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Comentarios de CINE
Por Elsa Bragato

BRAGATISSIMO
www.arinfo.com.ar

Sábados de 16 a 17

ELSA BRAGATO Y CARLOS PIERRE

 

*Colaboración del crítico y productor Carlos Pierre

http://www.elsabragato.blogspot.com  El site de Elsa Bragato

 Ver estrenos anteriores

JUEVES 17 DE AGOSTO DEL 2017.-
Pocos estrenos siendo los mas importantes dos films nacionales: La cordillera y el documental Salvadora. El resto de las peliculas son las siguientes:

 


POR SIEMPRE JÓVENES
De Fausto Brizzi. Film italiano que retrata la personalidad de un setenton que enfrenta los problemas propios de su edad frente a los jovenes de la familia.
Solamente el Dj interpretado por Lillo entra plenamente en el intento del director que tuvo desde el inicio: la compasion de los jovenes, afirma Andrea Di Iorio de www.fabriqueducinema.com

 


LAS AVENTURAS DEL CAPITAN CALZONCILLOS
De David Soren con musica del destacado Theodore Shapiro es una animacion convencional. Al respecto,
La trama roza lo indescifrable según va avanzando () Se establece como ruidosa, aunque lanza un mensaje positivo al final.
De Neil Genzlinger, The New York Times


MONGER
Documental de Jeff Zorrilla. Monger significa en ingles traficante o bien las acciones deleznables que un individuo puede hacer lejos de la mirada social. Zorrilla investiga el turismo sexual en Buenos Aires y apunta a la misoginia: las mujeres consideradas como el tradicional bife argentino.
Zorrilla se propone develar en Monger un descarnado retrato sobre la misoginia en su mas pura y repulsiva representacion,
Afirma Juan Pablo Russo, destacado critico argentino, en www.escribiendocine.com


LA CORDILLERA
De Santiago Mitre. Con Ricardo Darin, Dolores Fonzi, Gerardo Romano, Elena Amaya, Erica Rivas, Alfredo Castro, Christian Slater, entre otros. Musica de Alberto Iglesias. Fotografia de Javier Julia. Duracion: 114 minutos.


POR DETRÁS DE LA POLÍTICA
El tercer largometraje de Santiago Mitre nos muestra una gran madurez narrativa, impecable fusion de momentos diferentes, una camara firme y una fotografia estupenda, sumandole las excelentes actuaciones de todo el elenco.
El Chile se organiza una cumbre de presidentes americanos a la que asiste el primer mandatario argentino, Hernan Blanco (Darin), inexperto y con un fuerte problema familiar. La coincidencia con algunas actitudes del actual mandatario Mauricio Macri son llamativas, si bien se suman situaciones personales diferentes.
El ex yerno amenaza con una revelacion que pone en peligro la gobernabilidad y la democracia misma por lo que Blanco ordena que su hija (Fonzi) vaya a la Cumbre en forma anonima. He aqui cuando la pelicula se divide en dos frentes narrativos: el personal y el politico. El recorrido de las secuencias van mostrando la vulnerabilidad de unos y otros y los juegos politicos y personales donde la traicion y la mentira son las armas a utilizar. Alianzas espureas, pasados vergonzosos, presente que se maneja de acuerdo a razones que el hombre comun no aceptaria.
La pureza de las tomas, la ubicacion geografica a mas de 3000 metros en el corazon de Los Andes y las nevadas constantes, impregnan al film de una asepsia narrativa que no deja de estar cerca de la perfeccion, aunque con algunos detalles de produccion como maquillajes fuera de lugar.
Muy bien contada la historia, con excelentes actuaciones, Santiago Mitre logra una pelicula redonda en todos sus aspectos aunque la dota de una frialdad conceptual y formal que la aleja del espectador medio.
Elsa Bragato


SALVADORA
De Daiana Rosenfeld.


XXXXX - LA PRIMERA FEMINISTA
La joven directora Daiana Rosenfeld encara un nuevo largometraje documental sobre una de las mujeres importantes de principios del siglo XX, olvidada vaya uno a saber por que razones. Salvadora Medina Onrubia fue la esposa de Natalio Botana, el fundador del poderoso diario Critica, antecesor del grupo Clarin. Salvadora quedo prendada de este hombre a pesar de la concepcion diferente del mundo de ambos y vivio, luego de ser madre soltera y anarquista a ultranza, en medio de una burguesia aplastante.
Ganadora del premio Martin Fierro al mejor documental por Los ojos de America en el 2015, Rosenfeld vuelve a hacer gala de su manejo narrativo encarando un documental que no abunda en largas entrevistas (solo tres invitados, entre ellos, una de las nueras de Salvadora) sino que, con voz en off, recita poemas y prosas poeticas de Salvadora, exquisita escritora, donde va retratando sus muchos pesares (perdida de su primer hijo) y el dolor por la desigualdad social que no intento solucionar mas que con actitud revolucionaria: ayudar a Simon Radowiztky, el anarquista que mato a Ramon Falcon. Le salvo la vida por su amistad con Hipolito Yrigoyen mientras su marido orquestaba la primera revuelta militar que llevo a la presidencia de facto al general Uriburu.
Este rescate de una figura tan prominente como Salvadora es mas que plausible y la ubica entre las grandes feministas de principio de siglo, junto a Alicia Moreau de Justo y Victoria Ocampo entre otras, adems del fuerte movimiento anarquista existente en la ciudad de Rosario.
Excelente documental, precisa realizacion con mucho lirismo narrativo.
Elsa Bragato
 

JUEVES 10 DE AGOSTO 2017.-

Pocos estrenos en los cines del país dado que está en marcha el MAFICI 2017, con mucha menos difusión que otros años.

 

MOACIR III

Documental de Tomás Lipgot. Sobre Moacir Do Santos, un brasileño que se afincó en nuestro país hace 25 años, viendo frustrada su carrera musical. Estuvo alguna vez en el Borda, con el director Lipgot encuentra cierta redención a través del documental. Simpático, bueno y completa la trilogía del realizador que comenzó con “Fortalezas”, continuó con “Moacir” y culmina con este film, “Moacir III”, el más logrado. El protagonista es más que atractivo. E.B.

 

 

EMOJIS LA PELÍCULA

De Anthony Leondis. Animación. En nuestro país, el abogado y actor Darío Barassi puso la voz de “Popó”. Música de ¨Patrick Doyle. Duración: 86 minutos.

XXXXX – EMOTICONES EN DESGRACIA

Los emoticones o emojis nos ahorran un montón de frases. Un film sobre estos “seres tecnológicos” o virtuales no venía mal. En esta película de animación que parece larguíssssiiiimmmmaaaa. aunque dure menos de 90 minutos, nos encontramos con la historia de “Gen”, un emoji que nació con la capacidad de tener varias expresiones transformándose en un “freak” para su comunidad. Sus aventuras son virtuales y, en este sentido, el film gana un poco porque atraviesa distintas plataformas muy conocidas por todos. Aunque, por otra parte, signifiquen un empujón comercial para las mismas. ¿Qué pasa cuando un teléfono queda limpio, está en cero? La vida virtual podría ser una vida. La complejidad de esta pregunta seudofilosófica se diluye en la banal narración, una animación pobretona con un intento de creatividad que cae en lo netamente comercial.

Elsa Bragato

 

 

EL FUTBOL O YO

De Marcos Carnevale. Guion de Marcos Carnevale y Adrián Suar. Con Adrián Suar, Julieta Díaz, Alfredo Casero, Federico D’Elía, Peto Menahem y Rafael Spregelburd, entre otros. Música de Iván Wyszogrod. Duración: 105 minutos.                    

XXXXX – DUPLA GANADORA

Esta nueva película de Carnevale y Suar tiene varios aciertos, entre ellos, repetir la misma pareja de “Dos más dos” junto a Julieta Díaz, sinónimo de magnetismo. Además está la idea narrativa, un tema que el “Chueco” transita al toque: una comedia enfocada en el fútbol, pasión argentina que suele provocar desencuentros maritales.

La historia está bien estructurada, centrándose en cinco protagonistas, evitando guiños y cameos. Adrián Suar, “Pedro”, y Julieta Díaz ,“Verónica”, conforman la pareja protagónica. El, “Pedro”, tiene amigos que son compinches como “Luis” (Peto Menahem) , “Juan” (Federico D’Elía) , descuidando a “Martín” (Rafael Spregelburd) quien no pierde oportunidad de echarle el ojo a “Verónica” . “Roca”, a cargo de Alfredo Casero, es amigo de “Pedro”, se conocen en reuniones de autoayuda que serán un equívoco simpático en la trama.

La pasión futbolera de “Pedro” pone en peligro su matrimonio, las crisis son inevitables, está identificado con el club Argentinos Juniors (otro acierto al no relacionarlo con Boca, club de los amores de Adrián Suar), y pone su futuro en riesgo, el personal y el laboral. En esta nueva producción de la dupla Suar-Carnevale se encuentra buena solidez narrativa, que incluye inserts de partidos en las canchas de Boca Jr, River Plate y Argentinos Juniors, relatados por el “Pollo” Vignolo, actual conductor de Canal 13, y un plano final de Lio Messi luciendo la camiseta de la Selección Nacional.

El planteo en son de comedia del film es realista: la pasión futbolera enfermiza lleva al desencuentro matrimonial, aún cuando, en el caso del film, se trata de una consolidada pareja de 20 años y dos hijas. ¿Quién tiene la culpa? ¿La esposa apegada a sus tareas domésticas o el marido que encuentra una vía de escape en el fútbol? Sin duda, Adrián Suar encuentra su mejor expresión como comediante, verborrágico y ligero a la vez, teniendo como contrafigura a Alfredo Casero en una excelente performance. En síntesis, un pantallazo de una crisis matrimonial que tiene momentos emotivos y otros de sana diversión. Y una muy buena realización técnica que la salva de una calificación menor.

Carlos Pierre

 

 

LA CASA DE LAS MASACRES

De Tony E, Valenzuela. Con Robert Adamson, Jarrett Sleeper, Alex Frinka, Riley Bodenstab, entre otros. Fotografía de Jeffrey Waldron. Música de Brandon Roberts. Duración: 78 minutos.

 

XXXXX – MÁS QUE LINEAL

Esta película de horror-terror se basa en un hecho real: el múltiple asesinato la noche del 9 de junio de 1912 de ocho integrantes de una familia a hachazos en una casa de Villisca, en Iowa, Estados Unidos. La casa existe y fue convertida en un museo del horror que lleva miles de turistas todos los años.

Tony  E. Valenzuela hace su ópera prima con este caso, luego de ser un exitoso youtuber con su BlackboxTV que dedica a films de horror. Poco presupuesto, jóvenes actores que se esmeran, y un guion atravesado, retorcido, que busca espíritus malignos para encontrar una respuesta a los acontecimientos de 1912. Los sustos son pequeños y, por momentos, la furia homicida va tomando el alma de los tres jóvenes que se animan a ir: “Caleb” y ”Denny”, y la nueva compañera de la escuela “Jess”. Por momentos, no sabemos si se matan entre ellos, o sea el clásico “slasher” sin mucho “gore”, o qué sucede porque, en la secuencia siguiente, aparecen los tres amigos aún el que sufrió un puntazo mortal. Mucho embrollo temático.

La película es absolutamente lineal, escasa de mayores elementos, pero será el film de terror semanal que tiene su público cautivo. Más que regular…

Elsa Bragato

 

 

JUEVES 3 DE AGOSTO DEL 2017.-

Varios estrenos con respecto a la semana anterior, muchos de ellos nacionales que van directamente a las salas no comerciales de la ciudad sin vista previa de los críticos. O bien se estrenaron en diferentes festivales del país y de esta ciudad.

 

LA HORA DEL CAMBIO

De Salvatore Ficarra y Valentino Piccone/Italia

“Los propios directores reconocen que han ido muy lejos con las caracterizaciones de todos los personajes, y es que se encuentran bastante esquematizados, como un esbozo simple con problemas infantilizados”, de Alba Puerto, “El cine en la sombra”-

 

EL OTRO LADO DE LA ESPERANZA

De Akis Kaurismaki/Finlandia.

“El humor socarrón de Aki Kaurismaki es una de las cosas más hermosas que se ha ido refinando más allá de toda razón con años de intensa práctica, acercándose a una perfección que llega a ser predecible pero imposible de negar”, de David Ehrlich, “Indiewire”

 

EL APRENDIZ

De Tomás de Leone/Argentina

Opera prima, Festival Internacional de Cine de Mar del Plata,

“Desde lo técnico, El Aprendiz es impecable. Sabe imprimir la tensión y el suspenso con la música y sus silencios. Se trata de un film que deja los dilemas interiores de lado y muestra los problemas reales de una vida complicada”, de Germán Morales, “El proyector fantasma”.

 

VUELO NOCTURNO

De Nicolás Herzog/ Argentina

Se trata de un muy interesante documental sobre la vida de Antoine de Saint-Exupéry en nuestro país y su aterrizaje forzoso en Entre Ríos, así como del germen de “El principito” que se dio aquí.

 

 

EL PLANETA DE LOS SIMIOS: LA GUERRA

De Mark Roeves. Con Andy Serkis, Woody Harrelson, Aiah Miller, Steve Zahn, Ty Olsson, Toby Kebbell, entre otros. Música de Michael Giacchino. Fotografía de Michael Seresin. Duración: 142 minutos.

