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Comentarios de CINE
Por Elsa Bragato

BRAGATISSIMO
www.arinfo.com.ar

Sábados de 16 a 17

ELSA BRAGATO Y CARLOS PIERRE

 

*Colaboración del crítico y productor Carlos Pierre

http://www.elsabragato.blogspot.com  El site de Elsa Bragato

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JUEVES 12 DE OCTUBRE DEL 2017.-

Catorce estrenos son un verdadero exceso. Sin embargo, los distribuidores piensan que el fin de semana largo ayudará a que sus productos marchen en alguna medida. Entre los films están:

EL MUÑECO DE NIEVE, del sueco Tomas Alfredson

Es el mismo realizador de “Criaturas de la noche”, con menor perfección, más clishés y buena fotografía, hilvanando datos similares de asesinatos para dar con un asesino serial.

CINCUENTA PRIMAVERAS, de Blandine Lenoir.

“Parte de un material susceptible de caer en el cliché, pero tono, reparto e ingenio a la hora de definir algunas situaciones cómicas logran convertir el resultado final en una singularidad delicada, aguda y contagiosamente vitalista”, de Jordi Costa, Diario El País.

CONDORITO, LA PELÍCULA, de Alex Orrelle y Eduardo Schuldt

Basada en el cómic chileno.

“(…)“Condorito, la película”(…) intenta balancearse en el fino equilibrio entre rendir tributo al elenco y el humor de la historieta original, y aggiornar el material con elementos de cintas infantiles modernas como “Mi villano favorito” cuyo éxito de taquilla pretende emular. El resultado es mixto, poniendo en pantalla una película que no termina de funcionar como humor de adultos o aventura infantil, pero que se torna interesante en su misma crisis de identidad.”, de Diego Labra, Geeky.com

LA SEÑORA HAIDI, de Daniel Alvaredo y Rafael Menéndez

Thriller psicológico encabezado por María Leal. “Bien vale como intento de seguir apostando al terror”, de Matías Orta, Asalallena.com.ar

 

Agregamos el estreno de MATER de Pablo D’Alo Abba basada en la obra de teatro “Un viento para un violín” del consagrado Claudio Tolcachir, y también “El mensajero”, de Jayson McNamara, documental sobre el director del Buenos Aires Herald, Robert Cox, quien se enfrentó a la dictadura militar. Se estrenó en el BAFICI de este año pasando ahora al circuito comercial.

 

DELICIA

De Marcelo Mangone. Guion de María Laura Gargarella. Con Hugo Arana, Beatriz Spelzini, Marina Glezer, Juan Ignacio Martínez, entre otros. Música de Darío Ramos Maldonado. Duración: 100 minutos.

XXXXX- AGRADABLE HISTORIA DE AMOR

El desesperado fervor de dos almas solitarias que se encuentran en un pueblo surge cuando Felisa (Beatriz Spelzini) llega, con su leve renguera, a ocupar una vacante de enfermera. El director del hospital le conseguirá un lugar donde vivir, en una de las dos casas lindantes que Amado (Hugo Arana) le ofrecerá a cambio de colaborar en las tareas de la casa.

Felisa descubrirá que su propietario es ciego, muy hosco y huraño, tajante en su trato. La ceguera no es congénita, alguna vez vio la vida en plenitud. Sabe movilizarse cada noche con su bastón blanco para trabajar en la administración de un hotel alojamiento.

Con el paso de los días, Felisa cautivará a Amado, y una noche los descubrirá juntos, buscando redimirse de la soledad. En ese juego alucinado, Amado le confesará que la necesitaba antes. Deletreando su rostro con las manos le pregunta cómo se llama y la enfermera le dice que es “Delicia”.

Esta historia es muy pequeña por lo que con los dos personajes solos se hacía insostenible el guion. Forzadamente se inserta a la hija de Amado, que viene a pedir dinero al padre. La historia busca una salida: el nieto de Amado está gravemente enfermo y va al hospital donde está Felisa. Estos cabos que se logran unir permiten que el film tenga un curso aceptable al darle cierta acción movilizadora.

Son los protagonistas los que llevan el peso de la historia: Hugo Arana quien compone un trabajo actoral difícil porque, según sus propias palabras, debió estudiar en un centro de ciegos el accionar de un no vidente. Y Beatriz Spelzini quien tiene excelencia histriónica dándole sentido a ese amor de la postrimería de la vida.

Hay aciertos y altibajos, pero la solvencia actoral de la pareja protagónica así como la fotografía acompasada y perfeccionista de Martín Nico colaboran para que la sucesión de secuencias a veces reiterativas no hagan sucumbir una muy buena idea. Es una buena realización un tanto apagada.

Carlos Pierre

 

 

UN MINUTO DE GLORIA

De Kristina Grozeva y Petar Valchanov. Con Stefan Denolyubov, Margita Gosheva, Milko Lazarov, Kitodar Todorov, entre otros. Música de Hristo Namilev. Duración: 101 minutos.

XXXXX- SÁTIRA SOBRE EL PODER QUE DEGRADA

Los realizadores búlgaros Kristina Grozeva y Petar Valchanov habían sorprendido gratamente con La lección en 2014, una historia sobre bienes robados, denuncia sobre las relaciones de poder y la ética de la Comunidad Europea. En “Un minuto de gloria” siguen en esa misma línea reflexiva sobre la corrupción del poder, las diferencias de clases, a través de un análisis sociopolítico que tiene mucho en común con el cine rumano que conocemos. Específicamente, nos muestran el poder corrupto y las lamentables argucias burocráticas que surgen en una dependencia de los ferrocarriles búlgaros.

El guion está centrado en un reloj de pulsera : desde el comienzo se muestra que es el quid de la historia. Marca la hora temprana de un guardavía, Tsanko Petrov (Stefan Denolyubov), quien recorre diariamente las vías en un verano agobiante.

Un hecho inusual ocurre un día: encuentra cientos de billetes desparramados por las vías. Es una fortuna de dinero contante y sonante. Tsanko decide devolver la totalidad del importe a la policía. Lejos de reportarle algún reconocimiento, es el comienzo de su vulnerabilidad ante la jefa de relaciones públicas del Ministerio de Transporte, quien lo subestima, encarnece, y martiriza con sus artimañas. El rol está a cargo de la actriz Kristina Grozeva, de soberbia actuación.

Con un guion sin fisuras ni cabos sueltos, con una filmación nerviosa, casi salvaje, cámara en mano en muchas escenas, con postproducción que delata un montaje perfecto, los realizadores se valen de un minúsculo objeto para retratar la violencia socioeconómica que aún se vive en Bulgaria. El escarnio al que es sometido el guardavías es una sátira perversa de la humillación hacia el pobre: tartamudo, Tsanko debe dar, como signo de que dice la verdad, su reloj y, en cambio, se le entrega otro nuevo que pronto deja de funcionar. En el reclamo de su pequeño tesoro (su reloj tiene grabado un recordatorio de su padre) se concentra la burla estatal de los poderosos de turno hacia las sociedades sojuzgadas.

El film va más allá de la anécdota y nos muestra la vida del guardavías y de la jefa: él cría conejos en una muy modesta vivienda y ella se inyecta hormonas para ser madre en su oficina, ocultándose de la mirada de curiosos tras la bandera de la Comunidad Europea. Disímiles mundos que se enfrentan por nada, o por la soberbia del poder.

La película es una denuncia rotunda contra la Comunidad Europea y el sistema de gobierno de Bulgaria, teñida por una sátira impiadosa con fuertes trazos de humor negro: el Estado que degrada al individuo. Fue elegida para representar a Bulgaria en los próximos Oscar, buscando integrar la categoría Mejor Película en Lengua no Inglesa. Viene cargada de éxitos en el Festival de Locarno, de Gijón, San Sebastián y Edimburgo. Es una película que conmueve y alecciona.

Carlos Pierre

 

 

EL CASTILLO DE CRISTAL

De Destin Cretton. Con Brie Larson, Naomi Watts, Woody Harrelson, Max Greenfield, Sarah Snook, entre otros. Música de Joel P. West.                 Duración: 127 minutos.

XXXXX- MARGINALIDAD REDIMIDA

Drama biográfico basado en las memorias de Jeannette Walls, periodista contemporánea, la mayor de los cuatro hijos de una familia que padeció a  un padre alcohólico y  una madre pintora que se desentiende de la crianza. Ya adolescentes, los hermanos logran salir de esta familia trashumante y vagabunda. Una enorme telaraña de marginalidad los envolvió y sojuzgó durante años.

En su adultez, Jeannette llega a ser quien es, una afamada escritora que logra popularidad con la novela autobiográfica “El castillo de cristal”, donde narra las desventuras que vivieron ella y sus hermanos con absoluta crudeza. En esta disfuncionalidad social Jeannette tiene, sin embargo, un ejemplo: el sentido de la supervivencia de su padre, hombre brillante para las matemáticas devenido en pordiosero. El “castillo de cristal” es justamente la casa que el padre imaginó para su familia, y que no logró. Solo después del fallecimiento de su padre, Jeannette pudo volcar sus vivencias en un libro, que tuvo un éxito rotundo en los Estados Unidos, siendo editado en más de 20 países.

El clima generado por Destin Creston es sobrecogedor: los cuatro hermanos aprenden a vivir solos dentro de la miserabilidad, solo la unión entre ellos les permite subsistir a las vicisitudes generadas por un padre díscolo y magnético a la vez y una madre que no es tal. La zozobra y la precariedad en la que deben criarse está expuesta con rigor y violencia por Cretton, partiendo de un guion por momentos fragmentado de Marti Novon, quien no ahorra momentos estremecedores, perturbadores y hasta brutales de la vivencia de estos niños.

Es una historia desgarradora, profundamente emotiva, que, a lo largo de más de dos horas, muestra notables performances de Brie Larson, Naomí Watts y Woody Harrelson, de más que probada solvencia. La historia de la familia Walls duele.

Carlos Pierre

 

 

EL FUTURO QUE VIENE

Guion y dirección de Constanza Novick. Con Dolores Fonzi, Pilar Gamboa, José Manuel Yazpik, Valeria Lois, Flor Dyszel, Charo Dolz Doval, Victoria Parrado, entre otros. Duración: 85 minutos.

XXXXX- LA AMISTAD A TRAVÉS DEL TIEMPO

La amistad de dos mujeres, los vaivenes de esta relación cuando viene el amor, la maternidad y el divorcio posterior, el paso del tiempo en la relación de dos amigas es el tema de esta ópera prima que acaba de ser presentada por su guionista y directora Constanza Novick en el Festival de Toronto. Novick tiene una dilatada trayectoria en el medio televisivo (El sodero de mi vida, Son amores y Soy tu fan) así como ya incursionó en el cine (Sabés nadar, de Diego Kaplan, 2002) nos muestra, después de cinco años de preparación, el viaje emocional de dos mujeres, amigas desde la niñez. Recurrió a la amistad entre Romina (Dolores Fonzi) y Flor (Pilar Gamboa), que se transforma en un hecho omnisciente: la amistad en sí misma.

Novick dividió el guion en tres partes porque “no me llevo bien con los flashbacks”, situando a las protagonistas en los tres momentos cruciales de la vida: la niñez, la adolescencia y la adultez. Es decir, construir la narración a través del tiempo. Sin duda, su experiencia en la televisión (o sea el formato de tira diaria) le permitió darle ritmo, agilidad, a su propuesta, que está bien contada y entretenida utilizando un lenguaje directo y actitudes muy espontáneas de las actrices, algo que habla de una positiva dirección actoral.

La historia muta, cambia, según los años y la concepción muy clara del universo femenino como pilar de la narración donde los varones no ocupan el primer lugar. En ese río que fluye, que es la vida misma, Dolores Fonzi y Pilar Gamboa salen a salvo por la excelencia actoral de ambas y porque, sin lugar a dudas, saben expresar sentimientos y reacciones propias de las mujeres. Para Constanza Novick esta primera ópera prima augura un futuro más que promisorio entre las nuevas directoras nacionales.

Carlos Pierre

 

 

KINGSMAN: EL CIRCULO DORADO

De Mathew Vaughn. Con Taron Egerton, Colin Firth, Julianne Moore, Mark Strong, Halle Berry, Pedro Pascal, CHanning Tatum, Jeff Bridges, Elton John, entre otros. Música de Henry Jackman y Matthew Margeson. Fotografía de George Richmond. Duración: 141 minutos.

XXXXX- PURO ENTRETENIMIENTO EFICAZ

Teniendo coproducción de Inglaterra y los Estados Unidos, esta secuela de “Kingsman” que protagoniza Colin Firth nos regala una suerte de “James Bond” aggiornado y con mucha tela para cortar. Hay acción desde el inicio en una persecución de no menos de 15 minutos que quita el aliento cuando el agente “Eggsy” (Taron Egerton) es perseguido por una organización que lo quiere aniquilar. Un coche a lo James bond le permite sortear balazos, misiles, y hasta sumergirse en el Támesis para aparecer en un lugar secreto donde está su actual mentor. El agente creador de la agencia, que sigue manteniendo la vidriera con exclusivos trajes masculinos, “Harry Hart” (Colin Firth), recibió un tiro en la cabeza al finalizar la primera película por lo que su presencia no es factible. Pero estamos en el cine y aparece en un lugar muy especial, encerrado en un cuarto a prueba de locura, y cuidado por un Channing Tatum estilo “cowboy”.

La trama es bastante atravesada, plagada de persecusiones que levantan el ánimo del espectador y alteran la pulsación, con insólitas apariciones como “Poppy”, una extravagante villana encarnada por Julianne Moore, que creó “Poppylandia”, una suerte de gusto kitsch para recrear un bar con una intimidadora máquina de picar carne gigante. Temible es Poppy. Hay toques inevitables a Quentin Tarantino y a la comedia musical “Sweenney Todd” donde lo siniestro está presente.

El film es muy extenso, casi tres horas. Sin embargo, resulta muy entretenido: las secuencias de luchas de todo tipo ocupan gran parte de la narración propuesta, donde hay una muy buena dosis de locura y hasta de incongruencia para desatar la furia de los enemigos de “Harry Hart” y “Eggsy” y sus amigos. Se puede pensar en una exageración de efectos especiales pero, aun así, resultan asombrosos y atrapantes. Es para divertirse a lo grande!

Elsa Bragato

 

 

LOS PERROS

Guion y dirección de Marcela Said. Con Antonia Zeger, Alfredo Castro, Rafael Spregelburd, Alfredo Sieveking, entre otros. Música deGregoire Auger.                                                       Duración: 100 minutos. Coproducción Chile, Francia, Argentina, Alemania y Portugal.

XXXXX- CRÍMENES QUE PESAN             

Marcela Said es una realizadora chilena de documentales que recorrieron festivales, logrando innumerables premios europeos y americanos no exentos de política. Casada con un francés, de nacionalidad francesa aunque de origen chileno, ha retratado la dictadura de Pinochet con pinceladas fuertes y precisas dejando bien en claro que es un estigma para su país de origen, donde hoy vive. También incursionó en la ficción: su primer largometraje “El verano de los peces voladores” gozó de la misma aprobación que sus trabajos anteriores.

“Los perros” es la reflexión respecto de la complicidad y la impunidad del mundo civil en la aciaga dictadura que vivió Chile. Said no se detuvo hasta entrevistar a varios militares procesados por violación a los derechos humanos, comprendiendo tal vez que fueron ejecutores de un entramado económico a fin de instaurar sus políticas por medio de la violencia más atroz.  Se implantó un sistema económico de libre mercado que benefició a la burguesía de ultraderecha, que apoyó el golpe de estado y hoy sigue sin asumir ninguna responsabilidad. Chile fue el país “piloto”. Luego la mano mortal del “tea party” del subdesarrollo se extendió a Argentina, Uruguay, Paraguay, Bolivia, entre otros países.

El mundo civil pertrechado en su riqueza es mostrado sin vueltas. La protagonista, Mariana (Antonia Zeger), pertenece a esa burguesía chilena cómplice de la dictadura. Es menospreciada por su padre, colaborador del horror, y dejada de lado por su esposo argentino (encarnado por Rafael Spregelburd). Atraída por su profesor de equitación (Alfredo Castro), un ex coronel del ejército con oscuro pasado, está signada por un pasado que no ha dejado de gravitar en el país: su padre se ha desentendido de los crímenes mientras que su profesor lucha por olvidar. El contexto es agobiante y plagado de silentes culpas. Mariana deambula desprejuiciadamente buscando un amor gracias al respaldo que le da la holgura económica de su clase. Aun así no escapa al clima sombrío de una vida con sabor amargo que la realizadora Said muestra sin retaceo. Tema fuerte y sin concesiones que la realizadora franco-chilena desarrolla con precisión, alcanzando premios en San Sebastián, Cannes, Berlín, Sundance y en el reciente Festival Internacional de Cine de Tucumán.

Carlos Pierre

 

 

LÍNEA MORTAL

De Niels Arden Oplev. Con Ellen Page, Diego Luna, James Norton, Jiersey Clemons, Kiefer Sutherland, Daniela Barbosa, entre otros. Música de Nathan Barr. Fotografía de Eric Kress. Duración: 108 minutos.

XXXXX-COQUETEO CON LA MUERTE

Remake del film estrenado en 1990, “Línea mortal” entretiene de principio a fin aunque caiga en secuencias triviales que sacan del clima tenso creado. Cuatro jóvenes médicos siguen la búsqueda del “más allá” que prueba la  doctora Courtney. A través de un suceso trágico sufrido, quiere comprobar si hay vida en el más allá, dado que pudo comprobar que el cerebro tiene reacciones aún cuando se declara la muerte de una persona. La experiencia consiste en que sus compañeros la “maten” con una substancia y a los dos minutos comiencen con las tareas de reanimación. Diego Luna en el rol de “Ray”, un médico con experiencia, forma parte de este elenco, así como Kiefer Sutherland es el profesor Barry Wolfson y James Norton el atribulado médico Jamie.

Las experiencias se llevan a cabo y uno a uno de los cinco quieren probar el gusto del “más allá” mientras graban un mapeo del cerebro. Es aquí donde la película cobra otro ritmo con efectos especiales que muestran a cada médico deambulando por sus pasados, por sus sueños, hasta que, en el momento de la resucitación, ese mundo idílico para algunos y pesadillesco para otros se congela. Las experiencias tendrán consecuencias y el realizador de “Millenium” se encarga de mostrar que el coqueteo con la muerte nunca es gratis.

