Hay dos estrenos en soporte fílmico en Buenos Aires.
TRANSFORMERS 3, EL LADO OSCURO DE LA LUNA,
3D
De
Michael Bay. Con Shia Labeouf, Josie Huntington-Whiteley,
Frances Mcdormand, John Turturro, John Malkovich, entre otros.
Música de Steve Jablonsky. Duración: 157 minutos.
MUY BUENA. INGENIOSA TEORÍA SOBRE EL VIAJE A LA LUNA Y SUS
EFECTOS COLATERALES
No busquemos la narración convencional ni
las sutilezas de, por ejemplo, “Mis tardes con Margarita”, por
dar un ejemplo al azar. Se trata de un tanque de Hollywood que
ha tenido, esta vez, la rara delicadeza intelectual de
ubicarnos en 1969, el 16 de julio, cuando la Apolo XI descendió
en la Luna y se dijo, desde entonces, que los astronautas vieron
extraterrestres. La magia de los efectos especiales ha logrado
más de media hora de increíble hazaña para que revivamos aquel
momento, con filmaciones originales en blanco y negro y la
yuxtaposición de la propuesta argumental del siglo XXI en color
, habiéndose recreado desde la primera pisada del hombre hasta
el polvillo lunar. Maravilloso.
En esta tercera película de la saga
Transformers, donde los buenos robots son los “Autobots” y los
malos son los “Decepticons”, el subtema político salta a la
vista pero no para el mundo entero sino para los
norteamericanos: ahora hay que defender el propio país. Las
ciudades norteamericanas están amenazadas y el ejército ya no es
un ejército de invasión sino de salvación de Chicago en este
caso, ciudad tomada como ejemplo en los últimos films de efectos
especiales y ciencia ficción (está en las salas la efectiva “8
minutos antes de morir”). Para los Estados Unidos, sus hombres
del ejército son los mejores como para nosotros lo siguen siendo
los soldados de San Martín. No busquemos otra explicación ni
connotación porque no la tiene. El mensaje del film, que lo
tiene, es para el pueblo de USA, no para nosotros ni ninguna
otra parte del planeta.
La inclusión de documentales reales de los
presidentes Kennedy, Nixon y hasta el actual presidente Obama,
en este último caso personificado por un actor afroamericano, le
dan ese matiz político del que hablamos. La Apolo XI y sus
efectos colaterales están a la vista. Y los astronautas, que han
descubierto en ese lado oscuro de la luna a “transformers”
deberán traer la información para salvar a su país de un ataque
masivo de los Decepticons. Están los Autobots para la lucha.
En el film aparecen artistas
importantísimos como John Turturro, Frances Mcgorman, John
Malkovich, en momentos clave, aportando talento y credibilidad a
una acción que será, en última instancia, la lucha del bien
contra el mal.
Un tema a analizar es la duración del film:
los últimos 45 minutos están dedicados a una lucha sin cuartel
entre malos y buenos. Y, en este sentido, hay reiteración, pero
no aburrimiento en el espectador.
Un elemento a tener en cuenta es el ataque
a un edificio tan alto como las Torres Gemelas, y allí se
detienen el director y sus productores de efectos especiales de
tal manera que, por momentos, es una recreación del horror que
se debió vivir durante el ataque del 11 de setiembre del 2001.
El mensaje político es, entonces, muy claro: el ejército
norteamericano está para salvarlos, salvar sus ciudades. Estas
secuencias son impresionantes desde todo punto de vista.
En síntesis, pochoclera o no, Transformers
3 en 3D nos proporciona entretenimiento, y, si queremos ver un
poco más allá, también hay subtemas que están expuestos así como
una recreación lunar increíble. No es poco para un “tanque”.
Elsa Bragato
MEDIANOCHE EN PARÍS
De
Woody Allen. Con Owen Wilson, Rachel McAdams, Marion Cotillard,
Adrien Brody, Carla Bruni, entre otros. Duración: 94 minutos.
MUY BUENA. FANTASÍA EN PARÍS, EN UNA COMEDIA ROMÁNTICA Y
SINGULAR
Woody Allen nos asombra desde hace varias
décadas. Para quien esto suscribe, dentro del Allen posterior a
los comienzos muy psicológicos de sus films, uno de las
películas más logradas fue “La rosa púrpura de El Cairo” por la
comprensión del universo femenino y sus ilusiones. Hubo otros
films maravillosos así como otros reiterativos hasta llegar a
éste, Medianoche en París, donde la 0 hora es un momento exacto
para que todo se transforme.
Woody Allen, más que basarse en historias
complicadas de reconocidos autores, da la impresión de haber
recurrido a sus propios recuerdos y ensueños y uno al alcance de
todos es el de la Cenicienta: a la medianoche todo cambiaba. Si
para la rústica muchacha del cuento devenida en princesa era
para mal, aquí Owen Wilson, el alter ego de Allen, la medianoche
es para bien, para conocer el París de los 20, para sentarse a
la mesa con Hemingway, Cole Porter, Salvador Dalí, Gertrude
Stein, la musa de Picasso y de Modigliani, todo es posible en
ese París de los 20. Recordemos que Hemingway lo retrató en
París era una Fiesta.
Hay paneos cortos que han sido muy tratados
como el de Carla Bruni, que aporta su presencia y lo que
significa (la primera dama de Francia). En cambio, Marion
Cotillard, dueña de una belleza muy europea sin los afeites
hollywoodenses, encarna a las mil maravillas a la musa que todo
artista querría tener. Y tiene un hermoso personaje que puede
desarrollar con extensión.
También merece una consideración especial
la actuación de Rachel McAdams, la compañera de aventuras de
Owen Wilson en este film… Bella, sutil, tal como la trama lo
requiere.
La búsqueda de la creatividad perdida es el
motor argumental que le permite a Woody Allen rendirle un
homenaje a la ciudad de París desde el lugar que todos podemos
admirarla, el de sus sitios tan bellos, que tanto recuerdan a
otros de Buenos Aires, el turístico, o bien los que todos
queremos conocer. Y además hacer un tributo a la unión de tantos
intelectos prominentes que el estilo de vida de la ciudad
permitió unirse en bares y barrios hoy míticos.
Owen Wilson encarna a un guionista
frustrado de Hollywood que aprovecha el viaje con su novia, por
razones familiares, a París para buscar algo que despierte su
capacidad de creación. Por momentos, pensar en Woody Allen y su
compromiso artístico es inevitable. El realizador también busca
renovar su capacidad de asombro ante la vida y transmitirla en
sus películas.
Es un film para el recuerdo, para la
emoción, para tenerlo como un hito dentro de la historia del
cine porque Woody Allen retrata la ciudad de París como hacía
décadas que no veíamos (en los 50 hubo films americanos
memorables), con un ritmo romántico, de ensueño, que hace bien,
que nos deja felices por dentro y por fuera. No se la pierda.
Elsa Bragato
Estrenos del jueves
23 de junio del 2011
Hay cinco estrenos, uno de ellos posiblemente se exhiba en DVD,
El Amor de Robert, que vamos a comentar.
ABALLAY, EL HOMBRE SIN MIEDO
De
Fernando Spiner. Con Pablo Cedrón, Claudio Rissi, Moro
ANghileri, Luis Ziembrowski, Gabriel Goity, Horacio Fontova,
entre otros. Duración: 100 minutos.
BUENA. LA HORA SEÑALADA DEL MALO Y EL VENGADOR, UN WESTERN
GAUCHESCO BIEN REALIZADO QUE INCLUYE RIÑAS DE GALLOS
DESAGRADABLES
Aballay, de Fernando Spiner, es una rareza
dentro de la cinematografía nacional. Un western gauchesco, que
continúa la línea gauchesca y no de western que supimos tener
con obras memorables que van desde El Cura Gaucho hasta la
Guerra Gaucha pasando por el cine de Leonardo Favio. El hecho
de defender un producto con excelente fotografía, cuidada
escenografía, y paisajes no nos debe impedir ver que el producto
es solo para un determinado público muy cinéfilo o seguidor del
cine nacional de ciertas características y que no es un producto
masivo. Y esta consideración es al margen de cualquier
excelencia técnica y actoral que tenga el film.
Fernando Spiner surge de las filas de la
televisión como un notable realizador (lo conocimos como
director de programas de canal 13). Su lanzamiento al cine no
hizo más que confirmar su capacidad para la narración
audiovisual en gran escala. El elenco de Aballay confirma un
excelente casting, Pablo Cedrón con recursos mínimos demuestra
su gran altura actoral, y así con cada uno de los elegidos para
el elenco. La ubicación de la historia en Amaicha del Valle en
la provincia de Tucumán le da esa justa pátina de polvo, caminos
sinuosos, exactos a los que conocimos del Oeste norteamericano.
La historia se centra en la venganza de un
niño que ve cómo matan a su padre. El rostro del asesino se
clavará en su memoria. Y el tiempo enfrentará al homicida con el
huérfano.
Sin embargo, el comienzo del film no nos
produjo ningún agrado: desde la riña de gallos, prohibida, e
innecesaria muestra de brutalidad aunque haya existido y
subsista: el cuchillazo sobre el pescuezo de un gallo herido,
brutal, certero, hasta una borrachera en una pulpería, nos
pusieron en alerta. Ya en plena narración, las escenas no nos
convencieron, parecían demasiado armadas, se les veía la
entretela. Y esa entretela subsistió porque no pudimos creernos
la historia tal como se nos presentó. Siempre notábamos o un
supuesto, para nosotros, armado en estudio, o una prolijidad
extrema en medio de caseríos tan limpitos como empolvados de
manera sutil, hechos para la fotografía. No obstante, y a pesar
de esta entretela, la actuación de los protagonistas iba
creciendo de manera notable al punto de opacar otros aspectos
como los apuntados.
Nadie pone en duda la excelencia en la
dirección de Spiner ni en los actores. Pero no podemos dejar de
señalar que hay reminiscencias importantes a Leonardo Favio y
que la historia no resulta creíble en su totalidad, aunque nos
hable de la venganza, del dolor, del precio a pagar por un
asesinato. Tal como fue contada. Estas cosas también hay que
decirlas cuando se hace un comentario de cine aunque no guste
escribirlas y tampoco sea del agrado de quienes hicieron el
film. Nuestro interior y los alrededores de la ciudad de Buenos
Aires fueron tan crueles como el Oeste americano, tan pobres
como lo que vimos en los films, y la ley del más fuerte fue una
constante. Es cierto. Sin embargo, la pulcritud extrema en
parajes polvorientos le restó credibilidad a Aballay. No así la
mayoría de las actuaciones. Nos gustó Pablo Cedrón.
Elsa Bragato
8 MINUTOS ANTES DE MORIR (Source Code)
De
Duncan Jones. Con Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera
Farmiga, entre otros. Música de Chris Bacon. Duración: 90
minutos.
MUY BUENA. FÍSICA CUÁNTICA EN UN FILM DE INTENSO SUSPENSO,
INTELIGENTE RELATO
Así es, Duncan Jones, el hijo de David
Bowie vuelva al cine con un thriller de inusitado suspenso, que
retoma una premisa científica: el cerebro vive aún, después de
muertos, unos 8 minutos más. El capitán Stevens se encuentra en
un tren que va a llegar a Chicago y explotará. Desde un centro
científico estatal, una bella mujer y un impiadoso investigador
se contactan con él que está, ahora, en un cubículo intentando
desatar algo, moviéndose con enormes dificultades. Recibe
órdenes y vuelve a ese cuerpo que es reconocido por una viajante
como el capitán Stevens.
