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COMENTARIOS DE CINE
 


ELSA BRAGATO Y CARLOS PIERRE

 

*Colaboración del crítico y productor Carlos Pierre

http://www.elsabragato.blogspot.com  El site de Elsa Bragato

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JUEVES 12 DE ABRIL DEL 2018.-

Varios estrenos que vienen con premios importantes, por lo que la cartelera de cine del país se enriquece con autores: Coixet y Cantet, además del argentino Blaustein. En medio de ello, hay otros films que completan el menú con animación para los chicos y terror para los jóvenes y adultos. A último momento se exhibe el film uruguayo “Mi mundial”, así como DVD de ballets. Los cambios en los estrenos previstos para este jueves no son responsabilidad de quienes escriben en esta sección.

 

PLOEY

De Arni Asgeirsson. Música de Athli Orvarsson. Animación Islandesa para los mas chicos.

XXXXX-SOLO PARA LOS CHIQUITINES…

Un pequeño pajarito que no aprendió a volar ve cómo su familia emigra al llegar el otoño y debe enfrentar todo tipo de enemigos en medio de un invierno muy crudo. Se trata de una animación bien hecha que se ubica en el paisaje islandés, con crudos inviernos. El pequeño “chorlito” sufre el abandono involuntario de su familia pero la suple con diferentes compañías y enemigos. Las coloridas animaciones, la buena banda sonora y la simpatía ñañosa del pajarito diluyen ese tono amargo que viene desde la época del “Dumbo” o “Bambi” de Walt Disney, incluyendo la fantástica “Nemo” de este siglo: el golpe de dolor que los pequeños protagonistas animados padecen al perder a sus padres por muertes violentas o bien porque los olvidan. Mayor crueldad, imposible! Para chiquitines, para ver en familia. Agradable. Y una más…

Elsa Bragato

 

VERDAD O ATREVIMIENTO

De Jeff Wadlow. Con Lucy Hale, Tylor Posey, Violett Beane, entre otros. Música de Matthew Margeson. Duración: 100 minutos. UIP.

XXXXX- SUSTOS REPETIDOS

Pocas películas de género nos ofrecen algo nuevo. Es cierto, todas consiguen asustarnos en algún momento pero sentarse en la sala y comenzar a ver lo mismo aburre: jóvenes que reúnen para iniciar juegos, o de adivinanzas o como éste de Verdad o Atrevimiento. Nada nuevo bajo el sol, salvo los protagonistas y los sustos que parecieran ser diferentes porque los actores no son los mismos de otros films de terror, pero nada lo es.

Sí debemos señalar que “Verdad o Atrevimiento” tiene un buen elenco. Los chicos, como en todos los films de terror, son buenos actores y éste viene a ser un primer paso para ingresar al mundo del cine de Hollywood. Oscuridad, reuniones sombrías, alguien que es poseído porque el jueguito se las trae, y maldiciones por doquier además de seres sobrenaturales que empeoran las situaciones. En verdad, los adolescentes son fans de estas películas por lo que una versión nueva de lo mismo siempre les viene bien.

Elsa Bragato

 

LA LIBRERÍA

De Isabel Coixet. Con Emily Mortimer, Patricia Clarkson, Bill Nighy, James Lance, entre otros. Música de Alfonso de Vilallonga. Fotografía de Jean Claude Larrieu. Coproducción España, Reino Unido, Alemania, y empresas cinematográficas. Duración: 115 minutos.

XXXXX- COIXET, LA MUJER DE LOS DOS GOYAS

“La librería” es una trasposición del libro homónimo de la escritora inglesa Penélope Fitzgerald, con fuerte tono autobiográfico. Isabel Coixet regresa a la pantalla con esta estupenda realización luego de la conmovedora “La vida secreta de las palabras”, obteniendo un segundo Goya.

Nos cuenta la historia de Florence Green (Emily Mortimer), quien abre una librería en un pueblo de Inglaterra. Y esta decisión le acarrea un sinnúmero de problemas entre los pobladores, desde la envidia hasta el rechazo absoluto. El estilo de la catalana Isabel Coixet no es enfático sino terso. Va enhebrando gestualidades y diálogos, actitudes y hechos de los protagonistas de manera envolvente, como estirando de un hilo invisible que concatene toda la historia. Nada es abrupto pero todo es potente, movilizador. Los desenlaces son fundamentales en el cine de Coixet, dueña de un estilo que puede atrapar aunque no a todos.

Coixet vuelve a trabajar con elenco extranjero basándose en un libro inglés de Fitzgerald, novelista tardía de buen trazo. Es decir, una historia de mujeres contada con fuerza interior aunque envuelta en una aparente morosidad narrativa. Emily Mortimer es la protagonista perfecta. Bella historia, para ver y disfrutar, aunque de menor impacto que “La vida secreta de las palabras”:

Carlos Pierre

 

RAMPAGE, LA DEVASTACIÓN

De Brad Peyton. Con Dwayne Johnson, Naomíe Harris, Malin Akerman, Joe Manganiello, entre otros. Fotografía de Jaron Presant. Montaje de Jim May. Música de Andrew Lockington. Duración: 107 minutos.

XXXXX-PASTICHE DE MONSTRUOS

El esfuerzo y la inversión en este tipo de “supertanques” se está agotando. Ya no hay ideas propias y se recurre, desde hace tiempo, a los videojuegos de los 60, como en este caso: Rampage fue creado en 1986 por Midway Games y tuvo un crecimiento y transformación de su plataforma y monstruos hasta 1996. Hollywood la llevó a la pantalla grande en un menjunje que solo puede agradar a quienes nunca vieron explosiones, destrucción de ciudades ficticias, o desconocen a Godzilla o no se enteraron de la existencia cinematográfica de King Kong. Todos están en este super resumen protagonizado por Dwayne Johnson, que venía muy bien con “Jumanji”. El forzudo actor fue el protagonista de un gran desastre llamado “San Andrés” referido a la fractura homónima sobre la que está asentada California. Y Brad Peyton fue su director. La conclusión es un silogismo facilísimo.

En este caso, su personaje David Okoye, primatólogo, amigo de un gorila albino, y luchador contra la caza furtiva en Ruanda. La acción se localiza en San Diego donde hay un santuario de gorilas. “Algo” explota en el espacio y los contenedores de activos mutadores genéticos caen a tierra. Obviamente, los gorilas serán atacados y hasta una cocodrillo llamada Lizzie surgirá como monstruo en las aguas del río Chicago en esa ciudad. Nada se puede aportar salvo indicar que el poderío aéreo de los Estados Unidos se pone en juego contra las tres bestias que empiezan a destruir Chicago,. La lucha entre Lizzie y el gorila albino George es brutal, encarnizada, y sin sentido. Fuera de esta lucha está el lobo gigantesco Ralph, muerto en “combate”. Es realmente desagradable el desenlace y el final del film, con chistes tontos e insólitos en medio de una masacre y una ciudad destruida. Se nos ocurre pensar que el joven director Peyton trabaja como en fábrica: su actor preferido es Dwayne Johnson a quien dirigió en San Andrés y en Viaje al centro de la Tierra 2. En Rampage no ofrece variación. Tampoco Johnson, que solo cambió de remera… Trazos gruesos, ruidos ensordecedores, aullidos, chistes de mal gusto y punto final.

Elsa Bragato

 

FRAGMENTOS REBELADOS

Documental de David Blaustein, 2009

XXXXX-RECONSTRUCCIÓN DE LA HISTORIA RECIENTE

El reconocido documentalista David Blaustein esperó casi 10 años para que “Fragmentos rebelados” llegase a los cines, al menos al Gaumont. Con mano firme va de lo general a lo particular, la historia de los montoneros a la de uno en especial, el cineasta Enrique Juárez, desaparecido por el proceso militar del 76. Su hermano Nemesio y sus tres hijos van armando la historia, uno de aquellos años de fuego, los otros sobre el padre que no pudieron disfrutar y que extrañan.

Si bien se rescató de las latas carcomidas por el óxido fragmentos de películas inacabadas de Juárez (en Ya es tiempo de violencia actuó Mario Pasik, escena rodada en el Parque Lezama, sobre un enfrentamiento entre montoneros y el ejército) subyuga, hace la diferencia, la mirada del realizador sobre el sentimiento de sus hijos, los dos primeros habidos con su primera esposa y el tercero, con la segunda, muerta por el proceso en Rosario. Es aquí donde el documental logra su mayor efectividad: el mayor de los hijos se pregunta por la decisión de vida de su padre pero recapacita y termina aceptándola con lágrimas en los ojos. Los otros dos hermanos manifiestan esa necesidad potencial de haber convivido más con Enrique, un padre que, por ideales, estuvo ausente o, en el mejor de los casos, escapando de la muerte de casa en casa con sus hijos. Conmovedora reconstrucción de época y de vida.

Nota de Redacción: Enrique Juárez dejó el corto “La desconocida” (1962), el mediometraje “Ya es tiempo de violencia” (1969, sobre el Cordobazo) y “No a la guerra”, así como algunas entrevistas que le hicieron.

Elsa Bragato

 

EL REENCUENTRO (LAST FLAG FLYNG)

Dirección y guion de Richard Linklater. Novela de Darryl Ponicsan. Con Steve Carell, Bryan Cranston, Laurence Fishburne, J.Quinton Johnson, Yul Vázquez, Deanna Reed-Foster, entre otros. Música de Graham Reynolds. Edición de Sandra Adair. Duración: 124 minutos.

XXXXX-FUERTE CRÍTICA A LA BUROCRACIA MILITAR

Richard Linklater retoma la historia del film “The last detail”, de Hal Ashy, de 1973, cuando dos veteranos deciden cumplir con una misión personal luego de combatir en Vietnam. Cuatro décadas después, en el fuerte invierno neoyorquino, Doc (Steve Carell), ex marine, se reúne con sus antiguos camaradas, para enterrar a Larry, su joven hijo muerto en la guerra de Irak: el dueño de un bar llamado Sal (Bryan Cranston), y Mueller (Laurence Fishburne), ahora sacerdote protestante. La idea del Ejército es enterrar a Larry como héroe en Arlington, pero los tres ex soldados descubren que no murió en combate sino que lo mataron por la espalda: para ellos, ser héroe es morir combatiendo por lo que deciden enterrarlo junto a su madre, obviamente en otro cementerio. Y se produce un enfrentamiento arduo con el mando del ejército norteamericano.

El estilo de Richard Linklater es discontinuo y hasta falto de cierta sutileza por lo que los personajes no parecen creíbles, al menos en buena parte de la narración. En esta suerte de road movie con charlas entre veteranos se va perdiendo la esencia de la propuesta. La atractiva severidad inicial se diluye en 124 minutos difíciles de sostener, baches narrativos que son salvados por las actuaciones especialmente de Steve Carell y Laurence Fishburne. En líneas generales, la historia es una fuerte crítica a la burocracia de las fuerzas armadas norteamericanas, al gobierno y su política exterior, y el rechazo a las guerras en sí mismas. En síntesis, es una película ambiciosa lograda a medias.

Nota de Redacción: Richard Linklater es el director de Antes del amanecer/atardecer/de la medianoche; Escuela de Rock, entre otros films exitosos.

                                                                       Carlos Pierre

 

L’ATELIER

De Laurent Cantet. Con Marinia Fois, Matthieu Lucci, entre otros. Música de Bedis Tir. Guión de Robi Campillo y Laurent Cantet. Fotografía de Pierre Milon. Duración: 114 minutos.

XXXXX-DIÁLOGOS QUE SUPERAN LA TRAMA

La cultura francesa se asienta en su pasado filosófico: los diálogos de los films tienen consistencia, vitalidad, inteligencia. Nada es tonto o baladí. L’Atelier vuelve a demostrar la maestría de los franceses para el diálogo en las ficciones. Utilizando el método deductivo en la narración, Cantet y Robi Campillo trabajan la idea de un grupo de alumnos seleccionados para concurrir a un taller de literatura dirigido por una excelente novelista. Deben, entre todos, escribir una novela policial. Olivia (Marina Fois) hace participar a todos los alumnos, sobresaliento Antoine (Mattheiu Lucci) con ideas sangrientas y planteos sociopolíticos que escandalizan a sus compañeros, entre los que hay africanos, musulmanes, judíos. Un asesinato es el tema elegido por todos. La cuestión es cómo lo plantearán en la narración.

Es aquí donde se plantea lo más interesante, siempre y cuando se esté interesado en la literatura y la filosofía: el enfrentamiento ideológico y sensual entre Olivia y Antoine. La vida de Antoine, la fusión entre autor y personajes, la complicada realidad francesa que permite debatir entre asesinato, terrorismo y lucha armada, son conceptos que entran en juego así como la discriminación racial y religiosa.

Con cierta previsibilidad, llega el desenlace que nos prepara para un doble final. Es una película especial, inteligente, que plantea temas de rabiosa actualidad a través de un lenguaje sencillo pero inteligente. Es que Laurent Cantet es el autor de “Entre les murs”, otra película basada en la educación de los pequeños en un pueblo de Francia, haciendo honor a los orígenes de su familia. Es decir, la enseñanza como elemento fundamental de la vida para orientar a los que recién llegan a este mundo. Y sin dudar los diálogos superan la acción y las actuaciones, aunque sean excelentes.

Elsa Bragato

 

CANDELARIA

De Jhonny Hendrix Hinestroza. Con Verónica Lynn, Alden Knight, Manuel Viveros, Diego Martin Tomatis, entre otros. Fotografía de Soledad Rodríguez. Dirección de arte de Celia Ledón. Montaje y edición de Anita Remon, entre otros. Música de Alvaro Morales.  Duración: 88 minutos. Coproducción Argentina, Colombia, Cuba, Alemania y Noruega.

XXXXX- HISTORIA QUE TOCA EL CORAZÓN

La propuesta del colombiano Jhonny Hendriz Hinestroza (co la “h” tal como está) es rara y conmovedora. No estamos acostumbrados a pensar que los mayores de 60 años siguen amándose y menos aún que luego de los 70 el sexo también existe. Hay un registro bastante reciente del gran Ingmar Bergman titulado “Sarabanda” (danza antigua) donde el amor entre los adultos mayores se muestra sin retaceos. En el caso de Hinestroza, hay pudor y una candidez que enamora: Candelaria (la gran Verónica Lynn, cubana de 87 años) canta en un bar nocturno en La Habana de los 90, luego de la caída de la Unión Soviética y sobreviviendo al hambre. Su marido, Víctor Hugo (Alden Knight, afrocubano, cubano de 82 años) y es lavandera durante el día en un gran hotel. Entre las sábanas de un cuarto, encuentra una cámara filmadora. Y será el renacer de su vida junto a Víctor Hugo al descubrir que pueden filmarse estando juntos. Sin adivinar que están cayendo en un juego perverso: el de las ventas de films privados.

La actriz Verónica Lynn, poseedora de una piel blanquísima, tiene una cálida voz y hace gala de su carisma y de su buen cuerpo. Alden Kinght, por su parte, es muy reconocido en su país y en el exterior, y posee ternura y timidez suficientes para encarnar a un personaje muy especial, que lucha por matar el hambre diario. La rítmica habanera acompaña esta historia de amor adulto que no sobrepasa límites y que encara con crudeza el final de la vida en un mundo poco solidario. “Candelaria” toca el corazón aún con la simplicidad de sus elementos narrativos, muy bien utilizados, a través de dos grandes artistas como protagonistas y de un director que optó por la sutileza antes de caer en el trazo grueso. Recordemos que recibió el premio al mejor film en el Venice Days Awards del año pasado, el festival de cine independiente de esta ciudad italiana.

Elsa Bragato

 

JUEVES 5 DE ABRIL DEL 2018.-

Pocos estrenos ante la inminencia del BAFICI 2018. Desde tesis absolutamente experimentales hasta salas off que, desde hace un tiempo, se incluyen entre las comerciales. Los objetivos de ambos sitios son diferentes. “Los buscadores”, film del Paraguay, es un ejemplo de lo que no debería suceder: su estreno fue indicado hace un par de meses y recién se concreta este jueves. Además, la crítica internacional la considera una de las muy buenas películas de la industria paraguaya, luego de Las cajas. Entre las novedades está “Tejen”(2014), de Pablo Rabe, primer largometraje, donde el realizador intenta abordar todas las formas posibles en la relación cuerpo y cámara. El film ha recorrido algunos festivales, con buena repercusión. No obstante, hay escenas “inclasificables” que molestan. “Mazinger Z, Infinitu” es la animación de la semana, de Junji Shimizu, que resucita el manga relacionado con los “Mecha” o robots gigantes, basado en la original de Go Nagai (famoso por estos personajes y también por la inclusión del erotismo y la sexualidad en sus producciones). He aquí los estrenos programados. Cualquier modificación es ajena a quienes escribimos en esta sección, habiéndose producido sobre la hora de los estrenos.