Aun con altibajos por cierta liviandad, hay una primera parte muy intensa que genera auténtica perturbación. No está mal tan mal si bien no hay profundización de personajes ni de situaciones.

Elsa Bragato

 

MI MAMÁ LORA
De Martin Musarra. Con Valentina Marconi, Natalia Señorales, entre otros. Música de Yair Hilal. Duración: 80 minutos. Animacion y ficción dentro del realismo mágico.


XXXXX- BELLA HISTORIA PARA TODAS LAS EDADES
Atreverse en la época de los superefectos especiales a narrar una historia que une animación con ficción es una proeza. Más aún cuando se hace con un presupuesto acotado y, en verdad, el realismo y la magia dependen de la creatividad del realizador. Es el caso de “Mi mamá Lora”, primer largometraje de Martín Musarra quien, con pocos elementos, creó una bella fantasía.
“Juana”, interpretada por la queridble Valentina Marconi, es una niña de 11 años que desconoce el origen de la familia materna. Su abuela le lee todas las noches algún cuento de personas que se convirtieron en animales hasta que su hija, la mamá de Juanita, le pide que no lo haga más porque nadie sabe que ellos tienen el poder de convertirse en animales. El cuento del “Héctor” en verdad ha sido la realidad de todos ellos, de granjero pasó a sapo.
La escuela, los amigos, la solidaridad de Juanita, son otros condimentos de este film muy bien realizado por su ingenio, porque el guion jamás decae y porque los elementos técnicos están muy bien utilizados por Musarra: desde la fotografía, con fuerte colorido a la manera de un cuento gráfico, hasta las actuaciones. Ana se transforma en Lora en cuanto firma el acuerdo para que Juana vaya a un campamento y solo hay tres días para devolverle a la forma humana. Un hombre oscuro y los paisajes entrerrianos acompañan esta disfrutable historia que merece todo el apoyo. El realismo mágico es un género muy poco frecuentado en nuestro cine, por lo que Musarra ha superado el desafío de devolver la fantasía a la pantalla nacional, luego de que su opera prima fuese recibida con todos los honores en festivales internacionales de cine. Para chicos y grandes, “Mi mamá lora” es una bella fábula que tiene moraleja, como debe ser: la amistad, la solidaridad, el ser buena gente. Vayan a verla porque el pequeño presupuesto es lo de menos. Aquí vale la realización y el ingenio de un talentoso director.
Elsa Bragato
 

 

JUEVES 5 DE OCTUBRE DEL 2017.-

Así como la semana pasada tuvimos cine de autor, en ésta hay un gran blockbuster. Y, en medio, varias películas nacionales de diferente calibre. “Yo soy así, Tita de Buenos Aires”, de Teresa Constantini con Mercedes Funes y Dimián de Santo en los protagónicos, mereció un gran comentario de Daniel Falcone en “musicalesbaires.com.ar”-

 

“(…) Es una película muy bella  muy vigorosa que construye de manera profundamente humana un personaje mítico de nuestra historia. Una de esas películas que no hay que dejar de ver (…). Todos y cada uno de los personajes están sostenidos con actuaciones impecables”.

 

“My Little pony”, de Jayson Thiessen. Es una animación basada en los dibujos animados de la tele. Una historia para los más chicos que destaca el valor de la amistad cuando Ponyville/Equestria cae bajo la amenaza de un malvado. En la ciudad encuentran amigas y la razón de unirse. Está bien, nada más. Recordemos que es una franquicia que comenzó con muñecos humanizados hasta convertirse en serie de tevé y ahora en película.

 

“Tigre”, de Silvia Schnicer y Ulises Porra, le da el protagónico a la gran actriz Marilú Marini como “Rina, una mujer que decide regresar a la casa que abandonó en el Tigre y volver a relacionarse con su hijo. La naturaleza semisalvaje del Delta se une a la historia y la narración logra entonces singularidad. Al respecto, Noelia Giacometto dijo en “cinefiloserial.com”:

“Un drama interpersonal con un guion conciso llevado de forma elegante, en que el aire tenso debido a la falta de comunicación define cada movimiento de los protagonistas y cómo el pasado invade el presente. El regreso y la reconciliación nunca son fáciles”.

 

“Your name”, de Makoto Shinkai, es animé japonés contándonos una historia novedosa de dos jóvenes de manera brillante, con una animación que encierra toda la perfección y la inventiva de los maestros nipones. Para los adolescentes, sin falta! . EB

 

Entre los estrenos, como suele suceder siempre, hay dos películas que se ofrecen en el “off”, o sea en salas de DVD o bien fuera del circuito netamente comercial:

“Un bello sol interior”, de Claire Denis, sobre “fragmentos de un discurso amoroso” de Ronald Barthes, tiene en Juliette Binoche a la perfecta protagonista. Compone a una artista, separada, de 50 años, que busca el amor definitivo. El film se inicia con un acto sexual de “Isabelle”, personaje de Binoche, con planos de rostros, nucas, generosa fotografía que se interrumpe bruscamente. El film es esencialmente francés, tiene ese espíritu especial en el que los diálogos y la sexualidad van de la mano, con el refinamiento de Denis al recorrer las diferentes relaciones que encara su protagonista. Sobre el final, aparece Gerard Depardieu en un duelo actoral, que las cámaras utilizan sabiamente, con Juliette Binoche, actriz de enorme sensibilidad, que enamora a la cámara. Es una comedia dramática basada en la comedia romántica aunque con un estilo muy especial que supera todos los clishés. No dejar la sala hasta que la pantalla quede en negro… EB

“Los amantes indigentes”, de Pablo Olivero, se ofrece en cines especiales para DVD. Habla del amor en la calle y de la lucha por la sobrevivencia de quienes no tienen ni techo ni pueden estudiar ni tienen trabajo. Se ofrece los jueves de octubre a las 21 horas en el Centro Cultural de la Cooperación.

 

EL ORIGEN DEL TERROR EN AMITYVILLE

De Sheldon Wilson. Con Jodelle Ferland, Sunny Suljic, Pascale Hutton, entre otros. Música de Matthew Rogers. Sonido de Boyle, Cole y Fonnyadt. Efectos: Osmond, Echallier y Derchie.  Duración: 91 minutos.

https://www.youtube.com/watch?v=ac1-br7Sjd8

XXXXX- CIUDAD DEL TERROR

Amityville es una localidad cercana a New York conocida por el crimen de una familia: el 14 de noviembre de 1974, en 112 de Ocean Avenue la familia DeFeo fue asesinada por su hijo mayor quien todavía está en la cárcel. Desde entonces se la consideró una “casa embrujada”. Sin embargo, fueron a vivir allí la familia Lutz debiendo abandonarla a los pocos días por extraños hechos que ocurrían. Los antecedentes que se dan son: los indios Shinnecock llevaban allí los moribundos para dejarlos morir, y también se habla de John Catchum, “formador” de las brujas denominadas de “Salem” en el siglo XVII, quien adquirió la casa para realizar brujerías y hechizos de toda índole.

En esta nueva película, la número 16, que toma a esta ciudad y su famosa casa endiablada, la historia nos habla de la familia Anderson, cuyos cuerpos desaparecieron y, luego de 17 años, una mujer viuda, Jennie, con su pequeño hijo Adrián (el notable chiquitín Sunny Suljic), se muda requiriendo a Angela como “babysitter”. Huérfana de madre, Angela vive con su padre y quiere ayudarlo económicamente. Pero tiene malas compañías: una amiga y tres muchachotes, que quieren recuperar un paquete de drogas que escondieron en la casona y la usan como ariete para ingresar.

Si bien las películas de género rara vez pueden ofrecer algo novedoso, este film del realizador canadiense Sheldon Wilson, avezado guionista y director de temas “gore”, logra entretener y mantener la tensión durante los 91 minutos, ofreciendo algunos atajos que no permiten conocer el final, si bien en el desenlace, y como corresponde, se sabe de qué se trata. Hay matanzas terribles, secuencias de terror sobrenatural, y un final inesperado. O sea, tiene una estructura perfecta, dosificando la tensión, sin dejar que ésta decaiga nunca. Para los fans del género, un buen plato a disfrutar.

Carlos Pierre

 

DESEARÁS AL HOMBRE DE TU HERMANA

De Diego Kaplan. Con Carolina ARdohain, Juan Sorini, Mónica Antonópulos, Andrea Frigerio, Guilherme Winter, entre otros. Fotografía de Federico Cantini. Música de Iván Wyszogrod. Basada en el libro “Desearás” de Erika Halvorsen, sobre idea de Alex Kahanoff.

https://www.youtube.com/watch?v=_PvVJSIE_xg

XXXXX- ¿BIZARRA O PATÉTICA?

Incluir a “Pampita” Ardohain en un film es toda una osadía. Bella, diminuta, buena bailarina y supermodelo, la jurado de “Bailando 2017” muestra una faceta desconocida gracias a la guía del director Diego Kaplan quien quiso desnudar el alma femenina, reconociendo que “(los hombres) estamos sometidos a ellas”. Descubrir el yo femenino en una película entre bizarra y patética.

Clasificada como “trhiller y drama”, en verdad es una comedia con buenos pasajes que arrancan risas y otros no tanto, absolutamente sexuales más que eróticos. Es decir, desnudos, pasión, voyeurismo, un mix que a algunos puede gustar y a otros decididamente no. Con parlamentos de telenovelas y encuadres setentistas, muy logrados.

Dos hermanas, Ofelia (Pampita) y Lucía (Mónica Antonopulos), se reencuentran cuando la primera regresa al hogar materno a pedido de la mamá, Carmen (Andrea Frigerio, cada vez con mayor solvencia). Quiere que sus hijas se reencuentren. Lucía se casa con Juan y Ofelia viene del Amazonas con su pareja, Andrés. Ofelia encarna el erotismo puro, despertando los deseos de su cuñado. Hay un destino tragi-erótico: las hermanas desearán a un solo hombre. A partir de esta premisa, se recorre el despertar sexual femenino desde los atisbos preadolescentes hasta la madurez, teniendo en el personaje de “Pampita” al encargado de mostrar y demostrar el fuego del erotismo.

El setentismo estético y musical está logrado por Diego Kaplan. Con grandilocuencia a falta de mayores aptitudes varios actores resuelven sus secuencias mientras sobresalen el brasileño Guilherme Winter y la muy nuestra Andrea Frigerio con gran soltura para la comedia hilarante, ridícula y hasta patética. O sea hay sobreactuación, hay declamación y falta de naturalidad en muchas secuencias, pero hacen a un género que oscila entre el drama nutrido por los celos y el deseo sexual y la comedia que genera risas por la bizarría.

Elsa Bragato

 

BLADE RUNNER (BLADE RUNNER 2049) – 3D

De Denis Villeneuve. Con Ryan Gosling, Harrison Ford, Jared Leto, James Olmos, Robin Wright, Ana de Armas, Barkhad Abdi, entre otros. Música de Hans Zimmer y Benjamín Wallfisch. Fotograf{ia de Roger Deakings. Basada en el cuento”¿ Do Androids Dream of Electric Sheep?” de Philip K. Dick. Duración: 163 minutos.

https://www.youtube.com/watch?v=dZOaI_Fn5o4

XXXXX-FASCINANTE REGRESO

Hace 35 años, Ridley Scott asombraba con “Blade Runner”, protagonizada por Harrison Ford. Corría entonces el año 1992, según el cuento “ciberpunk” original de Philip K. Dick. Era ciencia ficción pura, una tierra arrasada por una guerra nuclear terminal, con lluvia ácida, la ciudad de Los Angeles hecha literalmente astillas con algunos edificios aún en pie.

En esta reedición, que cuenta con la producción de Ridley Scott, aparece un nuevo “blade runner”, Joe, o “K” , encarnado por Ryan Gosling (el carismático actor de La La Land), quien encuentra un secreto que puede cambiar el rumbo de la extraña sociedad en la que vive. Ese secreto lo lleva a emprender, contra cualquier orden de los “superiores”, la búsqueda de Rick Deckard (Harrison Ford) a quien no se ve desde hace tres décadas.

El mundo es un inmenso desierto de polvo, desolador, nublado y nieve constante, zonas de lluvia rojiza radiactiva y una humanidad a merced de androides, mezclados con los humanos. Los hologramas (incluso de Elvis Presley en sus shows en Las Vegas, tal vez lo más flojito) son réplicas de humanos, y solo a través de severos tests se los puede descubrir. El destino de Joe es desolador, cumpliendo las órdenes de su jefa de matar a los “replicantes”. Feroces peleas, violencia extrema entre “K” y sus enemigos, viajes hacia el centro de la ciudad, un ceniciento y distópico presente no apagan el deseo de vida del protagonista que ahora busca al primer “blade runner”. Harrison Ford, en su emblemático rol de “Rick, aparece sobre el final asombrando por su gallarda veteranía capaz de coreografiar mortales luchas cuerpo a cuerpo.

El  diseño de producción hace que este film sea una maravilla visual. Aun en los paisajes yermos, hay una belleza extrema, mientras que jamás la propuesta pierde su ritmo cansino, atrapante de principio a fin. Es una búsqueda de oposiciones: la distopía futurista en la que vive “K” y su sensibilidad y amor por la bella “Joi”, una mujer-holograma que no titubea en confundirse con el cuerpo de una humana para complacerlo. Esta secuencia es maravillosa desde todo punto de vista y asombra la utilización de una elegante estética.

La banda sonora es notable desde que la sala inicia la proyección. Pertenece a dos grandes músicos: el nórdico Johan Johansson y Hans Zimmer, basada en percusión “cósmica”, en sonoridades atronadoras que, en ciertos momentos, culminan en voces humanas de fondo. Asombrosa, deslumbrante, extremadamente extensa (casi tres horas), es, sin duda, uno de los grandes estrenos del año que quedará en la historia del cine.

Elsa Bragato

 

PALABRAS PENDIENTES

Documental de Andrea Schellemberg sobre los cambios en los programas educativos de los institutos militares nacionales en el 2010.

 

XXXXX- LA EDUCACIÓN FALTANTE

Andrea Schellemberg, con fuerte formación como guionista y documentalista, ingresa sus cámaras en el Instituto Militar de la Nación hace unos cinco años para ratificar la modificación de los programas educativos a partir de la inclusión en el 2008 de la materia de Derechos Humanos en la curricula. De esta manera, muestra con su cámara a los primeros alumnos que rinden examen con titubeos, a los profesores que inician el camino de democratización cultural de los cadetes de ambos sexos.

Es ella quien, además de filmar, interroga a profesores y alumnos detrás de cámara para conocer el alcance de estas nuevas enseñanzas y la recepción que tienen en el alumnado. Mientras los profesores van siendo cada vez explícitos en los juicios de valor sobre el respeto a la ciudadanía y la diferencia entre terrorismo y terrorismo de Estado, los jóvenes muestran conocimientos pero cierto temor de ser muy claros en sus opiniones, como si algún temor todavía se respirara en el ámbito castrense: de eso no se habla. Palabras pendientes de claridad, dichas a media voz. Muy buen documental antropológico.

Carlos Pierre

 

JUEVES 28 DE SETIEMBRE DEL 2017.-

Seis estrenos variados. Entre ellos, “Veredas” de Fernando Cricenti, una novedad que no tuvo difusión previa al estreno. Se trata de una comedia urbana sobre Federico y Lucía, dos jóvenes que viven diferentes experiencias límites en la ciudad.

 

ZAMA

Guion y dirección Lucrecia Martel. Con Daniel Giménez Cacho, Matheus Nachtergaele, Juan Minujín, Lola Dueñas, Rafael Spregelburd,Daniel Veronese, Vando Villamil, entre otros. Fotografía de Rui Pocas. Edición de Miguel Schverdfinger y Karen Harley. Sonido de Guido Berenblum. Música de Moisés Simón Rodríguez. Duración: 115 minutos. Coproducción Argentina-España-Francia-Méjico-Brasil-Estados Unidos-Holanda (se destaca la presencia de la productora de Pedro Almodóvar).

https://youtu.be/XZLXAnVZT3k

XXXXX- SOLO DELEITE VISUAL

“Zama” está basada en la novela de Antonio Di Benedetto de 1956, ubicada en el siglo XVIII, en las colonias españolas en nuestro continente. Es un texto de muy difícil adaptación por la índole de su protagonista quien sufre una fuerte angustia existencial, una íntima tragedia de esperanzas incumplidas unidas a la vileza del colonialismo que lo retiene en una posesión miserable.

La larga espera de una transferencia, del reencuentro con su esposa y sus hijos, lleva a Diego de Zama (Daniel Giménez Cacho), asesor letrado español, a juguetear con su libido, depositada en indias desnudas y en una pícara e inaccesible dama española interpretada por Lola Dueñas. Este prolongado esperar cansino de Diego de Zama se interrumpe cuando decide atrapar a un peligroso bandido.

La magnificencia de la técnica de Lucrecia Martel, notable por sus narraciones con carnadura y fotografías que “hablan”, no es suficiente para que todo este deleite visual no opaque la exasperante lentitud de las dos terceras partes de la película. Casi dos horas de duración transcurren con un relato parsimonioso, sin acción,  que aburre. En la última parte, Martel da un viraje y permite que su protagonista inicie una fuerte acción en busca del bandido aludido.

Con absoluta sinceridad, solo el breve desenlace le da vida a una muy difícil representación del alma o bien del espíritu agónico de Diego de Zama. Toda esa emoción o ese “pathos” de Zama no surgen como tales siendo escondidas por el deleite visual mientras que las secuencias quedan sin remate. Si bien esto último es parte de la estética profunda de Lucrecia Martel, la corrección superlativa de lo estrictamente visual queda en eso.

A esto se le añade un anacronismo musical que pudo ser buscado por la realizadora pero que, a fin de cuentas, desluce la propuesta: Zama añora a su esposa “Marta”. Y, como leit-motiv, se escucha la versión instrumental de la canción “Martha, capullito de rosa” que, en el siglo XX, compusiera el cubano Moisés Simón para su pequeña hija. El descuido del rubro musical es constante en el cine nacional, se utilizan soundtracks que, muchas veces, no son empáticos con la historia y que, en alguna medida, resultan insólitos como en este caso.