El secreto del relato está en ese ida y
vuelta que no “tiempo”, no va hacia el pasado sino hacia su
propio presente, el que está en esa oficina de investigación y
donde recibe órdenes. Por eso es física cuántica (muy compleja
de explicar mínimamente y de comprender también). Este ida y
vuelta le permite al protagonista conocer más detalles de lo que
debe hacer para evitar la explosión del tren cada vez que
regresa al cuerpo del capitán Stevens.
También nos muestra la frialdad y la
crueldad de muchos métodos científicos para lograr que un
cerebro, de un cuerpo muerto, esté trabajando. Hay sofisticación
tecnológica, de todo tipo, que es real y está mostrada con
credibilidad. Esto existe, el tema era cómo narrarlo en el cine
y no caben dudas de que Duncan Jones lo logró.
El “source code” del título en el inglés se
refiere a la matriz que genera esta posibilidad de volver al
cerebro y luego tomar el cuerpo del capitán en el tren, donde
tiene pocos minutos, siempre menos de 8, para encontrar al
terrorista y desactivar la bomba. Entonces, el ritmo del film es
frenético, ágil, y exige una buena atención del espectador que
no se aburrirá jamás. Hay excelencia en la filmación, la ciudad
de Chicago es mostrada desde distintos planos estupendos, y no
hay dudas de que el suspenso se apodera de toda la audiencia. Es
un film inteligente. Y hay pocos así. El final nos muestra la
crudeza de ciertas investigaciones.
Elsa Bragato
EL LABERINTO
De
Johnb Cameron Mitchell. Con Nicole Kidman, Aaron Eckhart, Sandra
Oh, Dianne Weist, Miles Teller, entre otros. Música de Anton
Sanko. Duración: 91 minutos.
MUY BUENA. TRANSITAR EL DOLOR SIN CAER EN EL MELODRAMA. FILM
INTELIGENTE, PROFUNDO
En inglés el film se llama “Rabbit Hole”, o
sea “madrigiuera”, “conejera”. Y este título tiene estrecha
relación con el “el laberinto” (título en castellano) espiritual
que recorre una pareja para superar el duelo por la muerte de su
hijo en un accidente automovilístico frente al hogar.
El argumento está armado sobre premisas
científicas de S. Hawking sobre la existencia de la virtualidad
y la posibilidad de encontrar en ese otro plano la felicidad que
en éste no tenemos. Pero no hay ni viajes al pasado ni al futuro
ni al presente virtual, solo la comprensión de que es posible, y
de esta manera, alcanzar un atisbo de resignación.
No es un film ni sensiblero ni oportunista
ni triste. Es un film reflexivo y profundo sin caer en el
melodrama. Hay que destacar además que la historia está basada
en una obra de teatro de David Lindsay-Abaire; sin embargo, la
adaptación cinematográfica fue realizada por el autor por lo
cual (como ocurrió con Sweeny Todd y su autor S.Sondheim) vemos
secuencias de cine y no sketchs con reminiscencias teatrales.
Esto es de destacar.
El tema parece muy difícil de tolerar para
el espectador: padres que perdieron a su hijo. No obstante, uno
se enfrenta a una realidad sin golpes bajos, no se ve la muerte
de nadie, solo el transcurrir de la pareja que forman Becca y
Howie y los intentos cotidianos por superar la ausencia del
hijo, la depresión que jamás bordea el límite de la tragedia,
los intentos de superación con grupos de autoayuda, la confianza
del marido en que éstos funcionarán y la intuición femenina de
Becca de que algo más es posible para volver a ser feliz. En ese
“algo más” reside “el laberinto” o “rabbit hole” que no podemos
desentrañar porque es el motor argumental.
Para ayudar a los dos personajes
principales en este viaje de resignación con aristas tan
inteligentes aparecen la madre de Becca, interpretada por una
maravillosa Diane Weist, que ha sufrido un dolor similar. Aquí
podríamos hablar de que hay destinos que se heredan. También
está la excelente actriz de origen oriental Sandra Ho, a quien
vemos en series renombradas de televisión así como fue una de
las actrices de la celebrada “Entre Copas”. Hay un personaje
clave para este laberinto o rabbit hole que enfrenta
especialmente Becca, o sea Niciole Kidmann, y es el del joven
que atropelló a su hijo.
El perdón, la venganza, la resignación, la
posibilidad de la fe en otros caminos de felicidad, se unen para
armar un argumento que asombra por su sagacidad, su intensidad y
su realismo.
Se destaca la actuación de Nicoie Kidman en
un rol profundo, que le mereció nominaciones a los Golden Globe
y al Oscar. También Aaron Eckhart, a quien conocimos en “Gracias
por fumar”, entre otros filmes. Ambos hacen absolutamente
creíbles a estos padres en busca de redención al dolor.
Iinsistimos, no hay melodrama. Es una de nuestras películas
elegidas de la semana.
Carlos Pierre
NO ME QUITES A MI NOVIO
De
Luke Greenfield. Con Kate Hudson, John Krasinski, Ginnifer
Goodwin, entre otros. Duración: 103 minutos.
REGULAR
Este film está basado en la comedia
dramática “Something Borrowed” (Algo prestado) y ese algo
prestado es nada menos que el novio de una de las dos íntimas
amigas que se conocen desde la infancia y mantienen una fuerte
amistad a pesar de abismales diferencias. Una está por casarse,
la otra es tímida, apocada.
Cuando “Darcy” va a festejar los 30 años de
su amiga “Rachel”, aprovecha la ocasión para “birlarle” por un
rato su novio. De allí en más el film transita por todos los
equívocos que ya hemos visto hasta el hartazgo, celos mutuos,
cuestiones fundamentales y conocidas como elegir al hombre de su
vida como desea o renunciar a él .En el medio, la mejor amiga.
Se cae en el tono mediocre y convencional
de peripecias amorosas vividas en fiestas, pubs, en la playa.
Nada que no conozcamos.
El punto más débil del guión es la
pasividad de la amiga engañada cuando descubre el desliz de su
novio. Hay alguna secuencia de explosión ante un caso de
infidelidad tan grueso pero el director rápidamente se empecina
por “alisar” cualquier otro clímax, más que oportuno por la
situación que muestra.
Es una comedia super ligera, para digerirla
fácil. No está mal para distraerse pero, como película en sí,
como producto cinematográfico, deja mucho que desear. Bien por
Kate Hudson que tiene mucha cintura para estos films.
Carlos Pierre
EL AMOR DE ROBERT
de Nicholas Facker. Con Martin Landau y
Ellen Burstyn.
MUY BUENA. LA FELICIDAD AL FINAL DE LA VIDA
A PESAR DE LA DESMEMORIA
Esta película arranca lágrimas. Hay dos
estupendas actuaciones, memorables, de Martín Landau, de 82 años
y productor del film, y de Ellen Burstyn, de 77, sobre la
relación de un matrimonio de la cuarta edad. Uno de los dos
sufre del mal de Alzheimer que aquí está tratado con tanta
altura que reconforta y nos permite ver otra forma de encarar lo
peor de la mejor manera hasta transformarlo en felicidad.
Las ensoñaciones, las pérdidas de memoria,
están enmarcadas en una navidad que el protagonista vive como
puede, cree volver a enamorarse, pero será su mujer la que le
permita transitar ese estrenado amor. Hay un clímax fuerte
cuando la medicación no llega a tiempo, pero también es
verosímil que esto ocurra sin entrar en la tragedia o la
densidad.
Mirar la cuarta etapa de la vida, la del
final, con romanticismo, alguna reminiscencia a Berman y su
Cuando huye el día, por ejemplo, es un l ogro. Nos emocionó, nos
hizo reflexionar y nos sacó sonrisas de felicidad. Todo es
posible. El film lo recomendamos para los abuelos, para los
hijos con padres grandes.
Elsa Bragato
Estrenos del jueves
16 de junio del 2011
Hay 8 estrenos. No comentaremos “El túnel de
los huesos”, con Raúl Taibo. Más que en otras oportunidades, esta
semana tenemos que elegir entre los films que desarrollan historias
de vida y los que se basan en los efectos especiales.
LOS AGENTES DEL DESTINO
De George Nolfi. Con Matt Damond, Emily Blunt,
Anthony Mackei, Terence Stamp, entre otros. Música de Thomas Newman.
Duración: 106 minutos.
REGULAR. ENREDOS ENTRE LA REALIDAD Y LOS MUNDOS
VIRTUALES. THRILLER DE CIENCIA FICCIÓN
Matt Damond parece condenado a huir desde su
personaje Bourne de diferentes acechanzas. Antes fueron oscuros
miembros de la CIA que insistían en lavarle el cerebro o matarlo.
Ahora son humanoides, de alguna manera hay que definirlos, que están
en otro plano pero se presentan ante nosotros como semejantes. Se
dará cuenta de una manera extraña, en medio de una campaña política
que lo llevaría como senador del estado de New York y que pierde. La
aparición de una bailarina le complica el panorama porque se
enamora.
La referencia más cercana está en nuestra
televisión en Un año para recordar (Telefé) y la relación que entre
Carla Peterson y Gastón Pauls: si se unen, sus vidas serán
sucesiones de frustraciones. Damond y Blunt , o sea “David Norris y
Elise Sellas” , viven esta experiencia en Los agentes del Destino,
una “oficina de ajustes del destino” tal como sería la traducción
literal del inglés, Adjustement Bureau. Esta “oficina” y sus
“agentes” se encargan de que cada uno de nosotros no se aparte del
destino que se nos ha determinado.
El film está basado en un cuento de Philip K.
Dick publicado en 1954. Y tiene aristas interesantes en su narración
fílmica: la posibilidad de que nuestra realidad esté atravesada por
mundos que no vemos porque habitan en otra dimensión y la
posibilidad también de que en algún momento los mundos se conecten
como le ocurre al protagonista del film. De allí a que estas aristas
estén bien resueltas en la narración hay un buen trecho.
Decíamos al comienzo que Damond parece
condenado a huir porque, efectivamente, intentará huir de estos
caballeros de traje gris y sombreros de ala corta, bien de los 50,
que lo saben todo. Habrá situaciones de mucha tensión porque ese
“sombrerito” y un libro similar a un GPS con la vida de cada uno de
nosotros intentarán impedir cualquier acción. Sin embargo, la
sensibilidad de uno de ellos, un afroamericano (Mackie), será un
factor desencadenante para que la historia no sea tal como la
quieren estos agentes sino que se torne más humana.
Es decir, el amor tiene que triunfar de alguna
manera. No sin rispideces, no sin un toque mágico que solo el cine
puede dar como el de abrir puertas e ingresar a lugares que están
pero a kilómetros de distancias, conformándose un laberinto que se
ha visto en dibujos animados (Monster Inc.). Porque estamos frente a
un thriller con suspenso y algunas tonterías en los diálogos. No
deja de ser entretenido, aunque muy lejos de la saga de Bourne.
Como película, es regular. Como entretenimiento, es pasable.
Elsa Bragato
PRIEST, EL VENGADOR
De Scott Stewart. Con Paul Bettany, Karl Urban,
entre otros. Música de Christopher Young.
REGULAR. SACERDOTES VS VAMPIROS EN UN WESTERN
POST-APOCALIPSIS. TRHILLER DE CIENCIA FICCIÓN
Esta película es ideal para los seguidores de
la saga “Inframundo”. Para el resto del público, puede resultar una
sumatoria de efectos de computación con correrías estilo “cowboys”.
La crítica norteamericana ha sido contundente: Paul Bettany
es un sacerdote que quiere impartir justicia al estilo John Wayne.
En vez de caballos, hay motos de gran cilindrada. El paisaje es
lunar, gris, y revela una Humanidad transformada en vasallos
medievales que sufren los ataques de los vampiros. Compartimos en
que Bettany es el “Wayne” del siglo XXI en esta película.
