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Comentarios de CINE
Por Elsa Bragato

BRAGATISSIMO
www.arinfo.com.ar

Sábados de 16 a 17

ELSA BRAGATO Y CARLOS PIERRE

 

*Colaboración del crítico y productor Carlos Pierre

http://www.elsabragato.blogspot.com  El site de Elsa Bragato

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JUEVES 22 DE JUNIO DEL 2017.-

Seis estrenos llegan a las salas de cine del país. Desde la excepcional “Yo, Daniel Blake”, del maestro Ken Loach, hasta la muy buena nacional “Alta Cumbia”. Hoy vamos a detenernos en forma especial en la obra de Ken Loach que acaba de ganar la Palma de Oro en el último festival de Cannes.

 

1.- La muerte de Marga Maier, de Camila Toker. Con Luis Machín, Mirta Busnelli, Ivo Muller, entre otros. Se trata de una coproducción de Argentina y Brasil y narra el macabro hallazgo que hace un brasileño en las costas de Punta Indio en nuestro país: el cuerpo sin vida de Marga Maier. El policial negro, el thriller, apuntalan con sus elementos narrativos la idea del guión. Destacamos que la fotografía es excelente, así como las actuaciones, y que Camila Toker tiene, tras de sí, un film novedoso y atractivo presentado hace 10 años: “Upa, una película argentina”. Buen trabajo. XXXXX.- EB

2.- El corral, de Sebastián Coulier. Es el segundo largometraje de Coulier quien regresa a su provincia, Formosa, para retratar con sinceridad el bullying en las escuelas y entre alumnos. La historia se centra en 1988 cuando la palabra en inglés no existía en nuestro vocabulario. Era el hostigamiento de alumnos contra alguno en especial. El vector del film es la venganza que une a dos alumnos, uno de ellos el hostigado y discriminado, organizando las secuencias, los hechos, a manera de puzzle, por lo que nada queda suelto. En este sentido, Coulier demuestra un honesto ejercicio narrativo con la utilización de diversos elementos que, combinados, dan una historia sólida, basada en dos adolescentes. La venganza, decíamos antes, es el vector, un sentimiento que, oculto o no, es el generador de los dramas del ser humano. Es una buena película nacional, recomendable. XXXXX.-EB

3.- No golpees dos veces, de Caradog W. James. Es el film de terror semanal, plagado de clishés, sustos espantosos y nada más. Esto significa que el lúcido James no trabajó la narración de manera sólida, a pesar de ser uno de los buenos directores independientes de cine fantástico y de terror que tiene Inglaterra. Desde el punto de vista de la cinematografía, la película adolece de sutileza, y para el público fan del género, es un film más que tiene lo suyo para entretenerse pegando saltos en la butaca. Regular. XXXXX-EB

4.- Alta cumbia, de Cristian Jure, con Martín Roise en calidad de investigador y de interlocutor. La investigación realizada por Jure y Roise nos lleva al mundo de la cumbia villera, surgida a fines de los 90, con eclosión en el 2001. Meta Guacha, Los Pibes chorros, Pepo, entre otros consagrados intérpretes y creadores de este género tan vapuleado, dan vida a este docuficción. Recorrer la vida de quienes son marginales por exclusión es un estudio antropológico de Roise que muestra las deficiencias de nuestra sociedad. En las letras y el ritmo de este ritmo tan peculiar, sucedáneo de la cumbia latinoamericana y del cuartetazo cordobés, está el retrato perfecto del dolor, de la desesperanza, del hambre, de la persecución, de los más pobres, de los que no tienen techo y buscan trabajo, de quienes merecen una vida digna pero las políticas económicas están pensadas para los “otros”. Es la vida de “los negros”, de ésos que la sociedad supuestamente “blanca” rechaza. El documental es excelente como espejo de lo que se necesita, como crítica social al resto de la sociedad que mira hacia el costado, responsabilizando de esto a quienes tienen el poder de subsanar tanta discriminación. Muy buena. XXXXX.-EB

5.- Un don excepcional, de Marc Webb. Con Chris Evans (el Capitán América) y la pequeña gran actriz Mckenna Grace, junto a gran elenco. Música de Rob Simonsen. Duración: 101 minutos. Los relatos simples sobre hechos cotidianos o bien situaciones de la vida que aquejan o pueden aquejar a cualquiera de nosotros suelen tener mala prensa. Es el caso de “Un don excepcional”, donde se narra las vicisitudes de un tío que se ve obligado por las circunstancias a criar a su sobrina, una pequeña genio, dado que la madre falleció. El planteo es humano y sencillo, no pretende más que mostrar una situación de la vida y la posible resolución que puede tener. Surge también el problema de la adopción, los familiares que aparecen en reclamo de alguien al que tal vez no le dieron tanta importancia durante la vida de la madre. La película no pretende más. Es una buena realización, emotiva, basada en un hecho que sucede en la vida diaria. XXXXX.- EB

 

 

YO, DANIEL BLAKE

De Ken Loach. Con Dave Johns, Hayley Squires, Briana Shann, Dylan Mckieman, Kate Rutter, Sharon Percy, entre otros. Música de George Fenton. Duración: 100 minutos. Reino Unido.

XXXXX- IMPLACABLE REALISMO DEL MAESTRO LOACH

Imposible sustraerse de la vida del personaje Daniel Blake, carpintero de casi 60 años que, por primera vez en su vida, se ve obligado a acudir a los servicios sociales, al caer enfermo por problemas cardíacos. Si bien la política social es proverbial por su calidad en el Reino Unido, Ken Loach, adalid de los obreros, clava su bisturí en las incongruencias del sistema para con los que más necesitan. Aún en una sociedad que tiene altos estándares de vida, la burocracia resulta impiadosa con los ciudadanos desprotegidos y sin conocimientos necesarios de tecnología para estar en el “mundo de hoy”. Como recuerdo luctuoso, baste el incendio del edificio que ocurrió hace pocos días, dejando casi un centenar de muertos en pleno corazón de Londres, edificio estatal para colaborar con inmigrantes y familias pobres.

De la mano de Ken Loach es el espectador quien se conmueve por hechos que son comunes a todas las sociedades occidentales. El compromiso emocional con el personaje protagónico es profundo: un luchador que no quiere bajar los brazos, a pesar de que sus fuerzas físicas vayan menguando. Heroicidad en la lucha cotidiana, retrato del trabajador global.

En su ocio obligado y desesperanzado, Daniel Blake (un notable Dave Johns) se cruzar con Katie (Hayley Squieres), madre soltera de dos niñas, llena de carencias básicas, migrando desde New Castle a Londres. La marginalidad social los une espiritualmente, siendo ayuda mutua en la desprotección estatal que padecen. Sin quedarse en una narración que sobrevuele los problemas, Loach hace hincapié en personas-personajes que complican la vida innecesariamente: desde el médico que prohíbe el trabajo, hasta la obligación de la Administración estatal a conseguir un empleo o ser sancionado. La paradoja está, la rebeldía del humilde también. La solución de la problemática se vislumbra muy lejos. Es un laberinto impío que transforma al que necesita en un paria, aún dentro de un sistema que tiene varios puntos de calidad por arriba de las nuestras. Es que, aún en la pobreza, la del Hemisferio Norte es diferente a la del Hemisferio Sur. Se sufre, se padece, pero hay un piso más alto a partir del cual el padecimiento se hace palpable.

Esta película es una certera flecha de excelencia, perturbadora, conmovedora, frente a este Daniel Blake que no desfallece nunca.  Ken Loach no escatima detalles que transforman su narración en un espejo social de la crueldad que existe, de la inmisericordia flagrante aún en las sociedades que se ufanan de excelencias varias. Sensible, polémico, Ken Loach llega a los 80 años regalándonos una historia actual, sin dobleces ni suturas narrativas, con su indeclinable realismo social basado en su declarado trockismo.

Carlos Pierre

 

JUEVES 15 DE JUNIO DEL 2017.-

Varios films que incluyen dos grandes películas y un “tanquecito”, además de documentales nacionales y la primera película de la mujer de Francis Ford Coppola. Veamos:

l) PARÍS PUEDE ESPERAR, de Eleanor Coppola, quien es una notable documentalista norteamericana. Se lanza a su primer largometraje de ficción con suerte diversa, a juzgar por la crítica norteamericana.

April Voice, de Village Voice, afirma: “Un desastre mal elaborado” mientras que Fionnuala Halligan de Screendaily indica “Una historia ligeral, débil, pero encantadora”.

2) LEGADO DEL MAR, de Gastón Klingenfeld, quien retrata la vida de la familia de pescadores de la ciudad de Rawson.

3) LA CENA BLANCA DE ROMINA, de Francisco Rizzi y Hernán Martín; documentan el caso de Romina Tejerina, la joven que tuvo a un hijo sola en un baño y lo mató, justificando el asesinato por ser producto de una violación, con condena de 14 años de cárcel.

 

BAYWATCH: GUARDIANES DE LA BAHÍA

De Seth Gordon. Con Dwayne Johnson, Zac Efron, Priyanka Chopra, Alexandra Daddario, entre otros. Música de Christopher Lennertz. Fotografía de Eric Steelberg. Duración: 116 minutos.

XXXXX- BUENOS EFECTOS ESPECIALES…

Se suele decir que, cuando los comentaristas de cine afirman que hay buenos efectos especiales o la música es notable, sucede que el film es de regular a malo. Es el caso de Baywatch, un regreso a aquella mítica serie de televisión que nos devuelve las imágenes de Pamela Anderson en una muy breve secuencia y de David Hasselhoff, quien visitó nuestro país con su “auto fantástico” en los 80. El veterano actor participa en varios momentos a diferencia de Anderson.

La película tiene el humor escatológico de muchos films presuntamente divertidos, que incluyen vómitos hasta penes erectos en vivos y en “muertos”. Son los “gags” que no arrancan ni una sonrisa. Dwayne Johnson lleva adelante su papel de salvavidas con enorme dignidad, lo ayudan su físico y su disposición para este tipo de personajes, mientras que Zac Efron queda en un segundo lugar con un rol que no le va: el de un perdedor sin gracia.

Se rescatan los notables efectos especiales, los salvatajes en medio del mar, la búsqueda de los narcotraficantes en las playas, todas escenas que cuentan con slowmotion acompasado, permitiendo que los bellos físicos femeninos y masculinos se luzcan corriendo por las doradas arenas de Miami.

Los diálogos son cursis. La historia es consabida con un premio para los menos “lindos” porque la “sirena” de la playa lo elige… Es el caso del joven actor Jon Bass, a quien le suceden hechos poco recomendables, enmarcados en un humor de pésimo gusto. No hay mucho más. Extensa para la historia que presenta, con chicas y chicos lindísimos. En los créditos finales, hay una serie de bloopers que son más atractivos que el film en sí.

Elsa Bragato

 

EL PODER DE LA AMBICION (GOLD)

De Stephen Gaghan. Con Matthew McConaughey, Edgar Ramírez, Bryce Dallas Howard, Corey Stoll, Toby Rachael Taylor, Bruce Greenwood, entre otros. Música de Daniel Pemberton. Duración: 121 minutos.

XXXXX- NUEVA CONSAGRACIÓN DE McCONAUGHEY

Gold, el título de este film basado en una historia real que sucedió en Nevada en 198l, se refiere a la industria minera que existe en ese estado norteamericano. Tiene mezcla de thriller y biopic, ubicada en los 80.

Kenny Wells (Matthew McConaughey), hijo de una familia minera, vio el surgimiento y decadencia del negocio de su padre. De ser dueño se transforma en empleado y, junto a un geólogo (Edgar Ramírez), como último esfuerzo, se embarca en un plan descabellado en Indonesia. Podría existir oro en su jungla. Después de un penoso y prolongado trabajo, malaria de por medio, conflicto con los nativos que reclamaban agua potable, surge imponente la calidad actoral de Matthew McConaughey, el mismo que conmovió en Dallas Buyers Club, ganando el Oscar.

Esta aventura, con sus sinsabores, dio como resultado el mayor hallazgo minero de los Estados Unidos, aún en tierras tan lejanas, revolucionando el mercado de valores de Wall Street. Wells y su amigo serán los nuevos ricos, sin sospechas que el FBI empieza a investigar. Corporaciones, plata sucia, traiciones, enfermedades, van tachonando este camino hacia la gloria y el fracaso a la vez.

El trabajo de McConaughey es más que destacable, como decíamos antes. Así como tuvo que adelgazar extremadamente para “Dallas…”, aquí engordó 20 kg. Por sobre su rol específico, está el hombre común que persigue sus sueños sin desvanecer, que enfrenta la desgracia y la suerte con entereza inquebrantable, para quien el fracaso no puede existir, aún a costa de actitudes y actividades non sanctas.

Hay una simbiosis electrizante entre el paisaje que rodea al protagonista y la historia propuesta, aprovechada por Stephen Gaghan ( el mismo realizador de Syriana, nada menos, y guionista de la premiada también Traffic) a través de la fotografía y de elementos narrativos utilizados sólidamente. De principio a fin, una película atrapante, dura, convincente.

Carlos Pierre

 

SOLO SE VIVE UNA VEZ

De Federico Cueva. Idea original y guion de Sergio Esquenazi. Con Peter Lanzani, Pablo Rago, Darío Lopilato, Arancha Martí, Luis Brandoni, con Gérard Depardieu, Hugo Silva, Santiago Segura, Eugenia “la China” Suárez, Carlos Areces, entre otros. Música de Alfonso González Aguilar. Duración: 90 minutos. Coproducción Argentina-España. 

        

XXXXX- MUCHO RUIDO… ALGUNAS NUECES

Para esta comedia de aventura se reunió un verdadero seleccionado de estrellas, que incluye las participaciones de Gérard Depardieu, Hugo Silva y Santiago Segura. Imposible de negar el notable despliegue técnico que incluyen al director de fotografía Guillermo Nieto (Elefante blanco, Carancho, Mi amiga del parque, La luz incidente) y al realizador de escenas de acción y supervisor de dobles de riesgo Federico Cueva (El secreto de sus ojos, Assassins Creed, Mi gran noche), conforman un team de grandes pretensiones que logra emoción y entretenimiento.