XXXXX – EXCELENCIA TÉCNICA Y NARRATIVA

En la tercera película de la saga El planeta de los simios, reiniciado por la FOX en el 2011 con “El origen del planeta de los simios” (basada en la original de 1968) dirigida por Tim Burton, la combinación de “motion capture” y la propuesta narrativa es superlativa. Tanto la segunda película como ésta fueron dirigidas por Mark Roeves por lo que hay una coherencia notable en el protagónico de César, a cargo del actor Andy Serkis. Un gran conocido aunque, si lo vemos por la calle, no sabríamos quién es. Serkis fue de los primeros en aceptar la “motion capture” para componer a “Gollum” en la trilogía “El señor delos anillos”, de Peter Jackson. Siguió con “King Kong”, entre otros films, y ahora es el líder de los simios en esta nueva trilogía. Lo destacamos especialmente.

Una vez que los simios se rebelaron y lograron su mundo en una zona selvática, deben enfrentar ahora a los humanos sobrevivientes quienes han formado ejércitos con el único fin de aniquilarlos. César sufre el asesinato de su familia y decide vengarse, apoyado por su comunidad en la que algunos ya hablan “humano” como él, aunque son los menos. Woody Harrelson compone a un general de ejército brutal, con toda la simbología nazi que uno pueda imaginarse.

Se mezclan la acción, la aventura, la humanidad de César que resulta conmovedora así como locaciones perturbadoras semejantes a los campos de concentración nazis, concretamente a Auschwitz, y a la construcción de un muro que nos remite al Muro de Berlín.

Todos estos componentes conforman una narración de alto impacto visual y emocional. Se incluyen momentos de ternura, que distienden, cuando uno de los simios descubre a una niñita rubia abandonada por los seres humanos, quien se suma a la “cultura simia”.

Es de destacar la dirección de actores, especialmente por el protagonista César, cuyos parlamentos tienen una cadencia especial. Frente a la locura criminal, está la palabra sufrida de César, su entrega, y su valentía.

Si bien estamos frente a un producto de entretenimiento, desde la segunda película de este reboot de la saga hay una conciencia muy clara de aleccionar sobre la sinrazón de las guerras, las matanzas, el odio, y la pregunta obligada sobre el futuro del hombre: ¿está en los simios avanzados cuando la autodestrucción nos consuma? Conmovedora, intensa, plena de misericordia ante la locura de conflictos bélicos que ningún pueblo pide.

Elsa Bragato

 

 

CONJUROS DEL MAS ALLÁ (THE VOID)

Guion y dirección de Jeremy Gillespie y Steven Kostanski. Con Ellen Wong, Kathleen Monroe, Aaron Poole, Kenneth Welsh. Música, Joseph Murray, Menalon Music, Lodewijk Vos. Duración: 85 minutos. Canadá.

XXXXX -   ESPANTO CÓSMICO

Jeremy Gillespie y Steven Konstanski, quienes trabajan en arte y make up, guionaron y dirigieron este film gore con estructura de terror y thriller descabellado en una suerte de vuelta al género de los 80.

El horror desatado y avasallador tiene un ingrediente más, motivado por un ente cósmico de incierto origen. Una alocada propuesta de suspenso, sangre y seres sanguinarios.

El encierro es el componente narrativo sustancial: un policía encuentra a un joven herido, lo traslada a un hospital y, por una extraña amenaza, quienes están allí deben encerrarse también. Aunque uno ve otra vez “sopa” por la consabida claustrofobia y las miserias humanas que afloran para salvarse como se pueda, está este elemento nuevo cósmico que le da cierto aire al género tan transitado.

Para definir el quid del guion, es un verdadero aquelarre sangriento en una encerrona violenta y mortal donde nadie sabe bien quién es el otro. El “embrujo” es cósmico, la muerte le pisa los talones a todos, y el horror sobresalta al más guapo.

La tesis cósmica es pueril, si bien se reconoce una buena idea base que no llega a plasmarse como se debiera. Acechos inesperados, matanzas, tienen que tener una coherencia un tanto más racional. No obstante, a los fans del género la película les viene más que bien. El espanto cósmico ya tiene su lugar.

Carlos Pierre

 

 

EL PAMPERO

Escrita y dirigida por Matías Lucchesi. Con Julio Chávez, Pilar Gamboa y César Troncoso. Música de Sebastián Escofet. Duración 77 minutos. Argentina-Uruguay-Francia.

XXXXX – BUEN TRÍO DRAMÁTICO

Con el buen antecedente de su ópera prima “Ciencias Naturales”, el cordobés Matías Lucchesi encaró su segundo film basándose en un ámbito chico como es el de un velero, una historia claustrofóbica, y el sostén de tres protagonistas de peso: Julio Chávez, Pilar Gamboa y César Troncoso.

Luchessi inicia la historia en el velero del protagonista (Chávez) quien está pertrechado y en soledad padeciendo una enfermedad terminal. Descubre una intrusa (Pilar Gamboa) muy herida, comenzando el juego intenso y contenido de las emociones. Cada personaje carga con un drama, son dos almas en fuga, él de la muerte anunciada y ella, de la justicia. El tercero en discordia es un prefecto (César Troncoso) quien les impide una rápida salvación. Acción y pocos diálogos en un solo ambiente son suficientes para esta historia de sufrimiento y redención.

Julio Chávez tiene un enorme manejo de su gestualidad lo que le permite sortear las dificultades de un rol donde las palabras escasean y se hace necesario hacer valer la actitud actoral. El triángulo dramático se cierra con Pilar Gamboa y el uruguayo César Troncoso quienes sostienen a puro profesionalismo la trama, que es lo más notable del film así como la musicalización de Sebastián Escofet. Sin estridencias ni actorales ni musicales, Matías Lucchesi se inscribe como realizador intimista, de buena mano para los encuadres y solidez narrativa.

Carlos Pierre

 

 

EL AUGE DE LO HUMANO

De Teddy Williams. Con Sergio Morosini, Shine Marx, Domingos Marengula, Irene D. Paña, entre otros. Fotografía de Joaquín Neira, Eduardo Williams y Julien Guillery. Dirección de arte: Victoria Marotta. Duración: 100 minutos.

 

XXXXX – BUSCANDO RUMBOS

Teddy Williams llega con su primer largometraje donde expone las vivencias de grupos de jóvenes tanto de nuestro país como de Africa y Filipinas. Encuentra en todos ellos varios denominadores comunes: la falta de trabajo estable, el aburrimiento, la sexualidad como vía de escape, e internet como un medio de comunicación y también de conseguir dinero vendiendo sexo explícito entre ellos.

El film recorrió varios festivales y ha logrado un consenso generalizado de buena e innovador. En este sentido, Williams ciertamente es original con muy buen tino en su cámara en mano, utilizando muchas tomas secuencias que aligeran el drama de los jóvenes, centrado en la búsqueda laboral.

Hay escenas fuertes, especialmente en la primera historia, y puede provocar mucho rechazo o bien cierta mirada adulta de indulgencia. Es el mundo de hoy, una sociedad que utiliza, en todos sus niveles etarios, la tecnología para comprar y vender, aunque sea el propio cuerpo y la propia intimidad. En Mozambique está la otra parte de la historia, el joven que, por videochat, conoce a Exe, el argentino. Y con hormigas carnosas y desagradables llegaremos a Filipinas, donde los jóvenes buscan esparcimiento bañándose juntos en un lago.

Las sociedades parecen calcadas con diferente entorno geográfico: la desesperanza, aquietada por acciones comunitarias tanto sexuales como de mero esparcimiento, aparece como sentimiento inasible pero que está. La fotografía es muy buena, no hay desarrollo psicológico de personajes sino descripción de los hechos que, de por sí, nos cuentan el presente de los jóvenes de hoy. Con claroscuros preponderantes, tomas secuencias y diferentes geografías, Williams se apunta varios puntos a favor por su claridad narrativa.

Elsa Bragato

 

 

LANTÉC CHANÁ

Documental de Marina Zeising. Sobre los Chanaes y su lengua. Cámara de Santiago Salvini y Marina Zeising. Música de Lucas Giménez. Duración: 61 minutos.

 

XXXXX – VALIOSA CONTRIBUCIÓN

Valiosa contribución realiza la documentalista Marina Zeising al contarnos la historia de Blas Jaime, de 71 años, último heredero de la lengua Chaná, etnia nativa de este continente que se consideraba extinguida hace más de 200 datos. El investigador y lingüista del CONICET don Pedro Viegas Barros, validó la lengua que hoy la reconoce la UNESCO. Don Jaime es el último Chaná parlante en el mundo.

Las entrevistas a don Blas permitieron reconstruir la cultura y la lengua de los Chanaes, una etnia derivada de los charrúas que vivió en el Delta de Buenos Aires, las costas uruguayas, las santafecinas y la provincia de Entre Ríos. Sobrevive a Blas Jaime su hija, Evangelina Jaime quien, siendo pequeña, rechazó hablar el Chaná pero que ahora ha decidido difundir la herencia cultural de su padre. Por suerte, tanto en la provincia de Santa Fe como en el Uruguay se comenzaron los estudios para reparar este olvido histórico.

De por sí, el documental es más que interesante y está muy bien filmado, habiendo demandado 5 años de realización. Su protagonista es Blas Jaime y, como curiosidad, el “alter ego” de la directora Marina Zeising es Ana Kogan. La avant-premiere tuvo lugar en la Casa de la Provincia de Entre Ríos de esta ciudad de Buenos Aires. No se lo pierdan. Ha sido considerado de Interés Cultural por el Centro de Industrias Culturales de Entre Ríos y por el Consulado Honorario de Italia en la ciudad de Paraná, Entre Ríos.

Carlos Pierre

 

 

TANGO SUOMI

(ENTRE DOS TANGOS)

Documental de Gabriela Aparici. Finlandia.Argentina

 

XXXXX – TANGO QUE ME HICISTE BIEN…

El título de este comentario no es ocioso. No solo Japón se enamoró del dos por cuatro sino también Finlandia. Los finlandeses –el finnish tango- consideran que la música ciudadana porteña es de ellos, llevan más de un siglo bailándolo, cantándolo y teniendo sus propios compositores si bien por ahí se les cuela “La cumparsita” del uruguayo Matos Rodríguez o “El choclo”, del argentino Angel Villoldo.

A través de Gabriela Aparici surge un mundo de milongas melancólicas, orquestas de tango con acordeones y no bandoneón, y cantantes abolerados que dicen bien sus letras aunque nos suenen lejanos en el estilo.

Aparici logró entrevistar hasta al director Mika Kaurismaki, para quien el tango llegó al Río de la Plata porque un marinero finlandés borracho estuvo en estas tierras y dejó la semilla de un ritmo diferente. Para los rioplatenses, nada más alejado de la realidad! Con las disculpas del caso.

Es conmovedor como los finlandeses sienten el tango, melancólico y no pasional, donde no se habla de mujeres que abandonan ni se utiliza un lenguaje marginal como el lunfardo. Nos explican que, en la época de la Segunda Guerra Mundial, el tango alegraba a las familias pero estaba prohibido hablar de amores contrariados. Surgen nombres como los de Pertti Mustonen, MA Numminen, músicos y cantores sencillos que aman el dos por cuatro. Y que consideran a uno de sus compositores, Unto Mononen, como un patriarca por su tango “Satumaa” o bien “Tierra de ensueño”. Está el tango satírico, comparable a los que cantaba don Edmundo Rivero, llamado Tango Tangosta, así como “La cumparsita” en una buena versión cantada.

También se produce el intercambio de habitantes: Pertti vuelve a Finlandia mientras otra entrevistada, Elina, viaja a Buenos Aires. Ambos buscan las raíces del tango, se sienten a gusto con el dos por cuatro, investigan los estilos actuales y los de antes.

Realmente apasionante para todo porteño es este documental que recomendamos con fervor. Ahora bien, seguimos creyendo que el tango es una cuestión rioplatense, propia de nuestros suburbios y del orillaje que nos acuna. Sin embargo, ¡gracias por amar nuestra música, Finlandia!

Elsa Bragato

 

JUEVES 27 DE JULIO DEL 2017.-

Atípica semana porque hay pocos estrenos, algunos muy buenos.

l) Dunkerque, de Christopher Nolan. Opinión de la crítica extranjera:

“Una belleza exquisita… Dunkerque cuenta con una de las mejores bandas sonoras en la memoria reciente y la música de Hans Zimmer luega un papel tan importante como cualquier persona. La hazaña de Nolan es innegable”, de Brian Truitt, USA Today

“Nolan ha creado una película sensacional en cada sentido de la palabra, una que apunta tanto al corazón como al cerebro, pero que llega a ello a través del sistema nervioso”,

De Alonso Duralde, The Wrap.

2) Una vida, una mujer, de Stephanie Brizé, sobre textos de Guy de Maupassant.

“Una modesta maravilla… Judith Chemla es una revelación en el papel protagonista, completamente hipnótica y creíble”,

De By Van Hoeij, The Hollywood Reporter

3) Siete deseos, de John R. Leonetti (terror al máximo)

“Leonetti muestra los procedimientos de forma admirablemente ágil… y el guión de Bárbara Marshall captura el día a día de la vida adolescente con efectividad. Pero de otra forma está estrictamente guiada por la fórmula, incluyendo un buen puñado de clichés inevitables”.

De Frank Scheck, The Hollywood Reporter

 

BABY, EL APRENDIZ DEL CRIMEN

De Edgar Wright. Con Ansel Elgort, Kevin Spacey, Lily James, Joh Hamm y Jamie Foxx. Fotografía de Bill Pope. Música de Steven price. Incluye más de 40 soundtracks. Duración: 112 minutos.