Hay suspenso en los minutos iniciales, un toque
de “Rápidos y Furiosos” en la narración ya avanzada, los vampiros
son muy feos y de aspecto fetal y cuentan con trenes mientras que el
sacerdote por excelencia, con una cruz dibujada en la frente,
encarnado por Paul Bettany, tiene motos de gran potencia. Hay estilo
a lo Mad Max que solo ha sido una revelación en ese film y no en
estas secuelas escenográficas. En definitiva,
sectas que regentean el mundo que queda, post apocalíptico, muertos
que son vampiros, sacerdotes que deben cumplir con una misión (aquí
un pariente cercano al protagonista es raptado…) de justicia y otra
personal.
Como película, continúa en la línea de
Inframundo, o sea estamos frente a más d e lo mismo. Como
entretenimiento, pensamos que es para los seguidores de
“Inframundo”, sin descartar el interés de otro tipo de espectador.
Mucho ruido, muchas correrías, poca sustancia.
Elsa Bragato
CARLOS
De Olivier Assayas. Con Edgar Ramírez,
Alexander Scheer, Ahmad Kaabour, entre otros. Montaje de Luc Barnier
y Marion Monnier. Duración: 2 h 45 minutos (165 minutos)
BUENA. INTERESANTE BIOPIC CON DUDOSA EDICIÓN
Cuando se sabe de antemano que una miniserie de
cinco horas y media es llevada a un film de poco menos de tres
horas, se tiene un oculto reparo porque las ediciones
no obran milagros.
Sin embargo, el film del director francés
Olivier Assayas, presentado en el Festival de Cannes, no defrauda en
la narración de la vida de este terrorista venezolano,
Illich Ramírez Sánchez, apodado Carlos, que actuó en los 70
y los 80 dentro del terrorismo internacional, en el activismo
propalestino hasta en el Ejército Rojo Japonés, incursionando en los
últimos años de la Guerra Fría.
Carlos fue un terrorista, un
mercenario oportunista contratado por los poderosos servicios
secretos de Medio Oriente. Muy buscado en 1974, intentó asesinar a
un hombre de negocios británico (el dueño de las tiendas Marks &
Spencer), por ejemplo. En 1975 ingresó a la sede de la Organización
de Países Exportadores de Petróleo en Viena y tomó más de 40
rehenes, asesinando a tres personas. Tuvo gran renombre y era dueño
de una personalidad rayana en el divismo. Fue capturado en 1994 en
Sudán, donde fue entregado a la policía francesa. Actualmente cumple
su condena en Francia.
Encontrar un intérprete para Carlos no fue
fácil para Assayaz. En Venezuela, país natal del terrorista, ubicó a
Edgar Ramírez, nominado a los Golden Globe por su perfomance en este
telefilm con formato de miniserie, actor con dominio de inglés,
francés, árabe y castellano, idiomas que alterna en la carrera
terrorista del personaje.
Es curioso observar las transformaciones
físicas de Carlos a lo largo de su vida, al menos lo que se muestra
en esta recortada miniserie, desde aumento de peso hasta el cambio
en el cabello y el agregado de bigotes. Tuvo el sobrenombre de “El
chacal” dado que, al ser detenido, se le encontró el libro “El día
del chacal” de Frederick Forsyth entre sus pertenencias. Durante
veinte años Carlos sembró la locura del terrorismo en gran parte del
mundo. Su vida fue tormentosa, tuvo dos mujeres, una hijita, que,
por obra de la edición, aparecen en la narración de
manera forzada. Otro tanto ocurre con su carrera terrorista así como
muchas otras asociaciones ilícitas, secuencias que no aparecen
a raíz del efecto devastador de una reducción del material
en un 50%.
Nuestro modesto criterio es que Carlos
debió ser emitida por televisión y no ingresar al circuito comercial
cinematográfico dado que esto último obligó a un cercenamiento del
material que es visible, notable, y que no pasa inadvertido para el
espectador porque la historia salta, el guión pierde su eje en
muchos momentos. No obstante, no deja de ser una “biopic”
interesante. No es atractiva por lo que apuntamos.
Carlos Pierre
JUNTOS PARA SIEMPRE
De Pablo Solarz. Con Peto Menahem, Malena
Solda, Mirta Busnelli, Luis Luque, Sergio Boris, Silvia Kutika,
Marta Lubos, Valeria Lois. Música de Nicolás Diab. Duración: 90
minutos.
MUY BUENA. EFICAZ GUIÓN CON EXCELENTE ELENCO EN
BUEN RELATO COMPLEJO, DIVERTIDO Y ÁCIDO
Cuando se conjugan un buen guión y un excelente
elenco estamos frente a un buen film. En este caso, se trata del
director Pablo Solarz, de gran reputación como guionista de
Historias Mínimas, El Frasco, Un Novio para mi Mujer, entre otras
películas nacionales, coordinando además varios “workshops” de guión
en la actualidad.
El guión de Juntos para Siempre es sólido y
hace punta en la vida de un guionista (vaya casualidad!) robotizado
al punto de alejarse de sus afectos, en este caso su esposa, quien
le exige cambios de actitud y una mayor atención. Finalmente, decide
abandonarlo luego de contarle a su marido que tuvo un “affaire”.
Pero nada inmuta al personaje de Peto Menahem, a quien hemos visto
en excelentes roles televisivos, que continúa con su obsesión de
terminar con su guión. Curiosamente, el personaje que crea en la
ficción es su “alter ego”, el que cobrará vida a través de Luis
Luque. También resultan muy buenos los trabajos de Malena Solda como
la esposa, de Florencia Peña como la nueva compañera, de Mirta
Busnelli como la excéntrica madre del obcecado guionista.
Resulta muy atractiva la interacción de la vida
real del protagonista con los personajes de su propio guión, una
tarea que el realizador Pablo Solarz lleva con mano segura y fluidez
narrativa a través de un desarrollo en el que transitan la comedia y
el drama con tonos ácidos, oscuros, que mantienen el interés en el
espectador. A decir verdad, hay que decir que no estamos
acostumbrados en nuestro cine a guiones de esta envergadura,
complejidad y buena resolución audiovisual. Es un promisorio film de
Pablo Solarz, conocedor como pocos, por lo visto, de la columna
vertebral de un film: el guión cinematográfico. Y es una de las
mejores películas de esta semana.
Carlos Pierre
UNA MISIÓN EN LA VIDA
De Eran RIklis. Basado en la novela “A woman
in Jerusalem”. Música de Cyril Morin. Duración 103 minutos.
MUY BUENA. REALIDAD QUE MOVILIZA LOS
SENTIMIENTOS. ENTRE EL DRAMA Y LA COMEDIA “NOIR”
Resulta muy interesante, dentro del amplio arco
de films de esta semana, esta película israelí de Eran RIklis, el
mismo de Lemmon Tree, entre otros films vistos en la Argentina. No
muchos pero suficientes como para encarar The Human Resources
Manager, título en inglés de Una misión en la Vida, con buen
espíritu de espectador. En este caso, Riklis apunta al gerente de
Recursos Humanos de una panadería, la más afamada de Jerusalén, en
cuyo plantel falta una de las empleadas y no se dan cuenta. Acusados
de falta de sensibilidad, el gerente es enviado por la dueña a
ubicar a la empleada.
El viaje que inicia este hombre pasa desde el
drama personal, tratado con objetividad, hasta el drama de una
empleada cuyos orígenes están lejos de la ciudad y lo llevan a otros
países y otras culturas. De pronto, el tono dramático, aunque sin
caer en el trazo grueso, se disuelve y se transforma en una comedia
negra. Cementerios, morgues, un ataúd, un cónsul, y, cuanto menos,
como séquito, un pesado periodista, forman una comitiva que acompaña
al gerente en su búsqueda. No hay un país determinado por lo que el
film es considerado “apolítico”, si bien fue rodado en gran parte en
Rumania.
Es muy interesante ver la transformación
interior de este gerente, acostumbrado a controlar la mayor
producción quien, de pronto, busca a un ser humano, enfrenta
emociones y comienza un viaje interior mucho más atrapante que el
que realiza. Ahora debe controlar lo inasible, el dolor, las
preguntas sin respuestas. Nos gustó mucho porque estamos frente a
una historia de vida y no a un relato plagado de efectos especiales.
Es la otra buena película de la semana (junto con la argentina
Juntos para Siempre).
Elsa Bragato
LA DOBLE VIDA DE WALTER (THE BEAVER, EL CASTOR)
De Jodie Foster. Con Mel Gibson, Jodie Foster,
Jennifer Lawrence, Cherry Jones, Sam Breslin, entre otros. Música de
Marcelo Zarvos.
MUY BUENA. INTERESANTE PROPUESTA SOBRE EL
PÁNICO Y LAS RELACIONES FAMILIARES
Jodie Foster le tiró un cable a su amigo Mel
Gibson al convocarlo como protagonista de este nuevo film que la
actriz dirigió y coprotagonizó como la esposa del empresario con
pánico. Sabida es la declinación del astro australiano como gran
figura por su racismo religioso y su alcoholismo que lo ha llevado
hasta la cárcel, amén de sus divorcios y peleas conyugales.
En este caso, Foster tomó la vida de un marido
depresivo que es un buen empresario pero padece de fobias, de
pánico, que lo llevan a intentar suicidios casi caricaturescos.
Un día “Walter” encuentra un títere que
representa a un castor, de allí el título en inglés, al que adopta
como un integrante de su vida, o mejor dicho de su mano izquierda.
Con este agregado a su cuerpo, puesto que no se desprenderá más del
títere, siente que puede enfrentar situaciones antes imposibles para
él y que su vida vuelve a ser positiva. Encuentra su propia terapia
de salvación. Por supuesto, sus dos hijos toman actitudes diversas,
el menor acepta esta simbiosis del padre con el títere, el mayor lo
rechaza, lo ve ridículo. Este títere le permitirá crecer al
empresario como tal al idear una especie de juguete de madera que
será un éxito comercial.
La idea no está mal y Mel Gibson se consagra
con una gran interpretación. En los Estados Unidos el rechazo al
actor por su vida errática significó un fiasco en las boleterías.
Para muchos críticos, el film no merece una mayor consideración. Sin
embargo, pensamos que hay elementos muy valiosos sobre la psicología
de la persona que sufre de pánico y depresión, una lleva a la otra y
viceversa, y que no hay nada ridículo sino una historia que puede
tener empatía con muchas situaciones que se puedan vivir. El pánico
no siempre se manifiesta abiertamente. De allí que le asignamos
importancia al eje argumental propuesto por Jodie Foster.
El film es pequeño si nos atenemos a la
anécdota que se propone desarrollar. Pero es desafiante, original,
nada simplista y aporta elementos interesantes. Gibson es creíble y,
como dijimos, se destaca ampliamente con sus dotes actorales, fuera
de espionajes, secuestros o bien films históricos. Jodie Foster lo
secunda muy bien. Hay un excelente trabajo de Anton Yelchin como el
hijo adolescente que reniega de su padre. Y la música de Marcelo
Zarvos tiene, en el comienzo, una impronta tanguera a lo Astor
Piazzolla que no nos desagradó sino todo lo contrario.
Una comedia dramática bien estructurada, bien
narrada, con un Mel Gibson que nos da una actuación que lo reubica
como un gran actor. Pasa rápidamente del gag quasi cómico a la
depresión, del ridículo al éxito, transitando todos los estados de
ánimo del personaje. No es poco.
Carlos Pierre
LAS MARIMBAS DEL INFIERNO
De Julio Hernández Cordón. Coproducción de
Guatemala, Francia y México. Duración: 73 minutos.
