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Comentarios de CINE
Por Elsa Bragato

BRAGATISSIMO
www.arinfo.com.ar

Sábados de 16 a 17

ELSA BRAGATO Y CARLOS PIERRE

 

*Colaboración del crítico y productor Carlos Pierre

http://www.elsabragato.blogspot.com  El site de Elsa Bragato

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JUEVES 27 DE ABRIL DEL 2017.-

Cerca de nueve estrenos se anuncian este jueves. Entre ellos, varios documentales nacionales, a saber:

1.-XXXXX-Todo sobre el asado, documental de Gastón Duprat y Mariano Cohn (“El candidato), que se presentó en el Festival de San Sebastián. Para quienes aún quieren comer carne a la “argentina”, este docu les encantará dado que se muestra desde el inicio la preparación de este plato, entre salvaje y delicado, típico de nuestro país.

2.- XXXXX-Trabajadores de la Danza, de Julia Martínez Heimann y Konstantina Bousmpoura. Pormenoriza la formación de la Compañía Nacional de Danza Contemporánea, a dos días del Día Internacional de la Danza, el 29 de abril, fecha determinada por la Unesco desde 1982 en memoria de Jean George Noverre, creador del Ballet Moderno. La idea es concientizar sobre una actividad artística que está requiriendo, desde el 2014, la Ley Nacional de Danza Contemporánea, para salvaguardar los derechos de todos los que se involucran en el ballet, tanto los bailarines como quienes están detrás de escena.

3.- XXXXX-Una historia de madres, de Ernesto Gut. Es un documental necesario, que recoge interesantes entrevistas sobre el comienzo de las Madres de Plaza de Mayo (han merecido una obra de teatro en Francia) que se produjo en diciembre de 1977, para reclamar la aparición con vida de sus hijos, maridos y nietos, búsqueda que continúa hasta hoy.

4.-XXXXX- La promesa, de Terry George. La historia se ubica en 1920, luego de la primera guerra mundial y del genocidio armenio. Tienen un elenco importante formado por Chrstian Bale, Charlotte Le Bon, Jean Reno, James Cromwell, entre otros. Si bien la primera impresión es positiva, cae en el melodrama rápidamente: un trío amoroso entre un reportero de una famosa agencia de noticias internacional y una bella armenia. Siempre hay intenciones honestas en este tipo de producciones, pero no siempre se logra el objetivo de conmover, como sucede en este caso.

PERSONAL SHOPPER

Guión y dirección Olivier Assayas. Con Kristen Stewart, Lars Eidinger, Sigrid Bouaziz, Anders Danielsen Lie, Ty Olwin, entre otros. Fotografía de Yorick Lesaux. Edición de Marion Monnier. Duración 105 minutos.

XXXXX- FANTASMAS EN PARÍS

Olivier Assayas, de vastísima filmografía, ama el mundo fantasmagórico y, en Personal Shopper, decidió ser más explícito y usar efectos visuales que den idea bien clara de esas almas en objetos que se mueven, así como indagar qué ocurre en la mente, cuáles son los demonios que la habitan, qué miedos, ansiedades y neurosis, se tienen.

En ese mar de introspección, la belleza de París y sus altas casas de moda, transcurre una narración que confunde, despista pero atrapa. Kristen Stewart compone a “Maureen”, una joven estadounidense que se gana la vida como asistente de compras de una celebrity, encargándose de renovar su vestuario. Recorre tiendas de lujo, guiada por un muy buen gusto, en medio de un “status” social vacío. Surge un universo de elementos que juegan en contra de la introspección que Assayas promete. Ésta reside en la cualidad psíquica de Maureen cuyo hermano gemelo falleció. Ese espíritu no la abandona y, con mirada baja, busca a ese ser con quien compartió tantos sentimientos. En la mensajería de Apple encuentra cierta materialización. Assayas contrapone el mundo de la tecnología hasta el narcisismo de las selfies con la espiritualidad compulsiva de un personaje que tiene el alma presa por el recuerdo o una presencia. Kristen Stewart ha crecido notablemente como actriz, y lleva sobre sí el peso de esta historia casi como un unipersonal. Ciertamente, el mérito de Assayas está en tener al espectador sobre ascuas, confundirlo, sumirlo en la belleza de los escaparates parisinos mientras la tribulación de Maureen es el desconcierto y la desesperación espiritual que acicatea la curiosidad y la inquietud.

En esta oposición está el logro de Olivier Assayas, generando dudas, perturbación, con cierto derroche en la dirección actoral que desmerece por momentos la performance de la actriz. No obstante, hay una muy interesante valoración del psiquismo, transformándose en un singular film del notable director francés.

Carlos Pierre

LA POSESIÓN

De Alastair Orr. Con Caryln Burchell, Gustav Gerdener, Sharni Vinson, Steven John Ward, Zino Ventura. Basada en la novella “From a house on Willow Street” de Cathy Kelly. Música de Andries Smith. Duración: 90 minutos.

XXXXX – TERROR DESDE SUDÁFRICA

Toda una curiosidad: desde Sudáfrica llega “La posesión”, basada en el libro “From a house on Willow Street”. En esa calle, habitan un matrimonio cuyo marido es un contrabandista de diamantes (la obtención de diamantes llevan a la esclavización de africanos por parte de compañías europeas; como ejemplo está el film “Diamantes de sangre”) y la hija, millonaria heredera. Un grupo de jóvenes deciden raptarla para pedir rescate, pero no será tan simple a pesar de que la joven los advertirá: hay un espíritu satánico campeando. Es decir, se esconde algo macabro en esa casa y en sus habitantes. Seres asesinados, fantasmas que vomitan sangre, sótano lúgubre. Alastair Orr nos cuenta una historia de género con todos sus clishés, sus gags, pero esto no quita tensión ni perturbación al espectador. Se genera un clima de terror, con los consabidos sustos de cortes de luz, gritos, aullidos, y apariciones espantosas, y la conversión de cada joven en un monstruo. Que obliga a atarse a la butaca. Algo de “El exorcismo” en todas sus versiones y de todos los clásicos del terror está presente en este film que, sin ser sobresaliente, cumple con su cometido: asusta y cómo.

Lo gore, lo desagradable, agregan su horrible cuota mientras la joven heredera desarrolla una fuerza brutal que hace levitar a sus captores hasta asfixiarlos. Su rostro es otro terror más: un ser de ultratumba surcado por negras venas. Para un target bien definido: los adolescentes que aman este género. Impacto visual importante.

Elsa Bragato

EL ÍDOLO

De Hany Abu-Assad. Con Tawfeek Barhom, Kais Attalah, Hiba Attalah, entre otros. Música de HAbib Shehadeh Hanna. Duración: 98 minutos. Nominada a los Premios Oscar como Mejor película extranjera. Palestina

XXXXX - BELLA HISTORIA DE TESÓN

Basada en hechos reales, el director palestino Hany Abu-Assad toma la historia del pequeño “Mohammed Assaf” desde su niñez (un espectacular niño llamado Kais Attalah) hasta su consagración en el ciclo “Arab Idol”, la versión egipcia del “Got Talent” americano y europeo, es decir, en sus diferentes versiones. Pero Muhammad vive en Palestina y cumplir con sus sueños, ayudado por su hermana y dos amigos más, es algo casi imposible. Ser músicos, cantar, está reducido al canto en las mezquitas de este pequeño con voz sobresaliente. Aún con el paso del tiempo y una serie de sufrimientos familiares, continúa soñando con ir a El Cairo y participar del famoso concurso. Nada es fácil. Vive en Palestina, no tiene Visa para Egipto, y sus compañeros de culto consideran su vocación como un pecado por lo que es perseguido.

Es una narración emotiva, con pinceladas fuertes del entorno familiar y social del pequeño y luego adolescente Muhammad, la pobreza casi extrema, la falta de recursos, la perseverancia de ese grupo de chicos de hacer música en casamientos y fiestas para ganar algo de dinero. Encuentran en sus padres mucha comprensión pero no es la que existe a nivel social.

El sueño de Muhammad, que encanta con su voz cantando las melodías orientales con singular afinación, poco a poco se convierte en el de la comunidad en la que vive. No le falta nada, salvo cumplir con su sueño.

La narración mantiene un ritmo más que atractivo, atrapa al espectador, emociona, duele en algunas secuencias, arranca lágrimas en otras. Hay parlamentos sublimes como, por ejemplo, cuando Muhammad dice: “Las aspiraciones son iguales, comunes a todos los pueblos, pero no nos damos cuenta”, o el latiguillo que repite con su hermana en una situación lìmite: “Seremos grandes y cambiaremos el mundo”.

Suspenso, emoción, ritmo, y una sentida humanidad en estos niños inteligentes que tienen sueños como cualquier otro chico del mundo, le dan al film de Abu-Assad hondura existencial.

Elsa Bragato

MÍO O DE NADIE

De Denise Di Novi. Con Rosario Dawson, Katherine Heigl, Cheryl Ladd, entre otros. Música de Toby Chu. Duración: 95 minutos.

XXXXX - VENGANZA FEMENINA

La venganza femenina es un tema recurrente, especialmente entre los hombres. Siempre se afirma que lo mejor es no tener el despecho de una ex, novia, amante o esposa. En el caso de “Mío o de nadie”, el título en castellano explicita la historia que se va a ver. Funciona como un thriller para televisión, un telefilm. Pero… funciona.

Una bella mujer, encarnada por Katherine Heigl, recientemente divorciada, no acepta a la nueva compañera de su ex marido, la estupenda afroamericana Rosario Dawson, y mucho menos que se haga cargo de su pequeña hija durante algunos días. Los celos van creciendo y también el ritmo narrativo que incursiona directamente en el thriller “gore”, se despista hacia el sexo virtual en escasa dosis (por suerte), y termina como una tragedia shakespeareana.

A pesar de la moralina y de los clishés, el film atrapa por su buena narración, sin pausa. La actuación de George Stults como el ex marido que no sabe a quién creerle, es buena si bien no llega a ningún climax histriónico. La pequeña Isabella Kai Rice compone a la hija del ex matrimonio que debe afrontar los celos de su madre mientras se adapta a la nueva esposa de su papá.

La venganza es el manjar de los dioses, así dicen, pero muchas veces se transforma en el infierno de un grupo familiar. Esto más que conocido por todos no hace mella en esta película previsible y ágil que no provoca una explosión de existencialismo pero funciona, dejando un mensaje bien claro: la diferencia entre los celos normales y la frustración de una mujer, y la psicopatía, más común de lo que se cree. La historia se defiende muy bien.

Elsa Bragato

LOS PADECIENTES

De Nicolás Tuozzo. Basada en un libro de Gabriel Rolón. Con Benjamín Vicuña, Eugenia Su´`arez, Pablo Rago, Angela Torres, Luis Machín, Nicolás Francella, entre otros. Música de Sebastián Escofet. Duración: 116 minutos.

XXXXX –MÁS QUE DECEPCIONANTE

Si bien el psicólogo y escritor Gabriel Rolón tuvo que ver con la adaptación de su tercer libro, Los padecientes, junto al director del film, entre otros colaboradores, algo pasó en el camino porque la narración es fragmentada, confunde, mientras se intenta seguir el hilo de la historia.

El cuerpo de un rico empresario es encontrado en una laguna y se culpa a su hijo quien ha tenido brotes psicóticos, por lo que está internado. Pero para llegar a él, aparece primero su hermana (Eugenia “La china” Suárez), en el consultorio de un famoso psicólogo (Benjamín Vicuña), pidiéndole que lo salve de ir a la cárcel por su condición mental.

A partir de allí, comienza la incredulidad del espectador: la historia se enmaraña, aparecen personajes de todo tipo y color, la cámara recorre distintos espacios (consultorio, clínica psiquiátrica, gimnasio de boxeo, confiterías, mansiones, entre otros) en un sinfín que confunde. La tensión generada al comienzo se diluye rápidamente en largos parlamentos declamatorios de algunos personajes, mientras se agiliza cuando actúan Osmar Núñez, Benjamín Vicuña, Pablo Rago, o Luis Machín. Incluso la joven Angela Torres encarna un convincente rol de hija de un depravado. Pero está el latiguillo de la moraleja: hay que terminar con los violadores familiares, hoy se encontró a uno asesinado, pero quedan muchos más…

La belleza del rostro de Eugenia Suárez no compatibiliza con su falta de formación actoral, la carencia de toda convicción, y resulta menos creíble cuando intenta ocupar el personaje de una paciente de quien es su pareja en la vida real. Si alguna duda quedaba, ésta se desmorona sobre el final por el guiño amoroso entre los dos.

Por otra parte, hay que rescatar la narración de Tuozzo que utiliza muy bien todo tipo de tomas, incluso las toma-secuencias, los planos subjetivos, y trabaja con el pasado y el presente de los personajes con gran agilidad. Sin embargo, el ritmo cae cuando el atribulado psicólogo (Vicuña) va entrevistando a los familiares del occiso, en charlas interminables, cámara de plano y contraplano, y una exasperante psicología barrial que va descubriendo en cuadros, en gestos, de los integrantes del muerto.

Félix Mendelsshon es el convidado de piedra: su maravilloso concierto para violín en mi menor, Opus 64 (1844), es el sueño del personaje de Angela Torres. Aquí nos detenemos porque la orquesta que lo interpreta con ella como solista está doblando a la maravillosa San Martin in The Fields. Así se descubren músicos que no mueven el arco ni los dedos, o sea son extras, y a una Angela Torres que no sabe poner el arco, aunque su personaje reconoce que es el secreto del sonido.

Lamentablemente, se cae en el golpe bajo: el occiso no solo violaba a sus hijas sino que realizaba orgías entre sus pares, por lo que los relatos de los personajes están plagados de escenas sexuales, siendo una de las más fuertes la que protagonizan Luis Machín como el depravado padre con su hija en la ficción, la China Suárez. En dirección actoral, se cuidó muy poco en algunas secuencias a Nicolás Francella quien merece otro tipo de oportunidades.

La película es desangelada. No produce empatía. La narración es fragmentada, hay demasiada impostación y exageraciones visuales que dificultan la comprensión, aunque sea previsible desde el comienzo. Salta el “pivot” central: es éste, no, el asesino es el otro, no, tampoco. Hasta que cae en el que todos hemos pensado desde el inicio de la proyección. Para esto, se atravesó por un largo camino que quebró muchas buenas actuaciones o al menos intento de hacerlas. Una gran decepción.

Lo peor:

1.-Pablo Rago intentando cantar cante jondo.

2.- el doblaje de una gran orquesta británica incluyendo a figurantes.

3.- la fragmentación del relato

4.- la aparición de personajes sin ton ni son (la mujer del bar, el hombre “de la noche”, el abogado boxeador, entre otros).

5.- el golpe bajo reiterado (orgías)

6.- la desviación del eje de la historia

Entre otros elementos sin conexión.



Elsa Bragato

 

JUEVES 20 DE ABRIL DEL 2017.-

Menos películas que otros jueves, llegan siete estrenos a nuestros cines. Esto se debe al éxito de “Rápidos y furiosos VIII” y al de “La Bella y la Bestia”. Ambas han logrado, en escasos días, más de un millón de espectadores.

Entre los estrenos de este jueves está la película inglesa “La morgue”, de André Ovredal, que ubica el terror en un lugar poco común desde donde el miedo está de entrada. El cadáver de una joven llega hasta la funeraria donde un médico y su hijo, al que está iniciando en esta cuestión de “destripar” cadáveres, deben encontrar la razón de la muerte de la desconocida. En las morgues de las ciudades los muertos se quedan quietitos. Aquí, una morgue de ficción, el cadáver de la joven asusta ya desde la expresión de su rostro y generará un sinfín de sustos. Sin exageración, es un buen film para amantes del género.

“Chávez infinito” (XXXXX) es un documental sobre el ex presidente de Venezuela Hugo Chávez realizado por la directora argentina María Laura Vázquez, ganadora de varios premios. Conoció al comandante Chávez, a su hermano, a sus amistades, sintiéndose atraída por la avasalladora personalidad de quien fuera presidente de Venezuela. Con este documental, le rinde su personal homenaje.

“Anina” (XXXXX)es una animación realizada por Sebastián Santana en coproducción de Colombia y Uruguay, especialmente, en el 2013. Es la historia de una niña de diez años que se llama “Anina Yatay”, o sea sus nombres son palíndromos, se pueden leer de atrás para adelante y viceversa. Una pelea en el colegio la lleva a vivir una “oscura” penitencia. El dibujo es lineal, lográndose no un equilibro estético entre los colores y la animación que resultan más que agradables y atractivos para los niños y los adultos que los acompañan. Recorrió muchos festivales siendo aplaudida de pie por audiencias de adultos. Se trata de una historia blanca, un entretenimiento válido, simpático y querible.