 

XXXXX-DEAD END (2016) de Fernando Laub

Se trata de un documental experimental basado fundamentalmente en el arte sonoro. Fernando Laub es un músico de vanguardia, que utiliza las actuales tecnologías para forjar sonidos especiales, un mundo acústico que, en este caso, acompaña la mítica “highway” 66 de California. Es decir, una road movie entre Arizona y Nueva México cuyo basamento argumental es el aporte sonoro de Fernando Laub.  La fotografía es tan intensa como la banda sonora de Laub. Es un documental extraño, diferente porque, en lugar de contarnos con pruebas la vida de alguien o determinados hechos, nos hace vivir una experiencia auditiva con la colaboración de las imágenes. Exactamente al revés.

Elsa Bragato

 

XXXXX-LOS HERMANOS KARAOKE, de Cine Humus

Cine Humus es un colectivo cinematográfico que, desde hace 10 años, produce películas independientes. La narración es muy buena así como los personajes de este film, Mía y Simón -dos cantantes de covers que intentan alcanzar la fama recorriendo oscuros lugares de nuestro Sur-, resultan empáticos, tan absurdos como la historia que protagonizan, provocando hilaridad a partir de la incoherencia propuesta. Un chamán los seduce espiritualmente y el trío empieza a vivir una nueva experiencia en la que la seducción mutua puede cambiar los objetivos. Es una diversión minimalista sin presupuesto millonario y con mucha creatividad. Además de sólidas actuaciones, la fotografía es generosa. Solo se exhibe en el Centro Cultural Recoleta. Los integrantes de la productora, Maru Zapata, Agustín Gregori y Bernardo Francese son también los directores, guionistas y actores.

Carlos Pierre

 

XXXXX - UN LUGAR EN SILENCIO, de John Krasinski.

Con John Krasinski, Emily Blunt, Noah Jupe, Millicent Simmonds, Cade Woodward,entre otros. Fotografía de Charlotte Bruus Christensen. Música de Marco Beltrami. Duración: 95 minutos.

Buscar la vuelta al género, al thriller puro, a la narración sobrenatural, es bastante difícil porque, en principio, todo ha sido mostrado, buscado, propuesto, explicitado. Sin embargo, John Krasinski encontró una hendija para hacernos morir de miedo, estremecernos, con un elemento que no había utilizado aún: el silencio, y su opuesto también, el sonido. Este “twist” dio por resultado “A Quiet Calm”, o sea “Un lugar en silencio” o bien un lugar calmo, agradable, película muy inquietante, que sobresalta. Se centra en la historia de una familia que vive en medio del bosque, en un hogar donde el silencio tiene razón de ser y es el centro del drama que soportan: un mínimo ruido despierta al ser sobrenatural que existe y que los mata si los ubica. El espectador se sentirá en el centro de una trinchera: el menor movimiento despierta a la bestia y no dan ganas ni de sacarle el papel a un caramelo!

El viaje por el terror que propone Krasinski tiene una refinada técnica, detallista, con buenos planos y ese sonido que no debe aparecer y que está dosificado en momentos insospechados. La sorpresa de lo que no debe ocurrir nunca es previsible por lo que los sustos y ese miedo que hace comer las uñas son el resultado de este film en el espectador, bien resuelto, bien narrado. Es decir, cuando se piensa un poco, se hace un potente thriller como éste.

Elsa Bragato

 

LA EDUCACIÓN EN MOVIMIENTO

De Malena Noguer y Martin Ferrari.  Documental sobre los movimientos sociales de América Latina que luchan por educar a sus comunidades y pueblos.  Montaje de Gabi Jaime, Malena Noguer y Martín Ferrari. Fotografía de Malena Noguer. Sonido de Martín Ferrajari. Animación de MaXi Bearzi. Música de Mateo Arce. Coproducción con UNTREF Media.

XXXXX-LA EDUCACIÓN COMO PROPUESTA DE VIDA

“La educación en movimiento” es un documental intenso que, como road movie, se interna en nuestro continente para darle luz a los movimientos sociales, o a algunos de ellos, que luchan por sus tradiciones y la educación, la escuela, para sus habitantes. Malena Noguer y Martín Ferrari entre 2015 y 2016 recorrieron 40.ooo km a través de 10 países para visualizar 15 movimientos sociales con más de 100 entrevistas, 300 horas de filmación y 500 días de rodaje. Datos que agradecemos porque enaltecen lo que se ve en pantalla.

Entre los entrevistados están Margarita del Movimiento Campesino de Santiago del Estero Vía Campesina; Aline organiza la producción agroforestal de los Movimiento Sin Tierra. También están las campesinas del Nordeste de Brasil, como los indígenas quechuas de la UNIBOL en Bolivia, la presencia de Ever en Colombia dentro del Consejo Regional Indígena del Cauca, o Blanca de la Escuela Mujeres de Frente en Ecuador, así como las estudiantes del Bachillerato Popular Darío Santillán.

Por sobre al debate propuesto “qué educación queremos para nuestros pueblos”, está la educación en sí misma, que salva a todo ser humano, con orientación al trabajo, la investigación, la tradición dentro de la que se nació. Es el objetivo del documental de Noguer (lic. en Sociología, entre otros títulos) y de Ferrari (profesor de filosofía y ciencias de la educación, entre otros títulos). El documental sintetiza sacrificio, trabajo, de parte de los realizadores y, por sobre todo, la lucha por tener una escuela; en pocas palabras: la educación como propuesta de vida.

(Los realizadores indican que se eligió esta fecha de estreno como tributo al docente Carlos Fuentalba, asesinado en una revuelta producida en Neuquén el 4 de abril del 2007).

Elsa Bragato

 

JUEVES 29 DE MARZO DEL 2018.-

Variados estrenos se ofrecen este último jueves de marzo. Algunas películas nacionales van directamente a los cines o salas fuera del circuito comercial conocido.

1      “PEPO, LA ULTIMA OPORTUNIDAD”, documental sobre el famoso cantante de cumbia realizado por Rubén Castiñeiras, quien sigue el derrotero del protagonista una vez que salió de la cárcel.

 

   “BORRÁ TODO LO QUE DIJE DEL AMOR PORQUE…”, de Guillermina Pico. Documental donde fluyen las imágenes de todo lo que nos rodea.

 

    “COCOTE”, de Nelson Carlo de los Santos Arias. Ficción de la República Dominicana que intenta realizar un estudio antropológico de las diferentes vertientes religiosas, a partir del protagonista, “Alberto”, quien deja la capital para asistir a los funerales de su padre.

4)       “SHERLOCK GNOMES”, de John Stevenson. Música de Elton John  y Chris Bacon. Animación. Los gnomos Gnomeo y Julieta contratan al detective “Sherlock Gonmes”  a raíz de ciertos movimientos extraños en el jardín.

“Sherlock Gnomes presenta una animación con muchos detalles y que resulta tangible… Su aspecto es maravilloso, pero los personajes son planos y aburridos”. De Own Gleiberman, Variety.

“Sherlock Gnomes” ofrece más variedad que su predecesora… El mayor problema es que es un universo cuyas posibilidades parecen limitadas”, de Ben Kenigsberg, The New York Times.

     “UN VIAJE EN EL TIEMPO”, de Ava Du Vernay. Con Oprah winfrey, Reese Witherspoon, Mindy Kaling, Levi Miller, entre otros. Está basada en el libro homónimo de Madeleine L. Engle, escritora estadounidense dedicada a los chicos y adolescentes.

 

“Es extremadamente irregular, tonalmente descontrolada y no tiene suspenso. Confía en la música para dar la conexión emocional que falta y arreglar los agujeros de la trama”, de Peter Debruge, Variety.

“Una decepción… no cautiva ni asombra… Los desafíos que afrontan los exploradores intergalácticos… son típicos, arbitrarios en lugar de orgánicos y, en definitiva, no son interesantes”, de Todd McCarthy, The Hollywood Reporter.

 

READY PLAYER ONE

De Steven Spielberg. Con Tye Sheridan, Olivia Cooke, Ben Mendelsohn, Mark Rylance, Ralp Ineson, entre otros. Música de Alan Silvestri. Fotografía de Janusz Kaminski. Duración: 130 minutos.

XXXXX- SPIELBERG, MAESTRO DEL MUNDO VIRTUAL

Steven Spielberg demuestra, una vez más, su enorme capacidad para captar y desarrollar los mundos actuales, es decir, la realidad y la virtualidad. La historia la ubica en el 2045 en un mundo distópico, donde las ciudades están formadas por casas pobres, encimadas, y la única diversión es el mundo virtual que ofrece “Oasis”. “Wade Watts” (Tye Sheridan) nos cuenta en off cómo se escabulle de la casa todas las tardes para esconderse en escombros y disfrutar del mundo virtual de “Oasis”. Un buen día, aparece el millonario creador que ofrece su fortuna a quien encuentre un tesoro, mediante una serie de pasos difíciles de cumplir.

En este recorrido que surge, Spielberg se maneja en el plano virtual con determinados personajes pasando al plano real con otros, con enorme agilidad narrativa. Van y vienen, pelean, luchan, la cuestión es encontrar esas “llaves” que determinará el ganador del dinero. En este sentido, es bastante previsible. Si bien no hay profundidad, la diversión está asegurada especialmente para los que aman el entretenimiento absolutamente virtual: trae sorpresas…

Más allá del argumento, el acierto del gran maestro del cine es la síntesis que puede realizar de lo virtual y lo real, sin caer en saltos de guion y valiéndose de una recopilación de la cultura pop del cine. Desde “Volver al futuro” hasta lo que uno se pueda imaginar, sin incorporar a “ET” (creación insuperable), aparecen personajes conocidos o que se “asemejan a…” y que, en medio de la distopía propuesta, nos sacan sonrisas y asombro. Es una película para quienes amen el futurismo cinematográfico con fuerte soporte en la cultura de las últimas tres décadas.

Elsa Bragato

 

MARÍA MAGDALENA

De Garth Davis. Con Rooney Mara, Joaquín Phoenix, Chiwetel Ekiofor, Tahar Rahim, Shira Hans, entre otros. Fotografía de Greig Fraser. Guión de Helen Edmundson y Philippa Goslett. Música de Hildur Gudnad{óttir y Johann Johansson. Duración: 120 minutos. Coproducción  Reino Unido, Australia, USA, y Universal Studios Home Entertainment, entre otros.

XXXXX- FUERTE MENSAJE DE FE

Dos grandes actores, Rooney Mara (Carol) y Joaquin Phoenix (Her) protagonizan esta muy diferente historia bíblica, en este caso, sobre “María Magdalena”, la mujer que se unió a los apóstoles considerada “prostituta” (en el 2016 el Papa Francisco prohibió tal calificación), también “esposa” de Jesús y presunta madre de un hijo suyo, según los testamentos apócrifos. Mara es “María” y Phoenix es “Jesús” (ambos son pareja en la vida real desde hace dos años). Es una estética diferente la de Garth Davis que mantiene de principio a fin: sin grandes desplazamientos ni multitudes, con pocos personajes y pocas locaciones también, sin oropeles y fijando la cámara en medios y primeros planos de “María” y “Jesús”, narra la historia del profeta nacido en la tribu de los Esenios desde un ángulo muy diferente. “María” rechaza las convenciones familiares, su matrimonio, y escapa. Encuentra al nuevo “rabino” Jesús, seguido por algunos creyentes, no tienen duda de que es el enviado de Dios. “María” se suma al grupo de los que serán los “apóstoles”.

Es muy interesante el guion elaborado porque no se detiene en largos parlamentos ni en las famosas parábolas de Jesús; toma aspectos muy puntuales como el enojo del Rabino ante los que venden en el templo a cambio de dinero, su problemático desplazamiento por tierras áridas, la extrema pobreza en el ropaje y el dormir bajo las estrellas. En ningún momento, los protagonistas demuestran sexualidad sino encantamiento, admiración mutua.

Judas y Pedro (Tahar Rahim y Chiwetel Ejiofor respectivamente) están bien identificados aunque el realizador no cae en los textos comunes sino en la fantástica gestualidad de Joaquín Phoenix para indicar quién será el traidor y quién el miedoso que lo negará.

La crucifixión, las torturas, la resurrección, están relatadas en secuencias muy específicas, donde María Magdalena muestra su inmenso dolor y su amor por Jesús.

Diferente tratamiento, muy interesante, respeta las posiciones religiosas: “María Magdalena” es una película indicada para estas Pascuas que deja un profundo y movilizador mensaje de fe.

Elsa Bragato

 

THE FLORIDA PROJECT

Dirección y guion de Sean Baker. Con Willem Dafoe, Brooklynn Prince, Bria Vinaite, Caleb Landry Jones, Mela Murder, Valeria Cotto, Christopher Rivera, Macon Blair, entre otros. Fotografía de Alexis Zabé. Duración: 115 minutos.

XXXXX-POTENTE ACTUACIÓN DE WILLEM DAFOE

La crisis económica del 2008 se ubica en La Florida, una de las zonas más apremiadas y, específicamente, en un motel abarrotado. El drama social está allí mientras despreocupados chicos juegan a campo abierto. Sus padres llevan la peor carga: conseguir el dinero para pagar el día a día de la familia y no siempre es posible cubrir todas las necesidades.

Bobby (Willem Dafoe) es el encargado de mantener la armonía dentro del condominio, desde su circunspección y una mirada atenta sobre cada problema que surge. El eje dramático se centra en una madre soltera que se prostituye para poder mantener a su hija, sintetizándose de manera muy pudorosa los extremos a los que lleva la falta de trabajo.

El gran secreto de “The Florida Project” está en el soberbio y eficaz casting, mientras se muestra el grave problema social, cercano a Disneyworld visitado por turistas mientras los chicos del barrio viven ajenos al drama económico de sus padres. La actuación de Willem Dafoe es sobresaliente y contenedora de la trama, valiéndole nominaciones y premios, acorde a una película que no es grandilocuente ni estentórea sino que retrata el fluir de la vida, la cotidianeidad de los que menos tienen, a través de un drama que es avasallante y sobrecogedor. De origen independiente, demuestra una vez más que la sensibilidad volcada en un buen guion puede tener tocante profundidad más que cualquier presupuesto millonario.

Carlos Pierre

 

LA CIAMBRA

Dirección y guion Jonas Carpignano. Con Pio, Damiano, Iolanda, Francesco, Patrizia y Rocco Amato, Sehion, entre otros. Música de  Dan Romer. Duración: 117 minutos. Italia, Francia, Brasil, Suecia y USA.

XXXXX- RETRATO SOBRESALIENTE DE LA MARGINALIDAD

“La ciambra” (La cosecha) es la segunda película del ítaloamericano Jonas Carpignano contando con la producción de Italia, Francia, Brasil, Estados Unidos y la producción ejecutiva de otro paisano: el gran Martin Scorsese. Entre muchos otros logros, fue seleccionada por Italia al premio a la película en idioma extranjero de los recientes Oscars.

Dentro de la comunidad gitana de La Ciambra, en Calabria, un niño de 14 años, Pio Amato –perteneciente a una comunidad gitana de la localidad- intenta asumir el rol de su hermano mayor, encarcelado por hechos delictivos en esa región marginada. Para eso, hay que robar, igual que su hermano. Es joven e inexperto pero la necesidad lo acucia y arma un raid delicuencial robándole a los vecinos de buen pasar económico. La marginalidad lo une a nigerianos y ghaneses y, entre ellos, a Ayiva Koudous (Sehion)quien, además de hacerlo participar en los ilícitos, lo protege.

La secuencia inicial nos muestra a un caballo en soledad que es acariciado por Cosimo, tema de una espléndida metáfora que su hermano de ficción Pio tendrá luego al soñar con la liberación del primero. Sobreviene una narración donde la cámara se adueña del espacio, fizgonea en la iniciación de la adultez de Pio, muestra lo cotidiano, sin preguntas sobre el por qué de tal o cual hecho: terreno tosco, objetos descartables, la marginalidad es interrumpida solamente por las razzias policiales. La curiosidad dramática está dada por la trama basada en el devenir de los personajes donde la aridez y la crueldad saltan a la vista.                                                                      

Carlos Pierre

 

EL INSULTO

Guion  y dirección de Ziad Doueiri. Con Kamel El Basha, Adel Karam, Christine Choueiri, Camille Salameh, Rita Hayek, entre otros. Música de Éric Neveux. Duración: 110 minutos. Líbano, Francia y Bélgica.

XXXXX-UNA GRIETA QUE NO DEBE EXISTIR

Dos personajes bien definidos y antagónicos, uno cristiano libanés y el otro palestino. A partir de una confrontación baladí, se enciende una polémica judicial y familiar que roza lo nacional: un insulto propalado por un capataz palestino a un cristiano libanés a raíz de que un poco de agua se derrama desde el balcón de uno de ellos sobre el otro. Brutal reacción con una trompada al vecino termina en entuertos judiciales. Ni siquiera las esposas de los dos hombres logran apagar la ira y la incomprensión de uno y otro, respectivamente. Surge entonces el odio nacional, el odio ancestral, que no tiene razón de ser alguna.