REGULAR. CURIOSIDAD MUSICAL ENTRE LA MÚSICA
SATÁNICA Y UN ARGOT INCOMPRENSIBLE
La marimba (instrumento parecibo al xilofón,
que es su versión de metal) es de madera y es considerado el
instrumento nacional de Guatemala. Según la historia de Julio
Hernández Cordón, va siendo dejado de lado en Guatemala por otras
tendencias musicales e interpretativas.
El indigente personaje que toca la marimba, en
un último acto de supervivencia, se asocia a un pionero del heavy
metal, un baterista que se desarrolló en el ambiente underground
que, en Guatemala, es muy precario, según el film. El conjunto
musical que resulta con el agregado de la marimba, en perfomances de
“música satánica”, tiene un hacedor y es un chiquilín de los barrios
marginales, delincuente, prototipo de la picaresca cuando mucho.
Esta marimba en desuso cae en la agonía del infierno del conjunto de
heavy metal con aspiraciones satánicas.
El eje de la trama resulta interesante pero, ni
bien se plantea, se pierde en los escasos minutos que tiene la
narración audiovisual, costando entender muchos diálogos por la
jerga o argot que utilizan, propios de ciertos barrios
guatemaltecos. La filmación además es deficiente en su factura,
escasa de medios técnicos. La película nos muestra una curiosidad
musical y social pero todo se desvanece muy pronto.
Carlos Pierre
Estrenos del jueves 9
de junio del 2011
Esta semana hay cuatro estrenos. Siguen en
los primeros opuestos “Piratas del Caribe IV” y “X Men, El
Comienzo”, que arrasan la taquilla. No comentaremos “Retornos”,
coproducción argentino-hispana.
AGUAS TURBULENTAS
De Erik Poppe. Con Pâl Hagen Valheim
Sverre, Trine Dyrholm, Ellen Dorrit Petersen. Música de Johan
Soderqvist. Duración: 90 minutos.
MUY BUENA. COMPLEJO DRAMA SOBRE LA CULPA Y
EL PERDÓN
La inocencia y la redención, la culpa y el
perdón, se entremezclan en relatos correlativos, por momentos
paralelos, en esta tercera realización del director norueego
Erik Poppe. El film es del 2008, hay cierto retraso pero bien
vale la pena.
La historia tiene un notable acento
dramático que perturba desde el comienzo al espectador. El
título, “Aguas turbulentas”, tiene directa relación con el
argumento y, desde la primera secuencia baña a la audiencia de
desesperación y exasperación. Imposible no conmoverse con esta
película.
Las primeras secuencias nos muestran a un
joven asesino que está por dejar la cárcel, donde purgó el
asesinato de un niño en aguas turbulentas. Los reclusos le dan
el “salvoconducto” metiéndolo en agua hirviendo y luego
propinándole una feroz paliza. Los “asesinos de niños” no son
perdonados por los reos.
Salir de la cárcel puede significar dos
cosas: la búsqueda de un destino personal mejor, ahora como
organista de una inglesia de Oslo, enamorarse de la “pastora” de
la iglesia que tiene un niño. Del supuesto crimen del pasado no
se habla. Hay silencios contundentes en el film.
La segunda vertiente del relato está en la
madre cuyo niño fue muerto, asesinado o bien cayó a las aguas
por error. Ubica al joven asesino y comienza a perseguirlo.
Hay un punto de unión entre el pasado,
insistimos, supuestamente criminal del joven organista y su
actual pareja con su niño: éste también se pierde aunque
momentáneamente. Esto provoca una ruptura en su presente que se
traslada con intensidad a todo el relato: la culpa por un pasado
que no acepta porque siempre se declaró inocente y la culpa que
le produce ese hecho fortuito con el hijo de la pastora.
Profunda, silenciosa, intensa, la película
tiene pasajes donde el joven toca el órgano con disonancias
fuertes algunas fugas. He aquí una forma del realizador Erik
Poppe para graficar el dolor y la culpa, aunque se declare
inocente, del protagonista. Y, como venimos diciendo, el
auditorio no permanece ajeno a tanto dolor contenido, a tanta
desesperación de la madre cuyo hijo falleció, a tanto silencio
que mezcla llantos tácitos y culpas con un perdón que resulta
inasible.
El drama tiene una reafirmación con un tema
musical que ejecuta el organista: el tema de Simon y Garfunkel
“Puente sobre aguas turbulentas” (traducción literal del título
en inglés). ¿Es culpable, es inocente? ¿Por qué tanto silencio,
por qué tanto dolor en los personajes?
Sin duda, todos ellos nos remiten a las
diferencias de la moral social y las actitudes que los latinos
tomamos frente a situaciones límites, como en este caso. Y hay
una pátina lejana al legado cinematográfico de Ingmar Bergman.
Film duro y difícil de asimilar por el
planteo inicial, el asesinato o muerte accidental de un niño, un
suceso que se mantiene latente a lo largo de la narración y que
mantiene en vilo al espectador. No hay tregua en el drama.
Carlos Pierre
HANNA
De Joe Wright. Con Saoirse Ronan, Eric
Bana, Cate Blanchett, entre otros. Música de Chemical. Duración:
110 minutos.
MUY BUENA. UN “PATCHWORK” DE THRILLER,
GENÉTICA, LOS CUENTOS DE GRIMM, ALOCADO Y ATRAPANTE
Ésta es una semana de dos films complejos:
Aguas Turbulentas y Hanna. Los dos tienen en común una ausencia
de sentimientos explicitados y, en cambio, aportan miradas
atormentadas que valen más que las palabras. En el caso de Hanna
nos enfrentamos a un “patchwork” de Joe Wright, el mismo
realizador de “Atonement” y de “El solista”, dos películas que
nos encantaron. También con variados escenarios.
Esta película comienza en las estepas
finlandesas, pasa por los desiertos de Marruecos, se interna en
la zona de Andalucía, en España, y nos mete, sin permito, en una
fría oficina de la CIA. Un hombre vive de la caza y pesca con su
hija adolescente, la incnreíblemente bella Saoirse Ronan. Eric
Bana encarna a este padre que prepara a su hija para la lucha,
matar o morir, cazando un venado al comienzo con la misma
técnica con la que cazará a sus enemigos. La jovencita no tiene
opción: cuando salga de su casa en medio de los hielos será para
matar o morir. Su objetivo es una mujer, encarnada por Cate
Blanchett, que tuvo que ver con la mutación genética hace 20
años para generar una raza, cuándo no, rubia y de ojos azules
más fuerte, más poderosa física y mentalmente. Hanna es el fiel
reflejo de estas capacidades pero no está claro si es por el
brutal entrenamiento al que la somete su padre o por una
cuestión genética.
Impacta la primera secuencia de la muerte
del venado y su destripamiento. Esto hay que contarlo porque
mucha gente puede sentirse herida. Hanna no tiene sensibilidad
aparente.
Al salir al mundo, tanto ella como su padre
emprenden una alocada carrera por lugares insólitos y muy
lejanos a Finlandia como es Marruecos. Aunque la atrapen, la
jovencita sabrá salir y continuar con su búsqueda o su
salvación. Una familia tipo, con algunas excentricidades en sus
dos hijos y en la madre, le permite vivir esa vida que
desconoce: la de la familia, la salida con chicos de su edad, la
pérdida momentánea de su brutalidad. Pero Hanna no es una chica
que conozca sutliezas así que se producirán gags que quiebran,
momentáneamente, la dureza de la narración.
Es atrapante, por otra parte, porque es un
thriller. Y la música del grupo Chemical, ensordecedora y
machacadora en el rítmo, colabora en gran medida para que el
espectador esté casi al borde de un ataque de nervios o con una
extrema excitación. El volumen de los ritmos electrónicos de
Chemical tienen una explicación: Hanna tiene los sentidos más
agudizados que el resto de los mortales por lo tanto, cuando
sale al exterior, los sonidos son brutales. Para el personaje y
para el espectador.
Hay una marca “Bourne”, la famosa saga de
tres filmes, en el escape de los protagonistas. La historia real
de Hanna, cómo llegó al mundo, vendrá con algunos flashbacks,
que en nada perjudican la narración central y, en todo caso,
aportan claridad.
Es que, entre tantas corridas de Hanna por
el mundo, el guión deja mojones sin cubrir: desde el acarreo del
venado destripado hasta la aparición en Marruecos. Puede haber
alguna que otra señal de que algo semejante puede ocurrir,
mediando tantas distancias, pero no resulta muy claro si uno lo
analiza sin pasión.
La casita de los cuentos de Grimm aparece
como un solaz en medio de tanta correría pero no será un lugar
apacible tampoco. La muerte está por todas partes, Hanna es una
luchadora y vengadora en esencia y la ternura, la femineidad, la
dulzura, están ausentes en todos los personajes. Sin embargo, el
ritmo febril, con sus más y sus menos en el guión, nos
resultaron atrapantes de principio a fin dejándonos la sensación
de haber visto un thriller fuera de lo común.
Elsa Bragato
KUNG FU PANDA 2 en ·D
De Jennifer Yuh Nelson. Con Jack Black,
Angelina Jolie, Dustin Hoffman, entre otros. Música de Hans
Zimmer y John Powell. Duración: 90 minutos.
MUY BUENA. DIVERSIÓN Y AVENTURAS EN UN
CONTEXTO VISUAL ESTUPENDO
Estamos frente a la segunda película de
Kung Fu Panda, la primera fue hace tres años. La “reinvención”
de la tecnología en 3D nos asegura un film entretenido de
principio a fin, con este oso Panda que no se da cuenta de su
papá es un “ganso” y no un panda, y que, ya entrenado en las
técnicas del Kung Fu, es un experto en artes marciales que
salvará la legendaria tradición de las mismas.
Ahora se enfrenta a un pavo real que ha
creado una máquina de fuego espantosa con la que piensa destruir
el mundo de Kung Fu Panda, llamado Po, y cinco amigos, desde una
serpiente hasta una suerte de langosta exótica y muy entrenada.
Este pavo quiere apoderarse de China.
Nada menos.
No se trata de una secuela más. Nos
animamos a decir que es más entretenida que la primera y tiene
un objetivo: dilucidar el origen de Po, mientras defiende China
y al Kung Fu. Estos propósitos narrativos le dan mucha sal y
pimienta a esta segunda parte que resulta más que atractiva.
Desde la fotografía, que abunda en planos
largos con todos los matices de detalles y colores que uno se
pueda imaginar, hasta planos cortos, igual que si se trabajara
en un film no animado, hasta la música en manos de dos grandes
maestros de Hollywood, Hans Zimmer y John Powell.
El “quid” de la historia está en un sello
que despierta en Po reminiscencias de un origen que ve confuso y
le saca fuerzas en la lucha. Lo demás es un thriller de
entretenimiento de primerísimo nivel. Esta vez sí se puede decir
que segundas partes son buenas.
Elsa Bragato
Estrenos del jueves 2
de junio del 2011
Hay cinco estrenos en soporte fílmico. No
comentamos “Desbordar”, de Alex Tossenberg que merece nuestro
reconocimiento aún sin haberla visto por el tema que trata.
X.MEN, PRIMERA GENERACIÓN
De Matthew Vaughin. Con James McAvory,
Michael Fassbender,Jennifer Laurence, Kevin Bacon y un cameo de
Hugh Jackman. Música de Henry Jackman. Duración: 132 minutos.
MUY BUENA. JÓVENES MUTANTES CON SINCEROS
PLANTEOS ÉTICOS
Estamos ya en la cuarta película de los
X-Men, en este caso la precuela, cómo se originó ese singular
grupo de jóvenes mutantes o con dones especiales que los
entrenara Hugh Jackman. En este caso, vemos qué pasó con Eric
Lensherr
en un campo de concentración nazi en Polonia, una escena que
había quedado en suspenso en el primer film. Aquí se sabe qué
originó que sacara a la luz su enorme fuerza mental.