La historia se mete sin vueltas en el judaísmo y el catolicismo, este último a través de una suerte de embrollos que teje un estafador bien porteño (Peter Lanzani), su hermano sacerdote católico y un rabino (Luis Brandoni) con sus ayudantes (Arancha Martí y Darío Lopilato) y los “malos” encarnados por Gérard Depardieu, Hugo Silva y Santiago Segura, .

El hilo conductor del film es el personaje de Peter Lanzani, un católico devenido en judío, que es perseguido por Gérard Depardieu y su mafia. Vértigo sin pausa, coches destrozados, misiles, persecuciones, son solo algunos de los efectos que motivan y entretienen al espectador a la manera de un divertimento de Hollywood.

Claro que… hay mucho ruido y algunas nueces que salvan esta pretenciosa película, lograda a medias. Sin pasar por alto, aunque sean aventuras cinematográficas,  el mal tino de introducir a dos partidarios del nazismo y citar la famosa apuesta teológica del pensador francés del siglo XVII, Blas Pascal. A estas alturas, bien cabe preguntar para qué.

Estamos frente a un tanque de acción nacional, o del subdesarrollo, dispuesto a entretener sin mayores complejidades. Por cierto, hay un abismo con “Solo se vive una vez”, de 1937, de Fritz Lang con Henry Fonda…

Carlos Pierre

 

LA RED

Guion, dirección y fotografía Kim Ki-duk. Con Ryoo Seung-bum, entre otros. Música de Park Young-min. Duración: 114 minutos.

XXXXX- SOBERBIO REGRESO DE KIM KI-DUK

Nada más actual que el tema de “La red”, del coreano Kim Ki-Duk abordando desde un lugar muy singular la tensión bélica entre Corea del Norte, comunista, y Corea del Sur, absolutamente americanizada.

El realizador Kim Ki-duk muestra de manera desgarradora la brutal grieta existente entre ambas Coreas, la del Norte anacrónica y totalitaria, mientras que la del sur, moderna y occidentalizada.

La historia se circunscribe a un modesto pescador coreano del norte, casado, padre de una pequeña quien, cumpliendo con su rutina, sale a pescar en su modesto bote, cercano a la frontera que divide a los dos países. Se le engancha la red de pesca, queda a la deriva, está a merced de las aguas, internándose sin querer en aguas territoriales de Corea del sur. Es apresado y considerado un espía, siendo brutalmente torturado. El entorno es diferente, moderno, confortable, propio de los países evolucionados.  Aún así, el pescador Ryoo Seung-bum (Nam chul-woo) ve el desarrollo económico pero también descubre sus lados oscuros. Finalmente es enviado a su país al que ama. Pero al ingresar, sufre las mismas investigaciones padecidas en el supuesto país enemigo.

Kim Ki-Duk supera el estallido de la violencia para adentrarse en una problemática sutil y despiadada a la vez: la casi imposible reconciliación de las dos Coreas, al menos mientras subsistan las diferencias ideológicas que hoy mantienen en vilo al mundo.

Teniendo como protagonista a un hombre común y simple, el realizador coreano logra un film emotivo y desgarrador, pleno de contrastes a partir de divisiones políticas impuestas por la miseria espiritual y la codicia humanas. Este es el tema que encuentra, en el actor Nam Chul-Woo, cabal expresión. “La red” duele profundamente, sin mayor necesidad de recurrir a golpes bajos. Solo con reflejar un hecho cotidiano, Kim Ki-Duk alcanza la definición más clara posible de la miserabilidad de la mayoría de los poderosos del mundo.

Carlos Pierre

 

TODO, TODO

De Stella Meghie. Con Nick Robinson, Taylor Hickson, Ana de la Reguera, Amandla Stenber, entre otros. Música de Ludqig Göransson. Duración: 96 minutos.

XXXXX- ROMÁNTICA HISTORIA PARA ADOLESCENTES

En 1976 conocimos el film “El chico de la burbuja de plástico” interpretada por un jovencísimo John Travolta. La carencia de inmunidad impedía a ese jovencito vivir fuera de un ámbito muy especial acondicionado para evitarle contagios de cualquier índole. “Todo, todo” tiene la misma base aunque con ciertas libertades suponemos que científicas. Madeline es una adolescente que vive aislada del mundo exterior por tener una insuficiencia inmunológica muy severa. No obstante, su madre acondicionó su cuarto de manera tal que pueda ver verde con un hermoso jardín, una ventana a la calle, y personal especializado que cumple con normas asépticas rigurosas. Esto no impide que la jovencita vea, a través de los ventanales, a su nuevo vecino, Olly, de quien se enamora.

Más allá de algunas prevenciones inmunológicas que no se toman, al menos por la gravedad que la protagonista dice que la afecta, el film muestra la ternura y la sexualidad en la adolescencia, aún con los riesgos que corren. Hay amor, hay dulzura, hay momentos menos propicios, y un giro en el final que puede sorprender al menos entretenido con la historia. Para las adolescentes porque, a pesar de cierta morosidad en el relato, es una narración con variados encantos.

Elsa Bragato

 

APLICACIÓN SINIESTRA

De Abel Vang y Burlee Vang. Con Saxon Sharbino, Victory Van Tuyl, Brandon Soo Hoo, Mitchell Edwards, entre otros. Fotografía de Jimmy Jung Lu. Música de David C. Williams. Montaje: Cole Durqn. Efectos Especiales: Robert Hall. Duración: 91 minutos. Distribuye SBP.

 

XXXXX-SUSTOS PARANORMALES

He aquí la película de terror semanal. Ni buena ni mala. Ahí, en esa mitad de calificación, la dejamos. Sin embargo, tiene su “no sé qué”. Un grupo de cinco amigos baja una “app” a su celular, similar a Siri, programa que permite chatear y hablar directamente en determinados teléfonos celulares. Ya están llorando la muerte absurda de una de las chicas amigas, Nikki, y será utilizando este nombre que la “presencia paranormal” se comunicará con los chicos.

Solo la protagonista tiene una mamá visible, Alice (la bella Saxon Sharbino), es confidente de su madre. La soledad parental, la ausencia de mayores, es una de las características de este género donde los estudiantes secundarios son sometidos a aterradoras situaciones.

A la manera de los “videos” que matan, idea proveniente de Oriente, los hermanos Bang, descendientes de laosianos, se modernizaron y, en este caso, echaron mano a las “apps”, las aplicaciones para celulares que permiten desde jugar hasta pedir delivery o bien hablar o chatear. El demonio está allí y se irá cobrando a sus víctimas.

No parece muy diferente de otros films de género. La primera parte de la película resulta intrascendente aunque va ganando en suspenso a medida que transcurre. Horribles payasos, muertos conocidos, cobran vida a veces de manera ridícula pero asustan. El clima está logrado. No hay nada nuevo bajo el sol, incluso el final, pero tiene un target definido: los adolescentes mayores de 16 años, que disfrutarán de una hora y media de sobresaltos. No mucho más.

Elsa Bragato

 

JUEVES 8 DE JUNIO DEL 2017.-

Pocos estrenos que incluyen el supertanque “La Momia” y la nueva producción de Alex de la Iglesia titulada “El bar” así como el último regalo del complejo y lírico director italiano Marco Bellocchio. Hay varios documentales y ficción nacional que llegan a las salas sin el paso previo de la mirada crítica. Veamos:

1.- “Dulces sueños”, de Marco Bellocchio, basado en la novela autobiográfica de Massimo Gramellini. Está protagonizada por la actriz argentina Berenice Bejo (El artista), y solo la sutileza narrativa de Bellocchio hace posible que este intenso melodrama nos deje una marca en el corazón. Muy buena.

2.- “La soñada”, de Alejo Domínguez. Film rodado en La Cumbre sobre una escritora bloqueada psíquicamente. Está protagonizada por Romina Ricci, Cristina Alberó, Iván González, entre otros. La idea del guion es la capacidad de cada uno de nosotros para superar los mandatos familiares. Buena.

3.- “Historias breves 14”. El INCAA presentó este largometraje basado en documentales de jóvenes cineastas ganadores del concurso de la entidad para este compilado. Los directores fueron Gisela Benenzon, Diego Briano, Gabriel Lembergier, Cinthia V. Konopacki, Alejandro Gamio, Mariana Waisntein y Nicolás Stefanazzi. Interesante.

NdR: la primera película del género se estrenó en 1995.-

4.- “El crimen de las salinas”, de Lucas Distéfano, es un documental basado en el trágico hecho ocurrido en el pequeño pueblo cordobés en el 2005. Las entrevistas a vecinos que conocieron al hombre de 77 años asesinado por su joven esposa aportan datos que obligan a un replanteo del caso. Bueno.

 

LOS GANADORES

Documental de Néstor Frenkel. Duración: 78 minutos.

XXXXX- PEQUEÑOS MOMENTOS DE AUTOGLORIA

Néstor Frenkel tiene una reconocida trayectoria como documentalista, baste recordar “Construcción de una ciudad”. En este caso, se sintió atraído por el mundo de los premios que superan muchísimo al conocido Martín Fierro de APTRA. En cada localidad del país hay algún premio que reúne a gente de diversas localidades. Así surgen personajes muy bizarros, muy conocidos, como también tiernos, queribles. A falta del “gaucho capitalino”, la generación de un premio para los oyentes o los que quieran sumarse a esa noche de asado y baile es siempre bienvenida.

En definitiva, es un ensayo sociológico profundo. Qué se busca con esos premios que muchas veces son “autopremios”? Nada más y nada menos que vivir una noche de felicidad inmensa, irrepetible, de amistad, de reencuentros con pares, dándole una patada a la monótona rutina. Muchos de estos ganadores se transforman a su vez en generadores de otros premios. Es una rueda: “te invito, pagás la incripción, te premio y nos reunimos en un lugar lindo alguna vez en el año, mientras vos hacés lo mismo con otro premio que inventés”.

Frenkel basa el documental en dos “ganadores”. Ostentan medallas, plaquetas, estatuillas, nombres pomposos, y sonríen. Se la creen, son felices. Le ganan por mucho a la apatía y a la depresión.

El documental es muy interesante. Nos deja un final abierto y algunos datos que no se dan y que tal vez, de conocerse, le quitarían la mística a esa larga lista de premios que inunda todo el país para la radio y la televisión locales, y los amigos de la vida. Eso sí, sin jurados y, por lo general, quienes asisten a la cena son todos ganadores.

Elsa Bragato

 

LA MOMIA

De Alex Kurtzman. Con Tom Cruise, Russell Crowe, Annabelle Wallis, Sofía Boutella, Jake Johnson, entre otros. Música de Brian Tyler. Fotografía de Ben Seresin. Duración: 110 minutos.

XXXXX-BUENA. ESPECTACULARIDAD SIN SUSTENTO

Guerras actuales, historia egipcia, zombies, malvados de pura cepa, se combinan en este “reboot” de la saga “La momia”, que tuvo tres films en 1999, 2001 y 2008. Tom Cruise encabeza este reparto como Nick Morton, buscador de tesoros históricos que viaja a Irak, en plena guerra. Lo acompaña su amigo “Veil” (Johnson) en medio de furiosos bombardeos y tiroteos.

Tras una verdadera catástrofe de bombas, ambos caen al borde de un precipicio que se abre repentinamente dejando al descubierto una tumba milenaria. No sabemos de dónde aparece la antropóloga Jenny (la rubia Wallis), quien descubre que es una prisión mortuoria más que una tumba honorífica, desencadenándose todos los hechos más insólitos, inesperados, sombríos y hasta jocosos que nos podamos imaginar. Hay tanto para mostrar y demostrar que se cuelan errores de postproducción como el hecho de bajar los tres solos a ese enorme hoyo y que Jenny pida “luces” no se sabe a quién y se enciendan parrillas con focos gigantescos. Más allá de esto, se echa mano a la historia egipcia dándole alguna “rosca” a los nombres: la enterrada viva es la princesa Ahmanet (la sensual Sofía Boutella), nombre que provendría de “Ahmose”, princesa de una de las dinastías egipcias. Y los noticieros de la época hablan del “proyecto Crossrail” (extenso subte que debe ser inaugurado este año en Londres) cuyas excavaciones permitieron encontrar un cementerio con tumbas de los cruzados. En verdad, estos trabajos preparatorios para el nuevo “subway” hallaron de todo, en más de ocho capas de civilizaciones, desde cementerios romanos hasta patines modernos.

La mezcla de épocas, de maldades que encabeza el doctor H. Jekyll a cargo de Russell Crowe, con tumbas acuáticas, otras en tierra firme, zombies monstruosos, producen una mezcla muy confusa que entretiene, esto no se puede negar. La princesa revive tras un aparatoso accidente aéreo, muy bien realizado por los efectos especiales, en el que el protagonista se convertirá en un hombre de dos mundos. Extraño, insólito, pero permite que se desarrolle la historia de manera real aun cuando tiene visos de espiritismo, por darle una denominación.

Saga hay para rato. Las confrontaciones actuales sirven como base para que el inquieto y aventurero Morton recorra tierras orientales y trate de recuperar los grandes tesoros de la humanidad, aún a riesgo de que algún espíritu maligno haga de las suyas en su cuerpo. De alguna manera, logrará superar estos graves momentos, con la ayuda fantástica de la espectacularidad que ofrecen los efectos especiales. Como sea, Tom Cruise intenta que el rol de Morton le salga bien. Lo logra por momentos, en otros su escaso histrionismo le juega muy malas pasadas. El tema es oscuro y con un sutil erotismo que le da una pátina de adultez. No obstante, entretiene.

Elsa Bragato

 

EL BAR

Guion y dirección Álex de la Iglesia. Con Blanca Suárez, Mario Casas, Secun de la Rosa, Carmen Machi, Jaime Ordóñez, Terele Pávez, Joaquín Climent, Alejandro Awada, entre otros. Música, Carlos Riera y Joan Valent. Duración, 102 minutos.

XXXXX- SÁLVESE QUIEN PUEDA!

