la madeja, entre el thriller y el drama.
El guion es complejo y atrapante. Como una sombra, reaparece el héroe de guerra que cruza el Atlántico y muere a manos de la dictadura militar argentina. Fantasmalmente es el hilo conductor de las vertientes que se apuntaron antes: la española, que busca completar un texto, y la argentina, donde el hijo del héroe se niega a revivir el tormentoso pasado. El choque del español con el argentino desata una incontrolable violencia que implica hasta a un sacerdote (Jorge Marrale) y a un supuesto policía (Hugo Arana). Las circunstancias van generando un final sorprendente.
Sin duda alguna, tan excelso elenco produce secuencias de duelos actorales magníficos entre Darío Grandinetti y Juan Echanove, completado por nombres más que relevantes de la escena nacional. Un film para conmoverse.
Carlos Pierre


EL INFORMANTE
De Peter Landesman, basado en los libros de Mark Felt y John D.O.Connor. Con Liam Neeson, Diane Lane, Maika Monroe, Michael C. Hall, John Dean, entre otros. Música de Daniel Pemberton. Duración: 103 minutos.


XXXXX-LA OTRA CARA DE LA HISTORIA
Recién en el año 2008 se supo de boca del agente del FBI Mark Felt que él había sido el informante de seudónimo “Garganta profunta” de los periodistas Bob Woodward y Carl Bernstein, de The Washington Post, quienes revelaron el escándalo Watergate. Los hechos ocurrieron en 1974 y llevaron a la dimisión del presidente Richard M. Nixon el 8 de agosto de ese año. Es, entonces, una interesante biopic de Mark Felt, o “Deep Throat”, que muestra el otro lado de aquella famosa película “Los hombres del presidente” que interpretaron Dustin Hoffman y Robert Redfort, dirigida por Alan Pakula.
Mark Felt sucedió a su jefe, J. Edgar Hoover (Leonardo Di Caprio protagonizó “J. Edgar”, biopic sobre el superjefe del FBI) como vicepresidente del citado organismo por el término de 30 años de 1942 a 1973, año en que se retiró.
Es muy sólida la caracterización de Liam Neeson como Mark Felt, en el que asume la severa personalidad del rol, sin necesidad de sus muy festejadas coreografías de acción. Demuestra su solidez actoral una vez más siendo el sostén de todo el film, siempre de tono oscuro. En rigor de verdad, la historia vale por sí misma, si bien falta un guion más ágil o, cuanto menos, una concepción menos densa de una historia real que tuvo muchos condimentos atrapantes. En esta versión se dispersa la historia de la conspiración, aunque Liam Neeson esté imponente. Los diálogos y algunos monólogos llegan a abrumar. Pero… vale el intento para poner sobre el tapete un personaje y un momento histórico que conmocionaron al mundo.
Carlos Pierre


BARRY NEAL, SOLO EN AMÉRICA
De Doug Liman. Con Tom Cruise, Domhnall Gleeson, Jesse Plemons, Srah Wright, Caleb Landry Jones y Lola Kirke. Música de Christophe Beck. Diseño de producción: Dan Wel. Duración: 115 minutos.


XXXXX-BIOPIC DE UN MERCENARIO
Con una estética setentista, Doug Liman logra una muy buena narración entre thriller, drama, comedia, sobre la vida de Barry Seal, un piloto de aviación de la TWA, empresa aérea que no existe más (su verdadero nombre fue Adler Berriman Seal) , quien se convirtió en un mercenario de la CIA y luego de la DEA para fotografiar desde un avión especial las áreas en conflicto de América Latina. Este material sirvió luego para que el mismo y oscuro miembro de la CIA lo descubriera dónde se podía vender armas (en este caso, a los “contras” de los sandinistas en Nicaragua), permitiéndole a Seal vender la droga que la familia Ochoa y Pablo Escobar Gaviria lo obligaron a llevar en su aeronave. De no hacerlo, lo hubiesen matado.
Dinámica narración logra Doug Liman (el mismo de Sr. y Sra Smith) con tomas aéreas, recorriendo la costa latinoamericana que comprende Centroamérica y Ecuador y Colombia. También mantiene una muy buena dirección actoral logrando que Tom Cruise ofrezca una de sus actuaciones más espontáneas y creíbles. Por momentos, con voz y video en off, que explica qué le pasó hasta un determinado momento. Esto último lo develará el espectador.
Es decir, es un film muy entretenido donde se ve también la vida familiar de Seal con su bella esposa y sus hijos pequeños, al que le agrega bolsas y valijas con millones de dólares que oculta en el jardín, en placares, en joyas y pieles. Es tanto el auge de Seal y su tropa de amigos (arma un equipo de aviadores para traer y llevar armas y droga) que es llamado por la Casa Blanca, durante la presidencia de Ronald Reagan. Mientras éste y su esposa daban discursos a la población estadounidense sobre el no consumo de droga, era el propio Reagan quien iniciaba con Seal una serie de oprobiosas tratativas para darle armas a Irán, que terminó en el escándalo llamado Irangate, y a los contrasandinistas con la venta de la droga de los Ochoa y los Escobar Gabiria.
La irrupción del hermano de su mujer complica los asuntos. Y el destino de Seal está sellado. Recordemos el film “Syriana” de George Clooney, que debe verse: aún el más avezado mercenario de la CIA, FBI o DEA, por nombrar solo algunas entidades norteamericanas, puede salvarse del “ajuste de cuentas” que ejercen las mismas sobre sus eventuales “protegidos”.
La película tiene una excelente fotografía, ágil, tal vez un tanto convencional, pero que atrapa. Nada nuevo para el sol pero muy bien realizado.
Elsa Bragato


LA FAMILIA CHECHENA
De Martín Solá. Documental. Duración: 73 minutos.


XXXXX-SOBREVIVIENDO AL DOLOR
Martín Solá tiene una rica cultura cinematográfica lograda tanto en Buenos Aires como en Barcelona. “La familia chechena” representa el segundo documental de su trilogía “Zonas en conflicto” (Palestina.Chechenia.Tíbet). En “La familia chechena” busca a Abubakar, de 38 años, musulmán de Chechenia, quien tiene mujer, 9 hijos y su madre.
Es muy interesante la narración que propone Solá: pone su cámara en medio del ritual llamado “Zikr”, tanto de hombres como de mujeres, en las que los chechenios logran exorcizar sus angustias, sus tristezas, por el pasado y las situaciones en las que viven. En tres oportunidades recurre a estas largas y rítmicas secuencias de bailes religiosos para tan solo en cuatro oportunidades valerse de la ciudad real en la que Abubakar vive: cuando se traslada en su automóvil hasta su hogar, cuando ve a su madre y cuando recorre la ciudad de noche, cuando relata acostado los bombardeos, cuando recorre la ciudad. Grozni, capital de Chechenia, es el centro de actividades de esta familia. Y fue reconstruida luego de las dos guerras que tuvo con Rusia en los 90. Abubakar recuerda como caían las bombas sobre edificios ocupados por familias.
Su madre también le recuerda cómo fue atrapada siendo una niña, en los 40, llevada a Siberia para trabajar en el desvío de un río. Pudo sacar algo de dinero lo que le permitió sobrevivir. El cierre del film, extenso y cadencioso, nos muestra a la nueva ciudad Grozni. Antes, el dolor de sus habitantes y ahora, el exorcizar a través de la fe el brutal pasado.
Con pocos elementos (tres danzas y escasas secuencias habladas), Solá logra transmitir el dolor de un pueblo que sobrevive con entereza y se rehace espiritual y físicamente día a día. Para ver, más que interesante.
Elsa Bragato


MI HIST (E) RIA CON EL CINE
Documental de María Victoria Menis. Duración: 64 minutos.


XXXXX-RESOLVIENDO EL FUTURO
María Victoria Menis es una de las relevantes directoras argentinas, autora, por ejemplo, de “El cielito”, del 2004, entre otros films. Presenta este documental simpático y atractivo sobre su decisión de dejar el cine, de no buscar más distribuidores, productores, salas, y empezar de cero en cualquier otro trabajo. Como final, filma a su propia familia, sus padres, su marido, sus hijos, sus hermanos.
Ninguno quiere que deje lo que es su pasión y lo que mejor hace. Menis está detrás de cámara pero dialoga con su eventual elenco que toma su actitud como normal: siempre estuvo la cámara de María Victoria presente, al menos es lo que se infiere.
Por momentos, parece que se ve un film italiano, la pasta de los domingos con la mesa encabezada por los abuelos. Sus padres. Su madre es un personaje especial que acepta con humor esta filmación y reconoce que dejó todo porque encontró a un marido ideal, el papá de Menis. Para la realizadora, cada película le costó un problema de salud, dolor de columna, de cabeza, tratamientos.
Lejos de quedarse en el lamento, Menis aborda su decisión con energía y humor, retrata a. su familia, atrapa con los diálogos espontáneos y la ocurrencia de sus hijos, y se afianza en lo que sabe hacer: filmar. Muy buen documental, diferente por su narración ágil, por los diálogos, por la edición.
Elsa Bragato


NORMAN, EL HOMBRE QUE LO CONSEGUÍA TODO
Guion y dirección de Joseph Cedar. Con Richard Gere, Lios Ashkenazi, Steve Buscemi, Michael Sheen, Charlotte Gainsbourg, entre otros. Fotografía de Yaron Scharf. Música de Jun Miyake. Duración: 117 minutos.


XXXXX-RICHARD GERE EN SUPERLATIVO TRABAJO
Este primer largometraje en idioma inglés del director israelí Joseph Cedar nos regala una de las mejores interpretaciones de Richard Gere, lejos del galán pero en el justo lugar de los grandes actores. “Norman Oppenheimer” es el rol de Gere, un hombre de religión judía que sabe cómo relacionarse con los poderosos, construyendo redes complejas con todo tipo de amistades. Es ese tipo de personaje que uno suele ver en todas las sociedades, con un dejo de acomodaticio pero, a los postres, útil y desechable, rasgo éste que permite una amistad que no molesta.
La historia nos presenta al futuro Primer Ministro Israelí y un difícil tratado de paz que debe lograr. Allí está Norman, que se relaciona de manera amigable y más que circunstancial, persiguiéndolo, regalándole un par de carísimos zapatos neoyorquinos, hasta llegar a su asunción como premier. Pero la política tiene sus códigos “no códigos” y, aún en nombre de la amistad, las traiciones están a la orden del día. Norman vive un momento de intensa popularidad y reconocimiento, sin sospechar la caída ni el motivo que lo llevará a ella. New York bajo la nieve, “Norman” con un mismo sobretodo, gorra y chalina, su infaltable celular y sus auriculares, el Central Park, generan un clima distendido que esconde tramas cada vez más riesgosas, que es uno de los hallazgos de Joseph Cedar: nada es previsible, la narración fluye. En pocas líneas narrativas, es decir, en menos de dos horas, Cedar construye la vida y obra de un intrigante social y político que puede hacer ganar un reino con su mitomanía. Sofista sin saberlo, tiene un talón de Aquiles que guarda para un momento especial: el maní.
El realizador Cedar mete sus narices en el mundo político israelí y sus conexiones con los Estados Unidos, poniendo énfasis en “Norman”, personaje subalterno de la sociedad que convence y manipula con perfección a quien quiera. Y radica una denuncia poderosa sobre los tejes y manejes entre amistades así como el manejo de influencias que suelen ser el centro de la política de alto nivel y, aunque no se crea, de los estamentos más bajos, de los que quieren trepar como fuere. Es una más que interesante propuesta con un Richard Gere insuperable y convincente.
Elsa Bragato
 

JUEVES 26 DE OCTUBRE DEL 2017.-

Varios estrenos llegan a los cines del país, como ocurre todas las semanas. Amplia y variada cartelera para todos los gustos. Entre estos estrenos, está el supertanque “Thor, Ragnarok”, de Taika Waititi, con Chris Hemsworth en el protagónico. Las siguientes son algunas críticas sobre la película:

"Aunque tampoco es decir mucho, 'Thor: Ragnarok' es fácilmente la mejor de las tres películas de 'Thor', o quizá es que piense eso porque por primera vez los guionistas y yo coincidimos en una cosa: los films de 'Thor' son absurdos." De Peter Debruge, Variety.

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"En un mundo de portentosos blockbusters cada vez más oscuros, es una alegría ver uno sacando las luces de la discoteca. (...). De Phil Semlien, Time Out.

 

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"Ofrece a Chris Hemsworth la oportunidad de encontrar el tono cómico (...) Lo hace de manera experta, y el humor de autoburla es muy bienvenido dado lo soso que es esencialmente Thor." De Sheri Linden, The Hollywood Reporter.

 

EL PEQUEÑO VAMPIRO

De Richard Claus

“Basada en personajes creados por  Angela Sommer-Bodenburg, la autora de las novelas de El Pequeño Vampiro, archivendidas en Estados Unidos, El pequeño vampiro resulta de una impecable factura visual y argumental. Con guion de Larry Wilson (Beetlejuice) y Karey Kirkpatrick (Pollitos en fuga), la historia es redonda y divertida, y también bien maniobrada por Uli Edel (El cuerpo de la evidencia), su director, que debuta en una película infantil contenido por un equipo de primera que incluye créditos de lujo tanto en vestuario como efectos especiales. Por el lado actoral, el pequeño Jonathan Lipnicki, a través de cuyos ojos vemos esta oscura y a la vez optimista historia, cumple su labor con sabiduría y justicia”. De Karina Noriega, Cineismo.com

También se estrenan varios documentales que ya fueron exhibidos en el interior del país. Héroe corriente, de Miguel Monforte, 2014, sobre los caídos en Malvinas y la tarea del ex combatiente Julio Aro para que se reconozcan a sus compañeros que hoy son NN y están enterrados en el cementerio de las islas. Esta tarea tiene apoyo internacional. Además, se exhibe Mujer entera, de Ulises de la Orden, 2015, un doloroso y necesario retrato de la esclavitud sexual bajo la concepción machista del “debut” con prostitutas, entre otros temas como la trata.

 

LOVING VINCENT

Guion y dirección de Dorota Kobiela y Hugh Welchman. Música de Clint Mansell. Duración: 94 minutos. Reino Unido- Polonia.

XXXXX- UNA JOYA DEL CINE

La vida y obra de Vincent van Gogh no son más que la encarnación misma del martirio y sufrimiento del artista incomprendido por la sociedad a través de los siglos.