Con un indeclinable afán de reconciliación nacional, Ziad Doueiri imprime ritmo a la historia con pulso firme superando las divergencias de sus propios personajes. La historia es aleccionadora: dos hombres en pugna por la nada misma y la posibilidad de llegar a una tragedia. Con elegancia, Doueiri trabaja las secuencias que atrapan. Kamel El Basha fue premiado en Venecia como Mejor Actor, así como el público premió al film en Valladolidad y fue nominado a mejor película de Habla No Inglesa en los Oscars 2017.

Carlos Pierre

 

JUEVES 22 DE MARZO del 2018.-

Los estrenos no se agotan. Muchísimos como siempre en nuestro país. Para chicos, grandes y espíritus inquietos, tanto nacionales como internacionales.

La diversión animada llega con “Peter Rabbit”, de Will Gluck. Adaptación del cuento clásico de Beatrix Potter sobre un conejo rebelde que quiere manejar la huerta de un granjero. Para Hollywood Reporter es “considerablemente disparatada y menos encantadora que el Oso Paddington”, apreciación de Michael Rechtshaffen. Y para Katie Walsh, del Chicago Tribune, “la animación es de primer nivel pero el espíritu amable de los libros de Beatrix Porter se mezcla con un tumulto caótico y violento”.

La coproducción de Argentina y Brasil titulada “Amando a Carolina”, de Martín Viaggio, con su actuación y la de Guillermo Pfening, entre otros, llega sin mayor difusión. El periodista nacional Damián Moreno, en “Escribiendo cine”, señala la gran performance de Guillermo Pfenning nuevamente. No olvidamos que ganó el premio al mejor actor en el festival de Tribecca por “Nadie nos mira”.

Hay otra comedia italiana contemporánea, un género muy explotado en esa cinematografía en los últimos años, donde se analizan los sentimientos de las parejas, las idas y venidas cotidianas, los enojos, las infidelidades y, en definitiva, el amor que las sustenta: “Mujer y Marido”, opera prima de Simone Godano, retrata la vida de un matrimonio que lleva ya 10 años de casados y que se encuentran en el día a día con emociones y acciones que los obliga a reaccionar. El futuro de la pareja reside en la solución que encuentren a la rutina conyugal que, no por ser tal, puede ser dañina. Nada nuevo bajo el sol. Tema agotado al que se le buscó una vuelta de tuerca, un “twist”, nada indignante pero nada sobresaliente. EB

 

MÁS FUERTE QUE EL DESTINO (STRONGER)

De David Gordon Green. Con Jake Gyllenhaal, Tatiana Maslany, Miranda Richardson, Clancy Brown, entre otros. Música: Michael Brook. Duración: 116 minutos.

XXXXX-EMOTIVA BIOPIC

La película está inspirada en la verdadera historia de Jeff Bauman (Jake Gyllenhaal), un hombre común que trabajaba en un local de hamburguesas, y asistió al maratón de Boston en 2013 para alentar a su exnovia que corría, convirtiéndose en una de las víctimas del feroz atentado ocurrido.. Al identificar a los terroristas, pasó a ser un héroe, un símbolo de esperanza y de fortaleza de la orgullosa ciudad de Boston porque perdió sus dos piernas.

La película, basada en el propio libro de Jeff Bauman y guionada por John Pollono, noa muestra cómo el mismo Jeff rechaza la heroicidad que la comunidad le impone y que debe sobrellevar. Por otra parte, la premisa de que aquello que no te mata te fortalece es el vector de este drama real que pone sobre el tapete el atentado en sí, las consecuencias sobre uno de los malheridos y la relación con su novia y con su madre, las idas y venidas de la vida en sí. Abanderado del equipo de béisbol de “las medias rojas”, sobresale Jake Gyllenhaal en su compleja performance así como Tatiana Maslany y Miranda Richardson. Sin lugares comunes ni sensiblerías se muestra, con mucho acierto, la lucha de un ciudadano común por restablecer su vida sentimental y su vida cotidiana, a pesar de la minusvalía que padece. Intensa y emotiva porque “Stronger” (Forzudo o una traducción similar) logra fortaleza, fuerza, en la creación de Gyllenhaal.

                                                                      Carlos Pierre

 

LA REINA DEL MIEDO

De Valeria Bertucelli y Fabiana Tiscornia. Guion Valeria Bertucelli. Con Valeria Bertucelli, Diego Velázquez, Darío Grandinetti, Sary López, Gabriel Goity, Anders Hvidegaard, Stine Primdahl, entre otros. Música: Gabriel Fernández Capello y Héctor Castillo. Duración: 107 minutos.

XXXXX- NOTABLE VALERIA BERTUCELLI    

Valeria Bertucelli se lanzó a la dirección además de guionar e interpretar este film que le valió el premio de Mejor Actriz en el reciente festival Sundance. Tiene condimentos de innovación, aires nuevos para el cine nacional bienvenidos a partir de una dirección sólida y audaz. El personaje de Bertucelli es ambivalente, pendular, entre la confianza y el temor, y solo su magnetismo y su fantástica gestualidad y talento logran transmitirnos las vacilaciones e inseguridades de una actriz frente a un estreno. “Robertina” es su rol, recientemente separada de su marido (Dario Grandinetti), frente a un debut que abandona para estar junto a un amigo muy enfermo en Dinamarca.De regreso, sus ideas siguen siendo insólitas: trasladar el viejo árbol seco de su jardín al escenario, aunque no se decide a actuar provocando la reacción del representante y los productores. Es “Robertina” el eje de esta película dada la personalidad de Bertucelli que, en apariencia, es frágil y hasta ingenua, angustiada, llena de miedos, inseguridades: esta zozobra de principio a fin obra como un atractivo potente para el espectador.

Mercedes Scapola, Diego Velázquez, entre otros, rodean a Valeria Bertucelli con enorme capacidad actoral. Y conviven y padecen este pánico que “Robertina” o “Tina” siente, a veces de manera surrealista y estrambótica y otras sobrellevándolo con normalidad.

Hay que aplaudir a Valeria Bertucelli por este lanzamiento suyo como directora, sin olvidarnos de la fantástica actriz que es. Un film nacional insoslayable.

 

Carlos Pierre

 

 

TITANES DEL PACÍFICO: LA INSURRECCIÓN

De Steven S. DeKnight. Con John Boyega, Jing Than, Scott Eaastwood. Música de Lorne Balfe. Cinematografía de Dan Mindel. Producción de Guillermo del Toro. Duración: 111 minutos,

XXXXX- PATÉTICA LUCHA DE TITANES

Hace pocos años, el recientemente ganador del Oscar Guillermo del Toro asombraba con “Titanes del Pacífico”, generando su propia Cosmogonía de monstruos de acero, a la manera de George Lukas, con todas las distancias posibles, por cierto. Transformers, o muñecos gigantescos de acero como androides, similares a Gozillas humanos, son comandados por dos o tres expertos que unen las neuronas a través de un sofisticado sistema y con sus propios movimientos coordinados, a la manera de “la Wii” casera, hacen funcionar a estos seres. Cargados de misiles y energías diferentes y poderosas, ametrallan, derriban edificios, sin mayores consecuencias que las trompadas de acero que se dan. Entonces fue muy atractivo el material de Del Toro. En cambio, nos llega su producción con la dirección de DeKinight, con un guion escrito sin sentido y confuso. Un monstruo, Kaijus, ha quedado en el seno del océano Pacífico y un “jaeger” debe alistarse para enfrentarlo Si se buscan sonidos brutales, banda sonora distorsionada, gritos, derrumbes de edificios, brutalidad de todo tipo, ésta es la película. Innecesario es ahondar en su argumento: decimos que al patriota que falleció en la primera película le sigue ahora su hijo que quiere honrarlo. Diálogos militarizados, gestualidad militar, chicos que se enrolan para defender “al mundo” y un tufillo a “tea party” exagerado que no cae muy bien. Añadimos que Guillermo del Toro quiso que los jóvenes comprendieran los términos “kaiju”, que en japonés significa “bestia gigante”, y “mecha”, que se pronuncia “meca”, vehículo especial que tiene brazos y elementos que le permiten articularse para luchar. Eso es lo que vemos en una seguidilla de peleas que aburren: kaisus y mecas. Y un guiño al brutal atentado del 11 de setiembre del 2001 y al Gozilla original. Muy poco para disfrutar.

Elsa Bragato

 

VENÍAN A BUSCARME

De Alvaro de la Barra. Documental. Fotografía de Carlos Vázquez e Inti Briones. Duración: 84 minutos. Chile.

XXXXX-CONMOVEDOR RELATO SOBRE LA BÚSQUEDA DE LA IDENTIDAD

Hoy buscamos a los nietos de los desaparecidos por el sanguinario proceso que sufrimos, pero no fue solo nuestro país sino que el “experimento” del norte empezó en Chile, y tuvo también entre sus garras al Uruguay, Paraguay y Bolivia. Alvaro de la Barra documenta su propia historia, la de un bebé que fue dejado en el jardín de infantes por sus padres, acribillados a balazos en la esquina del instituto. Sus abuelos lo recibieron y fue enviado a París con otro nombre porque también los milicos lo buscaban para matarlo. De allí pasó a Venezuela donde se reencontró con su tío, Pablo, que lo crió. Y, en Chile, pudo abrazarse a su familia y recibir el certificado en el que el Estado de su país lo reconoce como hijo legítimo de Alejandro de la Barra y Ana María Puga, militantes del MIR asesinados al dejar al bebé en el jardín de infantes.

Films de la época, el París actual, la Venezuela de hoy con su tío, las preguntas sobre sus padres, le permiten reconstruir dolorosamente su propia identidad a manera de rompecabezas. Alvaro pertenece a una familia de cineastas y de actores y esta veta artística es su mayor herencia. En este caso, se propuso, y lo logró, reconstruir su propia vida, por qué fue abandonado en un jardín y por qué se lo envió a París a cargo de una azafata muerta de miedo. La odisea de ese bebé está reflejada en este interesante documental, vívido, emotivo, profundo, con una narración que no decae nunca y que apunta a confirmar las verdades históricas a través, en este caso, de un hecho singular, profundamente conmovedor.

Elsa Bragato

 

OTRA HISTORIA DEL MUNDO

De Guillermo Casanova. Con César Troncoso, Roberto Suárez, Natalia Mikeliunas, entre otros. Fotografía de Gustavo Habda. Música de Hugo Fatorusso y Daniel Yafalian. Duración: 111 minutos.

XXXXX- BUENAS IDEAS

El cine uruguayo tiene escasa producción pero sus películas llevan la marca en el orillo: personajes bien delineados, historias pequeñas pero concisas y bien narradas, y rasgos surrealistas cargados de ironía. Es el caso de “Otra historia del mundo”, película basada en el libro “Alivio de luto”, de Mario Delgado Aparaín. En los 80 también el Uruguay vivía bajo un proceso sanguinario militar. En el pueblo Mosquito donde se desarrolla la historia, se las ingeniaron para mortificar de manera bastante ingenua al militar que les tocó en suerte. Amaba los enanos de jardín así que fue un buen motivo para burlarse. La desaparición de uno de los “revoltosos”, su búsqueda, y la estrambótica clase de historia para el pueblo (“sin mencionar la presente”, orden del milico) agregan elementos interesantes y, por momentos, tan insólitos que provocan hilaridad. Hay un estilo muy propio de los directores uruguayos para hacernos sonreir y reir, como “Whiskey” o bien “El baño del Papa”. Esta película, con menos novedades, mantiene ese tono tan particular y , sin llegar a tanto, resulta muy atractiva y simpática, manteniendo de principio a fin el interés del espectador.

Elsa Bragato

 

JUEVES 15 DE MARZO DEL 2018.-

Once estrenos llegan a las pantallas de cine nacionales. Hay para todos los gustos. Desde la curiosidad de un film paraguayo de muy buena factura, hasta terror gótico irlandés, cine francés, cine nacional, una obra de arte como “El hilo fantasma”, el tanque “Tom Raider”, el regreso de la notable Agnes Vardá a los 89 años, y comedietas para pasar el tiempo.

 

QUIÉN @$X%? ES MI PAPÁ

Del debutante en largometrajes Lawrence Sher, aunque miembro de integrante de otros staff técnicos. Owen Wilson regresa a la comedia junto a Ed Helms, los dos considerados las figuras de la comicidad actual en el cine de Hollywood. Junto a ellos está la oscarizada Glenn Close. El film está prohibido para menores de 15 años.

 

LOS INQUILINOS

De Brian O Malley. Irlanda. Terror gótico y sobrenatural con buenas actuaciones. “…hace buen uso del drama y el suspenso, dejando de lado los sustos más fáciles. Se toma su tiempo para desarrollar la trama y los personajes, pero el final resultó más que satisfactorio y logró cerrar la historia de manera sublime”, de Iván Nicocia, Cinéfilo serial.

 

LOS BUSCADORES

De Juan Carlos Maneglia y Tana Schembori. Paraguay-

“Encantadora pero floja… Aunque es lo suficientemente entretenida y animada. “Gold Seekers” se hunde por no resultar tan centrada o envolvente”. De Jonathan Holland, The Hollywood Reporter.

“The gold seekers” es el tipo de entretenimiento confiado, inteligente y agradable que genera una sonrisa no culpable en tu cara”. De Dennis Harvey, Variety.

 

EL PADRE DE MIS HIJOS

De Martín De Salvo. Comedia argentina. Con Romina Ricci, Mora Recalde, entre otros. Cuenta la historia de Eva, 38 años, que busca un padre para tener un hijo, ser madre, luego de haberse separado. La cuestión no es fácil por lo que se vivirán secuencias de “intensa” búsqueda de la protagonista.

 

CUSTODIA COMPARTIDA

De Xavier Legrand. Francia

“La mezcla es perturbadora como se pretende, y esta desgarradora y vertiginosa película ilustra la violencia doméstica y la obsesión de una manera que el miedo parece real”. De Fionnuala Halligan. Screendaily.

 

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CETÁCEOS

De Florencia Percia. Este film argentino se presentó en el BAFICI y tuvo excelentes críticas. La historia se basa en una joven pareja que se casa, van a estrenar su dpto. y él tiene que viajar por trabajo. Queda la mujer a cargo del armado de ese lugar de vida. Y surgen todas las emociones imaginables, la perplejidad, el asombro, la sensación de vacío, el absurdo de la situación, la incomodidad íntima de no poder resolver tanto de golpe y sola. Elisa Carricaje es la actriz protagónica, quien tuvo también excelentes comentarios sobre su performance como “Clara”.

 

EN PEDAZOS

Guion y dirección Faith Akin. Con Diane Kruger, Numan Acar, Denis Moschitto, Ulrich Tukur, entre otros. Música de Josh Homme. Duración: 106 minutos.

XXXXX-BÚSQUEDA IMPLACABLE

En los primeros años de este siglo grupos neonazis cometieron atentados contra la colectividad turca, establecida sólidamente en Alemania. Basándose en estos hechos sangrientos, el realizador Faith Akin, nacido en 1973 en Hamburgo e hijo de emigrantes turcos, creó un guion atrapante sobre esa virulencia social que le tocó de cerca.

Katja (Diane Kruger), alemana casada con un turco, padece la muerte de su esposo y su hijo de manera repentina. Este hecho la derrumba y solo tiene deseo de justicia porque ella y su hogar están hechos trizas, pedazos. Bien puede dividirse el film en dos partes: la primera, la búsqueda del joven neonazi que, por artilugios legales, es exonerado. Y una segunda parte donde la protagonista sale a buscarlo para demostrar que ha mentido.

La historia es potente y desgarradora. Tremenda cacería de un asesino por una mujer quebrada por el dolor, aunque sus convicciones sigue firmes. Diana Kruger da cuerpo a este personaje femenino al que dota de matices estupendos a través de distintos estados afectivos. Diane Kruger es el eje de esta historia de reparación parcial y es convincente al punto de ser consagrada Mejor Actriz en el último festival de Venecia. Además el film obtuvo valiosos premios en la reciente “Awards Season” de Hollywood. En síntesis, un film doloroso que nos enfrenta con el terrorismo y sus consecuencias en vidas inocentes. Hay que reconocer que no hay novedades sobresalientes, pero la actuación de Kruger y la realización suplen algunas carencias como la sutileza, imposible de sostener frente a actos terroristas.

Carlos Pierre

 

VISAGES VILLAGES

De Agnés Varda y JR. Documental. Música de Mathieu Chedid. Duración: 90 minutos.

 

XXXXX- TRAVESURAS VISUALES DE LA GRAN AGNES VARDÁ

Bienvenida reunión de Agnés Varda con 89 años entusiastas y JR, 33 años, destacado artista urbano y fotógrafo, conocido por obras visuales en calles y tejados de diversas ciudades de todo el mundo. Juntos recorren, en una road movie emocional, los rostros de los habitantes de pueblos franceses.