A “Zama”, presentada fuera de competencia en el último festival de Venecia, le espera una difícil misión: subyugar al público que se deleitará con la detallada y estupenda fotografía pero que deberá superar la parsimoniosa narrativa durante 90 minutos. La trasposición de la literatura al cine requiere, como en el caso de esta novela cuyo planteo es la vida en sí misma a partir de un personaje, un trabajo que no caiga solamente en el deleite estético sino en las peculiaridades íntimas que tiene el protagonista, es decir, menos visualidad y más compromiso con la acción. La lentitud no nos asegura el descubrimiento del alma de don Diego de Zama

Carlos Pierre

 

MADRE!

De Darren Aronofsky. Con Javier Bardem, Jennifer Lawrence, Michelle Pfeiffer, Ed Harris, entre otros. Fotografía de Matthew Libatique. Música de Johann Johannsson. Duración: 120 minutos.

https://youtu.be/IzaTpeqyDRc

XXXXX- TERROR DENSO Y OSCURO

Darren Aronofsky es el director de un film muy inquietante titulado “Requiem para un sueño” y de la psicológica “El cisne negro”. No es un realizador que se ande con chiquitas. Cada película suya nos sumerge en narraciones retorcidas, perturbadoras, y provocativas desde todo punto de vista. Madre! Es una de ellas dentro del terror denso y oscuro. En este caso, la pareja protagonica y sus coequipers son de lujo: Jennifer Lawrence (su actual pareja), Javier Bardem, Michelle Pfeiffer y el reaparecido Ed Harris (uno de los grandes olvidados por la Academia de Hollywood a la hora de los Oscars).

La historia se basa en una pareja (Lawerence y Bardem)  que, en principio, lleva una vida normal, él es poeta, ella reconstruye el hogar. Hasta que aparece una pareja extraña (Pfeiffer y Harris) y otros personajes que alteran el aparente paraíso en el que viven. A tal punto que Aronofsky puede jugar como le gusta: thriller, terror psicológico. Bardem parece a gusto, Lawrence vive una pesadilla. Se vio claramente en “El cisne negro” esta apetencia del realizador por indagar en la psiquis de sus personajes y buscarles un entramado sobrenatural.

Ni los sustos ni las actitudes de sus protagonistas son simples. Del paraíso se pasa al caos, a la anarquía. En “Requiem para un sueño” Aronofsky jugó a sus anchas con el anticonvencionalismo. Es que, además de la ruptura con lo clásicodel género, Aronofsky se permite llevar al límite la conducta de sus personajes, a los que no les da nombres propios: Lawrence es “Mother!” mientras que Bardem es “Him”, Pfeiffer es “Woman” y Harris es “Man”. La relación con simbologías varias (religiosas, ecológicas, psicológicas). “Him”-Bardem estremece por su frialdad, mientras que “Mother!” es el símil de Natalie Portman en “El cisne negro”. Se destaca la notable actuación de Jennifer Lawrence, seguida con cámara en mano, centro del mundo caótico que Aronofsky descubre.

Complicada, pretenciosa, tiene un remate un tanto convencional. Para Aronofsky, una de las posibles interpretaciones está en el Génesis bíblico: el día seis, cuando Dios crea al hombre y la mujer. Todo dicho. El resto corre por cuenta de la paciencia del espectador porque los sustos aquí son diferentes y aterrorizan desde un lugar diferente.

Elsa Bragato

 

ADIÓS QUERIDO PEP

Guión y dirección de Karina Zarfino. Con Florencia Raggi, Claudia Cantero, Facundo Arana, Juan Palomino, Marian Bermejo. Música de Carlos Libedinsky. Duración: 90 minutos.

https://youtu.be/uua2EwoBi04

XXXXX-BUEN INTENTO

Karina Zarfino es una escritora y cineasta uruguaya que vive en Buenos Aires, con extensa trayectoria autoral. “Adiós querido Pep” es su primer largometraje, basado en su guion que ganó el Premio Ópera Prima del INCAA en el 2014. Vivió 15 años en Barcelona, experiencia que volcó en esta ficción: tres protagonistas se conocieron en Barcelona y se reencuentran en Buenos Aires durante el velatorio del marido de una de ellas, el querido Pep.

Durante esa noche aparecerán viejos fantasmas del pasado, una suerte de parábola de la vida y la muerte, que las movilizará entre las pérdidas y la esperanzas, teñidas de llanto, desesperación y la incomprensión, que se materializa en dos protagonistas: Facundo Arana y Juan Palomino. Es necesario destacar la contundencia interpretativa de Palomino así como la solvencia alcanzada por Raggi.

Karina Zarfino recurre a sus muchos conocimientos sobre el budismo y el chamanismo colocando al difunto Pep sobre una manta en el suelo, rodeado de rezos y un ritual poco conocido. Zarfino explica que intenta despertar el interés por la muerte, en este caso, para que se la considere desde otro punto de vista. Por eso entrecruza vida y muerte: la vida de las tres amigas que continuará aunque Pep haya fallecido.

El film se estanca peligrosamente en ese ámbito, se enclaustra, con escenas del velatorio muy rígidas y frías. Los protagonistas resultan hieráticos y los parlamentos, previsibles y acartonados sin que esto melle en la actuación en sí misma de Raggi y Palomino de manera especial. En este hieratismo, en esta falta de mayor expresividad, está el gran escollo de la película. De alguna manera, es poco razonable porque Zarfino tiene muchos quilates como autora de libros sobre estos temas. En este caso, la muerte es el punto de partida de la vida misma. No es poca transgresión.

Carlos Pierre

 

LA ESTAFA DE LOS LOGAN

Dirección, edición y fotografía de Steven Soderbergh. Con Channing Tatum, Adam Driver, Farrah Mackenzie, Daniel Craig, Katie Holmes, Hilary Swank, entre otros. Guion de Rebecca Blunt. Música de David Holmes. Duración: 118 minutos.

https://youtu.be/m6CpPI7oKWo

XXXXX- PILLERÍAS CON MARCA EN EL ORILLO

Steven Soderbergh regresó al cine luego de afirmar que dejaba todo. Su mano diestra para entretener con inteligencia queda demostrada una vez más en “La estafa de los Logan” donde aborda el caso de tres hermanos que se embarcan en un gran robo. Recordemos que Soderbergh es autor de la trilogía “Ocean’s” por lo que los vericuetos de este género policial y humorístico los conoce muy bien.

Su actor fetiche es Channing Tatum como Jimmy Logan, lo despiden del trabajo y no puede ver como quisiera a su pequeña hija por decisión de su ex mujer (Katie Holmes). Es un perdedor nato pero quiere dar el gran salto: convoca a su hermano Clyde (Adam Driver), ex combatiente en Irak, y no deja de lado a Mellie, su otro hermano (Ricky Keough), para hacer el gran robo del Charlotte Motor Speedway de Carolina del Norte. Pero solo no pueden: hay que convocar al ladrón experto en explosiones y en voladuras de bóvedas de los bancos. Se trata de Joe Band (David Craig), que está encarcelado.

Aunque hay esquemas que resuenan a “Ocean’s”, la película es muy entretenida, tiene un lenguaje procaz por momentos, y los personajes son perfectos, caen a medida de cada protagonista. Channy Tatum ha logrado una solidez actoral enorme: pasó de ser el chico lindo de cuerpo fornido a ser un buen actor de comedia. Recordemos su “Magic Mike”, también de Soderbergh.

Un dato casi anecdótico: la guionista Rebeca Blunt es una ilustre desconocida que irrumpe en este film de Steven Soderbergh, quien defiende “la no exposición” de la misma porque “no le gusta la prensa”. Para muchos, es otro de los tantos seudónimos de Steven Soderbergh.

En síntesis: narración dinámica, inteligente, buena banda sonora y música country, que asegura el entretenimiento sin que nos descubra nada, salvo cómo construir una buena historia conociendo todos las licencias cinematográficas de la comedia y el policial. Más que recomendable.

Elsa Bragato

 

NINJAGO, ANIMACIÓN, 3D

De Charlie Bean, Paul Fisher y Bob Logan. Con Jackie Cha, Dave Franco, Kaan Gulgur, Michael Peña, Alex Kauffman, Ali Wong, entre otros. Música de Mark Mothersbaugh. Duración: 101 minutos.

 

XXXXX-ACCIÓN DESMESURADA

“Ninjago” tiene un principio y fin ficcionado: Jackie Chan vive en una tienda inmensa con muchos adornos y juguetes orientales. Entra un niño, Kaan Guldur, que se enamora de un muñeco y Jackie comienza a contarle la historia de ese diminuto personaje.

Surge entonces la animación con los tradicionales muñecos Lego, creados en 1932 por el danés Ole Kirk Kristiansen (Lego significa, en danés, “jugar bien”). El pequeño Lloyd es despertado por su padre, el malvado Garmadon, quien lo tiene olvidado. Quiere su ayuda para dominar la ciudad de Ninjago, que alcanzó la paz y el bienestar luego de la última lucha.

Repentinamente se inicia una serie de persecuciones, juegos, con mucho color, de los habitantes de Ninjago: resulta muy confuso desde el punto de vista narrativo, aunque los más chicos disfruten de los dragones volando, entre otros seres y objetos. La narración pierde su rumbo durante un buen rato hasta que se centra en el avance de Garmadon y el enfrentamiento con su hijo Lloyd quien es el “Green Verde” y sigue las instrucciones del maestro “Wu” junto a otros amiguitos.

La lucha es a todo o nada, hasta que en algún momento el malvado Garmanon se da cuenta del tiempo perdido sin su hijo Lloyd.

Confusamente alegre, desmesurada en su acción inicial, “Ninjago” es un producto para los más chicos que se embelesarán con los personajes y la animación, compleja y excelente a la vez. De todas maneras, aunque sea en 3D que aligera muchos inconvenientes de postproducción, algo le falta para ser un producto redondo.

Elsa Bragato

 

JUEVES 21 DE SETIEMBRE DEL 2017.-

Ocho estrenos llegan a las pantallas de cine de todo el país. Entre ellos,

LA NOVIA DEL DESIERTO

Guión y dirección de  Cecilia Atán y Valeria Pivato. Con Paulina García y Claudio Rissi.

“Una delicada historia de amor en la vejez )…). Traza un dibujo variado de la sociedad argentina sin acudir a clich{es de conflicto de clases”, de Lee Marshall, Screendaily.

 

CROL

Documental de Verónica Schneck sobre los nadadores de río.

https://youtu.be/Tnj_c9tjlFI

XXXXX- HÉROES DE LOS RÍOS

Verónica Schneck escribió una obra de teatro que fue representada en algunas ciudades del interior. A partir de ella, se lanzó a este documental en el que rinde homenaje a los nadadores de río, a las mujeres en forma especial, a sus triunfos y sus esfuerzos. En alguna medida, Schneck va hacia el pasado para recuperar la figura de insignes nadadores de río, siempre opacados por los de mar o aguas abiertas. Surgen las figuras de Pedro Candioti, apodado “El Tiburón de Quillá”, Teresa Plans que fue discípula de Candioti y apodada “la Sirenita”, así como la estupenda Lilian Harrison, la primera en cruzar el Río de la Plata. Candioti fue en os 20 y 30 del siglo XX un fuera de serie, campeón mundial de natación en aguas abiertas. Hizo escuela al fundar el Club Náutico de Quillá. Así como el 21 de diciembre de 1923 una mujer alcanzaba un record: Lilian Harrison, de familia británica, cruzaba el Río de la Plata, entre otros “héroes del agua”. Es decir, de todos estos nombres y datos se nutre Verónica Schneck para rescatar nombres importantísimos de la historia del deporte nacional. Perfeccionista, Schneck incluye música, esa misma que tuvo que ver con las hazañas de cada nadador o nadadora. Y un particular por qué en sus respectivas batallas acuáticas.

El título Crol nos indica una manera de nadar, y Verónica Schneck hace hincapié en el paso del “over” al “crol”, dos estilos. Interesante, diferente documental, con buena base de investigación.

Elsa Bragato

 

BORG-MCENROE

De Janus Metz. Con Sverrir Gudnason, Shia Labeouf, Stellan Skarsgard y Tuva. Fotografía de Niels Thastum. Música de Vladislav Delay. Duración: 100 minutos. Coproducción Finlancia, Suecia y Dinamarca.

https://youtu.be/GLfxx7aHNLQ

XXXXX-EL PARTIDO QUE HIZO HISTORIA

El final del torneo de tenis Wimbledon 1980, que se produjo el 5 de julio de ese año, es considerado uno de los más furiosos enfrentamientos entre dos grandes de aquella década: el sueco Bjon Borg, que apuntaba a ganar el quinto Wimbledon para batir todos los récords, y el norteamericano John McEnroe. Primero y segundo lugar respectivamente en la tabla mundial. Borg era la experiencia y McEnroe, la furia adolescente, desparpajo y maleducado.

Si pensamos que solo vamos a ver un grandioso partido de tenis nos equivocamos. La película de Metz, que hace foco en Bjon Born, revela el entorno de los dos grandes tenistas: Born, a cargo de Sverrir Gudnason, y McEnroe, encarnado por Shia Labeouf, tenían fuera del tenis, una cotidianeidad diferente, personal, única. Así como la relación con los entrenadores y los traumas familiares. Borg fue imbatible, frío y dispuesto a todo a fin de superar numerosos problemas personales, y McEnroe, un chico desembarazado de timidez.

En este tipo de relatos, donde el centro es hecho deportivo, el desarrollo de personajes suele ser poco profundo. En esto, la narración del sueco Metz comete la torpeza de remarcar las características de Born y dejar un poco de lado la de McEnroe. No obstante, transformar un partido de tenis inolvidable a nivel mundial en un hecho narrativo con cierta investigación en las personalidades de los rivales es valioso, especialmente cuando se atiene a la verdad de cada uno de ellos. Se deja ver.

Elsa Bragato

 

IT (ESO)

De Andrés Muschietti. Basada en la novela ‘IT’’ de Stephen King. Guion de Chase Palmer, Cary Fukunaga y Gary Dauberman. Con Bill Skarsgard, Jaeden Lieberher, Sophia Lillis, Richie Tozier, Jack Dylan Grazer, Wyatt Oleff, Jeremy Ray Taylor, Nicholas Hamilton, Jackson Robert Scott, entre otros. Música de Benjamín . Duración: 135 minutos.

https://youtu.be/2CP1rjNRaJE

XXXXX- TERROR DEL BUENO

El realizador argentino Andrés Muschietti afrontó la titánica novela IT (ESO), de Stephen King, escrita en l986, calificada por la crítica internacional como una de las mejores adaptaciones de una obra del mencionado autor. Y, cuando una película se basa en una obra literaria, no hay que darle vueltas al asunto: el cine puede o no reflejar a pie juntillas lo literario. Lo que interesa es cómo el realizador toma personajes y ambientes para serle fiel al espíritu del autor literario, cómo le da carnadura en la pantalla grande.

Muschietti nos ofrece un film de terror sobrenatural con el payaso bailarín Pennywise y su “relación” con la inocencia de siete preadolescentes, Además de la dirección actoral superlativa, la fotografía de Chung-hoon Chung es excepcional mientras que la banda sonora recayó en el avezado compositor Benjamin Wallfisch.

El acrobático Bill Skarsgard compone al payaso del globo rojo, el eterno y sobrenatural Pennywise; Jaeden Lieberher es Bill, el líder del club de los Perdedores; Finn Wolfhard es Richie, su mejor amigo con gafas; Sophia Lillis es la única mujer miembro del equipo; Jackson Robert Scott es Georgie, el hermanito de Bill, de 7 años, y el primero de la cadena de desaparecidos. Finalmente, Nicholas Hamilton es Henry, el joven psicópata que lidera a los Bowers Gang, banda de matones de la escuela secundaria que aterroriza al club de los Perdedores.

Aún con las licencias cinematográficas de rigor, apuntadas en párrafo anterior, “It” logra trasuntar el espíritu de perversión y terror propuesto por Stephen King, jugando con los opuestos: la ingenuidad de los chicos y la sanguinaria vocación del maldito clown. Quién puede con quién… Emoción, suspenso, hay secuencias realmente impresionantes que solo el cine actual puede construir. Filmada en el sur de Ontario y en Riverdale, el marco fotográfico y la narración en sí misma se fusionan para dar una versión notable de una obra literaria por lo que es, sin duda, el tanque de la semana.

Carlos Pierre

 

RETIRO VOLUNTARIO

Guion y dirección de Lucas Figueroa. Con Imanol Arias, Darío Grandinetti, Miguel Ángel Solá, Luis Luque, Paula Cancio, Valeria Alonso, Jorge D’Elía, Juan Grandinetti, entre otros. Música de Federico Jusid. Duración: 90 minutos.

https://youtu.be/h3fDt_WOYWc

XXxxx. PRETENSIÓN FALLIDA

“Retiro voluntario” es un intento de comedia social que tiene un elenco de nivel (Imanol Arias, Darío Grandinetti, Miguel Ángel Sola, Paula Cancio), pero no logra salvarse del naufragio porque su guion, base de la narración, es inverosímil.

Lucas Figueroa, argentino radicado en España, vino a filmar esta producción española. Sin duda trajo una energía desbordante, pero no alcanzó porque su propio guion tiene tamaña pretensión que no consigue llevar al cine. Con un reducido bagaje de chistes de argentinos y gallegos, frases hechas, tuerce la pintura social argentina donde hay mezcla de nacionalidades, intereses extranjeros, despidos compulsivos. Figueroa se queda en el merodeo de una buena comedia al no poder remontar lo caricaturesco. Porque entre comicidad y caricatura el abismo es grande.

Javier (Imanol Arias), español expatriado en Buenos Aires, es directivo de una empresa de telecomunicaciones. Habrá despidos, será una semana importante, crucial, agravada con la aparición de un excéntrico personaje, (Darío Grandinetti) quien lo tendrá en ascuas con una estudiada artimaña. Para Javier, el “infierno” está cerca. Como si fuera poco, el presidente de la compañía (Jorge D’Elía) y el encargado de finanzas (Miguel Angel Solá) le tornan insoportable la idea de “retiro voluntario”. Ni su novia lo respeta (la bella Paula Cancio) y el ordenanza (Luis Luque), excéntrico y verborrágico, parece tener los hilos para manejar a Javier. Es decir, Javier es tomado “de punto”. Y lo que pudo ser una comedia reidera, solo se salva y a medias por algunas de las actuaciones mientras la narración desbarranca de a poco hacia un final poco plausible. Ni llega a ser comedia porque cae en la caricatura ni tampoco se transforma en critica de los empresarios como parecía ser.