“Lapsus” (XXXXX) es la ópera prima de Néstor Napolitano, quien también es el protagonista “Javier”, un hombre que tiene “lapsus” de memoria cayendo en extraños estados donde ve crímenes que, de alguna manera, se relacionan con él. La película tiene valor por el desarrollo del personaje principal. El resto tiene una factura muy modesta, aunque hay secuencias donde la fotografía evita la rutina narrativa. Tiene los pro y contra de toda ópera prima, sin pretensiones.

 

LA NOCHE QUE MI MADRE MATÓ A MI PADRE

Guion y dirección Inés París. Con Belén Rueda, Eduard Fernández, Diego Peretti, María Pujalte, Fele Martínez, Patricia Montero, entre otros. Música de Arnau Bataller. Duración: 93 minutos. España.

XXXXX- VODEVIL PARA PASAR EL RATO

De vasta experiencia como guionista y directora de cine y televisión, la española Inés París encontró el tema de esta comedia en una cena de Navidad. Cambió solamente la fecha del calendario, y dio rienda suelta a su imaginación para esta historia de vodevil con “puertas” risueñas, plagadas de enredos, humor negro y abundante ironía.

Solo son seis personajes en escena que incluye la presencia del actor argentino (así presentado) Diego Peretti. Estamos frente a un escenario estático, como si fuese un escenario, un teatro, que va oxigenándose a medida de que ocurren sucesos diversos, algunos gags muy logrados, otros no tanto. Lo positivo es que transcurre en una amplia mansión y eso da aire a la historia y al espectador. La estupenda Belén Rueda compone a una mujer – Isabel - que no quiere verse con años encima aunque los tenga y quiere volver a actuar. De perillas le viene la presencia de una directora amiga y la de un argentino que es actor. El elenco hace una buena performance aunque a uno le hubiese gustado un rol con más “pathos” para nuestro Peretti. Sin embargo, son estos seis intérpretes principales realmente magníficos los que llevan adelante la historia en la que se conjugan una desaforada lucha de sexos, infidelidades, y una situación que los desmadra.

Solo la mano firme y experimentada de la realizadora Inés París logra su cometido, es decir,  hacer reír, producir enredos, encuentros no deseados, velados reproches. Comedia ligera, de entrecasa, tiene una excelente puesta en escena y una muy buena dirección actoral que le permitió ganar en el festival de Málaga 2016 y obtener el Premio Feroz del mismo año. Para pasar un buen rato.

Carlos Pierre

 

FRANTZ

Guión y dirección Francois Ozon. Con Paula Beer, Pierre Niney, Ernst Stötzner, Marie Gruber, Johann von Bülow, Anton von Lucke, Cyrielle Clair, Alice de Lencquesaing, entre otros. Música de Philippe Rombi; duración: 113 minutos. Francia-Alemania. Hablada en Alemán y Francés.

XXXXX- EL REMORDIMIENTO DE UN INOCENTE

“Frantz” es la remake de la película estadounidense “Broken Lullaby” de l932, dirigida por Ernst Lubitsch y protagonizada por Nancy Carroll y Lionel Barrimore. Francois Ozon etoma aquella historia de postguerra, de culpa y perdón, de remordimiento y amor, en una narración diferente cargada de sutilezas y enmarcada en un riguroso blanco y negro para añadir el color solo en secuencias muy puntuales.

Francois Ozon realiza una narración de enorme sutileza dramática, haciendo recaer el peso protagónico en Paula Beer y su personaje de “Anne”, la novia que lleva flores a la tumba de su prometido muerto en guerra (Frantz). Es también una versión libre que realiza Ozón del film de Lubitsch, a su vez basado en la obra teatral “L’homme que j’ai tué”, de Maurice Rostand (1932).

En principio, hay una soberbia recreación de la Alemania y Francia en 1919, luego del armisticio celebrado entre los dos países, y en el que Francia salió triunfadora de la sangrienta guerra de trincheras, luego de la batalla en El Marne.

Pascal Marti (obtuvo Premio a la Mejor Fotografía en los César 2017) es el fotógrafo que realiza una obra de excepción, conmovedora, utilizando las luces y sombras del blanco y negro, con breves  pincelazos de color como apuntamos antes. Amerita recordar que este mismo procedimiento lo utilizó Francis Ford Coppola en “La ley de la calle”, asombrando entonces al espectador.

En casi dos horas, sobrevuela un peso dramático donde, en medio de sentimientos encontrados, aparece un romanticismo agrio y dulzón. La recorrida por lugares típicos de Europa añaden secuencias muy atractivas pero, al mismo tiempo, con subliminales mensajes: zonas de Alemania, de Francia, el Museo del Louvre y el cuadro “El suicidio”, de Edouard Manet, además de una interpretación de “Scheherazade”, de Nicolás Rimsky-Korsakov, en la Ópera de París, detalles narrativos no azarosos que juegan en la historia de los protagonistas.

Para Francois Ozón, esta historia ya contada tuvo dos pivots que él extrajo con suspicacia: “Anne” como eje de la historia y el título original del primer film, “Broken Lullaby”, algo así como el quiebre, la ruptura, de la canción de cuna, ese arrullo melódico, en este caso, que resuena en el alma del soldado francés Adrien (Pierre Niney) ante la tumba del soldado alemán Franzt (Anton Von Lucke). Adrien está cargado de culpa, de remordimientos, porque, un enfrentamiento no buscado por ellos terminó en la muerte de uno de los dos jóvenes. La sinrazón de la guerra, el dolor de los que quedan, la sutileza de enamoramientos que complejizan el drama de los que quedan, son solo algunos temas que, a partir de corrazones quebrados Ozón narra, para ir descubriendo ese secreto que une a estos tres seres como vector irreductible de una historia que bien pudo ser otra.

Aún con cierto convencionalismo, la historia resurge a cada instante porque cada personaje lleva su carga de dolor, de mentiras piadosas, la necesidad del perdón y la misericordia, en una denuncia implacable a los gobiernos que han hecho de la guerra, de la matanza de sus propios hijos, un bastión de poder, de sujeción, de piratería de vidas humanas, en actos salvajes e impiadosos.  El objetivo de Ozon está cumplido: aún con romanticismo y alguno que otro clishé, conmueve.

Carlos Pierre

 

DÍA DEL ATENTADO

Dirección y guión Peter Berg. Con Mark Wahlberg, Devin Bacon, John Goodman, J.K. Simmons, Michelle Monaghan, entre otros. Música de Trent Reznor y Atticus Ross. Duración: 130 minutos.

XXXXX- IMPACTANTE RECREACIÓN DEL ATENTADO EN BOSTON

Peter Berg, reconocido por su actividad documentalista así como por películas como “Deepwater Horizon” y “Lone Survivor”, rinde homenaje a las víctimas del atentado durante el Boston Marathon, ocurrido en abril del 2013. El centro de la conservadora ciudad, miles de personas se reunieron para el evento deportivo más célebre y antiguo de los Estados Unidos. Varios desafíos enfrentó el avezado director: desde el tributo a las víctimas, hasta la resolución de las secuencias de los terribles hechos de la manera más verosímil, y, en esto, evitar la caída en lo gore o aparatoso solo por buscar más taquilla. De allí que se valora su rigurosidad narrativa y bien documentada de este atentado terrorista que dejó 3 muertos y 260 brutalmente heridas y hasta mutiladas.

El film alterna escenas recreadas con las filmaciones reales de ese día que registraron las cámaras de seguridad impregnando el relato de tal contundencia que hace sentir el intenso drama vivido. La policía local y el FBI concurrieron en forma inmediata a buscar a los terroristas que fueron dos, residentes de esa ciudad, uno caucásico y el otro de origen árabe, con tres encubridores. Armaron bombas caseras y las ubicaron en el suelo por lo que la explosión causó aún más daño físico, brutal y sangriento. Un detalle, de los tantos que tuvo en cuenta Berg, es la sobreimpresión de la fecha y hora del luctuoso hecho por lo que el espectador puede saber que recién al quinto día de búsqueda las autoridades pudieron atrapar a los terroristas.

Mark Wahlberg compone a un policía nativo de Boston quien, como conocedor al dedillo de los rincones de la ciudad, es el eje del relato. Wahlberg es el actor “fetiche” de Berg, protagonista de varios de sus films más reconocidos. En este rol, debe acompañar a los agentes usando hasta el chaleco color limón para salvaguardar el lugar de los hechos.

El equipo que protagoniza al FBI está encabezado por Kevin Bacon, otro de los actores renombrados de Hollywood. Ambos equipos de investigadores, los locales y el federal, tienen a su alcance tecnología de punta y equipamientos sofisticados que permiten trabajar con rapidez y eficiencia. Las persecuciones, los enfrentamientos, tienen una coreografía precisa, que resulta vital, fuerte, enérgica, para la narración. La cacería de los terroristas está descripta de manera puntillosa, lográndose un clima de thriller intenso, sin que se pierda jamás el sentido de la recreación de un hecho dramático para la Humanidad, es decir, sin transformarlo en una parafernalia hollywoodense.

Por sobre toda la narración, está la reivindicación de la unión y el orgullo de los bostonianos por su ciudad, tan especial y diferente a muchas otras de los Estados Unidos, con sus centros universitarios y sus escuelas de música. El film atrapa porque los acontecimientos se suceden con vitalidad, las secuencias tienen perfección cinematográfica, logrados por una cámara segura y una rigurosa preproducción. No deje de verla.

Carlos Pierre

 

JUEVES 13 DE ABRIL DEL 2017.-

Varios estrenos entre los que hay diversas propuestas nacionales: “Amor de ultratumba” es un film de terror de Ernesto Aguilar. Un joven se enamora de una bella muchacha descubriendo que tiene un altar con las fotos de sus ex. ¿Tendrá él el mismo fin= El amor puede más. Le sigue “Mi último fracaso”, documental de la joven coreana Cecilia Kang que presentó en el BAFICI 2016. En este caso, analiza su integración a una cultura muy diferente, la relación con sus nuevas amigas, y cómo tantas diferentes vivencias se van sumando en su espíritu y su mente. También está “Bienaventurados los mansos”, de Patricio Escobar, documental que informa sobre la relación entre la Iglesia Católica nacional y el Estado, basada en reglamentaciones surgidas durante la última dictadura militar. La francesa “Todo para ser felices” de Cyril Gelblat, nos ofrece una tierna y dura mirada sobre un joven recién separado que debe hacerse cargo de sus dos hijos pequeños. Nunca antes se había preocupado por esta relación padre-hijo, dejando al cuidado de su esposa el hogar y los críos. Sin ser la mejor película sobre un tema bastante transitado, resulta una comedia ágil, llevadera y costumbrista.
 


RÁPIDOS Y FURIOSOS 8

De F. Gary Gray. Con Vin Diesel, Dwayne Johnson, Jason Statham, Charlize Theron, Kurt Russell, Elsa Pataky, entre otros. Música de Brian Tyler. Fotografía de Stephen F. Windon. Duración: 136 minutos.

XXXXX- ENTRE EL CRIMEN Y EL BIEN

Y sí. Es imposible no repetir los clishés de las siete películas anteriores, las persecuciones, los tiros, la búsqueda de un sospechoso de todo mal y que Vin Diesel y “La Roca” Johnson, junto al más que efectivo Jason Statham, no demuestren que tienen músculos además de sentimientos.

La ausencia de Paul Walker desde la película número 7 transformó la vida de este grupo que, por momentos, tiene calma y vida normal y. en otros, desata su furia criminal. Entre el bien y el mal los muchachos demuestran que conocen bien el oficio y que tienen un entrenamiento muy eficiente a pesar de que muchos vienen “corriendo” y saltando desde hace varios años en sus películas.

En este caso, se agrega la bella Charlize Theron como esa mujer fatal que enamora a un tranquilo Vin Diesel, llevándolo por un camino nada deseable para el grupo. La calma se quiebra y tendremos una recorrida por New York, Cuba, el océano Artico, bellezas naturales diferentes, que aportan energía a una narración previsible. Theron está absolutamente desaprovechada mientras que Vin Diesel, ante la ausencia eterna ya de Paul Walker, cobra un protagonismo excesivo que desnivela la narración con escenas que pudieron dejarse de lado. Su traición a la familia es la causa de este desbarajuste de acciones y contraacciones.

En cuanto a efectos especiales, nada hay que decir. Están todos, y el film se transforma en un entretenimiento adrenalínico que no tiene más objetivo que el planteado. Ningún subtema que nos haga pensar, ni entretelones que nos hagan suspirar. Romance hay, como también la furia muscular de los máximos exponentes que protagonizan esta saga, dirigida por primera vez por F. Gary Gray, anunciándose ya tres películas más. Recién en el Rápido y Furioso 10 se terminará la historia que, en cada film, renace con un espíritu que no puede dejar de ser siempre el mismo. Pero espíritu tiene…

No hay mucho más para analizar, es una película para descargar las furias semanales comiendo pochoclos en una sala bien acondicionada. Divierte, no presume de intelectualidad alguna y se compromete menos con los postulados de los primeros cinco films. En esto está su mayor pecado.

Elsa Bragato



UN JEFE EN PAÑALES

De Tom McGrath. Música de Hans Zimmer y Steve Mazzaro. Animación en 3-D. Duración: 97 minutos. DreamWorks Animation Films.

XXXXX-UN BEBÉ MUY COMPLICADO

En verdad, “Un jefe en pañales” tiene una buena idea pero se mete en berenjenales que hace dudar si esta animación es realmente para los niños o bien puede estar dirigida a un público preadolescente.

Un bebé que nace en la “Baby Corp” se muestra diferente a los demás y es enviado a la gerencia de esta “corporación virtual” a la que se accede chupando fuertemente un chupete, desde donde es enviado a una familia que sueña con otro hijo. En ese hogar vive Tim, de 7 años, que no puede creer no ser ya el centro del amor de sus padres. Vestido de traje y corbata, este bebé tiene voz de hombre y organiza reuniones con otros bebés de padres amigos de la familia donde se instaló para impedir que surja un nuevo perrito en Las Vegas dado que estos animalitos están desplazando a los bebés en el amor de los padres.

La complejidad narrativa surge a la hora cuando los personajes deben viajar a Las Vegas. De la pelea entre dos hermanos por conquistar el amor de los padres pasamos a un policial exagerado y hasta cruel: el jefe del evento encierra a los padres de Tim con voluntad de matarlos. Demasiado para los chicos! Así como resulta dificultoso comprender que ese anciano empresario fue alguna vez un bebé de la “baby corp”. Aquí el mensaje es nefasto: ojo con los ancianos.

Es decir, la animación tiene muchos condimentos a favor: al comienzo es un buen relato de cómo los padres deben demostrar su afecto por igual a los hijos que tienen, y cómo los hermanos deben tratar de superar los celos que un nuevo integrante familiar les produce. Luego pasamos a un policial vertiginoso que cae en situaciones demasiado complejas. Es “hasta ahí” recomendable, aunque la realización sea excelente. La música de Hans Zimmer es sencillamente una obra maestra de orquestación mientras quel a canción “Lo que el mundo necesita es amor” fue escrita hace 50 años por el compositor Burt Bacharach y, entre una de sus difusoras, estuvo Dionne Worwick.

Elsa Bragato

 



EL PORVENIR

Dirección y guion de Mia Hansen-Love. Con Isabelle Huppert, André Marcon, Roman Kolinka, Edith Scob, Sarah Le Picard, entre otros. Duración 102 minutos. Coproducciòn de Francia-Alemania. Hablado en francés, alemán e inglés.

XXXXX- BUSCANDO LA VIDA PROPIA

El quinto film de la realizadora francesa Mia Hansen-Love tiene ese fuerte acento galo que hace gala de diálogos abundantes, precisos e intelectuales. En este caso, enriquece el texto con citas de Pascal, Rousseaux, Schopenhauer, entre otros filósofos, literatos y políticos. No es ocioso sino que responde a la profesión del matrimonio protagonista: son profesores de filosofía.

La inmensa actriz Isabelle Huppert protagoniza a Nathalie, en un rol diferente a los que hemos visto en los últimos tiempos. Carga con el peso de todo el film, componiendo a una esposa que enfrenta la adversidad de quedarse sola y nunca supo qué era la libertad de la elección cotidiana. Para eso estaba su marido, Henz (André Marcon), quien la abandona por una joven sin mayores vueltas. En el medio, están los dos hijos.

El film plantea con gran adultez la conmoción interior de Nathalie, que enfrenta un mundo desconocido: es ella ahora quien decide qué debe hacer, cómo enfrentar diferentes adversidades profesionales y personales. Incluso el cuidado de su madre. En la mitad de su vida surge la zozobra, con el paliativo de un joven alumno que pondera su actividad profesional. No hay romances sino esa suerte de dulce compensación que da la vida ante el amargor de circunstancias inesperadas. Esta Huppert está muy lejos de “Elle”, de reciente estreno, donde interpretó a una inescrupulosa mujer. Nathalie es un desafío actoral para la gran actriz. Contenida, sufrida, sin explosiones melodramáticas, el desmoronamiento interior le da fuerzas para reconstruir la vida cuando no hay otra chance que ésa. Y ese joven alumno, Fabien, le tiende la mano salvadora incluyéndola en una comunidad donde Nathalie aprenderá a convivir consigo misma. Sin estridencias, arma su propio camino de vida, enriquecida por la llegada de nietos y de una paz interior.