XXXXX- MÚSICA PARA ESCAPAR

El joven director británico Edgar Wright llega a los cines nacionales con su mejor largometraje. Es vastamente reconocido en la televisión y el cine de su país, habiendo sido productor de “Ant-man” y guionista de “Las aventuras de Tintín” en uno de sus episodios.

El gran mérito de esta película está justamente en la dirección y en la postproducción para darle una velocidad visual y un tratamiento sonoro que la transforman en una de los mejores films de acción del año. Puro vértigo al ritmo del heavy metal, o bien del “punk blues” de Jon Spencer Blues Explosion, banda de los 90. En acción el film se ubica en nuestro tiempo, pero en banda sonora va varias décadas atrás.

El ritmo furioso de esta música popular le permite al joven protagonista Ansel Elgort como “Baby”, quien “trabaja” como apoyo de escape para bandas criminales que capitanea “Doc”, rol de Kevin Spacey, pagando así una deuda familiar con la parte que le corresponde de los atracos.

Este film es de acción pura y los mejores calificativos surgen de su realización, de la cinematografía pura encarada por Wright, más que por desarrollo narrativo que se inicia con una espectacularidad de más de 15 minutos al estilo “Rápido y Furioso” para luego tener impasses con desarrollo de personajes. Hay sin duda una estructura narrativa muy bien delimitada, pre producida, que reitera estos atracos y esta velocidad visual en varias secuencias de gran espectacularidad. Previsible en algunos aspectos, la efectividad está puesta en la postproducción y en la impecable actuación del elenco, y en esta audaz unión de narración al ritmo de la música que aporta la gran diferencia.

Elsa Bragato

 

FONTANARROSA, LO QUE SE DICE UN ÍDOLO

De Gustavo Postiglione, Juan Pablo Buscarini, Héctor Molina, Néstor Zapata, Hugo Grosso y Pablo Rodríguez Jáuregui. Basados en cuentos de Roberto Fontanarrosa. Con Gastón Pauls, Dadi Brieva, Darío Grandinetti, Pablo Granados, Luis Machín, entre otros. Duración: 113 minutos.

XXXXX- ROSARINIDAD AL PALO

El 19 de julio se cumplieron diez años de la muerte de Roberto “El Negro” Fontanarrosa, humorista, escritor, futbolero, rosarino acérrimo. Seis directores de esa ciudad amada por él fueron los encargados de dirigir seis de sus cuentos menos populares (escribió muchos cuentos sobre fútbol, así como el famoso Inodoro Pereyra) que fueron protagonizados por primeros actores, muchos de ellos santafecinos, como Luis Machín, Dady Brieva, Pablo Granados y Darío Grandinetti. Intercalados a estos cuentos, en formato de animación, el director Pablo Rodríguez Jáuregui, con la voz de Miguel Franchi, realizó “Semblanzas deportivas”, puro acento del fútbol “Canalla” y del “Leproso” respectivamente.

Las fuerzas vivas rosarinas y el gobierno de la Provincia de Santa Fe participaron del proyecto de este largometraje, anticipando su financiamiento. Hecho encomiable que bien merecía este hijo dilecto de la ciudad.

Gustavo Postiglione dirigió el cuento “Vidas Privadas”, con Gastón Pauls, Julieta Cardinali y Jean-Pierre Noher;  Juan Pablo Buscarini abordó “No sé si he sido claro”, con Dady Brieva; Héctor Molina hizo “EL Asombrado”, con Darío Grandinetti, Claudio Rissi, Catherine Fulop y Mario Alarcón. Néstor Zapata fue el encargado del cuento “Sueño de barrio”, con Pablo Granados, Chiqui Abecasis y Raúl Calandra, mientras Hugo Grosso dirigió “Elige tu propia aventura”, interpretado por Luis Machín, Kate Rodríguez y Quique Pesoa. Las “Semblanzas Deportivas” de R. Jáuregui son muy logradas animaciones que, como indicamos, se intercalan entre las narraciones audiovisuales.

No sería justo ni acertado elegir uno de estos cuentos como el que más gustó o bien el mejor realizado porque en todos ellos se advierte el genio, esa impronta del gran creador que fue Roberto Fontanarrosa y, obviamente, bien capturado por los realizadores convocados. Hay humor, remate y una rosarinidad que trasciende la pantalla para beneficio del espectador. En definitiva, un muy digno y oportuno tributo buena idea con muy buenos resultados cinematográficos.

Carlos Pierre

 

JUEVES 20 DE JULIO DEL 2017.-

Pocas películas llegan esta semana a los cines nacionales. Entre ellas, las siguientes:

 

SIERANEVADA

Guion y dirección Cristi Puiu. Con Mimi Branescu, Bogdan Dumitrache, Judit State, Dana Dogaru, Sorin Medeleni, Ana Ciontea, Rolando Matsangos, Simona Ghita, Tatiana Ikei, entre otros. Duración: 173 minutos. Rumania-Francia-Macedonia-Croacia-Bosnia.

XXXXX.- LADRILLAZO DESDE LA PANTALLA

El realizador rumano Cristi Puiu, nombre descollante del pujante cine de su país (recordemos “La noche del señor Lazarescu”) regresa con “Sieranevada, una reunión familiar”. Si antes consiguió palmas, aplausos, por sus planteos narrativos, en esta oportunidad, la extensa y ardua reunión familiar propuesta es un peso pesado que se cae encima de nosotros desde la pantalla.

Cuesta entender el objetivo de Puiu al dilatar, ex profeso, una historia que podría haberse reducido a dos horas y con generosidad. El comienzo tiene un plano secuencia de quince minutos donde una mujer, nerviosa y expectante, aguarda la llegada de su esposo. Nervios que pudieron ser un acicate para el interés pero que se diluye rápidamente con una larguísima secuencia en el interior de un automóvil, donde una pareja charla sobre la nada misma. Introducción anodina y fría como la nieve que rodea a los protagonistas.

La reunión familiar se produce en el interior de una casa mal dispuesta en sus ambientes. Asistiremos a un clan conflictivo, que espera al cura para rendirle último tributo al padre difunto. Esa demora del sacerdote permite la introducción de una suerte de vodevil donde la entrada y salida de personajes está muy lejos de un desarrollo de los mismos, los diálogos se basan en banalidades y la grieta entre la herencia comunista y los atentados islamistas se presenta como insalvable.

Film pretensioso y aburrido derrapa a la hora y no hay justificación temática para la tremenda duración del mismo.  La calificación de “bueno” a esta película se fundamenta en que presenta un mundo globalizado versus un pasado que subsiste en la forma de un comunismo a ultranza. Sin negar el valor de los primeros planos escorzados, de tomas secuencias, y de sólidas actuaciones aunque sus “decires” no nos dejen nada. Para fans de Duiu.

Carlos Pierre

 

LA NOVIA (THE BRIDE)

Guión y dirección Svyatoslav Podgavevskiv. Con Vyacheslav Chepurchenko, Aleksandra Rebenok, Igor Khripunov, Valeriva Dmitrieva, entre otros. Música de Jesper Hansen. Duración: 91 minutos. Rusia.

XXXXX – DIABLOS DEL PASADO

Difícil emprendimiento narrativo encaró con “La novia” el realizador ruso Svyatoslav Podgavskiv. Primero tomó, a modo de génesis, un cuento popular llamado “El dedo” de un místico del siglo XVI, situándolo a mediados del siglo XIX y la época actual, emparentándolo además con el cine de Hollywood. El film está doblado al inglés para una mejor distribución internacional.

La leyenda de la novia está plasmada con todos los lugares comunes de este género: cámara espasmódica, personajes circunspectos, niños tenebrosos, en un entorno distópico por los años y con un infaltable viento que trastoca y lleva al horror.

La propuesta del guion no deja de ser original: el bisabuelo de uno de los protagonistas, en el siglo XIX, tomaba fotos postmortem, fotografiaba a los muertos porque suponía que los mantenía vivos, eternos. Es el caso de esta novia, ataviada con vestidos antiguos, un anillo viejísimo, determinante en la conexión diabólica y la incógnita sobre su virginidad.

Todos estos elementos en el planteo inicial sorprenden y parecen bien encauzados. Sin embargo, la historia presenta saltos temporales, una sumisión irrestricta al cine actual del terror comercial, forzando desenlaces, por lo que desbarranca sin remedio.

Dado que la realización es correcta lo calificamos con tres cruces, bueno: el clima está logrado, un bosque amenazante, interiores detenidos en el tiempo y buenas actuaciones. La cuestión es el conjunto de todos estos elementos. Queda como moraleja que es mejor no mirar los álbumes de los abuelos ni desentrañar rostros del pasado…

Carlos Pierre

 

TRANSFORMERS: EL ÚLTIMO CABALLERO

De Michael Bay. Con Mark Wahlberg, Anthony Hopkins, Josh Duhamel, Stanley Tucci, Laura Haddock. Música de Steve Jablonsky. Edición de Barton, Gerstel, Neil-Fisher, Regouga, Sanger y Wimmer. Duración: 149 minutos.

XXXXX – SEVERO MENJUNJE

En esta quinta entrega de la saga Transformers no hay una idea válida y sólida como aquella primera película de hace una década. Entonces fueron autos que se transformaban en gigantes y luchaban siempre por el bien contra algún malvado. Con el transcurrir de los años, los Transformers se fueron a la luna, y se generó una historia que se fue de las manos del equipo de guionistas de entonces y de ahora.

La historia comienza en el año 543, se ubica en la leyenda del rey Arturo, para luego aparecer en un submarino y también por los aires. No se entiende por qué en uno y otro caso se cambia tan abruptamente de entorno. Las luchas entre seres de carne y hueso y androides de metal pierden coherencia. Optimus Prime no está, y el guion avanza sobre la idea de los Alienígenas  como origen de estos monstruos de hierro (¿no estaban acaso en el lado oscuro de la luna?). Como siempre, el mundo está en vilo y habrá que rastrear el pasado para encontrar esa lanza especial que pueda salvarlo.

Estridencias de todo tipo sobresaltan pero no atrapan. Marc Wahlberg interpreta por segunda vez esta saga, el gran Anthony Hopkins tiene una moderada presencia como un Lord inglés, y la bella Laura Haddock reemplaza a otras bellas de las anteriores películas. Es un menjunje severo, extenso, con pobreza de diálogos y situaciones harto conocidas: luchas coreografiadas por computación, muertes, y un sinsentido generalizado que no se sabe si se quiso tomar en broma o ridiculizar a los Transformers o la cuestión se la tomaron en serio, lo cual sería un desatino profesional de consecuencias más que previsibles: aburrimiento del espectador. Eso sí, dura menos que la anterior, algo que se agradece.

Elsa Bragato

 

JUEVES 13 DE JULIO DEL 2017.-

Pocas películas se estrenan esta semana, a diferencia de otras. Entre ellas, el nuevo producto de la factoría Listorti-Alfonso con “Cantantes en guerra”, dirigida por Fabián Forte, realizador que ha recorrido toda la gama de trabajos dentro del cine, con la excelente “La corporación” como una de sus mejores producciones. En este caso, nos vamos a abstener de hacer una crítica por tratarse de un film netamente popular que sirve para entretener y no pensar. Si Pedro Alfonso moviendo su “colita” y José Listorti cantando quisieron emular a Santiago Segura, quedaron más que atrás. La televisión no asegura nunca que los “personajes” que genera logren ser artistas en otros medios. También está el documental “Carne propia”, de Alberto Romero, que parte de la vida de un viejo toro campeón cuyo destino es el matadero. Hay interesantes reportajes sobre la formación de tres frigoríficos, en especial uno de ellos en cooperativa.

 

CARS 3

De Brian Fee. Música de Randy Newman. Fotografía de Jeremy Laski, duración: 109 minutos. Pixar Animation Studios.

XXXXX.- LOS AÑOS PASAN HASTA PARA PIXAR

En esta tercera entrega de la saga de animación “Cars”, abunda la melancolía y el repaso de los años vividos, aspectos que llegan más a los adultos que a los chicos, para quienes queda el relato de El Rayo McQueen y la mecánica de carreras Cruz Ramírez, personaje que introduce la voz femenina en un mundo masculino en altísimo porcentaje. McQueen se ve superado por un auto joven y veloz, Jackson Storm, que gana carreras mientras él las pierde. Es obligado a ponerse a punto con las exigencias de la época en materia de pistas.

Visualmente el film atrapa a los chicos, hay dinámica por el tema en sí, y también hay momentos de nostalgia o ternura. Para el público adulto, la cuestión es diferente: el mensaje es el ponerse al día para no perder terreno con los más jóvenes y la tecnología que todo lo arrasa. Incluso, la búsqueda de nuevas oportunidades, quiénes la logran y quiénes no.

En este sentido, la nueva entrega de Pixar alcanza madurez en el desarrollo de sus personajes y del mensaje, pero uno se pregunta si realmente va para los más pequeños. Pensamos que no, que es una animación con “autitos” muy inteligentes y expresivos, únicos elementos para los más pequeños, que introduce una rara mezcla de juguetes y metamensaje. Esto no le quita entretenimiento pero le agrega, como dijimos, un cantidad extra de subtemas que no son para los pibes.

Elsa Bragato

 

EL GRAN CIRCO POBRE DE TIMOTEO

Guion y dirección de Lorena Giachino. Documental sobre el Gran Circo de Timoteo. Fotografía de Pablo Valdéz. Duración: 75 minutos. Coproducción de Chile y Argentina.