Alex de la Iglesia es un maestro en cruzar el thriller y el humor negro en medio de un clima de intriga y confusión. Su estilo enérgico y provocador, ampuloso y desmañado, arranca temprano, por la mañana, en la barra de un bar un día cualquiera. Unos cuantos clientes y desconocidos son atendidos por la dueña y un camarero, y, entre cafés, churros y mixtos, se pone en marcha la rutina cotidiana de oficinistas y ocasionales pasajeros, víctimas de un repentino estupor cuando dos de los clientes reciban certeros disparos que los mata instantáneamente. El alerta está. Si se sale, se corre el riesgo de perder la vida por lo que deciden quedarse encerrados en el bar. Entonces comienza el plato fuerte de De la Iglesia: mostrar las miserias humanas, el egoísmo, la violencia, el sálvese quien pueda. Para los memoriosos, el encierro y la vileza humana estuvieron retratados en 1962 por Luis Buñuel en su memorable El Ángel Exterminador. ¿Coincidencia?

Sin embargo, la tensión inicial empieza a tornarse endeble al avanzar el film a través de secuencias altisonantes y de pésimo gusto, notándose la costura forzada con el solo fin de asustar al espectador sin sutileza alguna. De a poco, se desentraña el por qué de tan tensa situación, quedando un solo y sucio camino para salvarse. He aquí la mejor chance narrativa que tiene Alex de la Iglesia para mostrar hasta qué punto el egoísmo humano hace de las suyas.

El realizador trabaja con piloto automático en un terreno que le es más que conocido. Y está muy lejos de su recordada Balada Triste de Trompeta. Los actores hacen lo que pueden para salvarse tanto del mal que los aqueja en la ficción como de la endeblez del guión. El argentino Alejandro Awada cumple con un pequeño papel en el comienzo por lo que pronto desaparece de este histérico y desmedido mundo propuesto por Álex de la Iglesia, salvándose de una catástrofe artística y humana.

Carlos Pierre

 

JUEVES 1RO DE JUNIO DEL 2017.-

Varios estrenos que incluyen documentales nacionales llegan a las pantallas de cine de todo el país e incluso varios van directamente a las salas de diversos centros culturales.

1.- “Territorios en riesgo”, documental de Pablo Santillán sobre los desastres naturales, la incidencia en las poblaciones y una reflexión sobre lo que hacemos o no hacemos para que esto suceda.

2.- “Amasekenalo” (Gracias), primera coproducción argentino-angoleña, de Paulo Pécora, periodista y cineasta que fue convocado por Pablo César para hacer el “making off” del film “Los dioses del agua”. A partir de esta tarea, Pécora desarrolla un interesante planteo no solo de la película que se está rodando sino de la vida en Angola y Etiopía.

3.- “Ensayo de despedida”, de Macarena Albalustri, es un ensayo documental sobre el adiós que la directora quiere darle a su madre, fallecida hace 10 años, y de la que no recuerda casi nada.

4.- “Abattoir”, de Darren Lynn Bausman. Tal como su nombre lo indica en su traducción es un “matadero”, o sea la película “gore” o “slaughter” que tiene un público fan.

 

 

EL REENCUENTRO

De Martin Provost. Con Catherine Deneuve, Catherine Frot, Olivier Gourmet, Quentin Dolmaire, entre otros. Música de Gregoire Hetzel. Duración: 117 minutos.

XXXXX – HISTORIA DE MUJERES

Aún con momentos de difícil aceptación visual, esta película “El reencuentro” o “Sage Femme”, de Martín Provost, conmueve por su humanidad, o por el intento subliminal de darle un sentido poético a la vida aún en situaciones límites. Catherine Frot, estupenda, compone a una obstetra cuya misión. Y Catherine Deneuve, soberbia y apabullante, encarna a la ex amante del padre de la médica. “Claire” es la profesional, y “Beatrice” es el regreso menos esperado y deseado, mujer brava, madama, doña amante de lujos.

En la vida real, este tipo de encuentros se dan: esa amante que vivió con un señor con familia, que no tuvo dificultades económicas hasta que él se fue, y la familia, que sufrió desatención en todos los aspectos. “Claire” enterró a su padre cuando “Beatrice” lo dejó. Y ahora es esta mujer, que fuma, bebe, y juega a los naipes en oscuras tabernas, la que regresa para pedirle ayuda. La madre de Claire vive, pero no se lleva bien con su atareada hija.

La historia es esencialmente femenina. Provost bucea en el alma de una hija dolida y tal vez resentida frente a una mujer impiadosa, buscona, que quedó sola y necesita ayuda. Una y otra se necesitan pero tardan en descubrir por qué. Y aquí reside el valor del mensaje de Provost: lo humano, lo existencial, el dolor, el miedo, superan con creces situaciones abominables. Cada una deberá buscar su nuevo camino, doloroso o no, y su nueva vida. Pero es ésta la que les impone volverse a mirar a los ojos.

Esta película puede ser muy buena o simplemente buena, depende del corazón de quien la mire, y de cómo pueda impactar en nuestros sentimientos. Para nosotros fue muy buena por la simbiosis escénica de las dos grandes protagonistas que opacaron todo lo demás. Superan la pantalla.

Elsa Bragato

 

 

COLOSSAL

Guion y dirección de Nacho Vigalondo. Con Anne Hathaway, Dan Stevens, Jason Sudeikis, Austin Stowell, Tim Blake Nelson, entre otros. Música de Bear McCreary. Duración: 109 minutos. Estados Unidos-España.

XXXXx-FÓRMULA MUY ATRACTIVA

Este cuarto largometraje del joven realizador español Nacho Vigalondo es el segundo que filma completamente en inglés; el anterior, Open Windows, de 2014, es la apertura a un cine internacional, más ambicioso, con una llegada mayor al público. Colossal, según sus propias palabras, nano hubiese sido posible sin la confianza y la voluntad de la oscarizada Anne Hathaway, de su inmenso talento, y del actor Jason Sudeikis, verdaderos cómplices en la gestación de un film en tono de comedia anti-romántica con acentos de ciencia ficción.

Colossal narra la historia de Gloria (una Anne Hathaway superlativa), una chica que ,tras haber perdido su trabajo y a su novio, deja Nueva York para volver a su ciudad natal. Por informes televisivos, se entera de que un monstruo gigantesco está destruyendo la ciudad de Seúl, Corea del Sur. El encuentro con un amigo, le permite descubrir que ambos están relacionados con ese monstruo que asola a Seúl. Algo así como un nuevo Godzilla.

De esta manera salta la confrontación del bien y el mal. Gloria podrá mover los impulsos destructores y neutralizarlos y su amigo descargará todo el mal. Ambos manipularán al monstruo, quien se moverá según las directivas de los jóvenes. He aquí el “quid” de la historia: un hecho casual transforma a los protagonistas en héroes.

La desfachatez de Nacho Vigalondo reside en la propuesta de un argumento desafiante, al que le suma la actuación soberbia de Anne Hathaway. La premisa fue partir de una historia convencional para ingresar a un mundo de fantasía, pleno de acción. El nuevo “Godzilla”, por darle este nombre, un país oriental y dos norteamericanos dispuestos a anular la destrucción del mundo.

Es una fórmula muy atractiva porque mezcla la realidad con la fantasía de un modo original, teniendo en cuenta que Hollywood ya nos ha mostrado toda la gama de efectos especiales que es capaz de fabricar. En todo caso, es aún más meritoria las actuaciones de Hathaway y su partenaire, Jason Sudeikes que, entre la vida normal y la ciencia ficción, logran atrapar al espectador en un fantástico entretenimiento. Si solo se tratara de esto último, el objetivo de Vigalondo está cumplido. Pero hay más y es la realización en sí, la dirección actoral, el paso hacia la fantasía y la ciencia ficción con naturalidad, frescura y convicción.

Carlos Pierre

 

 

LA MUJER MARAVILLA

De Patty Jenkins. Con Gal Gadot, Chris Pine, Robin Wright, Connie Nielsen, David Thewlis, Elena Amaya, Danny Huston, entre otros. Música de Rupert Gregson-Williams. Duración: 141 minutos.

XXXXX- ENTRETENIMIENTO DE SOBRA!

Protagonistas femeninas en calidad de superheroínas no son comunes, aunque haya algunos ejemplos en la cinematografía. Y que sean dirigidas por mujeres, menos. En este caso, la directora Patty Jenkins se basa en la historia primera creada por DC Extended Universe, la empresa de cómics rival de Marvel Còmics, y su personaje “Wonder Woman” o “La mujer maravilla”, que ubica la historia de la hija de Zeus e Hippolita en una isla alejada, Themiscyra (ficción de DC Cómics), donde vive con sus hermanas Amazonas, guerreras que se oponen a las guerras y la maldad que genera Ares, el dios de la Guerra. Allí es simplemente “Diana” (Emily Carey como Wonder Woman pequeña), una niña que es instruida en artes marciales por su tía y el resto de las amazonas.

Ya adolescente, la bella amazona (Gal Gabor, quien apareció como primera vez en Batman Vs. Superman) ve cómo cae un avión en el mar que baña la isla y rescata al soldado norteamericano, el Mayor Steve Trevor (Chris Pine). Así se entera de que hay guerra en el mundo (la historia se ubica en la Gran Guerra, o primera guerra mundial) y ella, que ama la tranquilidad y el amor, decide acompañarlo para terminar con el odio y la muerte desatados.

A diferencia con la serie que protagonizó Linda Carter en los 70, ubicada en esa década por razones presupuestarias, el film de Jenkins se basa en el cómic original. La acción se ubica, entonces, en la primera guerra y específicamente en Londres, donde el mayor Trevor tiene su oficina y una secretaria muy particular. Diana, Trevor y la secretaria Etta Candy (Lucy Davis) generan secuencias muy simpáticas: la relación entre Etta y Diana ayuda a la amazona a comprender el mundo moderno.  Diana necesita encontrar a Ares, germen de todo el mal, con la ayuda de Steve Trevor mientras se va adecuando a una vida desconocida.

La película tiene diferentes momentos: el inicial es absolutamente clásico y convencional, por momentos inverosímil. La relación espontánea entre Diana y Steve permite, a su vez, una serie de diálogos de gran ingenuidad, que pueden mover a risa. Hasta que se llega a Londres y luego a la confrontación de Diana con el mal mayor, donde hay escenas muy bien coreografiadas, más que conocidas en el cine de los efectos especiales. No faltan el romanticismo, la lucha, los copos de nieves en bella secuencia, los diálogos infantiles y hasta alguna incorrección histórica como decir que se recitan “los versos de Sócrates” (SIC).

El viaje narrativo en sí es interesante: desde el Pompidou en París hasta la Antigua Grecia, la caída del avión norteamericano en plena Gran Guerra, y la Londres de 1918 aproximadamente. Además, hay secuencias donde se reproducen algunos frescos de Michelangelo como el Origen del Mundo y del Hombre, que se observan en la Capilla Sixtina del Vaticano, entre otros.

Chris Pine convence en este rol donde debe demostrar ternura y comprensión porque su “chica” no es convencional. El actor se adaptó perfectamente al rol, dotándolo de verosimilitud. Y Gal Gabor confirma que su belleza es diferente y más que adecuada al rol de “Mujer maravilla”, con estilizada figura, alta y renegrido cabello, además de una actuación carente de soberbia ininciática.

La música de Rupert Gregson-Williams es estupenda, basada en percusión electrónica, y colabora con las largas secuencias de luchas que el film trae, desde el entrenamiento de la pequeña Diana hasta sus enfrentamientos con los malvados. Como curiosidad, apuntamos que se sumó el elenco la española Elena Anaya como la oscura Mary o Doctor Poison, encargada de preparar gases mortíferos peores que el mostaza y el llamado gas cloro o bien armas misiles preparadas en fábricas secretas sobre el final de la primera contienda mundial.

Entretenimiento hay de sobra. La recreación de los años de la Gran Guerra en Londres es perfecta en todos sus aspectos, desde la ciudad misma hasta el vestuario. Para ver.

Elsa Bragato

 

JUEVES 25 DE MAYO DEL 2017.-
 

Varios estrenos entre los que se anuncia una película que debió tener su estreno hace un par de semanas y que, de hecho, publicamos su crítica: “Perdidos en París”. Por lo tanto, incluimos el título pero el comentario ya ha sido publicado en este sitio.

“La muerte no duele”, de Tomás De Leone, es un documental sobre la vida del escritor, abogado y diputado Rodolfo Ortega Peña, asesinado por la Triple A en 1974, siendo éste el primer homicidio del aparato parapolicial comandado por J. López Rega.

“Una cigüeña en apuros”, de Toby Genkel y Reza Memari, es la animación semanal de origen alemán para los más chicos. Cuenta la historia de “Richard”, un gorrión criado por cigüeñas que quiere ser como ellas cuando emigran a Africa, pero no puede y entonces recorre Europa junto a un amigo búho. Divertida.

 

PIRATAS DEL CARIBE: LA VENGANZA DE SALAZAR – 3D

De los noruegos Joachim Ronning y Espen Sandberg. Con Johnny Depp, Javier Bardem, Orlando Bloom, Geoffrey Rush, Brenton Thwites, Kaya Scodelario, Paul McCartney, entre otros. Música de Geoff Zanelli. Duración: 129 minutos.

XXXXX- AIRES RENOVADOS

En el 2003 conocimos “La maldición del Perla Negra” que deslumbró con sus seres de ultratumba y una puesta en escena diferente, aún con efectos especiales que ya entonces empezaban a reiterarse. En este caso, la película de los noruegos Joachim Ronning y Espen Sandberg recupera ese espíritu navegando en aguas misteriosas que, con esfuerzo de los guionistas, evita varios naufragios narrativos aunque los roce. Regresan los fantasmas de aquel primer film, condenados a ser espectros eternamente putrefactos. El capitán Jack Sparrow se enfrenta a este grupo de almas en pena donde está su enemigo, el capitán Salazar (Javier Bardem), quien quiere vengarse de una vez por todas.