La historia es fantásticamente humana, nos plantea la necesidad de la existencia propia sin muletos, la elección del día a día con o sin amor, la existencia de uno mismo sin subterfugios. El guion se encarga de que cada secuencia sea un escalón más hacia el objetivo de la protagonista, sin altibajos, con perseverancia. Estos sentimientos afloran en el distante rostro de Isabelle Huppert que, sin embargo, dota a su Nathalie de enorme fuerza interior. No en vano, la película y su actuación han sido premiadas en varios festivales del año pasado.

Carlos Pierre




EL FARO DE LAS ORCAS

De Gerardo Olivares. Con Joaquín Furriel, Maribel Verdú, Quinchu Rapalini, entre otros. Música de Pascal Gaigne. Duración: 110 minutos. Argentina-España.

XXXXX- LECCIÓN DE VIDA

El realizador Gerardo Olivares recorrió el mundo rodando documentales, antes de filmar ficciones exitosas. Entre los productores de esta película está Luis Puenzo quien, cuando preparaba el rodaje de “La puta y la ballena”, conoció a Roberto Bubas, guardafauna de Punta Norte. Así se enteró de la historia real de una mujer que lo visitó con su hijo que sufría el síndrome de Asperger (autismo). El pequeño se sentía atraído por las orcas del Atlántico Sur, viendo documentales en la televisión. Su mamá pensó que, tal vez, era positivo traerlo hasta estas tierras para mejorar su situación y hasta encontrar el milagro de su sanación. Roberto Bubas, que convivió 10 años con las orcas, retrató el caso que le tocó en suerte vivir en el libro “Agustín corazón abierto”, que ya es una leyenda internacional.

“El Faro de las Orcas” está inspirado en hechos ocurridos en Península Valdés, provincia de Chubut, y nadie mejor que el realizador Gerardo Olivares, vasto documentalista, para dirigir este film protagonizado por Joaquín Furriel como el guardafauna Beto, la española Maribel Verdú como la madre, y Quinchu Rapalini, el pequeño con autismo. Nunca mejor trío protagónico.

Joaquín Furriel ofrece otra fantástica actuación, opuesta a otros roles cinematográficos y televisivos, como ese guardafauna que cabalga a puro pelo su hermoso caballo blanco, y vive intensamente el caso de Agustín, ayudándolo con su experiencia con las orcas. De la misma manera hay que calificar a Maribel Verdú y detenernos en Quinchu Rapalini, quien encarna a “Tristán”, realmente una joya de actuación más que prometedora. Emocionante performance.

Sin lugar a dudas, esta biopic es diferente, enmarcada en el paisaje panorámico de Chubut, el profundo horizonte del verde Atlántico y esas personas no humanas monumentales que son las orcas, a mitad de camino entre los delfines y las ballenas. Ennoblece al cine nacional tanto el tema como el respeto a la fauna de nuestro territorio, deja el mensaje de la curación posible, factible, con la ayuda de seres que no hablan pero que sienten, y remarca el respeto por el otro, pequeño o adulto, habitante del mar o de la tierra. La empatía es inmediata: el espectador siente que la historia en sí, y esta narración que nos la cuenta, tocan el corazón de forma inmediata. Como frutilla del postre está la música incidental que interpretó la Orquesta Sinfónica de Bratislava, elegida por el director Olivares. Aciertos en el elenco, en la forma de encarar la fotografía, en la historia en sí. No se la pierda.

Carlos Pierre

 

JUEVES 6 DE ABRIL DEL 2017.-

Varios films renuevan la cartelera de los cines nacionales. Entre ellos, documentales nacionales de interés como “Ataque de pánico”, documental de Ernesto Ardido, quien lo padeció y quiso justamente documentar la opinión destacados neurólogos y estudiosos como el doctor Facundo Manes, entre otros, y de personas que sufren el mal del siglo, que sufre el 30 por ciento de la población. A su vez, Gustavo Fuentes nos regala un paseo por España con “Diario de viaje por España”, recorriendo Madrid, Segovia, El Escorial, la Alhambra de Granada, la Mezquita Catedral de Córdoba y las callecitas antiguas de un bello país europeo. Y se anuncia como grata novedad “David Lynch, the art life”, documental sobre el polémico realizador, explorando su actividad como artista plástico. Fue dirigido por tres realizadores: Jon Nguyen, Rick Barnes y Olivia NeergarrdHolm. Es interesante porque las entrevistas son al propio realizador.

“Soldado argentino solo conocido por Dios”,  largometraje de Rodrigo Fernández Engler, que transcurre antes, durante y luego de la Guerra de Malvinas de 1982 cuando el realizador tenía tan solo 1 año. Está enfocada en las vivencias del soldado argentino, en este caso, “Juan” y “Ramón”, amigos de la infancia. “Juan” se enamora de la hermana de Ana y, tras algunas vicisitudes, se encuentran en plena guerra en las islas. Está basada en hechos reales, y retoma –de alguna manera- la leyenda de “Pedro”, el soldado argentino que luchó en el último combate que se produjo en el monte de Tumbledown. Su cuerpo fue el último rescatado, ya sin vida, y los ingleses lo sepultaron dándole el nombre de “Pedro” por carecerse de identificación alguna.

El film contrasta la visión diferente de dos amigos, que vienen de un pueblo de Traslasierra, Córdoba, y la lucha que entablan como soldados en un lugar invivible. El film contó con el apoyo de las Fuerzas Armadas del país y logró el beneplácito de los veteranos de guerra así como varios premios. Sin posición ideológica alguna, Rodrigo Fernández Engles logra el objetivo de poner sobre el tapete la guerra de Malvinas y sus consecuencias en quienes lucharon, desde una perspectiva diferente: la individual, la de cada soldado. Además de contribuir a la “no desmalvinización” que todavía está instalada en las autoridades nacionales a 35 años de la guerra. Con Hugo Arana, Fabio Di Tomaso, Ezequiel Tronconi, Sergio Surraco, Mariano Bertolini y Florencia Torrente.

MARACAIBO

De Miguel Ángel Rocca. Con Jorge Marrale, Mercedes Morán, Nicolás Francella, Alejandro Paker, Matías Mayer, entre otros. Música de Olegario Díaz- Duración: 95 minutos.

XXXXX- LA VENGANZA, EJE DE INTERESANTE THRILLER

La inseguridad que vivimos y sus consecuencias son el punto de partida de esta película de Miguel Ángel Rocca. La venganza surge como sentimiento universal, quiebra un núcleo familiar, donde hay otros conflictos. Es muy interesante el planteo del realizador Rocca al partir, como dijimos, de un hecho policial y adentrarse en la psiquis de quienes lo sufren y cargan sobre sí diferentes experiencias sin resolver. Desde la muerte de un inocente en una “entradera” hasta la búsqueda personal del asesino, ejerciendo justicia por mano propia, se van hilvanando en un thriller bien compuesto.

“Gustavo” (Jorge Marrale) descubre a su hijo “Ricky” (Nicolás Francella) con un joven, se da cuenta de su homosexualidad, mientras que la madre, “Cristina” (Mercedes Morán) estaba al tanto de la elección sexual de su hijo.

Cuando “Ricky” es asesinado en una “entradera”, el conflicto abate al matrimonio. Afloran reproches, incomprensión, asombro, dolor profundo en uno y otro porque la tragedia devela, además, existencia de una profunda desavenencia conyugal. Rocca apunta a la psiquis de “Gustavo” (Marrale) quien busca al asesino de su hijo, mientras se debate en el dolor y la culpa íntima de no haberlo comprendido a tiempo, en vida. La venganza se yergue de manera ciega, brutal, creciente.  Para este padre, la culpa y la redención, el castigo y el dolor, conforman un dilema que no lo deja en paz.

El film tiene momentos muy logrados, una muy buena dirección actoral en la que Jorge Marrale puede demostrar cabalmente la tozudez demencial de un hombre desesperado y presa de la ira, incapacitado para ver qué pasa a su alrededor o tan siquiera plantearse en algo su conducta.

La venganza es el motor de todos los sentimientos, y su más grande devoto fue William Shakespeare, manifestándola a través de su vastísima obra. Es la que impulsa el amor y el odio, la culpa, el resentimiento, la felicidad, con todos los matices. El clima del film es estupendo. Rocca alcanza a transmitirnos con su narración el drama social y el drama personal de un hombre y una mujer sometidos al máximo dolor para los padres. Es aquí donde el film gana en valor substancial y donde Jorge Marrale y Mercedes Morán logran transmitir un conflicto humano común y, al mismo tiempo, producto de la conflictividad social. ¿Qué hubiese pasado en ese matrimonio de no morir “Ricky”? ¿Su elección sexual habría sido más o menos aceptada por su rígido padre?

Frente a estos logros, hay dos secuencias muy poco logradas, una de ellas  es fundamental dentro de la narración: el encuentro entre “Gustavo” y el padre del asesino que se toman a golpes de puño dentro de un auto. Risible, infantil. En este caso, aún a riesgo de no seguir a rajatabla el guion, bien se pudo suprimir y recurrir a un momento de mayor tensión desde otro lugar físico y espiritual de los personajes. No obstante, el film construye un ámbito familiar y social que sirve de retrato de muchas circunstancias que hoy vive nuestra sociedad. Bien filmado, bien actuado, la película de Rocca conmueve y nos obliga a la reflexión.

Nota de Redacción: “Maracaibo” es el nombre de un pequeño barco cuya estructura diseña  uno de los personajes.

Carlos Pierre

 

NO DIGAS NUNCA SU NOMBRE

De Stacy Title. Con Douglas Smith, Lucien Laviscount, Cressida Bonas, Doug Jones, Faye Dunaway, entre otros. Duración 90 minutos. Música de The Newton Brothers.    

XXXXX- EL NOMBRE QUE MATA…

Pasable… La película de Stacy Title se inscribe en el género del terror sobrenatural, con un creciente horror, sangre y la furtiva aparición de un ente. La dosificación es la clave de esta narración que abunda en clishés del género, en sustos consabidos y en excesivas explicaciones. Basada en un capítulo del libro ‘The President´s Vampire’ de Robert Damon Schneck, va desgranando un collar de muerte en el frío reinante de Wisconsin, a fines de l969.

Cuando tres estudiantes universitarios se mudan a una vieja casa fuera del campus, se libera fortuitamente un ente sobrenatural que persigue a quien descubre su nombre para matarlo. De allí el título de la película. Los jóvenes ya a sabiendas de lo que ocurrirá, intentan esconcerlo (por las dudas, estamos haciendo lo mismo…). “No lo digas” es la recurrente frase del guion.

Elliot (Douglas Smith), John (Lucien Laviscount) y Sasha (Cressida Bonas) padecen el acoso del ente, a quien se le da participación especial en el desenlace. Faye Dunaway compone a la esposa de ese ser (un humano transfigurado) no escucha los reclamos de los adolescentes en un principio. Lo novedoso es la incógnita de una moneda antigua de oro, un tren en movimiento y un dogo fantasmal, cuyo significado debe encontrarse.

La pregunta clave es qué sería del género si no existieran adolescentes prestos para ser protagonistas de estas historias, si los clishés de las puertas que se golpean no se hubiese descubierto y si las sombras no se pudiesen fotografiar. De allí que la generación de un clima crecientemente denso es uno de los logros de Title, aunque eche mano a cuanto recurso existió y existe. De novedoso, poco y nada. De generación de un ambiente adecuado y de efectos pasables, bastante.

De alguna manera, hay monotonía narrativa por recurrir a lo consabido, sin desarrollo de personajes y sí de secuencias. Es decir, Tyler atiende más el “story-board” trabajado que la dirección actoral: el elenco se mueve con piloto automático. Para fans del género, que siempre encuentran elementos que los gratifican, aunque sean reiterativos.

Carlos Pierre

 

UN GOLPE CON ESTILO

De Zach Braff. Con Michael Caine, Morgan Freeman, Alan Arkin, Matt Dillon Ann-Margret, María Dizzia, entre otros. Música de Rob Simonsen. Duración: 96 minutos. Renake de “Going in Style” de Martin Brest, 1979.-

XXXXX- ABUELOS AL ATAQUE!

Si hay una película para adultos mayores, es ésta. Una comedia agradable, simpática, que refleja la problemática del abuelo, con sus más y sus menos porque depende del nivel económico de cada sociedad, a través de tres personajes absolutamente queribles: Joe, Willie y Albert, encarnados por Michael Caine, notable a los ochenta y pico de años, Morgan Freeman y Alan Arkin, dos grandes actores. La bella en questión es la inalterable Ann-Margret, con mucha cirugía pero un encanto incuestionable.

La suspensión de las jubilaciones y el cierre de la fábrica donde aún trabajan, obligan a Joe, Willie y Albert a buscar una salida para no perder casa ni asistencia médica. Y, a partir de una singular experiencia que tiene Joe (Michael Caine), deciden robar un banco.

Las vivencias de cada uno salpican el relato de manera inteligente: se sabe que “Joe” vive con su hija y su nieta y que su ex yerno “conoce muchachos malos”, mientras que “Willie” (Morgan Freeman) vive junto a Albert (Alan Arkin), un pesimista que solo piensa en la muerte.

El film tiene una gran dosis de afabilidad, de gratitud hacia la tercera edad, con diálogos inteligentes, pícaros, que solo tres grandes actores pueden resolver de manera tan creíble por la frescura y fluidez que tienen. Actúan de la misma forma en la que respiran. Tienen la esencia de lo actoral.

Zach Braff no desacomoda el relato original de Martin Brest sino que lo actualiza con pequeños detalles como los enumeración de los 10 días previos al atraco, y dota a su narración de espontaneidad absoluta. Filmada en New York, específicamente en el barrio de Brooklyn, no utiliza ni el famoso puente que lo caracteriza ni ninguna de sus avenidas para enriquecer el guion sino que éste lo basa íntegramente en las actuaciones del portentoso trío protagonista. A ellos tres (como el famoso “ratpack” que conformaron Frank Sinatra, Dean Martin y Sammy Davis Jr, que “mucho” tienen que ver con el film) les agrega la belleza de Ann-Margret y un romance insospechado.

La película no tiene otro fin que hacernos pasar un momento muy grato. Claro está que le llegará más a los adultos que a los adolescentes. La problemática socioeconómico de la Tercera Edad está expuesta sin extralimitarse mientras se le da importancia vital a la familia del abuelo. Para ver!

Elsa Bragato

 

LOS PITUFOS.LA ALDEA ESCONDIDA

De  Kelly Asbury, basado en el cómic del dibujante belga Pierre Culliford (Peyo), fallecido en 1992.- Música de Christopher Lennertz. Animación 3D

XXXXX- LOS BAJITOS AZULES SE DEFIENDEN

En esta tercera entrega de la saga “Los Pitufos” (Los Pitufos, 2011 y Los Pitufos 2, 2013), el nuevo director Asbury trata a los pequeños azules con riqueza visual fantástica. El film se transforma en una aventura colorida, simpática, que va a agradar a chicos y adultos. La inteligencia no está aquí sometida a ningún vapuleo!

Comienza con la Pitufina, donde la segunda película terminó, creación del villano Gargamel a partir de un montón de arcilla. Papa Pitufo le extrajo la maldad y la convirtió en una aliada de la aldea de los “smurfs”, que viven en un lugar oculto. En un camino por los bosques que rodean la villa de los pitufos, Pitufina y Tontín, junto a otros dos hermanos de sangre, encuentran a otros pitufos. Y van en su busca para que Gargamel y su inteligente gato Azrael, al que nunca se le hace caso y siempre tiene la verdad, no los encuentre. Es que Gargamel los necesita para diluirlos y extraerles la energía!

En medio de este salvataje, hay efectos visuales fantásticos, ríos que salen de sus cursos y vuelan, coloridas flores enormes, rosas que boxean, especie de caléndulas que abducen a los pitufos y los lanzan al aire como pelotas de fútbol, entre sustos y risas. Y una excelente banda sonora que nada tiene que envidiar a las superproducciones, con gran orquesta y arreglos espectaculares de Christopher Lennertz.

El villano Gargamel no es tan malo, Azrael es muy inteligente y siempre sale desairado, Pitufina logra recuperarse luego de una lucha entre sus poderes y los de su creador malvado, y el mundo vuelve a ser color azul, con felicidad para todos, incluyendo a las nuevas Pitufinas… Papá Pitufo tiene un mundo de pitufos varones, mientras que la aldea escondida tiene solo Pitufinas. Se avecinan más películas de los “smurfs” con novedosas propuestas. Esta animación da placer, sin complejidades narrativas y con espectacularidad en colores y dibujos. A disfrutarla!