Carlos Pierre

 

ALANIS

De Anahí Berneri. Guion de Javier Van de Couter y Anahí Berneri. Con Sofía Gala Castiglione, Dante Della Paolera, Dana Basso, Silvina Sabater, Carlos Vuletich, Santiago Pedrero, entre otros. Música de Nahuel Berneri. Duración: 82 minutos.

https://youtu.be/IdpfI-AfjTg

XXXxx- CIUDAD QUE DUELE

Anahí Berneri debutó como directora con ‘Un año sin amor’ (2005) con buena acogida en Berlín, New York y Los Ángeles, y continuó esa línea de reconocimientos con tres películas más hasta llegar a este retrato realista e íntimo de la vida de una prostituta joven, Alanis (Sofía Castiglione), luchadora infatigable en una Buenos Aires multirracial, marginal e inmigrante. Solo tres días bastan para que Alanis muestre sus desventuras, guiada por la mano experta y certera de Berneri.

Alanis llega a Buenos Aires con su pequeño hijo, Dante (Dante Della Paolera, hijo en la vida real de Sofía Castiglione) desde Río Negro, huyendo de su familia y de los fantasmas que se crean en los pueblos acerca de la vida de una mujer, madre soltera. En un “privado” céntrico que comparte con su amiga Gisela (Dana Basso), Alanis atiende a sus clientes. Pero dos inspectores municipales clausuran el departamento. A Gisela la llevan detenida, acusada de “trata”, y Alanis queda en la calles con su hijo a cuestas. Una tía, Andrea (Silvina Sabater), la aloja en su local de modas, frente a Plaza Miserere.

Para Alanis, la vida como prostituta no es fácil, debe pelear clientes con las dominicanas. Los golpes de la vida y la marginalidad creciente la arrastran a un pozo inevitable, certero. Aquí se unen dos solventes profesionales: la directora Berneri, y la estupenda Sofía Gala Castiglione, dueña de fuerte carisma, suelta, convincente, adueñándose de la cámara junto a su pequeño hijo en la vida real. Sofía es única para los roles fuertes y desenfadados. Y ese don natural se trasunta en este personaje tan exigente.

Por su parte, Anahí Berneri logra una ambientación fantástica del barrio de Once, creíble. Y le agrega la dosis de la prostitución encubierta o no tanto, de la pobreza y la marginalidad que duele. Un muy buen film nacional para quien quiera ver un guion comprometido con una realidad insoslayable. Buenos Aires también es cuna del dolor social.

Carlos Pierre

 

VIENTO SALVAJE

Escrita y dirigida por Taylor Sheridan. Con Jeremy Renner, Elizabeth Olsen, Gil Birmingham, Jon Bernthal, Julia Jones, Kelsey Asbille, James Jordan, entre otros. Música de Nick Cave y Warren Ellis. Cinematografia de Ben Richardson. Duración :111 minutos.

https://youtu.be/rOVuo-z9oPg

XXXXX-EL REVERSO DEL SUEÑO AMERICANO

Taylor Sheridan es un escritor británico quien ha analizado la temática de la frontera americana moderna, desde ser el guionista de Sicario hasta Sin nada que perder. Llega con “Viento salvaje” a culminar una trilogía donde desnuda sin cortapisas la realidad de los marginados en los Estados Unidos, en este caso, dentro de una reserva indígena. Western y thriller, impactante, amargo y pasional al mismo tiempo, retrata brutalmente el abandono de esa reserva por una administración que no la tiene en cuenta. El alcohol y las drogas ahogan a los jóvenes, mientras sus mujeres son asesinadas con alarmante frecuencia. Allí se vive sin códigos, fuera de toda ética y contemplación piadosa.

La región es inhóspita, las nevadas son agobiantes. La monotonía de la marginalidad se interrumpe cuando una joven es encontrada muerta, congelada, al parecer escapando de alguien o algo. La novata agente del FBI que encarna Elizabeth Olsen ubica al cazador local de depredadores (Jeremy Renner) para que encuentre al asesino. El drama personal de “Cory Lambert” (Renner) por la muerte de su hija en las mismas circunstancias acicatea el alma y la furia interior del cazador. Las huellas de sangre en la nieve (una fotografía que siempre impresiona y muy shakespeariana a la vez) son diez millas agónicas que debe enfrentar.

En este contexto, el realizador Sheridan se torna filoso, apuntala el amargor de la búsqueda apoyado en el entorno fantasmagórico que le brinda Wyoming con su paisaje de impacto visual y emocional. La banda sonora de Cave y Ellis es densa, acuciante, lleva el paso del protagonista, cauteloso pero con violencia interior profunda. Es el reverso del sueño americano, lo que no se muestra o no se quiere ver, la marginación de millones abandonas a su propia suerte en medio de una naturaleza hostil e impiadosa. Como rasgo distintivo de que no es la América soñada, Sheridan llega a mostrar una bandera boca abajo.

Un gran acierto del cineasta es la planificación de la narración: utiliza flashback para mostrar el drama sufrió el  cazador, pero insertándolo como una secuencia más, sin otro recurso visual. a modo explicativo de lo sucedido ese día fatídico del asesinato de la hija del cazador. No hay recursos visuales. Narración pura con que Taylor Sheridan cierra una trilogía conmovedora, real y dolorosa sobre lo que no se ve detrás del sueño americano. Es una película para ver, insoslayable.

Carlos Pierre

 

BEATA IGNORANZA

De Massimiliano Bruno. Con Marco Giallini, Alessandro Gasmann, Valeria Bilello, Teresa Romagnoli, entre otros. Fotografóa de Alessadro Pesci. Duraci{on: 1’2 minutos. Italia.

https://youtu.be/9D3opOCMmXI

XXXXX- PATERNIDAD VS. TECNOLOGÍA

Comediante, Massimiliano Bruno reúne a una pareja exitosa para la dupla protaginica: Marco Giallini y Alessandro Gassman (hijo del notable Vittorio Gassman). Dos profesores de secundaria que alguna vez compartieron un mismo amor: el de Margharita. Uno se cas{o con ella, el otro desconoce que el hijo que esperaba la bella rubia era suyo.

En base a esta situación se construye una comedia que interpola roles y tecnología para desnudar la relación que los une (la hija “Nina”, que espera un bebé de un amor de un ex novio). Enfrentamientos, peleas muy a la italiana, uno es profesor de italiano  y literatura y el otro de matemáticas, surgen los chistes elementales, el hablar directamente a cámara, y algunas secuencias que se pudieron evitar como la de una representación teatral que no aporta nada y, en cambio estira una historia que, cuanto más breve, hubiese sido mejor.

“Beata ignoranza”, tal como indica el título en italiano, es esa “santa ignorancia” de la que se jactan quienes no utilizan ni celulares ni computadoras y mucho menos redes sociales, hasta que en la escuela donde ambos se desempeñan se establece el “chat” de profesores con padres y “soluciones que se encuentran en Google”.

La simpatía “tana” está pero con un guion muy endeble sostenido por los dos buenos protagonistas, Marco Giallini como “Ernesto” y Alessandro Gassman como “Filippo”. El futuro nieto “de ambos” es, en realidad, el quid de la historia aunque el realizador Bruno lo evade hasta bien entrada la historia bifurcándolo entre la tecnología de la que uno es adicto y el otro la odia y la paternidad de Nina. No está mal pero es un humor demasiado doméstico. Sin embargo, las películas de género, las comedias italianas tienen sus fans.

Elsa Bragato

 

JUEVES 14 DE SETIEMBRE DEL 2017.-

Seis estrenos de los que destacamos las nacionales “Una especie de familia” de Diego Lerman y “Temporada de caza”, de Natalia Garagiola.

 

LOCOS POR LAS NUECES 2

De Cul Brunker. Es la secuela de Surley, la ardilla que quiere vivir en paz con sus congéneres. Hay una interesante moraleja sobre la corrupción política, la ambición desmedida y la situación de los migrantes. No es una gran animación a nivel técnico pero sí entretenida.

 

DURO DE CUIDAR

De Patrick Hughes. Con Ryan Reynods, Samuel L. Jackson, Gary Oldman, Salma Hayek, entre otros. Música de Arli Orvarsson. Edición de Jake Roberts. Duración: 118 minutos.

https://youtu.be/wVinoLXOdHk

XXXXX- ENTRETENIMIENTO ALOCADO

La dupla Ryan Reynolds (Deadpool) y Samuel L. Jackson, unida a la excelencia de Gary Oldman, hacen olvidar las flaquezas del guion. Patrick Hughes apuesta a la exageración histriónica, al estereotipo propio del animado, y a la química de actores que saben de taquito cómo moverse ante cámaras.

Rodada en Bulgaria, si bien se asienta en Amsterdam (hay secuencias reales de esta ciudad), “Duro de cuidar” es una experiencia para el entretenimiento y nada más. Salma Hayek reaparece en la pantalla, siempre en roles acordes a su limitada capacidad actoral (con excepción de Frida, film que produjo y protagonizó), como bella esposa de un sicario encarcelado (Samuel L. Jackson).

Ryan Reynolds es un agente de seguridad privada que cae en desgracia y deberá elegir nuevas amistades para sobrevivir, quid de la trama. Y Oldman, ese magnífíco Beethoven de “Amada inmortal”, compone a un dictador europeo que hace de las suyas y debe ser aniquilado.

Hay mucho entretenimiento, química actoral, sin que esto signifique que estamos frente a un guion fantástico ni a una película diferente. Buenas coreografías de luchas, mucha adrenalina, enfrentamientos apocalípticos, rellenan una trama que fue concebida para entretener. Y, desde ese punto de vista, lo logra. Absurda, reidera, exagerada, sangrienta, “Duro de cuidar” conforma una película a la que, salvo las actuaciones, no hay mucho más para destacar.

Elsa Bragato

 

ASESINO: MISIÓN VENGANZA

De Michael Cuesta. Con Dylan O’Brien, Michael Keaton, Taylor Kitsch, entre otros. Fotografía de Enrique Chediak. Música de Steven Price. Duración: 111 minutos.

https://youtu.be/DfWtKZJ_tH0

XXXXX-DEJÁ VÚ CONVENCIONAL

“Mitch Rapp” es el personaje creado por el novelista norteamericano Vincent Flynn a lo largo de 16 libros. El film de Michael Cuesta comienza con la novela considerada el origen de “Mitch Rapp” como agente antiterrorismo encarnado por el gran actor Michael Keaton, aportando una dosis de cinismo indispensable para este rol. “Rapp” debe investigar y desarticular la acción terrorista de un grupo que quiere provocar una guerra en Medio Oriente. Cualquier coincidencia con la realidad es… pura coincidencia.

Es un thriller que intenta ser intenso y creíble pero que se aletarga en secuencias poco verosímiles o con dejos de los 90, superadas por la agilidad narrativa del siglo XXI.

La literatura muy valorada de Vincent Flynn tiene densidad en los roles que, en el traspaso de la literatura al guion cinematográfico, ha perdido. Se salva por momentos gracias a la actuación del Keaton por su generosa gestualidad y solvencia. De todas maneras, hay una realización pulcra con una buena dirección actoral. La narración peca de cierto “dejá vu” en su desarrollo alejándose del tono impuesto por Flynn a su personaje y sus historias.

Pero… es un atractivo producto como entretenimiento por algunos impactos interesantes. Desde el punto de vista cinematográfico (trama, desarrollo de personajes), pensando en la producción novelística de Flynn, el inicio de la saga es un hecho.

Carlos Pierre

 

 

UN NOVIO PARA MI BODA

Guion y dirección Rama Burshtein. Con Dafi Alferon, Noa Kooler, Ronny Merhavi, entre otros. Música de Roy Edri. Duración: 110 minutos. Israel.

https://youtu.be/ybT9mYV99lY

XXXXX- COMEDIA ROMÁNTICA CONVENCIONAL

El cine israelí tiene una rica producción, basada en hechos singulares, pequeños, bien desarrollados en todos sus aspectos narrativos. Es el caso de “Un novio para mi boda” donde se cuenta la historia de “Michal”, personaje a cargo de la estupenda actriz Noa Kooler, de 32 años, judía ortodoxa, a quien su novio deja plantada poco antes de la boda. Michal no se desanima y sigue adelante con los preparativos del casamiento teniendo fe en que va a encontrar al novio dentro de los 30 días que tiene.

Es aquí donde reside el mayor interés de la trama por las situaciones que vive Michal, quien reconoce no ser una mujer común por sus hábitos pero sigue adelante: un marido debe haber para ella también aún con el desacuerdo de su madre. Michal quiere ser una mujer más, no un “bicho raro” para su sociedad, quiere casarte, tener un hogar y sentirse querida. Lucha obviamente con estereotipos sociales muy fuertes. En este sentido, la directora Burshtein le quita espontaneidad al guion al enmarcarlo dentro de la ortodoxia religiosa. Aunque hay puntos en común con situaciones socioreligiosas de cualquier otra sociedad.

Las vicisitudes de la protagonista son altisonantes y cómicas, matizada por la buena música y por los celulares, infaltables en los argumentos de los últimos 10 años jugando aquí un papel muy importante. Se reconocen secuencias un tanto insólitas pero la comedia romántica fluye de manera convencional, aceptable, agradable. Para pasarla bien aún con idas y venidas argumentales.

Elsa Bragato

 

 

TEMPORADA DE CAZA

De Natalia Garagiola. Con Germán Palacios, Lautaro Bettoni, Boy Olmi, Rita Pauls. Cinematografía de Fernando Lockett. Música de Juan Tobal. Duración: 115 minutos.

https://youtu.be/D9JeZagxCEc

XXXXX- EXCELENTE DEBUT

Natalia Garagiola debuta con este largometraje y una historia de violencia intrafamiliar profunda, gestual y genuina. “Nahuel” (Lautaro Bettoni) no vive cómodo en la casa materna junto al nuevo marido de su madre (Rita Pauls y Boy Olmi). Tiene los arranques propios de la adolescencia: encerrarse, sentir bronca, falta de cariño. Y decide volver con su padre (Germán Palacios), a quien no ve desde hace una década, quien vive en el sur. Allí formó una familia numerosa. Ni padre ni hijo se conocen en la convivencia, salvo tener un afecto inconsciente por el rol de ambos en la vida.

Garagiola, que acaba de ganar el premio de la Crítica en la Mostra de Venecia, enfoca la narración en esa relación dura y de un cariño no revelado entre padre e hijo, dentro de un entorno vasto y salvaje como el de la Patagonia, bello y perturbador con sus bosques y sus montañas. El padre es guía de cazador, Nahuel sigue forzadamente esos pasos, pero se permite vivir las exigencias de su edad, grafittis, la urgencia sexual, la droga como inocente juego. Hay un contraste marcado entre la amplitud del lugar y el íntimo conflicto de reconocimiento mutuo que los protagonistas viven.

Los planos secuencias así como los close-up, incluyendo algunas escenas de violencia explosiva, hablan de una mano más que hábil para narrar historias pequeñas, las que existen en la realidad, con claridad, precisión y sin altisonancia visual. Recordemos que Germán Palacios pertenece a un grupo de actores de comienzos de los 90 marcados por la contracción a la profesión, el estudio y la ausencia de mediatización. Esta actitud de vida redunda en beneficio del film donde Palacios asume un rol de complejidad temperamental mientras que el joven actor Lautaro Bettoni enfrenta un protagónico difícil que resuelve con idoneidad y frescura. Intenso drama, es cierto, pero de lo mejor de nuestro cine actual.

Elsa Bragato

 

 

UNA ESPECIE DE FAMILIA

De Diego Lerman. Con Bárbara Lennie, Daniel Aráoz, Claudio Tocachir, Yanina Avila, Paula Cohen. Dirección de Arte: Marcos Pedroso. Música de José Villalobos. Duración: 95 minutos.

https://youtu.be/iRv8b4fdpcg

XXXXX- FUERTE IMPACTO EMOCIONAL

Las historias pequeñas como “El niño de la bicicleta”, de los hermanos Dardenne, tienen fuerte impacto emocional, de crudeza vital, que las convierte en cercanas a los sentimientos de cada uno de nosotros. Y quedan como pequeñas grandes obras sobre la cotidianeidad social y personal.

Es lo que ocurre con “Una especie de familia” que narra la búsqueda de un niño en adopción ilegal de una médica separada de 38 años. Se vincula con un hospital de Misiones, su contacto es el doctor Costas (Daniel Aráoz) quien conoce a una paciente que está embarazada y debe dar en adopción a su hijo por razones económicas.

El conflicto es esencialmente femenino: la necesidad de ser madre y el caer en el tráfico de personas como única forma de concretar el sueño del hijo. No cuenta con su marido, de quien está separada, pero quien, sin embargo, acudirá a darle una mano. La situación se complica, hay intereses, hay codicia de alguna de las partes, y tiene una resolución que, si bien no convence totalmente, no hace mella en la construcción narrativa.

Hay escenas desgarradoras, de desesperación, que Bárbara Lennie compone bastante bien, quizá sea la más floja del elenco. Daniel Aráoz es convincente y sólido en el rol de un médico acostumbrado a estos delictivos menesteres. El film de Lerman es muy crudo, no va con vueltas, muestra la pobreza y la desesperanza de quienes venden sus hijos para comer, la falta de políticas sociales, las mafias organizadas alrededor de la parturienta, las extorsiones a las “madres compradoras” de bebés, la débil vigilancia de las autoridades, las injusticias del sistema policial y judicial. Pinceladas de dolor muy bien realizadas por Lerman que perturban, conmueven y que no necesitan dar una respuesta directa: está en el espectador sentir el dolor de dos mujeres que se entregan el hijo mutuamente (“es tuyo”, “no, es suyo”). Tremenda realidad muy bien reflejada por Diego Lerman. Seguramente, será una de las mejores películas argentinas del año.

Elsa Bragato

 

JUEVES 7 DE SETIEMBRE DEL 2017.-

Varios estrenos, más que de costumbre, llegan a las salas de cine del país, entre ellos, documentales de variadas temáticas, interesantes todas. Los dos estrenos fundamentales son la nacional “Los que aman, odian” y la norteamericana “Atómica”.