Hay otro espíritu en los personajes, menos dramáticos y burdamente profundos, al punto que el Capitán Salazar resulta inesperadamente divertido, con el feroz convencimiento de abordar al Perla Negra, cuya tripulación está formada por espectros, tiburones zombies, brujas vudú y un historial de horribles abordajes, entre otras maldades. Como novedad está la incorporación de un grumete y de una astrónoma, que puede encontrar el Tridente de Poseidón.

Si bien no se sale de la historia que ya conocemos, campea un aire diferente, tragicómico, menos severo que en las anteriores películas, por lo que los tropezones del guión, dado por las reiteraciones, se sobrellevan con fluidez.

Es notorio el direccionamiento del guionista Jeff Nathanson quien apuntó a renovar el clima de las historias y a la familia, el reencuentro entre padres e hijos, que se observó en “Guardianes de la Galaxia Vol. 2” y hasta en la trepidante “Rápidos y furiosos VIII”. La familia “unita” como subtema más que interesante.

En el aspecto técnico, se nota un mejorado tratamiento del 3D, sin hachas y proyectiles por el aire que obliguen al espectador a un susto inconsistente. Como también hay un esmerado encuadre en los diálogos, donde un personaje frente a un interlocutor es tomado plenamente mientras el otro está escorzado, de espaldas, dando una sensación de profundidad y de las tres dimensiones que se pregonan.

La apoyatura de la música incidental es un hallazgo, gracias a la paleta instrumental superlativa de Geoff Zanelli al frente de una contundente orquesta, de generosa sonoridad y eficiencia.

Ciertamente el Capitán Salazar encontró aguas renovadas, viejos enemigos, y un renacimiento de su propio “yo” a través de un logrado guion, con una puesta en escena deslumbrante. Las reiteraciones están, así como también un buen entretenimiento.

Carlos Pierre

 

 

EL ESGRIMISTA

De Klaus Häro. Guión de Anna Heinämaa. Con Märt Avandi, Ursula Ratasepp, Lembit Ulfsa, Kirill Käro, entre otros. Música de Gert Wilden Jr. Duración: 93 minutos, Finlandia.

XXXXX- CONMOVEDORA BIOPIC

Al ritmo del florete este drama basado en una historia real cuenta la odisea de un campeón de esgrima que escapó de la opresión stalinista, relatada con un muy buen gusto visual. Nuestro Ulises está en Estonia, su patria, habiendo escapado del nazismo en el comienzo de la segunda guerra mundial, y luego de los soviéticos, para pasar camuflado como un profesor de gimnasia, en un colegio apartado. Endel, el protagonista, consigue trabajo y enseña a escondidas la esgrima, dado que era un deporte considerado de élite por el comunismo. Desertor del ejército alemán, encontró en Estonia un lugar donde sobrevivir.

La verdadera atracción del film está en el trato del docente con los discípulos, ese gradual acercamiento entre ambos a partir de la técnica del florete. Los avances fueron enormes al punto que Endel pudo competir con sus propios alumnos en Stalingrado, ciudad de la que había tenido que huir. Sin embargo, allí es recapturado y, una vez muerto Stalin en 1958, pudo recuperar su libertad. Entre el thriller, el deporte, y la enseñanza, transcurre una historia conmovedora, con una escenificación que apuesta al buen gusto y la sensibilidad.

La fotografía colabora con la biopic: el paisaje gélido, nevado, no acapara al espectador sino que sutilmente lo lleva a la historia misma. En este clima emotivo, la música incidental, de gran virtuosismo, se une conformando una simbiosis de altísimo vuelo, donde el candor de los pequeños, especialmente de la bella “Marta” -eje atrapante de muchas secuencias- producen un embeleso espiritual inusual. Cautivante historia real.

Carlos Pierre

 

 

MADRAZA

Guion y dirección Hernán Aguilar, con Loren Acuña, Gustavo Garzón, Sofía Gala, Osmar Núñez, Chunchuna Villafañe, Mónica Ayos, Ricardo Canaletti, entre otros. Música de Guilllermo Guareschi. Duración: 94 minutos.                                                                    

XXXXX- HALLAZGOS DE UN NOVEL DIRECTOR

Comedia negra llena de desbordes y escenas de acción sin tregua. Con un ritmo vertiginoso, hasta alocado por momentos, el delito en todos sus aspectos se muestra como un mosaico de la moral de buena parte de la sociedad actual. El realizador Hernán Aguilar, en éste su primer largometraje, hace gala de un tratamiento a todo o nada de sus personajes. Lo consigue utilizando recursos narrativos legítimos, sin resquicio posible para el aburrimiento: entrecorta una secuencia con una edición superpuesta, dándole una fluidez notables, y quitándole cualquier atisbo de morosidad o languidez. El resultado es óptimo.

Matilde (Loren Acuna) es la fornida protagonista, paraguaya, quien, ante el asesinato de su esposo, de ama de casa pasa a ser una asesina a sueldo- El ambiente es lumpen, marginal. Se cruza con El Detective, un tanto romántico Gustavo Garzón,  que está bajo las órdenes de El Comisario, un corrupto de aquéllos que encarna Osmar Núñez. Sofía Castiglione es “Vanina”, la hija adoptada, que irrumpe en la modesta casa, mientras que Chunchuna Villafañe compone a “Teresita”, una suerte de pobre diabla que hace gala de una buena posición económica. Convincente como siempre la querida modelo y actriz. Mónica Ayos, en su regreso a la escena porteña, personifica “Agustina”, viuda de un ministro recién asesinado. Aparecen algunos periodistas profesionales como Ricardo Canaletti que se compone a sí mismo.

Filmado en plena ciudad (la Costanera Sur a pleno), la historia se cree de comienzo a fin. Si bien todo el elenco se destaca en sus roles, Loren Acuña (de fugaz aparición en Carancho y Gilda), es la protagonista absoluta, demostrando su ductilidad interpretativa hasta en la apariencia de su personaje, de desgreñada a madraza sencilla, aunque devenida en una gángster temible.

Hernán Aguilar tiene un futuro inmenso. Logró imprimirle a su ópera prima ritmo sinfin, que atrapa, sorprendiendo con una supermamá que tiene una metamorfosis notable, que no da respiro y que se come la película, sin vueltas.

Carlos Pierre

 

 

NOTICIAS DE LA FAMILIA MARS

Guion y dirección Dominik Moll. Con Francois Damiens, Vincent Macaigne, Veerie Baetens, Jeanne Guittet, Tom Rivoire, entre otros. Música Adrian Johnston, Duración 101 minutos. Francia-Bélgica.

XXXXX- SÁTIRA IMPIADOSA SOBRE LA CONDUCTA HUMANA

“Noticias de…” es una comedia negra, con fuerte acento ecologista, que dirigió el alemán Dominik Moll. Es su quinto largometraje, denostador implacable del trato que tenemos con los animales. Con un tono irritante, disfrazado de sátira, va desglosando el maltrato, por ejemplo, con los pollos, el exterminio despiadado de los machos que se consumen, y un reclamo por las ranas, que son disecadas en los colegios para su estudio. Entonces, sí, Moll da lugar a la historia de los Mars.

El eje es Philippe Mars (el belga Francois Damiens), un ingeniero informático divorciado que sueña con ser astronauta (quizás para escapar de sus domésticos problemas). Mantiene una relación un tanto cordial con su ex esposa, pero su inquietud son sus dos hijos a su cuidado, uno vegetariano, y la otra, una jovencita que estudia mucho pensando en un futuro exitoso.

La vida familiar del protagonista es conflictiva, pero a este “perdedor” nada le será fácil: un compañero de trabajo, salido de un psiquiátrico, le pide lugar en su casa por lo que la cotidianidad se transforma en un absurdo hilarante. Ser vegetariano irrumpe en ese hogar sin mamá pero con papá abocado a sus hijos. El colega y el hijo hacen causa común. Las situaciones que vive Philippe Mars pasan de la complejidad común para entrar en un tono de exacerbación, que trastocan su mundo y que devienen en gags insólitos, alocados e irreverentes. La locura narrativa se desata y Mars perderá una oreja del mismo modo que el genial Van Gogh. Más no le puede suceder.

Por sobre los incidentes propuestos, o las acciones que se asemejan al absurdo de un Eugene Ionesco, está la defensa de los animales, de las hoy llamadas “personas no humanas”. Moll hunde su bisturí cinematográfico en una reflexión sincera y brutal acerca de la injusticia que comete el hombre sobre el resto de los seres vivos. Gags, documentales, alocada vida de Philippe, son la honorable cáscara de una posición ante la vida. De alguna manera, Dominik Moll deja una semilla en el espíritu de muchos espectadores al no soslayar en su propuesta el respeto por la vida de los otros. La carcajada está y, por añadidura, un mensaje que se cuela en el alma.

Carlos Pierre

 

 

LA MEMORIA DE LOS HUESOS

Documental de Facundo Beraudi. Música de Diego Bravo. Duración: 83 minutos.

XXXXX- VALIOSO DOCUMENTAL

No es la primera vez que hay un documental sobre el notable aporte científico del Equipo de Antropología Forense (EAAF) argentino, que tuvo que lograr una especialización superior a la de cualquier otro grupo de expertos similar de aquí y del mundo al tener que reconocer los huesos de los desaparecidos por la última dictadura cívico-militar.

Leila Guerriero está al frente del grupo de expertos que recorre distintos cementerios del país y de El Salvador, luego de la cruenta guerra que sumió a ese pueblo entre 1980 y 1992. El cementerio de Avellaneda, de Quilmes, otros sitios encontrados en lugares similares, son centros de búsqueda de desaparecidos. La tarea es agobiante. En uno de ellos, hay una habitación repleta de bolsas de consorcio de color negro llenas de huesos. Cada una pertenece a una persona hallada. Se limpia cada hueso, se los clasifica, se intenta armar el esqueleto para entregárselo a los familiares de ese ser querido.

Hay varios pivots que permiten seguir las historias: la de Juan Toubes, cuyo hijo lo vio desaparecer y luego se reencontrará con los huesos de su padre, la búsqueda infructuosa de la sobrina de una anciana, la búsqueda de Rafael Perrota entonces director de El Cronista Comercial, entre tantos otros, miles. Las cámaras también viajan a El Salvador, donde una mujer busca los huesos de su madre, y son los expertos argentinos los que lograrán dar con los restos para que tengan una cristiana sepultura.

En verdad, cada secuencia duele profundamente, pero, al mismo tiempo, se la siente más que necesaria y valiosa. Los huesos están, ellos son la memoria del horror más aún que la memoria afectiva de quienes aún hoy buscan a sus familiares, hijos, padres, madres, arrancados de los hogares por fuerzas militares usurpadoras de vidas y de un país. Es obligación ver este documental tan bien narrado por Fernando Beraudi, porque no se puede olvidar. Los restos de tantos seres queridos esperan.

Elsa Bragato

 

JUEVES 18 DE MAYO DEL 2017.-

Ocho estrenos se anuncian para este jueves. Entre ellos, “Perfectos desconocidos”, film del italiano Paolo Genovese sobre una reunión de amigos que plantea un juego con sus respectivos celulares. Pertenece al nuevo cine italiano donde se hace más hincapié en la temática, endeble o no, que en el desarrollo de los personajes , con parloteo intenso y cierto tufillo claustrofóbico.

También se estrena “La hija”, del cineasta tucumano Luis Sampieri, otra muestra positiva del nuevo cine de Tucumán (ya existen polos cinematográficos en Córdoba y Rosario muy importantes, sin olvidarnos de San Luis). A partir de un hecho real que lo conmovió en su infancia, retrata la decadencia moral de las clases altas de la provincia.

“Escuela trashumante” es un documental muy interesante de Alejandro Vagnenkos, que observa minuciosamente un proyecto educativo en especial. Se estrena en el Gaumont y en el sitio Cine.ar.

Finalmente está “Parir”, de Florencia Mujica, que llega al cine Gaumont en la llamada Semana Mundial del Parto Respetado retratando con crudeza la Violencia Obstétrica. Aleccionador.

 

ALIEN: COVENANT

De Ridley Scott. Con Guy Pearce (no aparece en los créditos), Michael Fassbender en doble personaje, Katherine Waterston, Billy Crudup, Danny McBride, Demián Bichir, Crmen Ejogo. Fotografía de Dariusz Wolski. Música de jed Kurzel. Diseño de producción de Chris Seagers. Duración: 122 minutos. Apta para mayores de 16 años.

XXXXX- DEJÁ VÚ DE TERROR ESPACIAL

Ridley Scott es el maestro del cine que en 1979 asombró con “Alien el octavo pasajero”. La ciencia ficción logró su apogeo y fue un film icónico que echó las bases para el cine de terror espacial. Covenant es precuela de “Prometeo”, así como secuela de “Alien…” y su saga. No obstante, no hay convicción en este relato cinematográfico donde Michael Fassbender cumple un doble rol, el hombre máquina frente a sí mismo, y un Guy Pearce que genera este tipo de androides, u hombres robots. “David” es el personaje de Fassbender que cumplirá una misión en el Covenant, donde miles de astronautas están en hibernación esperando llegar al planeta Origae-6. Corre el año 2104…

Una serie de desperfectos los obliga a elegir un planeta más cercano. Y aquí comienzan algunas curiosidades que llaman la atención. Descuidos o bien algo no bien contado. Además de un fantástico “dejá vu” con mucha computación colaborando en paisajes bellos y a la vez insólitos: los astronautas, entre los que hay muchas parejas incluso homosexuales y lésbicas, bajan sin ningún tipo de máscara que les asegure oxígeno. E ingresan a un trigal generoso que está muy cerca de un lago en medio de montañas, un paisaje barilochense o paisaje familiar. Simplemente no hay forma de explicar cómo semejante tierra poblada de trigo puede nacer al lado de aguas heladas. Raro.

Guy Pearce desaparece de la narración y Michael Fassbender cumple con un rol de hombre máquina o androide o robot a la perfección. Nada de lo que veremos nos provocará más sustos que cualquier otra película de ciencia ficción. Incluso el elenco que secunda a “David” se diluye en escenas que funcionan como relleno, lejos del concepto de actividades espaciales.

En ese extraño planeta se verá cómo “David” ha estado creando embriones o xenomorfos que, aún pequeños, van matando uno a uno a los tripulantes. La ración de sangre está!