El film nos va contando, con una magnífica
fotografía aérea para ubicarnos en diferentes ciudades europeas
y hasta en el Pentágono, cómo van apareciendo estos jóvenes
mutantes, de dónde vienen y, posteriormente, cómo terminarán
reuniéndose para dar inicio a la escuela de jóvenes mutantes.
Charles Xavier, encarnado por un sagaz
James McAvory, terminará reuniéndose con Eric, el futuro
Magento, a cargo de Michael Fassbender. Son los fundadores de
esta escuela de superdotados, aunque con el tiempo surgirán
diferencias conceptuales sobre el origen de estos dones, la
mutación de los genes desde los campos nazis, y la necesidad de
proteger a quienes son diferentes.
El film, con una narración muy bien
planteada y ágil recorriendo diferentes ciudades como indicamos,
añade un toque analítico a las circunstancias de cada joven
mutante. Aparecen subtextos sobre la ética del comportamiento de
cada uno de ellos, la reacción social por el aspecto, y cómo
defenderse. No es poco para un film taquillero desde el vamos.
El futuro de Charles y de Eric serán el
Profesor Xavier y Magneto. Pero es tan solo lo que se espera que
suceda mientras los mutantes recorren buena parte de la historia
de los últimos 50 años, hasta ubicarse en medio de la guerra
fría entre los Estados Unidos y Rusia, en momentos en que en
Cuba se instalaban misiles. Y se puede ver el discurso original
del presidente Kennedy en aquel momento, con una notable
recreación de época. Este hecho permitirá que conozcamos la
reacción de Eric, que lleva tatuado su número en un campo nazi y
tiene espantosos recuerdos, y la de Xavier, con su lucidez
extraordinaria.
Si bien hay efectos especiales, por suerte
no inundan la pantalla a puro ruido sino que se dan en los
momentos justos. También hay secuencias graciosas como las que
suceden en el Pentágono y alguna reflexión machista.
El error: es tan visible que no podemos
dejar de contarlo. Uno de los nazis se escapa a la Argentina y
así lo dice un secuaz cuando es ferozmente atacado por Eric. Lo
ubica en Villa Gesell. Y cuando Eric viene al país, el paisaje
de Villa Gesell no es una playa sino uno típico de Bariloche.
Hablan en castellano, lo necesario, dentro de un bar de la zona.
Y, por suerte, no aparece más esa Villa Gesell inventada por una
producción que no investigó y supuso que nadie conoce ni el país
ni las playas de Gesell. Grave error. Salvando esto, que nos
molesta en forma especial, el film es muy atractivo, no decae
nunca la acción ayudada por una fotografía estupenda y por muy
buenas actuaciones.
Elsa Bragato
ROMPECORAZONES
De Pascal Chaumeil. Con Romain Duris,
Vanessa Paradis, Julie Ferrier, entre otros. Música de Klaus
Badelt. Duración: 104 minutos.
MUY BUENA. GLAMOUR EN UNA COMEDIA ROMÁNTICA
SOBRE EL CAZADOR CAZADO
Es difícil innovar en el género romántico,
especialmente cuando se trata un tema muy trajinado: la joven
dispuesta a casarse con un hombre que sus padres no quieren y la
aparición de un “salvador” que se enamorará de ella. El
debutante Pascal Chaumeil logra un aggiornamiento de la historia
del “cazador cazado” con elementos propios del siglo XXI y mucho
glamour y sofisticación de las locaciones (Montecarlo)
utilizadas.
Alex Lippi es el personaje a cargo de
Romain Duris que tiene montada una empresa familiar insólita:
desbaratar, a pedido y con muy buen pago, situaciones románticas
que desagraden a terceros. Ayudado por su hermana y su cuñado y
con cierta sofisticación de medios, algunos un tanto ridículos,
demuestra su capacidad para seducir, engañar y así devolver
esposas, amantes y madres a sus hogares originales. Hasta que un
millonario le hace la propuesta de quebrar el noviazgo de su
joven hija, una bellísima Vanessa Paradis, con un riquísimo
hombre de negocios de Las Vegas. El plazo es de cinco días para
impedir una boda que está más que planificada.
Esto le permite a los guionistas una serie
de secuencias ágiles, viajes, corridas de los protagonistas en
aeropuertos y hoteles lujosos, tratando de seducir a la bella
para que no se case.
En este sentido, los subtextos son los
conocidos: la relación padre-hija, la soltería del protagonista
embaucador, la necesidad de llevar una vida ostentosa y qué se
hace para conseguir dinero. Es decir, hay varios puntos que
pueden analizarse y traspolarlos a situaciones de nuestras
sociedades para comprender, no con la misma índole de trabajo
por cierto, el enriquecimiento de una buena mayoría. O sea, no
siempre hay caminos “sanctos” y a veces son insólitos, como el
que nos muestra el film.
Buena ropa, buenas locaciones, hoteles
soñados, viajes a lugares bellísimos, noches con lunas y
romance, un sinfín de situaciones jugadas con elegancia que
resultan simpáticas y agradables para pasar un buen momento.
ELSA BRAGATO
QUÉ CULPA TIENE EL TOMATE
Documental sobre mercados populares
latinoamericanos.
Este documental bien puede ser calificado
como “muy bueno” por la inquietud de sus siete directores de
recorrer los mercados populares de Argentina, Bolivia, Perú,
Colombia, Brasil, Venezuela y España. Montado en capítulos, con
cámara ágil, sin diálogos (solo al final) pero con el sonido
ambiente de los trabajadores que hombrean bolsas de verduras muy
de madrugada para ir armando el mercado, nos muestra la
verdadera cara de las ciudades. Bien se dice que, para conocer
el sitio que visitamos, hay que ir a su mercado.
Los directores de este documental que lleva
un título muy de esta semana , “Qué culpa tiene el tomate?”,
cuando en Europa se inició la “guerra de los pepinos”, han hecho
un muy buen trabajo; por supuesto que no es comercial,
taquillero, pero sí puede obrar como un film de información
incluso para las escuelas.
Alejo Holjman, Marcoz Loayza, Josué
Méndez, Carolina Navas, Paola Vieira, Alejandra Szeplaki y Jorge
Coira fueron los sietes directores que armaron estas
estupendas secuencias de vida en 107 minutos.
ELSA BRAGATO
BLUE VALENTINE
De Derek Cianfrance. Con Michelle Williams,
Ryan Gosling. Música de Grizzly Bear. Duración: 120 minutos.
MUY BUENA. CUANDO LA VIDA PRODUCE ESTRAGOS
EN EL ALMA
La historia de “Blue Valentine” (blue, en
inglés, también significa tristeza) es triste y melancólica: una
pareja transita desde el éxtasis del enamoramiento hasta el
ocaso del amor.
Son múltiples las razones que hacen de este
film una propuesta diferente, con un fuerte rasgo de cine
independiente: la inserción del pasado con una filmación en 16
mm de planos largos, en contraste con numerosos planos cortos
del presente de la pareja, en la parte técnica de la narración.
En su contenido, están los contrastes sin atenuantes de la vida
misma: ella quiso ser médica y terminó siendo enfermera, él,
pintor de brocha gorda, terminó haciendo changas.
Es una historia de amor y dolor sin
maniqueísmos, las culpas fueron repartidas, el final que no es
el típico de Hollywood, son otros elementos que transforman a
Blue Valentine en un film profundo, doloroso, sin atenuantes de
ningún tipo.
El contraste de personalidades es uno de
los tonos del film de este “primerizo” llamado Derek Cianfrance.
“Cincy”, a cargo de Michelle Williams (cuando se inició el film,
quedó viuda de Heath Ledger, hubo que esperar a que se repusiera
de la pérdida de su marido, justo cuando intentaban recomponer
la relación, para continuar luego de meses el film) es dinámica
y emprendedora. Dean se deja estar en su hogar, cuida de la
hijita de ambos, un verdadero “botín” cuando el andamiaje del
amor empieza a quebrarse y desmoronarse.
Este contraste que mencionamos permite que
Williams y Gosling se enfrenten en un duelo actoral realista,
extremadamente creíble, cotidiano en sus idas y venidas,
personajes que gozan y sufren la vida , una vida y una realidad
que les tienden trampas. Y no siempre se está preparado para
salir de ellas y recomenzar. Muchas veces la vida provoca
estragos en el alma y allí se derrumba lo que se pudo construir.
Cindy y Dean no son la excepción.
Hay dos escenas que consideramos
antológicas: la primera es un baile de la pareja en la calle,
bajo la magia de la noche, y la segunda, es cuando Dean intenta
reconquistar a Cindy llevándola a un hotel futurista y bizarro,
secuencia que no termina de un modo feliz, a diferencia de la
anterior del baile callejero.
Dos amantes, una niña. Una vida en común.
Contraste de personalidades. El sentimiento más profundo y
valedero que nos deja esta película es el rigor en el
tratamiento del tema, y le sumamos el peso de la pérdida que
agobia, que puede agobiar, a dos que se quieren,
transformándolos de dos alegres amantes en dos tristes seres
humanos que sucumben a sus miserias espirituales. La narración
está contada de manera NO LINEAL, pero esto no obstaculiza la
comprensión de la historia que nos duele, que nos enfrenta a
miedos, tal vez a recuerdos que no queremos. Un gran film que
mereció la nominación a los Oscar, incluyendo la actuación de
Michelle Williams. También, junto con Rosling, fueron nominados
como mejores actores en Drama de los Golden Globe.
Si quiere una historia de verdad, que lo
conmueva, ésta es su película
Estrenos
del jueves 28 de abril del 2011
Hay cinco
estrenos. No comentaremos “Felinos en África” porque ese tipo de
documentales se ven en algunas señales de cable y las escenas de
violencia animal no nos agradan.
THOR
De Kenneth
Brannagh. Actores: Anthony Hopkins, Chris Hemsworth, Natalie
Portman, entre otros. Música de Patrick Doyle. Duración: 113 minutos
MUY BUENA.
CÓMIC CON PARLAMENTOS A LO SHAKESPEARE Y ESTRUCTURA DEL DANTE ALIGHIERI.
DIFERENTE Y ATRACTIVO.
Kenneth
Brannagh en un notable actor y realizador irlandés (lleva más de 10
films incluyendo cortos) y un gran estudioso del teatro Shakeapeare. No
obstante, se ha dado el gusto de interpretar papeles diversos en
diferentes géneros fílmicos. Le faltaba dirigir una película en 3 D y no
dudó en aceptar el cómic de Marvel llamado “Thor”, ese guerrero vikingo
desterrado por su padre enfrentando a su malvado hermano que intenta
matar al progenitor.
Si se
ingresa al género del cómic y además se utilizan efectos en 3D siempre
se caerá en lugares comunes que son los que permiten el esplendor de
esta técnica que se disfruta con anteojos bicolores. Brannagh no es la
excepción. Nada más que, entre líneas, no escapará al espectador que lee
y mucho la dirección actoral propia del teatro de Shakespeare en muchos
parlamentos del gran Anthony Hopkins, sus modulaciones, y su postura
escénica, como también reconocerá en la utilización de planos-secuencias
que, tal como están plasmados en la narración audiovisual, solo pudo
concretarlos quien, además de literatura inglesa, conoce la estructura
de la Divina Comedia del Dante Alighieri. La cámara comienza en ese
mundo virtual, dorado, espléndido y de computadora para pasar por un
colchón de nubes y detenerse en las espaldas de Natalie Portman, la
investigadora terrestre ubicada en Nueva México, Estados Unidos.