Elsa Bragato

 

EJERCICIOS DE MEMORIA

De Paz Encina. Documental sobre el doctor Agustín Goiburú, miembro del MOPOCO, desaparecido durante la tiranía de Stroessner, la más extensa de Latinoamérica: desde 1954 a 1989. Música de Ramón Ayala. Testimonios de la viuda y sus tres hijos.  Duración: 71 minutos.

XXXXX-LA TIRANÍA DE STROESSNER Y SUS DESAPARECIDOS

La dictadura de Alfredo Stroessner desde que asumiera la presidencia del Paraguay fue una de las más sangrientas de Latinoamérica y la más extensa. En este documental, Paz Encina cuenta el caso del médico paraguayo Agustín Goiburú que integraba el partido Colorado de su país, apoyando la presidencia de Stroessner hasta que éste, en tan solo un año, se transformó en un feroz asesino. Goiburú es retratado por su viuda y sus tres hijos: doña Elín, y los hijos Rogelio, Jazmín y Rolando.

La narración es impactante: desde los cinco minutos iniciales, donde un niño se lanza a un río observando cómo se arroja un enorme envoltorio blanco donde todo hace suponer que se trata de un cadáver, hasta las voces en off de los familiares del desaparecido médico, sus hijos, su viuda, que aún hoy no saben dónde están los restos del jefe de familia. El doctor Goiburú fue secuestrado dos veces por su militancia política y su férrea oposición a la dictadura que su ex correligionario impuso en el Paraguay. Denunció la aparición de cadáveres flotando en el río Íguazú, con faltas de miembros, evidentemente torturados. La primera vez fue secuestrado estando con su hijo mayor. Hoy lo recuerda con voz en off y, en especial, aquella dramática situación: “De pronto a papá no lo vi más” sumándose las charlas con el padre sobre la escuela, la política, si bien las hijas afirman que “no sabíamos que vivíamos en una dictadura”. Algo, por otra parte, común en los pueblos de este continente que fueron asolados por bárbaros seudopresidentes, portavoces de corporaciones internacionales.

El tratamiento cinematográfico de Paz Encina no es empático: mientras las voces en off se superponen, se fusionan, va mostrando a manera de naturalezas muertas distintos ambientes de una humilde casa de Asunción. El patio con alero, la mesa tendida, la cama en un rincón del dormitorio con más que sencillas sábanas. Close-up y tomas largas y cortas van contando una historia que se nutre esencialmente de la imagen. Los niños que juegan, silentes, la selva que los rodea, los arroyos donde pescan. Hay placidez y notable plasticidad en los encuadres de Paz Encina mientras los relatos en off son conmovedores. De allí la no empatía, muy bien lograda oponiendo la bonhomía de un pueblo a la ferocidad de un tirano.

El caso de este médico, que vivió en Paraná y también en Posadas, siendo secuestrado por agentes del Operativo Cóndor en 1977 para desaparecer, fue condenado internacionalmente por los organismos de derechos humanos. Hasta el día de hoy, sus seres queridos siguen buscando, pidiendo, el lugar donde descansan sus restos. La memoria es el mejor recurso de los pueblos y no se puede borrar. Si no queda en la mente, está en el alma de quienes sufrieron la locura de estos feroces asesinos devenidos en presidentes.

Elsa Bragato

 

 

JUEVES 30 DE MARZO DEL 2017.-

Varios estrenos con celebrities nacionales e internacionales. Entre los films que llegan está el documental “Extramuros”, de Liv Zaretzky, quien nos relata la vida de Miguel Angel Molfino, escritor y periodista que adoptó “la ciudadanía” chaqueña, y sobrevivió a cinco años de cárcel durante la última dictadura militar.

 

HIPERSOMNIA

De Gabriel Grieco. Con Yamila Saud, Gustavo Garzón, Peter Lanzani, Gerardo Romano, Sofía Castiglione, Flor Torrente,  entre otros. Montaje de Alberto Ponce. Música de Diego Hensel. Duración: 90 minutos.

XXXXX- ENTRE DOS VIDAS

Las películas argentinas de género vienen creciendo en calidad en todos los aspectos: guion, técnica, actuaciones. Es el caso de “Hipersomnia” que logra atrapar al espectador a través de una historia especial, bien contada, donde el pasado y el presente van armando la narración de manera fluida, comprensible y aterradora. Esto también nos habla del excelente trabajo en el diseño de arte.

“Milena” (Yamila Saud) aspira a un buen papel en el teatro, y concurre a la audición que conduce “Federico del Pino” (Gerardo Romano) pero de manera inconciente se ve atrapada en un estado paralelo donde muchas mujeres son prostituidas. Este ida y vuelta narrativo no confunde, uno de los excelente logros del realizador Grieco, sino que profundiza en la psiquis del personaje femenino y de un pasado que evidentemente la condiciona aunque lo haya negado. Hipersomnia alude, subjetivamente, a ese estado de adormecimiento permanente, uno de los trastornos del sueño, que, en este caso, llevan a “Milena” hacia un mundo horroroso del que trata escapar. De alguna manera, vimos algo parecido –no igual- en “El cisne negro” que le dio el Oscar a Natalie Portman como mejor actriz.

Dejando de lado esta suerte de comparación, el film de Gabriel Grieco transcurre ágilmente con una tensión creciente donde el thriller inicial se transforma en horror, incluyendo sus variantes gore.

Es un muy buen trabajado cinematográfico para fans del género que manifiesta el crecimiento de este género en el cine nacional, donde ya hay varios exponentes internacionales, mencionamos solo uno: Daniel de la Vega. Si le gusta el buen terror, no se la pierda.

Elsa Bragato

 

POWER RANGERS

De Dean Israelite. Con Bryan Cranston, Elizabeth Banks, RJ Cyler, Naomi Scott, Ludi Lin, Dacre Montgomery, Becky G. entre otros. Música de Brian Tyler. Duración:  124 minutos.

 

XXXXX- REGRESO DE LOS CHICOS PODEROSOS

Se viene la saga de los Power Rangers. Conquistada y superada la televisión luego de la serie exitosa, tenemos a cinco jóvenes que recibieron poderes de modo casual y anónimo. Viven en Ángel Grove, pueblo bañado por las aguas cuasi mágicas de un lago, y tienen la firme intención de salvar el lugar y a toda la Humanidad de un ataque alienígena de 65 millones de años, surgido en el período mesozoico.

Para armar un compacto bastión de audacia y heroísmo, deben amalgamar sus diferencias: cada uno de los chicos representa una raza tales como la oriental, la afroamericana y la blanca, en la que hay dos mujeres. Un combo para aceptación de todos, basado en conceptos generales de las razas humanas.

El malvado es Zordon (Bryan Cranston), sumo y último alienígena, imposibilitado de traspasar una barrera transparente. Pero se vale de la malévola Rita Repulsa (Elizabeth Banks) para destruir a los humanos comenzando por el otrora pacífico  pueblo Ángel Greve.

Nuestros cinco héroes son el Ranger Rojo (Dacre Montgomery), la Ranger Rosa (Naomi Scott), EL Ranger Azul (R.J.Cycler), la Ranger Amarilla (Becky G) y el Ranger Negro (Ludi Lin).  Todos ellos tienen personalidades disociativas, que deben superar para poseer la plenitud de los poderes.

Dean Israelite filma con solidez un “cuento” conocido por muchos gracias a la tevé, sostenido por una atrapante fotografía, donde no le van en zaga el montaje, la música y la dirección actoral, base del atractivo de estos “poderosos adolescentes”. Al elenco de nuevos actores se añade la solvencia de Bryan Cranston y Elizabeth Banks, en roles de malvados sin atenuantes. Obviamente la apuesta es para los adolescentes, o preadolescentes, y para todos aquellos que se criaron con esta serie. Acercarse a la pantalla grande para volver a verlos, es más que tentador porque los efectos son fantásticos. Es un reencuentro de público y personajes. Para quienes no tuvieron nunca interés en estos superhéroes, la película de Israelite es una más con diálogos demasiado sencillos, escasa profundidad, y mucha previsibilidad. No obstante, para uno y otro público, el film es un buen producto de entretenimiento. La picardía de los productores es otro atractivo: en la última media hora, hay una batalla fulgurosa entre “Rita” y los chicos superpoderosos, a todo o nada, con efectos alucinantes, que incluye un monstruo dorado, gigantesco y atronador, que hace saltar de la butaca.

La apuesta de Hollywood va sobre seguro: ya se piensan siete secuelas más. Es decir, “Power Rangers”, “reboot” de la tele, tiene un público cautivo que no va a desaprovechar la oportunidad de verlos en la pantalla grande.

Carlos Pierre

 

POLINA

De Angelin Preljocab. Guión de Valerie Müller, según el comic-book de Bastien Vivés. Con Juliette Binoche, Niels Schneider, Miglen Mirtchev, Aleksey Guskov, Marie Kovacs, Nastya Shevtzoda, entre otros. Música: 79D. Duración 112 minutos. Hablada en francés y ruso.

XXXXX- RETRATO DE UNA PASIÓN

El realizador Angelin Preljocab, bailarín y coreógrafo de origen albano nacido en Francia, se sintió fuertemente impactado por la historia de la bailarina rusa, Polina, surgida de un comic-book. El guion de Valerie Müller dio vida tridimensional a la protagonista, cuya historia gráfica fue publicada en diez idiomas.

Los puntos en común entre la ficción y su propia vida llevaron a Preljocab a transformarse en director de su primer largometraje: el esfuerzo de Poline por ser bailarina, sus estudios desde los 8 años, el entrenamiento en el Teatro Bolshoi de Moscú, el ingreso al cuerpo de baile, y el amor que surge con un compañero francés, cambiando su vida para siempre. Ambos se aman y viajan juntos por Francia, siempre con la danza como meta, enfrentando escuelas diferentes. El Bolshoi, uno de los grandes ballets del mundo que visitaron nuestro país, es muy riguroso y clásico, mientras que la escuela francesa está menos atada a ciertas reglas, es más moderna y, si bien tiene rigor, éste no es excesivo.

La bella y estupenda Juliette Binoche compone a la instructora francesa que exige cambios y esfuerzo a Polina, quien se esmera al máximo porque está convencida de su pasión por la danza a pesar de sus fragilidades. La niña-mujer tiene el fuego sagrado para esta profesión y un indeclinable tesón. Está sostenida por su familia, especialmente por su padre, quien hace lo imposible para que su hija cumple con su sueño, aún aceptando trabajos “non sanctos”.

Historia de obstinación, resistencia, de tesón, de perseverancia, que resulta conmovedora y atrapante al mismo tiempo porque, de esta narración, surge también la pasión del realizador Preljocab, conocedor del entramado de un arte clásico muy difícil. El entorno de Polina, tal como lo imaginó su creador gráfico y luego el director de cine, tiene la magia que se requiere: desde la bohemia y la luz de París hasta los paisajes nevados de Rusia, lugares y épocas en las que Polina va transcurriendo su vida, niñez, adolescencia y adultez. Es un retrato profundo de una pasión, enriquecido por la fotografía de Georges Lechapto, en claroscuros dignos de los pintores renacentistas.

Por sobre la historia de Polina y la propia vida de Angelin Preljocab está el clima logrado, aún con simplicidad clásica, que nos permite vivir las idas y vueltas de la danza a través de una protagonista plena de convicción y dulzura. Como aquella película “Elliot”, de origen inglés. O al memorable “Bolero” de Ravel bailado por el argentino Jorge Donn. No se la pierda. Es un film grato.

Carlos Pierre

 

 

“LA VIGILANTE DEL FUTURO. GHOST IN THE SHELL”

De Rupert Sanders. Con Scarlett Jhanssn, Pilon Asback, Juliette Binoche, Takeshi Kitano entre otros. Edición de Neil Smith y Billy Rich. Música de Lorne Balfe y Clint Mansell. Duración: 107 minutos.

XXXXX- CYBER POLICIAL… SOLO CÁSCARA

Masamune Shirow es un artista contemporáneo japonés famoso por sus “mangas” o historias. Entre ellas, las dos “Ghost in the Shell”, cuya traducción literal sería “el alma dentro de la cárcara/caparazón”. Profundamente convencido de que el alma está en un cuerpo que no siempre le es útil, Shirow se interna en el estudio psicológico de la conjunción máquina-hombre y sus consecuencias éticas, dentro de un mundo manejado, en gran medida, por computadoras.

El film del inglés Rupert Sanders  (su único largometraje anterior fue “Blancanieves y el cazador”) intenta atrapar esta sutileza del pensamiento de Shirow a través de la protagonista “Major” (Scarlett Johansson), una cybermujer salvada de esta manera luego de un terrible accidente. Ahora responde a la seguridad nacional como soldado que atrapa a los más poderosos criminales. El peligro mayor es el de los “ghost-hackers”, o sea los “hackers” de las mentes. Y solo “Major” puede detener esta “masacre” cerebral del mundo, de la que aún ella misma no sabe si se ha salvado.

La ambientación del film de Sanders es “cyberpunk”, con una rabiosa computarización y tecnología que inundan la pantalla con efectos muy logrados pero, en definitiva, previsibles porque son más de lo mismo.Tapan, desmerecen la narración y esencialmente el concepto de alma-cuerpo-cáscara que el japonés Shirow tiene. Todo se pierde en una parafernalia de tecnología que avasalla la visual pero no conmueve. Estamos frente a un producto tan tecnológico que se pierde el asombro, se torna artificial y, aún con la espléndida Scarlett Johansson y su “rehacer” continuo, poco es lo que queda para “aprehender” de la historia en sí.

De todas maneras, las preguntas están: la inteligencia artificial y su importancia o no para el futuro de la Humanidad, el “ghost” (fantasma) que da identidad a cada persona, entre otras. Si uno quiere pensar un poco más allá del film, hay que ir a la filosofía postsocrática, a Platón y comenzar por entender qué nos dijo con el mundo de las Ideas y las meras sombras que somos. Aquella caverna y este cuerpo de cybermujer, las ideas virtuales y la copia en el “ghost” propuesto por Shirow. Es decir, complejidad filosófica puede haber, solo que la película se deja llevar por la complejidad tecnológica y deja de lado la del ser humano y su dualidad alma-cuerpo internándose en una cacería virtual cyberpolicial. Subyace, ciertamente, la idea original, pero es solo eso. Mucha cáscara… para entretener.

Elsa Bragato

 

 

HAMBRE DE PODER

De John Lee Hancock. Guión Robert D. Siegel. Con Michael Keaton, Laura Dern , Nick Offerman, John Carroll Lynch, Patrick Wilson, Ric Reitz, Wilbur Fitzgerald, entre otros. Música de Carter Burwell, duración de 115 minutos.

 

XXXXX- CÓMO SER UNA SUPEREMPRESA

En los años 50 se desató en Estados Unidos gran euforia social a cinco años de la Segunda Guerra Mundial. Este optimismo del triunfo produjo un mayor consumismo por lo que el capitalismo logró su apogeo ante la demanda de productos. Nadie se conformaba con migajas sino que se exigía excelencia en todo.

El realizador John Lee Hancock traza la historia de la industria de la comida rápida creada por los hermanos Dick y Mac McDonald con énfasis puesto en la biopic de Ray Kroc (Michael Keaton), pequeño empresario de Illinois casi en bancarrota. Era vendedor ambulante de batidos culinarios que tuvo la intuición y necesidad de conocer a los hermanos McDonald, dueños de un restaurante de “comidas rápidas” próspero en el sur de California. Visionario, Ray Kroc se interesó por hamburguesas, papas fritas y gaseosas, convirtiéndose en socio de los McDonald, creando además la marca Los Arcos Dorados.

El comienzo no le fue fácil, el tema de las franquicias y la pasividad y conformismo de los hermanos McDonald no mellaron su tesón, y no dudó en oscilar entre ser buena persona y otras veces un auténtico cretino. Avanzó sin tregua y rehizo su vida junto a una mujer más ambiciosa que él.

La elección de Michel Keaton no ha sido azarosa. Es dueño de una energía superlativa, de una manera de pararse frente a la cámara muy diferente como lo demostró en “Birdman”. De alguna manera, algunos puntos de la vida de su personaje lo tocan: la perseverancia, el no bajar los brazos y el lograr una nueva oportunidad laboral, aunque con medios distintos.

El film de Hancock va más allá y muestra, a través de los personajes, el implacable y frío mundo de los negocios, donde las personas son números y la falta de escrúpulos es la “ética” valorada, con excepciones por cierto. Ser arrollador y perseverante conlleva, en ese mundo de los actuales CEO, carencia de sensibilidad social. Todo son números y ganancias. Bajo esta premisa, se mueve este personaje que encuentra en Michael Keaton al actor indicado. Casi calvo, regordete, bastante bajo, Keaton pudo meterse en la piel de Kroc sin dudar: de su capacidad actoral y no de su “galanura” dependió su excelente trabajo. El tema puede no atraernos, pero sin duda, el patio de atrás de los negocios no queda impune gracias a la cámara de Hancock quien lo desnuda sin concesiones. Los “trapitos sucios” de una megacompañía internacional de comidas están sobre el tapete. Y, como contrapartida, el valor de esta empresa para solucionar la alimentación básica de millones de personas en todo el mundo.