El contrato tácito entre el director y el espectador se cumple: está la ración “gore”, están los monstruos, está la infección por algo desconocido, aparecen los monstruos (los mismos de siempre, calaveras negras con dientes al estilo de las “barbas” de las ballenas) pero falta la convicción, la pasión por el relato. Es un “alien de taquito”. Volviendo siempre al genial Shakespeare, la venganza es el motor de esta narración: “Peter” (Guy Pearce) obliga a su recientemente creado “David” a prepararle té, y éste enfurece, si bien lo hace.

Si algo se rescata, es el motor de la venganza: o, como se ha dicho, la estupidez humana, la soberbia, termina generando monstruos. Así “David” desata su furia y sin mucho más que un desperfecto de la nave, surgirán monstruos rompiendo espaldas, vientres, ojos, gargantas, muchos creados por este androide. Clishés, dejá vú, un film que entretiene a los amantes del género de terror espacial, muy lejos de lo que se puede esperar de un realizador como Ridley Scott.

Elsa Bragato

 

 

NADIE NOS MIRA

De Julia Salomonoff. Guion de Julia Solomonoff y Christina Lazaridi. Con Guillermo Pfening, Elena Roger, Rafael Ferro, Marco Antonio Caponi, Mirella Pascual, entre otros. Música: Sacha Amback. Duración: 102 minutos. Argentina-Colombia-Brasil-USA. Hablada en español e inglés.

XXXXX-PFENING, ENORME TALLA ACTORAL

“Nadie nos mira” es el tercer largometraje de Julia Solomonoff continuado el éxito de sus films “Hermanas”y “El último verano de la Boyita”. Instalada en Estados Unidos, con el gran apoyo de productoras y variados equipos técnicos, Argentina, Brasil, Colombia, Estados Unidos, España, Francia, El Líbano y República Dominicana, se destaca por su elegancia narrativa y la firmeza de su cámara. La fotografía cumple un rol importante en el nuevo film y, como detalle, está el emblemático Central Park con la variedad de colores que le imprimen el otoño, el invierno, la primavera y el verano. “Nico” es el protagonista (Guillermo Pfening), actor que decide radicarse en New York. Incansable inmigrante, con ingenio para sobrevivir, hace changas, es babysitter, mejora su inglés y se esfuerza por ingresar al difícil mundo del cine norteamericana. La ruptura amorosa con su productor en Argentina, “Martín” (Rafael Ferro), lo lleva a emigrar sin pensar en que nada es fácil y menos en la ciudad más populosa del mundo donde todos pelean por un lugar y hacen de la indiferencia un “modus vivendi”.

El título del film explica todo: nadie repara, nadie mira, menos a un latino que no lo parece porque es rubio, que habla mal inglés y no tiene papeles en regla. Es aquí donde Guillermo Pfening desgrana toda la complejidad emotiva del personaje, la tristeza, la desolación, la desesperanza, el reponerse, el volver a empezar, el esperanzarse, el luchar cada segundo para sobrevivir y cumplir con su sueño.

Julia Solomonoff conoce a la perfección los pro y los contra de New York y retrató la situación de un inmigrante actual, con características que la hipocresía social de todas las sociedades magnifican: se aceptan leyes para las parejas diferentes pero de allí a integrarlos es algo diferente. Guillermo Pfening encarna a “Nico” en una actuación sin fisuras, sólida, contundente, generosa en la gama de sentimientos que expresa. En la segunda parte el film decae un poco pero en nada mella su calidad, la fluidez narrativa y el soporte actoral del protagonista. Aspectos como la música de Sacha Amback y algunos finales falsos que el guion plantea diluyen el creciente interés generado. Por momentos, se tiene la sensación de que eil fillm debió terminar unos minutos antes.

No obstante, es una gran película nacional, coproducción como detallamos en la sintética ficha técnica del comienzo, en la que dos nombres resaltan: el del actor Pfening y el de la directora Solomonoff. Para ver sin discutir!

Carlos Pierre

 

 

SI NO DESPIERTO

De Ry Russo-Young. Con Zoey Deutch, Halston Sage, entre otros. Música: Adam Taylor. Duración:  92 minutos. 

       

XXXxx- EL DESTINO EN LOS SUEÑOS

“Si no despierto” (“Before l fall”) es la adaptación de la popular novela de la escritora Lauren Oliver, orientada a los adolescentes, sobre el destino y la benevolencia, siendo un best-seller internacional. Es, a la vez, un relato pleno de sincera fantasía que atrapó a un target determinado de lectoras y ahora de cinéfilos.

Samantha Kingston (Zoey Deutch) es una joven estudiante, linda, con un novio perfecto, amiga de sus amigas, una chica que lo tiene todo. Un viernes 13 de febrero, preludio de la fiesta de San Valentín, despierta de un sueño en la que la tragedia la rodeó tanto a ella como a sus compañeras. Perturbada, extrañada, se imagina qué podría sucederle si solo le quedara un día de vida. El sueño se repite siete veces, siempre con algo diferente pero el mismo sentido. El día de los enamorados es, para Samantha, algo que debe eludir. A nivel cinematográfico, el clima generado por Ry Russo-Young es muy elogiable porque, aún en la reiteración, encuentra matices que agilizan el relato, atrapando siempre. Cuatro jóvenes, bien estereotipados pero disfrutables.

El climax surge cuando un profesor trae el tema de Sísifo pero las chicas están tan alborotadas por el día de San Valentín que lo ignoran. Sin embargo, está encadenado a los sueños recurrentes de Samantha quien intenta cambiar en ellos el destino que podría esperarles. Como Sísifo hizo con Tánatos, la muerte, al atarla e impedir que mucha gente muriera. ¿Es acaso posible cambiar el destino? He aquí el quid de esta historia que, sin tener superproducción, alcanza profundidad en su mensaje a través de cierta complejidad argumental. Para los adolescentes, esta película será más que agradable por su significado. Es aleccionadora, plena de fantasía, y muestra la generosidad de alguien en favor de del prójimo.

Carlos Pierre

 

 

EL GRAN GOLPE

De Steven C. Miller. Con Bruce Willis, Christopher Meloni, Dave Bautista, Arián Grenier, Alyshia Ochse, Lydia Hull, Tyler Jon Olson, entre otros. Música de Ryan Dodson. Duración: 107 minutos.

XXXXX- REVOLTIJIO NARRATIVO

El gran atractivo de este “El gran Golpe”, del canadiense Steven C. Miller, está en Bruce Willis, quien mantiene su magnetismo aún en un rol que se disfruta poco pero que está siempre presente. Un grupo de ladrones asaltan bancos, matan sin piedad, y destinan el dinero a la caridad, como se dice que hacía Robin Hood. No obstante, esta caridad no se entiende muy bien, dado que la narración va y viene entre los personajes del FBI, la policía local (Cin cinnati y Ohio en Estados Unidos) y el Sr. Hubert encarnado por Bruce Willis.

La situación policial se mezcla de manera perturbadora con los dramas personales de dos de los personajes: una venganza en ciernes y una enfermedad terminal acicatean al aparente “capo” del grupo de malvivientes y al jefe del FBI, encarnado por Christopher Meloni, al que conocimos en la seria “La ley y el orden”, respectivamente. La inclusión de un novato, “Wells” (Adrián Grenier) torna más difícil la comprensión porque el guión plantea diversos “culpables” yendo de un personaje a otro de manera casi constante.

Entretenida es. No hay duda. Pero también es perturbadora porque confunde. En esta confusión, se sacan conclusiones y se torna más que previsible. No se sabe bien nunca quién es quién, arrastrándose otra venganza desde los tiempos de la guerra del Golfo. Un personaje es clave: está muerto, pero pudo salvarse.

Ante estas propuestas narrativas, la adrenalina cesa y solo se recupera cuando surgen las balaceras, ahí se salta de la butaca. Pero nada más. Poco presupuesto, buenas intenciones, y un gran revoltijo narrativo, terminan por producir un producto flaco en calidad pero que entretiene.

Elsa Bragato

 

JUEVES 11 DE MAYO DEL 2017.-

Entre 10 y 11 películas se estrenan este jueves. Debido al éxito de algunos supertanques, la cifra de nuevos films es incierta. Muchas producciones van a los circuitos “off”, o sea no comerciales. Entre tantos estrenos, rescatamos dos producciones nacionales:

1.-XXXXX - “El candidato”, guión y dirección de Daniel Hendler, con importantes figuras como Ana Katz y Verónica Llinás, entre otros. Es un elenco coral que ronda alrededor de un empresario que quiere “couching” para convertirse en político. Bien narrada, ágil, con humor ácido.

2.- “Mariel espera”, de Maximiliano Pelosi, con el protagónico de Juana Viaje, junto a Daniel Gentile, aquel marido desesperado del último relato de “Relatos Salvajes”. No tuvo privadas. No tenemos calificación.

3.- XXXXX- “Huye”, de Jordan Peele. Primer largometraje de un conocido actor que triunfó en el Sundance Festival. Si bien es el film de terror semanal, es más que eso: apunta a los conflictos raciales, está narrada con agudeza, aunque tenga todos los condimentos del género.

4.- XXXXX-“Viva”, de Paddy Breatnach. Coproducción Cuba-Estados Unidos. Cuenta la vida de Jesús, de 18 años, que logra reencontrarse con su padre, quien sale de la cárcel. Emotiva, aunque recurra a elementos narrativos muy conocidos.

5.-XXXXX -“Graduación”, de Cristian Mungiu. Nuevo cine rumano. Ganador de la Palma de Oro 2015 de Cannes, además de otros premios, Mungiu narra la vida de un matrimonio y una hija que debe cursar una carrera en Londres. La joven es asaltada sexualmente y el padre inicia una dolorosa carrera de obstáculos de todo tipo. Exageración de sucesos dramáticos que llegan a exasperar. Narración perfecta con guion es exagerado.

También se anuncian el documental “Los relocalizados” y la ficción “La lasaña del mono”.

 

EL VALLE DEL AMOR

Guión y dirección Guillaume Nicloux. Con Gerard Depardieu, Isabelle Huppert, Dan Warner, Dionne Houle, Aurélia Thiérrée, entre otros. Música Charles Ives. Duración 91 minutos.

XXXXX- SONATA DE DEPARDIEU-HUPPERT

El realizador Guillaume Nicloux filmó en el Valle de la Muerte, ubicado en California, su propio guion. Es una suerte de sonata de dos íconos del cine francés, Gerard Depardieu e Isabelle Huppert, que desarrollan algo así como sesiones psicoanalíticas de la ex pareja que formaran. Reunidos por la muerte de su hijo, joven gay incomprendido por ellos, cumplen con el pedido que les hiciera mediante dos cartas póstumas: van a ese valle lejano entre carreteras e imponentes cañones bajo un calor agobiante. Les ha prometido que allí “lo volverán a ver”.

No es de extrañar esta metafísica a la francesa o este extremo existencialismo cargado de intelectualidad en el cine galo, caracterizado por diálogos sesudos y, a la vez, agobiantes. Los dos padres se enfrentan a una cruzada que tiene siete pasos y que, en definitiva, solo busca que termine la historia de desencuentros de sus progenitores. Como curiosidad, los dos protagonistas conservan sus nombres, son Isabelle y Gerard, ella con los pies más en la tierra y él con la indecisión de estar o no estar en esta vida.

Sacando provecho de la geografía del valle, el fotógrafo Christophe Offenstein se zambulle en el paisaje monumental. Utiliza, entre otras, extensas tomas secuencias cuando llega Isabelle al motel y recurre a la misma toma durante la caminata nocturna de Gerard alrededor del albergue.

Nicloux logró concretar la incontrolable tentación de reunir a estos inmensos actores en un paraje desértico, en los que apoya la historia mientras utiliza solo un pequeño elenco secundario. La idea es atrapante, pero esta insólita historia con tanto de racionalismo, por un lado, y con misticismo exótico, por el otro, no bastó para coronarse en un film recordable. La alternancia de la tragedia y de la comedia permite superar ciertos bajones de guion y la densidad del clima que la búsqueda despierta en el espectador.

La música del compositor estadounidense Charles Ives constituye un elemento acertado, incidental y apropiado. Tiene el tono devastador y punzante que se advierte en las almas de los protagonistas, que danzan al compás de una sonata humana , por momentos creíble y, en general, improbable. Por supuesto, hay convicción profunda en Isabelle Huppert y Gerard Depardieu que trabajan como si ese Valle de la Muerte y esa circunstancia les fuese propia. Tan verosímiles son. Extraña, diferente, con exceso de sabor francés, la película tiene una plusvalía que merece tenerse en cuenta.

Carlos Pierre

 

RAÍDOS

Guión y dirección de Diego Marcone. Documental sobre la vida de los “tareferos”. Fotografía de Lucas Timmerman y Diego Marcone. Música de Dante Frágola y Pablo Breardi. Duración: 78 minutos.

XXXXX- DESCARNADO RELATO SOBRE LOS MENSÚES

Ver cómo viven, cómo trabajan, los obreros dedicados a la cosecha de la yerba, resulta aleccionador y desgarrador al mismo tiempo, como indignante. A través del guion y el film de Diego Marcone, ingresamos en la vida de Darío, Sergio y Mauro, hijos de familias de tareferos, dado que se llama “tarefa” la cosecha de la yerba mate, producto del que Argentina produce el 60 por ciento mundial. El 90 por ciento está concentrado en la provincia de Misiones. Las historias se desarrollan en la ciudad de Montecarlo, donde transcurren los días y las noches de los tres trabajadores, ubicada a 180 km de la ciudad de Posadas, capital provincial.

Estos jóvenes tienen la mirada perdida, sus padres tienen la tristeza clavada en el rostro: no hay otro futuro que ir al yerbal en la época de la cosecha, y pelar a mano las ramas hasta lograr los kilos que se les exigen, 100, 500, diarios, con una paga mínima, a veces de 100 pesos, y sin ninguna contención social. Esto significa que, en época de trabajo, muchas veces van de noche, no tienen baños, no tienen dónde dormir, salvo la intemperie, y no tienen sustento alguno más que el que lleven de casa, la harina aplastada contra un hilo de aceite en la cacerola. Muy pocos son los que pueden terminar los estudios primarios mientras que el secundario solo queda para los más chicos de la familia porque sus hermanos mayores son los que resignaron esa posibilidad dedicándose a la “tarefa”.                         