“TANGO EN PARÍS, RECUERDOS DE ASTOR PIAZZOLLA”

De Rodrigo Vila,  fue estrenado ya en la Televisión Pública, tuvo alguna otra exhibición gratuita y llega ahora a las salas comerciales. En base a películas caseras, y videos rescatados del olvido, se reconstruye la larga estada de Astor Piazzolla en París, su amistad con un arquitecto mendocino radicado allá, y con los artistas argentinos que se exilaron como Mercedes Sosa, Jairo, Atahualpa Yupanqui, entre otros. Asados, reuniones de amigos, nos devuelven el rostro más cordial y personal del gran maestro. Para ver. EB

 

“ACTRIZ”

De Fabián Fattone, una suerte de unipersonal a cargo de la excelente actriz Analía Couceyro. El realizador retrata con mano sólida el trabajo de una actriz desde su rol en una obra de teatro hasta todas las vivencias que tiene en y fuera de escena. Hay una extrema minuciosidad en el tratamiento narrativo que, por momentos, hace decaer el interés. No obstante, los recursos de Fattone son varios por lo que, aún con lo señalado, es un documental interesante. EB

 

“DHAULAGIRI, ASCENSO A LA MONTAÑA BLANCA”

De Guillermo Glass y C. Harbaruk. Glass formó parte de un grupo de cuatro argentinos que, hace varios años, decidieron escalar el macizo montañoso del Himalaya que da nombre al documental. Es una experiencia personal fuerte, que sensibiliza al espectador. No solo está la vívida presencia de la cadena de montañas más alta del mundo sino las vivencias de cada uno de los montañistas. Resulta atrapante. EB

 

“PALABRAS PENDIENTES”

De Andrea Schellemberg. La realizadora regresa a su temática sobre los derechos humanos. En este caso, centra el interés narrativo en el Liceo Militar de la Nación donde, desde el 2008, hay un cambio en los curricula relativo a los Derechos Humanos. Este paseo didáctico descubre, pone sobre el tapete, la forma de instrucción de una entidad que no suele ser observada, mucho menos por los “ojos” de una cámara. Interesante. EB

 

“SLIPKNOY: DAY OF THE GUSANO”

Documental de Mr. Shawn Craham, integrante de la banda Slipknot, oriunda de Iowa, Estados Unidos, considerada una de las más importantes dentro del género del heavy metal y del rock satánico. El músico reconstruye con videos de la época la primera gira de Slipknot a México. Máscaras, furiosas guitarras y percusión, hacen del documental un plato exquisito para sus fans. Es decir, está dirigido a un público muy específico. Agregamos que “gusano” es la traducción semiliteral de “maggost”, que significa “larva de mosca”. Así llaman los Slipknoy a sus seguidores. EB

 

“LOS QUE AMAN, ODIAN”

Guion y dirección Alejandro Maci. Con Guillermo Francella, Luisana Lopilato, Marilú Marini, Juan Minujín, Justina Bustos, Carlos Portaluppi, Mario Alarcón, Gonzalo Urtizberea, entre otros. Música de Nicolás Sorín.        Duración: 101 minutos.

https://youtu.be/7MZehQRtC_8

XXXXX-AMORÍOS QUE NO CONVENCEN

Este policial dirigido por Alejandro Maci está basado en la novela homónima de Silvina Ocampo y Adolfo Bioy Casares, escrita por el matrimonio, que convivió durante 6 años, en 1946. Después del éxito de ‘La invención de Morel’, de Bioy Casares, ejemplo de novela fantástica, el escritor no se alejó de su gusto por el policial, lo “noir”, y este texto base del guion es un buen reflejo de esta tendencia literaria que compartió con su entonces esposa. Ambos congeniaron con habilidad sus ideas sobre asesinatos, suicidios, sospechosos, interrogatorios, veladas culpas, y esa seguidilla de situaciones que hacen al género.

Hay aspectos muy rescatables del film, empezando por el guion que tiene la solidez de la novela como base. Luego el acertado casting y los rutilantes nombres del elenco son una apoyatura fundamental, así como la recreación de la década del 40 es otro gran logro. Hay un gran esfuerzo de producción que redunda en una narración muy atractiva, incluyendo también las locaciones elegidas. Hablamos del excelente casting y hay que ser muy justos: los coprotagonistas son convincentes al punto de opacar a los tres protagonistas, Guillermo Francella, Luisana Lopilato y Marilú Marini. En este sentido, tanto Carlos Portaluppi, Mario Alarcón, Juan Minujín, Justina Bustos, como Gonzalo Urtizberea, inclinan la balanza favorablemente hacia ellos. El rol de mujer difícil y díscola, dueña de un exacerbado erotismo, no es el mejor para Lopilato, encasillada en papeles de muy diferente factura. Si bien en esto reside el trabajo actoral, Luisana Lopilato no logra convencer (tengamos en cuenta la suspensión de la filmación por la enfermedad de su hijo menor y la mella que este hecho pudo hacer en la actriz). Francella también tiene la desventaja de estar emparentado con otro tipo de roles, si bien tiene elogiables antecedentes como “El clan” o “El secreto de sus ojos”. La unión Francella-Lopilato intentó quebrar la relación de actor y actriz en comedias televisivas, con una suerte incierta. Para algunos espectadores, funcionan el deseo y el amor. Para muchos, no hay suficiente química.

El policial está ambientado en Ostende, en la costa atlántica, lugar plagado de luces y sombras, el mar a pleno, cangrejales que horrorizan, y una naturaleza salvaje que se une a la descarriada seducción que ejerce “Mary” (Luisana Lopilato) sobre su amante, bastante mayor, “Enrique Hubermann” (Guillermo Francella), médico homeópata, a quien reencuentra en ese lugar, en la casa de su prima (Marilú Marini está a cargo del lugar). Es allí donde deviene tanto el deseo indomable hasta la muerte más inesperada. Y es allí donde empieza a desenredarse la trama policial, intrigante, que exacerba y mantiene el interés. Es inevitable recordar a Agatha Christie quien, con relatos muy simples, sin regodeos literarios, hacía vivir historias de crímenes insuperables hasta hoy. Culpas, sospechas, el erotismo incipiente de un niño que queda involucrado en la investigación, van generando una urdimbre atrapante. Es decir, el género policial tiene todos sus clishés bien construidos, bien filmados, provocando interés a veces deslucido por una débil dirección actoral en los protagonistas. Cierta teatralidad, o falta de espontaneidad, hace trastabillar la impronta del amante maduro con la jovencita seductora y la prima dueña de casa.

Ciertamente, la base de la novela permite, en definitiva, la recreación de un policial sólido, convincente en su estructura, en su realización, con pilares fundamentales en los coprotagonistas. Destacando estos aspectos, es justo decir también que tanto Francella como Lopilato no lograron quitarse de encima el rol de padre e hija de “Casados con hijos”, están en el inconsciente colectivo y, obviamente, esto les juega en contra. La gran Marilú Marini peca de cierta dureza interpretativa, aun siendo dueña de enorme expresividad. Finalmente, es un buen producto, esforzado, prolijito.

Carlos Pierre

 

 

“ATÓMICA”

De David Leitch. Con Charlize Theron, James McAvoy, Eddie Marsan, John Goodman, Toby Jones, entre otros. Fotografía de Jonathan Sela. Música de Tyler Bates. Edición de Elisabet Ronaldsdóttir. Diseño de David Scheunemann. Duración: 115 minutos.

https://youtu.be/PhS-QNOpx0k

XXXXX- ESPIONAJE SALVAJE

Para comprender el género de esta película, como de algunas similares, hay que adentrarse en los gustos literarios de fines del siglo XIX, aquellas “dime novels” baratitas, las de 10 centavos, para adultos, que devinieron en las “pulp” o ediciones rústicas, un tanto más elaboradas en sus estructuras, donde se mezclaban todos los géneros, desde la intriga del policial hasta los intereses y vicios de los adultos, sexualidad brutal, erotismo exacerbado. En estas “ficciones de explotación”, clasificación poco informada pero frecuentada en la mayoría de los films de ultraacción como “Atómica”, todo es posible. Hay más acción que palabra, más golpe que caricia, más sexo que romanticismo, más intriga que claridad narrativa. Todo es un gran mix. Porque de eso se trata.

Charlize Theron, la notable actriz de “Monster”, asombró con su performance en “Mad Max: furia en el camino”, donde encarnó a una despiadada líder femenina de gran conocimiento en artes marciales y crueldad con el enemigo. En este caso, encarna a una espía del M16, Lorraine Broughton, que debe viajar en 1989, en el momento de la caída del muro, para desentrañar la muerte de un colega que llevaba consigo la lista de todos los espías que trabajaban en esa ciudad. La tarea es más que difícil por lo que el director David Leitch, ex doble de riesgo, conocedor avezado de coreografías “mortales” y puñetazos cinematográficos, echó mano a un lenguaje visual descomunal teniendo en Theron a una mujer entrenada y de gran fortaleza. Hay frialdad, muy a lo cómic, hay sangre a lo “Kill bill”, Theron recibe trompadas que revientan su bello rostro pero el respiro viene cuando es ella quien asesta patadas y balazos que aniquilan a sus enemigos visibles.

La base del guion es la novela “The coldest city”, del contemporáneo Anthony Johnston, destacado y premiado autor de cómics, videojuegos, y relatos de textura sangrienta, empaquetados en una frialdad pasmosa. Llevar esto a la pantalla es el gran logro de  David Leitch, sin apartarse de los cánones literarios de Johnston. Las secuencias de violencia no tienen fin, sobresaltan, y la fotografía con virajes al azul potencia el clima de intriga salvaje propuesta. Es, en verdad, un ejemplo de policial impiadoso con una gran actuación de Charlize Theron, en un rol donde vale más lo físico y lo gestual que la modulación vocal. Para saltar del asiento, aún siendo más de lo mismo. Previsible pero perturbadora de principio a fin.

Elsa Bragato

 

“EL BOSCO, EL JARDÍN DE LOS SUEÑOS”

https://youtu.be/fULb-rE60L8

De José Luis López Linares. Guion de Cristina Otero. Duración: 85 minutos. España-Francia.

XXXXX-ENIGMAS QUE SUBSISTEN

Generoso enigma dejó el pintor holandés del siglo XV Hieronymus Bosch, El Bosco, denostado en su época, a quien apodaban ‘el fabricante de diablos’, pero admirado por el rey de España Felipe II, poseedor de treinta y seis de sus obras, de las cuales se conservan tan solo unas cuarenta. Fue valorado  recién en el período moderno. Se lo conoce también como miembro de la Hermandad de Nuestra Señora, una tradición cristiana practicada por su familia ya que tanto su abuelo como su padre habían ingresado a ella.

Tratar de interpretar cabalmente la cosmovisión del tríptico El Jardín de las Delicias resulta menesteroso porque el pintor plasmó, a partir de su religiosidad y su cosmovisión, el universo humano, sus virtudes y sus pecados, utilizando una paleta de sugerentes pasiones.

Poco se sabe de El Bosco, ni siquiera se tiene su verdadero rostro. Pero sí se conoce su influencia en sus pares por su imaginería, su ilusión espacial, conocedor de lo religioso y lo satánico, precursor lejano del surrealismo (las figuras “derretidas” recuerdan a Salvador Dalí”).

En este tríptico, el lateral izquierdo representa el paraíso, el lateral derecho al infierno, y el central es el universo humano circundado por múltiples animales, plantas, cielo y agua.

Plasmar en la pantalla este estupendo cuadro es un logro más que gratificante para el realizador madrileño José Luis López Linares porque es didáctico al desentrañar figuras que el notable pintor escamoteó hábilmente de la primera vista del espectador. ¿Dónde está Jesús, dónde está el Diablo? El Bosco hace una síntesis del mundo en el que vivía, ni siquiera la música queda fuera, resumiendo en una obra maestra las ciencias y las artes de entonces. No obstante, quedan muchas preguntas por responder, quedando al espectador un interesante acicate para continuar con la investigación.

Para López Linares, es el documental número doce desde aquel Asaltar los Cielos, de 1997. “El jardín…” lo filmó en el Museo del Prado, donde están la mayoría de las obras de El Bosco, teniendo el aporte y comentarios de historiadores de arte, escritores, poetas, músicos, y filósofos. Hay que ver este documental, es un aporte generoso al conocimiento de un artista que ha sido y es inspirador. La imaginería del siglo XV resumió, en especial El Bosco y su obra, la cosmogónica obra del Dante Alighieri, La Divina Commedia, donde sintetizó todas las artes y ciencias del siglo XIII. No deje de ver este documental.

Carlos Pierre

 

“QTH”

De Alex Tossenberger. Con Osqui Guzmán, Gonzalo López Jatib, Juan Manuel Barrera, Jorge Sesán. Música de Mauricio Annunziata. Duración: 94 minutos.

XXXXX-MALVINAS, DOLOR QUE VUELVE

En la Guerra de Malvinas, en l982, no todas las tropas estuvieron en las propias islas sino que hubo contingentes, pequeños, en territorio continental, por lo que se les llamó Teatro de Operaciones del Atlántico Sur (TOAS). Es el caso de esta historia, pequeña pero significativa, ubicada en el Canal de Beagle, Tierra del Fuego, donde un grupo formado por un suboficial (Osqui Guzmán) y un cabo (Jorge Sesán) ya instalados para controlar el canal reciben a dos marineros jóvenes e inexpertos, Ramón y Pablo, uno proveniente de Capital y otro de Tucumán.

QTH, título de este film de Alex Tossenberger, es la contraseña, en terminología militar, que deben dar los buques que pasarán por el canal y que permitirá detectarlos en un radar. Sin embargo, la supuesta sofisticación no es tal, el radar es una catramina que a duras penas funciona y los cuatro militares apenas tienen víveres para subsistir. Al propio infierno de la guerra se agrega el maltrato del suboficial a los dos jóvenes que él llama despectivamente “marineros”. El rol está a cargo de Osqui Guzmán, un actor más que reconocido pero que, en este caso, tiene un exceso de histrionismo quedando fuera del “physique du rol”. Si hay que “echar la culpa” a alguien, ésta recae en la dirección actoral.

Alex Tossenberger es un afamado documentalista, a quien se le debe, entre otros logros, “Gigantes de Valdés”, así que el paisaje patagónico no le es extraño. Lo retrató puntillosamente en toda su inmensidad y belleza en locaciones de Ushuaia, Almanza, y en la aún salvaje naturaleza de toda Tierra del Fuego. Sin embargo, a algunos problemas en el desarrollo de los personajes se le agrega la sucesión de escenas hilvanadas por corte, sin fundido, un recurso que siempre ayuda a dar coherencia al relato y carnadura a los personajes. Aún con estos comentarios, la Guerra de Malvinas debe ser tema recurrente en nuestra cinematografía, en el teatro, en la televisión, en todos los medios. Es una herida que duele y mucho. Pero, si se nos permite, hay que afinar la puntería en personajes e historias para no caer en “algo parecido” a la guerra por guiones fragmentarios que no recogen el auténtico significado de la confrontación bélica o bien no logran, aún en hechos pequeños que sí existieron, retratar la verdadera historia de los seudos triunfalismos y el sufrimiento de los soldados.

Carlos Pierre

 

“UN HOMBRE LLAMADO OVE”

Guion y dirección de Hannes Holm sobre una novela de Fredrik Backman. Con Rolf Lassgard, Bahar Pars, Filip Berg, Ida Engvoli, entre otros. Música de Gaute Storaas. Duración: 116 minutos.

XXXXX- ENTRAÑABLE COMEDIA

El realizador sueco Hannes Holm llega a nuestros cines con “Un hombre llamado Ove”, luego de la exitosa “Los Andersson en la nieve”. Con este guión, basado en la novela homónima de Fredrik Backman, un bestseller, pega un salto cualitativo en estructura, género y narración. No en vano obtuvo numerosos premios y estuvo entre las cinco películas finalistas para el Oscar a film extranjero de este año, logrando incluso galardones sus protagonistas.

Esta comedia dramática, entrañable, gira en torno de Ove (Rolf Lassgard), un cascarrabias y solitario sesentón resentido con el comportamiento urbano de las nuevas generaciones. Es muy estructurado y no le resulta fácil sino todo lo contrario disculpar las faltas o fallas ajenas. Viudo desde hace dos años, va al cementerio todos los días llevando a su esposa un pequeño ramo de flores. Es a ella a quien le cuenta sus berrinches con los vecinos, sus pesares diarios. Hasta que un buen día tiene nuevos vecinos: Parvaneh (Bahar Pars), una joven iraní, embarazada, madre de dos niñas, casada con un joven poco emprendedor. La furia de Ove es mayúscula hasta que ocurren hechos conmovedores, pequeños y cotidianos, que quiebran su espíritu hermético. Es donde el film alcanza gran altura emotiva y donde reside su mayor fortaleza narrativa, fundamentada en la performance superlativa de Lassgard y en la joven actriz Bahar Bars, un dúo que se complementa generando una emotiva empatía.

Nada quedó descuidado en esta producción: el guion y las actuaciones tienen el complemento de la fotografía, la música, la edición, elementos todos aglutinantes, así como el planteo narrativo que tiene numerosos flashbacks, en los que juega un papel preponderante el make-up.

Ternura, humor, el pasado, las tristezas que pesan, el presente y el futuro en los niños, el fluir de la vida que es incesante, todo está retratado con profundidad, humor y excelencia en esta película de Hannes Holm. Nos compra el alma con la emoción que trasuntan sus personajes.

Carlos Pierre

 

JUEVES 31 DE AGOSTO DEL 2017.-

Siete estrenos comerciales llegan a las pantallas de cine, con un adelanto de dos capítulos en un megacine fuera de esta ciudad de la serie “Inhumans” que se estrena en setiembre por televisión. Entre los estrenos están:

 

OZZY: RÁPIDO Y PELUDO

Animación de España y Canadá. De Alberto Rodríguez.

“Producto peculiarmente aséptico (…) Es para muy niños pero la peripecia tiene toques demasiado siniestros para ellos, mientras que el espectador adulto ejercde aquí de mero acompañante aburrido (…)”, de Antonio Weinrichter, Diario ABC.

 

LA MAESTRA

De Han Hrebejk, Eslovaquia. Basada en hechos reales. Ganadora de varios premios internacionales.

“Aunque algo lento al principio, este finalmente mordaz drama (…) acumula energía y profundidad a medida que avanza por una tensa reunión de padres y profesores, marcada por unos oportunos flashbacks”, de Boyd Van Hoeij, The Hollywood Reporter.

 

DOS SON FAMILIA

Guion y dirección Hugo Gélin. Con Omar Sy, Clémence Poésy, Gloria Colston, Antoine Bertrand, Karl Farrer, Anna Cottis, entre otros. Música de Rob Simonsen. Duración: 115 minutos.

https://youtu.be/4kU2uqrDf1w

XXXXX – UN PAPÁ EN APUROS

El realizador Hugo Gélin, nieto del legendario actor Daniel Gélin, se atreve a una remake de “No se aceptan devoluciones” (2013), la película mexicana más exitosa de la historia para muchos críticos internacionales. Con gran acierto, eligió al actor Omar Sy como protagonista, dueño de un carisma y plasticidad superlativos.