Carlos Pierre

 

JUEVES 23 DE MARZO DEL 2017.-

Varios estrenos que incluyen films que solo se vieron hasta ahora en el último festival de cine de Pinamar. Entre ellos, la película dirigida por Fernán Mirás “El peso de la ley”. Además se estrenan “La academia de las musas” del catalán José Luis Guerín, que nos cuenta la vida de un profesor, casado con una mujer mayor, quien “inventa“ una “academia de las musas” con varios objetivos, incluso personales. Uno de ellos es que, en el mundo, reine la poesía. “Mate-me por favor” de Anita Rocha Da Silveira, film brasileño, muestra el despertar sexual de los adolescentes en Barra de Tijuca donde hay una ola de femicidios. Ingresa en el subgénero del “slasher”. También se puede ver “Cuba Santa”, el documental de Alejandra Guzzo, quien entrevista a científicos y personas comunes de Cuba para adentrarse en la religión “Yoruba” y el por qué de la fe en esa religión.

LA BELLA Y LA BESTIA

De Bill Condon. Con Emma Watson, Dan Stevens, Luke Evans, Emma Thompson, Ewan McGregor, Ian McKellen, Kevin Kline, Josd Gad, Audra McDonald, Stanley Tucci, entre otros.Música: Alan Menken. Duración: 123 minutos



XXXXX –CUENTO QUE ENAMORA Y GRATIFICA

El realizador Bill Condon (Crepúsculo, partes 1 y 2) adaptó para actores de carne y hueso, o sea para imágenes reales, la memorable animación “La bella y la bestia” de 1991 de Walt Disney Pictures. Hay dos antecedentes premiados y exitosos: “La Cenicienta” y “El libro de la selva”, un derroche de ternura y tecnología. En los tres casos, hubo aciertos. En el caso que nos ocupa, se trata de una adaptación del cuento de hadas de Jeanne Marie Leprince de Beaumont, del siglo XVIII.

Clásico, aunque con “modernidades” tecnológicas, “La bella y la bestia” derrama una recreación visual fascinante. Hay que añadir, que a los puristas de la animación estas versiones con elencos reales no les gusta mucho. No es nuestro caso. A través de estupendos escenarios, de actuaciones y canciones muy bellas del compositor Alan Menken, asistimos a una historia de amor inusual: la Bella es Emma Watson (aquella pequeña gran actriz de “Harry Potter”) quien va al castillo a salvar a su padre encontrándose con el príncipe Adam, presa de un malvado hechizo que lo convirtió en Bestia (Dan Stevens. Ágata, la Hechicera (Hattie Morahan), transformó todo el palacio en sillas, vajilla, vivientes.

Emma Watson demuestra que está a la altura del rol y que tiene notables aptitudes histriónicas como que canta sin doblaje las canciones, con voz pequeña y afinada. Mérito superlativo de la actriz de 26 años. La acompaña un elenco, una verdadera pléyade de celebridades, conformado por Emma Thompson, Ewan McGregor, Kevin Kline, Stanley Tucci, Luke Evans, entre otros, soportes valiosos de este cuento de hadas que invita a soñar.

Una remake siempre despierta alguna que otra crítica mezquina. Pero, todo es según desde el ángulo en el que se mire: apostamos a una abierta aceptación de los cambios que el tiempo y la tecnología traen. El resultado logrado es, a todas vistas, fresco y vigorizante, con un enorme esfuerzo de producción como nos tienen acostumbrados los Estudios Walt Disney.

Estamos frente a una historia de amor que tiene tres siglos, y que el cine logra poblarla de fantásticas escenas, frescas y vigorosas, incluyendo a la malvada hechicera que interrumpe la idílica narración, un pretendiente inescrupuloso de Bella mientras una Bestia se muestra déspota hasta que el amor roza su corazón. Luces y sombras en un cuadro narrativo de magia y ensoñación. El gélido castillo, el cálido poblado rural, los queribles tetera, candelabro, reloj, plumero y armario, que comparten con Bella su vida en el ala este del castillo, cuando aún la Bestia no cayó rendido por Cupido y rumia en el ala oeste la desazón por el hechizo, recluido y solitario.

El paso de la animación a la comedia musical, con un elenco de verdaderos actores y actrices, no hizo mella en la historia sino todo lo contrario. Para quien ame pasar un momento diferente, se deje llevar por las melodías que cuentan con una orquesta admirable, “La Bella y la Bestia” es un cuento de amor que fascina, hipnotiza con sus valses y deja el alma contenta.

Carlos Pierre

LIFE-VIDA INTELIGENTE

De Daniel Espinosa. Con Jake Gyllenhaal, Rebecca Ferguson, Ryan Reynolds, Hiroyuki Sanada, Olga Dihovichnaya, entre otros. Música de John Ekstrand. Fotografía de Seamus McGarvey.

XXXXX – PELIGRO EN EL COSMOS

De acuerdo al suspenso que la película ‘Life-Vida inteligente’ de Daniel Espinosa crea y al “tempo” de sus secuencias habría que calificarla con una estrellita más. Nadie se despega de la butaca. Hace bajar el puntaje el tema, que es conocido, resultando en cambio muy interesante el tratamiento que le da el realizador a la historia. Allí está el quid de este film que, aún con aliens que conocemos a través del cine y la tecnología, logra mantenernos sin aliento la larga hora y media del film.

Seis tripulantes de la Estación Espacial internacional deben recuperar material extraído en el planeta Marte que se perdió en el Cosmos y que está girando alrededor de la Tierra como ellos. Al recuperarlo y analizarlo, descubren algo asi como una ameba aparentemente muerta. Al rodearla de las condiciones iniciales atmosféricas de la Tierra, revive y empieza a crecer.

Realmente es fascinante la filmación más allá de la remanida idea central del guión. El monstruo crece y necesita alimento. El suspenso se hace intenso, los sustos también, así como las consecuencias de reanimar en un laboratorio espacial un ser de otro planeta cuyo sistema vital es desconocido. Nada es diferente, salvo la forma de contarla que encara el director Espinosa, sin histeria y con secuencias bastante lentas, en las que los tripulantes tratan de analizar qué harán para salvarse y, en todo caso, llegar a la Tierra sin el alien adosado a la estación espacial o dentro de ella.

Sin ahondar, surgen otros temas tales como cuánto puede soportar el cuerpo humano la vida en el Cosmos, en una estación espacial confortable. O cuánto deterioro se produce por la absorción de radiación pasado cierto tiempo, o bien si con ese deterioro palpable es mejor permanecer en el Cosmos hasta morir o regresar a la Tierra con escasas posibilidades de vida.

Es puro entretenimiento muy logrado. Hay oficio y sinceridad en el relato. Sin innovación en los clishés del género. Tiene un muy buen elenco, encabezado por Ryan Reynolds y Jake Gyllenhaal y una banda sonora estentórea, acuciante, de fuerte impacto en la audiencia. Todo calculado, incluso escenas muy fuertes de muerte a manos del “alien”, llamado “Calvin”, que pueden impresionar y disgustar. Para los fans del género.

Elsa Bragato



DOS PELÍCULAS SOBRE LA ELECCIÓN SEXUAL FEMENINA

Curiosamente, se ofrecen dos films donde se aborda la temática lésbica desde un lugar diferente: la vida de mujeres con hijos, con un pasado, la elección sexual luego de una desilusión, la subordinación de una de ellas a la otra, las tentaciones de la vida cotidiana que hace tambalear la elección realizada.

ENTRE NOSOTRAS

De María Tognazzi. Con Margherita Buy, Sabrina Ferilli, Fastuo Sciarappa, Domenico Diele, entre otros. Música de Gabriele Roberto. Duración: 102 minutos.



XXXXX – EL SOMETIMIENTO

María S. Tognazzi es la cuarta hija de quien fuera afamado actor italiano, generador de grandes éxitos. En este film vuelve a convocar a la excelente Margherita Guy como hizo en la anterior película, “Viajo sola”. La historia nos cuenta la vida de dos mujeres de alrededor de 50 años, la arquitecta “Federica” (Buy) y la ex actriz “Marina” (Sabrina Ferilli). Esta última es dominante y siempre supo que era lesbiana mientras que “Federica” tuvo marido e hijo, y “Marina” es su primera pareja lésbica.

La directora Tognazzi no se regodea en ninguna escena sexual sino que muestra la vida cotidiana de dos profesionales, una va a su estudio, la otra analiza la posibilidad de volver al cine. Para “Federica” es una vida que nunca se imaginó y la tentación masculina llega de manos de “Marco” (Sciarappa), un conocido de los tiempos de estudio. “Marina” no está dispuesta a aceptar la infidelidad de “Federica”, y lucha con todas sus fuerzas para salvar la pareja. “Federica” es sumisa, inteligente y está confundida.

La historia plantea, entonces, aspectos interesantes de la convivencia: quién ejerce el dominio sobre el otro, si estos roles son interactivos o bien será una de las dos la que maneja la situación, la culpa, la confusión, el pasado que vuelve, la posibilidad de rehacer la vida como antes, o aceptar un presente diferente en el que el sometimiento tiene mucho que ver.

Margherita Buy compone su rol con excesiva sumisión, por momentos no creíble, mientras que Sabrina Ferilli se adueña del personaje “Marina” haciéndolo creíble. Contraste entre pasado y presente para ambas mujeres, el final es el menos adecuado y donde el esfuerzo narrativo decae completamente.

Elsa Bragato



DOS NOCHES HASTA MAÑANA

De Mikko Kuparinen. Con María Josée Croze, Mikko Nousiainen, Arly Jover. Duración: 90 minutos.

XXXXX – LA INFIDELIDAD

Mikko Kuparinen, director finlandés, coincidentemente con María Tognazzi, toma el caso de una arquitecta que viaja por trabajo a la capital de Lituania, donde tiene un encuentro sexual casual con un DJ finlandés que va y viene de Dubai. Skype la mantiene en contacto con su pareja, que está en París. Por diversas circunstancias, este encuentro sexual deriva en muchos más y de una noche, la protagonista “Caroline” (María Josée Croze) permanece un día más esperando ver al día siguiente a su pareja.

La tecnología aparece como el tercero en discordia: el celular de “Caroline” es escrutado por “Jaakko” (Mikko Nousiainen) encontrando fotografías de muchos otros hombres durmiendo, presuntamente “escapadas” de “Caroline”, incluyendo su propia foto. Y el Skype es el medio de comunicación entre “Caroline” y su pareja parisina. Causalidades, circunstancias, un hotel repleto de turistas sin más habitaciones, Jaakko presente siempre, conspiran para que el regreso de “Caroline” a París se concrete.

El planteo narrativo se centra, justamente, en “Caroline”, en su gestualidad, donde la actriz Croze muestra, una vez más, su enorme capacidad interpretativa. Sin mayores exteriores, un hotel en Lituania y un cuarto sirven para explicarnos que “Caroline” quiere y no quiere la relación que tiene.

En este sentido, las dos películas que esta semana tratan el tema lésbico indican que hay una de las dos mujeres no convencidas totalmente de su elección, o al menos que dudan o no se sienten satisfechas, buscando opciones que no siempre salen bien. El planteo de la fidelidad es muy claro. Y la oportunidad de rehacer la vida también tanto como enfrentar la soledad, la culpa y la aceptación del propio error.

Elsa Bragato



CHIPS, PATRULLA MOTORIZADA RECARGADA

XXXXX – VERGONZOSA ADAPTACIÓN

Las series norteamericanas solían inundar las pantallas de los canales de aire en los 60, 70 y 80. Luego la ficción nacional les ganó el espacio y hoy las tiras turcas. Entre esas series, estuvo "Chips, patrulla motorizada”, encarnada por la dupla actoral que conformaron Larry Wilcox y Erik Estrada. Una primera película del 98 rescató la serie del olvido, dado que su última temporada fue en 1983, “Chips 99” (Chips es una sigla “arreglada” de California Highway Patrols). Dax Shepard, quien dirige y compone a “Baber”, el longilíneo californiano desaforado que intenta recuperar a su esposa, tomó la base de los dos agentes motorizados y destruyó el resto, la idea original, los diálogos, todo. Ubicó a su compañero “Poncharello” (Michael Peña) en Miami, cinco horas de diferencia, con una misión del FBI para encontrar a los corruptos policiás que están en California.

El mal gusto, la escatología, los diálogos basados en las experiencias sexuales de “Ponch”, quien muere por las mujeres bien torneadas y los pechos turgentes, así como otras “delicadezas”, asquean, repugnan, y no arrancan ni una sonrisa (bueno… tal vez una o dos). Persecuciones, destrozos varios, explosiones, lenguaje soez, caracterizan a esta supuesta “síntesis” de la serie famosa de los 70-80 con evidentes connotaciones discriminatorias hacia los latinos y una misoginia avasallante. Erick Estrada hace su aparición, pero siempre dentro de una escena que encierra el concepto de lo burdo y desagradable. Mal momento para el que amamos el cine.

Elsa Bragato
 

JUEVES 9 DE MARZO DEL 2017.-

Varias películas llegan a las pantallas nacionales. Entre ellas, dos biopics y films nacionales, algunos con nula difusión lo cual es de lamentar. También se ofrece en el Malba el excelente documental “Lea y Mira dejan su huella”, de Poli Martínez Kaplún, quien entrevistó a dos sobrevivientes judías del campo de exterminio Auschwitz. Ambas viven en el país y cuentan cómo fueron llevadas a diferentes campos de concentración, cómo sobrevivieron a los horrores y el profundo dolor de perder a sus seres queridos, cómo llegaron al país. Más que valioso documental que recomendamos. Ver horarios de programación en el Malba.

“Ley primera” es una buena ficción de Diego Rafecas, quien nos relata la vida de dos hermanos con vidas diferentes: nacidos en la comunidad Qom, uno de ellos va a vivir a los Estados Unidos. Como curiosidad, los diálogos son en lengua Qom de los Tobas y en inglés.

“El silencio” es un film del venezolano Arturo Castro Godoy, radicado en nuestro país, quien analiza, a través de la historia de una pareja de adolescentes que tienen un hijo, las relaciones padres-hijos y la búsqueda de la identidad a cualquier edad. Es una narración intensa y profunda.

 

 

JACKIE

De Pablo Larraín. Guión Noah Oppenheim. Con Natalie Portman, Peter Sarsgaard, Greta Gerwig, Billy Crudup, John Hurt, entre otros. Música de Mica Levi. Duración: 95 minutos. Coproducción Estados Unidos – Chile.

XXXXX – LOS KENNEDY A ESCENA

El realizador chileno Pablo Larraín eligió a Natalie Portman como su “Jackie”, una elección valiosa, acertada, dado que la actriz había demostrado con creces su esmerada elaboración de los personajes. Su carrera de Psicología en Harvard le permitió hasta alcanzar el Oscar por El cisne negro. Otro acierto del realizador chileno fue tomar solo el fatídico 22 de noviembre de 1963, el momento exacto en que el presidente John F. Kennedy fue asesinado en Dallas, y la semana subsiguiente del magnicidio que dejó a la primera dama sin corona y sin marido en segundos. Luchando con el dolor, la profunda lucha para recuperar su fe, consolando a sus pequeños hijos y definiendo y defendiendo a ultranza el legado histórico del asesinado presidente, esa Jackie de ese día de noviembre se transformó en un hito histórico.

El acierto mayor, o lo más logrado, es el clima sin sensiblería ni condescendencia que Pablo Larraín pone sobre el drama que vivió  la ex primera dama. En su hogar, la Casa Blanca, todo empezó a cambiar con rapidez, y Larraín tuvo el tino de marcarlo en secuencias fuertes, lúcidas, creíbles. Es que el director chileno es un profundo conocedor de estas situaciones extremas, como demostró en “Neruda” y en otros films, donde el entorno es oscuro y cruel, donde la vida no vale nada y los personajes-protagonistas se vuelven “targets” para las mafias enquistadas en el poder.

Natalie Portman asumió el difícil personaje de “Jackie” con profundidad, logrando verosimilitud en sus gestos y su forma de hablar, con la colaboración de la dirección de arte (vestuario, maquillaje). A partir de eso, Portman trabajó su  frágil contextura física, poniendo énfasis en la refinada educación que tuvo Jacqueline Kennedy, dama de modales delicados y fría amabilidad. Pero también de gran fortaleza. Las secuencias posteriores al magnicidio nos muestran sus fluidos contactos con Robert Kennedy (Peter Sarsgaard), sus paseos solitarios con el sacerdote que fue su consejero espiritual así como la única entrevista que concedió, basándose en su firme convicción de que la prensa no siempre decía la verdad. Hay que recordar que “Jackie” había sido reportera gráfica y conocía el medio periodístico.