“Loving Vincent” es una monumental y laboriosa animación de la artista plástica polaca Dorota Kobiela y del productor Hugh Welchman, ambos directores de cine, rindiéndole tributo al pintor holandés. No es un homenaje más: es una obra de arte, una joya cinematográfica fuera de lo común.

Algunos datos dan cuenta del tesón y dedicación puestas al servicio de esta verdadera obra de arte, que mantiene la impronta de van Gogh con esas pinceladas que solo él fue capaz de poner sobre el lienzo. Por ejemplo, más de 100 artistas de todo el mundo pintaron 120 obras icónicas para expresar una realidad expresionista fuera de lo común. Utilizaron la aplicación Painting Animation Work Station durante 5 años , en los estudios de Danzica y Wroclaw en Polonia, empleando óleo sobre tela hasta lograr cada uno de los 62.450 fotogramas que se necesitaban para adaptar las obras de va Gogh a la animación.

Las primeras escenas fueron filmadas en un estudio con actores reales para luego ubicarlas mediante computación dentro de los cuadros más famosos de van Gogh. Es decir, las figuras que imaginó el artista cobraron vida dentro de sus propios cuadros. Las voces son de Aidan Turner, Saoirse Ronan (la dulce actriz de la película Brooklyn), Eleanor Tomlinson, Helen McCrory y Douglas Booth, entre otros.

La ambientación de las escenas son las obras más famosas de van Gogh: Campo de trigo con cuervos,  El dormitorio de Arlés, la Casa amarilla de la misma ciudad, y retratos de Pere Tanguy, el Doctor Gachet, el Jefe de Correos Joseph Roulin y el de su hijo Armand Roulin, de protagonismo excluyente a lo largo de toda la película, ya que es quien investiga si la muerte del pintor fue un suicidio o un asesinato, tema inquietante puesto a consideración del espectador.

Es asombrosa la maravilla visual alcanzada por esta animación, escena tras escena, donde los cuadros toman vida. Y es un más que justo tributo para quien, sobre 800 obras, solo pudo vender un cuadro en sus escasos 33 años de vida. La vida cotidiana y sus elementos fueron eternizados por van Gogh, y esta animación, que recrea las noches estrelladas y los negros cipreses cargados de color, es una joya del arte cinematográfico que no puede dejarse de ver.

                                                                       Carlos Pierre

 

 

UNA RAZÓN PARA VIVIR (BREATHE)

De Andy Serkis. Guion de William Nicholson. Con Andrew Garfield, Claire Foy, Tom Hollander, Hugh Bonneville, Diana Rigg, entre otros. Música de Nitin Sawhney. Duración: 117 minutos.

XXXXX – EJEMPLO DE VIDA

Basada en la historia real de sus propios padres, el productor Jonathan Cavendish llevó al cine esta biopic que es un ejemplo de vida: Robin y Diana Cavendish tuvieron una vida emblemática, superando con valentía e ingenio la fatalidad de la polio, que en 1958, estando en África, inmovilizó a su padre.

Diana (Claire Foy), a pesar de los consejos del director del hospital donde estaba su esposo, lo sacó llevándolo al nuevo hogar que había sido comprado con los últimos pesos del matrimonio. Y recomenzó la vida, nada fácil, de ayudar a su esposo a sobrevivir al drama que lo aquejaba. “Breathe” significa respiración relacionado con el elemental respirador de los 60 que permitió que Robin sobreviviera.

Fueron un ejemplo digno de imitar. Lucharon con la ayuda de un médico y de sus amigos cercanos. Robin abandonó la cama por una silla de ruedas con el respirador adosado, infaltable en su recuperación. Se rieron aún en la desgracia, hicieron fiestas, hasta viajaron al sol de España. En Alemania mostraron sus logros siendo mentores del método de sobrevivencia que habían logrado, inaugurándose una nueva era en la recuperación de la polio.

El excelente actor Andrew Garfield estuvo la mayor parte de la película o en la cama o en una silla de ruedas, dotando a su personaje de una gestualidad intensa y emocionante, tal como lo hiciera en “Hasta el último hombre”, de Mel Gibson. Si bien la dirección actoral es la base de las interpretaciones, también es cierto que los actores construyen sus personajes con sus propias sensibilidades, algo más que notable en Garfield. Jonathan Cavendish logró el objetivo de dejar un claro ejemplo de lucha, de sobrevida, de superlativo ingenio, en este drama no exento de dulzura y humor que él mismo compartió.

Carlos Pierre

 

 

EL SEDUCTOR

De Sophia Coppola. Guion de Sophia Coppola basado en la novela “The painted devil” de Thomas Cullinan. Con Colin Farrell, Nicole Kidman, Kirsten Dunst, Elle Fanning, OOna Laurence, Elle Fanning, entre otros. Música de Phoenix, en algunos tramos basada en el “Magnificat” de Monteverdi. Cinematografía de Philippe Le Sourd. Duración: 91 minutos.

XXXXX- ATRAPADO SIN SALIDA

Sophia Coppola retoma la novela de Thomas Cullinan, The painted devil, que fuera llevada al cine en 1971 por Don Siegel con Clint Eastwood como el cabo “John McBurney” que resulta herido durante la guerra de Secesión (1861-1865). En este caso, el protagonista es Colin Farrell. “John” es rescatado por una de las jovencitas que estudian en una escuela femenina de Virginia, comandada por una directora –Nicole Kidman-, con una ayudante –Kirsten Dunst-. Cinco chicas de diferentes edades están al cuidado de estas dos mujeres.

La más pequeña, Amy (Oona Laurence), encuentra al soldado herido y, aun siendo “yanqui”, lo lleva a la vieja mansión escolar donde será atendido por Miss Martha (Kidman), quien le sutura una tremenda herida en su pierna izquierda. A partir de este momento, las cinco estudiantes como las dos gobernantas comienzan a inquietarse ante la presencia de ese joven hombre atractivo. Celos no confesados por quién pueda acercársele van surgiendo bajo una pátina de extremo respeto a Miss Martha, quien lo invita todas las noches con una copa de brandy. No obstante, el cabo “John” solo mira con devoción a Edwina (Kirsten Dunst).

Varios elementos hacen de este film un ejemplo de iluminación, de fotografía, de puesta en escena: desde la ambientación lograda con velas hasta los largos vestidos blancos de las mujeres, rodeadas de paredes y muebles oscuros, creando la sensación de un fuerte desenlace. Un hecho en especial desmadra los contenidos deseos sexuales hacia John que se vislumbran en un erotismo denso.

Coppola vuelve a dirigir a Kirsten Dunst, su heroína de “María Antoinette”, 2006, a quien, aun en un rol secundario, le da protagonismo para el desenlace y el final del film. Hay un innegable buen gusto en la puesta, un cuidado extremo en los encuadres y en la narración que fluye sin detener la tensión creciente. Es una película atrapante aun cuando le falta cierta pasión en los roles de Miss Martha y de Edwina, fundamentales para la acción. Entre el thriller, el “elegante” gore y el noir, es decir, ese género impreciso que describe un micromundo tétrico o, en este caso, colores opuestos que otorgan una remarcada tenebrosidad. Por ejemplo, las cenas a la luz de las velas donde se ven los rostros como en cuadros de Rembrandt. Lo oscuro es la antesala del drama por venir.

Como curiosidad, destacamos que en los créditos se señala que la banda sonora tiene influencias de la obra “Magnificat” de Monteverdi. La única secuencia en la que se distingue es cuando las niñas y Miss Martha junto a Edwina, cantan un tema religioso para alegrar a “John” en su recuperación. Además éste fue ubicado en la sala de música de la escuela.

Excelente realización, con algunos altibajos en el guión (la apresurada declaración de John a Edwina) que, sin embargo, no hacen mella en un relato realizado con mano maestra. Sophia Coppola recibió el premio a la mejor dirección en el reciente Festival de Cannes.

Elsa Bragato

 

 

 

EL FUTURO LLEGÓ

Documental del Grupo de Cine Insurgente. Cámara de Ignacio Guggiari. Sonido de Lucho Corti. Música de Carlos Servin. Foto fija de Carolina Magnaterra. Asistencia de Andrés Novas. Duración: 97 minutos.

XXXXX- PROGRESO VS ESCLAVITUD SOCIAL

La historia se sitúa en Ingeniero White, el puerto de Bahía Blanca, donde desde finales del siglo XIX se asentaron muchos inmigrantes, entre ellos, croatas, atraídos por la llegada del tren –entonces, ingleses- y la posibilidad cierta de trabajo. Este progreso fue momentáneo pero ayudó, en esos años, a crear un pueblo-ciudad que aún subsiste aunque con condiciones socioambientales muy diferentes.

A través del relato de ex ferroviarios, de directivos del museo de la ciudad donde se encuentran maquinarias de los ferrocarriles así como juegos didácticos para los chicos, el aporte de vecinos y de trabajadores del polo petroquímico que sucedió a la pesca y al ferrocarril (por ese puerto se trasladaban los granos a Inglaterra), se logra un potente relato sobre las consecuencias de la destrucción ambiental. Una de las empresas alojadas es Petrobras, la brasileña, que, junto a otras firmas, ha provocado escapes de cloro y otras substancias así como explosiones y la muerte de obreros por las mismas sin que los vecinos encuentren respuesta de las autoridades policiales y judiciales hasta el momento.

Es decir, se ejemplifica fehacientemente que el progreso provocó esclavitud social y tal impunidad que la pesca no existe más, aunque salgan uno o dos barcos diarios, y que la sociedad que subsiste sepa que está bajo la severa amenaza de muerte por intoxicación cuanto menos.

Este tipo de material cinematográfico, que siempre apoyamos desde estas páginas, tendría que tener difusión en las escuelas secundarias de todo el país. Resultan aleccionadores y hacen a la conciencia colectiva de una nación.

Elsa Bragato

 

 

VEREDAS

De Fernando Cricenti. Con Ezequiel Troncoso, Paula Reca, Alan Sabbagh, Ana Pauls, Paloma Contreras, entre otros, con participación especial de Fernando Bravo. Música de Fabián Picciano. Duración: 71 minutos.

XXXXX- HISTORIA DE ENCUENTROS

“Veredas” nos cuenta la historia de dos jóvenes, Federico (Ezequiel Troncoso) y Lucía (Paula Reca), que se encuentran casualmente en las calles de un barrio cuyas veredas recorrerán persiguiendo al novio de Lucía. La joven desconfía de su soltería, y cree que es padre de un niño.Para Federico la vida es bastante vacía, ha roto su noviazgo, y parece que el “nihilismo” se apoderó de su espíritu por lo que, sin saber muy bien cómo,  se suma a esta pesquisa de Lucía, es decir, deja hacer al destino. Así recorren veredas persiguiendo al joven novio o ex de Lucía.Alguna fiesta, algún encuentro, un taxista bastante incorrecto, matizan esta historia a la que le falta pasión en el desarrollo de los personajes. Esto no significa que la narración sea despareja: Fernando Cricenti maneja muy bien la realización de una historia pequeña. Pero el guion no lo ayudó. No obstante, los sentimientos de celos adolescentes puede atraer al público joven. Fernando Bravo hace una aparición como tal y a través de anuncios telefónicos, un aporte simpático para esta historia de amores y desamores.

Elsa Bragato

 

 

JUEVES 19 DE OCTUBRE DEL 2017.-

Siete estrenos de cine llegan a las pantallas del país, en un “mix” de géneros: ciencia ficción que cae en el romanticismo y tragedias que terminan en noviazgos. Además del terror y de una animación nacional.

 

AMITYVILLE, EL DESPERTAR

De Franck Khalfoun (Estados Unidos). Una más de la saga Amityville de la que ya se estrenó un film la semana pasada.

“Lo poco bueno que hay en esta cinta reciclada son las actuaciones de los protagonistas, la eficaz atmósfera del veteranísimo fotógrafo Steven Poster, y que su atrabancada producción con dificultades y retrasos en su estreno pueden volverla de culto. Un churrazo de culto, obviamente…”, de José Felipe Coria, Diario El Universal (el estreno fue retrasado más de un año).

 

OTRA MADRE

De Mariano Luque (Argentina).

“Otra madre” presenta una mirada interesante sobre la maternidad de las distintas generaciones, mostrando su lado luminoso como también los desafíos y el desgaste que esto conlleva. Criar niños, trabajar, sostener a una familia y pensar en uno mismo, una tarea compleja que solo una madre puede tener”, de Samantha Schuster, Cinefiloserial.com.ar

 

UN PAPÁ SINGULAR

Guion y dirección Mike White. Con Ben Stiller, Austin Abrams, Jenna Fischer, Michael Sheen, entre otros.  Música de Mark Mothersbough. Duración: 101 minutos-

XXXXX- UN NUEVO BEN STILLER

Comedia agridulce y reflexiva que hace reflexionar sobre un padre que no es nada especial ni “singular” quien se replantea sus elecciones de vida y la falta de un éxito notorio cuando viaja de Sacramento a Boston para buscar una universidad para su hijo. Ben Stiller, quien había anunciado su retiro de papeles no comprometidos, retoma el estilo de “La vida secreta de Walter Mitty” donde las tribulaciones de un hombre común y sus reflexiones sobre la vida dejaron a un lado al brillante cómico que siempre fue.

El viaje de “Brad” (Stiller) junto a su hijo Troy  (Austin Abrams)desencadena una crisis de confianza en sí mismo al comparar su vida con la gloria social de sus amigos de escuela. A diferencia de la mayoría, la sociedad consumista está lejos de la tarjeta de crédito de Brad. No obstante, recurre a ellos para darle una gran oportunidad a su hijo que es, a pesar de su edad, un notable pianista. Los cuatro compañeros tienen el éxito en las manos en Hollywood, en bestsellers, en las finanzas. Estas situaciones, que son límites para Brad, mellan su espíritu y, en algún punto, lo rebelan. Sin embargo, un concierto de flauta y violín (las deliciosas Humoresques de Antonin Dvorak) que interpretan dos amigas de su hijo le dan el motivo fundamental para comprender que sus convicciones están en las antípodas del consumismo glorioso.