El título en francés es “Demain tout commence” respondiendo perfectamente a la intención del guion lleno de voluntad ante los infortunios. Samuel (Omar Sy) vive sin responsabilidades en una atractiva playa del sur de Francia. Es empleado de una disco. Maneja el local alocadamente, es un seductor, un hombre de color alto y apuesto que atrae a las rubias francesas. Un día aparece una mujer que fuera amante suya con una niña en brazos, igual a él, llamada Gloria. Con una treta se escapa en un taxi dejándole el “regalo”.

Samuel se empeña en devolver a la niña y encontrar a la madre prófuga. Intención frustrada en el torbellino de París. Un productor gay lo aloja en su casa y lo introduce en comerciales como “doble de riesgo”, actividad que le sienta bien y le permite criar a Gloria.

Film vertiginoso como la natural adrenalina de Samuel, siempre dinámico y elástico (Omar Sy es perfecto para el rol). Entre otros aciertos narrativos surge una suerte de remolino de escenas, París, Londres, los juegos y el entorno de la pequeña Gloria, ultramodernos y vistosos. Un detalle de ritmo y continuidad: el paso de casi ocho años dura lo que un suspiro, en segundos se ve el cambio físico de la niña desde cuando se le cae el primer diente hasta el inicio del colegio.

Lo mejor del film ocurre cuando reaparece la mamá, otorgándole a la comedia buen ritmo y entretenimiento, sobresaliendo además la música incidental de Rob Simonsen, explosiva y alegre. Para disfrutar.

Carlos Pierre

 

OJALÁ VIVAS TIEMPOS INTERESANTES

Guion y dirección de Santiago Van Dam. Con Ezequiel Tronconi, Emilia Attias, Mario Alarcón, Julián Calvino, Benjamín Rojas, Giselle Motta, entre otros. Duración: 110 minutos. Música de Daniel Soruco.

https://youtu.be/O6OT1jbLCk8

XXXXX- TIEMPOS QUE NO LLEGAN

El título de esta ópera prima de Santiago Van Dam alude a un adagio chino que dice “Ojalá vivas tiempos interesantes”, palabras que sugieren con énfasis un golpe de timón en nuestra rutina. Es el caso del protagonista, Marcos (Ezequiel Tronconi), un exitoso autor de libros infantiles, y a instancias de su amigo Walter, decide escribir una novela sobre su propia vida.

Marcos tiene ambiciones desmedidas a punto de estallar. Sin pareja y con  falta de interacción social vive aislado y empobrecido en todos los aspectos. Su entrada de dinero es la venta (y su propio consumo) de droga cultivada dentro de su departamento.

Para escribir la novela exitosa debe diagramar una serie de ítems con la obligación de cumplirlos al pie de la letra, en medio de su ruinoso estado personal y económico.

Santiago Van Dam aportó su bagaje profesional de diseñador de imagen y sonido, guionista de comerciales y documentales, trabajos que le sirven de indudable apoyo para este primer largometraje, con un resultado relativo.

Es que, si bien se vuelca a la comedia negra, le falta cierto ritmo y fuerza en la narración que, por momentos, se torna discursiva y convencional, por lo que la premisa de “vivir tiempos interesantes” queda muy lejos del protagonista. La morosidad salta en las secuencias largas, demasiado explicativas, que alargan a casi dos horas una idea que, con menos extensión, habría resultado concisa y con ritmo. Se rescata la presentación de los personajes secundarios que “Marcos” empieza a reconocer y a darles importancia, es decir, el contexto tiene valor propio. Personajes erráticos, extraños pero, al mismo tiempo, con buen desarrollo que permiten sobrellevar la densidad narrativa carente de solidez en varios momentos. No obstante, es un buen salto profesional para Santiago Van Dam quien se apoya en los personajes para concretar la propuesta del guion. Buena y oportuna decisión.

Carlos Pierre

 

NO TE OLVIDES DE MÍ

Guión y dirección de Fernanda Ramondo. Con Leonardo Sbaraglia, Cumelén Sanz, Santiago Saranite, entre otros. Música de Blas Alberti. Duración: 88 minutos.

XXXXX- SILENCIOS QUE HABLAN

Esta ópera prima de la guionista y realizadora Fernanda Ramonda, de vasta trayectoria, es el premio a la resistencia que debe esgrimir el cine independiente, de una larga lista de postergaciones; pero ganó la voluntad de que esta historia de sus abuelos inmigrantes, que conocieron la distancia y el olvido, se materializara en esta “road movie” de época, ubicada en el sur de la provincia de Buenos Aires.

Este raid de tres personas en tres días, en un verano de 1930, sitúa al inmigrante italiano, anarquista y ladrón de gallinas, Mateo (Leonardo Sbaraglia), acaba de salir de la cárcel y recorre la llanura pampeana con un viejo furgón cargado de gallinas y desalientos varios. Busca a Rey, su perdido gallo de riña. Casualmente se topa con Aurelia (Cumelén Sanz), hermana mayor de Carmelo (Santiago Saranite), quienes están buscando a su padre en medio del paisaje desolado de las Salinas. Los tres personajes entonces inician este peregrinaje de encuentros y desencuentros. Miedos de unos y otros, silencios marcados, miradas profundas, el trío empieza a andar por caminos polvorientos. Poco a poco van amoldándose unos y otros, aceptándose como almas en pena, desoladas, tanto como el paisaje que recorren.

Leonardo Sbaraglia compone al anarquista italiano inmigrante con excelente solvencia actoral, creíble. Cumelén Sanz aporta su bello y atrapante rostro, enmarcado en un sugestivo silencio, mientras que el niño Santiago Saranite emociona. La fotografía y la cámara de Lucio Bonelli van también de la mano de los personajes y de la lasitud del viaje, destacándose el paraje de las Salinas. Sin gran presupuesto, pocos personajes, mucho esfuerzo, y una buena idea plasmada con eficacia narrativa, Fernanda Ramondo logra un film consistente y emotivo, apelando a los cánones de las roadmovies, que siempre inician un viaje interior: ni los personajes ni los espectadores serán los mismos al final de la proyección.

Carlos Pierre

 

ANNABELLE 2: LA CREACIÓN

De David F. Sandberg. Con Stephanie Sigman, Talitha Bateman, Lulu Wilson, Grace Fulton, Javier Botet, entre otros. Fotografía de Maxime Alexandre. Música de Benjamín Wallfisch. Duración: 109 minutos.

XXXXX – MUÑECA QUE SE LAS TRAE

Es la cuarta película de esta serie sobre aquella muñeca que fabricara la marca Raggedy Ann en 1915. Su creador fue Johnny Gruelle y se dio a conocer en una saga literaria a partir de 1918 con notable éxito hasta llegar al cine. Hoy en día la muñeca maldita se encuentra en una vitrina de vidrio en el Museo que dejaran los parapsicólogos Ed y Lorraine Warren, en Connecticut, Estados Unidos.

En esta nueva producción, la historia se sitúa en 1958 en la casa de Samuel Mullins, fabricante de la muñeca monstruosa y su esposa, quienes sufrieran la trágica pérdida de su pequeña hija en 1946. Doce años después, avejentados y abatidos, deciden abrir la casa para albergar a una monja con seis niñas que vienen de un orfanato clausurado. Piensan que la casa recobrará la alegría y calidez que tenía en vida de la hijita fallecida. No tienen en cuenta que las almas, al parecer, merodean cerca de sus viviendas y de que las muñecas pueden ser el nuevo “cuerpo”. El fabricante creo a la muñeca “Annabelle” que aparecerá justo en el momento en el que el guion parece hacer agua.

Si buscamos algo novedoso, no lo encontraremos. Sí, en cambio, se nota una mano eficiente en la postproducción del sonido y en la edición de las secuencias que provocan sustos genuinos, especialmente para quienes gustan saltar de las butacas. A cada niña le llegará su “muñecazo”, y esta espera, que se vislumbra, es uno de los motivadores del suspenso que maneja certeramente el sueco Sandberg. No hay mucho más. Sin embargo, es suficiente para atraer a los fans de los films paranormales e irse a casa con el alma aterrada. Precuela o spin-off de El Conjuro… Es lo mismo.

Elsa Bragato

 

LA MIRADA DEL COLIBRÍ

Documental de Pablo Leónidas Nisenson. Guión del mismo Nisenson y Viviana Suárez. Fotografía de Diego Poleri, Javier de Silvio y Sepe Zayas. Música de Adriana Isabel Figueroa Mañas.

 

XXXXX – ALERTA VERDE

Pablo Leónidas Nisenson encontró un personaje quijotesco sobre el que armó este interesante documental: un alerta verde sobre el agua potable de esta zona, sobre la razón de tantas inundaciones, sobre la destrucción de ecosistemas que nos rodean y que podrían salvar el futuro de esta ciudad y su entorno: Francisco Javier de Amorrortu tiene 75 años y vive en “El campito”, ubicado en el Pilar, un lugar pacífico, arbolado, donde los colibríes viven a sus anchas y el ecosistema trata de mantenerse aún con algún estertor.

A lo largo del documental, Amorrortu demuestra cómo se están destruyendo los humedales del río Luján al hacer mega emprendimientos como barrios cerrados en el Tigre, en Pilar, en Escobar y Campana, especialmente. Los humedales son ecosistemas híbridos entre acuáticos y terrestres, y son verdaderos patrimonios de la Humanidad aunque aún les falte esta clasificación. En el país hay 172.000 km2 y en la zona de Luján hay, según Amorrortu, reglamentos que prohíben la perforación de la tierra tan solo 10 cm, y estos emprendimientos van hasta las franjas puelches, acuíferos fundamentales de agua dulce para la vida humana. O sea que perforan no menos de 30 metros.

Junto a su hijo y sus nietos, el quijotesco Amorrortu cuenta, con lenguaje complejo, las duras implicancias que trae la complicidad de autoridades y de la Justicia para que constructores hagan lo que quieran, haya desaparecido por tanto mirar al costado el Arroyo Comevacas, como otros afluentes de la zona del Tigre. Luján y sus terribles inundaciones son una de las consecuencias de la codicia de los empresarios. Amorrortu hizo denuncias y la respuesta de la jueza Arrojo Salgado de San Isidro fue clausurar el emprendimiento Venice Ciudad Navegale y el Remeros Beach. Para ver, para que las escuelas lo tengan como material ineludible.

Elsa Bragato

 

JUEVES 24 DE AGOSTO DEL 2017.-

Pocos estrenos con dos atractivos títulos con críticas dispares “Valerian y la ciudad de los mil planetas” y “La torre oscura”, semi blockbusters, de los que ya hablaremos. Se agregan:

AGROECOLOGÍA EN CUBA

Documental de Juan Lepore y Nicolás Vancaloen, sobre la agricultura ecológica y los agroquímicos en ese país. Es más un informe televisivo que un documental en sí mismo pero tiene el valor del aporte de elementos para la cultura social.

 

LA AMANTE

Un acontecimiento cinematográfico es recibir un film tunecino, ganador de dos premios en el último Festival de Berlín, realización de Mohamed Ben Attia.  Lleva la firma de los hermanos Dardenne en la producción, por lo que hay un plus de calidad asegurado.

“Con su lenguaje en perpetuo presente (…) Hedi corre el riesgo de parecer una película ya vista y casi preprogramada. Resultaría injusto pasar por alto los pequeños detalles que la singularizan”. De Jordi Cosa, El País.

“Ben Attia consigue una ópera prima tan ajustada a razones como perfectamente ejecutada”. De Luis Martínez, Diario El Mundo.

VALERIAN Y LA CIUDAD DE LOS MIL PLANETAS

De Luc Besson. El director francés estuvo en el país explicando por qué realizó este film tras más de 7 años de replanteos y pre producción. En líneas generales, la crítica internacional no lo ha recibido como una gran obra cinematográfica sino como una explosión de efectos visuales, de sobrecargado esteticismo, y poca substancia. Algo similar a lo que sucedió con “Avatar”, de James Cameron. Agregamos que la película está basada en los cómics belga-franceses “Valerian”, de P. Christin y J:C Mezieres. Ubica la historia en el siglo XXVIII, un mundo interrelacionado en tiempo y espacio con capital en Galaxity. En síntesis, especial para adolescentes con excelente banda sonora.

“Los Razzie ya no necesitan esperar a final de año para determinar su ganador de 2017 (…) y los ejecutivos de los estudios de Hollywood respirarán tranquilos pues, esta vez, podrán escapar de la vergüenza de haber producido un gran blockbuster veraniego que nadie quiere ver: viene de Francia”. De Todd McCarthy. The Hollywood Reporter.

 

MARIO ON TOUR

Guion y dirección Pablo Stigliani. Con Mike Amigorena, Iair Said, Rafael Spregelburd, Leonora Balcarce, Roman Almaraz, entre otros. Sonido de Bernardo Francese. Fotografía de Javier Guevara. Montaje de Sebastián Polze. Duración 105 minutos.    

             

XXXXX- PEQUEÑA GRAN HISTORIA

El segundo largometraje de Pablo Stigliani comparte la estructura de “Bolishopping”, su opera prima, con todas las virtudes y defectos de una historia pequeña, de neto corte independiente pero bien contada. Muy a su favor está la calidez del relato que llega rápidamente al espectador. Hablábamos de la estructura: en este caso es el transitado “road movie” como columna vertebral de la historia, además de shows.

Con tres protagonistas y dos secundarios, se arma una trama conflictiva y simpática. Mike Amigorena es un cantante frustrado, Damián “El oso” (Iair Said) es su amigo y manager y Luis (Román Almaraz), su hijo -con quien quiere restablecer el vínculo-, retenido por su ex esposa (Leonora Balcarce), casada con Rodi (Rafael Spregelburd), padrastro de Luis.

Una situación familiar deja a Mario momentáneamente solo con su hijo y su mánager justo cuando surge una minigira por la provincia de Buenos Aires. Para Mario es una buena oportunidad, hacer shows, especialmente “covers” de Sandro en fiestas privadas. Aquí Mike Amigorena muestra otra de sus virtudes artísticas al cantar él los temas. Rasgo que hay que valorar.

La anécdota es pequeña, como decíamos al comienzo, y emotiva: esta travesía familiar es el desafío emocional de un padre para recuperar a su hijo quien lo rechaza. En las hilvanadas escenas del recorrido y de las actuaciones de Mario, su hijo se replantea actitudes y pensamientos sobre Mario. ¿Es el padrastro mejor papá que este hombre que lucha por su cariño?

Mike Amigorena se aparta de los roles que le conocemos, logra el medio tono, humano y tierno, al componer a Mario que persevera en recuperar a su hijo mientras que Román Almaraz se revela como una promesa actoral por su juventud y Iair Said se acomoda artísticamente para conformar este trío de caminantes que van desde Punta Indio hasta Santa Teresita. La fotografía de Javier Guevara es un excelente aporte a la trama de Pablo Stigliani con solisombras otoñales, o, al menos, fuera de la temporada veraniega, que ayudan a la revinculación padre-hijo.

Sin duda, estamos frente a otra buena producción nacional, querible por la nobleza de los sentimientos expuestos y por un guion que enhebra emociones más que situaciones. Es uno de esos casos en los que la idea planteada queda subsumida por la interpretación, con la acertada dirección actoral que no presiona sino que ayuda a la expresividad máxima de lo que no se puede fotografiar: el alma.  Aunque pequeña, valiosa historia.

Carlos Pierre

 

 

LA TORRE OSCURA

De Nikolaj Arcel. Con Idris Elba, Matthew McConaughey, Tom Taylor, Abbey Lee, entre otros. Música de Junkie XL. Fotografía de Rasmus Videbaek. Duración: 95 minutos.

XXXXX – OSCURIDAD NARRATIVA

La saga “La torre oscura” de Stephen King consiste en ocho libros donde la libre asociación de mundos, en base a una conjunción de ideas provenientes de J.R.R. Tolkien, la leyenda del Rey Arturo, cowboys, y de películas de Clint Eastwood –dicho esto por el autor-, conviven en una extraña mezcla al punto de ser irracional. En esta primera película se presenta a un niño, Jake, quien, al morir su padre, tiene extrañas pesadillas que luego dibuja: una torre, mundos virtuales, un hombre de negro. Su conducta es oscilante por lo que su padrastro desea enviarlo a un internado. Pero Jake descubre que allí están los “captores” de mentes jóvenes a las que utilizan para destruir la tierra lo antes posible. Persecución por los techos, una madre sometida al nuevo marido, y estos seres “de cara cortada” se entrelazan en secuencias anodinas.

Brooklyn y alguna casa abandonada, vaya uno a saber si existe o bien es pura computación, le permiten a Jake escapar del intento de captura e ingresar a la “tierra media” (directa al corazón de Tolkien) donde se encuentra con “Roland”, pistolero que se resiste a ”dejar de respirar” y enfrenta a “Walter”, una suerte de diablo en cuerpo humano a cargo de Matthiew McConaughey. Ambos, Jake y Roland, estrechan amistad en ese mundo virtual donde vivirán muchas peripecias, con cierto alarde tecnológico y mucha mescolanza argumental. El cowboy interpretado por Idris Elba, el malvado a cargo del oscarizado McConaughey y el joven actor como Taylor, son suficientes para opacar al resto del elenco que está pero más como relleno que como actores.

En líneas generales, hay poca imaginación para hacer que estos personajes sean creíbles al menos en el cine, no hablamos de los libros de King porque eso es materia de la literatura, moviéndose casi por inercia del guión, atravesado, complejo y, al fin de cuentas, sin substancia. Elementos virtuales que ingresan en el campo metafísico, violencia en niños sometidos a una especie de sillas eléctricas para extraerles las puras mentes, y una separación del niño con la madre que queda sin resolver, resultan cuando menos llamativos entuertos. De todo un poco pero sin desarrollar. Si bien hay momentos de seudos climas, no convence ni el final.