Estas cosechas son matadoras. Necesitan venenos especiales que los trabajadores deben pasar sin tener barbijos ni elementos especiales para cuidar sus ojos y sus vías respiratorias. La yerba mate les come la vida, y solo les queda la bebida como evasión. Hay una suerte de cumbia que canta uno de los protagonistas que resume la infelicidad y la falta de futuro de estos argentinos olvidados por todos los gobernantes: tristemente y ebrio, canta que nació sin saber que la falta de esperanza iba a ser su derrotero. Sin padre, con hermanos menores, tuvo que olvidarse de vivir su propia vida.

Filmada de madrugada, cuando los “mensúes” suben a un destartalado camión que los lleva a los yerbales, Diego Marcone pone sobre el tapete la vida misma, sin subterfugios. Los tres protagonistas cuentan por qué dejaron la escuela primaria, las necesidades que tienen de mantener a la familia, mientras las madres cocinan lo que pueden, siempre la misma pasta de harina de mañana a la noche, y el mate, infaltable. Invierno y verano, sin la menor asistencia humanitaria de los empresarios, los jóvenes dejan sus mejores años para subsistir en la máxima pobreza. No deje de verlo.

Elsa Bragato  

 

EL HIJO DE JEAN

Guion y dirección Philippe Lioret, con Pierre Deladonchamps, Gabriel Arcand, Catherine de Léan, Marie-Thérese Fortin, entre otros. Música de Flemming Nordkrog. Duración: 98 minutos.

XXXXX- RELACIONES PATERNOFILIALES EN INTENSO THRILLER

Phillipe Lioret se las ingenia para que, desde el comienzo de la narración hasta casi el desenlace, la película “El hijo de Jean” maneje un suspenso extraño en medio de una historia que no aparenta tener misterios. El protagonista es Mathieu (Pierre Deladonchamps)   quien está en la búsqueda de su origen, quién fue su padre. Tiene 33 años, está separado y con un pequeño a su cargo. Una mañana recibe, en su departamento de París, la llamada desde Canadá de alguien que dice haber sido amigo de su padre y que éste ha muerto ahogado en un lago, dejándole la herencia de un cuadro que pronto recibirá. Sin más, viaja al lejano país americano, y se encuentra con “Pierre” (Gabriel Arcand), su anfitrión en tierras tan extrañas. Aparecen sus “hermanos”, e inicia una búsqueda infructuosa del cuerpo de su padre por el lago. El tono narrativo es dramático y, al mismo tiempo, familiar.

Pierre Deladonchamps y el maduro Gabriel Arcand son los ejes de esta historia que mezcla el thriller con el costumbrismo, protagonistas magnéticos de sólidas interpretaciones que fascinan por sus trabajos que están por sobre las circunstancias familiares y trágicas que los rodean. Dotan a sus personajes de hondura psicológica y humana. La tristeza, los afectos, la necesidad de saber quién es el padre, el reconocimiento de sí mismo como alguien con “origen”, acicatean a manera de thriller.

Cincelando hábilmente el bello paisaje de Montreal, sus bosques y lagos tan parecidos a los nuestros, Philippe Lloret logra una puesta muy atractiva tanto por la historia en sí como por la fotografía. Esta confluencia genera una narración diferente, novedosa, que obliga al espectador a embarcarse en el camino del protagonista, a mitad de un doble drama familiar (su origen, su padre fallecido), en un medio desconocido. El final no se revela nunca, menos en este caso. Pero sí hay una jugada de naipes en una partida audaz y conmovedora al mismo tiempo que sorprenderá.

Carlos Pierre

 

“EL REY ARTURO, LA LEYENDA DE LA ESPADA”

De Guy Ritchie. Con Charlie Hunnam, Jude Law, Eric Bana, Hermione Corfield, Astrid Bergés.Frisbey, Geoff Bell, Aidan Gillen, entre otros. Fotografía de John Mathieson. Música d Daniel Pemberton. Duración: 126 minutos.

XXXXX – DECEPCIONANTE Y ABSURDA VERSIÓN

Guy Ritchie es un notable realizador apreciado por su sensibilidad creativa. En este caso, se engolosinó con los efectos especiales y dejó rienda suelta a una imaginación que le ha jugado malas pasadas. La leyenda del Rey Arturo y aquella famosa espada Excalibur se centró en un personaje, o en varias personas, de la historia inglesa, que surgió cuando los romanos abandonaron la isla británica. Pero dejaron “Londinium”, la base de la fantástica Londres, donde nació un joven, llamado Arturo, en un burdel, sin conocer a su padre. Por diversos motivos, y ayudado por los magos, que tanta influencia tuvieron en la vida cotidiana medieval (hablamos del siglo XI), logró sacar de una piedra donde estaba incrustada una espada famosa, con poderes especiales.

En la película de marras, su tío Vortigem, encarnado por Jude Law, le ha robado el trono, sabiendo que ese joven vagabundo es su sobrino. Vortigem no tiene piedad: las oscuras aguas donde habita un monstruo de tentáculos gigantescos con tres cabezas es su lugar de oración. Este monstruo le exige la sangre de seres queridos para darle poder. Aquí surge una violencia que, aún mítica o legendaria, hoy en día no es correcta socialmente: las entregas de Vortigem son su esposa y una de sus tres bellas hijas, a las que abraza y clava un puñal para luego arrojar sus cuerpos a las feas aguas.

La historia va escapándose de la leyenda (en el 2004 Clive Owen protagonizó una bella “Rey Arturo”) y cae en un mix donde aparece algún personaje sustraído a George Lukas (la transformación de Uther, padre de Arturo), las tropas oscuras de “El señor de los Anillos”, y Arturo, entre otras secuencias, en un determinado momento, lanza un grito de poderío similar a un humanoide hollywoodense.

Castillos y puentes se derrumban, los hombres se reúnen para armar fuerzas y combatir al malvado usurpador de la corona. Las extensas charlas de los guerreros sobrevivientes conducen a un aburrimiento fatal. Si bien se preparan para otro estruendoso encuentro al estilo de “300” con slowmotion, y efectos “gore” propios de las luchas cuerpo a cuerpo, transforman el film de acción en una desvaída “charla de café” sin ton ni son. Diçalogos absurdos que representan más la forma de vida actual que la medieval.

El enfrentamiento entre padre e hijo es uno de los momentos cumbres, Uther ha ido cambiando, ahora su rostro es una máscara espacial y su cuerpo escupe fuego por doquier. Asi y todo, Arturo no le teme porque tiene a Excalibur, espada que será arrojada a un estanque de donde surgirá “La dama del lago”.

Gran decepción es esta película donde tiene más relevancia la superficción generada por efectos especiales que la leyenda del rey Arturo, de la que se ha hecho algo más que una versión libre: solo se tomaron los nombres propios y algún hecho legendario para rodearla de sucesos que posibiliten la computación. Los efectos especiales destruyeron la leyenda del Rey Arturo y la famosa espada.

Elsa Bragato

 

JUEVES 4 DE MAYO DEL 2017.-

Siete estrenos se incorporan a la nutrida cartelera de las salas nacionales. Entre ellas, varias argentinas, a saber:

1.- “Pinamar”, (XXXXX) de Federido Godfrid, con Juan Grandinetti, Agustín Pardella y Violeta Palukas. El director conoce muy bien esta bella playa argentina pero más que al hermoso entorno, apunta a la psicología de dos hermanos que viajan hasta allí para arrojar las cenizas de su madre. Película emotiva.

2.- “Sin dejar rastros”, (XXXXX) documental de Diego Kartaszewicz, retrata la vida y obra del ítalo argentino Quirino Cristiani, historietista y realizador, que realizó el primer largometraje animado del país, en 1917, titulado “El apóstol”. Su obra se ha perdido y solo subsiste el cortometraje “El mono relojero”. El documental rescata a un cineasta pionero con abundantes entrevistas.

3.- “El ídolo”, (XXXXX)la película iraní cuya crítica hicimos la semana pasada, pospuso su estreno para este jueves. Ver comentario del 27 de abril ppdo.

A nivel internacional, también se anuncia la siguiente película:

4.- “La cabaña”, (XXXXX) de Stuart Hazeldine, es un intenso drama sobre el secuestro de una pequeña cuyos rastros se pierden y, a través de una carta de Dios, su padre es llevado hasta el lugar donde ocurrieron los hechos. Está basada en la novela de William P. Young y su target es el público esencialmente cristiano, católico o protestante. El objetivo es afianzar la fe, el perdón, la resignación. Y su notable extensión (más de dos horas) ahueca cualquier profundidad religiosa y psicológica.

 

GUARDIANES DE LA GALAXIA VOL. 2 . 3S

De James Gunn. Con Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Bradley Cooper, Vin Diesel, Michael Rooker, Karen Gillan, Kurt Russell, Glenn Close, Sylvester Stallone, Elizabeth Debicki, Tommy Flanagan, Sean Gunn, Pom Klementieff, Chris Sullivan, entre otros. Música de Tyler Bates. Duración137 minutos.

 

XXXXX- ATRAPANTE SECUELA CON CELEBRITIES

Guardianes de la Galaxia Vol. 2 es la continuación de la película de James Gunn que vimos en el 2014. Está basada en el Parnaso de Superhéroes de Marvel Comics. El reparto es casi el mismo con algunos nuevos ganchos como la presencia de Sylvester Stallone. El 3D renovado, audaz, permite destacar a los héroes y villanos del film, utilizando muy bien los planos y contraplanos y escorzos visuales de gran riesgo fotográfico y muy feliz resultado.

Famosas canciones colaboran muy especialmente con el clima del film, en una suerte de revival sumados a los fuegos de artificio desatados en la Galaxia. Una fresca nostalgia en las voces de estos jóvenes personajes.

Peter Jason Quill (Chris Pratt) es aquel niño humano raptado que logró habituarse al Cosmos pero con 30 años más. Mantiene su alianza con otros cuatro amigos con el objetivo de escapar de una amenaza malvada. En juego está la “Gema del Infinito”.

Al analizar los subtemas a partir del planteo inicial, encontramos un tema filosófico-existencial a través del encuentro de “Peter” con su padre, quien tiene una genética de avanzada para convertirlo en inmortal, humano y superhéroe a la vez, un Guardián de la Galaxia imbatible. Entre estos encuentros, también se apunta a la familia y su unión, como ocurre con “Rápidos y furiosos”, y otros films del género, mientras campea un espíritu de confianza, de alegría, que, aún en medio de las luchas, divierten y entretienen. En muchos aspectos técnicos, es superior a la primera película, mientras que en la relación de los personajes hay una pequeña evolución psicológica. Uno de los ‘males’ reside en que, si bien se plantea la amenaza, no llega a comprenderse muy bien.

Sí hay sorpresas: son cinco escenas, intercaladas en los extensos créditos finales (impresionante cantidad de apoyaturas técnicas), revelan algunas características de ciertos personajes, recurso de Marvel a partir de “Iron Man” (2008). ¿Mejor, peor, que la primera entrega? Difícil de definir porque es un entretenimiento honesto y genuino que atrapa por el espléndido manejo visual del 3D y que promete más secuelas, entre divertidas, dejo de existencialismo, filosofía cósmica y otras yerbas.

Carlos Pierre

 

FIN DE SEMANA

De Moroco Colman. Con María Ucedo, Sofía Lanaro, Eva Bianco, Lisandro Rodríguez, entre otros. Fotografía de Gustavo Biazzi, Fernando Lockett, Pablo González Galetto. Música original de Juan Sorrentino. Dirección de arte: Adrián Suárez. Duración:77 minutos.

XXXXX- AMOR, SEXO Y FAMILIA

Todo un descubrimiento es esta ópera prima del cordobés Moroco Colman, quien utiliza diferentes formatos de pantalla para contar la historia de “Carla” (María Ucedo), quien regresa a Villa Carlos Paz para ofrecer sus condolencias a Martina (Sofía Lanaro), por la muerte de su padre José. Una amiga de la familia (Eva Bianco) y el novio ocasional y golpeador de Martina, “Diego” (Lisandro Rodríguez), completan este elenco que explica poco, vive intensamente sus historias, siendo el espectador quien termina resolviendo muchas situaciones. Es decir, Colman no acude a lo obvio, a la explicación de cada hecho sino que realiza elipsis narrativas que dan agilidad a un relato muy fuerte.

“Carla” y “Martina” (no se sabe si son madre e hija) comparten momentos en la playa, en la casa, y será la primera, una mujer de más de 40 años, quien descubra la violencia física que ejerce “Diego” sobre Martina. Aquí hacemos un paréntesis para señalar que las escenas de sexo son explícitas entre “Martina” y “Diego”. Ëste es casado, tiene un ahija, pero Martina es su consuelo momentáneo, ejerce sobre ella una fuerte presión psicológica, común en el caso de los golpeadores (los ejemplos que se viven a diario en nuestro país nos exime de mayor explicación).

A veces con diálogos muy elementales, otras con situaciones de intensidad dramática, Colman va desarrollando una historia perfecta en la narración, utilizando tres fotógrafos: Gustavo Biazzi en 1.33.1, Fernando Lockett en 2.35.1 y Pablo González Galetto en 1.85.1. Es decir, de manera imperceptible para el espectador, Colman emplea el “full-frame” o formato del cine mudo que se refleja en una pantalla cuadrada que ocupan plenamente los protagonistas. La secuencia entre Carla y Martina en la playa es el mejor ejemplo. Los restantes formatos indicados responden a la pantalla panorámica y a la apaisada.

Sin duda, a una historia de pocos personajes, intensa y con un drama cotidiano que viven cada una de las protagonistas en ese fin de semana, Colman realiza una pequeña joya cinematográfica donde lo formal tiene tanta importancia como el fondo, la historia en sí. Hay hallazgos infrecuentes en “Fin de semana”, una búsqueda excelente de M. Colman, uno de los grandes representantes del nuevo cine cordobés. El film fue exhibido en diferentes festivales internacionales con gran éxito de público y critica. Puso al servicio del arte cinematográfico un concepto innovador, fuerte, intenso, sin moralinas. Merece verse.