XXXXX- RETRATO AUDAZ DE UN CIRCO DE TRANSFORMISTAS

El trabajo realizado por Lorena Giachino es excelente: retrata con detalle la vida cotidiana y los shows de El Gran Circo de Timoteo, sobrenombre de Rubén Valdés, gay de 70 años quien, desde hace 40, le da trabajo y hogar a su comunidad. Recorre todo Chile y otras ciudades de Latinoamérica, viviendo en los carromatos junto a sus colegas artistas.

Los shows rozan lo escandaloso y atrae hasta a las familias. El traslado de la carpa y el armado del escenario es un trabajo muy arduo que la compañía enfrenta tanto como el futuro del circo de Timoteo, a quien lo aqueja una enfermedad pulmonar.

Sin intervención de terceros o de voces en off, Giachino logra un conmovedor y, por momentos, escandaloso documental que es, en sí mismo, una ficción real. En este mix de realidad y ficción por la forma de encarar el relato, Giachino nos muestra las dos caras de una moneda: la felicidad del trabajo y de la inserción social y la miseria de la vida circense en una sociedad cuya economía no ayuda a vender entradas. Muy interesante.

Elsa Bragato

 

BLUE VELVET REVISITED

Guion, edición, fotografía y dirección de Peter Braatz. Música de John Foxx y  Erik Stein. Duración: 86 minutos. En cines fuera del circuito comercial.

                XXXXX- REDESCUBRIENDO A DAVID LYNCH

Conocer detalles de la vida artística de David Lynch es una meta a seguir por muchos realizadores y cinéfilos. Es el caso de este documental cuyo material fue guardado durante 30 años: son 60 rollos sobre el “making of” de “Blue Velvet”, el film de Lynch de 1986 que lo elevó a la categoría de director de culto (aún siendo un director con sello propio, Lynch también dirigió éxitos comerciales como “Corazón salvaje”). Fotografías y un excelente desarrollo visual otorgan a este documental un gran valor. Se vuelve visitar, gracias al trabajo de Peter Braatz, el set de “Blue velvet”, un film determinante, como dijimos, y reaparece Isabella Rossellini –amor fugaz de Lynch-, tan joven entonces, a Dennis Hopper, a Laura Dern, entre otros artistas que entonces iniciaban una carrera cinematográfica.

El clima de ensoñación, de realismo mágico, de sensualidad extrema, están presentes en estos recuerdos filmados sobre el thriller con impronta experimental “Blue…” donde vemos a David Lynch muy joven junto a algunos de sus fetiches oníricos. Hace poco, recordamos, se exhibió David Lynch: the art life, también en circuitos off, llegando ahora esta nueva producción que acerca a los jóvenes cinéfilos el mundo especial de Lynch, quien se nutrió de valiosos antecesores como Ingmar Bergman, Luis Buñuel, Jacques Tati, entre otros. Hay poesía en este planteo narrativo de Braatz, hay melancolía y veracidad por tratarse del “diario de filmación” de los 60 días que llevó el rodaje de la mítica “Blue Velvet”.

David Lynch no se deja ver desde hace un largo tiempo por el cine pero continúa con su intensa actividad pictórica y musical, habiendo culminado, tras 25 años, el regreso a la televisión de la tercera temporada de “Twin Peaks”, cuyos 18 nuevos capítulos, desde el último emitido en 1991, comenzaron a darse en mayo de este año en los Estados Unidos. Este documental es especial para cinéfilos.

Carlos Pierre

 

ENTRE DOS MUNDOS

Guion y dirección de Miya Hatav. Con María Zreik, Maya Gusner, Yoram Toledano, entre otros. Música de Jonathan Bargiora. Fotografía de Ran Aviad. Duración: 84 minutos.

XXXXX- SEVERA CRÍTICA AL FUNDAMENTALISMO

Miya Hatav, en su debut en largometrajes, se centra en dos mujeres de distintas generaciones y religiones, que viven en Jesusalén. A partir de ellas, elabora un minucioso relato dramático sobre las grietas culturales y religiosas que subsisten en Israel y en todas las sociedades del mundo.

Un joven israelí, separado de sus padres en los últimos cuatro años, es víctima de un atentado. Su madre va hacia el nosocomio, siendo seguida , por casualidad, por la novia árabe del herido.

Filmada con algunos exteriores de Jesuralén, el departamento del joven y el de los padres, la trama transcurre especialmente entre las dos mujeres. Una es muy religiosa, la joven es musulmana y finge ser de religión judía. La amistad entre ambas no resultará suficiente para la explosión de las diferencias y el arrepentimiento que puede ser tardío.

Sin duda, Hatav lanza una mirada muy crítica hacia la sociedad a la que pertenece, bajo la premisa de la convivencia y de la aceptación del otro, el respeto al amor, a la libertad de elección, y al ser humano en sí mismo. Los elementos narrativos bien utilizados se entrecruzan con tomas también acertadas, generando un clima de armonía y tensión al mismo tiempo. ¿Qué es más importante? ¿Los preceptos religiosos mal concebidos, fundamentalistas, o el amor? ¿La salvación de una vida por sobre todas las consignas sociales o la tozudez en principios que quiebran la armonía? Resulta un excelente drama, que atrapa y permite una profunda reflexión.

Elsa Bragato

 

JUEVES 6 DE JULIO DEL 2017.-

Seis estrenos llegan a las pantallas nacionales de cine. Entre ellos, cuatro nacionales como “Los globos”, de Mariano González, director, autor del guión y protagonista, quien encara el tema de la paternidad, la relación de padre-hijo y la decisión de dar en adopción a un niño que necesita de su padre. También se estrena “Alptraum”, de Ana Piterberg, quien debutara con “Todos tenemos un plan”, con Viggo Mortensen, una película muy bien fotografiada y narrada que no tuvo mayor suerte en taquilla. Aborda en este film el caso de un actor, Andreas, quien tiene pesadillas recurrentes. Ambas películas tienen identidad y fuerza narrativa.

 

MAMÁ SE FUE DE VIAJE

De Ariel Winograd. Con Diego Peretti, Carla Peterson, Martín Piroyansky, Muriel Santa Ana, Guillermo Arengo, Mario Alarcón, Pilar Gamboa, entre otros. Duración: 99 minutos.

XXXXX- CONCIERTO FAMILIAR ACTUAL

Ariel Winograd, a lo largo de 11 años, ha realizado cinco películas mirando a Hollywood, con indeclinable dedicación. El género es la comedia ligera y de buen gusto, sin chabacanerías ni exabruptos. Desde aquella “Cara de queso” de 2006, “Mi primera boda” de 2011, entre otras, hasta “Mamá se fue de Viaje”,  eligió convencido este tipo de narración que, por los resultados obtenidos, divierte sanamente, con elegancia, lejos del costumbrismo clásico nacional, basándose en la familia de hoy.

También mantiene a sus principales actores, como Diego Peretti, protagonista “fetiche” para Winograd, como también Martín Piroyanski y Guillermo Arengo. La figura femenina elegida es Carla Peterson.

El tema es recurrente: relaciones de pareja, el rol de padre, los vínculos familiares, tratados de manera simpática a partir de historias simples, cotidianas, con gags coloridos, dentro de ambientes de cierto buen pasar económico.

“Mamá se fue de viaje” tiene tres movimientos, a modo de concierto familiar, disfuncional y actual. En el primero, “Vera” (Carla Peterson) es un ama de casa con cuatro hijos, que lleva 20 años de casada con entera dedicación al hogar, a veces díscola, quien se llega a sentir desatendida por su esfuerzo diario. Su esposo, “Víctor” (Diego Peretti), vive absorbido por el trabajo, vive en su mundo y no valoriza el sacrificio de su mujer. “Vera” se harta y se va de viaje, dejando la casa y los hijos al cuidado de su “descolgado” marido.

El segundo movimiento es el más jugoso e hilarante: “Víctor” debe hacerse cargo de todo, empezando a descubrir las necesidades de los hijos, la cotidianeidad del hogar, las comidas, la ropa, la escuela. Aquí Winograd apunta a una serie de enredos muy atractivos que ponen en jaque al padre de familia, requerido tanto física como emocionalmente por su familia en ausencia de la mamá. Y, en el tercer movimiento, ocurre lo esperado, el regreso de “Vera” y todo lo que esto conlleva tanto en su marido como en sus hijos.

La moraleja es sencilla y llega rápidamente al espectador de manera graciosa y, por momentos, como retrato de muchos hogares donde el amor logra salvar relaciones complejas o bien asimétricas. Sin la efectividad de “Sin hijos”, esta nueva producción de Ariel Winograd resulta una disfrutable comedia nacional, protagonizada por excelentes actores. El guion es previsible pero no le quita mérito a una buena comedia. Solo destacamos que es una lástima que el cine nacional no tenga bandas sonoras propias para conformar una industria con todas sus patas, caso de este film como de tantos otros.

Carlos Pierre

 

 

SPIDER MAN: REGRESO A CASA

De Jon Watts. Con Tom Holland, Michael Keaton, Donald Glover, Zendaya, Marisa Tomei, Robert Downey Jr., entre otros. Música de Michael Giacchino. Duración: 133 minutos. Marvel Studios, Sony Pictures, Columbia Pictures.

XXXXX- REINICIO DE UNA SIMPÁTICA SAGA

La multimillonaria fusión de Walt Disney Company con Marvel Studios ocurrió en el 2010: la primera adquirió a la segunda y comenzaron a fusionarse los superhéroes. Esto no impide que Marvel, la tradicional “casa de los cómics” (DC Comics pertenece a la Warner-Turner mientras que Disney tiene “Star Wars”, piratas y animaciones), realice contratos con otras empresas por lo que, en el caso de Spider-Man, se asoció con Sony (dueña de la propiedad intelectual del personaje), logrando la distribución de Columbia Pictures. De esta manera, reaparece Spider-Man en el tercer inicio de la saga del Hombre Araña, un estudiante secundario del barrio de Queens, New York, que descubre fantásticos poderes, vive con su tía (Marisa Tomei), y tuvo su experiencia como héroe en “Capitán América, Civil War”. Ahora, bajo la tutela de “Iron man” (Robert Downey Jr.), espera acción salvando al prójimo de todo tipo de villanías. Tiene que cumplir con una exigencia: terminar el secundario. Su mejor amigo es el simpático hawaiano Jacob Batalon como “Ned Leeds”.

Recordamos que estamos ante el tercer reboot de la saga de Spider Man y ante un tercer Hombre Araña: la primera saga la digirió Sam Raimi con Tobey Maguire como protagonista, fueron tres films. La segunda solo tuvo dos películas dirigidas por Marc Webb y su protagonista fue Andrew Garfield. Y ahora este reinicio con Tom Holland.

El malvado está a cargo de Michael Keaton, en su también renacer cinematográfico luego de “Birdman”, componiendo a “El Buitre”. Éste y Spider-man tienen luchas resueltas de manera fantástica con coreografías contundentes, quedando rezagados personajes como Iron Man, mentor de “Spider-man”. Se comprende dado que el Hombre Araña debía tener un relanzamiento absoluto. En este sentido, Tom Holland, desde su juventud, dota al personaje de ingenuidad y fuerza ilimitada. Sus viajes por la ciudad de New York saltando techos resultan fantásticos, Manhattan reluce desde la Staten Island con sus clásicos y antiguos catamaranes. Computación y realidad se unen logrando atrapante esplendor visual.

La duración del film es exagerada. La historia pudo ser más punzante con media hora menos. Como estila Marvel, luego de los créditos, también extensos, hay una sorpresa, así que hay que esperar hasta después del “The end”. Simpática, atractiva, poco profunda, “Spider Man: Regreso a casa” es un muy buen pasatiempo con un superhéroe “teenager” que tiene público cautivo. Para chicos y grandes.

Elsa Bragato

 

 

CASA CORAGGIO

De Baltazar Tokman. Con Sofía Urosevich, Alejandro Urosevich, Cristian Vega, Miel Bargman, entre otros. Fotografía de Connie Martín, Música original de Alejo Vintrob, Arte de Paula Repetto. Duración: 89 minutos.

XXXXX- NEGOCIOS FÚNEBRES EN FAMILIA

“Casa Coraggio” es una empresa fúnebre que maneja una familia desde hace más de 120 años. Cuatro generaciones han estado a cargo de velatorios, de la muerte misma, sin dejar de vivir sus vidas. En esta oposición reside el generoso clima cotidiano que logra Baltazar Tokman, reconocido publicista. Los protagonistas son reales, Sofía y su padre Alejandro manejan la empresa fúnebre. Y, a sugerencia de Tokman, aceptaron ser protagonistas de su propia historia. Entonces, la ficción es “real” y no documental.

La cámara de Baltazar Tokman refleja la vida de esta familia que es atravesada por la muerte como negocio. Pero, al margen de los ataúdes y de los cadáveres que preparan, y que se ven, tienen sus vidas diarias con todo lo que ello implica, desde preparar el almuerzo hasta charlar con la abuela que tiene cientos de anécdotas. Cómo fue creciendo la empresa, por qué antes carruajes con caballos y de pronto coches fúnebres, sin olvidar a la madre –los padres de Sofía están separados- que se mantiene al margen pero con un interés genuino en la empresa.

Detrás de una ventana, con sutileza y sin invadir, aparecen la abuela, la madre de Sofía, poniendo especial cuidado en la preparación de los cadáveres. Se ve pero se evita el rostro por obvias razones, dado que todo es “de verdad”.