Agnés Varda, autorreferencial, regresa a su pasado con autenticidad y convicción. Vale recordar sus “Daguerrroutypes” sobre la calle parisina y “Mur murs” sobre los graffiti de Los Ángeles. Muchas décadas después, reinicia sus travesuras visuales junto a un joven artista tan audaz como ella. De esta manera, van desfilando rostros y pueblos, retratados merced a un sistema fotográfico especial, impresas y pegadas con engrudo en paredes, techos. Chiquilinadas artísticas de gran nivel: así aparecen la bella mesera, los criadores de cabras, el cartero, la última habitante de un pueblo minero cerrado, el ermitaño que vive a cielo abierto, el perdido cementerio, el pueblo deshabitado, los pies y ojos de Agnés retratados, impresos y pegados en los enormes tanques de un tren, un bloque de cemento de la segunda guerra mundial, clavado en la arena a orillas del mar, pasado y presente de Vardá. Alguien recordará “La felicidad”, ese film que la lanzó a la fama mundial con un tema de vanguardia: un marido, su mujer y su amante? Ésa es la gran Agnes Vardá. Y algo más: la cita con el enfant terrible de la Nouvelle Vague, Jean-Luc Godard (8u años), bastante esquivo al encuentro, dejando a Agnés y su compinche cinematográfico JR sentados en un banco. El viaje ha sido reparador. Merece una reflexión en silencio. Es una joyita del cine que debe verse.

Carlos Pierre

 

LUCIFERINA

Guión y dirección de Gonzalo Calzada. Con Sofía del Tuffo, Pedro Merlo, Desirée Salgueiro, Victoria Carreras, Tomás Lipán, entre otros. Música: Néctar Música. Duración: 114 minutos.

XXXXX-POSESIONES BIEN AUTÓCTONAS

El realizador Gonzalo Calzada es un referente del cine de terror en la Argentina. Su film Resurrección fue el más visto del género en el 2016. Su propuesta es una saga, La Trinidad de las Vírgenes, y la primera entrega es “Luciferina, La bautizada por el demonio”, proyecto de tono fantástico que narra las historias de tres jóvenes vírgenes víctimas de un estado de posesión.

“Luciferina” es la primera película. Su protagonista es Natalia (Sofía del Tuffo), joven de 19 años con el don de ver el de aura o “luminiscencia” de las personas. Es introvertida, virgen, aspirante a novicia hasta que el suicidio de su madre la obliga a dejar el convento y enfrentar un secreto familiar junto a su hermana y un grupo de amigos. Un viaje iniciático por el Tigre los lleva hasta un chamán que utiliza el “ayahuasca” como método de adivinación y de sanación, dado que Natalia quiere curarse del “don” que posee y que vive como una posesión. Una escena de fuerte tono sexual con su amigo da pie al inicio de la saga que pergeñó Calzada: “Inmaculada” para terminar con “Gótica”.

El planteo de Gonzalo Calzada es muy interesante y diferente dentro del género en nuestro país. Se aleja de los cementerios y almas en pena para investigar el mundo de las posesiones demoníacas, los dones especiales, dándole una vuelta de tuerca refrescante: las protagonistas son vírgenes y poseen dones para nada soportables. El hecho de elaborar una saga también es otra novedad en el cine nacional de terror. Buenas intenciones y mucho más en “Luciferina”… permiten augurar muchos logros en el trajinar cinematográfico de Calzada.

Carlos Pierre

 

 

TOMB RAIDER

De Roar Uthaug. Basada en “Tomb Raider” con nuevos guiones de Evan Daugherty y Geneva Robertson-Dworet. Con Alicia Vikander, Dominic West, Walton Goggins, Daniel Wu, Kristin Scott Thomas, entre otros. Música de Tom Holkenborg. Cinematografía de George Richmond. Duración: 118 minutos.

XXXXX-REGRESO DE UNA HEROÍNA

Angelina Jolie, en el inicio del tercer milenio, 2001, fue Lara Croft, Tomb Raider, llevando al cine el personaje del popular videojuego “Tom Raider”. Y en el 2003 vimos la secuela “Lara Croft Tomb Raider, la cuna de la vida”. Entonces el futurismo había ganado la pantalla. Curiosamente, casi dos décadas después, el personaje Lara Croft regresa con los pies en la tierra, teniendo fortaleza física pero sin futurismo alguno. Ahora es la actriz Alicia Vikander, aquella que subyugó en “La chica danesa”, la heroína. En verdad, cuesta reconocerla, transformada en una muy delgada jovencita de buen entrenamiento físico, que inicia la búsqueda de su padre, Lord Richard Croft, desaparecido hace 7 años. Había salido en busca de la tumba de “Himiko”, que no debía abrirse para evitar la muerte de la Humanidad. Su enemigo es Mathías Vogel, integrante de la oscura “Trinidad”, encarnado por el actor Walton Goggins, quien aspira a lo contrario. Lu Ren (Daniel Hu) es el capitán que ayuda a Lara a encontrar la isla ubicada en las temibles aguas del Pacífico entre Hong Kong y California donde tanto su padre como el de Lara Croft se perdieron.

Lejos de esferas metálicas y extraños vestuarios, Lara es una chica simple que sobrevive a tempestades marinas y a precipicios. Cuesta separar las aventuras de Harrison Ford en la saga “Indiana Jones” de esta nueva “Lara Croft”. Guiños de todo tipo hay hacia las películas de aventuras (“Jumanji” fue la más reciente) en medio de selvas frondosas y zonas rocosas que se abren en precipicios, tumbas secretas que recuerdan la maldición del sarcófago de Tutankamón, y excavaciones temibles a pura dinamita. Es decir, nada nuevo bajo el sol. Resulta, y no se puede ocultar, más que curioso que la actriz “cool” Alicia Vikander sea hoy la nueva Lara Croft.

Elsa Bragato

 

EL HILO FANTASMA

De Paul Thomas Anderson. Con Daniel Day-Lewis, Vicky Krieps, Lesley Manville, Sue Clark, entre otros. Música de Jonny Greenwood. Edición de Dylan Tichenor. Diseño de producción de Mark Tildesley. Duración: 130 minutos.

XXXXX- OBRA DE ARTE TRANSFORMADO EN FILM

Paul Thomas Anderson y Daniel Day Lewis se conocen, especialmente luego de filmar “Petróleo sangriento” por lo que este reencuentro en el cine ha generado una obra maestra que mereció el Oscar tanto como la mas pequeña pero igualmente preciosista “La forma del agua”:

La apuesta de Anderson es la calidad extrema que encuentra en la morosidad de la narración permitiendo que Daniel Day Lewis desgrane una gestualidad que subyuga, sin diálogos, sostenido con la fascinante banda sonora de Jonny Greenwood, entre ensembles de cuerdas y pianos románticos. El famoso modisto postguerra de Londres “Reynolds Jeremiah Woodcock”, viudo, tiene una “maison” a la que visitan la realeza y la gente de fortuna. Lo acompaña su hermana y el grupo de avezadas costureras. El diseñador es maniático, perfeccionista, ama el silencio, trabaja día y noche. Hasta que encuentra en una moza, la tosca y bella Vicky Krieps como “Alma”, que lleva del brazo a su casa y la transforma en su mannequin y amante. Sin buenos modales, rústica, se va acostumbrando a la rigidez de la vida de Reynolds a fuerza de desprecios y noches de soledad hasta que la venganza surge de manera amorosa. Y la lleva a cabo, mientras Reynolds es consciente y establece, sin decirlo, ese hilo fantasma entre su corazón y el de su amada.

Es realmente una joya del cine “El hilo fantasma”, no adecuada para espíritus acostumbrados a lo obvio. Los silencios y la quietud de la cámara en circunstancias específicas logran tomas artísticas de asombroso nivel, con una luminosidad al estilo de Rembrant. El arrobamiento entre ambos amantes es de una belleza indescriptible, intangible aunque captado la cámara de Anderson: el modisto y la moza se aman hasta en ese secreto perverso y seductor que los une. El rubor de “Alma” y su seguridad, la firmeza de “Reynolds” en el oficio y la vulnerabilidad en la intimidad, trasuntan la pantalla.  Ojalá que ésta no sea la última película de Daniel Day-Lewis, tal como el actor anunció y que sea solo el corolario de una etapa de su vasta trayectoria. Inolvidable “Reynolds”, fascinante “Alma”: una pareja que se adueña del corazón. Y, en materia de calidad, lo mejor que hemos visto en mucho pero mucho tiempo.

Elsa Bragato

 

LUCY EN EL INFIERNO

De Ernesto Aguilar. Con Romina Ricci y Emiliano Díaz, entre otros. Duración: 90 minutos.

XXXXX-VERGÜENZA ES POCO

Luego de ver “El hilo fantasma”, “Lucy en el infierno” viene a ser como uno de los círculos que el Dante imaginó para sus enemigos en su obra La Divina Commedia. La idea de la conversión de un hombre en una mujer para que valore el sexo femenino está trastocada y contada con una elementalidad y mal gusto indignantes. Tampoco se entiende cómo Romina Ricci pudo aceptar el papel de esta prostituta embarazada (un globo bien inflado pegado a su panza) que acepta una cita a ciegas con “Horacio”, cancherito y misógino, a quien somete a diversas torturas. Entre ellas, le corta los genitales como buena hija de cirujano que es, dándole a cambio órganos femeninos (un primer plano desagradable). Lo obliga a usar tampones y lo deja libre por la casucha, perdida en medio del campo. Pero hay peones, que no tardan en violarlo, mientras Horacio clama por su masculinidad blandiendo en un frasco sus “partes pudendas”. Puede ser esto cine argentino? Da vergüenza que el cine nacional lleva a la pantalla una historia tan degradante. Clasificarla como “mala” es poco.

Elsa Bragato

 

JUEVES 8 DE MARZO DEL 2018.-

La película de la semana es “I, Tonya”, que obtuvo un Oscar a la mejor actriz de reparto, así como “Invisible”, film nacional de Pablo Giorgelli, el realizador de la memorable “Las acacias” hace 7 años sobre la adolescencia y el aborto. El resto de los estrenos va desde la animación hasta el terror sórdido, pasando por balaceras y ratones simpáticos.

 

LA GRAN AVENTURA DE GAMBA

De Tomohiro Kawamura y Yoshihiro Lomori. Relata la aventura de un ratón de ciudad que desea conocer el océano y así se enfrente a los ratones de agua y a singulares enemigos. Fue realizada en el 2015. Tiene mucho ritmo, acción, aventuras y desventuras ideales para los más chicos de la familia.

 

DESEO DE MATAR

De Eli Roth, actor, productor, guionista, director. Con Bruce Willis, Vincent D’Onofrio, entre otros. El film transita por la más rancia historia de la familia de un famoso cirujano en manos de malvivientes y la justicia por mano propia. Para muchos críticos norteamericanos, el pensamiento es netamente republicano, le da “la derecha” a las armas. He aquí algunas de sus opiniones:

“Es una película absolutamente equivocada en un momento absolutamente equivocado… Debería haberse quedado en el lugar al que pertenece: el pasado”, de Chris Nashawaty, Entertainment Weekly.

“Diálogos estúpidos y villanos mal desarrollados… Serviría para una campaña publicitaria de la NRA (Asociación Nacional del Rifle)”, de Jeannette Catsoulis, The New York Times.

 

PERFECTOS DESCONOCIDOS

De Alex de la Iglesia. Remake del film italiano “Perfetti Sconociuti”, del 2016. Cuatro parejas que se conocen desde hace tiempo se reúnen para jugar. El juego propuesto traerá al presente miserias de todo tipo.

“A los cinco minutos estoy enganchado a las situaciones tragicómicas… surrealistas, corrosivas que plantea esta película impecablemente dirigida, con el ritmo modélico que precisa cada plano y cada secuencia… ágil y sorprendente, muy divertida”, de Carlos Boyero, Diario El País.

“Una comedia divertida y perspicaz, especialmente engrasada y con un reparto superlativo, en el que todos están mucho más que bien”, de Alberto Bermejo, Diario El Mundo.

 

LOS OLVIDADOS

De los hermanos Luciano y Nicolás Onetti. Película de terror fuerte, duro, sobre un grupo de jóvenes que se interesan por Epecuén y su historia (ciudad que quedó inundada) y se encuentran con una familia demoníaca. Hay escenas escalofriantes, de muy buena factura, con tintes setentistas muy “gore”.

 

TROPA DE HÉROES  (12 STRONG)

De Nicolai Fuglsig. Guion basado en el libro de Doug Stanton. Con Chris Hemsworth, Michael Shannon, Michael Peña, Trevante Rhodes, Fahim Fazli, Yousuf Azami, Austin Stowell, Jack Kesy, entre otros. Música de Lorne Balfe. Duración: 130 minutos.

XXXXX- EL CEMENTERIO DE LOS IMPERIOS

Apenas se desató el atentado en las Torres Gemelas de Nueva York, en el Pentágono y en un avión de línea, el gobierno estadounidense dirigió su mirada a Afganistán, donde estaba Al Qaeda, brazo ejecutor de actos terroristas creado por Ben Laden.

Este film relata la heroica acción de una tropa de fuerzas especiales compuesta por 12 hombres que son enviados a las montañas pobladas por talibanes. Es un terreno escarpado, inexpugnable debido al clima y a la altura donde hasta los soviéticos fracasaron y debieron retirarse. Se dice que Afganistán es el cementerio de los imperios.

Es ocioso buscar personajes con desarrollo psicológico profundo: aquí es la acción por la acción misma a fin de rememorar la gesta heroica de este comando secreto formado por 12 hombres. Chris Hemsworth es el capitán de la tropa, sobre él recae la luz cenital de la determinación y la acción. Un afgano disidente lo ayuda, manteniendo un duelo de ideas con el capitán norteamericano. Como en los westerns, el desplazamiento debió hacerse a caballo por las dificultades del terreno.

La producción es muy importante, con un excelente aporte del fotógrafo Rasmus Videbaek, gran realismo en las batallas, acción bélica mil por mil. La película de Nicolai Fuglsig no pretende otra cosa que rendirle tributo a este comando resaltando su heroísmo. Por lo que el valor está en la realización, en la inversión y no justamente en las actuaciones.

Carlos Pierre

 

I, TONYA

De Craig Gillespie. Con Margot Robbie, Allison Janney, Sebastian Stan, Caitlin Carver, Julianne Nicholson, Bojana Novakovic, entre otros.  Música de Peter Nashel. Duración: 121 minutos.

XXXXX- UNA VIDA PARA RECORDAR

Tonya Harding (Margot Robbie) fue la primera patinadora estadounidense en completar, en 1991, un triple salto axel en competición. Es un salto difícil y llamativo que debe su nombre a su creador, Axel Paulsen, patinador noruego de fines del siglo XIX.

“Tonya” es la biografía de esta patinadora mediante una comedia dramática que tiene fuertes tintes “noir”. Su madre (Allison Janney, ganadora del Oscar como mejor actriz de Reparto) la llevó al patinaje desde los cuatro años, y la presionó con mano durísima durante toda su vida y carrera. La vida personal de Tonya fue tan desastrosa como la relación con su madre, tortuosa, con golpizas, un ‘itus et reditus’ enfermizo.

El film es vibrante y apasionado, tiene una memorable edición sustentada en diversos soportes a cargo de Tatiana S. Riegel nominada a los Oscars por su trabajo, definitorio de la calidad narrativa.  Sobresale el duelo actoral entre madre e hija, entre Alisson Janney y Margot Robbie, ambas nominadas a los Oscars que obtuvo solo la primera, notables, y avasallantes intérpretes.

                                                                      Carlos Pierre

 

ALIAS YINETH

De Daniela Castro. Fotografía de Mauricio Vidal. Música de Alejandro Kauderer. Duración: 70 minutos. Docuficción de Colombia.

XXXXX-LA EX GUERRILLERA DE LOS SIETE NOMBRES

Las FARC y las consecuencias en la población colombiana tienen un retrato perfecto, doloroso por cierto, en este docuficción de Daniela Castro quien narra la vida de Yineth, una mujer que tuvo siete sobrenombres desde que nació por las diversas circunstancias que vivió. Violada de pequeña, fue Yuri, Yira, Tania, entre otros apelativos, hasta que, a los 12 años, fue reclutada por la guerrilla de su país. Logró escapar al cabo de varios años para reiniciar su vida con otro sobrenombre.

Resulta muy interesante la charla que Yineth Trujillo entabla primero con la cámara y luego a través de seminarios que realiza dentro la organización que reinserta a quienes desertaron de la guerrilla. La fotografía es excelente, los caminos de las montañas centrales de Colombia de vegetación abundante, la selva, la pobreza de los poblados y ciudades que surgen en los valles, configuran el drama socioeconómico y político que se vive en el país hermano. Yineth tuvo que reconstruirse muchas veces, en medio de dos períodos de paz, con dos presidentes diferentes, y un mismo problema: la captura de los pobladores por los guerrilleros. Aleccionador.