Solo quien
conoce La Divina Comedia pudo realizar ese plano secuencia donde se unen
dos reinos. El del pecado? El de la violencia? El puramente virtual
junto al plenamente terráqueo? Brannagh tiene el secreto y creemos haber
dado en el “clavo”.
Los diálogos
también llaman la atención muchas veces, al margen de la parafernalia de
los efectos en 3D: poner en boca de severos agentes del FBI frases con
relación a otros superhéroes o muy actuales luego del atentado del 11 de
setiembre son recursos que ha incluido Brannagh.
Enriqueció
un cómic, que no deja de ser tal con sus más y sus menos, y le añadió el
conocimiento de estructuras literarias jamás superadas. Hamlet y la
Divina Comedia son toques que Brannagh maneja, conoce, disfruta y nos
regala porque tuvo ganas.
Anthony
Hopkins hace un gran papel como el rey Odín, creíble como pocas veces en
performances tan elaboradas. Thor está encarnado por el joven actor
australiano Chris Hemsworth, apolíneo y, si bien carilindo, con
personalidad para actuar! Y, por supuesto, Natalie Portman, seguramente
antes de El Cisne Negro.
Nos parece
un muy buen cómic con, como ya dijimos, algunos clishés y sus más y
menos, pero enriquecido por la estructura narrativa propuesta por
Brannagh y por la dirección actoral donde a personajes de historieta les
ha otorgado la majestuosidad de los personajes de Shakespeare. No es
poco para un cómic.
Elsa Bragato
MIS TARDES CON MARGHERITTE
De Jean
Becker. Con Gérard Depardieu, Giséle Casadesus, entre otros. Música de
Laurent Voulzy. Duración: 82 minutos.
BUENA. CANTO
A LA AMISTAD Y AL AMOR. FILM TIERNO, SENCILLO Y CONMOVEDOR
Estamos
frente a un encuentro singular y emotivo entre una anciana de 95 años y
un cincuentón rústico excedido de peso, casi analfabeto, en un pueblo
francés. La anécdota es el encuentro en un banco de la provinciana plaza
de los dos personajes indicados que se relacionan por un tácito amor
entre una señora mamá y un hombre que no mantiene buena relación con la
suya, surgiendo así diferentes motivos de interés cotidiano como la
lectura, el amor a los animales, la charla amena sobre las cosas simples
de la vida.
La actriz
Giséle Casadesus, de vasta trayectoria en la Comédie Francaise, y el
notable Gérard Depardieu, de innegable carisma y capacidad actoral,
conforman un binomio deslumbrante, especialmente para las emociones.
El director
Jean Becker, que viene de familia de realizadores (padre, hermano)
transita con comodidad el difícil camino del cine. Incluso ha revelado,
con infrecuente modestia, que no posee demasiada imaginación por lo que
recurrió -en 11 de sus 12 películas- a la literatura como material para
guionar. En este caso, se basa en la novela de Marie-Sabine Roger donde
afloran textos de Albert Camus como La Peste y El Extranjero, y es un
ejemplo más de la interminable lista de películas francesas que se
cimentan en la literatura.
La historia
está bien estructurada. No se escapan detalles del pasado del
protagonista, “Germain”, que fundamentan la relación con la anciana y su
devoción por cuidarla, y la que mantiene con su madre, que siempre lo
criticó por ser grandote y gordote.
Un bar de
pueblo, sus habitués, sus chanzas y sus historias particulares, 19
palomas (bien contadas por “Germain”)con sus nombres alrededor del banco
de la plaza donde Margheritte y Germain se encuentran ocasionalmente, la
novia de Germain, la madre terca, redondean una comedia muy amable y
emotiva. Hay secuencias un poco extensas pero que hacen a la esencia del
film, por ejemplo, la lectura de fragmentos de La Peste que Margheritte
no duda en hacerle conocer a Germain, o bien la búsqueda en el
diccionario de nombres y palabras frente a su gato que Germain realiza
con charlas a ese “alter ego” que lo mira y acepta complaciente.
Hay climas
bien logrados, a “giorno” en la plaza; con penumbra en algunos rincones
del carromato donde vive Germain. La música, por otra parte, de Laurent
Voulzy acompaña desde los títulos de apertura hasta los créditos finales
con una orquestación bien “a la francesa” en la que no escasean los
músicos, los atriles.
Pasado y
presente montados ágilmente, ternura en los protagonistas, una historia
sencilla que, en algunos momentos, nos toca en algo a cada uno. Para los
adultos que buscan buenas películas, sin que sean las más virtuosas del
firmamento cinematográfico.
Carlos
Pierre
UN TREN A PAMPA BLANCA
De Fito
Pochat. Documental hispanoargentino. Música de Sergio de la Puente.
Duración: 79 minutos.
BUENO. UN
HOSPITAL SOBRE RUEDAS PARA LOS MÁS NECESITADOS
Este
documental de Fito Pochat tiene, a su favor, el mostrarnos algo que la
mayoría de los argentinos desconocemos: la existencia del Tren Alma, un
tren hospitalario formado por tres vagones que se adosan a una formación
del Belgrano Cargas. Desde Buenos Aires, un grupo de voluntarios médicos
viajan hasta esta zona del sur de Jujuy, lindante con Salta, llamada
Pampa Blanca (es zona de salitres), con poco más de 3600 habitantes. La
necesidad de los pueblos aborígenes o bien de los argentinos nacidos en
esos parajes es absoluta. Los niños padecen todo tipo de enfermedades,
los médicos tratan desde adultos a bebés, muchas veces deben derivar los
casos más agudos de desnutrición, se enfrentan al Mal de Chagas,
tuberculosis, desnutrición, entre tantas otras enfermedades.
El
documental aspira a mostrarnos una verdad, tiene algunas secuencias muy
bien fotografiadas mientras el tren se acerca al paraje, luego se torna
sencillo en su narración pero no por eso deja de tener el valor de
“documento”.
Mostrar qué
pasa en el país en el aspecto social y médico es un deber para muchos
documentalistas. A veces no se tiene el público deseado para recuperar
la inversión pero aún así son documentales bienvenidos por las verdades
que desnudan, con la amplitud que da el cine. Desde este punto de vista,
felicitamos a Pochat por su iniciativa.
Elsa Bragato
SCREAM 4
De Wes
Creaven y Kevin Williamson. Con Lucy Hale, Roger Jackson, Shenae Grimes,
entre otros. Música de Marco Beltrami, Buck Sanders, John Kurlander.
Duración: 111 minutos.
BUENA.
TERROR CONOCIDO CON LA EFICACIA DEL 3D
Hace quince
años (1996) Scream aterrorizaba con una llamada telefónica, una ya
emblemática máscara y un cuchillo. El regreso, luego del último Scream
en el 2000, del director Wes Creaven junto al mismo guionista, Kevin
Williamson y a tres estrellas de entonces (Neve Campbey, Courteney Cox y
David Arquette), con la ausencia de la protagonista Drew Barrymore, nos
promete una larga hora de estremecimiento en el mismo pueblo.
La historia
de este cuarto film Scream se centra en “Sidney Prescott”, convertida en
una exitosa escritora que logró superar el terror vivido en su pueblo,
Woodsboro. Sin embargo, el destino quiere que tenga que presentar su
último libro allí, en Woodsboro, donde había vivido tanto horror. Todo
está armado en el argumento de manera tal que el horror recomience como
se debe en este tipo de films secuelas. Claro está, de una manera más
sofisticada porque incluye el 3D.
Para quienes
no vieron las anteriores “Scream”, encontrarán muchas referencias que no
les dirán nada, salvo una íntima interrogación, tendrán la sensación de
que algún eslabón se perdieron. Para el que ha seguido la saga, viendo
la última película en el 2000, muchos elementos argumentales comenzarán
a tener sentido. Hay que destacar que el tema en el género del terror
es, básicamente, el mismo con gradaciones: el primer film aborda siempre
el género por completo. Horror, terror, sangre y los elementos
distintivos del comienzo de una saga. El segundo se centra en las
secuelas del primero. El tercero se apoya en los cierres de las
historias de los personajes y lugares y llega a la conclusión. No
siempre se espera un cuarto film.
Los cuatro
films están dirigidos a los espectadores que hacen un culto del estilo
“Scream” porque fue la trilogía que renovó el género cuando
prácticamente no interesaba más a mediados de los 90. Hoy se tiene la
tecnología 3D para asustar más, la música efectista de Marco Beltrami, y
se forma una narración audiovisual que contribuye a atemorizar a los que
buscan un esparcimiento teñido de sangre.
Se considera
que “Scream 4” es la película más seria y oscura de todas, aunque
persistan los guiños referenciales: cuando revisan el baúl del auto de
la protagonista y se encuentran las fotos que, obviamente, corresponden
a los films anteriores. Hasta aparece un póster de Shakira y en una
película que se transmite por televisión se observa el nombre de Robert
Rodríguez en los créditos. Guiños, referencias, saludos crípticos, solo
para fans del género.
Los
asesinatos seriales regresan con el “esplendor” sangriento que da el 3D
y la previsibilidad de la conclusión que, de ninguna manera, da por
terminada la saga. Buen ojo comercial de Wes Craven y una realización
que incluye a jóvenes actores como para que tengamos la certeza de que
el terror continuará. Para fanáticos de Scream.
Carlos
Pierre
Estrenos
del jueves 14 de abril del 2011
Hay cinco
estrenos, cuatro en soporte fílmico y uno en DVD, AJAMI, que no
comentaremos. Hay dos estrenos nacionales sobre los cinco.
LOS MARZIANO
De Ana y
Daniel Katz. Actores: Arturo Puig,Guillermo Francella, Mercedes Morán, Rita
Cortese, entre otros. Duración: 82 minutos.
BUENA.
RELACIONES FAMILIARES EN UNA NARRACIÓN ASÉPTICA CON BUENAS ACTUACIONES
Ana Katz nos
presenta su tercer largometraje, esta vez con grandes figuras del
espectáculo nacional. De su obra anterior, nos emocionó especialmente
“Una novia errante”. Ahora asistimos una comedia que intenta rescatar lo
mejor del costumbrismo sin caer en clishés. Dos hermanos enfrentados por
condiciones sociales y familiares, el que viene de Tucumán está a cargo
de Guillermo Francella, lejos de la comicidad que le conocemos, y el que
vive en un country es Arturo Puig, junto a su “paqueta” esposa Mercedes
Morán. Uno tiene un problema en la vista, el otro juega al golf,
situaciones que marcan la diferencia social entre ambos.
Lejos de
internarnos en la narración de la anécdota argumental planteada,
encontramos muy buen elenco y actuaciones. En la narración en sí,
sentimos que faltó emoción y que, por eludir los clishés del
costumbrismo, se quedó en la asepsia secuencial. Por eso, Guillermo
Francella aparece encorsetado en la solemnidad, si bien esto no le resta
mérito alguno a su perfomance, pero sí a la dirección actoral. En
definitiva, resulta más entrador para el espectador el personaje de
Arturo Puig, que conserva buenas razones de encono para con su hermano.
En el caso
de las dos actrices, Rita Cortese nos llega al corazón como la hermana
que recibe a Juan, personaje de Francella, para tratar de ayudarlo en su
problema y acercarlo al hermano. Mercedes Morán es impecable, pero esta
quasi perfección en la actuación la hace excesivamente distante. Lo
remarcamos porque no es la primera vez que sentimos que Morán actúa sin
movilizarnos.
El film es
amable, correcto, y se nota que los Katz lograron un presupuesto que les
permitió internarse en una historia más compleja y también mucho más
costosa. Si la va a ver, no se sentirá defraudado. Nada más que a la
hora de hacer la crítica no podemos dejar de lado que un buen producto
también tiene que movilizarnos, hacernos sentir “algo” en el corazón.