Ben Stiller es ideal para este rol donde, con gestos y solidez interpretativa, encuentra la revaloración de este viaje profundamente emocional: la necesidad de darle valor a su mujer Melanie (Jenna Fischer) y a su propio estilo de vida, dejando de lado el pragmatismo social reinante. El aspecto más interesante del film está en estas reflexiones que muestran el universo masculino, las exigencias sociales que un hombre tiene, y las frustraciones también cuando la gloria o el éxito está en lo exterior. Brad se lo plantea con profundidad: el fin individual de la vida no está en los oropeles sino en uno mismo.  Esta visión del alma y su “pelea” con un falso razonamiento sobre el éxito es el elemento sustancial de esta película que, más allá de algunas carencias narrativas, logra en Ben Stiller a un soberbio intérprete.

Carlos Pierre

 

 

SINFONÍA PARA ANA

De Virna Molina y Ernesto Ardito. Con Isadora Ardito, Rocíio Palacín, Rafael Federman, Ricky Arraga, Rodrigo Noya, Vera Fogwill, Javier Urondo, Mariana Carrizo, Manuel Vicente, Segio Boris, Federico Marrale, Mora Recalde y Leonor Courtoisie. Fotografía de Fernando Molina. Sonido de Gaspar Scheuer. Producción de Aníbal Garisto. Escenografía de Daiana Rosenfeld. Vestuario de Samanta Babic y asistencia de Julieta Bendersky. Duración: 120 minutos.

XXXXX-HOMENAJE A LA LUCHA ESTUDIANTIL

Basada en la novela homónima de Gaby Meik, los reconocidos documentalistas Virna Molina y Ernesto Ardito realizaron este primer largometraje de ficción donde se retrata la vida estudiantil de los años 70 en el Colegio Buenos Aires, esa explosiva mezcla de amor adolescente, política incipiente y rebelión que se vivió en aquella década. Como detalles de producción, el elenco fue elegido entre alumnos y ex alumnos del colegio mencionado y, por primera vez, el Buenos Aires abrió las puertas para una filmación.

Con voz en off de “Ana” (Isadora Ardito), presenta las circunstancias vividas en aquellos años, el mundo de los adolescentes que reaccionan ante el despido de un profesor, así como el surgimiento de la figura de la joven politizada que se enamora y atrae para su grupo el joven inexperto. En aquellos años, el temor, el miedo a “desaparecer”, era ya algo más que una sensación. La historia se ubica a partir de 1974, un año bisagra en la violencia. Los adolescentes probaron los límites de las fuerzas de represión sin conocer los alcances brutales de la misma. Los padres de los alumnos estaban al tanto de que algo más pasaba y trataron de que sus hijos se alejaran de cualquier grupo político. Muchos de ellos sufrieron en carne propia la desaparición de sus hijos. La “política” de los jóvenes estudiantes de los 70 fue toda conmoción e idealismo: enfrentamientos entre los peronistas y los de izquierda, las diferentes agrupaciones estudiantiles del colegio y la interacción, están recreadas a la perfección.

Además de mostrar con fidelidad las circunstancias políticas, Molina y Ardito retratan con profundidad el amor adolescente, la política que los unía y desunía al mismo tiempo, mientras vivían sorprendidos por la imagen del General Perón en su ataúd transmitido durante días por la televisión, el rock de la época y los sueños de libertad propios de esa etapa de la vida.

Molina y Ardito trabajaron encuadres y medios planos con real destreza, sin forzar la narración. Ésta fluye desde el comienzo, se enriquece con los inserts de videos de época (incluyendo tomas de la mítica “La pasión de Juana de Arco”, filmada en 1928 por Carl Dreyer con María Falconetti) y alcanza plenitud en el encuentro de los jóvenes, el refugio en el primer beso, y ese espíritu de eternidad a cada paso que daban propio de la edad, magníficamente logrado. Es el personaje de Ana quien nos introduce en este ejercicio de la memoria por lo que el relato puede ser fragmentado pero tiene hilación por sobre lo que se ve; el clima logrado permite que el espectador sienta, vibre, se emocione. Los flashback no son tales porque la historia se revive en la pantalla como si la conciencia de “Ana” susurrara sus miedos, sus amores y sus convicciones.

Recordar esa década través de una intachable narración basada en hechos reales (del Colegio Buenos Aires desaparecieron 108 alumnos, y la historia se basa en el caso de Magdalena Guilardo, de 15 años, detenida y desaparecida el 8 de julio de 1976) es cubrir un bache generacional a fin de que la memoria siempre esté y el “nunca más” siga vigente.

Esta película acaba de ganar el premio de la crítica como mejor film en el último festival llevado a cabo en la ciudad de Moscú. Es un film de referencia, esclarecedor, que los adolescentes deben ver, acompañados por sus padres. El  “nunca más” se torna una voz permanente en la conciencia de todos.

Elsa Bragato

 

 

MÁS ALLÁ DE LA MONTAÑA

De Hany Abu-Assad. Con Idris Elba, Kate Winslet, Beau Bridges, entre otros, además de un noble perro. Fotografía de Mandy Walker. Música de Ramin Djawadi. Basada en la novela homónima de Charles Martin, escritor contemporáneo norteamericano. Duración: 112 minutos.

XXXXX-REMANIDA HISTORIA PERO ATRAPANTE

Nada es nuevo. Sin embargo, esta historia de supervivencia en las montañas atrapa desde el principio por la lograda actuación de dos grandes intérpretes: Kate Winslet como la reportera gráfica “Alex Martin” y el oscarizado Idris Elba como el neurocirujano “Ben Bass”. Previsible en el comienzo y en el final, tiene un cuerpo narrativo con mucho suspenso, atractivo y perturbador al mismo tiempo.

Alex debe llegar en punto para casarse mientras que Ben tiene una neurocirugía urgente en un niño. El aeropuerto se cierra por tormentas y alquilan una avioneta que se arriesga a salir, comandada por Walter (Beau Bridges) quien sale junto a su perro. Pero sufre un ataque en pleno vuelo y el avión se estrella. Sobreviven Alex, Ben y el perro. Y aquí comienza lo más atractivo del film: la supervivencia en medio de la nieve, los aludes, algún animal salvaje que ataca, la forzada caminata hasta otro lugar más acogedor, la amistad naciente entre ellos así como el enojo entre ambos porque cada uno le reprocha al otro el haber subido a esa avioneta, el perro que los guía, aún perdiéndose en la nieve.

Idris Elba y Kate Winslet, tan diferentes, hacen gala de sus respectivas capacidades actorales. Y logran una buena química que surge con más fuerza en algunas secuencias que en otras. Por supuesto, hay muchos elementos que no cierran porque no son razonables en semejantes condiciones inhóspitas como pocas. Y el final, que obviamente callamos, no sorprende. Es aquí donde Hany Abu-Assad no conforma al espectador que conoce la obra del director palestino: demasiado dulzón, almibarado pero también… humano. He aquí el quid de este relato: su humanidad, que solo dos grandes actores pueden transmitir. Y un perro…

Elsa Bragato

 

 

GEO-TORMENTA

De Dean Devlin. Con Gerard Butler, Jim Sturgess, Abbie Cornish, Andy García, Ed Harris, A. María Lara, Eugenio Derbes, Daniel Wu, entre otros. Fotografía de Roberto Schaefer. Montaje de Rosen, Lebenzon y Refoua. Música de Pinar Toprak. Duración: 109 minutos.

XXXXX- CIENCIA-FICCIÓN POCHOCLERA

Los efectos especiales son los grandes atractivos de este film que tiene fallas narrativas importantes. Es el primer largometraje de Dean Devlin, estrecho colaborador de Roland Emmerick, el gran generador de “tanques” sobre siniestros terrestres. Y el “maestro” se ve en esta concepción cinematográfica de Devlin que no sale tan mal parado. En este caso, corre el año 2019; los satélites que rodean la tierra, encargados de controlar el calentamiento global, tienen un desperfecto y comienzan a producirse siniestros terribles: las calles de Tokio explotan con magma que destruye calles y derrumba edificios como si fuesen de papel; en Dubai las olas son gigantescas y arrasan con los más altos edificios del mundo; en las costas de Río de Janeiro las aguas se congelan y petrifican a los playeros, mientras que en pleno desierto de Afganistán un patrulla norteamericana encuentra una aldea congelada incluyendo a sus habitantes… como en la mítica Pompeya.

Solo un hombre puede detectar por qué están sucediendo y ése es Jake Lawon (Gerard Butler), quien es el generador del sistema de satélites. Se enfrenta a su hermano menor, Max Lawson (Jim Sturgess) quien es ascendido y echa a Jake hasta que las circunstancias lacrimógenas y finales lo obligan a darle la razón. Jake se traslada a la estación satelital (deja a su hija), reconstruida con una magnificencia extraordinaria, donde deberá detectar el “virus” implantado que ha enloquecido a los satélites.

Hay escenas controversiales como el “vuelo” de Jake y su compañera de la base en pleno cosmos, bastante poco posible, así como la “salvación” del presidente de los Estados Unidos Andrew Palma a cargo de Andy García. Un coche que explota por un misil les es arrojado en plena calle y el auto se incendia: nadie pudo quedar vivo. Sin embargo, desde algún extraño lugar (del set…) surgen el presidente Palma vivito y coleando junto a la agente que encarna Abbie Cornish y “Max Lawson”, el hermano de Jake, que se dio cuenta del complot.

La película es mero entretenimiento de clase B. Es una rama de los grandes tanques de Hollywood que tienen menos sentimentalismo aunque catástrofes similares. Pierde mucha fuerza por el entuerto entre los hermanos siendo absolutamente previsible. No es la mejor película sobre el tema aunque pone un alerta rojo sobre los satélites que monitorean la atmósfera terrestre y la capacidad que tendrían para generar catástrofes nada naturales. Con pochoclo, pasa. Burda y melancólica a la vez.

Elsa Bragato

 

 

ANIDA Y EL CIRCO FLOTANTE

Animación de Liliana Romero. Con las voces de Nicolás Scarpino, Gabriela Bevacqua, Adrián Navarro, Alejandro Parker, entre otros. Música original: Scatmusic. Duración: 76 minutos.

XXXXX- MAGIA Y COLOR EN ANIMACIÓN NACIONAL

Preciosa animación nacional que recorrió diferentes festivales obteniendo, entre otros premios, la Mención Especial del Jurado de Animación en el Festival del nuevo cine realizado en La Habana en 2016. Es la historia de Anida, una joven que lee el futuro y que no sale del circo flotante que regentea la villana Justine. Un buen día aparece traído por las aguas un joven, se llama Fígaro y le será encomendada la tarea de mago dado que el otro ha quedado encajonado en un truco propio. A Anida la sigue el sapo Vicente y a Fígaro, el conejo Valentino. Ambos animalitos saben mucho de los secretos del circo y ayudan a los jóvenes a ir desentrañando el pasado del mismo.

Hay escenas oníricas como el vuelo de Anida, la aparición de duendes un tanto malignos, la encantadora melodía de Fígaro al tocar con un arco un noble serrucho. Es decir, Liliana Romero recurrió a toda su imaginación y la de sus colaboradores para armar una historia con muchas aristas pero que, en definitiva, castiga a los malos y premios a los buenos y al amor.

La técnica empleada es la 2D Cut Out que se basa en la fotografía de figuras planas que solo muestran un perfil a las que se puede pintar, como los fondos también, para luego darles la movilidad tradicional al reubicarlas en sus escenarios. Hay riqueza de colores, que tanto atraen a los chicos, y varias canciones muy bonitas que introducen un elemento lindísimo dentro de la animación. Para chicos y papás. Hermosa historia mágica.

Elsa Bragato

 

 

PENDEJA PAYASA Y GORDA

De Matías Szulanksi. Con Mirta Wons, Ana de Vicentis, Florencia Benítez, Claudia Schijman. Núsica de Leo y Mateo Sujatovich. Duración: 74 minutos.

XXXXX- MUJERES DE ARMAS TOMAR

Matías Szulanski encaró este segundo largometraje donde lo gore y el absurdo se dan de la mano. Es un thriller que no deja de lado el humor aún en las situaciones más escabrosas. “Natalia López” (Mirta Wons) le encarga a dos mujeres que busquen una persona, la maten y le traigan los dos riñones porque su hermano necesita un trasplante. No siempre las cosas salen bien y “Gorda” se mete en un gran lío. Con flashback volvemos al comienzo de la historia cuando “Natalia” era la capomafia de un grupo d e mujeres y jóvenes varones. Las chicas, desparpajadas y con amoríos, salen en busca del cuerpo humano al que masacran a puras trompadas. No se muestra pero la sangre salpica la cámara y así, tal como viene, la arrancan los riñones.

En este tipo de situaciones extremas la ligan terceros que de alguna manera están involucrados por lo que la sangre no deja de correr. El lenguaje es procaz por momentos y las escenas tienen mucha violencia pero a manera de grotesco. Gente de mal vivir que conoce la droga y mata para conseguir lo que quieren. Por supuesto, Szulanski no pierde el humor y, con la exageración de los personajes, logra un film que atrapa y hace reir al mismo tiempo. Como una buena manera de introducirnos en la vida de cada grupo y de cada personaje, Szulanski divide en capítulos la narración. Sin duda, si bien el elenco está bien, Mirta Wons está fantástica como su colega Claudia Schijamn. Pero, en verdad, nadie desentona. Y con planos más bien cortos, Szulanski logra una película entre el thriller y el gore que orilla el absurdo.

Elsa Bragato

 

JUEVES 12 DE OCTUBRE DEL 2017.-

Catorce estrenos son un verdadero exceso. Sin embargo, los distribuidores piensan que el fin de semana largo ayudará a que sus productos marchen en alguna medida. Entre los films están:

EL MUÑECO DE NIEVE, del sueco Tomas Alfredson

Es el mismo realizador de “Criaturas de la noche”, con menor perfección, más clishés y buena fotografía, hilvanando datos similares de asesinatos para dar con un asesino serial.

CINCUENTA PRIMAVERAS, de Blandine Lenoir.

“Parte de un material susceptible de caer en el cliché, pero tono, reparto e ingenio a la hora de definir algunas situaciones cómicas logran convertir el resultado final en una singularidad delicada, aguda y contagiosamente vitalista”, de Jordi Costa, Diario El País.

CONDORITO, LA PELÍCULA, de Alex Orrelle y Eduardo Schuldt

Basada en el cómic chileno.