Elsa Bragato

 

UN MOMENTO DE AMOR

De Nicole García. Basada en la novela “Mal di pietre”, de la escritora italiana Milena Agus. Con Marion Cotillard, Louis Garrel, Alex Brendemuhl, Brigitte Rouan, entre otros. Edición de Simon Jacquet. Música de Daniel Pemberton. Duración: 120 minutos.

XXXXX – ROMÁNTICO RELATO SIN PASIÓN

El rostro bellísimo de Marion Cotillard, con sus flamantes 41 años, es lo más interesante de esa película que recorre 20 años en la vida de una joven mujer cuyos padres la obligan a casarse con uno de los peones, el español José. Marion Cotillar es “Gabrielle”, joven que no soporta el entorno ni la soledad existencial que siente sin comprenderla, buscando amoríos que no se concretan en extraños. Ese casamiento es forzado y José (Alx Brendemuhl, el actor que trabajó en Wakolda) no le impondrá exigencias. Pero hay una circunstancia de Gabrielle que obliga a internarla en un spa: piedras en su riñón. Y allí se enamora de un joven militar cuyos días de vida están contados.

El film es detallista, está bien narrado. Se aletarga en morosas fotografías de los campos que Gabrielle recorre en automóvil, en su tratamiento, en su mirada perdida y enamorada a la vez. Y allí está el gran pecado para el espectador actual: la lentitud. De esta manera la historia carece de toda pasión, aunque sea una convencional: la mujer que se enamora de otro, el marido que perdona, el hijo que llega, y las verdades que uno y otro se ocultan. Un gigantesco flashback del que solo nos damos cuenta sobre el desenlace. En esto hay que reconocerle gran habilidad narrativa a Nicole García porque no ha sobrepuesto épocas sino que nos cuenta de manera directa el pasado y el presente y los secretos de una relación destinada a sucumbir. En algún sentido, las seis nominaciones a los premios César tienen razón de ser. Hay factura cinematográfica.

El “pero” está en el fondo, en el tratamiento del personaje protagónico que, más que ser una exagerada romántica, por momentos “Gabrielle” parece una real trastornada. Se deja ver si se tiene paciencia.

Elsa Bragato

 

JUEVES 27 DE ABRIL DEL 2017.-

Cerca de nueve estrenos se anuncian este jueves. Entre ellos, varios documentales nacionales, a saber:

1.-XXXXX-Todo sobre el asado, documental de Gastón Duprat y Mariano Cohn (“El candidato), que se presentó en el Festival de San Sebastián. Para quienes aún quieren comer carne a la “argentina”, este docu les encantará dado que se muestra desde el inicio la preparación de este plato, entre salvaje y delicado, típico de nuestro país.

2.- XXXXX-Trabajadores de la Danza, de Julia Martínez Heimann y Konstantina Bousmpoura. Pormenoriza la formación de la Compañía Nacional de Danza Contemporánea, a dos días del Día Internacional de la Danza, el 29 de abril, fecha determinada por la Unesco desde 1982 en memoria de Jean George Noverre, creador del Ballet Moderno. La idea es concientizar sobre una actividad artística que está requiriendo, desde el 2014, la Ley Nacional de Danza Contemporánea, para salvaguardar los derechos de todos los que se involucran en el ballet, tanto los bailarines como quienes están detrás de escena.

3.- XXXXX-Una historia de madres, de Ernesto Gut. Es un documental necesario, que recoge interesantes entrevistas sobre el comienzo de las Madres de Plaza de Mayo (han merecido una obra de teatro en Francia) que se produjo en diciembre de 1977, para reclamar la aparición con vida de sus hijos, maridos y nietos, búsqueda que continúa hasta hoy.

4.-XXXXX- La promesa, de Terry George. La historia se ubica en 1920, luego de la primera guerra mundial y del genocidio armenio. Tienen un elenco importante formado por Chrstian Bale, Charlotte Le Bon, Jean Reno, James Cromwell, entre otros. Si bien la primera impresión es positiva, cae en el melodrama rápidamente: un trío amoroso entre un reportero de una famosa agencia de noticias internacional y una bella armenia. Siempre hay intenciones honestas en este tipo de producciones, pero no siempre se logra el objetivo de conmover, como sucede en este caso.

PERSONAL SHOPPER

Guión y dirección Olivier Assayas. Con Kristen Stewart, Lars Eidinger, Sigrid Bouaziz, Anders Danielsen Lie, Ty Olwin, entre otros. Fotografía de Yorick Lesaux. Edición de Marion Monnier. Duración 105 minutos.

XXXXX- FANTASMAS EN PARÍS

Olivier Assayas, de vastísima filmografía, ama el mundo fantasmagórico y, en Personal Shopper, decidió ser más explícito y usar efectos visuales que den idea bien clara de esas almas en objetos que se mueven, así como indagar qué ocurre en la mente, cuáles son los demonios que la habitan, qué miedos, ansiedades y neurosis, se tienen.

En ese mar de introspección, la belleza de París y sus altas casas de moda, transcurre una narración que confunde, despista pero atrapa. Kristen Stewart compone a “Maureen”, una joven estadounidense que se gana la vida como asistente de compras de una celebrity, encargándose de renovar su vestuario. Recorre tiendas de lujo, guiada por un muy buen gusto, en medio de un “status” social vacío. Surge un universo de elementos que juegan en contra de la introspección que Assayas promete. Ésta reside en la cualidad psíquica de Maureen cuyo hermano gemelo falleció. Ese espíritu no la abandona y, con mirada baja, busca a ese ser con quien compartió tantos sentimientos. En la mensajería de Apple encuentra cierta materialización. Assayas contrapone el mundo de la tecnología hasta el narcisismo de las selfies con la espiritualidad compulsiva de un personaje que tiene el alma presa por el recuerdo o una presencia. Kristen Stewart ha crecido notablemente como actriz, y lleva sobre sí el peso de esta historia casi como un unipersonal. Ciertamente, el mérito de Assayas está en tener al espectador sobre ascuas, confundirlo, sumirlo en la belleza de los escaparates parisinos mientras la tribulación de Maureen es el desconcierto y la desesperación espiritual que acicatea la curiosidad y la inquietud.

En esta oposición está el logro de Olivier Assayas, generando dudas, perturbación, con cierto derroche en la dirección actoral que desmerece por momentos la performance de la actriz. No obstante, hay una muy interesante valoración del psiquismo, transformándose en un singular film del notable director francés.

Carlos Pierre

LA POSESIÓN

De Alastair Orr. Con Caryln Burchell, Gustav Gerdener, Sharni Vinson, Steven John Ward, Zino Ventura. Basada en la novella “From a house on Willow Street” de Cathy Kelly. Música de Andries Smith. Duración: 90 minutos.

XXXXX – TERROR DESDE SUDÁFRICA

Toda una curiosidad: desde Sudáfrica llega “La posesión”, basada en el libro “From a house on Willow Street”. En esa calle, habitan un matrimonio cuyo marido es un contrabandista de diamantes (la obtención de diamantes llevan a la esclavización de africanos por parte de compañías europeas; como ejemplo está el film “Diamantes de sangre”) y la hija, millonaria heredera. Un grupo de jóvenes deciden raptarla para pedir rescate, pero no será tan simple a pesar de que la joven los advertirá: hay un espíritu satánico campeando. Es decir, se esconde algo macabro en esa casa y en sus habitantes. Seres asesinados, fantasmas que vomitan sangre, sótano lúgubre. Alastair Orr nos cuenta una historia de género con todos sus clishés, sus gags, pero esto no quita tensión ni perturbación al espectador. Se genera un clima de terror, con los consabidos sustos de cortes de luz, gritos, aullidos, y apariciones espantosas, y la conversión de cada joven en un monstruo. Que obliga a atarse a la butaca. Algo de “El exorcismo” en todas sus versiones y de todos los clásicos del terror está presente en este film que, sin ser sobresaliente, cumple con su cometido: asusta y cómo.

Lo gore, lo desagradable, agregan su horrible cuota mientras la joven heredera desarrolla una fuerza brutal que hace levitar a sus captores hasta asfixiarlos. Su rostro es otro terror más: un ser de ultratumba surcado por negras venas. Para un target bien definido: los adolescentes que aman este género. Impacto visual importante.

Elsa Bragato

EL ÍDOLO

De Hany Abu-Assad. Con Tawfeek Barhom, Kais Attalah, Hiba Attalah, entre otros. Música de HAbib Shehadeh Hanna. Duración: 98 minutos. Nominada a los Premios Oscar como Mejor película extranjera. Palestina

XXXXX - BELLA HISTORIA DE TESÓN

Basada en hechos reales, el director palestino Hany Abu-Assad toma la historia del pequeño “Mohammed Assaf” desde su niñez (un espectacular niño llamado Kais Attalah) hasta su consagración en el ciclo “Arab Idol”, la versión egipcia del “Got Talent” americano y europeo, es decir, en sus diferentes versiones. Pero Muhammad vive en Palestina y cumplir con sus sueños, ayudado por su hermana y dos amigos más, es algo casi imposible. Ser músicos, cantar, está reducido al canto en las mezquitas de este pequeño con voz sobresaliente. Aún con el paso del tiempo y una serie de sufrimientos familiares, continúa soñando con ir a El Cairo y participar del famoso concurso. Nada es fácil. Vive en Palestina, no tiene Visa para Egipto, y sus compañeros de culto consideran su vocación como un pecado por lo que es perseguido.

Es una narración emotiva, con pinceladas fuertes del entorno familiar y social del pequeño y luego adolescente Muhammad, la pobreza casi extrema, la falta de recursos, la perseverancia de ese grupo de chicos de hacer música en casamientos y fiestas para ganar algo de dinero. Encuentran en sus padres mucha comprensión pero no es la que existe a nivel social.

El sueño de Muhammad, que encanta con su voz cantando las melodías orientales con singular afinación, poco a poco se convierte en el de la comunidad en la que vive. No le falta nada, salvo cumplir con su sueño.

La narración mantiene un ritmo más que atractivo, atrapa al espectador, emociona, duele en algunas secuencias, arranca lágrimas en otras. Hay parlamentos sublimes como, por ejemplo, cuando Muhammad dice: “Las aspiraciones son iguales, comunes a todos los pueblos, pero no nos damos cuenta”, o el latiguillo que repite con su hermana en una situación lìmite: “Seremos grandes y cambiaremos el mundo”.

Suspenso, emoción, ritmo, y una sentida humanidad en estos niños inteligentes que tienen sueños como cualquier otro chico del mundo, le dan al film de Abu-Assad hondura existencial.

Elsa Bragato

MÍO O DE NADIE

De Denise Di Novi. Con Rosario Dawson, Katherine Heigl, Cheryl Ladd, entre otros. Música de Toby Chu. Duración: 95 minutos.

XXXXX - VENGANZA FEMENINA

La venganza femenina es un tema recurrente, especialmente entre los hombres. Siempre se afirma que lo mejor es no tener el despecho de una ex, novia, amante o esposa. En el caso de “Mío o de nadie”, el título en castellano explicita la historia que se va a ver. Funciona como un thriller para televisión, un telefilm. Pero… funciona.

Una bella mujer, encarnada por Katherine Heigl, recientemente divorciada, no acepta a la nueva compañera de su ex marido, la estupenda afroamericana Rosario Dawson, y mucho menos que se haga cargo de su pequeña hija durante algunos días. Los celos van creciendo y también el ritmo narrativo que incursiona directamente en el thriller “gore”, se despista hacia el sexo virtual en escasa dosis (por suerte), y termina como una tragedia shakespeareana.

A pesar de la moralina y de los clishés, el film atrapa por su buena narración, sin pausa. La actuación de George Stults como el ex marido que no sabe a quién creerle, es buena si bien no llega a ningún climax histriónico. La pequeña Isabella Kai Rice compone a la hija del ex matrimonio que debe afrontar los celos de su madre mientras se adapta a la nueva esposa de su papá.

La venganza es el manjar de los dioses, así dicen, pero muchas veces se transforma en el infierno de un grupo familiar. Esto más que conocido por todos no hace mella en esta película previsible y ágil que no provoca una explosión de existencialismo pero funciona, dejando un mensaje bien claro: la diferencia entre los celos normales y la frustración de una mujer, y la psicopatía, más común de lo que se cree. La historia se defiende muy bien.

Elsa Bragato

LOS PADECIENTES

De Nicolás Tuozzo. Basada en un libro de Gabriel Rolón. Con Benjamín Vicuña, Eugenia Su´`arez, Pablo Rago, Angela Torres, Luis Machín, Nicolás Francella, entre otros. Música de Sebastián Escofet. Duración: 116 minutos.

XXXXX –MÁS QUE DECEPCIONANTE

Si bien el psicólogo y escritor Gabriel Rolón tuvo que ver con la adaptación de su tercer libro, Los padecientes, junto al director del film, entre otros colaboradores, algo pasó en el camino porque la narración es fragmentada, confunde, mientras se intenta seguir el hilo de la historia.

El cuerpo de un rico empresario es encontrado en una laguna y se culpa a su hijo quien ha tenido brotes psicóticos, por lo que está internado. Pero para llegar a él, aparece primero su hermana (Eugenia “La china” Suárez), en el consultorio de un famoso psicólogo (Benjamín Vicuña), pidiéndole que lo salve de ir a la cárcel por su condición mental.

A partir de allí, comienza la incredulidad del espectador: la historia se enmaraña, aparecen personajes de todo tipo y color, la cámara recorre distintos espacios (consultorio, clínica psiquiátrica, gimnasio de boxeo, confiterías, mansiones, entre otros) en un sinfín que confunde. La tensión generada al comienzo se diluye rápidamente en largos parlamentos declamatorios de algunos personajes, mientras se agiliza cuando actúan Osmar Núñez, Benjamín Vicuña, Pablo Rago, o Luis Machín. Incluso la joven Angela Torres encarna un convincente rol de hija de un depravado. Pero está el latiguillo de la moraleja: hay que terminar con los violadores familiares, hoy se encontró a uno asesinado, pero quedan muchos más…

La belleza del rostro de Eugenia Suárez no compatibiliza con su falta de formación actoral, la carencia de toda convicción, y resulta menos creíble cuando intenta ocupar el personaje de una paciente de quien es su pareja en la vida real. Si alguna duda quedaba, ésta se desmorona sobre el final por el guiño amoroso entre los dos.