El film, apoyado en la música incidental de Mica Levi y la dramática fotografía de Stéphane Fontaine, tiene secuencias memorables: la recreación del 22 de noviembre en el auto descapotado, el vestido de color rosa que quedó manchado con la sangre de su marido, como su rostro y sus manos, el paisaje agónico y gélido de los paseos con su sacerdote y el sepelio del presidente. Son retratos de notable maestría cinematográfica en los que Pablo Larraín, así como su heroína Natalie Portman, conforman una dupla estupenda para una biografía histórica que aún no se había llevado al cine, salvo en alguna secuencia de “JKF” de Oliver Stone.

Carlos Pierre

 

 

EN LO PROFUNDO DEL BOSQUE

Guión y dirección Patricia Rozema. Con Ellen Page, Evan Rachel Wood, Max Minghella, Callum Keith Rennie, Michael Eklund, entre otros. Música de Max Richter. Duración: 101 minutos.

XXXXX – TERROR FEMINISTA

La realizadora canadiense Patricia Rozema, basándose en la novela de Jane Hegland, enfocó el tema de la supervivencia ante un desastre apocalíptico con una mirada femenina y familiar. Ubicó la historia en un bosque de Carolina del Norte, muy alejado de la civilización.

Dos hermanas adolescentes sienten ese cataclismo emocional cuando un apagón, que se prolonga un año, cambiará la rutina apacible. Nadie sAbe qué pasó. Envueltas en el miedo y la desinformación, enfrentan la incomunicación (no tienen TV, internet) y los víveres empiezan a faltar porque la pequeña aldea aledaña ha quedado desierta.

La curiosidad de esta película es que, desde la realizadora y la novelista hasta las dos protagonistas, dejan de lado la figura masculina. Los varones aparecen solo para concretar una violación. El tono apocalíptico va creciendo tanto para el espectador como para las protagonistas que deben luchar a brazo partido contra las adversidades que van surgiendo dentro de una catástrofe ambiental cuyo origen se desconoce.

Patricia Rozema aplicó su vasta experiencia en la televisión para conferirle al film agilidad y suspenso. Su capacidad como realizadora está altamente comprobada por los capítulos que dirigió en la famosa serie “Mozart in the Jungle 2016”, por mencionar solo uno de sus trabajos. El mundo desolador, las mujeres solas y asoladas por el entorno, obligan a pensar en algo más que lo físico: es la soledad femenina frente a un mundo marcadamente masculino. Y esto nos permite afirmar que hay una reivindicación de la mujer, sustentada por las estupendas actuaciones de Ellen Page y Even Rachel Wood. El terror y la desesperación de las protagonistas conmueven destacándose que Rozema los administra con destreza y hasta elegancia. Es un film de género diferente y atractivo.

Carlos Pierre

 

 

KONG: LA ISLA CALAVERA

De Jordan Vogt-Roberts. Con Tom Hiddleston, Brie Larson, Toby Kebbell, Jason Mitchell, Samuel L. Jackson, Tom Wilkinson, Corey Hawkins, John Goodman, John C., Reilly,  entre otros. Música de Henry Jackman. Duración: 118 minutos.

XXXXX – INICIO DE UNA SAGA

“King Kong” quedó en el recuerdo como aquel gigante gorila que se enamoraba de una frágil rubia y, subido al Empire State de New York, era ametrallado hasta morir. Y allí se terminó todo. La astucia de los estudios cinematográficos de Hollywood reviven con “Kong: la isla calavera” la historia del gorila histórico mostrándolo en un ambiente natural, una isla perdida en el Pacífico. A partir de ahora hay “derecho” a una saga. Veamos por qué.

El film de Jordan Vogt-Roberts se remonta a la Segunda Guerra Mundial, a la caída de aviones en una isla y a la supervivencia de uno de los aviadores. De allí se pasa a los años 70 en Vietnam, en plena guerra de los Estados Unidos y los vietnamitas (culminó en 1975). Un grupo de soldados terminan con su misión, están al mando de “Preston Packard” (Samuel L. Jackson). El descubrimiento satelital de una extraña isla en el Pacífico alerta a estudiosos para organizar una exploración encabezados por “Bill Randa” (John Goodman) mientras el comandante Packard es llamado con su grupo para llegar a la isla.

Con ellos va una fotógrafa y periodista, “Mason Weaver” (Brie Larson). Llegar a la isla es un desafío mortal, en medio de tormentas eléctricas que ponen en jaque a más de una máquina. La recepción no será pacífica: el mundo idílico de la isla, que luego de la tormenta se descubre, se trastoca cuando aparece un furibundo gorila que hace añicos, como si fuesen papelitos, a los helicópteros y se traga a algunos ocupantes como caramelos. De allí en más se viven aventuras que tienen una majestuosidad visual propia de los estudios hollywoodenses. Aguas muy a lo “vietnam”, soldados lastimados que se meten en lagunas, y horribles monstruos que los persiguen. En esa isla aparece como “salvador” aquel aviador que cayó, “Hank Marlow” (John C. Reilly), que logró ubicarse como “jefe” de una tribu temible.

El ritmo es sostenido: aventuras, luchas entre los monstruos, el cementerio fétido, van aumentando la tensión, en una narración que no decae pero que, si repasamos lo visto hasta ahora en materia de efectos especiales, poco es lo que sorprende. El “gag” que nos devuelve al viejo “King Kong” conocido es el salvataje de la fotógrafa “Mason” que, si bien no tiene relación directa con las secuencias del film tradicional, permite avizorar un respeto amoroso del gigante con la diminuta figura femenina. Y secuelas…

Es un film para entretenerse y vibrar en la butaca con los salvajes ataques de los “guirigay”. Hay excelencia en efectos visuales, como dijimos, y la aventura está en su apogeo, con villanos y buenos, con monstruos y seres humanos. La película es buena pero no podemos dejar de “entrever” la postproducción técnica, una de las mejores que hemos visto hasta ahora. Yendo un poco más allá, hay un mensaje ecológico: no destruir el medio ambiente, respetar a los animales como personas no humanas.

Elsa Bragato

 

MONSIEUR CHOCOLAT

De Roschdy Zem. Con James Thierrée, Omar Sy, Clotilde Hesme, Olivier Gourmet, Frederic Pierrot, entre otros. Música de Gabriel Yared. Duración: 110 minutos.

XXXXX – EMOTIVA HISTORIA DE UN CLOWN AFROCUBANO

La tercera biopic de la semana es “Monsieur Chocolat”, basada en la biografía que el historiador e investigador francés George Noiriel publicó en 2012 rescatando la vida de Rafael Padilla, afrocubano nacido como esclavo en Cuba en 1868: fue uno de los mimos más famosos de fines del siglo XIX y comienzos del XX (falleció en el 1917 en la más absoluta miseria). Por diferentes razones llegó a París en un momento donde la “ciudad luz” era bohemia, trasnochados artistas plásticos, y bellas mujeres prostituidas. Un gran hallazgo cinematográfico de Roschdy Zem es la recreación del ambiente parisino, de la vida circense, de sus alegrías, de sus profundas miserias y tristezas, a través de un personaje como “Monsieur Chocolat” o Rafael Padilla, en el que se funden el dolor existencial y el grotesco: era el negro que aceptaba las bofetadas de un blanco para hacer reir a los blancos, frase con la que se define al film.

Durante 20 años, “Monsieur Chocolat” estuvo unido al clown británico “Footitt” (George Tudor Hall), siendo números preferidos en circos y hasta en teatros de la época. Esta relación está muy bien protagonizada por los excelentes Omar Sy (ganador del César por “Entouchables”) y James Thierrée como “Footitt”, en una cabal lección actoral de ambos. Entre el drama, la comedia, la tristeza que también genera aquellos ambientes lúgubres y pobres de los circos de antaño, el racismo y la corrección política que significa llevar al cine esta asombrosa biografía, transcurre una narración muy emotiva que redescubre una figura olvidada y que solo un investigador como George Noiriel rescató del olvido en un libro, ahora llevado al cine. Melancolía, habilidad narrativa, plasticidad actoral: valiosos aciertos de una película que merece verse.

Elsa Bragato

 

Varios estrenos luego de los premios Oscars y sus papelones. Entre ellos, los films nacionales como “Nosotras-ellas”, film de la directora cordobesa Julia Pesce, del 2015, muy bien recibido por la crítica. Gira en torno a su propia familia. También “El cielo del centauro” del director Hugo Santiago quien filma luego de varias décadas. Se presentó en el BAFICI 2015. Además, “El teorema de Santiago”, de Ignacio Masllorens & Estanislao Buisel Quintana, sobre cómo filma justamente Hugo Santiago, su estilo, qué elementos lo componen: análisis o estudio de un cineasta nacional realizado por dos colegas suyos. Entre las extranjeras, está la producción de los hermanos Dardenne, de Bélgica, titulada “La chica sin nombre”, considerado “menor” dentro de la filmografía de Jean Pierre y Luc, pero siempre con un rasgo distintivo especial e inconfundible.

TRAINSPOTTING – T2

De Danny Boyle. Con Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewen Bremmer, Kelly Macdonald, Shirley Henderson, Steven Robertson, Anjela Nedyalkova, Irvine Welsh. Música: varios. Duración: 117 minutos.

XXXXX. IRREVERENCIA BRUTAL

Hace exactamente 20 años y algunos días, en 1996, Danny Boyle asombraba al mundo cinéfilo con la película “Trainspotting” donde el submundo de la droga y la prostitución se mostraba como nunca antes. Fue el puntapié inicial para que el cine se metiera sin falsedad en muchos otros submundos con sus altísimos grados de miserabilidad e inescrupulosidad.

“Mark Renton” (Ewan McGregor) regresa a Edimburgo, Escocia, para recomponer la relación con sus viejos amigos, coincidiendo con la salida de la cárcel del violento “Franco” Begbie, quien no perdona la traición de Renton ni del grupo de amigos. La primera película Trainspotting se basó en la novela homónima de Irvine Welsh editada en 1993, y esta secuela, en la titulada “Porno”, del 2002. Es que en esta novela aparecen todos los personajes de la “iniciática” de 1993, mientras que entre una y otra, lo hicieron en forma esporádica, según el capricho del escritor.

Se hace difícil comprender el inglés de los protagonistas porque es evidente que hablan en el dialecto escocés en el que Welsh hace “hablar” a sus personajes. La relación de los cinco amigos con la droga, la prostitución, la amoralidad, sigue casi intacta aunque hayan pasado 20 años. Y tanto Renton como sus compañeros quieren reconstruir aquellos años de adolescencia frenética. Sin embargo, la realidad es diferente. La violencia de “Franco” ya es inadmisible, tiene familia y ni siquiera su hijo quiere seguir sus criminales pasos. El resto vive como puede pero dentro de ambientes mediocres. La heroína parece cosa del pasado aunque ha dejado sus buenas huellas en cada uno de ellos.

La narración de Boyle (“Slumdog millonaire”, “127 horas”) es irreverente, alocada, sin perder jamás la coherencia o esa hilación sutil que hace posible que tantos caracteres diversos mantengan puntos en común. El estilo es similar al de “Trainspotting”, pero bañado de nostalgia: las repeticiones de conductas de hace dos décadas no tienen la misma aceptación social aunque en esencia ellos sigan siendo esos mismos amorales, perdidos por la droga y un furioso rock. Volver al hogar paterno para “Mark” es buscar el perdón, pero siente que pueda redimirse. En su cuarto, estalla el adolescente viejo que es. Recordemos: McGregor es “Mark Renton”; Ewen Bremmer compone a “Daniel “Spud” Murphy”; Jonny L. Miller es “Simon “Sick” Boy” Williamson”, y Robert Carlyle es “Francis “Franco” Begbie”.

Singular, electrizante, inescrupulosa, “Trainspotting- T2” es un viaje a un submundo que quedó en la imaginación de aquellos muchachos, brutal, cruel, plagado de maldad y traición, como antes. Nadie cambia su ADN. Como película, es un alucinante viaje cinematográfico que golpea fuertemente.

Elsa Bragato

LA PRESENCIA

De Jason Stutter. Con Jed Brophy, Jeffrey Thomas, Laura Petersen, entreotros. Música de David Donaldson, Steve Roche y Janet Roddick. Duración: 80 minutos

XXXXX – TERROR CLÁSICO

Jason Stutter es un realizador de Nueva Zelanda reconocido por sus cortos y su actividad como publicista. “La presencia “ (The dead room) es su primer largometraje donde aborda el género del terror con una narrativa clásica. Es decir, aquí hay ruidos, movimientos de cámara, y ningún monstruo. Dos científicos junto a una jovencita que es médium investigan una vieja casa supuestamente “embrujada”.

La cámara de Stutter realiza un trabajo superlativo con muchas tomas secuencias muy al estilo de los 40. Es un manejo envolvente de la imagen que luego da lugar a la presencia, a ese “ente” que no necesita de trucos especiales para aterrorizar.

Los sustos, que de eso se trata en definitiva, son auténticos. La cámara con imágenes directas y frontales así como la posproducción de sonido hacen el resto, comportándose como dos protagonistas que son uno solo: el “ente” en sí. La casa tiene un secreto pero no se revela hasta el final, y ni siquiera las autoridades del lugar quedan fuera de esos ambientes terroríficos. Es una buena película de género que va a atraer a los fans. Además, es más que positivo que los efectos de Hollywood no estén presentes y que se pueda ver y sentir un miedo en base a imágenes y sonidos. En eso, Jason Stutter demuestra su más que interesante planteo narrativo.

Elsa Bragato

LOGAN-WOLVERINE

De James Mangold. Con Hugh Jackman, Patrick Stewart, Dafne Keen, Doris Mogado, entre otros. Música de Marco Beltrami. Duración: 135 minutos.

XXXXX – LA TERCERA ES LA VENCIDA

Hasta acá llegó la vida y obra de “Logan-Wolverine”, la trilogía encarnada por Huck Jackman (las anteriores fueron X-Men Originals – 2009; y “The wolverine” – 2013), como desprendimiento del personaje Wolverine de Marvel Comics. Los hombres con poderes especiales y la famosa escuela dirigida por “Charles” (Patrick Stewart) no tienen cabida en el 2029, año en el que se sitúa la narración. “Logan”, cansado de sus poderes especiales, de esas tremendas dagas que surgen de sus dedos cuando lo hacen enojar (una variación o twist del querido y viejo “Hulk”), vive en una suerte de casucha al estilo “Mad Max” donde esconde a su amigo de toda la vida “Charles”, y a otro mutante. En el mundo no nacieron más seres con poderes especiales, hasta que llega la pequeña “Laura” (una increíble nena llamada Dafne Keen, que hace su segunda participación cinematográfica). Tiene los mismos poderes que “Logan” y no se amedrenta a la hora de clavar sus terribles “dagas”. Pero hay un grupo de malvados que quiere terminar con los mutantes, sean viejos o jóvenes, por lo que el film de Mangold se transforma en una suerte de “road´movie-western”, con persecuciones por caminos polvorientos o bien lo que queda del mundo, paisajes distópicos, desérticos y poco amables para la vida humana.

Jackman manifestó que este film es una verdadera “carta de amor” para los fans de su personaje: Logan-Wolverine le dio la popularidad que no consiguió con roles más formales. Siendo un “superhéroe” de ficción, tuvo fama alcanzando la posición actoral que su carrera necesitaba. Luego llovieron los contratos para Broadway para varios musicales, además del cine. Y muchas nominaciones y premios.

Hay escenas de extrema violencia, Logan se siente cansado y con menos poderes de autocurarse (se saca las balas haciendo fuerza), pero mata a piacere, destroza cuerpos, en fin, hace lo que debe para defenderse. Llama la atención la pequeña “Laura”, y es el impulso joven que tiene la narración y aquello que más la justifica. Balaceras, persecuciones feroces, escenas de acción impactantes y sangrientas, se oponen a la ingenuidad –aunque temible- que tenían los X-Men de antaño. Logan-Wolverine no tiene piedad y en la pequeña “Laura” está el secreto que él deberá revelar. Para los fans de la saga, es un final con todo y una despedida del héroe que, desde hace varios años, viene atrapando a adeptos en todo el mundo.

Elsa Bragato

EL VIAJANTE (THE SALESMAN)

Guión y dirección Asghar Farhadi. Con Shahab Hosseini, Taraneh Alidoosti, Babak Karimi, Mina Sadat, entre otros. Música de Sattar Oraki. Duración: 125 minutos, Coproducción Irán-Francia

XXXXX- TRAGEDIA Y CATARSIS EN TEHERÁN

El prestigioso realizador iraní Asghar Farhadi contó que, al terminar de rodar en Francia The Past (Fortiden-Le passé), empezó a trabajar en una historia que demandaría un año en España. Y, en el mientras tanto, rodó ‘El viajante’, que hacía mucho tiempo quería hacer en su Irán natal, “una ciudad vertiginosa, algo parecida a New York”.