Elsa Bragato

 

JUEVES 1 DE MARZO DEL 2018.-

Películas muy oscarizadas (el domingo 4 se entregan los preciados Oscar en Hollywood, ceremonia que transmitirá TNT) y buenas argentinas, un mix que tiene público cautivo. Se reestrena Dunkerque, como sucedió la semana pasada con Huye!

 

UN VIAJE A LA LUNA

De Joaquín Cambre. Opera prima. Con Leticia Bredice. Angelo Mutti Spinetta, Angela Torres, Germán Palacios, Luca Tedesco, Luis Machín. Nos cuenta la vida de “Tomás” quien debe una materia en el cole, sufre las comunes diferencias con su familia, y se enamora de Iris. La Luna será un viaje especial para salir de los “tormentos” cotidianos… La crítica nacional le da el “OK” a esta producción nacional.

 

NOCHE DE JUEGOS

De John Francis Daley y Jonathan Goldstein. Con Jason Bateman, Rachel McAdams, Kyle Chaldner, entre otros. Es la típica comedia de enredos con thriller, acción, romanticona. Max y Annie se casan y, ludópatas asumidos, compiten con los matrimonios amigos.

“Noche de Juegos o Game Night no es demasiado buena… Sería difícil justificar por qué alguien debe gastar su tiempo y su dinero en esto… La película se agota en sí misma y al espectador”, de Jon Frosch, The Hollywood Reporter.

 

NECROMICRON

De Marcelo Schapces. Basada en el Libro de los Muertos, del que se encuentra, oculto, un ejemplar en la Biblioteca Nacional de Buenos Aires. Diego Velázquez, Cecilia Rossetto, Daniel Fanego y el recordado Federico Luppi acompañan a Nico García, Victoria Maurette, Claudio Da Passano, entre otros. Film de género- Terror nacional con buena repercusión.

 

LA MALDICIÓN DE LA CASA WINCHESTER

De Michael y Peter Spierig. Con Helen Mirren, Jason Clarke. La casa Winchester existe, era la mansión de la viuda del creador del rifle Winchester. Es considerada una mansión maldita, plagada de espíritus malignos. Esa situada a escasos kilómetros de San Francisco, CA:

“Es un misterio que actores del talante de Helen Mirren y Jason Clarke hayan aceptado protagonizar esta aburrida cinta efectista llena de lugares comunes del género. El subtexto… queda sepultado por una dirección torpe y una historia desperdiciada”, de André Didyme-Dome, Rolling Stone, Colombia.

“Ni las miradas fulminantes de Helen Mirren pueden salvar a este horrible revoltijo de postergeist…”, de Tim Robey, Telegraph.

 

OPERACIÓN RED SPARROW (GORRIÓN ROJO)

De Francis Lawrence. Con Jennifer Lawrence, Joel Edgerton, Jeremy Irons, Charlotte Rampling, Matthias Schoenaerts, Sergei Onopko, entre otros. Música de James Newton Howard. Fotografía de Jo Willems. Duración: 139 minutos.

XXXXX- ESPÍAS, SEXO Y TORTURAS

Cuando un guion falla, no hay caso. La narración resulta descolgada y el espectador tiene un rompecabezas en el que varias piezas quedarán sin ubicar. No porque no tengan espacio sino porque son de otra historia. Operación Red Sparrow, o Gorrión Rojo, se basa en la vida de “Dominika Egorova” (Jennifer Lawrence) quien es una “etoile” del Bolshoi hasta que se quiebra una pierna y cae en manos de su tío, haciéndose cargo de la economía de sobrina y cuñada, en pleno periodo comunista. La idea perversa está planteada de entrada. Será el encantador pariente quien sumerja a Dominika en un entrenamiento de espionaje basado en la prostitución de chicas y chicos.

El objetivo de Dominika es “Nate Nash” (Joel Edgerton), funcionario de la CIA que tendría relación con un “topo”. Hasta aquí todo es bastante normal. El tema está en la narración propuesta por el austríaco-norteamericano Francis Lawrence, quien hace gala de su gusto por la perversión dado que la violencia se genera en forma gratuita. Se salta de una escena sexual a otra de sutil enamoramiento para pasar a un living donde uno de los protagonistas está desnudo, atado y sometido a escalofriantes acciones de un torturador. El entrenamiento de Dominika, bajo la mirada de la malvada Charlotte Rampling en el papel de “jefa” del cuartel, es abominable y vejatorio para hombres y mujeres.

Si bien encontrar al “topo” mantiene el halo de thriller, se produce una serie de giros en la trama y queda colgado: el que se anuncia como tal resulta que maneja todo. Es decir, una alteración del guion o confusión en postproducción que termina por desbaratar el hilo conductor de una historia que atrapa pero que, al mismo tiempo, revuelve el estómago.

Elsa Bragato

 

LADY BIRD

De Greta Gerwig.  Con Saoirse Ronan, Laurie Mercalf, Lucas Hedges, Timothée Chalamet, Trady Letts, entre otros. Fotografía de Sam Levy. Música de Jon Brion. Duración: 94 minutos.

XXXXX-RETRATO CÁLIDO Y EMOTIVO DE LA ADOLESCENCIA

Greta Gerwig tiene 34 años y es la quinta mujer nominada como mejor directora a los premios Oscar con su opera prima, Lady Bird. Oriunda de Sacramento, California, ubica a la protagonista Lady Bird, seudónimo que la alterada Christine (Saoirse Ronan) elige, en su ciudad, un “alter ego” con el que puede retratar con sin cortapisas su propia adolescencia. Lady Bird cursa el último año del secundario y quiere ser una gran estrella, estudiar en las universidades más caras del Este de los Estados Unidos, y dejar la mediocridad que siente en su Sacramento natal  desde el entorno del colegio católico, al que detesta, a la lucha económica de su familia.

El retrato que hace Gerwig de las actitudes femeninas a esa edad, la búsqueda del primer amor, de parecer más que ser, los celos, la oposición a las palabras maternas, se siente como tal, autoreferencial como dijimos, y extremadamente honesto y cálido.

La actuación de Laurie Mercalf como la madre es notable: el llanto espontáneo, la severidad para contener a una hija que se le “cuela” por los cuatro costados, y el apoyo del padre, Larry (Tracy Letts), un contenedor y cálido esposo y papá que se las arregla, a pesar de las dificultades, para que su hija cumpla con sus sueños.

Aparece el nuevo valor de Hollywood, Timothée Chalamet, a quien vimos en el protagónico de “Llámame por tu nombre”, otra película oscarizada. En este caso, al joven con quien Lady Bird tendrá relaciones sexuales por primera vez y podrá decirle a su íntima amiga Julie (Beanie Feldstein) “ya lo hice!”. Su primer novio, Danny (Lucas Hedges, de Manchester junto al mar), queda como un gran amigo por razones que son convenientes descubrir en la película.

Hay corazón, calidez, honestidad sin pretensiones de ser más que un excelente producto de módico presupuesto con una directora que está nominada a los Oscars y que reflejó, de manera notable, los sentimientos de una jovencita de 18 años, sus “berrinches” y sus comienzos en la adultez. Estupenda!

Nota de redacción: recordamos el film “Retrato de Abril”, o “Pieces of April” (2003) sobre la independencia de una adolescente, encarnada por Katie Holmes, y dirigida por Peter Hedges.

Elsa Bragato

 

 JUEVES 22 DE FEBRERO DEL 2018.-
Pocos estrenos pero valiosos. Es la semana de los amores intensos y diferentes con “La forma del agua”, “Llámame por tu nombre” y “Una mujer fantástica”. En animación llega la inglesa “El cavernícola” con buena crítica de The Guardian y Variety, entre otros medios. “Una maravilla al estilo de la vieja escuela” la definió Leslie Felperin de The Hollywood Reporter. El reestreno de la semana es “Huye!”.


EL ROBO PERFECTO (DEN OF THIEVES)
Guion y dirección de Christian Gudegast. Con Gerard Butler, Pablo Schreiber, O´Shea Jackson Jr., Sonya Balmores, Maurice Compte, Evan Jones, Brian Van Holt, entre otros. Música de Cliff Martínez. Duración: 140 minutos.

XXXXX- LARGA LETANÍA DE TIROS
Los Ángeles es la ciudad de la Costa Oeste norteamericana con más robos de bancos, según las estadísticas. Una unidad de élite del Departamento de Policía y un grupo selecto de atracadores se enfrentan a lo largo de 140 minutos en esta película a puro tiro. Los delincuentes planean asaltar un banco de la Reserva Federal, nada menos.
El tira y afloje de estas dos facciones se alternan con generosa acción. La luz cenital recae en un agente federal que encarna Gerard Butler (icónico protagonista de “300”, memorable resistencia espartana a la invasión persa) con gesto grandilocuente, ampuloso y hasta socarrón, en las diferentes situaciones del realizador Christian Gudegast, larga letanía de tiros y sangre, difícil de creer, inverosímil cuanto menos. Saltan diálogos inconsistentes y personajes poco perfilados como el del policía y su situación personal. Mejora el rumbo cuando se pasa a la acción misma. En realidad, el rector de la narración es la acción en sí misma. Ni siquiera la fotografía refleja la belleza urbana de Los Angeles. Entre los personajes, se destaca el afroamericano O’Shea Jackson Jr por tener un rol determinante. Acción y tensión no faltan en esta película que no ofrece nada nuevo y que, en definitiva, ha sido el fin buscado por Christian Gudegast.
Carlos Pierre


UNA MUJER FANTÁSTICA
De Sebastián Lelio. Guion de Sebastián Lelio y Gonzalo Maza. Con Daniela Vega, Francisco Reyes, Luis Gnecco, Antonia Zegers, Aline Kupperheim, entre otros. Música de Matthew Herbert. Duración: 104 minutos.


XXXXX-GOLPE A LA INTOLERANCIA
“Una mujer fantástica” viene obteniendo premios internacionales con justa razón: desde el Goya hasta la nominación actual a los Oscars. A partir de una posición sincera y real, analiza la vida de un transexual en Chile, su país, donde no hay aceptación social por lo que se la discrimina en todas las formas posibles.
Pasional y fuerte, sin retaceos, el realizador Sebastián Lelio pone sobre el tapete la vida de Marina, encarnada por una estupenda Daniela Vega, con secuencias triviales, otras muy verosímiles y también algunas con marcado surrealismo. Provoca desconcierto pero al mismo tiempo reparación del personaje protagónico.
Daniela Vega es “Marina”, logrando una performance luminosa y conmovedora, y es el centro de la historia de una camarera aspirante a cantante y de Orlando (Francisco Reyes), empresario, con quien vive una apasionada relación a pesar de la diferencia de edad: ella es 20 años más joven que él. Rechazada por su entorno social, encuentra en ese hombre una luz redentora. El climax del film se vive cuando Orlando se descompone y muere. Marina deberá enfrentarse a la ex esposa y a los hijos de su amante, recorriendo un heroico vía crucis social.
Sebastián Lelio logra una narración intensa lanzando un golpe a la intolerancia sin vueltas, sin atajos, a la sociedad donde vive. Logra además conmover profundamente con una realidad que no se puede soslayar nunca más. Insoslayable.
Carlos Pierre


LLAMAME POR TU NOMBRE
De Luca Guadagnino. Guion de James Ivory sobre el libro homónimo de André Aciman. Con Timothée Chalamet, Armie Hammer, Michael Stuhlbarg, Amira Casar, Victoire Du Bois, Amira Casr. Música de Sufjan Stevens. Fotografía de Sayombhu Mukdeeprom. Duración: 130 minutos.


XXXXX- MARAVILLOSA HISTORIA DE AMOR GAY
El verano, los juegos cómplices entre los jóvenes, están plasmados perfectamente en este nuevo film de Luca Guadagnino, quien incluye en la narración el “tempo vital” de esa estación del año: el calor sofocante, la piscina, la exaltación sexual, el ingenuo erotismo del adolescente.
James Ivory escribió el guión y, a sus 89 años, logró el BAFTA por este trabajo. Tras algunos percances financieros se pudo filmar esta maravillosa historia que trasunta como ninguna otra el despertar sexual de un jovencito, Elio (el actor del momento, el joven Timothée Chalamet), quien pasa el verano en la villa de la Lombardía de sus padres en 1983. Entre las chiquilinas que merodean está la chica de sus sueños, Marzia, con quien tiene encuentros amorosos apasionados y risueños a la vez, hasta que llega un ayudante para su padre, el norteamericano Olivier (apolíneo Armie Hammer). Elio se impone como el “chaperone” de Olivier porque no puede ocultar la fascinación que acaba de despertarle.
Surgen varios planteos: el primero, es la diferencia de edad entre los protagonistas. Presuntamente, Olivier tiene 24 años y Elio apenas 15. Y en segundo término, no es incorrecto plantearse una aparente manipulación erótica del mayor, que quiere pero no lo dice y deja que avance la desesperación del menor. Elio es tímido y rudo: prefiere hacer a manifestar lo que siente, turbado por el propio imperativo sexual.
El retrato del verano es perfecto. El lenguaje en palabra y gestos alcanzada por Ivory y Guadagnino resulta fascinante: ambos llegan hasta el límite entre erotismo y sexo sin caer en excesos de ningún tipo. En la primera hora, se exaltan la vida de una familia durante un verano intenso, padres liberales pero no libertinos, amigas, amigos, cenas gratas, y el deseo sexual de los jóvenes. En la segunda hora, el romance fluye de manera tierna, con altísimo erotismo, subyugante a la vez. Es una hermosa historia de amor entre dos jóvenes, con una escena que merece un párrafo aparte: el diálogo del padre de Elio, encarnado por Michael Stublbarg, con su hijo sobre esa relación efímera pero notable que acaba de tener. Insuperable. Es la primera vez que una relación gay llega al cine a través de una historia plagada de sensibilidad, respeto y atracción sin límites.
Elsa Bragato


LA FORMA DEL AGUA
De Guillermo del Toro. Guion de Guillermo del Toro y Vanessa Taylor. Con Sally Hawkins, Doug Jones, Michael Shannon, Octavia Spencer, entre otros. Fotografía de Dan Laustsen. Diseño de arte de Paul D. Austerberry. Música de Alexandre Desplat. Duración: 119 minutos.


XXXXX- FASCINANTE REALISMO MÁGICO
Hechizo inmediato. Primero, la rara sensación de ver algo mágico de Guillermo del Toro, de imaginación frondosa, como la del colombiano Gabriel García Márquez y su Macondo. Luego, quedarse subyugado en la platea sin poder pestañear. Éstas son las sensaciones que despierta “La forma del agua”, una historia pequeña o bien un cuento de amor imposible que estalla en sólidas críticas sociopolíticas. Aquí debería terminarse el comentario crítico!
La historia está ubicada a comienzos de los 60, con la flamante televisión en blanco y negro haciendo guiños a las series y shows de aquellos años. Elisa (Sally Hawkins) es una joven muda que trabaja en un laboratorio gubernamental como empleada de limpieza. Entre los raros experimentos que se hacen aparece un hombre pez (Doug Jones), encontrado en el Amazonas. Sufre torturas y Elisa se apiada y se escapa para darle de comer. A quién contarle tanto secreto? Su vecino es Giles, encarnado por Richard Jenkins, un simpático gay con quien comparte muchas tardes hasta animarse a unos pasitos de tap juntos entre confesiones mutuas. Pero… está el malvado (Michael Shannon), la compinche (Octavia Spencer), los contraespías rusos, rodeando a Elisa que se enamora y enamora a este extraño ser, es un amor indescriptible que apela a la emoción. Es realismo mágico puro y del mejor.
Imposible no fascinarse, no quedarse hechizado frente a la pantalla que parece concretar los sueños nás osados. La banda sonora de Alexandre Desplaat acompaña de manera insuperable: el gran compositor no concibió melodía alguna para la presencia del malvado en el film y su búsqueda armónica se basó en la captura del sonido del agua.
Guillermo del Toro une el espanto con el amor, característica de su esencia mexicana (el Día de los Muertos, la venta de calaveritas como marionetas en la bella Taxco). “La forma del agua” es una expresión muy suya, un cuento que abreva en sus raíces, especiales, fuertes, intensas. Nadie sale indemne del cine. Algo pasa en el corazón y la mente: perplejidad, fascinación, hechizo. Compruébelo.
Elsa Bragato
 

JUEVES 15 DE FEBRERO DEL 2018.-
Entre films oscarizados y otros rioplatenses se renuevan las pantallas de cine del país. Dos actores sobresalen esta semana: Nicole Kidman y Gary Oldman.


PANTERA NEGRA


De Ryan Coogler. Narra la historia de T’Challa en su regreso al reino. Es uno de los superhéroes de la compañía norteamericana Marvel Cómics.
“Una película impactante… La mayor parte de las fantasías de los grandes estudios te llevan a un viaje frenético solo para contarte la misma historia agotada y expandir su franquicia. No es éste el caso”, de Manohla Dargis, The New York Times.
“Os diré algo sobre “Black Panther”, que eleva al escapismo cinematográfico casi al nivel del arte. No habéis visto algo así en vuestra vida”, de Peter Travers. Rolling Stone.