Por otra parte, hay que rescatar la narración de Tuozzo que utiliza muy bien todo tipo de tomas, incluso las toma-secuencias, los planos subjetivos, y trabaja con el pasado y el presente de los personajes con gran agilidad. Sin embargo, el ritmo cae cuando el atribulado psicólogo (Vicuña) va entrevistando a los familiares del occiso, en charlas interminables, cámara de plano y contraplano, y una exasperante psicología barrial que va descubriendo en cuadros, en gestos, de los integrantes del muerto.

Félix Mendelsshon es el convidado de piedra: su maravilloso concierto para violín en mi menor, Opus 64 (1844), es el sueño del personaje de Angela Torres. Aquí nos detenemos porque la orquesta que lo interpreta con ella como solista está doblando a la maravillosa San Martin in The Fields. Así se descubren músicos que no mueven el arco ni los dedos, o sea son extras, y a una Angela Torres que no sabe poner el arco, aunque su personaje reconoce que es el secreto del sonido.

Lamentablemente, se cae en el golpe bajo: el occiso no solo violaba a sus hijas sino que realizaba orgías entre sus pares, por lo que los relatos de los personajes están plagados de escenas sexuales, siendo una de las más fuertes la que protagonizan Luis Machín como el depravado padre con su hija en la ficción, la China Suárez. En dirección actoral, se cuidó muy poco en algunas secuencias a Nicolás Francella quien merece otro tipo de oportunidades.

La película es desangelada. No produce empatía. La narración es fragmentada, hay demasiada impostación y exageraciones visuales que dificultan la comprensión, aunque sea previsible desde el comienzo. Salta el “pivot” central: es éste, no, el asesino es el otro, no, tampoco. Hasta que cae en el que todos hemos pensado desde el inicio de la proyección. Para esto, se atravesó por un largo camino que quebró muchas buenas actuaciones o al menos intento de hacerlas. Una gran decepción.

Lo peor:

1.-Pablo Rago intentando cantar cante jondo.

2.- el doblaje de una gran orquesta británica incluyendo a figurantes.

3.- la fragmentación del relato

4.- la aparición de personajes sin ton ni son (la mujer del bar, el hombre “de la noche”, el abogado boxeador, entre otros).

5.- el golpe bajo reiterado (orgías)

6.- la desviación del eje de la historia

Entre otros elementos sin conexión.



Elsa Bragato

 

JUEVES 20 DE ABRIL DEL 2017.-

Menos películas que otros jueves, llegan siete estrenos a nuestros cines. Esto se debe al éxito de “Rápidos y furiosos VIII” y al de “La Bella y la Bestia”. Ambas han logrado, en escasos días, más de un millón de espectadores.

Entre los estrenos de este jueves está la película inglesa “La morgue”, de André Ovredal, que ubica el terror en un lugar poco común desde donde el miedo está de entrada. El cadáver de una joven llega hasta la funeraria donde un médico y su hijo, al que está iniciando en esta cuestión de “destripar” cadáveres, deben encontrar la razón de la muerte de la desconocida. En las morgues de las ciudades los muertos se quedan quietitos. Aquí, una morgue de ficción, el cadáver de la joven asusta ya desde la expresión de su rostro y generará un sinfín de sustos. Sin exageración, es un buen film para amantes del género.

“Chávez infinito” (XXXXX) es un documental sobre el ex presidente de Venezuela Hugo Chávez realizado por la directora argentina María Laura Vázquez, ganadora de varios premios. Conoció al comandante Chávez, a su hermano, a sus amistades, sintiéndose atraída por la avasalladora personalidad de quien fuera presidente de Venezuela. Con este documental, le rinde su personal homenaje.

“Anina” (XXXXX)es una animación realizada por Sebastián Santana en coproducción de Colombia y Uruguay, especialmente, en el 2013. Es la historia de una niña de diez años que se llama “Anina Yatay”, o sea sus nombres son palíndromos, se pueden leer de atrás para adelante y viceversa. Una pelea en el colegio la lleva a vivir una “oscura” penitencia. El dibujo es lineal, lográndose no un equilibro estético entre los colores y la animación que resultan más que agradables y atractivos para los niños y los adultos que los acompañan. Recorrió muchos festivales siendo aplaudida de pie por audiencias de adultos. Se trata de una historia blanca, un entretenimiento válido, simpático y querible.

“Lapsus” (XXXXX) es la ópera prima de Néstor Napolitano, quien también es el protagonista “Javier”, un hombre que tiene “lapsus” de memoria cayendo en extraños estados donde ve crímenes que, de alguna manera, se relacionan con él. La película tiene valor por el desarrollo del personaje principal. El resto tiene una factura muy modesta, aunque hay secuencias donde la fotografía evita la rutina narrativa. Tiene los pro y contra de toda ópera prima, sin pretensiones.

 

LA NOCHE QUE MI MADRE MATÓ A MI PADRE

Guion y dirección Inés París. Con Belén Rueda, Eduard Fernández, Diego Peretti, María Pujalte, Fele Martínez, Patricia Montero, entre otros. Música de Arnau Bataller. Duración: 93 minutos. España.

XXXXX- VODEVIL PARA PASAR EL RATO

De vasta experiencia como guionista y directora de cine y televisión, la española Inés París encontró el tema de esta comedia en una cena de Navidad. Cambió solamente la fecha del calendario, y dio rienda suelta a su imaginación para esta historia de vodevil con “puertas” risueñas, plagadas de enredos, humor negro y abundante ironía.

Solo son seis personajes en escena que incluye la presencia del actor argentino (así presentado) Diego Peretti. Estamos frente a un escenario estático, como si fuese un escenario, un teatro, que va oxigenándose a medida de que ocurren sucesos diversos, algunos gags muy logrados, otros no tanto. Lo positivo es que transcurre en una amplia mansión y eso da aire a la historia y al espectador. La estupenda Belén Rueda compone a una mujer – Isabel - que no quiere verse con años encima aunque los tenga y quiere volver a actuar. De perillas le viene la presencia de una directora amiga y la de un argentino que es actor. El elenco hace una buena performance aunque a uno le hubiese gustado un rol con más “pathos” para nuestro Peretti. Sin embargo, son estos seis intérpretes principales realmente magníficos los que llevan adelante la historia en la que se conjugan una desaforada lucha de sexos, infidelidades, y una situación que los desmadra.

Solo la mano firme y experimentada de la realizadora Inés París logra su cometido, es decir,  hacer reír, producir enredos, encuentros no deseados, velados reproches. Comedia ligera, de entrecasa, tiene una excelente puesta en escena y una muy buena dirección actoral que le permitió ganar en el festival de Málaga 2016 y obtener el Premio Feroz del mismo año. Para pasar un buen rato.

Carlos Pierre

 

FRANTZ

Guión y dirección Francois Ozon. Con Paula Beer, Pierre Niney, Ernst Stötzner, Marie Gruber, Johann von Bülow, Anton von Lucke, Cyrielle Clair, Alice de Lencquesaing, entre otros. Música de Philippe Rombi; duración: 113 minutos. Francia-Alemania. Hablada en Alemán y Francés.

XXXXX- EL REMORDIMIENTO DE UN INOCENTE

“Frantz” es la remake de la película estadounidense “Broken Lullaby” de l932, dirigida por Ernst Lubitsch y protagonizada por Nancy Carroll y Lionel Barrimore. Francois Ozon etoma aquella historia de postguerra, de culpa y perdón, de remordimiento y amor, en una narración diferente cargada de sutilezas y enmarcada en un riguroso blanco y negro para añadir el color solo en secuencias muy puntuales.

Francois Ozon realiza una narración de enorme sutileza dramática, haciendo recaer el peso protagónico en Paula Beer y su personaje de “Anne”, la novia que lleva flores a la tumba de su prometido muerto en guerra (Frantz). Es también una versión libre que realiza Ozón del film de Lubitsch, a su vez basado en la obra teatral “L’homme que j’ai tué”, de Maurice Rostand (1932).

En principio, hay una soberbia recreación de la Alemania y Francia en 1919, luego del armisticio celebrado entre los dos países, y en el que Francia salió triunfadora de la sangrienta guerra de trincheras, luego de la batalla en El Marne.

Pascal Marti (obtuvo Premio a la Mejor Fotografía en los César 2017) es el fotógrafo que realiza una obra de excepción, conmovedora, utilizando las luces y sombras del blanco y negro, con breves  pincelazos de color como apuntamos antes. Amerita recordar que este mismo procedimiento lo utilizó Francis Ford Coppola en “La ley de la calle”, asombrando entonces al espectador.

En casi dos horas, sobrevuela un peso dramático donde, en medio de sentimientos encontrados, aparece un romanticismo agrio y dulzón. La recorrida por lugares típicos de Europa añaden secuencias muy atractivas pero, al mismo tiempo, con subliminales mensajes: zonas de Alemania, de Francia, el Museo del Louvre y el cuadro “El suicidio”, de Edouard Manet, además de una interpretación de “Scheherazade”, de Nicolás Rimsky-Korsakov, en la Ópera de París, detalles narrativos no azarosos que juegan en la historia de los protagonistas.

Para Francois Ozón, esta historia ya contada tuvo dos pivots que él extrajo con suspicacia: “Anne” como eje de la historia y el título original del primer film, “Broken Lullaby”, algo así como el quiebre, la ruptura, de la canción de cuna, ese arrullo melódico, en este caso, que resuena en el alma del soldado francés Adrien (Pierre Niney) ante la tumba del soldado alemán Franzt (Anton Von Lucke). Adrien está cargado de culpa, de remordimientos, porque, un enfrentamiento no buscado por ellos terminó en la muerte de uno de los dos jóvenes. La sinrazón de la guerra, el dolor de los que quedan, la sutileza de enamoramientos que complejizan el drama de los que quedan, son solo algunos temas que, a partir de corrazones quebrados Ozón narra, para ir descubriendo ese secreto que une a estos tres seres como vector irreductible de una historia que bien pudo ser otra.

Aún con cierto convencionalismo, la historia resurge a cada instante porque cada personaje lleva su carga de dolor, de mentiras piadosas, la necesidad del perdón y la misericordia, en una denuncia implacable a los gobiernos que han hecho de la guerra, de la matanza de sus propios hijos, un bastión de poder, de sujeción, de piratería de vidas humanas, en actos salvajes e impiadosos.  El objetivo de Ozon está cumplido: aún con romanticismo y alguno que otro clishé, conmueve.

Carlos Pierre

 

DÍA DEL ATENTADO

Dirección y guión Peter Berg. Con Mark Wahlberg, Devin Bacon, John Goodman, J.K. Simmons, Michelle Monaghan, entre otros. Música de Trent Reznor y Atticus Ross. Duración: 130 minutos.

XXXXX- IMPACTANTE RECREACIÓN DEL ATENTADO EN BOSTON

Peter Berg, reconocido por su actividad documentalista así como por películas como “Deepwater Horizon” y “Lone Survivor”, rinde homenaje a las víctimas del atentado durante el Boston Marathon, ocurrido en abril del 2013. El centro de la conservadora ciudad, miles de personas se reunieron para el evento deportivo más célebre y antiguo de los Estados Unidos. Varios desafíos enfrentó el avezado director: desde el tributo a las víctimas, hasta la resolución de las secuencias de los terribles hechos de la manera más verosímil, y, en esto, evitar la caída en lo gore o aparatoso solo por buscar más taquilla. De allí que se valora su rigurosidad narrativa y bien documentada de este atentado terrorista que dejó 3 muertos y 260 brutalmente heridas y hasta mutiladas.

El film alterna escenas recreadas con las filmaciones reales de ese día que registraron las cámaras de seguridad impregnando el relato de tal contundencia que hace sentir el intenso drama vivido. La policía local y el FBI concurrieron en forma inmediata a buscar a los terroristas que fueron dos, residentes de esa ciudad, uno caucásico y el otro de origen árabe, con tres encubridores. Armaron bombas caseras y las ubicaron en el suelo por lo que la explosión causó aún más daño físico, brutal y sangriento. Un detalle, de los tantos que tuvo en cuenta Berg, es la sobreimpresión de la fecha y hora del luctuoso hecho por lo que el espectador puede saber que recién al quinto día de búsqueda las autoridades pudieron atrapar a los terroristas.

Mark Wahlberg compone a un policía nativo de Boston quien, como conocedor al dedillo de los rincones de la ciudad, es el eje del relato. Wahlberg es el actor “fetiche” de Berg, protagonista de varios de sus films más reconocidos. En este rol, debe acompañar a los agentes usando hasta el chaleco color limón para salvaguardar el lugar de los hechos.

El equipo que protagoniza al FBI está encabezado por Kevin Bacon, otro de los actores renombrados de Hollywood. Ambos equipos de investigadores, los locales y el federal, tienen a su alcance tecnología de punta y equipamientos sofisticados que permiten trabajar con rapidez y eficiencia. Las persecuciones, los enfrentamientos, tienen una coreografía precisa, que resulta vital, fuerte, enérgica, para la narración. La cacería de los terroristas está descripta de manera puntillosa, lográndose un clima de thriller intenso, sin que se pierda jamás el sentido de la recreación de un hecho dramático para la Humanidad, es decir, sin transformarlo en una parafernalia hollywoodense.

Por sobre toda la narración, está la reivindicación de la unión y el orgullo de los bostonianos por su ciudad, tan especial y diferente a muchas otras de los Estados Unidos, con sus centros universitarios y sus escuelas de música. El film atrapa porque los acontecimientos se suceden con vitalidad, las secuencias tienen perfección cinematográfica, logrados por una cámara segura y una rigurosa preproducción. No deje de verla.

Carlos Pierre