Esta película está emparentada con ‘La muerte de un viajante’, de Arthur Miller, aunque tiene una impronta shakespeareana muy fuerte, basada en la venganza. Tomemos la historia: Emad (Shahab Hosseini) forma pareja con Rana (Taraneh Alidoosti). Ambos comparten la pasión por el teatro, son miembros de un talentoso grupo que los reinvindica de la simple vida que llevan. Pero todo cambia cuando el viejo departamento que alquilan en Teherán comienza a resquebrajarse, y deben mudarse a otro edificio que no presenta buenas comodidades. Así les cambia la vida, siendo éste el eje de drama que les tocará vivir: Rana es violada. Su esposo, como auténtico personaje shakespeareano, comienza una lenta e implacable cacería del autor.

Tanto Shahab Hosseini como Taraneh Alidoosti conforman la luz cenital de este film ganador del Oscar a la Mejor Película en Idioma Extranjero, siendo ociosa enunciar la serie de premiaciones en festivales de todo el mundo.

Es una película perfecta por su estructura basada en lo existencial, en la humanidad misma, de la que sangra no solo la sangre roja mortificante sino la sangre del alma ultrajada, más difícil de aprehender pero que Farhadi logra plasmar en imágenes y diálogos. Surge inevitablemente la relación con la obra de Arthur Miller y con el gran Bardo. Porque Asghar Farhadi trabaja con la venganza en estado puro, la elucubración y planificación de cómo llevarla a cabo, provocando una catarsis de las miserias humanas con un final digno de las grandes tragedias.

Carlos Pierre

EL ESPACIO ENTRE NOSOTROS

Guión y dirección Peter Chelsom. Con Gary Oldman, Carla Gugino, Asa Butterfield, Britt Robertson, Janet Montgomery, entre otros. Música de Andrew Lockington. Duración: 121 minutos.

XXXXX-ROMANTICISMO INTERGALÁCTICO

El realizador Peter Chelsom, aquél de la archifamosa “Hannah Montana”, encara con “El espacio entre nosotros”, una divertida aventura romántica y de ciencia ficción, sustentada en una poco común visión cósmica, a tono con el veloz avance de la astronomía y astrofísica, respectivamente. A pesar pesar de cierta crítica de corto alcance cultural, estamos frente a una auténtica comedia.

¿Cómo no aceptar los planes de establecer una colonia experimental en nuestro vecino planeta Marte? Tal como ocurrió con la galardonada película “The Martian”, hay una colonia funcionando en el planeta rojo. Un grupo de astronautas, comandados por una mujer, emprende viaje a Marte, sorprendiendo a sus colegas con su embarazo y posterior parto lejos de la Tierra. Da a luz un auténtico “marciano” de origen humano, secreto que será guardado celosamente por la comunidad científica. En el centro de monitoreo terrestre está el científico “Nathaniel”, encarnado por Gary Oldman, a quien se le escapa un detalle tecnológico: pasados 16 años, el ya adolescente Gardner (Asa Butterfield) comienza una relación online con Tulsa (Britt Robertson). De Marte a la Tierra. Y finalmente viaja a nuestro planeta conociendo a la joven. El resto es el avance paulatino de su amor en medio de los majestuosos paisajes de Colorado, retratados con generosidad. Romanticismo, situaciones diferentes, si bien el cine conoció una maravillosa película similar llamada “Starman” con Jeff Bridges en 1984, vuelven a la pantalla con una historia agradable.

En los aspectos técnicos, la película de Chelsom tiene aspectos muy destacables; el guion original, la estructura narrativa sin fisuras y la ausencia de violencia y de ampulosos efectos, permiten vivir una historia diferente, disfrutando de dos horas donde hay emoción como para salir gratificado del cine.

Carlos Pierre

EL HOMBRE DE PASO PIEDRA

De Martín Farina. Con Mariano Carranza, Martín Farina, Cecilia Nai Oleari. Música de Guillermo Alonso y Jorge Barilari. Duración: 78 minutos.

XXXXX- RETRATO DE DOS GENERACIONES

Martín Farina regresa al cine con un muy interesante guion, donde la cámara subjetiva tiene protagonismo otorgándole a este relato, casi manera de documental, una dimensión poética intensa.

Se trata de la vida de Mariano, un hombre de 63 años que vive en el departamento de Paso Piedra, Choele Choel, en Río Negro. Tiene una casa muy modesta, sin luz, un celular, un amplísimo terreno, una radio a pilas y su lugar de trabajo para armar ladrillos de barro. Hasta allí llega Martín, un joven que intenta documentar la vida de Mariano, y, en ese mientras tanto, ambos exponen sus puntos de vista sobre la vida, el amor, el trabajo, el futuro que, para Mariano, es mucho más breve que para el joven Martín.

En este avance de los diálogos reside el encanto de esta película, por momentos silente, con una cámara que retrata el entorno de Mariano con enorme poesía. Hay muchos hallazgos en este nuevo trabajo de Martín Farina, en especial, la confrontación de dos generaciones, tratada con un sentido lírico infrecuente. También las tomas que realiza están pensadas, desde los primeros planos de Mariano hasta los planos largos de la inmensidad que lo rodea. Buen cine.

Elsa Bragato

 

JUEVES 23 DE FEBRERO DEL 2017.-

Varios estrenos de cine entre los que se destaca la oscarizada “Manchester by the sea”. Como estreno nacional está “5 AM”, con guión y dirección de Ezio Massa, con Cristina Alberó, Ximena Fassi, Adrián Spinelli, entre otros. Film de terror sobre un extraño juego que debe hacerse “5 minutos antes de la medianoche” y un altillo que convoca a la curiosidad.

 

MANCHESTER JUNTO AL MAR

                                              Guión y dirección de Kenneth Lonergan. Con Casey Affleck, Lucas Hedges, Michelle Williams, Kyle Chandler, Matthew Broderick y Gretchen Mol. Música de Lesley Barber. Productor: Matt Damon. Duración: 137 minutos.

XXXXX-PROFUNDO ANÁLISIS SOBRE LA RESIGNACIÓN

Kenneth Lonergan regresa con su tercera película en la que desarrolla una extrordinaria habilidad para conmovernos al plantear temas como la resignación, el dolor ante la pérdida de seres queridos, la capacidad o no de subsistir con culpas. Es decir, nos habla de la aflicción profunda, ésa que se pega en el alma y que condiciona la vida para siempre.

“Lee Chandler” es el personaje de Casey Affleck, en una de las actuaciones más notables que hemos visto en los últimos tiempos: encargado de edificios, es hosco y rotundo, práctico y hierático. La muerte de su hermano por un infarto múltiple lo obliga a hacerse cargo de su sobrino “Patrick” encarnado por un soberbio Lucas Hedges, joven actor hijo de un reconocido escritor, Peter Hedges.

La vida de “Lee” cambia rotundamente. Deja Boston, donde trabajaba, y se instala en Manchester para ayudar a su sobrino y ver cómo reorganiza su propia vida. Cada movimiento suyo lo remite a un pasado que el director Lonergan va mostrando en cuentagotas a través de flashbacks. Muchas veces, el film no tiene diálogos y son sustituidos por obras clásicas como el “Adagio” de Albinoni, entre otras. No es lo mejor para esta excelente narración. Sin embargo, las actuaciones superan con creces esta fallida intervención de la banda sonora. “Lee” está separado de su esposa, “Randi”, extraordinaria Michelle Williams, reencontrándose en el funeral de su hermano y luego, de casualidad, en una de las calles de Manchester, cuando ella está casada nuevamente y con un bebé. He aquí una de las mejores secuencias, diría inolvidable, entre Williams y Affleck: el llanto por la tragedia vivida, la necesidad de perdonarse mutuamente, y “Lee” que logra demostrar que su tono hosco solo esconde una enorme fragilidad por tanta aflicción profunda. Otro de los grandes momentos del film de Lonergan es el diálogo desesperado entre “Patrick” y su tío, luego de realizar el papeleo para el entierro del padre del primero. Llanto, frases de un inmutable “Lee”, ponen a prueba la sensibilidad del espectador.

“Manchester junto al mar” o tal vez mejor “desde el mar” es un drama intenso que Lonergan va generando de a poco, en una narración muy diferente: desde un comienzo idílico en una barcaza en un lago, la risa de un niño, los dos hermanos juntos, hasta la fría morgue del hospital donde yace “Joe”, el hermano de Lee y padre de “Patrick”. Por sobre el dolor, que nos mostrará una tragedia límite para cualquiera, está la dosificación de las pérdidas a través de la resolución de los diferentes problemas cotidianos de “Lee” y su sobrino. 

A veces la resignación tarda en llegar, el dolor arrastra, la vida se puede transformar en una pesada carga de la que nada se disfruta. “Lee” lo sabe y debe reconvertirse, congeniar con su sobrino adolescente, reparar su propio espíritu, recuperar la capacidad de la esperanza a pesar de que tanto él como su ex esposa “Randi” tienen “el corazón roto”. Lonergan nos deja pocas palabras en escasos diálogos para explicar el pasado de los personajes pero se apoya en la actuación de Casey Affleck, protagonista absoluto, utilizando su expresión y hasta su inexpresión para contarnos el dolor de su alma. Michelle Williams tiene una acotada aparición pero perfecta: está en su personaje el explicitar esa tragedia pasada que la une a “Lee” desde el perdón o la comprensión. “Patrick” es el futuro, es el lazo humano que encuentra “Lee”, ante una circunstancia inesperada de la vida, para volver a vivir a pesar de todo.

Ciertamente, existe cierto prurito a la hora de elegir un drama para ir al cine. Sin embargo, el tratamiento de Lonergan de una historia de complejidad existencial hace que este film nos atrape lentamente, con profunda empatía: hay maestría en la narración planteada.

Es una de las mejores películas que hemos visto en muchos años. Sin estridencias, sin excesos, pero profunda en su análisis del alma humana, sus culpas y sus tristezas, algunas infinitas, sus dolores más intensos y callados con una actuación de Casey Affleck que obliga a la reflexión sobre la utilización de los recursos histriónicos: la parquedad frente a la expresividad extrema, la intensidad en la mirada y la gestualidad ajustada. Una soberbia clase de actuación.

Elsa Bragato

 

FRAGMENTADO

Guión y dirección de M. Night Shyamalan. Con James McAvoy, Anya Taylor.Joy, Betty Buckley, entre otros. Música de James Newton Howard. Duración: 116 minutos.

XXXXX- REGRESO ESPERADO

M. Night Shyamalan regresa con un film de suspenso que tiene un excelente hilo conductor: el actor escocés James McAvoy en el personaje de “Kevin”, un joven que tiene 23 personalidades y una a punto de surgir. Sin embargo, a su psiquiatra, la doctora Fletcher (Betty Buckley), le ha demostrado que puede manejarlas, que su recuperación está progresando.

El suspenso va creciendo, al mejor estilo de Shyamalan, y McAvoy crece como actor de manera notable. Una de sus personalidades lo obliga al secuestro de tres adolescentes, y esto va emparentado con la confusión mental de “Kevin” en quien los compartimentos mentales de cada personalidad se van quebrando. Shyamalan utiliza este recurso nada fácil, valiéndose de la capacidad actoral de McAvoy, para generar terror en la platea, cada vez en mayor grado.

Lo que suceda con las tres chicas raptadas, la orden de “La bestia” , logran que la aparición de “Kevin” sea aterradora, generándose una perturbación creciente en el espectador: “Kevin” es él y también sus múltiples personalidades.

Si bien la idea es clara, no es simple de desarrollar: el secreto del director y guionista está en su primer actor quien, con cabeza calva, atemoriza con sonrisas letales y la enorme capacidad actoral para encarnar a tantas criaturas que posee su disociada mente.

Tanto para Shyamalan como para los productores del film, esta película es un “spin-off” lejano de “El protegido”, con Bruce Willis, quien no aparece en los créditos de “Fragmentado” pero sí en el film como “David Dune”, personaje que interpretó en el film antes mencionado. Tensión intensa, adrenalina pura, suspenso psicológico, y una gran actuación de James McAvoy son algunos de los ingredientes de esta película que merece atención del público. Es uno de los buenos estrenos de esta semana.

Elsa Bragato

 

MONSTER TRUCKS

De Chris Wedge. Con Lucas Till, Jane Levy, Thomas Lennon, entre otros. Música de David Sardy. Duración: 104 minutos.

XXXX-SIN DAÑO COLATERAL

El cine simplista en su concepción basado en arquetipos y en fórmulas de filmación es inocuo y resulta un válido entretenimiento, especialmente cuando no cae en la escatología a la que es tan afecta Hollywood. Es el caso de “Monster Trucks”, que va dirigida a chicos de hasta 12 años.

Se basa en la vida de Tripp (Lucas Till), estudiante, quien construye un gran camión utilizando piezas descartadas de otros coches. Necesita algo que lo ayude a salir de la rutina de su pueblo. Pero no tiene en cuenta que un monstruo de un pantano, Creech, es un enamorado de los autos así que será una visita inesperada e ineludible.

Basada en la línea de juguetes de Hasbro, el monstruo viene a ser una suerte de delfín con pulpo de ojos gigantescos pícaros que ayudará a su amigo en carreras insólitas y en una serie de acontecimientos simpáticos y pueriles que mueven a risa. Y nada más. Hay efectos especiales básicos, monstruos adictos a la gasolina, y un sinfín de aventuras que divierten. Tiene cierta nostalgia narrativa de los 80 cuando no existían los efectos digitales que nos atrapan pero que también arruinan muchos films. Aquí todo es simple y para entretenerse. No hay daños colaterales.

Elsa Bragato

 

ESTEROS

De Papu Curotto. Guión Andi Nachon. Con Ignacio Rogers, Esteban Masturini, Renata Calmon, Joaquín Parada, Blas Finardi Niz, María Merlino, Marcelo Subiotto, entre otros. Coproducción Brasil Argentina. Música original: Rudi y Nini Flores. Banda de sonido: Leo García. Duración:83 minutos.

XXXXX- BUENA IDEA CON FALLIDA REALIZACIÓN

Esta ópera prima de Papu Curotto está basada en su primer cortometraje de 2014 titulado ‘Matías y Jerónimo’, situando la historia en los exuberantes Esteros del Iberá y Paso de los Libres, de la provincia de Corrientes.

El film viene precedido por una prensa muy elogiosa habiendo ganado múltiples premios por el tema abordado: la relación gay de dos adolescentes que, después de diez años de separación motivada por circunstancias domésticas de sus padres, vuelven a encontrarse. Una de las familias permaneció en Corrientes, y la otra se radicó en Brasil por un mejor y más retributivo trabajo: Matías (Ignacio Rogers), más aggiornado, y Jerónimo (Esteban Masturini), anclado en su terruño.

Matías adolescente está interpretado por Joaquín Parada, y Jerónimo por Blas Finardi Niz: a ambos se los ve en una continua alternancia como jóvenes y ya adultos, basándose en una edición “por corte” sin ningún “flashback”. Presente y pasado se unen en la narración propuesta.

La naturaleza vibrante de los esteros, las aves, los yacarés y los aguará-guazú (no se los ve), las lluvias repentinas, son un gran atractivo visual, sin abandonar el centro de la acción que es la relación gay. Con juegos adolescentes se van acercando, se busca una impronta de ingenuidad y vivaz, pero queda en el intento. El peso de la historia es esta relación, como decíamos, que crece a espaldas de las respectivas familias, en tierras y tiempos donde la sociedad conservadora no admite elecciones sexuales libres.

Vamos a destacar algunos errores muy notables: primero, Esteban Masturini como “Jerónimo” carece de buena dicción por lo que sus parlamentos no se entienden. Muchas secuencias donde habla quedan en la nada preguntándose el espectador qué habrá dicho. Además, los diálogos de los protagonistas, tanto en la adolescencia como en la adultez, son monosilábicos con un forzado compromiso verbal por lo que resultan declamados y no sentidos. Lamentablemente, el tema es muy interesante pero la narración carece de pasión, de emoción, y no logra empatizar con el espectador.

Carlos Pierre

 

MOISÉS Y LOS 10 MANDAMIENTOS

De Alexandre Avancini. Con Guilherme Winte, Sergio Marone, Camila Rodrígues, Giselle Itié, Petronio Gontilo, entre otros. Música de Daniel Figueiredo. Duración: 120 minutos.

XXXXX- NADA DE CINE

Hace pocos años vimos “Exodo” de Ridley Scott con Christian Bale como “Moisés”, una superproducción que tuvo buena realización pero se quedó en el desarrollo de los personajes. Desde hace un año y medio vemos en televisión “Moisés y los 10 mandamientos”, superproducción brasileña que, con escenas inéditas que no se vieron en la pantalla chica, acaba de ser lanzada como película de dos horas de duración. En televisión es un éxito que le permite a Telefé seguir siendo el canal líder en rating. En el cine, la cuestión es diferente.

Hay muchas razones para afirmar que hay motivos que no hacen a este montaje de secuencias televisivas una verdadera película: el trabajo y los recursos de la televisión son mucho menores que los del cine. De allí la inexactitud del vestuario, de los cortes de pelo de muchas protagonistas, de los extraños vestidos modernos de las actrices, de los collares hindúes que utilizan, y de la escenografía de cartón prensado, bien decorado, que rodea las acciones.