Elsa Bragato
EL DERROTADO
De Javier
Torre. Con Adrián Navarro, Romina Gaetani, Norma Argentina, Facundo
Navarro, M´´onica Galán, entre otros. Guión basado en el libro homónimo
de Leopoldo Torre Nilsson. Música de Pablo Memi y Eduardo Piva.
Duración: 90 minutos.
BUENA.
COMEDIA DRAMÁTICA SOBRE LA VIDA DE UN LUDÓPATA EN LA DÉCADA DEL 50
Javier Torre
logra una ambientación perfecta de los años 50, a cargo de Catalina
Motto. Hay un retrato realizado con minuciosa fidelidad de una época
huérfana de objetos domésticos, formal en el trato diario y con una
pátina del nihilismo existencialista de entonces. La locación de la
vivienda es más que acertada, reflejando cabalmente las edificiaciones
de las primeras décadas del siglo XX.
Julio es el
personaje que encarna Adrián Navarro, un actor ampliamente fogueado en
el cine (no solo en TV), que ve su propio deterioro y el de su vida por
su ludopatía: juega a las carreras, a las cartas, dados y taba criolla.
La pérdida constante en el juego lo sumerge en una pendiente psicológica
difícil de remontar: maltrata a su joven esposa, a cargo de una
eficiente Romina Gaetani, a su pequeño hijo, y hasta pierde el trabajo.
Ni siquiera su esposa, sufrida durante años, dejará de buscar un atajo a
tanta desilusión y dolor cotidiano.
El clima es
opresivo y convincente. Es una comedia dramática donde los actores puede
lucir sus capacidades y movilizar al espectador.
Añadimos que
Javier Torre recurrió al archivo de sonido de Radio Nacional y al
Archivo General de la Nación para adecuar los programas de radio, único
medio informativo de las familias de entonces, a la época. Si bien
nuestra calificación es “buena”, hay rigor cinematográfico y buena
dirección actoral.
Carlos
Pierre
PRUEBA DE AMOR
De Shana
Feste. Con Pierce Brosnan, Susan Sarandon, Carey Mulligan, Johnny
Simmons Bennett, entre otros. Música de Christopher Beck. Duración: 96
minutos.
REGULAR.
DRAMA FAMILIAR ENMARCADO EN UN ROMPECABEZAS
Decimos que
este film tiene un montaje desacertado porque se transforma,
rápidamente, en un rompecabezas para el espectador que deberá saltar
desde la movilizante escena de amor de los protagonistas (Carey Mulligan,
gran actriz) al dolor desesperante de Susan Sarandom como la madre que
perdió a su hijo.
La pareja
tiene relaciones, el joven muere trágicamente, y un buen día, nadie sabe
cómo, la chica (Mulligan) aparece en el hogar de su novio para decir que
quedó embarazada. Sin más, el padre la acepta ante la reticencia de
Sarandom que apenas puede con su vida. El hermano del joven fallecido es
adicto a las drogas y supera rápidamente el dolor familiar logrando
cierta amistad con la “desconocida” y su futuro bebé.
El gran
problema del film no pasa por el guión sino por el montaje. No se
entiende. Veamos: la aparición de la joven en la casa de su novio no se
comprende. La salida al cine con el padre de su novio, un personaje que
Pierce Brosnan realiza con oficio y emotividad, tiene una extensión
secuencial inusitada y no aporta nada. O la visita a un centro de
recuperación por parte del hermano de la víctima también es extensa y
queda ahí, como un gran cabo suelto. Tampoco se comprende la rápida
asimilación de la jovencita a su nuevo hogar y las decoraciones
insólitas, cuanto menos, que realiza.
Se salta de
situación en situación. Hay una secuencia que destacamos y que muestra,
finalmente, el dolor de los padres: el arrebato de la madre de ahogarse
en el mar y la salvación de su marido. Brosnan conmueve, Sarandom nos
arranca el corazón.
Tampoco
tiene correlato alguno la visita de Sarandom al hospital para hablar con
el camionero que dio muerte accidentalmente a su hijo, y la búsqueda de
frases, que le describan ese brutal hecho, para cambiar bruscamente el
sentido original del film.
Muchos son
los subtemas colgados: el de la recuperación del joven drogadicto, el
accidente fatal contado y no filmado, la relación del padre con una
profesora amable y sonriente. Y “colgar”, dejar sin desarrollo tantos
subtemas, produce confusión. Son saltos narrativos que desdibujan el
drama familiar transformándolo en anodino.
Destacamos a
Susan Sarandom en un protagónico conmovedor. Y aportamos el dato de que
es el primer film de la directora.
Elsa Bragato
TORRENTE 4 en 3D
DE Santiago
Segura. Con Santiago Segura, Kiko Rivera, entre otros. Duración: 93
minutos.
MALA.
GROSERÍAS DE LA PEOR CALAÑA EN 3D
Estamos
frente a la cuarta película de la saga Torrentiana de Santiago Segura.
Desde la primera Torrente-El brazo tonto de la Ley (1998), el actor y
guionista y director Santiago Segura cosechó millones de euros en
España. Y, lamentablemente, espectadores (ha estado en el BAFICI!).
Encarna a un policía transformado por obra del tiempo en seguridad
privada que pasa por una “crisis letal” e intenta sobrevivir en la
ciudad a la espera de algún “encargo”. Una misión fracasada lo lleva a
la cárcel y éste es el lugar para desarrollar una serie de groserías de
la peor calaña. Especialmente si estamos viendo un film que
fue incorporado al circuito comercial y no a una sala condicionada.
La
escatología más barata está a la orden del día, como un teléfono que se
extrae de un orificio del cuerpo, sucio y pestilente, a manera de
“gracia”. Por si fuera poco, las mujeres son “vaciaderos útiles” para
este maleducado del cine español que las menea desnudas para distraer al
espectador. No se entiende cómo Santiago Segura es licenciado en Bellas
Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Creemos que se quedó
dormido en varias materias. Mal gusto, pésimo cine para un circuito
comercial que requiere de salas para el cine nacional, bueno o malo.
¿Cuánto dinero ha pagado la distribuidora para que Segura se pasee por
los canales porteños de TV promocionando esta basura?
Carlos
Pierre
Estrenos
del jueves 7 de abril del 2011
Hay cuatro
estrenos. No comentaremos “Río” ni “Revolución el cruce de Los Andes”.
EL HOMBRE QUE VENDRÁ
De Giorgio
Diritti. Con Maya Sansa, Alba Rohrwacher, Eleonora Mazzoni, entre otros.
Música de Marco Biscarini y Daniele Furlatti. Duración: 114 minutos.
MUY BUENA.
LA ESPERANZA DE VIVIR EN MEDIO DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL.
El film de
Giorgio Diritti ganó el David di Donatello y el premio del Jurado en el
Festival Internacional de Cine de Roma, en el 2010. Estamos frente a una
película de la mejor cepa del cine neorrealista italiano, dado que
Diritti trabajó con actores no siempre profesionales.
Además, el
realizador es boloñés y supo rescatar la historia “boca a boca” de los
lugareños de Marzabotto, donde 800 personas fueron asesinadas por la SS
de Hitler.
El hecho
puntual se centra en la noche del 28 al 29 de setiembre de 1944 cuando
estas fuerzas especiales de las tropas alemanas llevaron a cabo una
redada sin precedentes que se ha conocido como “la masacre de Mazabotto”,
que vio justicia recién en el 2007.
La
protagonista es una niña de 8 años (Greta Zuccheri Montanari), quien
quedó muda cuando su hermano menor murió a los pocos días de nacer. Su
madre queda embarazada y ese nuevo niño es el que da título al film, en
medio de escenas desgarradoras.
La
producción es creíble, así como Diritti hace uso de una fotografía muy
exquisita para recorrer las tareas del campo, lejos del costumbrismo
pero pegado a la realidad cotidiana de esos pobladores. Es también una
muestra de la descarnada subsistencia al frío, al hambre y a la amenaza
de muerte de las tropas alemanas.
Se trata del
segundo film del realizador y escritor Giorgio Diritti (“Il vento fa il
suo giro”, 2005), que nos conmueve y nos hace recordar a aquel gran cine
italiano de postguerra. Para muchos críticos, el film se queda en la
anécdota o bien tiene problemas de guión. Para nosotros, es una gran
película, que profundiza la herida que no cierra fácilmente dejada por
el hitlerismo.
Diritti
tiene una paleta realista, salpicada por pequeños momentos de bonanza.
La película llega al corazón de la mano de esta pequeña, muda, que nos
emociona por su valeroso paso a través de esta trágica historia.
Carlos
Pierre
PASE LIBRE
De Peter y
Bobby Farrelly. Con Owen Wilson, Jason Sudeikis, Jenna Fischer,
Christina Applegate, entre otros. Duración: 105 minutos.
BUENA. UNA
“NADA” QUE HACE REIR
Cuando en un
microcine, repleto de críticos, se escuchan risotadas, es dable pensar
que el film será calificado como corresponde, o sea cuanto menos
“bueno”, aún con elementos humorísticos que no son del agrado del
argentino en general. Para nosotros, esta película con Owen Wilson a la
cabeza y la dirección de los Farrelly es menos mala que muchas comedias
que hemos visto. El nudo argumental toma a dos jóvenes matrimonios cuyos
maridos se desviven por los cuerpos de cualquier jovencita que pasa por
la calle. Las esposas deciden darles un “pase libre” de una semana para
que hagan lo que quieran, sin posteriores reproches ni para ellas ni
para ellos. El “pase libre” es para ambas partes, lo que generará
secuencias divertidas y controvertidas.
Si bien no
hay un gran desarrollo de personajes, sí lo hay de situaciones que
cambiarán más a las esposas que a los maridos, atados sentimentalmente
(dicho esto en el mejor de los sentidos) a sus mujeres legales.
Como
siempre, hay escenas que nos pueden desagradar, pero son las menos y, en
líneas generales, es una comedia que arranca risotadas especialmente en
los varones. Hay gags previsibles y graciosos a la vez. Si quiere
entretenerse y no pensar en nada, no está mal que elija este film. Es
una comedia más.
Elsa Bragato
Estrenos
del jueves 31 de marzo del 2011
Hay 5
estrenos, uno en DVD, Divorcio a la Finlandesa, que no comentaremos.
EL MAL AJENO
De Oskar
Santos. Con Belén Rueda, Eduardo Noriega, Angie Cepeda, entre otros.
Música de Fernando Velázquez. Duración: 107 minutos.
BUENA. DRAMA
COMPLEJO ENTRE LO SOBRENATURAL Y LA REALIDAD
La
recomendación que el protagonista (un médico frío y distante) le hace a
un pasante, “No mires, haz tu trabajo, pero no mires”, dentro de un
hospital abarrotado de pacientes de primeros auxilios y enfermos
terminales nos pinta el ambiente donde transcurre gran parte del film,
producido por Alejandro Amenábar (Ágora).
El
protagonista es un médico acostumbrado a manejar situaciones límites,
está inmunizado ante el dolor de los demás pero también en su relación
con su esposa y su hija. Dos hechos cambian su actitud: un desconocido
que lo amenaza con un revólver, sin entrar en detalles argumentales, y
una joven embarazada en estado de coma, que encarna la colombiana Angie
Cepeda (de recordada actuación en la telenovela Las Juanas).
A partir de
estos dos nudos narrativos, dentro de un guión un tanto desparejo y
confuso, se mezclan los vectores argumentales: se cruzan, entonces, el
melodrama con el suspenso y los elementos sobrenaturales con un “don”
que esgrime que la joven embarazada. En definitiva, este don no se
comprende del todo.