Este merodeo diario con la muerte pertenece a la familia pero, al mismo tiempo, les es ajeno: la fiesta de 15 se hace, los almuerzos en familia no se modifican ni aún cuando hay que cubrir un servicio. En esta oposición vida-muerte reside el subjetivo encanto del film, con buen ritmo, sin decaer en los diálogos. Simple, directa, bien narrada, “Casa Coraggio” es un buen retrato de un tema que no se toca en nuestro cine al menos con esta solidez y veracidad.

Elsa Bragato

 

 

UNA SERENA PASIÓN

De Terence Davies. Con Cynthia Nixon, Jennifer Ehle, Duncan Duff, Keith Carradine Jodhi May, Joanna Bacon, entre otros. Fotografía de Florian Hoffmeister. Duración: 125 minutos.

XXXXX- REFINADA BIOGRAFÍA DE UNA GRAN POETISA

Filigrana delicada es esta película de Terence Davies, realizador inglés de reconocida trayectoria: encara la biografía de Emily Dickinson, considerada la poetisa más importante y notable de los Estados Unidos. Nacida en Amherst, Massachusetts, vivió en la casa paterna hasta morir a los 56 años. Tuvo a su hermana menor como compañera inseparable, y una familia encabezada por padres que, aún con el rigor del antiguo catolicismo, le dieron la libertad intelectual suficiente para su desarrollo como escritora.

Terence Davies se vale de una fotografía estupenda, con secuencias muy definidas nocturnas con luz de velas, en un cuidado equilibrio de puesta en escena. Son momentos cruciales de la vida de la gran Emily Dickinson, que muestran la revolución interior a pesar de una estricta educación en un internado. Su rebeldía fue incurable hasta en los amores.

El género de las comedias dramáticas inglesas tiene gran tradición y, en este caso, se enaltece una vez más con el realizador Davies y  la actuación de Cynthia Nixon en el papel de la poetisa, dominando su pasión hasta el éxtasis, condenándose a sí misma por sus pecados y virtudes. En esta comprensión de época están los diálogos escritos por el director Terence Davies donde la independencia de la mujer y la lucha por ocupar un lugar similar al del hombre en la sociedad están elaborados con rigor y elegancia a la vez. La quietud, la calma, es tan solo aparente. Por debajo de cada personaje estalla la pasión por la vida y el miedo a la muerte, la religiosidad exacerbada y la influencia de los cánones familiares.

Además de Cyinthia Nixon, está Keith Carradine, quien continúa la estirpe actoral familiar, en el rol del padre estricto pero contemplativo a la vez. Es una pintura de época elaborada con pasión y delicadeza, basada en un diseño de rodaje donde nada ha quedado al azar. La pasión de Emily Dickinson solo es aparente, hay en su corazón un voraz fuego por la vida. Memorable biografía en la que hay que aplaudir la cinematografía y el encomiable diseño de arte, los diálogos y la dirección actoral.

Elsa Bragato

 

JUEVES 29 DE JUNIO DEL 2017.-

Varios estrenos siendo el más importante la animación “Mi villano favorito 3D". También “El círculo” y la oriental “Después de la tormenta”. El film de terror semanal es “Viene de noche” de Tray Edward Shults sobre una enfermedad que se expande en el mundo. Apunta al terror psicológico y a la supervivencia del ser humano en condiciones distópicas. También llegan “Una semana y un día”, de Asaph Polonsky, que retrata la relación de un matrimonio que ha perdido a su hijo luego de la semana del duelo, o “shivá”. Película israelí, también habla de la supervivencia cuando el dolor más atroz nos golpea. ¿Hay cosas que merezcan que uno siga viviendo luego de semejante pérdida? Buen cine de Israel.  Finalmente llega “Por la ventana”, coproducción argentino-brasileña de Caroline Leone, una road movie sobre una operaria que pierde su trabajo y su hermano la trae a Buenos Aires. Entre otros films que se estrenan en salas “off”, no comerciales, resalta la coproducción de Perú y Ecuador “Mono con gallinas”, de Alfredo León León, de la que haremos el correspondiente comentario crítico en estos días.

 

MI VILLANO FAVORITO 3, 3D

De Kyle Balda, Pierre Coffin, Ersc Guillon. Con voces de actores famosos de México. Música de Heitor Pereira. Duración: 90 minutos.

XXXXX- HERMANOS EN LA VILLANÍA

Aunque bastante compleja, “Mi villano favorito 3” trae al inefable Gru, que ha conseguido formar un hogar con su compañera de trabajo Lucy y las tres niñas. La vida lo enfrenta a un desafío inesperado: su madre lo crió sin decirle que tenía un hermano mellizo, que quedó con su padre, un supervillano. En busca de este hermano, Bru, va Gru con sus seres queridos y encuentra a un multimillonario al que le falta justamente lo que él tiene: el afecto de una esposa e hijos. Quiere ser villano para seguir la tradición paterna y será Gru quien, aun a regañadientes, le enseñe muchos trucos.

No faltan los Minions, que ya tuvieron su propio film, aunque en un aparte narrativo con pocos momentos de interacción con su “dueño y amo”. Y está el malvado Balthazar Pratt que fuese un niño estrella, quien no soporta el desprecio de Hollywood y, al ritmo del break dance, hace las maldades más grande como robar un gigantesco rubí.

Aclaramos que la complejidad de la historia radica en varias puntas del guión que podrían tener historias aparte: indicamos la de los Minions, pero también está la de las hijitas de Gru, la visita al pueblo donde vive el tío Bru, y cierta ironía para tratar, en una mezcla poco razonable, a una taberna cuyo dueño es un gallego. O bien el baile del pueblo donde los chicos esperan que alguna niña se les acerque y allí aparece la mayorcita de las hijas de Gru, enfrentamiento con la madre del pequeño, y cierta discriminación que no ayuda en nada. Solo la segunda de las hijas de Gru no tiene una historia propia.

Como contrapartida de los Minions, aparecen los muñequitos “Pratt” que crea el resentido personaje del mismo nombre, con la característica de crear chicles pegajosos que se inflan y “comen” todo a su paso.

Las aventuras son muy entretenidas. Resultan más que familiares y, en este caso, los Minions aportan una cuota de humor que queda fuera del resto de los elementos narrativos propuestos, muy bien definidos con las tremendas armas que el mellizo Bru ha pergeñado gracias a sus millones. Hay guiños a muchas películas de entretenimiento como "Ironman” y “Spiderman”, y entretiene de principio a fin sin sorprendernos.

A pesar de todo, hay que aplaudir la creatividad de quienes generaron los automóviles de Bru, el gigante estilo Godzilla con la figura de Pratt, y renovaron la ilusión del “unicornio” a través de un “bosque oblicuo”. Estas pequeñas grandes invenciones animadas otorgan a la película una dosis extra de atracción.

Justo es reconocer que hay mucho de todo: desde los avances de Gru con su mellizo Bru en “villanía” hasta los Minions presentándose a un “Got Talent” insólito, o bien encarcelados donde las picardías cargadas de maldad no faltan.

Para entretenerse, con el mensaje bien claro de que las familias ensambladas son un hecho y hay que aceptarlas. Le pasa a “Lucy” quien se desespera por aprender a “ser mamá”. Buena. Y esencialmente simpática a pesar de tantas subhistorias unidas.

Elsa Bragato

 

 

EL CÍRCULO

Guion y dirección de James Ponsoldt. Con Emma Watson, Tom Hanks, John Boyega, Patton Oswalt, Bill Paxton, Glenne Headly, entre otros. Música de Danny Elfman. Duración: 110 minutos.

XXXXX- FRÍA REFLEXIÓN SOBRE LA TECNOLOGÍA

La película El Círculo, de James Ponsoldt, está basada en el exitoso libro “The Circle”, de Dave Eggers, record de ventas en 2013, habiendo sido traducido a varios idiomas. El género es ciencia ficción y muy actual al basarse en los logros tecnológicos de una empresa “Círculo” donde se almacenan datos privados online, se reubican perfiles de usuarios, contraseñas y todo el mundo virtual que hoy conocemos. Es interesante, aunque sea un film que apunta a la cabeza que a los sentimientos, el planteo de cómo usamos los medios actuales, redes sociales, homebanking, etcérea, y cómo también se usan nuestros datos. Quién usa a quién es uno de los subtemas del film.

Mae Holland, encarnada por una dúctil Emma Watson, es contratada por la empresa “El círculo” que conduce un carismático Eamon Bailey, papel a cargo del siempre eficiente Tom Hanks. Confía en la nueva empleada y la invita a participar en un experimento innovador que empuja los límites de la privacidad, la ética y, en última instancia, de la libertad personal. No todos son rosas y esta implicancia, esta adhesión al nuevo plan laboral, comienza a afectar la vida familiar, la de sus afectos y, en definitiva, la vida de la Humanidad.

Por suerte, siempre existieron escritores con especial visión del futuro y de las consecuencias de nuevos inventos. En este caso, se encuentra cierto paralelismo con ¡1984”, de George Orwell, base de “Gran Hermano”, y, en definitiva, de un sistema nazi de vigilancia, y también con “Un mundo feliz” de Aldous Huxley. En su momento fueron los viajes al fondo de los océanos, o los extraterrestres en cuerpos humanos. Hoy la reina de las batallas en el género es la tecnología, la era virtual. Hay que reconocer que James Ponsoldt, aun logrando un producto con cierta intriga y, por momentos, perturbador, termina narrando con frialdad una historia que debería espantarnos porque está en juego la libertad individual.

Emma Watson asombra por la expresividad de su actuación logrando transmitirnos, a través de una gesticulación expresiva, una amplia gama de sentimientos, desde el afecto hasta el miedo profundo, el descreimiento, el dolor, el espanto y la valentía. Como contrafigura está nada menos que Tom Hanks, sobrio, creíble y dueño de la cámara.

La música incidental de Danny Elfman, reconocido compositor de bandas sonoras, está acorde a la historia, no hay melodía y sí una orquestación mecánica y efectista. La historia se apoya en los vastos recursos técnicos actuales, invalorables para este relato de estilo bastante convencional y conformista aunque la idea haya surgido en estos tiempos que corren.

Carlos Pierre

 

 

DESPUÉS DE LA TORMENTA

Escrita, dirigida y editada por Kore-Eda Hirozaku.  Hiroshi Abe, Kirin Kiki, Yoko Maki, entre otros. Música de Haranegumi. Fotografía de Yutaka Yamazaki.  Duración: 117 minutos.

XXXXX- MELANCÓLICO Y SAGAZ RETRATO FAMILIAR

Kore-Eda Hirozaku, el prestigioso y laureado director japonés, después de su primer film “Maborosi” que fuese galardonado en Venecia en 1995, impuso su mirada condescendiente en el ser humano en sí, ganando premios y distinciones debido a su fina sensibilidad. Baste recordar After Life, Distance, Hana, Still Walking, I Wish, entre otros títulos. En “ Después de la tormenta”, retoma una idea de 2001 cuando, luego de la muerte de su padre, su madre comenzó a vivir sola en una gran urbanización. Fue entonces donde pensó que algún día filmaría la historia de las ciudades y sus habitantes, imaginándose una larga caminata a través de edificios, con el pasto y la vegetación renaciendo con fuerza luego de un desastre natural. El guion quedó listo recién en el 2013.

Es, entonces, una historia basada en una familia y sus integrantes.  El protagonista, Ryota, trabaja en una agencia de detectives, pero sueña con escribir. Divorciado, adicto al juego, no logra pagar la manutención de su hijo de 11 años. Será la naturaleza quien obligará a reunirse. Hay una secuencia que resulta fundamental y tocante: en medio del tifón que azota el lugar, el padre se reencuentra con su pequeño, en una carpa y en medio del vendaval de lluvia y viento.

Pasada la tormenta, con el sol, el pasto aún mojado y reverdecido, ilustrando plenamente aquella historia, aquella imagen pergeñada anteriormente. Un nuevo día que no trae cambios, cada uno de la familia continúa siendo, Es aquí también donde Hirokazu Koreeda invita a entrar a la realidad de una familia que ha perdido su funcionalidad. Hay desesperanza en el futuro, pero los sueños están intactos. El presente les muestra un horizonte de felicidad poco menos que inalcanzable.  Con parsimonia, Koreeda desnuda la melancolía que disfraza la profunda tristeza de tres personas, diferentes edades, cada uno con voluntad secreta de vivir, de salir de tanto tormento interior. No hay ampulosidad sino un espejo de muchas realidades individuales y familiares en elementos narrativos justos, precisos, con un intenso dejo agridulce en los sentimientos cotidianos. El ser gregarios, la necesidad del otro, de los vínculos, la salvación del rescoldo del hogar. Aun con la destrucción impensada y no querida, el espíritu sobrevive.

La sensibilidad de Hirokazu Koreeda es una de las más exquisitas de la cinematografía oriental, a la que hay que entregarse con mansedumbre.