Nadie duda de la historia en sí que es atrapante. Pero el rigor que exige el cine no está en estas grabaciones televisivas aunque se haya invertido mucho dinero. Detrás de la película está la Iglesia Üniversal y otras más pertenecientes al Brasil. Un lanzamiento que moviliza la fe de judíos y cristianos debería tener una realización y actuaciones acordes a la pantalla grande, tan diferente de la televisión en todos los aspectos atinentes a lo actoral y a la producción en sí. No nos convenció como traspaso de la tele al cine. Muy poco.

Elsa Bragato

 

LO QUE NO SE PERDONA

Dirección de Cristian Maximiliano Barrozo. Con Roly Serrano, Alvaro Massafra, Carolina Guerrero, Angel Collante, Luciano Ochoa, entre otros. Música de Alejandro Millán Pastori. Fotografía de Luis Millán Pastori. Duración: 76 minutos.

XXXXX- MALA JUNTA

El realizador salteño Cristian Maximiliano Barroso, coautor del guión de “Lo que no se perdona”, reflejó la vida de los jóvenes adolescentes de su provincia, Salta la linda, quienes, como en el resto del país, no tienen contención ni familiar ni escolar. Fuera de la asistencia a clase, se ve a los chicos deambular por las calles salteñas, jugar en un potrero y acercarse a los peores, tener “mala junta”. Como es el caso del protagonista “Leandro”, interpretado por un excelente Alvaro Massafra, quien pasa gran parte del día con “Gustavo” (Roly Serrano).

En medio de prostíbulos, de juegos ilegales, “Leandro” se aleja de la educación familiar recibida y ausente en esta etapa, y acepta las normas de “Gustavo”, quien lo provee de un revólver y ordena un robo.

Es muy interesante y rica la fotografía propuesta, con diferentes tomas, planos, y un seguimiento especial de “Leandro” en varias oportunidades, así como la falta de largos parlamentos y el ocupar esos silencios con imágenes. Roly Serrano, también salteño, es quien tiene dos monólogos, a manera de “educación” para el joven “Leandro” a quien considera un “pichón”.

Es una denuncia verosímil sobre la situación de los jóvenes de hoy dejados a la buena de Dios tanto en nuestra ciudad capital como en todas las provincias. Hay un esmero especial de Barrozo por hacer valer las imágenes sobre el protagonista pergeñando un policial inesperado que cambia la vida del joven.

No hay mayor complejidad argumental pero, como decíamos antes, se destacan la fotografía y la actuación de Alvaro Massafra, sin dejar de lado a Roly Serrano quien tiene un rol central al que dota de una gestualidad desagradable, acorde al estilo de vida y educación que tiene. Es un film que duele, sincero, y convincente.

Elsa Bragato

 

CONTRATIEMPO

Guión y dirección de Oriol Paulo. Con Mario CASAS, Bárbara Lennie, José Coronado, Ana Wagener, Francese Orella, Paco Tous, David Selvas, entre otros. Música: Fernando Velázquez. Duración: 104 minutos.

 

XXXXX- TEOREMA DE DIFÍCIL RESOLUCIÓN

“Contratiempo” es un thriller basado en el vasto sustrato del género. Positivo por los efectos retrospectivos del guion, por el nudo en el que se ven envueltos los personajes, y los vertiginosos giros narrativos. Pero es imposible no achacarle las licencias que el director se toma y que el espectador debe sobrellevar hasta el final. Esa pirotecnia de sucesos, de escenas nerviosas y desmedidas con un final tan poco creíble, desmadran todas las buenas intenciones iniciales.

Con el actor Mario Casas a la cabeza, baluarte eficaz que arrastra al resto del elenco, el film repunta, sumados a los bellos paisajes catalanes, el mar, los bosques nevados y el entorno de la ciudad, acertadamente fotografiados y editados; no en vano el montaje fue nominado a los Premios Gaudí.

Como decíamos, el guion se las trae: es oscilante, plantea secuencias creíbles y otras que no lo son. Adrián Doria es un joven y exitoso empresario, adinerado e influyente de alto rango, a quien la vida le juega una mala pasada, un ‘contratiempo’ inesperado de índole amorosa.

El diablo mete la cola y, en un suceso fortuito, en una despoblada carretera, en medio de los bosques catalanes, se ve envuelto junto a su amante en la muerte de un joven.

El guion se puebla de hechos, entredichos, entre la pareja infiel, un testigo, los padres desesperados y litigantes por la desaparición de su hijo, la policía incrédula, los abogados “carroñeros”. De la nada, guion y vida se complican en demasía. La historia es atractiva pero hay tantas idas y vueltas, tantas licencias argumentales, que se hace difícil sobrellevarlas. Es un “puzzle” de 100 minutos que obliga a una máxima atención y a creer lo que el realizador Oriol Paulo propone con mucho oficio pero entre aciertos y desaciertos, de manera muy pareja.

Carlos Pierre

 

JUEVES 16 DE FEBRERO DEL 2017.-

Siete títulos ingresan a la cartelera de cine. Desde un film nominado a los Oscars hasta terror convencional y animación. Además, la nacional “Vigilia”, de Julieta Ledesma, con Osmar Núñez, sobre un perro sacrificado que “vuelve” de la tumba, y la animación “Rock Dog”, de Ash Brannon, sobre un mastín tibetano que sueña con ser músico.

 

JOHN WICK 2: UN NUEVO DIA PARA MATAR

De Chad Stahelski. Con Keanu Reeves, Bridget Moynahan, John Leguizamo, Lawrence Fishburne, Ruby Rose, Franco Nero, entre otros. Música: Tyler Bates, Joel J. Richard.  Duración: ll8 minutos

XXXXX-DANZA DE BALAS

Chad Stahelski es un gran especialista en películas de acción, y lo demuestra en este segundo capítulo protagonizada por el  asesino “John Wick” (Keanu Reeves), invencible e impenetrable con un accionar frío y calculador, sin obviar el mínimo detalle a fin de aniquilar a sus adversarios.

Este guión muestra a John Wick retirado, viviendo junto a su amado perro, pero se ve obligado a actuar a raíz de que un antiguo socio está inmerso en un complot. Hay que controlar a una siniestra hermandad internacional de asesinos, donde no faltan las mafias italianas, rusas y de cualquier otra nacionalidad. Wick debe ayudarlo por un pacto de sangre. Así es que se va a la fascinante y eterna Roma con su mochila cargada de adrenalina y ganas de matar.

Keanu Reeves sigue tan hierático como siempre pero consigue su objetivo: ser un “John Wick” que enfrenta y  aniquila a puro tiros a cualquier adversario que se le ponga a su alcance, de frente, detrás, por los costados; mata de a uno, de a diez, de a veinte.

El realizador Chad Stahelski, ex doble de riesgo, supo cómo manejar estas danzas de balas, que son el quid de la trama, dirigiendo con mano firme las secuencias de sangrientas coreografías. Muertes y sangre por doquier durante casi las dos horas de duración. Lo curioso es que no hay personaje que note lo que pasa. Ni policías ni un inesperado intruso. John Wick hace lo que quiere con su revólver. Es decir, y sintetizando, son ciento veinte minutos de matanza sin ton ni son, por matar. La trama es invisible, elemental: un juramento de sangre provoca la brutal reacción de Wick para ayudar a su colega. Suficiente para que la platea se meta en balaceras que aturden y que no tienen otro fin que la exaltación de la adrenalina. Esto colabora con la capacidad actoral de Keanu Reeves, quien es solvente desde su rostro sin gestualidad alguna. De este film rescatamos la fotografía porque permite disfrutar de la Ciudad Eterna, de Roma y su historia.

Carlos Pierre

 

UN CAMINO A CASA (LION)

De Garth Davis. Con Nicole Kidman, Dev Patel, Sunny Pawar, Rooney Mara, David Wenham, Abhishek Bharate, Divian Ladwa, entre otros.Música: Volker Bertelmann y Dustin O´Halloran. Duración: l58 minutos

XXXXX- BUSCANDO LAS RAÍCES

‘Lion’ es el título en inglés de este film basado en una historia real, ocurrida entre Calcuta (India) y Australia. El protagonista es un niño hindú, Saroo (el maravilloso Sunny Pawar, grata revelación humana y actoral) que se pierde en el conglomerado de la gran Calcuta buscando a su hermano mayor y debe sobrevivir como puede. Se pierde en un tren, de los tantos que existe en la India como herencia directa del dominio inglés. Viaja, deambula perdido unos 400 kilómetros, lleno de miedo e incertidumbre.

La película, dirigida por Garth Davis, permite dividirla en dos partes bien definidas. En la primera, más sensorial y visceral, el paisaje juega un rol importante entre la vastedad y la miseria. El pequeño Saroo, inquieto, un verdadero leoncito, se defiende del entorno hostil en el que ha quedado hasta que un matrimonio australiano lo adopta, llevándoselo a su país.

La segunda parte se inicia con un violento flashforward imprevisto, que sobresalta fuertemente. Pasaron más de 20 años. Irrumpen Nicole Kidman, con una peluca negra y recogida, su esposo, otro joven adoptado, y Saroo (Dev Patel), y su novia (la magnética y dulce Rooney Mara de “Brooklyn”). La fortaleza de estas secuencias está en los diálogos más que en el paisaje generoso de Australia. “Saroo” siente que debe volver a su casa natal, encontrar a su madre, si es que vive, en aquel descampado de la India. Se vale de su memoria, traza un mapa con los supuestos kilómetros que recorrió siendo niño.

La credibilidad y la emoción de las actuaciones del niño Sunny Pawar, como de Nicole Kidman y Dev Patel, se destacan por mérito propio, en sus respectivos roles, junto a un elenco que acompaña muy bien. Como toda biopid, y hay que reconocerlo, “Un camino a casa” tiene aciertos y tropezones, más que errores. El acierto está en la seriedad y dedicación del realizador, la estupenda dirección actoral, además de los magnéticos paisajes de la India y Australia. El tropezón es el flashforward de zopetón que marca el nuevo rumbo narrativo.

Hay un enriquecimiento extra de esta historia cuando se muestra a los verdaderos personajes, la madre biológica de Saroo, la familia y la madre adoptiva australiana, en medio de la persistente pobreza de la India. Es una historia real que alecciona sobre la sensibilidad social y el altruismo, así como la necesaria búsqueda de la identidad, derecho que todo ser humano tiene. Recordamos que la película está nominada a los premios Oscar.

Carlos Pierre

 

“LA GRAN MURALLA”

De Zhang Yimou. Con Matt Damon, Willem Dafoe, Pedro Pascal, Andy Lau, Jing Tian, entre otros. Fotografía de Stuart Dryburgh y Xiaoding Zhao. Música de Ramin Djawadi. Duración: 103 minutos.

XXXXX- TECNOLOGÍA MÁS QUE NOVEDAD

Zhang Yimou es el director de “La gran Muralla”, el mismo de la notable animación “Rango” entre muchos éxitos. Con su trabajo en este film puso en marcha a la productora Legendary East, filial de la homónima de Hollywood. Y, por cierto, estamos frente a un producto hollywoodense, a un blockbuster con una supuesta leyenda china que busca públicos occidentales para crecer.

“La gran muralla” se inició en la Dinastía Qin, varios siglos Antes de Cristo, para contener a los mongoles y otras tribus nómades que incursionaban en el territorio chino. Yimou y sus guionistas tomaron una leyenda que habla de reptiles monstruosos que azotaban a las poblaciones resguardadas por la muralla. Hay muchas leyendas sobre el por qué de la Muralla china, pero ésta, de ser cierta, viene al dedillo para la máquina de postproducción computarizada, una de las patas de la industria cinematográfica hollywoodense y ahora también china.

Matt Damon y Pedro Pascal componen, respectivamente, a William y Tovar, dos mercenarios expertos en el arco y la flecha que se unen a las fuerzas locales para ayudarlos a combatir a la horda de siniestros “aliens”.

Es decir, el guión se reduce a la nada y se vive, desde la platea, una larga secuencia de batallas de todo tipo, siempre bien coreografiadas, con utilización de computadoras y cuanto chiche tecnológico nuevo exista. Esto significa que los actores tuvieron un entrenamiento especial de meses. Pero, si el film se basa en las luchas contra invasiones de monstruos, los diálogos se acortan, no tienen profundidad y los efectos especiales le ganan a las actuaciones y al guión. De esto se trata, de luchas, de esplendores visuales sangrientos, de una magnífica puesta tecnológica con buen elenco. No se puede pedir más para el entretenimiento salvo hacerse alguna que otra cuestión sobre William y Tovar, sobre la leyenda en sí y sobre un tema que dio que hablar a mucha prensa: dos blancos ayudaron a salvar el reino de los chinos. ¿Tendrá todo esto alguna razón política muy actual?

Elsa Bragato

 

 

LA CURA SINIESTRA

De Gore Verbinski. Con Dane DeHann, Jason Isaacs, Mia Goth, Susanne Wuest, entre otros. Música de Hans Zimmer. Duración: 156 minutos.

 

XXXXX-TERROR VOLUPTUOSO

Gore Verbinski recae en un estilo de horror voluptuoso, de cierto erotismo en el terror, que hace semi soportable la duración del film. Un joven de Wall Street, Lockhart, debe buscar al CEO de la empresa que descansa en un centro de bienestar en los Alpes suizos. Es este momento inicial del film el que más realismo y verosimilitud tiene.

La llegada al viejo y suntuoso hotel, convertido en spa para millonarios, indica, con una banda sonora como latiguillo ambiental, que el terror está in crescendo. La búsqueda que hace Dane DeHann de su jefe lo lleva a un mundo de locura: aguas termales repletas de anguilas, ancianos vestidos con saltos de baño blancos, llamados a las “curas diarias” extrañas, y una jovencita (Mia Goth) que deambula por los parques mentalmente perdida o bien anestesiada.

Es inevitable pensar en la fantástica “Isla Siniestra” de Martín Scorsese y en la búsqueda de similitud actoral que Dane DeHann hace de Leonardo Di Caprio en esa película. En el caso de Verbinski, mantiene una estética muy especial, elegante, que transforma muchas secuencias desagradables en terror erotizado. Hay falta de empatía buscada entre la forzada toma de agua a la que obligan al protagonista mientras en un salón los ancianos danzan un vals enloquecido. Es decir, se buscan situaciones opuestas, que son el sustento del relato.

Además, la remisión a las torturas nazis es inevitable. Aunque con mucho blanco, jardines verdes, y pulcritud avasallante, las torturas remiten a los horrores vividos en el siglo pasado. Escenas dantescas con cuerpos humanos en cápsulas llenas de un líquido especial, fetos en frascos, y el relato que inquieta, perturba, son elementos preponderantes en este film. El final es previsible y tonto, tira por la borda las larguísimas dos horas donde se estuvo en vilo. Desagradable desde lo ético, suerte de vampirismo que deja sin explicación todo lo visto hasta el momento.

Elsa Bragato

LA LLAMADA 3

De F. Javier Gutiérrez. Con Matilda Anna Ingrid Lutz, Alex Roe, Johnny Galecki, Laura Wiggins, entre otros. Música de Matthew Margeson. Duración: 102 minutos.

XXXXX-MÁS DE LO MISMO

La historia del video maldito sigue su camino. La maldición de Samara Morgan continúa en una saga que va incorporando elementos tecnológicos pero cuya esencia es la misma. F. Javier Gutiérrez trae a la pantalla “Rings”, o “La llamada 3”  en la que una joven, Julia (Matilda Lutz), vive preocupada por la investigación que realiza su novio, Holt, sobre un misterioso video. Descubrimientos horribles, sacrificios, y maldiciones, son los elementos recurrentes de la narración. Los personajes protagónicos cambiaron sus nombres pero, en definitiva, existe la grabación que tiene el susurro de la muerta Samara Morgan, con la frase clave: “Siete días”. La “vieja amiga” de los seguidores de la saga.

En este caso, se complejizó la trama al llevar el caso a una universidad donde un profesor, “Gabriel” (Johnny Galecki), decide investigar el video junto a un grupo de alumnos. Y allí está Holt (Alex Roe). Seguir los pasos de la narración es caer en lo ya conocido. Se le reconoce una pizca de novedad porque el director ingresa en la era digital, y son los elementos que le darán la continuidad a la saga. Si no, ya estaba cerrada.

Recordemos que el primer film fue “The ring” (2002), le siguió “The Ring 2” (2005) y ahora llega “Rings” o “La llamada 3” de este año. La más interesante fue la primera porque el tema era diferente. Las dos siguientes, incluyendo la actual, es “más de lo mismo”. Basadas en un cuento de Suzuki, dando origen a una extensísima saga japonesa.

En síntesis, estamos viendo lo mismo de hace años con diferentes rostros.

Elsa Bragato