“(…)“Condorito, la película”(…) intenta balancearse en el fino equilibrio entre rendir tributo al elenco y el humor de la historieta original, y aggiornar el material con elementos de cintas infantiles modernas como “Mi villano favorito” cuyo éxito de taquilla pretende emular. El resultado es mixto, poniendo en pantalla una película que no termina de funcionar como humor de adultos o aventura infantil, pero que se torna interesante en su misma crisis de identidad.”, de Diego Labra, Geeky.com

LA SEÑORA HAIDI, de Daniel Alvaredo y Rafael Menéndez

Thriller psicológico encabezado por María Leal. “Bien vale como intento de seguir apostando al terror”, de Matías Orta, Asalallena.com.ar

 

Agregamos el estreno de MATER de Pablo D’Alo Abba basada en la obra de teatro “Un viento para un violín” del consagrado Claudio Tolcachir, y también “El mensajero”, de Jayson McNamara, documental sobre el director del Buenos Aires Herald, Robert Cox, quien se enfrentó a la dictadura militar. Se estrenó en el BAFICI de este año pasando ahora al circuito comercial.

 

DELICIA

De Marcelo Mangone. Guion de María Laura Gargarella. Con Hugo Arana, Beatriz Spelzini, Marina Glezer, Juan Ignacio Martínez, entre otros. Música de Darío Ramos Maldonado. Duración: 100 minutos.

XXXXX- AGRADABLE HISTORIA DE AMOR

El desesperado fervor de dos almas solitarias que se encuentran en un pueblo surge cuando Felisa (Beatriz Spelzini) llega, con su leve renguera, a ocupar una vacante de enfermera. El director del hospital le conseguirá un lugar donde vivir, en una de las dos casas lindantes que Amado (Hugo Arana) le ofrecerá a cambio de colaborar en las tareas de la casa.

Felisa descubrirá que su propietario es ciego, muy hosco y huraño, tajante en su trato. La ceguera no es congénita, alguna vez vio la vida en plenitud. Sabe movilizarse cada noche con su bastón blanco para trabajar en la administración de un hotel alojamiento.

Con el paso de los días, Felisa cautivará a Amado, y una noche los descubrirá juntos, buscando redimirse de la soledad. En ese juego alucinado, Amado le confesará que la necesitaba antes. Deletreando su rostro con las manos le pregunta cómo se llama y la enfermera le dice que es “Delicia”.

Esta historia es muy pequeña por lo que con los dos personajes solos se hacía insostenible el guion. Forzadamente se inserta a la hija de Amado, que viene a pedir dinero al padre. La historia busca una salida: el nieto de Amado está gravemente enfermo y va al hospital donde está Felisa. Estos cabos que se logran unir permiten que el film tenga un curso aceptable al darle cierta acción movilizadora.

Son los protagonistas los que llevan el peso de la historia: Hugo Arana quien compone un trabajo actoral difícil porque, según sus propias palabras, debió estudiar en un centro de ciegos el accionar de un no vidente. Y Beatriz Spelzini quien tiene excelencia histriónica dándole sentido a ese amor de la postrimería de la vida.

Hay aciertos y altibajos, pero la solvencia actoral de la pareja protagónica así como la fotografía acompasada y perfeccionista de Martín Nico colaboran para que la sucesión de secuencias a veces reiterativas no hagan sucumbir una muy buena idea. Es una buena realización un tanto apagada.

Carlos Pierre

 

 

UN MINUTO DE GLORIA

De Kristina Grozeva y Petar Valchanov. Con Stefan Denolyubov, Margita Gosheva, Milko Lazarov, Kitodar Todorov, entre otros. Música de Hristo Namilev. Duración: 101 minutos.

XXXXX- SÁTIRA SOBRE EL PODER QUE DEGRADA

Los realizadores búlgaros Kristina Grozeva y Petar Valchanov habían sorprendido gratamente con La lección en 2014, una historia sobre bienes robados, denuncia sobre las relaciones de poder y la ética de la Comunidad Europea. En “Un minuto de gloria” siguen en esa misma línea reflexiva sobre la corrupción del poder, las diferencias de clases, a través de un análisis sociopolítico que tiene mucho en común con el cine rumano que conocemos. Específicamente, nos muestran el poder corrupto y las lamentables argucias burocráticas que surgen en una dependencia de los ferrocarriles búlgaros.

El guion está centrado en un reloj de pulsera : desde el comienzo se muestra que es el quid de la historia. Marca la hora temprana de un guardavía, Tsanko Petrov (Stefan Denolyubov), quien recorre diariamente las vías en un verano agobiante.

Un hecho inusual ocurre un día: encuentra cientos de billetes desparramados por las vías. Es una fortuna de dinero contante y sonante. Tsanko decide devolver la totalidad del importe a la policía. Lejos de reportarle algún reconocimiento, es el comienzo de su vulnerabilidad ante la jefa de relaciones públicas del Ministerio de Transporte, quien lo subestima, encarnece, y martiriza con sus artimañas. El rol está a cargo de la actriz Kristina Grozeva, de soberbia actuación.

Con un guion sin fisuras ni cabos sueltos, con una filmación nerviosa, casi salvaje, cámara en mano en muchas escenas, con postproducción que delata un montaje perfecto, los realizadores se valen de un minúsculo objeto para retratar la violencia socioeconómica que aún se vive en Bulgaria. El escarnio al que es sometido el guardavías es una sátira perversa de la humillación hacia el pobre: tartamudo, Tsanko debe dar, como signo de que dice la verdad, su reloj y, en cambio, se le entrega otro nuevo que pronto deja de funcionar. En el reclamo de su pequeño tesoro (su reloj tiene grabado un recordatorio de su padre) se concentra la burla estatal de los poderosos de turno hacia las sociedades sojuzgadas.

El film va más allá de la anécdota y nos muestra la vida del guardavías y de la jefa: él cría conejos en una muy modesta vivienda y ella se inyecta hormonas para ser madre en su oficina, ocultándose de la mirada de curiosos tras la bandera de la Comunidad Europea. Disímiles mundos que se enfrentan por nada, o por la soberbia del poder.

La película es una denuncia rotunda contra la Comunidad Europea y el sistema de gobierno de Bulgaria, teñida por una sátira impiadosa con fuertes trazos de humor negro: el Estado que degrada al individuo. Fue elegida para representar a Bulgaria en los próximos Oscar, buscando integrar la categoría Mejor Película en Lengua no Inglesa. Viene cargada de éxitos en el Festival de Locarno, de Gijón, San Sebastián y Edimburgo. Es una película que conmueve y alecciona.

Carlos Pierre

 

 

EL CASTILLO DE CRISTAL

De Destin Cretton. Con Brie Larson, Naomi Watts, Woody Harrelson, Max Greenfield, Sarah Snook, entre otros. Música de Joel P. West.                 Duración: 127 minutos.

XXXXX- MARGINALIDAD REDIMIDA

Drama biográfico basado en las memorias de Jeannette Walls, periodista contemporánea, la mayor de los cuatro hijos de una familia que padeció a  un padre alcohólico y  una madre pintora que se desentiende de la crianza. Ya adolescentes, los hermanos logran salir de esta familia trashumante y vagabunda. Una enorme telaraña de marginalidad los envolvió y sojuzgó durante años.

En su adultez, Jeannette llega a ser quien es, una afamada escritora que logra popularidad con la novela autobiográfica “El castillo de cristal”, donde narra las desventuras que vivieron ella y sus hermanos con absoluta crudeza. En esta disfuncionalidad social Jeannette tiene, sin embargo, un ejemplo: el sentido de la supervivencia de su padre, hombre brillante para las matemáticas devenido en pordiosero. El “castillo de cristal” es justamente la casa que el padre imaginó para su familia, y que no logró. Solo después del fallecimiento de su padre, Jeannette pudo volcar sus vivencias en un libro, que tuvo un éxito rotundo en los Estados Unidos, siendo editado en más de 20 países.

El clima generado por Destin Creston es sobrecogedor: los cuatro hermanos aprenden a vivir solos dentro de la miserabilidad, solo la unión entre ellos les permite subsistir a las vicisitudes generadas por un padre díscolo y magnético a la vez y una madre que no es tal. La zozobra y la precariedad en la que deben criarse está expuesta con rigor y violencia por Cretton, partiendo de un guion por momentos fragmentado de Marti Novon, quien no ahorra momentos estremecedores, perturbadores y hasta brutales de la vivencia de estos niños.

Es una historia desgarradora, profundamente emotiva, que, a lo largo de más de dos horas, muestra notables performances de Brie Larson, Naomí Watts y Woody Harrelson, de más que probada solvencia. La historia de la familia Walls duele.

Carlos Pierre

 

 

EL FUTURO QUE VIENE

Guion y dirección de Constanza Novick. Con Dolores Fonzi, Pilar Gamboa, José Manuel Yazpik, Valeria Lois, Flor Dyszel, Charo Dolz Doval, Victoria Parrado, entre otros. Duración: 85 minutos.

XXXXX- LA AMISTAD A TRAVÉS DEL TIEMPO

La amistad de dos mujeres, los vaivenes de esta relación cuando viene el amor, la maternidad y el divorcio posterior, el paso del tiempo en la relación de dos amigas es el tema de esta ópera prima que acaba de ser presentada por su guionista y directora Constanza Novick en el Festival de Toronto. Novick tiene una dilatada trayectoria en el medio televisivo (El sodero de mi vida, Son amores y Soy tu fan) así como ya incursionó en el cine (Sabés nadar, de Diego Kaplan, 2002) nos muestra, después de cinco años de preparación, el viaje emocional de dos mujeres, amigas desde la niñez. Recurrió a la amistad entre Romina (Dolores Fonzi) y Flor (Pilar Gamboa), que se transforma en un hecho omnisciente: la amistad en sí misma.

Novick dividió el guion en tres partes porque “no me llevo bien con los flashbacks”, situando a las protagonistas en los tres momentos cruciales de la vida: la niñez, la adolescencia y la adultez. Es decir, construir la narración a través del tiempo. Sin duda, su experiencia en la televisión (o sea el formato de tira diaria) le permitió darle ritmo, agilidad, a su propuesta, que está bien contada y entretenida utilizando un lenguaje directo y actitudes muy espontáneas de las actrices, algo que habla de una positiva dirección actoral.

La historia muta, cambia, según los años y la concepción muy clara del universo femenino como pilar de la narración donde los varones no ocupan el primer lugar. En ese río que fluye, que es la vida misma, Dolores Fonzi y Pilar Gamboa salen a salvo por la excelencia actoral de ambas y porque, sin lugar a dudas, saben expresar sentimientos y reacciones propias de las mujeres. Para Constanza Novick esta primera ópera prima augura un futuro más que promisorio entre las nuevas directoras nacionales.

Carlos Pierre

 

 

KINGSMAN: EL CIRCULO DORADO

De Mathew Vaughn. Con Taron Egerton, Colin Firth, Julianne Moore, Mark Strong, Halle Berry, Pedro Pascal, CHanning Tatum, Jeff Bridges, Elton John, entre otros. Música de Henry Jackman y Matthew Margeson. Fotografía de George Richmond. Duración: 141 minutos.

XXXXX- PURO ENTRETENIMIENTO EFICAZ

Teniendo coproducción de Inglaterra y los Estados Unidos, esta secuela de “Kingsman” que protagoniza Colin Firth nos regala una suerte de “James Bond” aggiornado y con mucha tela para cortar. Hay acción desde el inicio en una persecución de no menos de 15 minutos que quita el aliento cuando el agente “Eggsy” (Taron Egerton) es perseguido por una organización que lo quiere aniquilar. Un coche a lo James bond le permite sortear balazos, misiles, y hasta sumergirse en el Támesis para aparecer en un lugar secreto donde está su actual mentor. El agente creador de la agencia, que sigue manteniendo la vidriera con exclusivos trajes masculinos, “Harry Hart” (Colin Firth), recibió un tiro en la cabeza al finalizar la primera película por lo que su presencia no es factible. Pero estamos en el cine y aparece en un lugar muy especial, encerrado en un cuarto a prueba de locura, y cuidado por un Channing Tatum estilo “cowboy”.

La trama es bastante atravesada, plagada de persecusiones que levantan el ánimo del espectador y alteran la pulsación, con insólitas apariciones como “Poppy”, una extravagante villana encarnada por Julianne Moore, que creó “Poppylandia”, una suerte de gusto kitsch para recrear un bar con una intimidadora máquina de picar carne gigante. Temible es Poppy. Hay toques inevitables a Quentin Tarantino y a la comedia musical “Sweenney Todd” donde lo siniestro está presente.

El film es muy extenso, casi tres horas. Sin embargo, resulta muy entretenido: las secuencias de luchas de todo tipo ocupan gran parte de la narración propuesta, donde hay una muy buena dosis de locura y hasta de incongruencia para desatar la furia de los enemigos de “Harry Hart” y “Eggsy” y sus amigos. Se puede pensar en una exageración de efectos especiales pero, aun así, resultan asombrosos y atrapantes. Es para divertirse a lo grande!

Elsa Bragato

 

 

LOS PERROS

Guion y dirección de Marcela Said. Con Antonia Zeger, Alfredo Castro, Rafael Spregelburd, Alfredo Sieveking, entre otros. Música deGregoire Auger.                                                       Duración: 100 minutos. Coproducción Chile, Francia, Argentina, Alemania y Portugal.

XXXXX- CRÍMENES QUE PESAN             

Marcela Said es una realizadora chilena de documentales que recorrieron festivales, logrando innumerables premios europeos y americanos no exentos de política. Casada con un francés, de nacionalidad francesa aunque de origen chileno, ha retratado la dictadura de Pinochet con pinceladas fuertes y precisas dejando bien en claro que es un estigma para su país de origen, donde hoy vive. También incursionó en la ficción: su primer largometraje “El verano de los peces voladores” gozó de la misma aprobación que sus trabajos anteriores.

“Los perros” es la reflexión respecto de la complicidad y la impunidad del mundo civil en la aciaga dictadura que vivió Chile. Said no se detuvo hasta entrevistar a varios militares procesados por violación a los derechos humanos, comprendiendo tal vez que fueron ejecutores de un entramado económico a fin de instaurar sus políticas por medio de la violencia más atroz.  Se implantó un sistema económico de libre mercado que benefició a la burguesía de ultraderecha, que apoyó el golpe de estado y hoy sigue sin asumir ninguna responsabilidad. Chile fue el país “piloto”. Luego la mano mortal del “tea party” del subdesarrollo se extendió a Argentina, Uruguay, Paraguay, Bolivia, entre otros países.