Carlos Pierre

 

XXXXX-LA IDENTIDAD PERSONAL POR SOBRE LA GUERRA
La guerra fratricida que enfrentó a Perú y Ecuador en 1041, con la derrota de este último país, provocó el alistamiento de jóvenes sin ninguna preparación militar. Alfredo León León encara de manera muy personal este conflicto, tomando el caso de “Jorge” quien, a los 18 años, decidió enrolarse a fin de encontrar una realización personal que no lograba ni en los estudios ni en su familia.
La fotografía de Daniel Avilés Escobar es otra protagonista de esta historia donde el absurdo de una lucha entre pueblos cobra una dimensión inusitada por las carencias de todo tipo que se enfrentan. “Jorge” mantiene esperanzas de regresar y de “ser alguien” para su familia.
La propuesta es atractiva, está bien realizada y tiene una melodiosa banda de sonido que acompaña sin aturdir. El silencio de la selva, las lluvias tropicales, las enfermedades, la muerte de los compañeros del comando, y la miseria en la que se mueven, perturban, conmueven, aún cuando el director le quitó dramaticidad, transformando un hecho real -el caso de don Jorge que sigue dado por muerto pero en verdad falleció en el 2006- en una búsqueda personal de realización. La base de la solidez está en el guión que tiene coherencia de principio a fin y, de alguna manera aunque con otros temas, nos remite a los libros de Mario Vargas Llosa y hasta el “Macondo” de Gabriel García Márquez. Muy interesante.
Elsa Bragato

 

JUEVES 22 DE JUNIO DEL 2017.-

Seis estrenos llegan a las salas de cine del país. Desde la excepcional “Yo, Daniel Blake”, del maestro Ken Loach, hasta la muy buena nacional “Alta Cumbia”. Hoy vamos a detenernos en forma especial en la obra de Ken Loach que acaba de ganar la Palma de Oro en el último festival de Cannes.

 

1.- La muerte de Marga Maier, de Camila Toker. Con Luis Machín, Mirta Busnelli, Ivo Muller, entre otros. Se trata de una coproducción de Argentina y Brasil y narra el macabro hallazgo que hace un brasileño en las costas de Punta Indio en nuestro país: el cuerpo sin vida de Marga Maier. El policial negro, el thriller, apuntalan con sus elementos narrativos la idea del guión. Destacamos que la fotografía es excelente, así como las actuaciones, y que Camila Toker tiene, tras de sí, un film novedoso y atractivo presentado hace 10 años: “Upa, una película argentina”. Buen trabajo. XXXXX.- EB

2.- El corral, de Sebastián Coulier. Es el segundo largometraje de Coulier quien regresa a su provincia, Formosa, para retratar con sinceridad el bullying en las escuelas y entre alumnos. La historia se centra en 1988 cuando la palabra en inglés no existía en nuestro vocabulario. Era el hostigamiento de alumnos contra alguno en especial. El vector del film es la venganza que une a dos alumnos, uno de ellos el hostigado y discriminado, organizando las secuencias, los hechos, a manera de puzzle, por lo que nada queda suelto. En este sentido, Coulier demuestra un honesto ejercicio narrativo con la utilización de diversos elementos que, combinados, dan una historia sólida, basada en dos adolescentes. La venganza, decíamos antes, es el vector, un sentimiento que, oculto o no, es el generador de los dramas del ser humano. Es una buena película nacional, recomendable. XXXXX.-EB

3.- No golpees dos veces, de Caradog W. James. Es el film de terror semanal, plagado de clishés, sustos espantosos y nada más. Esto significa que el lúcido James no trabajó la narración de manera sólida, a pesar de ser uno de los buenos directores independientes de cine fantástico y de terror que tiene Inglaterra. Desde el punto de vista de la cinematografía, la película adolece de sutileza, y para el público fan del género, es un film más que tiene lo suyo para entretenerse pegando saltos en la butaca. Regular. XXXXX-EB

4.- Alta cumbia, de Cristian Jure, con Martín Roise en calidad de investigador y de interlocutor. La investigación realizada por Jure y Roise nos lleva al mundo de la cumbia villera, surgida a fines de los 90, con eclosión en el 2001. Meta Guacha, Los Pibes chorros, Pepo, entre otros consagrados intérpretes y creadores de este género tan vapuleado, dan vida a este docuficción. Recorrer la vida de quienes son marginales por exclusión es un estudio antropológico de Roise que muestra las deficiencias de nuestra sociedad. En las letras y el ritmo de este ritmo tan peculiar, sucedáneo de la cumbia latinoamericana y del cuartetazo cordobés, está el retrato perfecto del dolor, de la desesperanza, del hambre, de la persecución, de los más pobres, de los que no tienen techo y buscan trabajo, de quienes merecen una vida digna pero las políticas económicas están pensadas para los “otros”. Es la vida de “los negros”, de ésos que la sociedad supuestamente “blanca” rechaza. El documental es excelente como espejo de lo que se necesita, como crítica social al resto de la sociedad que mira hacia el costado, responsabilizando de esto a quienes tienen el poder de subsanar tanta discriminación. Muy buena. XXXXX.-EB

5.- Un don excepcional, de Marc Webb. Con Chris Evans (el Capitán América) y la pequeña gran actriz Mckenna Grace, junto a gran elenco. Música de Rob Simonsen. Duración: 101 minutos. Los relatos simples sobre hechos cotidianos o bien situaciones de la vida que aquejan o pueden aquejar a cualquiera de nosotros suelen tener mala prensa. Es el caso de “Un don excepcional”, donde se narra las vicisitudes de un tío que se ve obligado por las circunstancias a criar a su sobrina, una pequeña genio, dado que la madre falleció. El planteo es humano y sencillo, no pretende más que mostrar una situación de la vida y la posible resolución que puede tener. Surge también el problema de la adopción, los familiares que aparecen en reclamo de alguien al que tal vez no le dieron tanta importancia durante la vida de la madre. La película no pretende más. Es una buena realización, emotiva, basada en un hecho que sucede en la vida diaria. XXXXX.- EB

 

 

YO, DANIEL BLAKE

De Ken Loach. Con Dave Johns, Hayley Squires, Briana Shann, Dylan Mckieman, Kate Rutter, Sharon Percy, entre otros. Música de George Fenton. Duración: 100 minutos. Reino Unido.

XXXXX- IMPLACABLE REALISMO DEL MAESTRO LOACH

Imposible sustraerse de la vida del personaje Daniel Blake, carpintero de casi 60 años que, por primera vez en su vida, se ve obligado a acudir a los servicios sociales, al caer enfermo por problemas cardíacos. Si bien la política social es proverbial por su calidad en el Reino Unido, Ken Loach, adalid de los obreros, clava su bisturí en las incongruencias del sistema para con los que más necesitan. Aún en una sociedad que tiene altos estándares de vida, la burocracia resulta impiadosa con los ciudadanos desprotegidos y sin conocimientos necesarios de tecnología para estar en el “mundo de hoy”. Como recuerdo luctuoso, baste el incendio del edificio que ocurrió hace pocos días, dejando casi un centenar de muertos en pleno corazón de Londres, edificio estatal para colaborar con inmigrantes y familias pobres.

De la mano de Ken Loach es el espectador quien se conmueve por hechos que son comunes a todas las sociedades occidentales. El compromiso emocional con el personaje protagónico es profundo: un luchador que no quiere bajar los brazos, a pesar de que sus fuerzas físicas vayan menguando. Heroicidad en la lucha cotidiana, retrato del trabajador global.

En su ocio obligado y desesperanzado, Daniel Blake (un notable Dave Johns) se cruzar con Katie (Hayley Squieres), madre soltera de dos niñas, llena de carencias básicas, migrando desde New Castle a Londres. La marginalidad social los une espiritualmente, siendo ayuda mutua en la desprotección estatal que padecen. Sin quedarse en una narración que sobrevuele los problemas, Loach hace hincapié en personas-personajes que complican la vida innecesariamente: desde el médico que prohíbe el trabajo, hasta la obligación de la Administración estatal a conseguir un empleo o ser sancionado. La paradoja está, la rebeldía del humilde también. La solución de la problemática se vislumbra muy lejos. Es un laberinto impío que transforma al que necesita en un paria, aún dentro de un sistema que tiene varios puntos de calidad por arriba de las nuestras. Es que, aún en la pobreza, la del Hemisferio Norte es diferente a la del Hemisferio Sur. Se sufre, se padece, pero hay un piso más alto a partir del cual el padecimiento se hace palpable.

Esta película es una certera flecha de excelencia, perturbadora, conmovedora, frente a este Daniel Blake que no desfallece nunca.  Ken Loach no escatima detalles que transforman su narración en un espejo social de la crueldad que existe, de la inmisericordia flagrante aún en las sociedades que se ufanan de excelencias varias. Sensible, polémico, Ken Loach llega a los 80 años regalándonos una historia actual, sin dobleces ni suturas narrativas, con su indeclinable realismo social basado en su declarado trockismo.

Carlos Pierre

 

JUEVES 15 DE JUNIO DEL 2017.-

Varios films que incluyen dos grandes películas y un “tanquecito”, además de documentales nacionales y la primera película de la mujer de Francis Ford Coppola. Veamos:

l) PARÍS PUEDE ESPERAR, de Eleanor Coppola, quien es una notable documentalista norteamericana. Se lanza a su primer largometraje de ficción con suerte diversa, a juzgar por la crítica norteamericana.

April Voice, de Village Voice, afirma: “Un desastre mal elaborado” mientras que Fionnuala Halligan de Screendaily indica “Una historia ligeral, débil, pero encantadora”.

2) LEGADO DEL MAR, de Gastón Klingenfeld, quien retrata la vida de la familia de pescadores de la ciudad de Rawson.

3) LA CENA BLANCA DE ROMINA, de Francisco Rizzi y Hernán Martín; documentan el caso de Romina Tejerina, la joven que tuvo a un hijo sola en un baño y lo mató, justificando el asesinato por ser producto de una violación, con condena de 14 años de cárcel.

 

BAYWATCH: GUARDIANES DE LA BAHÍA

De Seth Gordon. Con Dwayne Johnson, Zac Efron, Priyanka Chopra, Alexandra Daddario, entre otros. Música de Christopher Lennertz. Fotografía de Eric Steelberg. Duración: 116 minutos.

XXXXX- BUENOS EFECTOS ESPECIALES…

Se suele decir que, cuando los comentaristas de cine afirman que hay buenos efectos especiales o la música es notable, sucede que el film es de regular a malo. Es el caso de Baywatch, un regreso a aquella mítica serie de televisión que nos devuelve las imágenes de Pamela Anderson en una muy breve secuencia y de David Hasselhoff, quien visitó nuestro país con su “auto fantástico” en los 80. El veterano actor participa en varios momentos a diferencia de Anderson.

La película tiene el humor escatológico de muchos films presuntamente divertidos, que incluyen vómitos hasta penes erectos en vivos y en “muertos”. Son los “gags” que no arrancan ni una sonrisa. Dwayne Johnson lleva adelante su papel de salvavidas con enorme dignidad, lo ayudan su físico y su disposición para este tipo de personajes, mientras que Zac Efron queda en un segundo lugar con un rol que no le va: el de un perdedor sin gracia.

Se rescatan los notables efectos especiales, los salvatajes en medio del mar, la búsqueda de los narcotraficantes en las playas, todas escenas que cuentan con slowmotion acompasado, permitiendo que los bellos físicos femeninos y masculinos se luzcan corriendo por las doradas arenas de Miami.

Los diálogos son cursis. La historia es consabida con un premio para los menos “lindos” porque la “sirena” de la playa lo elige… Es el caso del joven actor Jon Bass, a quien le suceden hechos poco recomendables, enmarcados en un humor de pésimo gusto. No hay mucho más. Extensa para la historia que presenta, con chicas y chicos lindísimos. En los créditos finales, hay una serie de bloopers que son más atractivos que el film en sí.

Elsa Bragato

 

EL PODER DE LA AMBICION (GOLD)

De Stephen Gaghan. Con Matthew McConaughey, Edgar Ramírez, Bryce Dallas Howard, Corey Stoll, Toby Rachael Taylor, Bruce Greenwood, entre otros. Música de Daniel Pemberton. Duración: 121 minutos.

XXXXX- NUEVA CONSAGRACIÓN DE McCONAUGHEY

Gold, el título de este film basado en una historia real que sucedió en Nevada en 198l, se refiere a la industria minera que existe en ese estado norteamericano. Tiene mezcla de thriller y biopic, ubicada en los 80.

Kenny Wells (Matthew McConaughey), hijo de una familia minera, vio el surgimiento y decadencia del negocio de su padre. De ser dueño se transforma en empleado y, junto a un geólogo (Edgar Ramírez), como último esfuerzo, se embarca en un plan descabellado en Indonesia. Podría existir oro en su jungla. Después de un penoso y prolongado trabajo, malaria de por medio, conflicto con los nativos que reclamaban agua potable, surge imponente la calidad actoral de Matthew McConaughey, el mismo que conmovió en Dallas Buyers Club, ganando el Oscar.

Esta aventura, con sus sinsabores, dio como resultado el mayor hallazgo minero de los Estados Unidos, aún en tierras tan lejanas, revolucionando el mercado de valores de Wall Street. Wells y su amigo serán los nuevos ricos, sin sospechas que el FBI empieza a investigar. Corporaciones, plata sucia, traiciones, enfermedades, van tachonando este camino hacia la gloria y el fracaso a la vez.

El trabajo de McConaughey es más que destacable, como decíamos antes. Así como tuvo que adelgazar extremadamente para “Dallas…”, aquí engordó 20 kg. Por sobre su rol específico, está el hombre común que persigue sus sueños sin desvanecer, que enfrenta la desgracia y la suerte con entereza inquebrantable, para quien el fracaso no puede existir, aún a costa de actitudes y actividades non sanctas.

Hay una simbiosis electrizante entre el paisaje que rodea al protagonista y la historia propuesta, aprovechada por Stephen Gaghan ( el mismo realizador de Syriana, nada menos, y guionista de la premiada también Traffic) a través de la fotografía y de elementos narrativos utilizados sólidamente. De principio a fin, una película atrapante, dura, convincente.