Elsa Bragato

 

JUEVES 17 DE AGOSTO DEL 2017.-
Pocos estrenos siendo los mas importantes dos films nacionales: La cordillera y el documental Salvadora. El resto de las peliculas son las siguientes:

 


POR SIEMPRE JÓVENES
De Fausto Brizzi. Film italiano que retrata la personalidad de un setenton que enfrenta los problemas propios de su edad frente a los jovenes de la familia.
Solamente el Dj interpretado por Lillo entra plenamente en el intento del director que tuvo desde el inicio: la compasion de los jovenes, afirma Andrea Di Iorio de www.fabriqueducinema.com

 


LAS AVENTURAS DEL CAPITAN CALZONCILLOS
De David Soren con musica del destacado Theodore Shapiro es una animacion convencional. Al respecto,
La trama roza lo indescifrable según va avanzando () Se establece como ruidosa, aunque lanza un mensaje positivo al final.
De Neil Genzlinger, The New York Times


MONGER
Documental de Jeff Zorrilla. Monger significa en ingles traficante o bien las acciones deleznables que un individuo puede hacer lejos de la mirada social. Zorrilla investiga el turismo sexual en Buenos Aires y apunta a la misoginia: las mujeres consideradas como el tradicional bife argentino.
Zorrilla se propone develar en Monger un descarnado retrato sobre la misoginia en su mas pura y repulsiva representacion,
Afirma Juan Pablo Russo, destacado critico argentino, en www.escribiendocine.com


LA CORDILLERA
De Santiago Mitre. Con Ricardo Darin, Dolores Fonzi, Gerardo Romano, Elena Amaya, Erica Rivas, Alfredo Castro, Christian Slater, entre otros. Musica de Alberto Iglesias. Fotografia de Javier Julia. Duracion: 114 minutos.


POR DETRÁS DE LA POLÍTICA
El tercer largometraje de Santiago Mitre nos muestra una gran madurez narrativa, impecable fusion de momentos diferentes, una camara firme y una fotografia estupenda, sumandole las excelentes actuaciones de todo el elenco.
El Chile se organiza una cumbre de presidentes americanos a la que asiste el primer mandatario argentino, Hernan Blanco (Darin), inexperto y con un fuerte problema familiar. La coincidencia con algunas actitudes del actual mandatario Mauricio Macri son llamativas, si bien se suman situaciones personales diferentes.
El ex yerno amenaza con una revelacion que pone en peligro la gobernabilidad y la democracia misma por lo que Blanco ordena que su hija (Fonzi) vaya a la Cumbre en forma anonima. He aqui cuando la pelicula se divide en dos frentes narrativos: el personal y el politico. El recorrido de las secuencias van mostrando la vulnerabilidad de unos y otros y los juegos politicos y personales donde la traicion y la mentira son las armas a utilizar. Alianzas espureas, pasados vergonzosos, presente que se maneja de acuerdo a razones que el hombre comun no aceptaria.
La pureza de las tomas, la ubicacion geografica a mas de 3000 metros en el corazon de Los Andes y las nevadas constantes, impregnan al film de una asepsia narrativa que no deja de estar cerca de la perfeccion, aunque con algunos detalles de produccion como maquillajes fuera de lugar.
Muy bien contada la historia, con excelentes actuaciones, Santiago Mitre logra una pelicula redonda en todos sus aspectos aunque la dota de una frialdad conceptual y formal que la aleja del espectador medio.
Elsa Bragato


SALVADORA
De Daiana Rosenfeld.


XXXXX - LA PRIMERA FEMINISTA
La joven directora Daiana Rosenfeld encara un nuevo largometraje documental sobre una de las mujeres importantes de principios del siglo XX, olvidada vaya uno a saber por que razones. Salvadora Medina Onrubia fue la esposa de Natalio Botana, el fundador del poderoso diario Critica, antecesor del grupo Clarin. Salvadora quedo prendada de este hombre a pesar de la concepcion diferente del mundo de ambos y vivio, luego de ser madre soltera y anarquista a ultranza, en medio de una burguesia aplastante.
Ganadora del premio Martin Fierro al mejor documental por Los ojos de America en el 2015, Rosenfeld vuelve a hacer gala de su manejo narrativo encarando un documental que no abunda en largas entrevistas (solo tres invitados, entre ellos, una de las nueras de Salvadora) sino que, con voz en off, recita poemas y prosas poeticas de Salvadora, exquisita escritora, donde va retratando sus muchos pesares (perdida de su primer hijo) y el dolor por la desigualdad social que no intento solucionar mas que con actitud revolucionaria: ayudar a Simon Radowiztky, el anarquista que mato a Ramon Falcon. Le salvo la vida por su amistad con Hipolito Yrigoyen mientras su marido orquestaba la primera revuelta militar que llevo a la presidencia de facto al general Uriburu.
Este rescate de una figura tan prominente como Salvadora es mas que plausible y la ubica entre las grandes feministas de principio de siglo, junto a Alicia Moreau de Justo y Victoria Ocampo entre otras, adems del fuerte movimiento anarquista existente en la ciudad de Rosario.
Excelente documental, precisa realizacion con mucho lirismo narrativo.
Elsa Bragato
 

JUEVES 10 DE AGOSTO 2017.-

Pocos estrenos en los cines del país dado que está en marcha el MAFICI 2017, con mucha menos difusión que otros años.

 

MOACIR III

Documental de Tomás Lipgot. Sobre Moacir Do Santos, un brasileño que se afincó en nuestro país hace 25 años, viendo frustrada su carrera musical. Estuvo alguna vez en el Borda, con el director Lipgot encuentra cierta redención a través del documental. Simpático, bueno y completa la trilogía del realizador que comenzó con “Fortalezas”, continuó con “Moacir” y culmina con este film, “Moacir III”, el más logrado. El protagonista es más que atractivo. E.B.

 

 

EMOJIS LA PELÍCULA

De Anthony Leondis. Animación. En nuestro país, el abogado y actor Darío Barassi puso la voz de “Popó”. Música de ¨Patrick Doyle. Duración: 86 minutos.

XXXXX – EMOTICONES EN DESGRACIA

Los emoticones o emojis nos ahorran un montón de frases. Un film sobre estos “seres tecnológicos” o virtuales no venía mal. En esta película de animación que parece larguíssssiiiimmmmaaaa. aunque dure menos de 90 minutos, nos encontramos con la historia de “Gen”, un emoji que nació con la capacidad de tener varias expresiones transformándose en un “freak” para su comunidad. Sus aventuras son virtuales y, en este sentido, el film gana un poco porque atraviesa distintas plataformas muy conocidas por todos. Aunque, por otra parte, signifiquen un empujón comercial para las mismas. ¿Qué pasa cuando un teléfono queda limpio, está en cero? La vida virtual podría ser una vida. La complejidad de esta pregunta seudofilosófica se diluye en la banal narración, una animación pobretona con un intento de creatividad que cae en lo netamente comercial.

Elsa Bragato

 

 

EL FUTBOL O YO

De Marcos Carnevale. Guion de Marcos Carnevale y Adrián Suar. Con Adrián Suar, Julieta Díaz, Alfredo Casero, Federico D’Elía, Peto Menahem y Rafael Spregelburd, entre otros. Música de Iván Wyszogrod. Duración: 105 minutos.                    

XXXXX – DUPLA GANADORA

Esta nueva película de Carnevale y Suar tiene varios aciertos, entre ellos, repetir la misma pareja de “Dos más dos” junto a Julieta Díaz, sinónimo de magnetismo. Además está la idea narrativa, un tema que el “Chueco” transita al toque: una comedia enfocada en el fútbol, pasión argentina que suele provocar desencuentros maritales.

La historia está bien estructurada, centrándose en cinco protagonistas, evitando guiños y cameos. Adrián Suar, “Pedro”, y Julieta Díaz ,“Verónica”, conforman la pareja protagónica. El, “Pedro”, tiene amigos que son compinches como “Luis” (Peto Menahem) , “Juan” (Federico D’Elía) , descuidando a “Martín” (Rafael Spregelburd) quien no pierde oportunidad de echarle el ojo a “Verónica” . “Roca”, a cargo de Alfredo Casero, es amigo de “Pedro”, se conocen en reuniones de autoayuda que serán un equívoco simpático en la trama.

La pasión futbolera de “Pedro” pone en peligro su matrimonio, las crisis son inevitables, está identificado con el club Argentinos Juniors (otro acierto al no relacionarlo con Boca, club de los amores de Adrián Suar), y pone su futuro en riesgo, el personal y el laboral. En esta nueva producción de la dupla Suar-Carnevale se encuentra buena solidez narrativa, que incluye inserts de partidos en las canchas de Boca Jr, River Plate y Argentinos Juniors, relatados por el “Pollo” Vignolo, actual conductor de Canal 13, y un plano final de Lio Messi luciendo la camiseta de la Selección Nacional.

El planteo en son de comedia del film es realista: la pasión futbolera enfermiza lleva al desencuentro matrimonial, aún cuando, en el caso del film, se trata de una consolidada pareja de 20 años y dos hijas. ¿Quién tiene la culpa? ¿La esposa apegada a sus tareas domésticas o el marido que encuentra una vía de escape en el fútbol? Sin duda, Adrián Suar encuentra su mejor expresión como comediante, verborrágico y ligero a la vez, teniendo como contrafigura a Alfredo Casero en una excelente performance. En síntesis, un pantallazo de una crisis matrimonial que tiene momentos emotivos y otros de sana diversión. Y una muy buena realización técnica que la salva de una calificación menor.

Carlos Pierre

 

 

LA CASA DE LAS MASACRES

De Tony E, Valenzuela. Con Robert Adamson, Jarrett Sleeper, Alex Frinka, Riley Bodenstab, entre otros. Fotografía de Jeffrey Waldron. Música de Brandon Roberts. Duración: 78 minutos.

 

XXXXX – MÁS QUE LINEAL

Esta película de horror-terror se basa en un hecho real: el múltiple asesinato la noche del 9 de junio de 1912 de ocho integrantes de una familia a hachazos en una casa de Villisca, en Iowa, Estados Unidos. La casa existe y fue convertida en un museo del horror que lleva miles de turistas todos los años.

Tony  E. Valenzuela hace su ópera prima con este caso, luego de ser un exitoso youtuber con su BlackboxTV que dedica a films de horror. Poco presupuesto, jóvenes actores que se esmeran, y un guion atravesado, retorcido, que busca espíritus malignos para encontrar una respuesta a los acontecimientos de 1912. Los sustos son pequeños y, por momentos, la furia homicida va tomando el alma de los tres jóvenes que se animan a ir: “Caleb” y ”Denny”, y la nueva compañera de la escuela “Jess”. Por momentos, no sabemos si se matan entre ellos, o sea el clásico “slasher” sin mucho “gore”, o qué sucede porque, en la secuencia siguiente, aparecen los tres amigos aún el que sufrió un puntazo mortal. Mucho embrollo temático.

La película es absolutamente lineal, escasa de mayores elementos, pero será el film de terror semanal que tiene su público cautivo. Más que regular…

Elsa Bragato

 

 

JUEVES 3 DE AGOSTO DEL 2017.-

Varios estrenos con respecto a la semana anterior, muchos de ellos nacionales que van directamente a las salas no comerciales de la ciudad sin vista previa de los críticos. O bien se estrenaron en diferentes festivales del país y de esta ciudad.

 

LA HORA DEL CAMBIO

De Salvatore Ficarra y Valentino Piccone/Italia

“Los propios directores reconocen que han ido muy lejos con las caracterizaciones de todos los personajes, y es que se encuentran bastante esquematizados, como un esbozo simple con problemas infantilizados”, de Alba Puerto, “El cine en la sombra”-

 

EL OTRO LADO DE LA ESPERANZA

De Akis Kaurismaki/Finlandia.

“El humor socarrón de Aki Kaurismaki es una de las cosas más hermosas que se ha ido refinando más allá de toda razón con años de intensa práctica, acercándose a una perfección que llega a ser predecible pero imposible de negar”, de David Ehrlich, “Indiewire”

 

EL APRENDIZ

De Tomás de Leone/Argentina

Opera prima, Festival Internacional de Cine de Mar del Plata,

“Desde lo técnico, El Aprendiz es impecable. Sabe imprimir la tensión y el suspenso con la música y sus silencios. Se trata de un film que deja los dilemas interiores de lado y muestra los problemas reales de una vida complicada”, de Germán Morales, “El proyector fantasma”.

 

VUELO NOCTURNO

De Nicolás Herzog/ Argentina

Se trata de un muy interesante documental sobre la vida de Antoine de Saint-Exupéry en nuestro país y su aterrizaje forzoso en Entre Ríos, así como del germen de “El principito” que se dio aquí.

 

 

EL PLANETA DE LOS SIMIOS: LA GUERRA

De Mark Roeves. Con Andy Serkis, Woody Harrelson, Aiah Miller, Steve Zahn, Ty Olsson, Toby Kebbell, entre otros. Música de Michael Giacchino. Fotografía de Michael Seresin. Duración: 142 minutos.

XXXXX – EXCELENCIA TÉCNICA Y NARRATIVA

En la tercera película de la saga El planeta de los simios, reiniciado por la FOX en el 2011 con “El origen del planeta de los simios” (basada en la original de 1968) dirigida por Tim Burton, la combinación de “motion capture” y la propuesta narrativa es superlativa. Tanto la segunda película como ésta fueron dirigidas por Mark Roeves por lo que hay una coherencia notable en el protagónico de César, a cargo del actor Andy Serkis. Un gran conocido aunque, si lo vemos por la calle, no sabríamos quién es. Serkis fue de los primeros en aceptar la “motion capture” para componer a “Gollum” en la trilogía “El señor delos anillos”, de Peter Jackson. Siguió con “King Kong”, entre otros films, y ahora es el líder de los simios en esta nueva trilogía. Lo destacamos especialmente.

Una vez que los simios se rebelaron y lograron su mundo en una zona selvática, deben enfrentar ahora a los humanos sobrevivientes quienes han formado ejércitos con el único fin de aniquilarlos. César sufre el asesinato de su familia y decide vengarse, apoyado por su comunidad en la que algunos ya hablan “humano” como él, aunque son los menos. Woody Harrelson compone a un general de ejército brutal, con toda la simbología nazi que uno pueda imaginarse.

Se mezclan la acción, la aventura, la humanidad de César que resulta conmovedora así como locaciones perturbadoras semejantes a los campos de concentración nazis, concretamente a Auschwitz, y a la construcción de un muro que nos remite al Muro de Berlín.

Todos estos componentes conforman una narración de alto impacto visual y emocional. Se incluyen momentos de ternura, que distienden, cuando uno de los simios descubre a una niñita rubia abandonada por los seres humanos, quien se suma a la “cultura simia”.

Es de destacar la dirección de actores, especialmente por el protagonista César, cuyos parlamentos tienen una cadencia especial. Frente a la locura criminal, está la palabra sufrida de César, su entrega, y su valentía.

Si bien estamos frente a un producto de entretenimiento, desde la segunda película de este reboot de la saga hay una conciencia muy clara de aleccionar sobre la sinrazón de las guerras, las matanzas, el odio, y la pregunta obligada sobre el futuro del hombre: ¿está en los simios avanzados cuando la autodestrucción nos consuma? Conmovedora, intensa, plena de misericordia ante la locura de conflictos bélicos que ningún pueblo pide.

Elsa Bragato

 

 

CONJUROS DEL MAS ALLÁ (THE VOID)

Guion y dirección de Jeremy Gillespie y Steven Kostanski. Con Ellen Wong, Kathleen Monroe, Aaron Poole, Kenneth Welsh. Música, Joseph Murray, Menalon Music, Lodewijk Vos. Duración: 85 minutos. Canadá.

XXXXX -   ESPANTO CÓSMICO

Jeremy Gillespie y Steven Konstanski, quienes trabajan en arte y make up, guionaron y dirigieron este film gore con estructura de terror y thriller descabellado en una suerte de vuelta al género de los 80.

El horror desatado y avasallador tiene un ingrediente más, motivado por un ente cósmico de incierto origen. Una alocada propuesta de suspenso, sangre y seres sanguinarios.

El encierro es el componente narrativo sustancial: un policía encuentra a un joven herido, lo traslada a un hospital y, por una extraña amenaza, quienes están allí deben encerrarse también. Aunque uno ve otra vez “sopa” por la consabida claustrofobia y las miserias humanas que afloran para salvarse como se pueda, está este elemento nuevo cósmico que le da cierto aire al género tan transitado.

Para definir el quid del guion, es un verdadero aquelarre sangriento en una encerrona violenta y mortal donde nadie sabe bien quién es el otro. El “embrujo” es cósmico, la muerte le pisa los talones a todos, y el horror sobresalta al más guapo.

La tesis cósmica es pueril, si bien se reconoce una buena idea base que no llega a plasmarse como se debiera. Acechos inesperados, matanzas, tienen que tener una coherencia un tanto más racional. No obstante, a los fans del género la película les viene más que bien. El espanto cósmico ya tiene su lugar.

Carlos Pierre

 

 

EL PAMPERO

Escrita y dirigida por Matías Lucchesi. Con Julio Chávez, Pilar Gamboa y César Troncoso. Música de Sebastián Escofet. Duración 77 minutos. Argentina-Uruguay-Francia.

XXXXX – BUEN TRÍO DRAMÁTICO

Con el buen antecedente de su ópera prima “Ciencias Naturales”, el cordobés Matías Lucchesi encaró su segundo film basándose en un ámbito chico como es el de un velero, una historia claustrofóbica, y el sostén de tres protagonistas de peso: Julio Chávez, Pilar Gamboa y César Troncoso.

Luchessi inicia la historia en el velero del protagonista (Chávez) quien está pertrechado y en soledad padeciendo una enfermedad terminal. Descubre una intrusa (Pilar Gamboa) muy herida, comenzando el juego intenso y contenido de las emociones. Cada personaje carga con un drama, son dos almas en fuga, él de la muerte anunciada y ella, de la justicia. El tercero en discordia es un prefecto (César Troncoso) quien les impide una rápida salvación. Acción y pocos diálogos en un solo ambiente son suficientes para esta historia de sufrimiento y redención.

Julio Chávez tiene un enorme manejo de su gestualidad lo que le permite sortear las dificultades de un rol donde las palabras escasean y se hace necesario hacer valer la actitud actoral. El triángulo dramático se cierra con Pilar Gamboa y el uruguayo César Troncoso quienes sostienen a puro profesionalismo la trama, que es lo más notable del film así como la musicalización de Sebastián Escofet. Sin estridencias ni actorales ni musicales, Matías Lucchesi se inscribe como realizador intimista, de buena mano para los encuadres y solidez narrativa.