El mundo civil pertrechado en su riqueza es mostrado sin vueltas. La protagonista, Mariana (Antonia Zeger), pertenece a esa burguesía chilena cómplice de la dictadura. Es menospreciada por su padre, colaborador del horror, y dejada de lado por su esposo argentino (encarnado por Rafael Spregelburd). Atraída por su profesor de equitación (Alfredo Castro), un ex coronel del ejército con oscuro pasado, está signada por un pasado que no ha dejado de gravitar en el país: su padre se ha desentendido de los crímenes mientras que su profesor lucha por olvidar. El contexto es agobiante y plagado de silentes culpas. Mariana deambula desprejuiciadamente buscando un amor gracias al respaldo que le da la holgura económica de su clase. Aun así no escapa al clima sombrío de una vida con sabor amargo que la realizadora Said muestra sin retaceo. Tema fuerte y sin concesiones que la realizadora franco-chilena desarrolla con precisión, alcanzando premios en San Sebastián, Cannes, Berlín, Sundance y en el reciente Festival Internacional de Cine de Tucumán.

Carlos Pierre

 

 

LÍNEA MORTAL

De Niels Arden Oplev. Con Ellen Page, Diego Luna, James Norton, Jiersey Clemons, Kiefer Sutherland, Daniela Barbosa, entre otros. Música de Nathan Barr. Fotografía de Eric Kress. Duración: 108 minutos.

XXXXX-COQUETEO CON LA MUERTE

Remake del film estrenado en 1990, “Línea mortal” entretiene de principio a fin aunque caiga en secuencias triviales que sacan del clima tenso creado. Cuatro jóvenes médicos siguen la búsqueda del “más allá” que prueba la  doctora Courtney. A través de un suceso trágico sufrido, quiere comprobar si hay vida en el más allá, dado que pudo comprobar que el cerebro tiene reacciones aún cuando se declara la muerte de una persona. La experiencia consiste en que sus compañeros la “maten” con una substancia y a los dos minutos comiencen con las tareas de reanimación. Diego Luna en el rol de “Ray”, un médico con experiencia, forma parte de este elenco, así como Kiefer Sutherland es el profesor Barry Wolfson y James Norton el atribulado médico Jamie.

Las experiencias se llevan a cabo y uno a uno de los cinco quieren probar el gusto del “más allá” mientras graban un mapeo del cerebro. Es aquí donde la película cobra otro ritmo con efectos especiales que muestran a cada médico deambulando por sus pasados, por sus sueños, hasta que, en el momento de la resucitación, ese mundo idílico para algunos y pesadillesco para otros se congela. Las experiencias tendrán consecuencias y el realizador de “Millenium” se encarga de mostrar que el coqueteo con la muerte nunca es gratis.

Aun con altibajos por cierta liviandad, hay una primera parte muy intensa que genera auténtica perturbación. No está mal tan mal si bien no hay profundización de personajes ni de situaciones.

Elsa Bragato

 

MI MAMÁ LORA
De Martin Musarra. Con Valentina Marconi, Natalia Señorales, entre otros. Música de Yair Hilal. Duración: 80 minutos. Animacion y ficción dentro del realismo mágico.


XXXXX- BELLA HISTORIA PARA TODAS LAS EDADES
Atreverse en la época de los superefectos especiales a narrar una historia que une animación con ficción es una proeza. Más aún cuando se hace con un presupuesto acotado y, en verdad, el realismo y la magia dependen de la creatividad del realizador. Es el caso de “Mi mamá Lora”, primer largometraje de Martín Musarra quien, con pocos elementos, creó una bella fantasía.
“Juana”, interpretada por la queridble Valentina Marconi, es una niña de 11 años que desconoce el origen de la familia materna. Su abuela le lee todas las noches algún cuento de personas que se convirtieron en animales hasta que su hija, la mamá de Juanita, le pide que no lo haga más porque nadie sabe que ellos tienen el poder de convertirse en animales. El cuento del “Héctor” en verdad ha sido la realidad de todos ellos, de granjero pasó a sapo.
La escuela, los amigos, la solidaridad de Juanita, son otros condimentos de este film muy bien realizado por su ingenio, porque el guion jamás decae y porque los elementos técnicos están muy bien utilizados por Musarra: desde la fotografía, con fuerte colorido a la manera de un cuento gráfico, hasta las actuaciones. Ana se transforma en Lora en cuanto firma el acuerdo para que Juana vaya a un campamento y solo hay tres días para devolverle a la forma humana. Un hombre oscuro y los paisajes entrerrianos acompañan esta disfrutable historia que merece todo el apoyo. El realismo mágico es un género muy poco frecuentado en nuestro cine, por lo que Musarra ha superado el desafío de devolver la fantasía a la pantalla nacional, luego de que su opera prima fuese recibida con todos los honores en festivales internacionales de cine. Para chicos y grandes, “Mi mamá lora” es una bella fábula que tiene moraleja, como debe ser: la amistad, la solidaridad, el ser buena gente. Vayan a verla porque el pequeño presupuesto es lo de menos. Aquí vale la realización y el ingenio de un talentoso director.
Elsa Bragato
 

 

JUEVES 5 DE OCTUBRE DEL 2017.-

Así como la semana pasada tuvimos cine de autor, en ésta hay un gran blockbuster. Y, en medio, varias películas nacionales de diferente calibre. “Yo soy así, Tita de Buenos Aires”, de Teresa Constantini con Mercedes Funes y Dimián de Santo en los protagónicos, mereció un gran comentario de Daniel Falcone en “musicalesbaires.com.ar”-

 

“(…) Es una película muy bella  muy vigorosa que construye de manera profundamente humana un personaje mítico de nuestra historia. Una de esas películas que no hay que dejar de ver (…). Todos y cada uno de los personajes están sostenidos con actuaciones impecables”.

 

“My Little pony”, de Jayson Thiessen. Es una animación basada en los dibujos animados de la tele. Una historia para los más chicos que destaca el valor de la amistad cuando Ponyville/Equestria cae bajo la amenaza de un malvado. En la ciudad encuentran amigas y la razón de unirse. Está bien, nada más. Recordemos que es una franquicia que comenzó con muñecos humanizados hasta convertirse en serie de tevé y ahora en película.

 

“Tigre”, de Silvia Schnicer y Ulises Porra, le da el protagónico a la gran actriz Marilú Marini como “Rina, una mujer que decide regresar a la casa que abandonó en el Tigre y volver a relacionarse con su hijo. La naturaleza semisalvaje del Delta se une a la historia y la narración logra entonces singularidad. Al respecto, Noelia Giacometto dijo en “cinefiloserial.com”:

“Un drama interpersonal con un guion conciso llevado de forma elegante, en que el aire tenso debido a la falta de comunicación define cada movimiento de los protagonistas y cómo el pasado invade el presente. El regreso y la reconciliación nunca son fáciles”.

 

“Your name”, de Makoto Shinkai, es animé japonés contándonos una historia novedosa de dos jóvenes de manera brillante, con una animación que encierra toda la perfección y la inventiva de los maestros nipones. Para los adolescentes, sin falta! . EB

 

Entre los estrenos, como suele suceder siempre, hay dos películas que se ofrecen en el “off”, o sea en salas de DVD o bien fuera del circuito netamente comercial:

“Un bello sol interior”, de Claire Denis, sobre “fragmentos de un discurso amoroso” de Ronald Barthes, tiene en Juliette Binoche a la perfecta protagonista. Compone a una artista, separada, de 50 años, que busca el amor definitivo. El film se inicia con un acto sexual de “Isabelle”, personaje de Binoche, con planos de rostros, nucas, generosa fotografía que se interrumpe bruscamente. El film es esencialmente francés, tiene ese espíritu especial en el que los diálogos y la sexualidad van de la mano, con el refinamiento de Denis al recorrer las diferentes relaciones que encara su protagonista. Sobre el final, aparece Gerard Depardieu en un duelo actoral, que las cámaras utilizan sabiamente, con Juliette Binoche, actriz de enorme sensibilidad, que enamora a la cámara. Es una comedia dramática basada en la comedia romántica aunque con un estilo muy especial que supera todos los clishés. No dejar la sala hasta que la pantalla quede en negro… EB

“Los amantes indigentes”, de Pablo Olivero, se ofrece en cines especiales para DVD. Habla del amor en la calle y de la lucha por la sobrevivencia de quienes no tienen ni techo ni pueden estudiar ni tienen trabajo. Se ofrece los jueves de octubre a las 21 horas en el Centro Cultural de la Cooperación.

 

EL ORIGEN DEL TERROR EN AMITYVILLE

De Sheldon Wilson. Con Jodelle Ferland, Sunny Suljic, Pascale Hutton, entre otros. Música de Matthew Rogers. Sonido de Boyle, Cole y Fonnyadt. Efectos: Osmond, Echallier y Derchie.  Duración: 91 minutos.

https://www.youtube.com/watch?v=ac1-br7Sjd8

XXXXX- CIUDAD DEL TERROR

Amityville es una localidad cercana a New York conocida por el crimen de una familia: el 14 de noviembre de 1974, en 112 de Ocean Avenue la familia DeFeo fue asesinada por su hijo mayor quien todavía está en la cárcel. Desde entonces se la consideró una “casa embrujada”. Sin embargo, fueron a vivir allí la familia Lutz debiendo abandonarla a los pocos días por extraños hechos que ocurrían. Los antecedentes que se dan son: los indios Shinnecock llevaban allí los moribundos para dejarlos morir, y también se habla de John Catchum, “formador” de las brujas denominadas de “Salem” en el siglo XVII, quien adquirió la casa para realizar brujerías y hechizos de toda índole.

En esta nueva película, la número 16, que toma a esta ciudad y su famosa casa endiablada, la historia nos habla de la familia Anderson, cuyos cuerpos desaparecieron y, luego de 17 años, una mujer viuda, Jennie, con su pequeño hijo Adrián (el notable chiquitín Sunny Suljic), se muda requiriendo a Angela como “babysitter”. Huérfana de madre, Angela vive con su padre y quiere ayudarlo económicamente. Pero tiene malas compañías: una amiga y tres muchachotes, que quieren recuperar un paquete de drogas que escondieron en la casona y la usan como ariete para ingresar.

Si bien las películas de género rara vez pueden ofrecer algo novedoso, este film del realizador canadiense Sheldon Wilson, avezado guionista y director de temas “gore”, logra entretener y mantener la tensión durante los 91 minutos, ofreciendo algunos atajos que no permiten conocer el final, si bien en el desenlace, y como corresponde, se sabe de qué se trata. Hay matanzas terribles, secuencias de terror sobrenatural, y un final inesperado. O sea, tiene una estructura perfecta, dosificando la tensión, sin dejar que ésta decaiga nunca. Para los fans del género, un buen plato a disfrutar.

Carlos Pierre

 

DESEARÁS AL HOMBRE DE TU HERMANA

De Diego Kaplan. Con Carolina ARdohain, Juan Sorini, Mónica Antonópulos, Andrea Frigerio, Guilherme Winter, entre otros. Fotografía de Federico Cantini. Música de Iván Wyszogrod. Basada en el libro “Desearás” de Erika Halvorsen, sobre idea de Alex Kahanoff.

https://www.youtube.com/watch?v=_PvVJSIE_xg

XXXXX- ¿BIZARRA O PATÉTICA?

Incluir a “Pampita” Ardohain en un film es toda una osadía. Bella, diminuta, buena bailarina y supermodelo, la jurado de “Bailando 2017” muestra una faceta desconocida gracias a la guía del director Diego Kaplan quien quiso desnudar el alma femenina, reconociendo que “(los hombres) estamos sometidos a ellas”. Descubrir el yo femenino en una película entre bizarra y patética.

Clasificada como “trhiller y drama”, en verdad es una comedia con buenos pasajes que arrancan risas y otros no tanto, absolutamente sexuales más que eróticos. Es decir, desnudos, pasión, voyeurismo, un mix que a algunos puede gustar y a otros decididamente no. Con parlamentos de telenovelas y encuadres setentistas, muy logrados.

Dos hermanas, Ofelia (Pampita) y Lucía (Mónica Antonopulos), se reencuentran cuando la primera regresa al hogar materno a pedido de la mamá, Carmen (Andrea Frigerio, cada vez con mayor solvencia). Quiere que sus hijas se reencuentren. Lucía se casa con Juan y Ofelia viene del Amazonas con su pareja, Andrés. Ofelia encarna el erotismo puro, despertando los deseos de su cuñado. Hay un destino tragi-erótico: las hermanas desearán a un solo hombre. A partir de esta premisa, se recorre el despertar sexual femenino desde los atisbos preadolescentes hasta la madurez, teniendo en el personaje de “Pampita” al encargado de mostrar y demostrar el fuego del erotismo.

El setentismo estético y musical está logrado por Diego Kaplan. Con grandilocuencia a falta de mayores aptitudes varios actores resuelven sus secuencias mientras sobresalen el brasileño Guilherme Winter y la muy nuestra Andrea Frigerio con gran soltura para la comedia hilarante, ridícula y hasta patética. O sea hay sobreactuación, hay declamación y falta de naturalidad en muchas secuencias, pero hacen a un género que oscila entre el drama nutrido por los celos y el deseo sexual y la comedia que genera risas por la bizarría.

Elsa Bragato

 

BLADE RUNNER (BLADE RUNNER 2049) – 3D

De Denis Villeneuve. Con Ryan Gosling, Harrison Ford, Jared Leto, James Olmos, Robin Wright, Ana de Armas, Barkhad Abdi, entre otros. Música de Hans Zimmer y Benjamín Wallfisch. Fotograf{ia de Roger Deakings. Basada en el cuento”¿ Do Androids Dream of Electric Sheep?” de Philip K. Dick. Duración: 163 minutos.

https://www.youtube.com/watch?v=dZOaI_Fn5o4

XXXXX-FASCINANTE REGRESO

Hace 35 años, Ridley Scott asombraba con “Blade Runner”, protagonizada por Harrison Ford. Corría entonces el año 1992, según el cuento “ciberpunk” original de Philip K. Dick. Era ciencia ficción pura, una tierra arrasada por una guerra nuclear terminal, con lluvia ácida, la ciudad de Los Angeles hecha literalmente astillas con algunos edificios aún en pie.