LA BÓVEDA
De Dan Brush. Con James Franco.
“Efectiva a varios niveles. Bien interpretada y bien dirigida. Es un misterio apasionante, sazonado con violencia sangrienta”. De Noel Murray, Los Angeles Times.


EL SERENO
De Oscar Estevez y Juacko Mauad. Uruguay. Con Gastón Pauls.
“Algunos recursos funcionan mejor que otros, pero nada altera la idea de hacer una película de suspenso. Alguna resolución parece un poco precaria. Los problemas aparecen por el lado del guion que revela información clave antes de lo previsto”. De Fernán Cisnero, El País, Uruguay.
“Sentí que una excelente idea estaba siendo desaprovechada por una relativa celeridad en la información procesada para con el espectador”. De Gustavo Iribarne. Diario La República.


LA FIESTA DE LA VIDA
De Olivier Nakache y Eric Toledano. Con Jean-Pierre Bacri, Jean-Paul Rouve, Gilles Lellouche, Vincent Macaigne, Kévin AzaÏs, Suzanne Clément, Judith Chemla, entre otros. Música de Avisha Cohen. Duración: 115 minutos.


XXXXX-FIESTA DEBILUCHA
El exitoso dúo Olivier Nakache y Eric Toledano, apoyado en “The intouchables” de gran repercusión, generó otro guion simpático aunque menos eficaz que los anteriores: la boda lujosa en un castillo del siglo XVII con el protagónico del notable Jean-Pierre Bacri. En 24 horas se vivirán las peripecias de un experimentado “wedding planning” a quien el evento se le va de las manos a partir del ecléctico personal que logró reclutar.
Jean-Pierre Bacri es la figura de esta película divertida que tiene una fotografía majestuosa por el lugar donde ocurren los hechos: el castillo, sus estupendos salones y los parques amplios de indudable estilo francés. Dentro de estas locaciones, se ubica el elenco, nervioso y atolondrado que hará de las suyas poniendo en peligro la planificación de la boda.
El gancho de la narración está en la sensación de naufragio que transmite a cada instante: el cortocircuito de la instalación eléctrica, el mal estado de la carne de cordero, el inspector de eventos que acosa, y la historia personal de cada empleado. En este sentido, el guion tiene estructura sólida con secuencias insólitas. Algunas se alargan en demasía por lo que menos minutos fílmicos hubiese agilizado la propuesta siendo más eficaz para el espectador. Genera la sonrisa amable, la risa espontánea, pero no mucho más.
Carlos Pierre


EL SACRIFICIO DEL CIERVO SAGRADO
Guion y dirección de Yorgos Lanthimos. Con Nicole Kidman, Colin Farrell, Alicia Silverstone, Barry Keoghan, Raffey Cassidy, Sunny Suljic, entre otros. Fotografía de Thimios Bakatakis. Edición de Yorgos Mavropsaridis. Duración: 121 minutos. Reino Unido.


XXXXX-KIDMAN EN NOTABLE PERFORMANCE
La familia del cirujano cardiovascular Steven (Colin Farrell) formada por su esposa Anna (Nicole Kidman), y sus dos hijos, Kim, 14 años (Raffey Cassidy) y Bob, l2 años (Sunny Suljic), son presa de un acosador trastornado, Martin (Barry Keoghan), cuyo padre falleció tras ser operado por Steven. Es una historia de venganza profunda que Martin irá mostrando de diversas maneras, desde enamorar a la hija del cirujano hasta que su otro hijo sufra una parálisis, sumiendo al padre en una dependencia humillante. El realizador Lanthimos logra traspasar la barrera del melodrama clásico para ingresar al del terror psicológico, alcanzando un equilibro narrativo por momentos difícil de sostener. Con frialdad calculada, al mejor estilo del gran Stanley Kubrick, encamina la historia hacia el sacrificio que enuncia en el título en castellano (Sacred deer, sagrado ciervo, en inglés).
La propuesta de Yorgos Lanthimos no tiene respuestas posibles, reales. Es, sencillamente, un juego macabro trazado con el filo del bisturí del protagonista, sometido y sin defensa alguna. Puede gustar o no, resultar macabra y hasta perversa. Sin embargo, tiene peso específico a través del elenco, con una Nicole Kidman en uno de sus mejores trabajos y el deslumbrante Barry Keoghan como el joven acosador. La fotografía es una protagonista más, con líneas muy modernas, a cargo de Thimios Bakatatakis, que deslumbra con los caminos acuarelados en tonos fríos. Por sobre todo, además de los premios al guion en Cannes 2017, premio Independent Spirit 2017 al mejor actor Barry Keoghan y a la fotografía de Bakatatakis, es menester afirmar que este film es felizmente original.
Carlos Pierre


LAS HORAS MÁS OSCURAS
De Joe Wright. Con Gary Oldman, Kristin Scott Thomas, Lily James, Ben Mendelsohn, entre otros. Fotografía de Bruno Delbonnel. Edición de Valerio Bonelli. Música de Darío Marianelli. Duración: 125 minutos. Estados Unidos.Reino Unido.


XXXXX-GARY OLDMAN, ENCOMIABLE PERFORMANCE
Joe Wright es un avezado director inglés que ha dado al cine films preciosistas como “El solista”, drama intenso de un músico, o bien ”Orgullo y prejuicio”, entre otras joyas en guión y realización. En el caso de “Las horas más oscuras”, basa la narración en Winston Churchill, el primer ministro inglés que logró la victoria sobre Hitler en la Segunda Guerra Mundial junto a los Aliados occidentales. Sus decisiones fueron fundamentales, siendo tenido en cuenta para la nueva “división geopolítica” del mundo luego de 1945 junto a D. Eisenhower y Stalin.
Resistido fuertemente, Wright nos cuenta cómo llegó al cargo de Premier Británico don Winston Churchill, en una personificación magistral de Gary Oldman, lo poco querido que era por su derrota en la batalla de Gallipoli durante la primera guerra mundial, y su falta de modales. Era Primer Lord del Almirantazgo, y, aunque de apariencia dubitativa, sus ideas no lo fueron: especialmente la de no claudicar aunque significara la muerte de todos. Tienen incidencia su secretaria, Elizabeth Layton (Lily James) y su esposa Clemie –Clementine Hozier- (estupenda Kristin Scott Thomas)y, en escasas oportunidades, su relación con el rey Jorge VI (padre de la actual Reina Isabel) a cargo de Ben Mendelsohn.
Al mismo tiempo, el film funciona como una precuela del film de Nolan porque muestra las alternativas vividas por Churchill para salvar a miles de soldados británicos en las costas de Dunkerque, en 1940, a partir de la Operación Dínamo.
Sin magnificencia fotográfica, Joe Wright se detiene en el personaje Winston Churchill, contando con un magistral Gary Oldman (inolvidable su composición de Beethoven en “La amada inmortal”) cuyo make up y la solvencia con que se maneja debajo del mismo son de una perfección pocas veces alcanzada en el cine actual. Oldman derriba cualquier encasillamiento: es capaz de ser “topo” como un genial músico del siglo XIX, un británico del siglo XX, o un asesino a sueldo.
Atrapante por la actuación descollante de Gary Oldman de un personaje crucial en la Segunda Guerra Mundial y en el mundo todo, esta biopic tiene seis nominaciones para los Oscars, incluyendo la de mejor actor y no parece que vaya a fallar esta vez: Gary Oldman es dueño de este film, “Las horas más oscuras” son suyas bajo la experta mirada de Joe Wright.
Elsa Bragato
 

JUEVES 8 DE FEBRERO DEL 2018.-
Varias películas asoman en la cartelera. Desde películas familiares a otras de amor y también sobre hechos reales. Las dos películas destacadas de la semana son “Tren 15.17 a París” de Clint Eastwood y “Todo el dinero del mundo”, con el nominado al Oscar Christopher Plummer. Agregamos “La verdad a cualquier precio”, de Ken Loach, que va al cine Cosmos, del 2010 sobre la lucha en Medio Oriente.


RECREO


De Hernán Guerschuny y Jazmín Stuart. Film coral, dentro del esquema del actual cine argentino, apuntando a los matrimonios jóvenes de cierto nivel económico y sus escapadas a los countries donde todos los trapitos salen al sol. De alguna manera, se asemeja al cine italiano de los últimos tiempos donde las parejas o los matrimonios por uno u otro motivo comienzan a regañarse hasta lo impensado.


A 47 METROS
De Johannes Roberts. Film inglés sobre dos hermanas que vacacionan en México y quedan atrapadas en una jaula de avistamiento de tiburones.
“El diálogo increíblemente pobre que tienen las heroínas amenaza con convertir esta película que quiere ser de terror en algo gracioso. Le cuesta sacar tensión de la agitación y el clamor”. De Jeannette Catsoulis, The New York Times.


PADDINGTON 2
De Paul King. Con Hugh Grant, Sally Hawkins, Brendan Gleeson, Julie Walters, entre otros. El querido oso Paddington encontró hogar y su tia Lucy cumple 100 años. Le compra un regalo y se lo roban. Y empiezan las peripecias. Tres nominaciones a los Bafta incluyendo Mejor Film Británico.
“Absolutamente maravillosa… Como una complicada maqueta a escala, es una obra de arte construida con miles de pequeños y cuidadosos detalles que nadie podrá absorber viéndola solo una vez”. De Leslie Felperin, The Hollywood Reporter.


CINCUENTA SOMBRAS LIBERADAS
De James Foley. Con Dakota Johnson, Eric Johnson, Jamie Dornan, entre otros. Adaptación de la última novela de la saga “50 sombras de Grey”.
“La película no acaba impactando como uno esperaría… En términos de drama o melodrama o simplemente drama malo, “Freed” apenas funciona”. De Jordan Mintzer, The Hollywood Reporter.
“Esto es cine de revista en estado puro… Hay un placer perverso y escalofriante… en ver a dos personas inmaculadamente bellas unirse”. De Guy Lodge, Variety.


LA VERDAD A CUALQUIER PRECIO
De Ken Loach. La película tiene 8 años de realización. Es antibélica: el título en inglés es “Route Irish”, o sea la ruta que va desde el aeropuerto hasta la Zona Verde de Bagdad. El galardonado director (palmas de oro en Cannes por El viento que acaricia el prado y Yo, Daniel Blake) realiza un duro alegato contra la intervención de su país en Irak y Afganistán. A todo o nada, con secuencias realmente brutales y sin cortapisas, este film se puede ver en el nuevo Cine Cosmos de nuestra ciudad.
“ … Incluso el tema de las tortura se transforma en otra herramienta de venganza en particular en una escena. El guion a su vez se transforma en obvio… al punto que no resulta posible establecer un lazo con los personajes. Sin embargo, debemos estar felices porque esta película nos hace recordar el costo humano de un conflicto sin sentido”. De Rich Cline. The Shadow of the Wall.


TODO EL DINERO DEL MUNDO
De Ridley Scott. Guion David Scarpa. Con Christopher Plummer, Michelle Williams, Mark Wahlberg,Timothy Hutton, Romain Duris, Marco Leonardi, Maya Kelly, entre otros. Música de Daniel Pemberton. Fotografía de Dariusz Wolski. Duración: 132 minutos.


XXXXX- NOTABLE ACTUACIÓN DE PLUMMER
Basado en hechos reales de los años 70, que produjeron gran impacto mundial, se reconstruye en “Todo el dinero del mundo” el secuestro de John Paul Getty III (Charlie Plummer), nieto del magnate del petróleo John Paul Getty Sr. (Christopher Plummer). Una banda de mafiosos calabreses logra el atentado en la ciudad de Roma. La madre del pequeño, Gail (Michelle Williams), intenta convencer al millonario suegro a que pague el rescate, quien se niega aunque siente especial cariño por su nieto mayor.
John Paul Getty Sr. había acumulado su inmensa fortuna con el negocio del petróleo, y vivía como un verdadero tacaño y por momentos ciruja, aunque invertía en obras de arte. Y pagar el rescate millonario por el nieto, aunque lo quisiera, contrarió su manera de ser y de vivir. Gail es quien lucha junto a un agente norteamericano, que aquí encarna Mark Wahlberg. Mientras, el nieto de Getty vivió un calvario con sus captores, que llegaron a cortarle una oreja.
Es un “Scott” auténtico por la solidez del relato y del elenco. Cabe aclarar que Charlie Plummer, a cargo del rol del nieto del millonario, no tiene relación familiar con Christopher Plummer, caso curioso si los hay en el cine. Con la modificación de algunos momentos del secuestro a fin de poder llevarlo a la pantalla, Ridley Scott logra un film extenso pero de sorprendente dinámica, enérgica además, que muestra la mano firme de un director que sabe lo que hace con sus largos 80 años. Mención especial merece la actuación de Christopher Plummer devenido de aquel padre galán Von Trapp de La novicia rebelde en este autócrata millonario villano John Paul Getty. Está nominado a los premios Oscar como actor de reparto y en los Bafta. Cinco décadas después de los hechos reales, Ridley Scott nos regala un thriller intenso que revive el intrincado proceso del secuestro y liberación de uno de los jóvenes más ricos del mundo en los setenta.
Carlos Pierre


15.17 TREN A PARÍS
De Clint Eastwood. Con Alek Skarlatos, Anthony Sadler, Spencer Stone, Jenna Fishwer, entre otros. Música de Christian Jacob. Duración: 94 minutos.


XXXXX- INTERESANTE TRABAJO DEL MAESTRO EASTWOOD
Menos pretensioso que películas anteriores, el maestro Clint Eastwood, de fantásticos 87 años, optó por relatarnos los hechos ocurridos el 21 de agosto del 2015 en el tren //9364 de Bruselas a París, al que subió Ayoub E. Khazzan, dispuesto a liquidar a los más de 500 pasajeros que lo tomaron. Entre ellos estaban Alek Skarlatos, Anthony Sadler, Spencer Stone, dos de ellos ex soldados americanos, con buen entrenamiento militar. Al ver ingresar a Ayoud con una poderosa arma que no pidió permiso para despedir balas y herir, se abalanzaron sobre él, siendo uno de ellos brutalmente herido con la navaja que escondía en su ropa el musulmán. Las técnicas de bloqueo físico aprendida en el entrenamiento militar ayudaron a los valientes jóvenes.
No es la película más notable de Eastwood. Es un documento íntimamente relacionado con su posición política: un panfleto republicano que no le quita mérito al esfuerzo cinematográfico. Primero, por haber recurrido a los sobrevivientes y héroes que estuvieron en ese tren y evitaron una masacre en ves de a actores profesionales, luego por su capacidad de síntesis entre el pasado y el presente, y la narración que, aún con altibajos, nos explica los hechos con total claridad. La mente nerviosa y perversa de todos nosotros hubiese querido más explosiones, más estallidos dentro del tren. Pero Eastwood no nos hizo caso y se plantó en la vida de los tres muchachos que, de casualidad, se convirtieron en héroes. Hay más relato de la niñez y de la adolescencia que del hecho criminal en el tren, y esto puede desalentar. A qué apunta? A la formación que sus madres, la mayoría de ellas solteras, les dieron: al coraje que les insuflaron para no sentirse abatidos aún cuando los profesores se quejaran o los enviaran a la dirección para retarlos fuertemente por la condición de no tener padres que los reconocieran. Esa serie de fracasos personales transformaron positivamente a estos díscolos jóvenes que, cuando tuvieron oportunidad, demostraron la buena madera que tenían.
El ejército y su formación fundamentan esta película de Eastwood en la que deja de lado sus emociones para volcarse a un relato verídico con el objetivo, al parecer, de resaltar que sus ideas políticas son para tener en cuenta. El presidente Trump no aparece y sí Holland, el ex presidente de Francia. Metamensajes a lo Eastwood!!!!!!
Elsa Bragato
 

JUEVES 1RO DE FEBRERO DEL 2018.-
Esta semana llegan film interesantes y “oscarizables” como “The post”. Además de animaciones y terror, géneros que tienen excelente llegada. Con respecto a la película israelí “El testamento”, publicamos su crítica la semana pasada. Los cambios en la programación de estrenos se realizan muchas veces el mismo día de estreno por lo que pedimos disculpas a nuestros amigos lectores. Encuentran, entonces, esa crítica, en los comentarios del jueves pasado-


EL PÁJARO LOCO
Animación del tradicional dibujo. Dirección de Alex Lamm.
“Por curioso y sorpresivo que parezca, se deja ver de lo más bien, película chica, para niños chicos, en su propia liga de “cine infantil” cumple sin bochornos de por medio… gracias a un simple guion, casi televisivo, funciona si uno no pide demasiado”, de Ernesto Garrat, Diario El Mercurio.
“El resultado es un desastre total que puede que haya acabado definitiva e irremediablemente con el personaje”, de André Didyme-Dome, Rolling Stone, Columbia.