Carlos Pierre

 

SOLO SE VIVE UNA VEZ

De Federico Cueva. Idea original y guion de Sergio Esquenazi. Con Peter Lanzani, Pablo Rago, Darío Lopilato, Arancha Martí, Luis Brandoni, con Gérard Depardieu, Hugo Silva, Santiago Segura, Eugenia “la China” Suárez, Carlos Areces, entre otros. Música de Alfonso González Aguilar. Duración: 90 minutos. Coproducción Argentina-España. 

        

XXXXX- MUCHO RUIDO… ALGUNAS NUECES

Para esta comedia de aventura se reunió un verdadero seleccionado de estrellas, que incluye las participaciones de Gérard Depardieu, Hugo Silva y Santiago Segura. Imposible de negar el notable despliegue técnico que incluyen al director de fotografía Guillermo Nieto (Elefante blanco, Carancho, Mi amiga del parque, La luz incidente) y al realizador de escenas de acción y supervisor de dobles de riesgo Federico Cueva (El secreto de sus ojos, Assassins Creed, Mi gran noche), conforman un team de grandes pretensiones que logra emoción y entretenimiento.

La historia se mete sin vueltas en el judaísmo y el catolicismo, este último a través de una suerte de embrollos que teje un estafador bien porteño (Peter Lanzani), su hermano sacerdote católico y un rabino (Luis Brandoni) con sus ayudantes (Arancha Martí y Darío Lopilato) y los “malos” encarnados por Gérard Depardieu, Hugo Silva y Santiago Segura, .

El hilo conductor del film es el personaje de Peter Lanzani, un católico devenido en judío, que es perseguido por Gérard Depardieu y su mafia. Vértigo sin pausa, coches destrozados, misiles, persecuciones, son solo algunos de los efectos que motivan y entretienen al espectador a la manera de un divertimento de Hollywood.

Claro que… hay mucho ruido y algunas nueces que salvan esta pretenciosa película, lograda a medias. Sin pasar por alto, aunque sean aventuras cinematográficas,  el mal tino de introducir a dos partidarios del nazismo y citar la famosa apuesta teológica del pensador francés del siglo XVII, Blas Pascal. A estas alturas, bien cabe preguntar para qué.

Estamos frente a un tanque de acción nacional, o del subdesarrollo, dispuesto a entretener sin mayores complejidades. Por cierto, hay un abismo con “Solo se vive una vez”, de 1937, de Fritz Lang con Henry Fonda…

Carlos Pierre

 

LA RED

Guion, dirección y fotografía Kim Ki-duk. Con Ryoo Seung-bum, entre otros. Música de Park Young-min. Duración: 114 minutos.

XXXXX- SOBERBIO REGRESO DE KIM KI-DUK

Nada más actual que el tema de “La red”, del coreano Kim Ki-Duk abordando desde un lugar muy singular la tensión bélica entre Corea del Norte, comunista, y Corea del Sur, absolutamente americanizada.

El realizador Kim Ki-duk muestra de manera desgarradora la brutal grieta existente entre ambas Coreas, la del Norte anacrónica y totalitaria, mientras que la del sur, moderna y occidentalizada.

La historia se circunscribe a un modesto pescador coreano del norte, casado, padre de una pequeña quien, cumpliendo con su rutina, sale a pescar en su modesto bote, cercano a la frontera que divide a los dos países. Se le engancha la red de pesca, queda a la deriva, está a merced de las aguas, internándose sin querer en aguas territoriales de Corea del sur. Es apresado y considerado un espía, siendo brutalmente torturado. El entorno es diferente, moderno, confortable, propio de los países evolucionados.  Aún así, el pescador Ryoo Seung-bum (Nam chul-woo) ve el desarrollo económico pero también descubre sus lados oscuros. Finalmente es enviado a su país al que ama. Pero al ingresar, sufre las mismas investigaciones padecidas en el supuesto país enemigo.

Kim Ki-Duk supera el estallido de la violencia para adentrarse en una problemática sutil y despiadada a la vez: la casi imposible reconciliación de las dos Coreas, al menos mientras subsistan las diferencias ideológicas que hoy mantienen en vilo al mundo.

Teniendo como protagonista a un hombre común y simple, el realizador coreano logra un film emotivo y desgarrador, pleno de contrastes a partir de divisiones políticas impuestas por la miseria espiritual y la codicia humanas. Este es el tema que encuentra, en el actor Nam Chul-Woo, cabal expresión. “La red” duele profundamente, sin mayor necesidad de recurrir a golpes bajos. Solo con reflejar un hecho cotidiano, Kim Ki-Duk alcanza la definición más clara posible de la miserabilidad de la mayoría de los poderosos del mundo.

Carlos Pierre

 

TODO, TODO

De Stella Meghie. Con Nick Robinson, Taylor Hickson, Ana de la Reguera, Amandla Stenber, entre otros. Música de Ludqig Göransson. Duración: 96 minutos.

XXXXX- ROMÁNTICA HISTORIA PARA ADOLESCENTES

En 1976 conocimos el film “El chico de la burbuja de plástico” interpretada por un jovencísimo John Travolta. La carencia de inmunidad impedía a ese jovencito vivir fuera de un ámbito muy especial acondicionado para evitarle contagios de cualquier índole. “Todo, todo” tiene la misma base aunque con ciertas libertades suponemos que científicas. Madeline es una adolescente que vive aislada del mundo exterior por tener una insuficiencia inmunológica muy severa. No obstante, su madre acondicionó su cuarto de manera tal que pueda ver verde con un hermoso jardín, una ventana a la calle, y personal especializado que cumple con normas asépticas rigurosas. Esto no impide que la jovencita vea, a través de los ventanales, a su nuevo vecino, Olly, de quien se enamora.

Más allá de algunas prevenciones inmunológicas que no se toman, al menos por la gravedad que la protagonista dice que la afecta, el film muestra la ternura y la sexualidad en la adolescencia, aún con los riesgos que corren. Hay amor, hay dulzura, hay momentos menos propicios, y un giro en el final que puede sorprender al menos entretenido con la historia. Para las adolescentes porque, a pesar de cierta morosidad en el relato, es una narración con variados encantos.

Elsa Bragato

 

APLICACIÓN SINIESTRA

De Abel Vang y Burlee Vang. Con Saxon Sharbino, Victory Van Tuyl, Brandon Soo Hoo, Mitchell Edwards, entre otros. Fotografía de Jimmy Jung Lu. Música de David C. Williams. Montaje: Cole Durqn. Efectos Especiales: Robert Hall. Duración: 91 minutos. Distribuye SBP.

 

XXXXX-SUSTOS PARANORMALES

He aquí la película de terror semanal. Ni buena ni mala. Ahí, en esa mitad de calificación, la dejamos. Sin embargo, tiene su “no sé qué”. Un grupo de cinco amigos baja una “app” a su celular, similar a Siri, programa que permite chatear y hablar directamente en determinados teléfonos celulares. Ya están llorando la muerte absurda de una de las chicas amigas, Nikki, y será utilizando este nombre que la “presencia paranormal” se comunicará con los chicos.

Solo la protagonista tiene una mamá visible, Alice (la bella Saxon Sharbino), es confidente de su madre. La soledad parental, la ausencia de mayores, es una de las características de este género donde los estudiantes secundarios son sometidos a aterradoras situaciones.

A la manera de los “videos” que matan, idea proveniente de Oriente, los hermanos Bang, descendientes de laosianos, se modernizaron y, en este caso, echaron mano a las “apps”, las aplicaciones para celulares que permiten desde jugar hasta pedir delivery o bien hablar o chatear. El demonio está allí y se irá cobrando a sus víctimas.

No parece muy diferente de otros films de género. La primera parte de la película resulta intrascendente aunque va ganando en suspenso a medida que transcurre. Horribles payasos, muertos conocidos, cobran vida a veces de manera ridícula pero asustan. El clima está logrado. No hay nada nuevo bajo el sol, incluso el final, pero tiene un target definido: los adolescentes mayores de 16 años, que disfrutarán de una hora y media de sobresaltos. No mucho más.

Elsa Bragato

 

JUEVES 8 DE JUNIO DEL 2017.-

Pocos estrenos que incluyen el supertanque “La Momia” y la nueva producción de Alex de la Iglesia titulada “El bar” así como el último regalo del complejo y lírico director italiano Marco Bellocchio. Hay varios documentales y ficción nacional que llegan a las salas sin el paso previo de la mirada crítica. Veamos:

1.- “Dulces sueños”, de Marco Bellocchio, basado en la novela autobiográfica de Massimo Gramellini. Está protagonizada por la actriz argentina Berenice Bejo (El artista), y solo la sutileza narrativa de Bellocchio hace posible que este intenso melodrama nos deje una marca en el corazón. Muy buena.

2.- “La soñada”, de Alejo Domínguez. Film rodado en La Cumbre sobre una escritora bloqueada psíquicamente. Está protagonizada por Romina Ricci, Cristina Alberó, Iván González, entre otros. La idea del guion es la capacidad de cada uno de nosotros para superar los mandatos familiares. Buena.

3.- “Historias breves 14”. El INCAA presentó este largometraje basado en documentales de jóvenes cineastas ganadores del concurso de la entidad para este compilado. Los directores fueron Gisela Benenzon, Diego Briano, Gabriel Lembergier, Cinthia V. Konopacki, Alejandro Gamio, Mariana Waisntein y Nicolás Stefanazzi. Interesante.

NdR: la primera película del género se estrenó en 1995.-

4.- “El crimen de las salinas”, de Lucas Distéfano, es un documental basado en el trágico hecho ocurrido en el pequeño pueblo cordobés en el 2005. Las entrevistas a vecinos que conocieron al hombre de 77 años asesinado por su joven esposa aportan datos que obligan a un replanteo del caso. Bueno.

 

LOS GANADORES

Documental de Néstor Frenkel. Duración: 78 minutos.

XXXXX- PEQUEÑOS MOMENTOS DE AUTOGLORIA

Néstor Frenkel tiene una reconocida trayectoria como documentalista, baste recordar “Construcción de una ciudad”. En este caso, se sintió atraído por el mundo de los premios que superan muchísimo al conocido Martín Fierro de APTRA. En cada localidad del país hay algún premio que reúne a gente de diversas localidades. Así surgen personajes muy bizarros, muy conocidos, como también tiernos, queribles. A falta del “gaucho capitalino”, la generación de un premio para los oyentes o los que quieran sumarse a esa noche de asado y baile es siempre bienvenida.

En definitiva, es un ensayo sociológico profundo. Qué se busca con esos premios que muchas veces son “autopremios”? Nada más y nada menos que vivir una noche de felicidad inmensa, irrepetible, de amistad, de reencuentros con pares, dándole una patada a la monótona rutina. Muchos de estos ganadores se transforman a su vez en generadores de otros premios. Es una rueda: “te invito, pagás la incripción, te premio y nos reunimos en un lugar lindo alguna vez en el año, mientras vos hacés lo mismo con otro premio que inventés”.

Frenkel basa el documental en dos “ganadores”. Ostentan medallas, plaquetas, estatuillas, nombres pomposos, y sonríen. Se la creen, son felices. Le ganan por mucho a la apatía y a la depresión.

El documental es muy interesante. Nos deja un final abierto y algunos datos que no se dan y que tal vez, de conocerse, le quitarían la mística a esa larga lista de premios que inunda todo el país para la radio y la televisión locales, y los amigos de la vida. Eso sí, sin jurados y, por lo general, quienes asisten a la cena son todos ganadores.

Elsa Bragato

 

LA MOMIA

De Alex Kurtzman. Con Tom Cruise, Russell Crowe, Annabelle Wallis, Sofía Boutella, Jake Johnson, entre otros. Música de Brian Tyler. Fotografía de Ben Seresin. Duración: 110 minutos.

XXXXX-BUENA. ESPECTACULARIDAD SIN SUSTENTO

Guerras actuales, historia egipcia, zombies, malvados de pura cepa, se combinan en este “reboot” de la saga “La momia”, que tuvo tres films en 1999, 2001 y 2008. Tom Cruise encabeza este reparto como Nick Morton, buscador de tesoros históricos que viaja a Irak, en plena guerra. Lo acompaña su amigo “Veil” (Johnson) en medio de furiosos bombardeos y tiroteos.

Tras una verdadera catástrofe de bombas, ambos caen al borde de un precipicio que se abre repentinamente dejando al descubierto una tumba milenaria. No sabemos de dónde aparece la antropóloga Jenny (la rubia Wallis), quien descubre que es una prisión mortuoria más que una tumba honorífica, desencadenándose todos los hechos más insólitos, inesperados, sombríos y hasta jocosos que nos podamos imaginar. Hay tanto para mostrar y demostrar que se cuelan errores de postproducción como el hecho de bajar los tres solos a ese enorme hoyo y que Jenny pida “luces” no se sabe a quién y se enciendan parrillas con focos gigantescos. Más allá de esto, se echa mano a la historia egipcia dándole alguna “rosca” a los nombres: la enterrada viva es la princesa Ahmanet (la sensual Sofía Boutella), nombre que provendría de “Ahmose”, princesa de una de las dinastías egipcias. Y los noticieros de la época hablan del “proyecto Crossrail” (extenso subte que debe ser inaugurado este año en Londres) cuyas excavaciones permitieron encontrar un cementerio con tumbas de los cruzados. En verdad, estos trabajos preparatorios para el nuevo “subway” hallaron de todo, en más de ocho capas de civilizaciones, desde cementerios romanos hasta patines modernos.