En esta reedición, que cuenta con la producción de Ridley Scott, aparece un nuevo “blade runner”, Joe, o “K” , encarnado por Ryan Gosling (el carismático actor de La La Land), quien encuentra un secreto que puede cambiar el rumbo de la extraña sociedad en la que vive. Ese secreto lo lleva a emprender, contra cualquier orden de los “superiores”, la búsqueda de Rick Deckard (Harrison Ford) a quien no se ve desde hace tres décadas.

El mundo es un inmenso desierto de polvo, desolador, nublado y nieve constante, zonas de lluvia rojiza radiactiva y una humanidad a merced de androides, mezclados con los humanos. Los hologramas (incluso de Elvis Presley en sus shows en Las Vegas, tal vez lo más flojito) son réplicas de humanos, y solo a través de severos tests se los puede descubrir. El destino de Joe es desolador, cumpliendo las órdenes de su jefa de matar a los “replicantes”. Feroces peleas, violencia extrema entre “K” y sus enemigos, viajes hacia el centro de la ciudad, un ceniciento y distópico presente no apagan el deseo de vida del protagonista que ahora busca al primer “blade runner”. Harrison Ford, en su emblemático rol de “Rick, aparece sobre el final asombrando por su gallarda veteranía capaz de coreografiar mortales luchas cuerpo a cuerpo.

El  diseño de producción hace que este film sea una maravilla visual. Aun en los paisajes yermos, hay una belleza extrema, mientras que jamás la propuesta pierde su ritmo cansino, atrapante de principio a fin. Es una búsqueda de oposiciones: la distopía futurista en la que vive “K” y su sensibilidad y amor por la bella “Joi”, una mujer-holograma que no titubea en confundirse con el cuerpo de una humana para complacerlo. Esta secuencia es maravillosa desde todo punto de vista y asombra la utilización de una elegante estética.

La banda sonora es notable desde que la sala inicia la proyección. Pertenece a dos grandes músicos: el nórdico Johan Johansson y Hans Zimmer, basada en percusión “cósmica”, en sonoridades atronadoras que, en ciertos momentos, culminan en voces humanas de fondo. Asombrosa, deslumbrante, extremadamente extensa (casi tres horas), es, sin duda, uno de los grandes estrenos del año que quedará en la historia del cine.

Elsa Bragato

 

PALABRAS PENDIENTES

Documental de Andrea Schellemberg sobre los cambios en los programas educativos de los institutos militares nacionales en el 2010.

 

XXXXX- LA EDUCACIÓN FALTANTE

Andrea Schellemberg, con fuerte formación como guionista y documentalista, ingresa sus cámaras en el Instituto Militar de la Nación hace unos cinco años para ratificar la modificación de los programas educativos a partir de la inclusión en el 2008 de la materia de Derechos Humanos en la curricula. De esta manera, muestra con su cámara a los primeros alumnos que rinden examen con titubeos, a los profesores que inician el camino de democratización cultural de los cadetes de ambos sexos.

Es ella quien, además de filmar, interroga a profesores y alumnos detrás de cámara para conocer el alcance de estas nuevas enseñanzas y la recepción que tienen en el alumnado. Mientras los profesores van siendo cada vez explícitos en los juicios de valor sobre el respeto a la ciudadanía y la diferencia entre terrorismo y terrorismo de Estado, los jóvenes muestran conocimientos pero cierto temor de ser muy claros en sus opiniones, como si algún temor todavía se respirara en el ámbito castrense: de eso no se habla. Palabras pendientes de claridad, dichas a media voz. Muy buen documental antropológico.

Carlos Pierre

 

JUEVES 28 DE SETIEMBRE DEL 2017.-

Seis estrenos variados. Entre ellos, “Veredas” de Fernando Cricenti, una novedad que no tuvo difusión previa al estreno. Se trata de una comedia urbana sobre Federico y Lucía, dos jóvenes que viven diferentes experiencias límites en la ciudad.

 

ZAMA

Guion y dirección Lucrecia Martel. Con Daniel Giménez Cacho, Matheus Nachtergaele, Juan Minujín, Lola Dueñas, Rafael Spregelburd,Daniel Veronese, Vando Villamil, entre otros. Fotografía de Rui Pocas. Edición de Miguel Schverdfinger y Karen Harley. Sonido de Guido Berenblum. Música de Moisés Simón Rodríguez. Duración: 115 minutos. Coproducción Argentina-España-Francia-Méjico-Brasil-Estados Unidos-Holanda (se destaca la presencia de la productora de Pedro Almodóvar).

https://youtu.be/XZLXAnVZT3k

XXXXX- SOLO DELEITE VISUAL

“Zama” está basada en la novela de Antonio Di Benedetto de 1956, ubicada en el siglo XVIII, en las colonias españolas en nuestro continente. Es un texto de muy difícil adaptación por la índole de su protagonista quien sufre una fuerte angustia existencial, una íntima tragedia de esperanzas incumplidas unidas a la vileza del colonialismo que lo retiene en una posesión miserable.

La larga espera de una transferencia, del reencuentro con su esposa y sus hijos, lleva a Diego de Zama (Daniel Giménez Cacho), asesor letrado español, a juguetear con su libido, depositada en indias desnudas y en una pícara e inaccesible dama española interpretada por Lola Dueñas. Este prolongado esperar cansino de Diego de Zama se interrumpe cuando decide atrapar a un peligroso bandido.

La magnificencia de la técnica de Lucrecia Martel, notable por sus narraciones con carnadura y fotografías que “hablan”, no es suficiente para que todo este deleite visual no opaque la exasperante lentitud de las dos terceras partes de la película. Casi dos horas de duración transcurren con un relato parsimonioso, sin acción,  que aburre. En la última parte, Martel da un viraje y permite que su protagonista inicie una fuerte acción en busca del bandido aludido.

Con absoluta sinceridad, solo el breve desenlace le da vida a una muy difícil representación del alma o bien del espíritu agónico de Diego de Zama. Toda esa emoción o ese “pathos” de Zama no surgen como tales siendo escondidas por el deleite visual mientras que las secuencias quedan sin remate. Si bien esto último es parte de la estética profunda de Lucrecia Martel, la corrección superlativa de lo estrictamente visual queda en eso.

A esto se le añade un anacronismo musical que pudo ser buscado por la realizadora pero que, a fin de cuentas, desluce la propuesta: Zama añora a su esposa “Marta”. Y, como leit-motiv, se escucha la versión instrumental de la canción “Martha, capullito de rosa” que, en el siglo XX, compusiera el cubano Moisés Simón para su pequeña hija. El descuido del rubro musical es constante en el cine nacional, se utilizan soundtracks que, muchas veces, no son empáticos con la historia y que, en alguna medida, resultan insólitos como en este caso.

A “Zama”, presentada fuera de competencia en el último festival de Venecia, le espera una difícil misión: subyugar al público que se deleitará con la detallada y estupenda fotografía pero que deberá superar la parsimoniosa narrativa durante 90 minutos. La trasposición de la literatura al cine requiere, como en el caso de esta novela cuyo planteo es la vida en sí misma a partir de un personaje, un trabajo que no caiga solamente en el deleite estético sino en las peculiaridades íntimas que tiene el protagonista, es decir, menos visualidad y más compromiso con la acción. La lentitud no nos asegura el descubrimiento del alma de don Diego de Zama

Carlos Pierre

 

MADRE!

De Darren Aronofsky. Con Javier Bardem, Jennifer Lawrence, Michelle Pfeiffer, Ed Harris, entre otros. Fotografía de Matthew Libatique. Música de Johann Johannsson. Duración: 120 minutos.

https://youtu.be/IzaTpeqyDRc

XXXXX- TERROR DENSO Y OSCURO

Darren Aronofsky es el director de un film muy inquietante titulado “Requiem para un sueño” y de la psicológica “El cisne negro”. No es un realizador que se ande con chiquitas. Cada película suya nos sumerge en narraciones retorcidas, perturbadoras, y provocativas desde todo punto de vista. Madre! Es una de ellas dentro del terror denso y oscuro. En este caso, la pareja protagonica y sus coequipers son de lujo: Jennifer Lawrence (su actual pareja), Javier Bardem, Michelle Pfeiffer y el reaparecido Ed Harris (uno de los grandes olvidados por la Academia de Hollywood a la hora de los Oscars).

La historia se basa en una pareja (Lawerence y Bardem)  que, en principio, lleva una vida normal, él es poeta, ella reconstruye el hogar. Hasta que aparece una pareja extraña (Pfeiffer y Harris) y otros personajes que alteran el aparente paraíso en el que viven. A tal punto que Aronofsky puede jugar como le gusta: thriller, terror psicológico. Bardem parece a gusto, Lawrence vive una pesadilla. Se vio claramente en “El cisne negro” esta apetencia del realizador por indagar en la psiquis de sus personajes y buscarles un entramado sobrenatural.

Ni los sustos ni las actitudes de sus protagonistas son simples. Del paraíso se pasa al caos, a la anarquía. En “Requiem para un sueño” Aronofsky jugó a sus anchas con el anticonvencionalismo. Es que, además de la ruptura con lo clásicodel género, Aronofsky se permite llevar al límite la conducta de sus personajes, a los que no les da nombres propios: Lawrence es “Mother!” mientras que Bardem es “Him”, Pfeiffer es “Woman” y Harris es “Man”. La relación con simbologías varias (religiosas, ecológicas, psicológicas). “Him”-Bardem estremece por su frialdad, mientras que “Mother!” es el símil de Natalie Portman en “El cisne negro”. Se destaca la notable actuación de Jennifer Lawrence, seguida con cámara en mano, centro del mundo caótico que Aronofsky descubre.

Complicada, pretenciosa, tiene un remate un tanto convencional. Para Aronofsky, una de las posibles interpretaciones está en el Génesis bíblico: el día seis, cuando Dios crea al hombre y la mujer. Todo dicho. El resto corre por cuenta de la paciencia del espectador porque los sustos aquí son diferentes y aterrorizan desde un lugar diferente.

Elsa Bragato

 

ADIÓS QUERIDO PEP

Guión y dirección de Karina Zarfino. Con Florencia Raggi, Claudia Cantero, Facundo Arana, Juan Palomino, Marian Bermejo. Música de Carlos Libedinsky. Duración: 90 minutos.

https://youtu.be/uua2EwoBi04

XXXXX-BUEN INTENTO

Karina Zarfino es una escritora y cineasta uruguaya que vive en Buenos Aires, con extensa trayectoria autoral. “Adiós querido Pep” es su primer largometraje, basado en su guion que ganó el Premio Ópera Prima del INCAA en el 2014. Vivió 15 años en Barcelona, experiencia que volcó en esta ficción: tres protagonistas se conocieron en Barcelona y se reencuentran en Buenos Aires durante el velatorio del marido de una de ellas, el querido Pep.

Durante esa noche aparecerán viejos fantasmas del pasado, una suerte de parábola de la vida y la muerte, que las movilizará entre las pérdidas y la esperanzas, teñidas de llanto, desesperación y la incomprensión, que se materializa en dos protagonistas: Facundo Arana y Juan Palomino. Es necesario destacar la contundencia interpretativa de Palomino así como la solvencia alcanzada por Raggi.

Karina Zarfino recurre a sus muchos conocimientos sobre el budismo y el chamanismo colocando al difunto Pep sobre una manta en el suelo, rodeado de rezos y un ritual poco conocido. Zarfino explica que intenta despertar el interés por la muerte, en este caso, para que se la considere desde otro punto de vista. Por eso entrecruza vida y muerte: la vida de las tres amigas que continuará aunque Pep haya fallecido.

El film se estanca peligrosamente en ese ámbito, se enclaustra, con escenas del velatorio muy rígidas y frías. Los protagonistas resultan hieráticos y los parlamentos, previsibles y acartonados sin que esto melle en la actuación en sí misma de Raggi y Palomino de manera especial. En este hieratismo, en esta falta de mayor expresividad, está el gran escollo de la película. De alguna manera, es poco razonable porque Zarfino tiene muchos quilates como autora de libros sobre estos temas. En este caso, la muerte es el punto de partida de la vida misma. No es poca transgresión.

Carlos Pierre

 

LA ESTAFA DE LOS LOGAN

Dirección, edición y fotografía de Steven Soderbergh. Con Channing Tatum, Adam Driver, Farrah Mackenzie, Daniel Craig, Katie Holmes, Hilary Swank, entre otros. Guion de Rebecca Blunt. Música de David Holmes. Duración: 118 minutos.

https://youtu.be/m6CpPI7oKWo

XXXXX- PILLERÍAS CON MARCA EN EL ORILLO

Steven Soderbergh regresó al cine luego de afirmar que dejaba todo. Su mano diestra para entretener con inteligencia queda demostrada una vez más en “La estafa de los Logan” donde aborda el caso de tres hermanos que se embarcan en un gran robo. Recordemos que Soderbergh es autor de la trilogía “Ocean’s” por lo que los vericuetos de este género policial y humorístico los conoce muy bien.

Su actor fetiche es Channing Tatum como Jimmy Logan, lo despiden del trabajo y no puede ver como quisiera a su pequeña hija por decisión de su ex mujer (Katie Holmes). Es un perdedor nato pero quiere dar el gran salto: convoca a su hermano Clyde (Adam Driver), ex combatiente en Irak, y no deja de lado a Mellie, su otro hermano (Ricky Keough), para hacer el gran robo del Charlotte Motor Speedway de Carolina del Norte. Pero solo no pueden: hay que convocar al ladrón experto en explosiones y en voladuras de bóvedas de los bancos. Se trata de Joe Band (David Craig), que está encarcelado.

Aunque hay esquemas que resuenan a “Ocean’s”, la película es muy entretenida, tiene un lenguaje procaz por momentos, y los personajes son perfectos, caen a medida de cada protagonista. Channy Tatum ha logrado una solidez actoral enorme: pasó de ser el chico lindo de cuerpo fornido a ser un buen actor de comedia. Recordemos su “Magic Mike”, también de Soderbergh.

Un dato casi anecdótico: la guionista Rebeca Blunt es una ilustre desconocida que irrumpe en este film de Steven Soderbergh, quien defiende “la no exposición” de la misma porque “no le gusta la prensa”. Para muchos, es otro de los tantos seudónimos de Steven Soderbergh.

En síntesis: narración dinámica, inteligente, buena banda sonora y música country, que asegura el entretenimiento sin que nos descubra nada, salvo cómo construir una buena historia conociendo todos las licencias cinematográficas de la comedia y el policial. Más que recomendable.