Carlos Pierre

 

 

EL AUGE DE LO HUMANO

De Teddy Williams. Con Sergio Morosini, Shine Marx, Domingos Marengula, Irene D. Paña, entre otros. Fotografía de Joaquín Neira, Eduardo Williams y Julien Guillery. Dirección de arte: Victoria Marotta. Duración: 100 minutos.

 

XXXXX – BUSCANDO RUMBOS

Teddy Williams llega con su primer largometraje donde expone las vivencias de grupos de jóvenes tanto de nuestro país como de Africa y Filipinas. Encuentra en todos ellos varios denominadores comunes: la falta de trabajo estable, el aburrimiento, la sexualidad como vía de escape, e internet como un medio de comunicación y también de conseguir dinero vendiendo sexo explícito entre ellos.

El film recorrió varios festivales y ha logrado un consenso generalizado de buena e innovador. En este sentido, Williams ciertamente es original con muy buen tino en su cámara en mano, utilizando muchas tomas secuencias que aligeran el drama de los jóvenes, centrado en la búsqueda laboral.

Hay escenas fuertes, especialmente en la primera historia, y puede provocar mucho rechazo o bien cierta mirada adulta de indulgencia. Es el mundo de hoy, una sociedad que utiliza, en todos sus niveles etarios, la tecnología para comprar y vender, aunque sea el propio cuerpo y la propia intimidad. En Mozambique está la otra parte de la historia, el joven que, por videochat, conoce a Exe, el argentino. Y con hormigas carnosas y desagradables llegaremos a Filipinas, donde los jóvenes buscan esparcimiento bañándose juntos en un lago.

Las sociedades parecen calcadas con diferente entorno geográfico: la desesperanza, aquietada por acciones comunitarias tanto sexuales como de mero esparcimiento, aparece como sentimiento inasible pero que está. La fotografía es muy buena, no hay desarrollo psicológico de personajes sino descripción de los hechos que, de por sí, nos cuentan el presente de los jóvenes de hoy. Con claroscuros preponderantes, tomas secuencias y diferentes geografías, Williams se apunta varios puntos a favor por su claridad narrativa.

Elsa Bragato

 

 

LANTÉC CHANÁ

Documental de Marina Zeising. Sobre los Chanaes y su lengua. Cámara de Santiago Salvini y Marina Zeising. Música de Lucas Giménez. Duración: 61 minutos.

 

XXXXX – VALIOSA CONTRIBUCIÓN

Valiosa contribución realiza la documentalista Marina Zeising al contarnos la historia de Blas Jaime, de 71 años, último heredero de la lengua Chaná, etnia nativa de este continente que se consideraba extinguida hace más de 200 datos. El investigador y lingüista del CONICET don Pedro Viegas Barros, validó la lengua que hoy la reconoce la UNESCO. Don Jaime es el último Chaná parlante en el mundo.

Las entrevistas a don Blas permitieron reconstruir la cultura y la lengua de los Chanaes, una etnia derivada de los charrúas que vivió en el Delta de Buenos Aires, las costas uruguayas, las santafecinas y la provincia de Entre Ríos. Sobrevive a Blas Jaime su hija, Evangelina Jaime quien, siendo pequeña, rechazó hablar el Chaná pero que ahora ha decidido difundir la herencia cultural de su padre. Por suerte, tanto en la provincia de Santa Fe como en el Uruguay se comenzaron los estudios para reparar este olvido histórico.

De por sí, el documental es más que interesante y está muy bien filmado, habiendo demandado 5 años de realización. Su protagonista es Blas Jaime y, como curiosidad, el “alter ego” de la directora Marina Zeising es Ana Kogan. La avant-premiere tuvo lugar en la Casa de la Provincia de Entre Ríos de esta ciudad de Buenos Aires. No se lo pierdan. Ha sido considerado de Interés Cultural por el Centro de Industrias Culturales de Entre Ríos y por el Consulado Honorario de Italia en la ciudad de Paraná, Entre Ríos.

Carlos Pierre

 

 

TANGO SUOMI

(ENTRE DOS TANGOS)

Documental de Gabriela Aparici. Finlandia.Argentina

 

XXXXX – TANGO QUE ME HICISTE BIEN…

El título de este comentario no es ocioso. No solo Japón se enamoró del dos por cuatro sino también Finlandia. Los finlandeses –el finnish tango- consideran que la música ciudadana porteña es de ellos, llevan más de un siglo bailándolo, cantándolo y teniendo sus propios compositores si bien por ahí se les cuela “La cumparsita” del uruguayo Matos Rodríguez o “El choclo”, del argentino Angel Villoldo.

A través de Gabriela Aparici surge un mundo de milongas melancólicas, orquestas de tango con acordeones y no bandoneón, y cantantes abolerados que dicen bien sus letras aunque nos suenen lejanos en el estilo.

Aparici logró entrevistar hasta al director Mika Kaurismaki, para quien el tango llegó al Río de la Plata porque un marinero finlandés borracho estuvo en estas tierras y dejó la semilla de un ritmo diferente. Para los rioplatenses, nada más alejado de la realidad! Con las disculpas del caso.

Es conmovedor como los finlandeses sienten el tango, melancólico y no pasional, donde no se habla de mujeres que abandonan ni se utiliza un lenguaje marginal como el lunfardo. Nos explican que, en la época de la Segunda Guerra Mundial, el tango alegraba a las familias pero estaba prohibido hablar de amores contrariados. Surgen nombres como los de Pertti Mustonen, MA Numminen, músicos y cantores sencillos que aman el dos por cuatro. Y que consideran a uno de sus compositores, Unto Mononen, como un patriarca por su tango “Satumaa” o bien “Tierra de ensueño”. Está el tango satírico, comparable a los que cantaba don Edmundo Rivero, llamado Tango Tangosta, así como “La cumparsita” en una buena versión cantada.

También se produce el intercambio de habitantes: Pertti vuelve a Finlandia mientras otra entrevistada, Elina, viaja a Buenos Aires. Ambos buscan las raíces del tango, se sienten a gusto con el dos por cuatro, investigan los estilos actuales y los de antes.

Realmente apasionante para todo porteño es este documental que recomendamos con fervor. Ahora bien, seguimos creyendo que el tango es una cuestión rioplatense, propia de nuestros suburbios y del orillaje que nos acuna. Sin embargo, ¡gracias por amar nuestra música, Finlandia!

Elsa Bragato

 

JUEVES 27 DE JULIO DEL 2017.-

Atípica semana porque hay pocos estrenos, algunos muy buenos.

l) Dunkerque, de Christopher Nolan. Opinión de la crítica extranjera:

“Una belleza exquisita… Dunkerque cuenta con una de las mejores bandas sonoras en la memoria reciente y la música de Hans Zimmer luega un papel tan importante como cualquier persona. La hazaña de Nolan es innegable”, de Brian Truitt, USA Today

“Nolan ha creado una película sensacional en cada sentido de la palabra, una que apunta tanto al corazón como al cerebro, pero que llega a ello a través del sistema nervioso”,

De Alonso Duralde, The Wrap.

2) Una vida, una mujer, de Stephanie Brizé, sobre textos de Guy de Maupassant.

“Una modesta maravilla… Judith Chemla es una revelación en el papel protagonista, completamente hipnótica y creíble”,

De By Van Hoeij, The Hollywood Reporter

3) Siete deseos, de John R. Leonetti (terror al máximo)

“Leonetti muestra los procedimientos de forma admirablemente ágil… y el guión de Bárbara Marshall captura el día a día de la vida adolescente con efectividad. Pero de otra forma está estrictamente guiada por la fórmula, incluyendo un buen puñado de clichés inevitables”.

De Frank Scheck, The Hollywood Reporter

 

BABY, EL APRENDIZ DEL CRIMEN

De Edgar Wright. Con Ansel Elgort, Kevin Spacey, Lily James, Joh Hamm y Jamie Foxx. Fotografía de Bill Pope. Música de Steven price. Incluye más de 40 soundtracks. Duración: 112 minutos.

XXXXX- MÚSICA PARA ESCAPAR

El joven director británico Edgar Wright llega a los cines nacionales con su mejor largometraje. Es vastamente reconocido en la televisión y el cine de su país, habiendo sido productor de “Ant-man” y guionista de “Las aventuras de Tintín” en uno de sus episodios.

El gran mérito de esta película está justamente en la dirección y en la postproducción para darle una velocidad visual y un tratamiento sonoro que la transforman en una de los mejores films de acción del año. Puro vértigo al ritmo del heavy metal, o bien del “punk blues” de Jon Spencer Blues Explosion, banda de los 90. En acción el film se ubica en nuestro tiempo, pero en banda sonora va varias décadas atrás.

El ritmo furioso de esta música popular le permite al joven protagonista Ansel Elgort como “Baby”, quien “trabaja” como apoyo de escape para bandas criminales que capitanea “Doc”, rol de Kevin Spacey, pagando así una deuda familiar con la parte que le corresponde de los atracos.

Este film es de acción pura y los mejores calificativos surgen de su realización, de la cinematografía pura encarada por Wright, más que por desarrollo narrativo que se inicia con una espectacularidad de más de 15 minutos al estilo “Rápido y Furioso” para luego tener impasses con desarrollo de personajes. Hay sin duda una estructura narrativa muy bien delimitada, pre producida, que reitera estos atracos y esta velocidad visual en varias secuencias de gran espectacularidad. Previsible en algunos aspectos, la efectividad está puesta en la postproducción y en la impecable actuación del elenco, y en esta audaz unión de narración al ritmo de la música que aporta la gran diferencia.

Elsa Bragato

 

FONTANARROSA, LO QUE SE DICE UN ÍDOLO

De Gustavo Postiglione, Juan Pablo Buscarini, Héctor Molina, Néstor Zapata, Hugo Grosso y Pablo Rodríguez Jáuregui. Basados en cuentos de Roberto Fontanarrosa. Con Gastón Pauls, Dadi Brieva, Darío Grandinetti, Pablo Granados, Luis Machín, entre otros. Duración: 113 minutos.

XXXXX- ROSARINIDAD AL PALO

El 19 de julio se cumplieron diez años de la muerte de Roberto “El Negro” Fontanarrosa, humorista, escritor, futbolero, rosarino acérrimo. Seis directores de esa ciudad amada por él fueron los encargados de dirigir seis de sus cuentos menos populares (escribió muchos cuentos sobre fútbol, así como el famoso Inodoro Pereyra) que fueron protagonizados por primeros actores, muchos de ellos santafecinos, como Luis Machín, Dady Brieva, Pablo Granados y Darío Grandinetti. Intercalados a estos cuentos, en formato de animación, el director Pablo Rodríguez Jáuregui, con la voz de Miguel Franchi, realizó “Semblanzas deportivas”, puro acento del fútbol “Canalla” y del “Leproso” respectivamente.

Las fuerzas vivas rosarinas y el gobierno de la Provincia de Santa Fe participaron del proyecto de este largometraje, anticipando su financiamiento. Hecho encomiable que bien merecía este hijo dilecto de la ciudad.

Gustavo Postiglione dirigió el cuento “Vidas Privadas”, con Gastón Pauls, Julieta Cardinali y Jean-Pierre Noher;  Juan Pablo Buscarini abordó “No sé si he sido claro”, con Dady Brieva; Héctor Molina hizo “EL Asombrado”, con Darío Grandinetti, Claudio Rissi, Catherine Fulop y Mario Alarcón. Néstor Zapata fue el encargado del cuento “Sueño de barrio”, con Pablo Granados, Chiqui Abecasis y Raúl Calandra, mientras Hugo Grosso dirigió “Elige tu propia aventura”, interpretado por Luis Machín, Kate Rodríguez y Quique Pesoa. Las “Semblanzas Deportivas” de R. Jáuregui son muy logradas animaciones que, como indicamos, se intercalan entre las narraciones audiovisuales.

No sería justo ni acertado elegir uno de estos cuentos como el que más gustó o bien el mejor realizado porque en todos ellos se advierte el genio, esa impronta del gran creador que fue Roberto Fontanarrosa y, obviamente, bien capturado por los realizadores convocados. Hay humor, remate y una rosarinidad que trasciende la pantalla para beneficio del espectador. En definitiva, un muy digno y oportuno tributo buena idea con muy buenos resultados cinematográficos.

Carlos Pierre

 

JUEVES 20 DE JULIO DEL 2017.-

Pocas películas llegan esta semana a los cines nacionales. Entre ellas, las siguientes:

 

SIERANEVADA

Guion y dirección Cristi Puiu. Con Mimi Branescu, Bogdan Dumitrache, Judit State, Dana Dogaru, Sorin Medeleni, Ana Ciontea, Rolando Matsangos, Simona Ghita, Tatiana Ikei, entre otros. Duración: 173 minutos. Rumania-Francia-Macedonia-Croacia-Bosnia.

XXXXX.- LADRILLAZO DESDE LA PANTALLA

El realizador rumano Cristi Puiu, nombre descollante del pujante cine de su país (recordemos “La noche del señor Lazarescu”) regresa con “Sieranevada, una reunión familiar”. Si antes consiguió palmas, aplausos, por sus planteos narrativos, en esta oportunidad, la extensa y ardua reunión familiar propuesta es un peso pesado que se cae encima de nosotros desde la pantalla.

Cuesta entender el objetivo de Puiu al dilatar, ex profeso, una historia que podría haberse reducido a dos horas y con generosidad. El comienzo tiene un plano secuencia de quince minutos donde una mujer, nerviosa y expectante, aguarda la llegada de su esposo. Nervios que pudieron ser un acicate para el interés pero que se diluye rápidamente con una larguísima secuencia en el interior de un automóvil, donde una pareja charla sobre la nada misma. Introducción anodina y fría como la nieve que rodea a los protagonistas.

La reunión familiar se produce en el interior de una casa mal dispuesta en sus ambientes. Asistiremos a un clan conflictivo, que espera al cura para rendirle último tributo al padre difunto. Esa demora del sacerdote permite la introducción de una suerte de vodevil donde la entrada y salida de personajes está muy lejos de un desarrollo de los mismos, los diálogos se basan en banalidades y la grieta entre la herencia comunista y los atentados islamistas se presenta como insalvable.

Film pretensioso y aburrido derrapa a la hora y no hay justificación temática para la tremenda duración del mismo.  La calificación de “bueno” a esta película se fundamenta en que presenta un mundo globalizado versus un pasado que subsiste en la forma de un comunismo a ultranza. Sin negar el valor de los primeros planos escorzados, de tomas secuencias, y de sólidas actuaciones aunque sus “decires” no nos dejen nada. Para fans de Duiu.

Carlos Pierre

 

LA NOVIA (THE BRIDE)

Guión y dirección Svyatoslav Podgavevskiv. Con Vyacheslav Chepurchenko, Aleksandra Rebenok, Igor Khripunov, Valeriva Dmitrieva, entre otros. Música de Jesper Hansen. Duración: 91 minutos. Rusia.

XXXXX – DIABLOS DEL PASADO

Difícil emprendimiento narrativo encaró con “La novia” el realizador ruso Svyatoslav Podgavskiv. Primero tomó, a modo de génesis, un cuento popular llamado “El dedo” de un místico del siglo XVI, situándolo a mediados del siglo XIX y la época actual, emparentándolo además con el cine de Hollywood. El film está doblado al inglés para una mejor distribución internacional.

La leyenda de la novia está plasmada con todos los lugares comunes de este género: cámara espasmódica, personajes circunspectos, niños tenebrosos, en un entorno distópico por los años y con un infaltable viento que trastoca y lleva al horror.

La propuesta del guion no deja de ser original: el bisabuelo de uno de los protagonistas, en el siglo XIX, tomaba fotos postmortem, fotografiaba a los muertos porque suponía que los mantenía vivos, eternos. Es el caso de esta novia, ataviada con vestidos antiguos, un anillo viejísimo, determinante en la conexión diabólica y la incógnita sobre su virginidad.

Todos estos elementos en el planteo inicial sorprenden y parecen bien encauzados. Sin embargo, la historia presenta saltos temporales, una sumisión irrestricta al cine actual del terror comercial, forzando desenlaces, por lo que desbarranca sin remedio.

Dado que la realización es correcta lo calificamos con tres cruces, bueno: el clima está logrado, un bosque amenazante, interiores detenidos en el tiempo y buenas actuaciones. La cuestión es el conjunto de todos estos elementos. Queda como moraleja que es mejor no mirar los álbumes de los abuelos ni desentrañar rostros del pasado…

Carlos Pierre

 

TRANSFORMERS: EL ÚLTIMO CABALLERO

De Michael Bay. Con Mark Wahlberg, Anthony Hopkins, Josh Duhamel, Stanley Tucci, Laura Haddock. Música de Steve Jablonsky. Edición de Barton, Gerstel, Neil-Fisher, Regouga, Sanger y Wimmer. Duración: 149 minutos.

XXXXX – SEVERO MENJUNJE

En esta quinta entrega de la saga Transformers no hay una idea válida y sólida como aquella primera película de hace una década. Entonces fueron autos que se transformaban en gigantes y luchaban siempre por el bien contra algún malvado. Con el transcurrir de los años, los Transformers se fueron a la luna, y se generó una historia que se fue de las manos del equipo de guionistas de entonces y de ahora.

La historia comienza en el año 543, se ubica en la leyenda del rey Arturo, para luego aparecer en un submarino y también por los aires. No se entiende por qué en uno y otro caso se cambia tan abruptamente de entorno. Las luchas entre seres de carne y hueso y androides de metal pierden coherencia. Optimus Prime no está, y el guion avanza sobre la idea de los Alienígenas  como origen de estos monstruos de hierro (¿no estaban acaso en el lado oscuro de la luna?). Como siempre, el mundo está en vilo y habrá que rastrear el pasado para encontrar esa lanza especial que pueda salvarlo.

Estridencias de todo tipo sobresaltan pero no atrapan. Marc Wahlberg interpreta por segunda vez esta saga, el gran Anthony Hopkins tiene una moderada presencia como un Lord inglés, y la bella Laura Haddock reemplaza a otras bellas de las anteriores películas. Es un menjunje severo, extenso, con pobreza de diálogos y situaciones harto conocidas: luchas coreografiadas por computación, muertes, y un sinsentido generalizado que no se sabe si se quiso tomar en broma o ridiculizar a los Transformers o la cuestión se la tomaron en serio, lo cual sería un desatino profesional de consecuencias más que previsibles: aburrimiento del espectador. Eso sí, dura menos que la anterior, algo que se agradece.

Elsa Bragato