DETROIT
De Kathryn Bigelow. Con John Bovega, Algee Smith, Will Poulter, Jack Reynor, Hannah Murray, Anthony Latimore, entre otros. Música de James Newton Howard. Duración: 99 minutos.


XXXXX- FUERTE TESTIMONIO SOBRE LA DISCRIMINACIÓN
La realizadora Kathryn Bigelow, primera mujer que ganó el Oscar a la Mejor Dirección por Vivir al límite, encara otro drama basado en hechos reales: se ubica en la década del 60, en la ciudad de Detroit del estado de Michigan. Allí, en julio de 1967, fuertes disturbios raciales sacudieron al país. Todo comenzó con una redada de la policía en un bar nocturno sin licencia. Se desalojó con extrema violencia a los negros que pasaban una velada de tragos y sexo. Fueron actos de discriminación que provocaron levantamientos sociales feroces. La respuesta al apriete y detención de los parroquianos fue el incendio de decenas de comercios y viviendas. No fue suficiente la policía, sino que se llamó a la guardia nacional que llegó con tanques y pertrechos bélicos. Se produjo entonces una verdadera cacería de la gente de color a fuego y balas iluminando el horror sangriento de las calles.
Las secuencias concebidas por Bigelow son potentes y desgarradoras, a partir de un hecho real ocurrido en un hotelucho donde los integrantes de un grupo musical se guarecieron de la persecución policial. Un hecho baladí alertó a los policías: uno de los malvivientes del hotel hizo un disparo desde una de las ventanas y los uniformados creyeron ver a francotiradores. Le siguieron vejaciones y torturas policiales a los jóvenes, una crueldad feroz en contra de los habitantes del hotel. Es decir, Bigelow parte de un hecho pequeño que fue real para mostrar con absoluta crudeza la matanza ocurrida en Detroit. No le teme a las situaciones límites y, a través de sus cámaras, señala crudamente las decisiones erradas de su propio gobierno, desde las guerras donde priman más los intereses económicos que la ayuda a otros pueblos, hasta los atentados terroristas que muchas veces organizan algunos servicios de inteligencia de su país. Las actuaciones de Will Poulter y Algee Smith sobresalen dentro de un elenco bien amalgamado.
Hay que destacar las escenas de brutalidad y sangre que Bigelow muestra en detalle con una particularidad: no cae en el mal gusto ni en un macabro efectismo. Es un film que duele, que perturba, que retuerce el estómago. Pero sin duda alguna la realidad ha sido mucho peor. Excelente.
Carlos Pierre


LA CRUCIFIXIÓN
De Xavier Gens. Con Sophie Cookson, Corneliu Ulici, Brittany Ashworth, Matthew Zajac, Diana Vladu, Florian Voicu, entre otros. Música de David Julyan. Duración: 90 minutos. Rumania-Reino Unido.


XXXXX- POSESIÓN DEMONÍACA
El demonio, satanás, lucifer, el diablo, bajo diferentes nombres, existe en las diferentes creencias religiosas. El bien y el mal están representados por un ser superior, Dios, y por el maligno Lucifer. A veces, como se ha mostrado en muchos films, el diablo logra meterse en el cuerpo de alguien de manera misteriosa provocando padecimientos y efectos indeseables. El hecho de esta película es real, aconteció en el 2004 en Rumania, donde existe una larga tradición de vampiros. Un sacerdote católico exorcizó a una monja joven, de 22 años, muriendo crucificada. El clérigo fue encarcelado y acusado de asesinato.
Una periodista impetuosa (Sophie Cookson), joven como la monja fallecida, logra insertarse en la Rumania rural, detenida en el tiempo, y casi fuera del ámbito de la Comunidad Europea. Tiene que dilucidar el caso de la monja crucificada, si realmente estaba poseída por el demonio, o bien tenía serios problemas mentales o fue un asesinato perpetrado por un cura.
El tratamiento de la propuesta es muy interesante por el manejo de la luz y las sombras del fotógrafo Daniel Aranyó, quien utiliza tomas panorámicas para retratar los campos que parecen infinitos. Estos elementos colaboran con el buen guion de Carey y Chad Hayes así como el entorno de las viejas iglesias, pétreas y rústicas, generándose un clima tenebroso dentro de un marco inquietante. Tampoco faltan el chirriar de puertas y ventanas, los indeseables insectos que deambulan por vasos y cuerpos femeninos, la parquedad de los habitantes del pueblo, y el demonio que vaga a sus anchas acercándose impiadosamente al alma de la periodista. Están todos los elementos espeluznantes que esta historia necesita, aún con clishés del género que no pueden faltar.
Hay que destacar el diseño de producción que, a partir de un hecho real dentro del ámbito de la Iglesia Católica, llega a la pantalla para inquietarnos y atemorizarnos, como corresponde!
Carlos Pierre


VERGEL
Guion, dirección y fotografía de Kris Niklison. Con Camila Morgado, Maricel Alvarez, María Alice Vegueiro, Daniel Fanego, Daniel Aráoz, entre otros. Música de Arrigo Barnabé. Duración: 86 minutos. Argentina-Brasil


XXXXX- RENACIMIENTO POR AMOR
Encerrada en un duelo imprevisto por la muerte de su pareja, una turista brasileña (Camila Morgado) cuestiona la razón de ser de la existencia, recurriendo a la naturaleza misma, plena de vida, que le ofrece un pequeño vergel cercano. Esa terraza poblada de plantas le da la suficiente fuerza para enfrentar los engorrosos trámites funerarios. Descubre la vida, como oposición directa a la muerte y a la oscuridad por la que atraviesa, en un caracol, en los pájaros, en la gente que habita terrazas vecinas. Su departamento del octavo piso es una cárcel para su dolor, pero esas plantas, ese lugar tan verde que la rodea, es la puerta de salida a la vida misma. De esta manera, conoce a una vecina (Maricel Alvarez) quien le ofrece calidez, afecto y sexo. Dos cuerpos que se unen para alejar la soledad de cada alma.
Kris Niklison entrega, en poco más de 80 minutos, una puesta meticulosa, obsesiva en los detalles, impulsivamente bella y desbordante que supera los límites de un pequeño cuarto: la naturaleza que rescata, libera, el amor que une y sana y aleja la asfixia de la muerte, y restaña el duelo del alma. Dos excelentes actrices dan vida a una historia pequeña pero concreta, real, y, esencialmente, genuina sin ampulosidad. En este sutil contraste se basa el trabajo de Niklison.Fue seleccionada para el BAFICI, así como para los festivales de Gramado, Río de Janeiro y Cartago, entre otros.
Carlos Pierre


LA MÁS BELLA
Guion y dirección de Anne-Gaëlle Daval. Con Florence Foresti, Mathieu Kassovitz, Nicole García, Jonathan Cohen, Olivia Bonamy, Norbert Ferrer, Sébastien Deux, Perrette Souplex, entre otros. Música de Alexis Rault. Duración: 97 minutos.


XXXXX- RECUPERANDO LA AUTOESTIMA.
ESPECIAL PARA LAS MUJERES
Anne-Gaëlle Daval sabe exponer el universo femenino en esta comedia dramática, de claro signo pueblerino, alejada del glamour de París. Rasgos sencillos son el retrato perfecto de la Francia interior, donde la pasión existe con intensidad pero tiene otro ritmo.
Lucie (Florence Foresti) necesita recuperarse de su cáncer mamario, y lograr una mejor autoestima, con su calvicie a cuestas oculta con una peluca. Inicia un camino reparador del alma en un curso especial: su cuerpo merece una revaloración y su espíritu también. Un joven encantador, arrogante, Clovis (Mathieu Kassovitz) se le acerca, intenta seducirla, pero Lucie se resiste. Está aferrada a su pequeña familia, su madre, su hija adolescente, sus hermanos, con quienes conforma un núcleo cerrado entre las colinas de la bella Lyon. El progreso en el reconocimiento de Lucie de que aún puede agradar, aún puede amar, que puede desnudarse y mostrar sus cicatrices sin horrorizar, son un ejemplo muy actual del largo camino que recorren miles de mujeres en todo el mundo para superar uno de los males más temibles cuando no es tomado a tiempo. El amor está en ese joven que no abandona el propósito de amarla. Será su objetivo.
La autoestima abandonada, el no bajar los brazos, el amor, son elementos que toma Daval como columnas de su relato, quitándole fatalidad. Encara el rol de la mujer de hoy que enfrenta el compromiso de la superación en todos sus aspectos. Tema muy profundo tratado con honesta sencillez y hasta toques de humor. Buenas actuaciones, trama sólida sin complejidades, colaboran con una narración efectiva y real.
Carlos Pierre


HABLEMOS DE AMOR
De Sergio Rubini. Con Fabrizio Bentivoglio, Isabella Ragonese, María Pía Calzone, Sergio Rubini. Fotografía de Vincenzo Carpineta. Música de Michele Fazio. Guión de Carla Cavalluzzi, Diego de Silva y Sergio Rubini, basado en la obra de teatro “Provando… dobbiamo parlare”, de Diego de Silva.


XXXXX. VERDADES QUE OFENDEN
Sergio Rubini es un afamado actor y director de cine. En este film encarna a Vanni, el esposo de la joven pareja que conforma junto a Linda (Isabella Ragonese). La película es atractiva por el tema si bien, desde el punto de vista cinematográfico, es teatral, correspondiendo al original de Diego de Silva. De allí que las secuencias responden a una sola escenografía: el departamento de Vanni y Linda que alquilan en el centro de Roma. Están por salir a una cena, y tienen un matrimonio amigo que suele “sacarles” mucho tiempo. Aparece, luego de llamar, Costanza (M.P. Calzone), una mujer adulta esposa de un cirujano afamado, al que le descubrió una amante. Luego llega Alfredo (Fabrizio Bentivoglio), el marido en cuestión, y la pareja comienza a discutir. Se plantea el tema de estar casados legalmente y el de estar unidos, como los jóvenes. Y, en definitiva, es un conflicto ideológico que existe en la sociedad italiana, que es muy politizada: por un lado, los progresistas como Vanni y Linda que no creen en “los papeles”, y por el otro, los conservadores o de “derecha” como Alfredo y Costanza que creen en el casamiento civil y la fidelidad a ultranza. Las discusiones entre los cuatro personajes son muy interesantes, es asistir a una obra de teatro con una habilidad particular aunque no novedosa: transformar el conflicto de los adultos en el del matrimonio joven, a partir de otros elementos. En este caso, el de la competencia laboral.
Estos cuatro personajes dejan ver claramente la actitud de los que peinan canas y la de los jóvenes: la diferencia es abismal. Mientras los primeros resuelven el conflicto o tragan las rabias, como se quiera, la pareja joven opta por lo opuesto. La pregunta surge espontáneamente: quién transfiere problemas a quién? Es transferir o cambiar actitudes? Es temor por la edad a la soledad o sólido amor entre los mayores? Es una cuestión de unión sin futuro, muy del aquí y ahora, la de los más jóvenes? Nada es tan así ni en uno ni en otro caso. El final es abierto y da para pensar.
Elsa Bragato


THE POST: LOS SECRETOS DEL PENTÁGONO
De Steven Spielberg. Con Meryl Streep, Tom Hanks, Bob Odenkirk, Tracy Letts, Sarah Paulson, Bruce Greenwood, entre otros. Música de John Williams. Duración: 115 minutos.


XXXXX- SPIELBERG CON ESPÍRITU CLÁSICO
Steven Spielberg logró reunir como protagonistas a Meryl Streep y Tom Hanks en una interesante historia que sacudió las cimientes del periodismo norteamericano en 1971: el Washington Post quedó a cargo de Katherine Graham (Mery Streep) luego del suicidio de su esposo, dueño del diario, y su director Ben Bradlee (Tom Hanks, con peluquín veinteañero que le sienta bien) será quien la ayude en la difícil etapa de transición gerencial. ¿Una mujer al frente de una editorial tradicional? Además del conflicto sobre la libertad de expresión y la denuncia explícita de los secretos del Pentágono encubierto por tres presidentes (Eisenhower, Kennedy y Johnson), Spielberg apoya el trabajo de la mujer en tiempos donde se lucha por la igualdad entre ambos sexos en el campo laboral y legislativo.
El Post y The New York Times tuvieron un mismo informante sobre las mentiras que el Secretario de Defensa Robert McNamara (Bruce Greenwood): un soldado que decide descubrir los archivos que se guardan sobre la guerra en Vietnam aún en curso. El rechazo del ex presidente Nixon, alertado por los servicios de inteligencia, a la publicación de la verdad y la prohibición de ingreso a la Casa Blanca de los periodistas del Post fueron los primeros pasos que los directivos de ambos diarios decidieron llevar a la Justicia por no cumplirse con la Primera Enmienda de la Constitución de los Estados Unidos, que asegura la libertad de religión y de opinión, en principio.
El film trabaja más la relación entre Graham y su director Bradlee que el subtema fundamento del film: el informante que roba los archivos del Pentágono asqueado por la mentira; la guerra de Vietnam no se ganaba, se enviaba a miles de soldados a morir para asegurar ventas de armas y no para dar seguridad a los vietnamistas. Es decir, Spielberg desnuda, en un relato muy clásico, la hipocresía política y la mentira constante de los altos mandos militares en concordancia con los políticos para justificar matanzas horrorosas de civiles y soldados en favor de intereses económicos. McNamara tuvo la cara de piedra de cualquier vocero oficial para ocultar la verdad o bien mentir descaradamente.
Hay un trabajo anterior de Spielberg que tiene mucho en común con el diseño de producción de esta nueva entrega: “Münich”, la venganza israelí contra los asesinos de los atletas israelíes que viajaron a Alemania para participar de los Juegos Olímpicos. Es el mismo tipo de narración, con menos exteriores, donde los diálogos y los gestos de los actores se vuelven fundamentales. Meryl Streep tiene otro rol consagratorio mientras que Hanks aceptó uno secundario para acompañar a su colega, una grande del cine de todos los tiempos. Muy interesante.
Elsa Bragato
 

JUEVES 25 DE ENERO DEL 2018.-
Excesiva cantidad de estrenos. Veamos:
“TADEO JONES 2”
Animación de España.
“El film no parece haber dedicado demasiado esfuerzo a mejorar el diseño genérico de sus personajes secundarios o cuidar mejor la coreografía de sus gags visuales”, de Jordi Costa, Diario El País, España.
“A pesar de que el espectáculo es de nivel, se está ante un producto excesivamente cerebral y precocinado que, paradójicamente, mejora al nterior pero carece de su frescura y su espontaneidad”, de Alberto Luchini, Diario El Mundo, España.


“VICTORIA Y EL SEXO”
Film francés, con varias nominaciones en diferentes muestras internacionales.
“Animada aunque algo decepcionante. A pesar de su gran cantidad de energía y su extravagancia, “Victoria” en su mayoría es rara de forma gratuita”, de Jordan Mintzer, The Hollywood Reporter.
“La vida sexual de Victoria es el aspecto menos interesante de “In bed with Victoria”. Lo que Triet ha hecho es demostrar que la gente puede permitirse ser complicada… y a veces contradictoria”, de Peter Debruge, Variety.


EL ÚLTIMO TRAJE
Guion y dirección de Pablo Solarz. Con Miguel Ángel Solá, Ángela Molina, Martín Piroyansky, Natalia Verbeke, Julia Beerhold, Olga Boladz, entre otros. Música de Federico Jusid. Duración: 86 minutos. Argentina-España.