Elsa Bragato

 

NINJAGO, ANIMACIÓN, 3D

De Charlie Bean, Paul Fisher y Bob Logan. Con Jackie Cha, Dave Franco, Kaan Gulgur, Michael Peña, Alex Kauffman, Ali Wong, entre otros. Música de Mark Mothersbaugh. Duración: 101 minutos.

 

XXXXX-ACCIÓN DESMESURADA

“Ninjago” tiene un principio y fin ficcionado: Jackie Chan vive en una tienda inmensa con muchos adornos y juguetes orientales. Entra un niño, Kaan Guldur, que se enamora de un muñeco y Jackie comienza a contarle la historia de ese diminuto personaje.

Surge entonces la animación con los tradicionales muñecos Lego, creados en 1932 por el danés Ole Kirk Kristiansen (Lego significa, en danés, “jugar bien”). El pequeño Lloyd es despertado por su padre, el malvado Garmadon, quien lo tiene olvidado. Quiere su ayuda para dominar la ciudad de Ninjago, que alcanzó la paz y el bienestar luego de la última lucha.

Repentinamente se inicia una serie de persecuciones, juegos, con mucho color, de los habitantes de Ninjago: resulta muy confuso desde el punto de vista narrativo, aunque los más chicos disfruten de los dragones volando, entre otros seres y objetos. La narración pierde su rumbo durante un buen rato hasta que se centra en el avance de Garmadon y el enfrentamiento con su hijo Lloyd quien es el “Green Verde” y sigue las instrucciones del maestro “Wu” junto a otros amiguitos.

La lucha es a todo o nada, hasta que en algún momento el malvado Garmanon se da cuenta del tiempo perdido sin su hijo Lloyd.

Confusamente alegre, desmesurada en su acción inicial, “Ninjago” es un producto para los más chicos que se embelesarán con los personajes y la animación, compleja y excelente a la vez. De todas maneras, aunque sea en 3D que aligera muchos inconvenientes de postproducción, algo le falta para ser un producto redondo.

Elsa Bragato

 

JUEVES 21 DE SETIEMBRE DEL 2017.-

Ocho estrenos llegan a las pantallas de cine de todo el país. Entre ellos,

LA NOVIA DEL DESIERTO

Guión y dirección de  Cecilia Atán y Valeria Pivato. Con Paulina García y Claudio Rissi.

“Una delicada historia de amor en la vejez )…). Traza un dibujo variado de la sociedad argentina sin acudir a clich{es de conflicto de clases”, de Lee Marshall, Screendaily.

 

CROL

Documental de Verónica Schneck sobre los nadadores de río.

https://youtu.be/Tnj_c9tjlFI

XXXXX- HÉROES DE LOS RÍOS

Verónica Schneck escribió una obra de teatro que fue representada en algunas ciudades del interior. A partir de ella, se lanzó a este documental en el que rinde homenaje a los nadadores de río, a las mujeres en forma especial, a sus triunfos y sus esfuerzos. En alguna medida, Schneck va hacia el pasado para recuperar la figura de insignes nadadores de río, siempre opacados por los de mar o aguas abiertas. Surgen las figuras de Pedro Candioti, apodado “El Tiburón de Quillá”, Teresa Plans que fue discípula de Candioti y apodada “la Sirenita”, así como la estupenda Lilian Harrison, la primera en cruzar el Río de la Plata. Candioti fue en os 20 y 30 del siglo XX un fuera de serie, campeón mundial de natación en aguas abiertas. Hizo escuela al fundar el Club Náutico de Quillá. Así como el 21 de diciembre de 1923 una mujer alcanzaba un record: Lilian Harrison, de familia británica, cruzaba el Río de la Plata, entre otros “héroes del agua”. Es decir, de todos estos nombres y datos se nutre Verónica Schneck para rescatar nombres importantísimos de la historia del deporte nacional. Perfeccionista, Schneck incluye música, esa misma que tuvo que ver con las hazañas de cada nadador o nadadora. Y un particular por qué en sus respectivas batallas acuáticas.

El título Crol nos indica una manera de nadar, y Verónica Schneck hace hincapié en el paso del “over” al “crol”, dos estilos. Interesante, diferente documental, con buena base de investigación.

Elsa Bragato

 

BORG-MCENROE

De Janus Metz. Con Sverrir Gudnason, Shia Labeouf, Stellan Skarsgard y Tuva. Fotografía de Niels Thastum. Música de Vladislav Delay. Duración: 100 minutos. Coproducción Finlancia, Suecia y Dinamarca.

https://youtu.be/GLfxx7aHNLQ

XXXXX-EL PARTIDO QUE HIZO HISTORIA

El final del torneo de tenis Wimbledon 1980, que se produjo el 5 de julio de ese año, es considerado uno de los más furiosos enfrentamientos entre dos grandes de aquella década: el sueco Bjon Borg, que apuntaba a ganar el quinto Wimbledon para batir todos los récords, y el norteamericano John McEnroe. Primero y segundo lugar respectivamente en la tabla mundial. Borg era la experiencia y McEnroe, la furia adolescente, desparpajo y maleducado.

Si pensamos que solo vamos a ver un grandioso partido de tenis nos equivocamos. La película de Metz, que hace foco en Bjon Born, revela el entorno de los dos grandes tenistas: Born, a cargo de Sverrir Gudnason, y McEnroe, encarnado por Shia Labeouf, tenían fuera del tenis, una cotidianeidad diferente, personal, única. Así como la relación con los entrenadores y los traumas familiares. Borg fue imbatible, frío y dispuesto a todo a fin de superar numerosos problemas personales, y McEnroe, un chico desembarazado de timidez.

En este tipo de relatos, donde el centro es hecho deportivo, el desarrollo de personajes suele ser poco profundo. En esto, la narración del sueco Metz comete la torpeza de remarcar las características de Born y dejar un poco de lado la de McEnroe. No obstante, transformar un partido de tenis inolvidable a nivel mundial en un hecho narrativo con cierta investigación en las personalidades de los rivales es valioso, especialmente cuando se atiene a la verdad de cada uno de ellos. Se deja ver.

Elsa Bragato

 

IT (ESO)

De Andrés Muschietti. Basada en la novela ‘IT’’ de Stephen King. Guion de Chase Palmer, Cary Fukunaga y Gary Dauberman. Con Bill Skarsgard, Jaeden Lieberher, Sophia Lillis, Richie Tozier, Jack Dylan Grazer, Wyatt Oleff, Jeremy Ray Taylor, Nicholas Hamilton, Jackson Robert Scott, entre otros. Música de Benjamín . Duración: 135 minutos.

https://youtu.be/2CP1rjNRaJE

XXXXX- TERROR DEL BUENO

El realizador argentino Andrés Muschietti afrontó la titánica novela IT (ESO), de Stephen King, escrita en l986, calificada por la crítica internacional como una de las mejores adaptaciones de una obra del mencionado autor. Y, cuando una película se basa en una obra literaria, no hay que darle vueltas al asunto: el cine puede o no reflejar a pie juntillas lo literario. Lo que interesa es cómo el realizador toma personajes y ambientes para serle fiel al espíritu del autor literario, cómo le da carnadura en la pantalla grande.

Muschietti nos ofrece un film de terror sobrenatural con el payaso bailarín Pennywise y su “relación” con la inocencia de siete preadolescentes, Además de la dirección actoral superlativa, la fotografía de Chung-hoon Chung es excepcional mientras que la banda sonora recayó en el avezado compositor Benjamin Wallfisch.

El acrobático Bill Skarsgard compone al payaso del globo rojo, el eterno y sobrenatural Pennywise; Jaeden Lieberher es Bill, el líder del club de los Perdedores; Finn Wolfhard es Richie, su mejor amigo con gafas; Sophia Lillis es la única mujer miembro del equipo; Jackson Robert Scott es Georgie, el hermanito de Bill, de 7 años, y el primero de la cadena de desaparecidos. Finalmente, Nicholas Hamilton es Henry, el joven psicópata que lidera a los Bowers Gang, banda de matones de la escuela secundaria que aterroriza al club de los Perdedores.

Aún con las licencias cinematográficas de rigor, apuntadas en párrafo anterior, “It” logra trasuntar el espíritu de perversión y terror propuesto por Stephen King, jugando con los opuestos: la ingenuidad de los chicos y la sanguinaria vocación del maldito clown. Quién puede con quién… Emoción, suspenso, hay secuencias realmente impresionantes que solo el cine actual puede construir. Filmada en el sur de Ontario y en Riverdale, el marco fotográfico y la narración en sí misma se fusionan para dar una versión notable de una obra literaria por lo que es, sin duda, el tanque de la semana.

Carlos Pierre

 

RETIRO VOLUNTARIO

Guion y dirección de Lucas Figueroa. Con Imanol Arias, Darío Grandinetti, Miguel Ángel Solá, Luis Luque, Paula Cancio, Valeria Alonso, Jorge D’Elía, Juan Grandinetti, entre otros. Música de Federico Jusid. Duración: 90 minutos.

https://youtu.be/h3fDt_WOYWc

XXxxx. PRETENSIÓN FALLIDA

“Retiro voluntario” es un intento de comedia social que tiene un elenco de nivel (Imanol Arias, Darío Grandinetti, Miguel Ángel Sola, Paula Cancio), pero no logra salvarse del naufragio porque su guion, base de la narración, es inverosímil.

Lucas Figueroa, argentino radicado en España, vino a filmar esta producción española. Sin duda trajo una energía desbordante, pero no alcanzó porque su propio guion tiene tamaña pretensión que no consigue llevar al cine. Con un reducido bagaje de chistes de argentinos y gallegos, frases hechas, tuerce la pintura social argentina donde hay mezcla de nacionalidades, intereses extranjeros, despidos compulsivos. Figueroa se queda en el merodeo de una buena comedia al no poder remontar lo caricaturesco. Porque entre comicidad y caricatura el abismo es grande.

Javier (Imanol Arias), español expatriado en Buenos Aires, es directivo de una empresa de telecomunicaciones. Habrá despidos, será una semana importante, crucial, agravada con la aparición de un excéntrico personaje, (Darío Grandinetti) quien lo tendrá en ascuas con una estudiada artimaña. Para Javier, el “infierno” está cerca. Como si fuera poco, el presidente de la compañía (Jorge D’Elía) y el encargado de finanzas (Miguel Angel Solá) le tornan insoportable la idea de “retiro voluntario”. Ni su novia lo respeta (la bella Paula Cancio) y el ordenanza (Luis Luque), excéntrico y verborrágico, parece tener los hilos para manejar a Javier. Es decir, Javier es tomado “de punto”. Y lo que pudo ser una comedia reidera, solo se salva y a medias por algunas de las actuaciones mientras la narración desbarranca de a poco hacia un final poco plausible. Ni llega a ser comedia porque cae en la caricatura ni tampoco se transforma en critica de los empresarios como parecía ser.

Carlos Pierre

 

ALANIS

De Anahí Berneri. Guion de Javier Van de Couter y Anahí Berneri. Con Sofía Gala Castiglione, Dante Della Paolera, Dana Basso, Silvina Sabater, Carlos Vuletich, Santiago Pedrero, entre otros. Música de Nahuel Berneri. Duración: 82 minutos.

https://youtu.be/IdpfI-AfjTg

XXXxx- CIUDAD QUE DUELE

Anahí Berneri debutó como directora con ‘Un año sin amor’ (2005) con buena acogida en Berlín, New York y Los Ángeles, y continuó esa línea de reconocimientos con tres películas más hasta llegar a este retrato realista e íntimo de la vida de una prostituta joven, Alanis (Sofía Castiglione), luchadora infatigable en una Buenos Aires multirracial, marginal e inmigrante. Solo tres días bastan para que Alanis muestre sus desventuras, guiada por la mano experta y certera de Berneri.

Alanis llega a Buenos Aires con su pequeño hijo, Dante (Dante Della Paolera, hijo en la vida real de Sofía Castiglione) desde Río Negro, huyendo de su familia y de los fantasmas que se crean en los pueblos acerca de la vida de una mujer, madre soltera. En un “privado” céntrico que comparte con su amiga Gisela (Dana Basso), Alanis atiende a sus clientes. Pero dos inspectores municipales clausuran el departamento. A Gisela la llevan detenida, acusada de “trata”, y Alanis queda en la calles con su hijo a cuestas. Una tía, Andrea (Silvina Sabater), la aloja en su local de modas, frente a Plaza Miserere.

Para Alanis, la vida como prostituta no es fácil, debe pelear clientes con las dominicanas. Los golpes de la vida y la marginalidad creciente la arrastran a un pozo inevitable, certero. Aquí se unen dos solventes profesionales: la directora Berneri, y la estupenda Sofía Gala Castiglione, dueña de fuerte carisma, suelta, convincente, adueñándose de la cámara junto a su pequeño hijo en la vida real. Sofía es única para los roles fuertes y desenfadados. Y ese don natural se trasunta en este personaje tan exigente.

Por su parte, Anahí Berneri logra una ambientación fantástica del barrio de Once, creíble. Y le agrega la dosis de la prostitución encubierta o no tanto, de la pobreza y la marginalidad que duele. Un muy buen film nacional para quien quiera ver un guion comprometido con una realidad insoslayable. Buenos Aires también es cuna del dolor social.

Carlos Pierre

 

VIENTO SALVAJE

Escrita y dirigida por Taylor Sheridan. Con Jeremy Renner, Elizabeth Olsen, Gil Birmingham, Jon Bernthal, Julia Jones, Kelsey Asbille, James Jordan, entre otros. Música de Nick Cave y Warren Ellis. Cinematografia de Ben Richardson. Duración :111 minutos.

https://youtu.be/rOVuo-z9oPg

XXXXX-EL REVERSO DEL SUEÑO AMERICANO

Taylor Sheridan es un escritor británico quien ha analizado la temática de la frontera americana moderna, desde ser el guionista de Sicario hasta Sin nada que perder. Llega con “Viento salvaje” a culminar una trilogía donde desnuda sin cortapisas la realidad de los marginados en los Estados Unidos, en este caso, dentro de una reserva indígena. Western y thriller, impactante, amargo y pasional al mismo tiempo, retrata brutalmente el abandono de esa reserva por una administración que no la tiene en cuenta. El alcohol y las drogas ahogan a los jóvenes, mientras sus mujeres son asesinadas con alarmante frecuencia. Allí se vive sin códigos, fuera de toda ética y contemplación piadosa.