La mezcla de épocas, de maldades que encabeza el doctor H. Jekyll a cargo de Russell Crowe, con tumbas acuáticas, otras en tierra firme, zombies monstruosos, producen una mezcla muy confusa que entretiene, esto no se puede negar. La princesa revive tras un aparatoso accidente aéreo, muy bien realizado por los efectos especiales, en el que el protagonista se convertirá en un hombre de dos mundos. Extraño, insólito, pero permite que se desarrolle la historia de manera real aun cuando tiene visos de espiritismo, por darle una denominación.

Saga hay para rato. Las confrontaciones actuales sirven como base para que el inquieto y aventurero Morton recorra tierras orientales y trate de recuperar los grandes tesoros de la humanidad, aún a riesgo de que algún espíritu maligno haga de las suyas en su cuerpo. De alguna manera, logrará superar estos graves momentos, con la ayuda fantástica de la espectacularidad que ofrecen los efectos especiales. Como sea, Tom Cruise intenta que el rol de Morton le salga bien. Lo logra por momentos, en otros su escaso histrionismo le juega muy malas pasadas. El tema es oscuro y con un sutil erotismo que le da una pátina de adultez. No obstante, entretiene.

Elsa Bragato

 

EL BAR

Guion y dirección Álex de la Iglesia. Con Blanca Suárez, Mario Casas, Secun de la Rosa, Carmen Machi, Jaime Ordóñez, Terele Pávez, Joaquín Climent, Alejandro Awada, entre otros. Música, Carlos Riera y Joan Valent. Duración, 102 minutos.

XXXXX- SÁLVESE QUIEN PUEDA!

Alex de la Iglesia es un maestro en cruzar el thriller y el humor negro en medio de un clima de intriga y confusión. Su estilo enérgico y provocador, ampuloso y desmañado, arranca temprano, por la mañana, en la barra de un bar un día cualquiera. Unos cuantos clientes y desconocidos son atendidos por la dueña y un camarero, y, entre cafés, churros y mixtos, se pone en marcha la rutina cotidiana de oficinistas y ocasionales pasajeros, víctimas de un repentino estupor cuando dos de los clientes reciban certeros disparos que los mata instantáneamente. El alerta está. Si se sale, se corre el riesgo de perder la vida por lo que deciden quedarse encerrados en el bar. Entonces comienza el plato fuerte de De la Iglesia: mostrar las miserias humanas, el egoísmo, la violencia, el sálvese quien pueda. Para los memoriosos, el encierro y la vileza humana estuvieron retratados en 1962 por Luis Buñuel en su memorable El Ángel Exterminador. ¿Coincidencia?

Sin embargo, la tensión inicial empieza a tornarse endeble al avanzar el film a través de secuencias altisonantes y de pésimo gusto, notándose la costura forzada con el solo fin de asustar al espectador sin sutileza alguna. De a poco, se desentraña el por qué de tan tensa situación, quedando un solo y sucio camino para salvarse. He aquí la mejor chance narrativa que tiene Alex de la Iglesia para mostrar hasta qué punto el egoísmo humano hace de las suyas.

El realizador trabaja con piloto automático en un terreno que le es más que conocido. Y está muy lejos de su recordada Balada Triste de Trompeta. Los actores hacen lo que pueden para salvarse tanto del mal que los aqueja en la ficción como de la endeblez del guión. El argentino Alejandro Awada cumple con un pequeño papel en el comienzo por lo que pronto desaparece de este histérico y desmedido mundo propuesto por Álex de la Iglesia, salvándose de una catástrofe artística y humana.

Carlos Pierre

 

JUEVES 1RO DE JUNIO DEL 2017.-

Varios estrenos que incluyen documentales nacionales llegan a las pantallas de cine de todo el país e incluso varios van directamente a las salas de diversos centros culturales.

1.- “Territorios en riesgo”, documental de Pablo Santillán sobre los desastres naturales, la incidencia en las poblaciones y una reflexión sobre lo que hacemos o no hacemos para que esto suceda.

2.- “Amasekenalo” (Gracias), primera coproducción argentino-angoleña, de Paulo Pécora, periodista y cineasta que fue convocado por Pablo César para hacer el “making off” del film “Los dioses del agua”. A partir de esta tarea, Pécora desarrolla un interesante planteo no solo de la película que se está rodando sino de la vida en Angola y Etiopía.

3.- “Ensayo de despedida”, de Macarena Albalustri, es un ensayo documental sobre el adiós que la directora quiere darle a su madre, fallecida hace 10 años, y de la que no recuerda casi nada.

4.- “Abattoir”, de Darren Lynn Bausman. Tal como su nombre lo indica en su traducción es un “matadero”, o sea la película “gore” o “slaughter” que tiene un público fan.

 

 

EL REENCUENTRO

De Martin Provost. Con Catherine Deneuve, Catherine Frot, Olivier Gourmet, Quentin Dolmaire, entre otros. Música de Gregoire Hetzel. Duración: 117 minutos.

XXXXX – HISTORIA DE MUJERES

Aún con momentos de difícil aceptación visual, esta película “El reencuentro” o “Sage Femme”, de Martín Provost, conmueve por su humanidad, o por el intento subliminal de darle un sentido poético a la vida aún en situaciones límites. Catherine Frot, estupenda, compone a una obstetra cuya misión. Y Catherine Deneuve, soberbia y apabullante, encarna a la ex amante del padre de la médica. “Claire” es la profesional, y “Beatrice” es el regreso menos esperado y deseado, mujer brava, madama, doña amante de lujos.

En la vida real, este tipo de encuentros se dan: esa amante que vivió con un señor con familia, que no tuvo dificultades económicas hasta que él se fue, y la familia, que sufrió desatención en todos los aspectos. “Claire” enterró a su padre cuando “Beatrice” lo dejó. Y ahora es esta mujer, que fuma, bebe, y juega a los naipes en oscuras tabernas, la que regresa para pedirle ayuda. La madre de Claire vive, pero no se lleva bien con su atareada hija.

La historia es esencialmente femenina. Provost bucea en el alma de una hija dolida y tal vez resentida frente a una mujer impiadosa, buscona, que quedó sola y necesita ayuda. Una y otra se necesitan pero tardan en descubrir por qué. Y aquí reside el valor del mensaje de Provost: lo humano, lo existencial, el dolor, el miedo, superan con creces situaciones abominables. Cada una deberá buscar su nuevo camino, doloroso o no, y su nueva vida. Pero es ésta la que les impone volverse a mirar a los ojos.

Esta película puede ser muy buena o simplemente buena, depende del corazón de quien la mire, y de cómo pueda impactar en nuestros sentimientos. Para nosotros fue muy buena por la simbiosis escénica de las dos grandes protagonistas que opacaron todo lo demás. Superan la pantalla.

Elsa Bragato

 

 

COLOSSAL

Guion y dirección de Nacho Vigalondo. Con Anne Hathaway, Dan Stevens, Jason Sudeikis, Austin Stowell, Tim Blake Nelson, entre otros. Música de Bear McCreary. Duración: 109 minutos. Estados Unidos-España.

XXXXx-FÓRMULA MUY ATRACTIVA

Este cuarto largometraje del joven realizador español Nacho Vigalondo es el segundo que filma completamente en inglés; el anterior, Open Windows, de 2014, es la apertura a un cine internacional, más ambicioso, con una llegada mayor al público. Colossal, según sus propias palabras, nano hubiese sido posible sin la confianza y la voluntad de la oscarizada Anne Hathaway, de su inmenso talento, y del actor Jason Sudeikis, verdaderos cómplices en la gestación de un film en tono de comedia anti-romántica con acentos de ciencia ficción.

Colossal narra la historia de Gloria (una Anne Hathaway superlativa), una chica que ,tras haber perdido su trabajo y a su novio, deja Nueva York para volver a su ciudad natal. Por informes televisivos, se entera de que un monstruo gigantesco está destruyendo la ciudad de Seúl, Corea del Sur. El encuentro con un amigo, le permite descubrir que ambos están relacionados con ese monstruo que asola a Seúl. Algo así como un nuevo Godzilla.

De esta manera salta la confrontación del bien y el mal. Gloria podrá mover los impulsos destructores y neutralizarlos y su amigo descargará todo el mal. Ambos manipularán al monstruo, quien se moverá según las directivas de los jóvenes. He aquí el “quid” de la historia: un hecho casual transforma a los protagonistas en héroes.

La desfachatez de Nacho Vigalondo reside en la propuesta de un argumento desafiante, al que le suma la actuación soberbia de Anne Hathaway. La premisa fue partir de una historia convencional para ingresar a un mundo de fantasía, pleno de acción. El nuevo “Godzilla”, por darle este nombre, un país oriental y dos norteamericanos dispuestos a anular la destrucción del mundo.

Es una fórmula muy atractiva porque mezcla la realidad con la fantasía de un modo original, teniendo en cuenta que Hollywood ya nos ha mostrado toda la gama de efectos especiales que es capaz de fabricar. En todo caso, es aún más meritoria las actuaciones de Hathaway y su partenaire, Jason Sudeikes que, entre la vida normal y la ciencia ficción, logran atrapar al espectador en un fantástico entretenimiento. Si solo se tratara de esto último, el objetivo de Vigalondo está cumplido. Pero hay más y es la realización en sí, la dirección actoral, el paso hacia la fantasía y la ciencia ficción con naturalidad, frescura y convicción.

Carlos Pierre

 

 

LA MUJER MARAVILLA

De Patty Jenkins. Con Gal Gadot, Chris Pine, Robin Wright, Connie Nielsen, David Thewlis, Elena Amaya, Danny Huston, entre otros. Música de Rupert Gregson-Williams. Duración: 141 minutos.

XXXXX- ENTRETENIMIENTO DE SOBRA!

Protagonistas femeninas en calidad de superheroínas no son comunes, aunque haya algunos ejemplos en la cinematografía. Y que sean dirigidas por mujeres, menos. En este caso, la directora Patty Jenkins se basa en la historia primera creada por DC Extended Universe, la empresa de cómics rival de Marvel Còmics, y su personaje “Wonder Woman” o “La mujer maravilla”, que ubica la historia de la hija de Zeus e Hippolita en una isla alejada, Themiscyra (ficción de DC Cómics), donde vive con sus hermanas Amazonas, guerreras que se oponen a las guerras y la maldad que genera Ares, el dios de la Guerra. Allí es simplemente “Diana” (Emily Carey como Wonder Woman pequeña), una niña que es instruida en artes marciales por su tía y el resto de las amazonas.

Ya adolescente, la bella amazona (Gal Gabor, quien apareció como primera vez en Batman Vs. Superman) ve cómo cae un avión en el mar que baña la isla y rescata al soldado norteamericano, el Mayor Steve Trevor (Chris Pine). Así se entera de que hay guerra en el mundo (la historia se ubica en la Gran Guerra, o primera guerra mundial) y ella, que ama la tranquilidad y el amor, decide acompañarlo para terminar con el odio y la muerte desatados.

A diferencia con la serie que protagonizó Linda Carter en los 70, ubicada en esa década por razones presupuestarias, el film de Jenkins se basa en el cómic original. La acción se ubica, entonces, en la primera guerra y específicamente en Londres, donde el mayor Trevor tiene su oficina y una secretaria muy particular. Diana, Trevor y la secretaria Etta Candy (Lucy Davis) generan secuencias muy simpáticas: la relación entre Etta y Diana ayuda a la amazona a comprender el mundo moderno.  Diana necesita encontrar a Ares, germen de todo el mal, con la ayuda de Steve Trevor mientras se va adecuando a una vida desconocida.

La película tiene diferentes momentos: el inicial es absolutamente clásico y convencional, por momentos inverosímil. La relación espontánea entre Diana y Steve permite, a su vez, una serie de diálogos de gran ingenuidad, que pueden mover a risa. Hasta que se llega a Londres y luego a la confrontación de Diana con el mal mayor, donde hay escenas muy bien coreografiadas, más que conocidas en el cine de los efectos especiales. No faltan el romanticismo, la lucha, los copos de nieves en bella secuencia, los diálogos infantiles y hasta alguna incorrección histórica como decir que se recitan “los versos de Sócrates” (SIC).

El viaje narrativo en sí es interesante: desde el Pompidou en París hasta la Antigua Grecia, la caída del avión norteamericano en plena Gran Guerra, y la Londres de 1918 aproximadamente. Además, hay secuencias donde se reproducen algunos frescos de Michelangelo como el Origen del Mundo y del Hombre, que se observan en la Capilla Sixtina del Vaticano, entre otros.

Chris Pine convence en este rol donde debe demostrar ternura y comprensión porque su “chica” no es convencional. El actor se adaptó perfectamente al rol, dotándolo de verosimilitud. Y Gal Gabor confirma que su belleza es diferente y más que adecuada al rol de “Mujer maravilla”, con estilizada figura, alta y renegrido cabello, además de una actuación carente de soberbia ininciática.

La música de Rupert Gregson-Williams es estupenda, basada en percusión electrónica, y colabora con las largas secuencias de luchas que el film trae, desde el entrenamiento de la pequeña Diana hasta sus enfrentamientos con los malvados. Como curiosidad, apuntamos que se sumó el elenco la española Elena Anaya como la oscura Mary o Doctor Poison, encargada de preparar gases mortíferos peores que el mostaza y el llamado gas cloro o bien armas misiles preparadas en fábricas secretas sobre el final de la primera contienda mundial.

Entretenimiento hay de sobra. La recreación de los años de la Gran Guerra en Londres es perfecta en todos sus aspectos, desde la ciudad misma hasta el vestuario. Para ver.

Elsa Bragato