XXXXX – INSUPERABLE MIGUEL ANGEL SOLÁ
Abraham Bursztein (Miguel Ángel Solá) es un sastre judío de 88 años que quiere cumplir con una promesa: un amigo lo salvó de la muerte, lo curó y lo escondió de los nazis en el final de la Segunda Guerra Mundial. Siete décadas después, Bursztein siente la imperiosa necesidad de volver a su Polonia natal y encontrarlo: llegar a Varsovia no le resulta nada fácil, llevando su último traje azul para su amigo. Buenos Aires queda atrás, con sus tres hijas que lo quieren llevar a un geriátrico y ya le vendieron la casa. “Abraham”. Miguel Angel Solá en una performance increíble!, inicia una road movie emocional, personal, recibiendo la ayuda de mucha gente en su largo camino hasta su país natal. María González (Ángela Molina), dueña de un hotelucho de Madrid; Leo (Martín Piroyansky), músico argentino que vive en Madrid de modo precario: Claudia Bursztein (Natalia Verbeke), su hija díscola con la que está peleado desde hace diez años y que vive en Madrid; Ingrid (Julia Beerhold), joven antropóloga, hija de un nazi de la SS ; y Gosia (Olga Boladz), enfermera polaca que le salva la pierna a punto de ser amputada. No es un viaje insípido sino tenso y conmovedor.
El director Pablo Solarz escribió el guion inspirado en una charla que escuchó al pasar en un bar, donde se hablaba de Polonia y la persecución nazi a los judíos, y lo relacionó con la experiencia de sus mayores, que fueron asesinados en ese país a manos de los nazis por la delación de los polacos. La narración emana el dolor personal e íntimo por lo que es profundamente creíble, dentro de un clima de empatía con el protagonista, Es que si el protagonista no siente como propio el dolor de su personaje, es imposible que el director logre su objetivo: emocionarnos con una historia simple y semiautobiográfica, apuntalada por aspectos técnicos relevantes como la fotografía, el make up, el diseño de arte en general. Las locaciones también son visualmente interesantes: desde Buenos Aires hasta Madrid, pasando por Las Palmas de Gran Canaria, Varsovia y Lodz. Y nuevamente vuelve a brillar con gran sonoridad la banda sonora del argentino Federico Jusid, hijo de Juan José Jusid y Luisina Brando, radicado en Europa desde hace años.
Es indudable que Miguel Angel Solá es el portador por antonomasia del andamiaje de este relato, sostenido por su enorme capacidad actoral. Y, aunque se notan ciertas exageraciones, aun así la ternura y la emoción de la historia así como su realización merecen todos los elogios. Para ver sin dudar.
Carlos Pierre


EL TESTAMENTO
Guion y dirección Amichai Greenberg. Con Ori Pfeffer, Rivka Gur, Hagit Dasberg, Orna Rotenberg, entre otros. Música de Walter W. Cikan y Marnix Veenenbos. Duración 90 minutos. Israel-Austria. Mejor largometraje en el Festival de Haifa, nominada como Mejor Película en el Festival de Cine de Venecia.


XXXXX- MEMORIA VIVA
El título correcto de esta coproducción es “el testimonio” y no el “testamento”, si bien es el título en inglés. Las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial han sido, y lo seguirán siendo, devastadoras. El Holocausto innegable sigue surgiendo de las entrañas mismas de la tierra. Hasta llegar a una narración de este tipo donde el documental roza con la ficción propuesta. “Yoel” (Ori Pfeffer) es un historiador minucioso abocado a luchar contra la negación del asesinato de judíos ordenado por Hitler a partir de un hecho innegable: la aparición de 200 cadáveres de judíos en un terreno ubicado en Austria (Rechnitz) a punto de ser preparado para una nueva construcción. La búsqueda de identidades, la investigación de “Yoel” sobre los restos descubiertos, los plazos impuestos para la realización del proyecto urbanístico, provocan errores, controversias, con las autoridades austríacas. ¿Hay identidades reales, las hay falsas? Quién es quién? En verdad, el quid del film desnuda una verdad tal vez menor dentro de la narración pero esencial al mismo tiempo.
Amichai Greenberg es un realizador avezado en documentales de televisión por lo que supo trabajar este aspecto, el del documento, así como generar atrapantes personajes en dos líneas argumentales que convergen inevitablemente en el Holocausto y su siniestro legado. El trabajo de Yoel, científico, meticuloso, hasta árido por momentos, es el vehículo a través del cual el film restaura la memoria sobre lo ocurrido en los campos de concentración nazis y desnuda situaciones tragicómicas que, en verdad, desarticulan identidades generándose conflictos prácticamente insolubles.
Por un lado, la investigación necesaria y que no termina aún a tantas décadas después de la gran masacre de Hitler: por otra parte, la historia personal del protagonista y de su madre que aporta una cuota satírica a un tema intensamente denso. Película muy interesante y bien narrada que no hubiese desmerecido el género del documental por sus testimonios.
Carlos Pierre


APUESTA MAESTRA (MOLLY’S GAME)
Guion y dirección Aaron Sorkin. Con Jessica Chastain, Idris Elba, Kevin Costner, Michael Cera, Samantha Isler, Chris O’Doud, jeremy Strong, Bill Camp, entre otros. Duración: 141 minutos. Música de Daniel Pemberton.


XXXXX – ENTRE CISMAS Y AB ISMOS, MONUMENTAL BIOPIC
El guionista Aaron Sorkin ha devenido en director de largometrajes debutando con “Mollys Game”. Está presente el fuerte timón que sostiene Sorkin: el guion y la dirección que lo lleva a escena, que le da vida. Basándose en la vida real de Molly Bloom, ex patinadora olímpica y generadora de elegantes guaridas para jugar póker, logró un thriller atrapante, avasallador, valiéndose de la palabra, de diálogos inteligentes, una de sus armas más notables como guionista. Minucioso, con voluntad de contar hasta el mínimo detalle, perturba la duración de la película aunque no hace desmoronar la historia. Flores y espinas de su enorme carrera de guionista y más que auspicioso realizador.
Molly Bloom existe, está en la ruina: su vida resultó un material muy atractivo para el cine a partir de su libro. Luego de la lesión que la sacó de la carrera deportiva, inició Derecho pero encontró en las partidas de póker clandestinas su realización personal. Impetuosa y carismática, se relacionó con las figuras más rutilantes de Hollywood y del mundo de los negocios, a quienes jamás delató a pesar de recibir condenas tanto de cárcel como actividades comunitarias. Por allí se habla de Di Caprio y de Ben Affleck… Pero de la boca de Molly jamás salieron sus nombres. Igual disciplina y tesón volcó en la carrera delictiva que en el deporte, éxito millonario que duró una larga década hasta que aceptó que la mafia rusa ingresara a sus exclusivas mesas, por lo que el FBI inició la investigación. De la opulencia pasó a ser camarera en Los Angeles, sufrió amenazas y agresiones, su vida fue un devenir de cimas y abismos, pero no desfalleció nunca fortalecida por el orgullo férreo que su padre irlandés (Kevin Costner) le inculcó.
Deslumbra Jessica Chastain una vez más, destacándose dos emotivas secuencias que mantiene con Kevin Costner al comienzo y al final de la película. Los diálogos de Sorkin tienen fuerza dramática que contienen emoción, sutileza, amor filial. Sobrevuela una brisa literaria, la irlandesa del Ulises de James Joyce, con el nombre de la protagonista, Molly Bloom, esposa del personaje Leopold Bloom. Y aún la griega hechicera Circe, de La Odisea, que convertía a los hombres en animales. Mencionada en uno de las secuencias por uno de los asistentes a los juegos, hace referencia a que quedará desplumado, descarnado, por la subyugante anfitriona.
Aaron Sorkin transformó el libro de Bloom en un texto majestuoso en lo formal y en lo conceptual. Monumental biopic que estremece por la actuación de Chastain y por la capacidad de Sorkin para aunar tantos decires y haceres en una narración cinematográfica impresionante, fundamentada en parlamentos que pocas veces se escriben para una película.
Carlos Pierre


UN AMOR INSEPARABLE
De Michael Showalter. Guion de Emily V. Gordon y Kumail Nanjiani. Con Kumail Nanjiani, Zoe Kazan, Holly Hunter, Ray Romano, Linda Emond, Vella Lovell, entre otros. Música de Michael Andrews. Duración: 119 minutos.


XXXXX- EL AMOR ES MÁS FUERTE
El título en inglés es THE BIG SICK, y, en verdad, es esa enfermedad que nos cuentan la que, de alguna manera, concentra y explica la historia de amor propuesta. Kumail Nanjiani y su esposa escribieron el guion, y el propio Kumail interpreta el rol protagónico sobre un hecho real. Él, un joven pakistaní que hace stand-up en una pequeña sala de Chicago, conoce una noche a una joven americana llamada Emily, y se enamoran. Los padres de Jumail son musulmanes ortodoxos y rechazan el noviazgo.
Solo la repentina enfermedad de Emily y su larga internación, ponen a prueba el consecuente amor de Kumail, quien la cuida con innegable amor. Este hecho, este costado “médico” de esta historia romántica, le da un contenido diferente que tiene consecuencias: mientras los padres de Emily aceptan la relación o se acostumbran a Kumail, la resistencia pétrea de los padres de él va cediendo, si bien será su madre quien más se resista. Hábil, ágil, triste y melancólica, “Un amor inseparable” es mucho más que una comedia romántica y de las mejores: es aleccionadora, humana, se basa en hechos reales, y su guionista y protagonista Kumail Ninjiani (mantiene en el personaje su nombre propio) tiene el magnetismo necesario para atraparnos porque transmite con ingenio y notable sensibilidad su propio noviazgo y superación de tantos escollos. Su amor fue más fuerte. Romántica, a pesar de la negación obstinada de este noviazgo por los padres musulmanes, esta película inteligente, por momentos hilarante, conmueve y gratifica los verdaderos sentimientos. Porque no es menos cierto que, ante tantas dificultades, uno está deseando ese final feliz que también se da en la vida. Multinominada en festivales y premiada en otros, es para disfrutar con el corazón. Y después de tantos efectos especiales, nos la merecíamos!
Carlos Pierre


MAZE RUNNER: LA CURA MORTAL
De Wes Ball. Con Dylan O’Brien (Thomas), Thomas Brodie-Sangster (Newt), Rosa Salazar (Brenda), Ki Hong Lee (Minho), entre otros. Guión de TS Nowlin sobre la novela de James Dashner. Música de John Paesano. Fotografía de Giula Pados. Duración: 142 minutos.


XXXXX- DISTOPÍA ATERRADORA
Hacedor de sagas, James Dashner es el autor de “Maze Runner” que llega, con “La cura mortal”, al tercer libro llevado a la pantalla. Pero tiene varias series más que podrían continuar con las historias de los chicos encerrados en un laberinto, en realidad en un terreno cercado por paredes de metal que se abren y cierran a determinadas horas, se mueven, se trasladan, son sometidos a pruebas y finalmente deciden terminar con los malvados adultos que los someten a torturas para encontrar una sangre fuerte que los salve de la inminente muerte a raíz de un virus. Para llevar a cabo las películas, con tantos efectos especiales, se necesitó de alguien especial y fue Wes Ball, joven egresado de artes visuales de dos universidades norteamericanas. Es él el creador de las narraciones en las que sintetizó las historias distópicas de Dashner. Más que analizar el guion en detalle, salvo indicar que “Thomas” quiere salvar a “Minho” de las horribles torturas que recibe para donar sangre ya con anticuerpos que ha generado contra el virus que transforma a la humanidad en bestiales zombies, hay que detenerse en los conceptos que conllevan tanto Dashner como Ball.
Es inevitable que surjan estas historias en un mundo donde dos presidentes de países opuestos geográficamente se chicanean con armas atómicas, o vivir en medio de ladrones que tienen la complicidad de la justicia. La distopía existe al alcance de la mano. Y forma parte de nuestras pesadillas. Diferentes? Sí, porque todavía los humanos torturados por crueles métodos de investigación no son masivos, aunque existen…, y porque la hipertecnología es privilegio de pocos y porque los ciberterroristas están más concentrados en los países mal llamados del primer mundo que en nuestras tierras.
La unión de tantos males y la imaginación de Dashner unida a la increíble imaginación tecnológica de Ball hicieron el resto. De principio a fin hay una tensión creciente que impide desligarse de lo que pasa en la pantalla. La banda sonora se basa en ruidos metálicos de estilo cósmico con percusión de sonoridad virtual que genera temor, terror, ante lo por venir. Y aquí viene el planteo conceptual que nos hacemos: los adultos con buen poder adquisitivo piensan en sí mismos y no tienen en cuenta a los jóvenes, los que pelean la sobrevivencia. La división es clara: una suntuosa ciudad rodeada por muros y rodeándola la miseria absoluta donde vive la mayoría de los habitantes. Especialmente los jóvenes dispuestos a luchar contra la hegemonía de los poderosos.
Yendo un poco más atrás, la novela “1984” de George Orswell abrió una caja de Pandora terrible: la misión fue condenar a los nazis, pero ese “ojo que todo lo ve” acicateó la imaginación de los que hoy escriben distopías tremendas, pesadillescas, que recuerdan inevitablemente los experimentos de los nazis en los campos de concentración. Esta es la sensación que nos dejó nuevamente la tercera “Maze runner”. Realización notable, tensa y atrapante de principio a fin, aterradora en las torturas, y conceptualmente, el mundo distópico que no deseamos y la pobreza de millones forzada por la bárbara actitud de los que tienen. Buen y atrapante cierre de una trilogía sobre los padecimientos de los jóvenes a manos de adultos.
Elsa Bragato


BARREFONDO
De Jorge Leandro Colás. Con Nahuel Viale, Sergio Boris, María Soldi, Claudio Da Passano, Osqui Guzmán. Fotografía de Leonel Pazos Scioli. Guion del director basado en la novela homónima de Féliz Bruzzone. Duración: 76 minutos.


XXXXX- LO COTIDIANO BIEN NARRADO
Jorge Leandro Colás logra su primer largometraje de ficción con “Barrefondo”, historia pequeña y bien narrada, que se basa en el libro homónimo de Félix Bruzzone (uno de los jóvenes narradores contemporáneos, hijo de desaparecidos, reconocido por su talento literario). Un piletero, Gustavo (Nahuel Viale) trabaja en las casas de countries junto a su ayudante, Osqui Guzmán (notable maestro de actores!), apodado el “boliviano”. En su casa lo espera su mujer, embarazada, con la que mantiene poco diálogo, y tolera a su suegro, un elemento “perturbador” que utiliza muy bien Colás como pivot entre los “malos” y los “buenos”. “Pejerrey” (Sergio Boris) es un malviviente que lo contacta: Gustavo pasa de piletero a delator: es el mejor “datero” para Pejerrey.
En cómo está narrada la historia se encuentra el secreto de su atractivo: aún sin complejidad argumental ni de elenco, atrapa por la solidez con que se plantea cada personaje y su historia. Hay climax, una dura secuencia entre el piletero y los secuaces de Pejerrey mientras el personaje del “suegro” se define. Y es además un buen retrato de la relación empleado-dueño donde el “mirar de arriba” suele generar rencores pequeños cotidianos cuya sumatoria puede transformar en delincuente al menos pensado. La apatía de los personajes, que se prolonga hasta la mitad de la película, es llamativa. Pueden confluir elementos que están en la propuesta: el verano del conurbano bonaerense, la población de vacaciones y la letanía que impone el excesivo calor. Interesante primer paso en la ficción de Colás, sin altibajos ni exageraciones.
Elsa Bragato


LA OBRA SECRETA
De Graciela Taquini. Guion de Andrés Duprat. Con Daniel Hendler y Mario Lombard. Dirección de arte de Catalina Oliva. Música de Diego Bliffeld. Duración: 66 minutos.


XXXXX- CUESTIÓN DE ARTISTAS
Que dos personas ligadas profundamente al arte confluyan en un documental da un plus de calidad fuera de la común, apreciable en “La obra secreta”, de Graciela Taquini, licenciada en Historia de las Artes, miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes, gestora cultural, artista quien logra a los 75 años su primer docuficción. Por su parte, Andrés Duprat, guionista de Taquini, es director del Museo Nacional de Bellas Artes y escritor cinematográfico (“Todo sobre el asado”, “Querida voy a comprar cigarrillos y vuelvo”, “El ciudadano ilustre”, entre otros). El arquitecto francés, además de otras actividades ligadas a la cultura, visitó Buenos Aires por considerarla una ciudad en la que se podía innovar y llevar a cabo el concepto de que los espacios pequeños requerían de gran imaginación, a partir de la creciente clase media del país. Sin embargo, solo dejó una obra arquitectónica en el país que está en la ciudad de La Plata, la casa Curutchet (fue vista y visitada para el rodaje del film “El hombre de al lado”, 2010, con Daniel Aráoz, con guion de Gastón Duprat, hermano de Andrés). La ficción planteada por Duprat y escenificada por Taquini tiene varios hilos argumentales que se unen perfectamente: la casa en sí que tiene un guía, Elio Montes (Daniel Hendler), estudioso de la obra de Le Corbusier y estudiante de arquitectura, y Mario Lombart, quien compone a Le Corbusier, cuando llega al país 50 años después de su muerte: es que la casa Curutchet la terminó en 1949 (los registros históricos indican que se hizo entre 1949 y 1953) pero la hizo a distancia, viviendo ya en París, y jamás la visitó. Llegó el momento de hacerlo.
La narración nos lleva a las visitas guiadas de Elio Montes y al pensamiento de Le Corbusier, quien nos habla en su idioma natal con subtitulado, dándole verosimilitud a la ficción. Es un documental que tiene las características de ficción, donde Daniel Hendler, valiéndose de su “Elio”, cuenta las características de la famosa casa platense revelando los cinco puntos fundamentales del arquitecto francés. Si la pretensión de Taquini y Duprat fue esencialmente lo artístico, ambos lo lograron con una actuación simpática de Daniel Hendler y un muy buen casting para encontrar al émulo de Le Corbusier. Elegante, simple, y bien construido, este docu-ficción tiene la pátina de dos artistas, Taquini y Duprat, sobre un tercero: Le Corbusier. Respecto del título, La obra secreta, pensamos que no lo es aunque estuvo “escondida” para su autor quien, con permiso del tiempo, regresa para verla. Imperdible.
Elsa Bragato