La región es inhóspita, las nevadas son agobiantes. La monotonía de la marginalidad se interrumpe cuando una joven es encontrada muerta, congelada, al parecer escapando de alguien o algo. La novata agente del FBI que encarna Elizabeth Olsen ubica al cazador local de depredadores (Jeremy Renner) para que encuentre al asesino. El drama personal de “Cory Lambert” (Renner) por la muerte de su hija en las mismas circunstancias acicatea el alma y la furia interior del cazador. Las huellas de sangre en la nieve (una fotografía que siempre impresiona y muy shakespeariana a la vez) son diez millas agónicas que debe enfrentar.

En este contexto, el realizador Sheridan se torna filoso, apuntala el amargor de la búsqueda apoyado en el entorno fantasmagórico que le brinda Wyoming con su paisaje de impacto visual y emocional. La banda sonora de Cave y Ellis es densa, acuciante, lleva el paso del protagonista, cauteloso pero con violencia interior profunda. Es el reverso del sueño americano, lo que no se muestra o no se quiere ver, la marginación de millones abandonas a su propia suerte en medio de una naturaleza hostil e impiadosa. Como rasgo distintivo de que no es la América soñada, Sheridan llega a mostrar una bandera boca abajo.

Un gran acierto del cineasta es la planificación de la narración: utiliza flashback para mostrar el drama sufrió el  cazador, pero insertándolo como una secuencia más, sin otro recurso visual. a modo explicativo de lo sucedido ese día fatídico del asesinato de la hija del cazador. No hay recursos visuales. Narración pura con que Taylor Sheridan cierra una trilogía conmovedora, real y dolorosa sobre lo que no se ve detrás del sueño americano. Es una película para ver, insoslayable.

Carlos Pierre

 

BEATA IGNORANZA

De Massimiliano Bruno. Con Marco Giallini, Alessandro Gasmann, Valeria Bilello, Teresa Romagnoli, entre otros. Fotografóa de Alessadro Pesci. Duraci{on: 1’2 minutos. Italia.

https://youtu.be/9D3opOCMmXI

XXXXX- PATERNIDAD VS. TECNOLOGÍA

Comediante, Massimiliano Bruno reúne a una pareja exitosa para la dupla protaginica: Marco Giallini y Alessandro Gassman (hijo del notable Vittorio Gassman). Dos profesores de secundaria que alguna vez compartieron un mismo amor: el de Margharita. Uno se cas{o con ella, el otro desconoce que el hijo que esperaba la bella rubia era suyo.

En base a esta situación se construye una comedia que interpola roles y tecnología para desnudar la relación que los une (la hija “Nina”, que espera un bebé de un amor de un ex novio). Enfrentamientos, peleas muy a la italiana, uno es profesor de italiano  y literatura y el otro de matemáticas, surgen los chistes elementales, el hablar directamente a cámara, y algunas secuencias que se pudieron evitar como la de una representación teatral que no aporta nada y, en cambio estira una historia que, cuanto más breve, hubiese sido mejor.

“Beata ignoranza”, tal como indica el título en italiano, es esa “santa ignorancia” de la que se jactan quienes no utilizan ni celulares ni computadoras y mucho menos redes sociales, hasta que en la escuela donde ambos se desempeñan se establece el “chat” de profesores con padres y “soluciones que se encuentran en Google”.

La simpatía “tana” está pero con un guion muy endeble sostenido por los dos buenos protagonistas, Marco Giallini como “Ernesto” y Alessandro Gassman como “Filippo”. El futuro nieto “de ambos” es, en realidad, el quid de la historia aunque el realizador Bruno lo evade hasta bien entrada la historia bifurcándolo entre la tecnología de la que uno es adicto y el otro la odia y la paternidad de Nina. No está mal pero es un humor demasiado doméstico. Sin embargo, las películas de género, las comedias italianas tienen sus fans.

Elsa Bragato

 

JUEVES 14 DE SETIEMBRE DEL 2017.-

Seis estrenos de los que destacamos las nacionales “Una especie de familia” de Diego Lerman y “Temporada de caza”, de Natalia Garagiola.

 

LOCOS POR LAS NUECES 2

De Cul Brunker. Es la secuela de Surley, la ardilla que quiere vivir en paz con sus congéneres. Hay una interesante moraleja sobre la corrupción política, la ambición desmedida y la situación de los migrantes. No es una gran animación a nivel técnico pero sí entretenida.

 

DURO DE CUIDAR

De Patrick Hughes. Con Ryan Reynods, Samuel L. Jackson, Gary Oldman, Salma Hayek, entre otros. Música de Arli Orvarsson. Edición de Jake Roberts. Duración: 118 minutos.

https://youtu.be/wVinoLXOdHk

XXXXX- ENTRETENIMIENTO ALOCADO

La dupla Ryan Reynolds (Deadpool) y Samuel L. Jackson, unida a la excelencia de Gary Oldman, hacen olvidar las flaquezas del guion. Patrick Hughes apuesta a la exageración histriónica, al estereotipo propio del animado, y a la química de actores que saben de taquito cómo moverse ante cámaras.

Rodada en Bulgaria, si bien se asienta en Amsterdam (hay secuencias reales de esta ciudad), “Duro de cuidar” es una experiencia para el entretenimiento y nada más. Salma Hayek reaparece en la pantalla, siempre en roles acordes a su limitada capacidad actoral (con excepción de Frida, film que produjo y protagonizó), como bella esposa de un sicario encarcelado (Samuel L. Jackson).

Ryan Reynolds es un agente de seguridad privada que cae en desgracia y deberá elegir nuevas amistades para sobrevivir, quid de la trama. Y Oldman, ese magnífíco Beethoven de “Amada inmortal”, compone a un dictador europeo que hace de las suyas y debe ser aniquilado.

Hay mucho entretenimiento, química actoral, sin que esto signifique que estamos frente a un guion fantástico ni a una película diferente. Buenas coreografías de luchas, mucha adrenalina, enfrentamientos apocalípticos, rellenan una trama que fue concebida para entretener. Y, desde ese punto de vista, lo logra. Absurda, reidera, exagerada, sangrienta, “Duro de cuidar” conforma una película a la que, salvo las actuaciones, no hay mucho más para destacar.

Elsa Bragato

 

ASESINO: MISIÓN VENGANZA

De Michael Cuesta. Con Dylan O’Brien, Michael Keaton, Taylor Kitsch, entre otros. Fotografía de Enrique Chediak. Música de Steven Price. Duración: 111 minutos.

https://youtu.be/DfWtKZJ_tH0

XXXXX-DEJÁ VÚ CONVENCIONAL

“Mitch Rapp” es el personaje creado por el novelista norteamericano Vincent Flynn a lo largo de 16 libros. El film de Michael Cuesta comienza con la novela considerada el origen de “Mitch Rapp” como agente antiterrorismo encarnado por el gran actor Michael Keaton, aportando una dosis de cinismo indispensable para este rol. “Rapp” debe investigar y desarticular la acción terrorista de un grupo que quiere provocar una guerra en Medio Oriente. Cualquier coincidencia con la realidad es… pura coincidencia.

Es un thriller que intenta ser intenso y creíble pero que se aletarga en secuencias poco verosímiles o con dejos de los 90, superadas por la agilidad narrativa del siglo XXI.

La literatura muy valorada de Vincent Flynn tiene densidad en los roles que, en el traspaso de la literatura al guion cinematográfico, ha perdido. Se salva por momentos gracias a la actuación del Keaton por su generosa gestualidad y solvencia. De todas maneras, hay una realización pulcra con una buena dirección actoral. La narración peca de cierto “dejá vu” en su desarrollo alejándose del tono impuesto por Flynn a su personaje y sus historias.

Pero… es un atractivo producto como entretenimiento por algunos impactos interesantes. Desde el punto de vista cinematográfico (trama, desarrollo de personajes), pensando en la producción novelística de Flynn, el inicio de la saga es un hecho.

Carlos Pierre

 

 

UN NOVIO PARA MI BODA

Guion y dirección Rama Burshtein. Con Dafi Alferon, Noa Kooler, Ronny Merhavi, entre otros. Música de Roy Edri. Duración: 110 minutos. Israel.

https://youtu.be/ybT9mYV99lY

XXXXX- COMEDIA ROMÁNTICA CONVENCIONAL

El cine israelí tiene una rica producción, basada en hechos singulares, pequeños, bien desarrollados en todos sus aspectos narrativos. Es el caso de “Un novio para mi boda” donde se cuenta la historia de “Michal”, personaje a cargo de la estupenda actriz Noa Kooler, de 32 años, judía ortodoxa, a quien su novio deja plantada poco antes de la boda. Michal no se desanima y sigue adelante con los preparativos del casamiento teniendo fe en que va a encontrar al novio dentro de los 30 días que tiene.

Es aquí donde reside el mayor interés de la trama por las situaciones que vive Michal, quien reconoce no ser una mujer común por sus hábitos pero sigue adelante: un marido debe haber para ella también aún con el desacuerdo de su madre. Michal quiere ser una mujer más, no un “bicho raro” para su sociedad, quiere casarte, tener un hogar y sentirse querida. Lucha obviamente con estereotipos sociales muy fuertes. En este sentido, la directora Burshtein le quita espontaneidad al guion al enmarcarlo dentro de la ortodoxia religiosa. Aunque hay puntos en común con situaciones socioreligiosas de cualquier otra sociedad.

Las vicisitudes de la protagonista son altisonantes y cómicas, matizada por la buena música y por los celulares, infaltables en los argumentos de los últimos 10 años jugando aquí un papel muy importante. Se reconocen secuencias un tanto insólitas pero la comedia romántica fluye de manera convencional, aceptable, agradable. Para pasarla bien aún con idas y venidas argumentales.

Elsa Bragato

 

 

TEMPORADA DE CAZA

De Natalia Garagiola. Con Germán Palacios, Lautaro Bettoni, Boy Olmi, Rita Pauls. Cinematografía de Fernando Lockett. Música de Juan Tobal. Duración: 115 minutos.

https://youtu.be/D9JeZagxCEc

XXXXX- EXCELENTE DEBUT

Natalia Garagiola debuta con este largometraje y una historia de violencia intrafamiliar profunda, gestual y genuina. “Nahuel” (Lautaro Bettoni) no vive cómodo en la casa materna junto al nuevo marido de su madre (Rita Pauls y Boy Olmi). Tiene los arranques propios de la adolescencia: encerrarse, sentir bronca, falta de cariño. Y decide volver con su padre (Germán Palacios), a quien no ve desde hace una década, quien vive en el sur. Allí formó una familia numerosa. Ni padre ni hijo se conocen en la convivencia, salvo tener un afecto inconsciente por el rol de ambos en la vida.

Garagiola, que acaba de ganar el premio de la Crítica en la Mostra de Venecia, enfoca la narración en esa relación dura y de un cariño no revelado entre padre e hijo, dentro de un entorno vasto y salvaje como el de la Patagonia, bello y perturbador con sus bosques y sus montañas. El padre es guía de cazador, Nahuel sigue forzadamente esos pasos, pero se permite vivir las exigencias de su edad, grafittis, la urgencia sexual, la droga como inocente juego. Hay un contraste marcado entre la amplitud del lugar y el íntimo conflicto de reconocimiento mutuo que los protagonistas viven.

Los planos secuencias así como los close-up, incluyendo algunas escenas de violencia explosiva, hablan de una mano más que hábil para narrar historias pequeñas, las que existen en la realidad, con claridad, precisión y sin altisonancia visual. Recordemos que Germán Palacios pertenece a un grupo de actores de comienzos de los 90 marcados por la contracción a la profesión, el estudio y la ausencia de mediatización. Esta actitud de vida redunda en beneficio del film donde Palacios asume un rol de complejidad temperamental mientras que el joven actor Lautaro Bettoni enfrenta un protagónico difícil que resuelve con idoneidad y frescura. Intenso drama, es cierto, pero de lo mejor de nuestro cine actual.

Elsa Bragato

 

 

UNA ESPECIE DE FAMILIA

De Diego Lerman. Con Bárbara Lennie, Daniel Aráoz, Claudio Tocachir, Yanina Avila, Paula Cohen. Dirección de Arte: Marcos Pedroso. Música de José Villalobos. Duración: 95 minutos.

https://youtu.be/iRv8b4fdpcg

XXXXX- FUERTE IMPACTO EMOCIONAL

Las historias pequeñas como “El niño de la bicicleta”, de los hermanos Dardenne, tienen fuerte impacto emocional, de crudeza vital, que las convierte en cercanas a los sentimientos de cada uno de nosotros. Y quedan como pequeñas grandes obras sobre la cotidianeidad social y personal.

Es lo que ocurre con “Una especie de familia” que narra la búsqueda de un niño en adopción ilegal de una médica separada de 38 años. Se vincula con un hospital de Misiones, su contacto es el doctor Costas (Daniel Aráoz) quien conoce a una paciente que está embarazada y debe dar en adopción a su hijo por razones económicas.

El conflicto es esencialmente femenino: la necesidad de ser madre y el caer en el tráfico de personas como única forma de concretar el sueño del hijo. No cuenta con su marido, de quien está separada, pero quien, sin embargo, acudirá a darle una mano. La situación se complica, hay intereses, hay codicia de alguna de las partes, y tiene una resolución que, si bien no convence totalmente, no hace mella en la construcción narrativa.

Hay escenas desgarradoras, de desesperación, que Bárbara Lennie compone bastante bien, quizá sea la más floja del elenco. Daniel Aráoz es convincente y sólido en el rol de un médico acostumbrado a estos delictivos menesteres. El film de Lerman es muy crudo, no va con vueltas, muestra la pobreza y la desesperanza de quienes venden sus hijos para comer, la falta de políticas sociales, las mafias organizadas alrededor de la parturienta, las extorsiones a las “madres compradoras” de bebés, la débil vigilancia de las autoridades, las injusticias del sistema policial y judicial. Pinceladas de dolor muy bien realizadas por Lerman que perturban, conmueven y que no necesitan dar una respuesta directa: está en el espectador sentir el dolor de dos mujeres que se entregan el hijo mutuamente (“es tuyo”, “no, es suyo”). Tremenda realidad muy bien reflejada por Diego Lerman. Seguramente, será una de las mejores películas argentinas del año.

Elsa Bragato