El clima
casi opresivo que se plantea agrega elementos en la vida del
protagonista que sacudirán su insensibilidad con situaciones familiares
casi límites. La hija padece una peligrosa infección a raíz de un
piercing, y está la conciencia del protagonista a partir de un disparo y
una relación con la esposa de quien intentó matarlo. Hasta aquí vemos un
mix complejo.
Cuando el
film transita el género del suspenso sobrenatural (impronta de Alejandro
Amenábar), el interés crece superlativamente en detrimento de las
relaciones amorosas del médico, que es un personaje contenido e
impasible, muy bien elaborado por Eduardo Noriega (conocido en Argentina
incluso por sus participaciones en el cine nacional), acompañado por la
convincente Belén Rueda, Angie Cepeda y Clara Lago.
En síntesis,
el film se mueve en dos andariveles, la más absoluta realidad y un
deslucido atisbo de lo sobrenatural, y en definitiva se afecta la
comprensión final de un producto logrado, a pesar de lo apuntado.
Carlos
Pierre
NUNCA ME ABANDONES
De Mark
Romanek. Con Keira Knightley, Carey Mulligan, Charlotte Rampling, Sally
Hawkins, Andrew Garfield, entre otros. Música de Rachel Portman.
Duración: 104 minutos.
REGULAR.
RELATO LÁNGUIDO Y OPRESIVO SOBRE LOS DONANTES DE ÓRGANOS
Aunque el
guión haya tenido la mano del escritor japonés Kazuo Ishiguro, autor de
la novela Never Let Me Go que da origen al film, estamos frente a un
producto lánguido, por momentos con belleza visual, y con un planteo
moral sobre la medicina que aterra.
En
principio, se nos ocurrió la idea de “monstruoso” para calificar a este
film que parte del supuesto de clones humanos como donantes de órganos
localizados en Hailsham, una escuela inglesa que existe y desconocemos
si dio o no su permiso para ser mencionada (los edificios no coinciden
según lo que se ve por internet). Aquí son internados, niñas y niños que
desconocen que no tendrán la vida de cualquier ser humano sino que serán
donantes que, en la tercera intervención, morirán. Solo tienen una
posibilidad de semisalvación y es pedir un “aplazamiento” si se
enamoran.
Es realmente
un planteo ético sobre la medicina que aterra, especialmente cuando se
ve a los ya adolescentes (ya tienen los órganos desarrollados para su
extracción) con muletas, con cicatrices, con parches en los ojos que han
donado, y resulta agobiante para el espectador comprobar la frialdad de
los médicos cuando extraen los órganos y, si el paciente se muere, lo
dejan abandonado en el quirófano tal como está: un pedazo de carne más.
Una escena que hay que remarcar para la gente sensible.
La narración
que plantea Mark Romanek es lánguida, sin “pathos”, con una relatora en
off que es la estupenda actriz Carey Mulligan, ganadora de varios
premios el anteaño, y que encarna a una “curadora” de pacientes hasta
tanto se le indique la fecha de empezar a donar.
La pérdida
de los compañeros de escuela por las extracciones de órganos, la
frialdad de una medicina que debe preocuparnos, la asociación
ineludible con los experimentos nazis en mujeres y niños en la Segunda
Guerra Mundial (no está en el film pero se nos ocurre un desprendimiento
de aquellos actos monstruosos), son pensamientos ineludibles en el
espectador sensible. ¿Es ésta la medicina que queremos? Algunos
entendidos indican que Ishiguro plantea dónde está el alma del ser
humano. Nosotros creemos, muy humildemente, que esta película excede ese
planteo y nos muestra la carencia de ética de los experimentos médicos,
sin olvidarnos de los experimentos con medicamentos que todavía realiza
el Primer Mundo en los países africanos de raza negra.
Languidez,
horror, frialdad, crueldad con buenas actuaciones. Decididamente,
pasamos un mal momento y no sacamos nada bueno de este film. Tan solo un
alerta rojo que intuimos desde siempre. ¿Es ésta la medicina que nos
espera? ¿Necesitamos torturar para vivir? En fin…
Elsa Bragato
EL MECÁNICO
De Simon
West. Con Jason Statham, Ben Foster, Donald Sutherland, entre otros.
Música de Mark Isham. Duración: 93 minutos.
MUY BUENA.
POLICIAL INTENSO, SANGRIENTO DE CABO A RABO
Esta remake
de “Fríamente, sin motivos personales”, film antológico encarnado por
Charles Bronson es superior a la original por el ritmo frenético y la
andanada de efectos especiales con los que hoy se cuenta. Y si bien es
una “remake”, Jason Statham impone su impronta a un protagónico que bien
pudo quedar a la sombra del recordado Charles Bronson, quien nos
estremecía son sus policiales en los 70.
La presencia
de Donald Sutherland, en un papel breve pero fundamental para la trama
propuesta, es también un claro indicio de que aquí West fue por todo y
no simplemente por una segunda vuelta. Los breves diálogos entre Statham
y Sutherland le confieren a este tremendo policial esa cuota de
actuación que no suele ser frecuente en el género.
El asesino a
sueldo de Statham tiene la estatura que este actor le da a sus
personajes, pocos decires, una acción brutal, sin medias tintas. La
aparición del hijo de Sutherland, un descarriado que asume a Statham
como su mentor y maestro en el crimen, agrega la cuota de suspenso.
Quién mata a quién?
Va a saltar
de la butaca, y, si bien hay secuencias de diálogos y de cierta calma,
solo es para conferirles ese ratito de actuación que mencionábamos, de
lucimiento actoral de los protagonistas, para luego pasar a secuencias
donde no queda ni un dedo sano. Nos atrapó.
Elsa Bragato
CACERÍA DE BRUJAS
De Dominic
Sena. Con Nicolás Cage, Ron Perlman, Claire Foy, entre otros.
REGULAR.
CAGE NO LE HACE ASCO A NADA
Nicolás Cage
reaparece en la pantalla y no con su mejor actuación. Al parecer, Cage,
multimillonario, no le hace asco a nada. Aquí encarna a un cruzado del
1300 que, junto a su amigo (a cargo del notable Ron Perlman), regresa a
Francia y comprueba que la peste ha diezmado a gran parte de la
población. Los ancianos de la iglesia creen que el “mal” está en una
niña-bruja y deciden llevarla a un remoto monasterio.
Es fácil
percibir que el guión es el “rejunte” de temas que ya conocemos hasta el
hartazgo: las cruzadas, las brujas, la peste medieval y el demonio (aquí
más parecido a un Alien que a un ser ultratumba).
El director
Dominic Sena (60 segundos, Swordfish, dos buenos policiales) aporta su
estilo visualmente atrevido en un intento heroico de salvar al film del
naufragio por un pésimo guión. La fotografía es oscura y aterradora por
momentos, y es justo decir que se trata de una ambientación lograda para
la Europa del siglo XIV. Y, por supuesto, Sena se vale de su vasta
experiencia como destacado camarógrafo y realizador de galardonados
videos. Esta experiencia ahora la pone al servicio de un mundo devastado
por guerras y enfermedades, con paisajes nevados y sombríos y demonios
que andan a sus anchas.
La niña
bruja, protagonizada por Claire Foy, tiene un destino cruel y no hay que
presumir de mucha intuición para saber hacia dónde nos conducirá esta
travesía por escarpadas montañas y puentes endebles.
Guión
previsible, gastado, otra actuación más de Cage que suma así buenos
cachets, y una osada dirección de Sena, dan como resultado un film de
aventuras con tintes sobrenaturales. No dudamos de que este género tiene
su público. Como realización cinematográfica, adolece de casi todas las
bondades del buen cine.
Carlos
Pierre
Estrenos
del jueves 24 de marzo del 2011
Hay
seis estrenos en fílmico. No comentaremos el film nacional “Familia para
Armar”.
UN DESPERTAR GLORIOSO
De Robert Michell. Con Harrison Ford, Diane Keaton, Jeff Goldblum y Rachel
McAdams. Duración: 107 minutos.
BUENA. LA TV BASURA VS TV TRADICIONAL EN CLAVE DE COMEDIA
La televisión basura no es cuestión argentina, es un tema global. Lo
circunspecto, lo formal, está siendo dejado de lado por cientos de miles de
telespectadores agobiados por la realidad cotidiana. Entonces, ver pavadas
atómicas por televisión resulta una distracción que no siempre los críticos
aceptamos como buenas, pero son distracción al fin. Esto no significa que el
telespectador no desee informarse con documentales, films medulares, no.
Sencillamente, luego de un día agotador, la elección es la distracción en un
altísimo porcentaje.
Éste es el planteo básico, la idea del film: la seriedad circunspecta vs la
televisión basura. El argumento se ubica en una telemisora que va perdiendo
la batalla del rating a la mañana con su Despertar Glorioso, o Morning
Glory, frente a su principal competidor. Una joven productora ejecutiva se
hace cargo del programa que conducen Diane Keaton y un astro de la TV al que
despide. Tiene otro conductor valioso, que es el personaje de Harrison Ford,
caído en desgracia por su pésimo carácter.
El ambiente creado es exacto: una telemisora ganadora con lujo hasta en los
marcos de las puertas y la perdedora en el rating, con puertas desvencijadas
y oficinas de producción abarrotadas de papeles, archivos, desorden por
doquier.
El elenco es de lujo. Diane Keaton está muy bien en el papel de la
co.conductora que debe soportar el malhumor del nuevo conductor, a cargo,
como dijimos, de un Harrison Ford que, al comienzo, no nos gustó. Seriote y
con algunos toques de cirugía en la cara. Cuando su personaje se aliviana de
pesadas cargas emotivas, su rostro cambia de expresión y reconocemos el
viejo y querido Ford de siempre. Demasiado parco durante toda la narración.
La joven productora, que es el eje del film, encarnado por una muy eficiente
Rachel McAdams, es enérgica, vital, compulsiva en su trabajo y contagia de
energía a la platea. En el papel del descreído CEO está Jeff Goldblum, el ex
“La mosca” y de tantos otros films, como siempre acertado, justo.
El producto apunta a mostrarnos qué pasa en la “network” de TV y, por otro
lado, qué pasa con la vida de quienes están en una alocada producción
perdedora.
Hay secuencias realmente muy reideras relacionadas con la búsqueda del
rating y la caída lenta e inexorable hacia la televisión absurda, burda,
sometiendo a sus conductores a insólitas y desopilantes coberturas.
Está lejos de la antológica “Network” que protagonizaran Peter Finch y
William Holden (1976) pero está cerca de la televisión actual.
A pesar de todo, nos atrapó.
Elsa Bragato
LOS OJOS DE JULIA
De Guillem Morales. Con Belén Rueda, Lluís Homar, Julia Gutiérrez Caba,
entre otros. Música de Fernando Velázquez. Duración: 112 minutos.
REGULAR. TELENOVELÓN CINEMATOGRÁFICO DE TERROR
El cine español encontró una veta que es el género del terror. Está muy
lejos del terror de Hollywood pero es justo reconocer que está produciendo
con calidad fílmica, cinematográfica, con narraciones audiovisuales
compactas. Éste es el caso de Los ojos de Julia si bien, y en definitiva, no
nos convenció la propuesta. No está mal, sino todo lo contrario, pero nos
pareció más un melodrama al estilo de un telenovelón mexicano que un film en
sí mismo de género.
Julia padece la enfermedad de su hermana melliza (había que buscarle un
“alter ego” para cumplir con el guión) y es una ceguera paulatina. La
hermana murió ahorcada pero Julia no acepta el suicidio sino que investiga,
a pesar de que deberá someterse a la misma operación para evitar la ceguera
y correr los mismos riesgos que su hermana, incluyendo la muerte provocada o
no.
Los personajes están bien perfilados. Belén Rueda carga con todo el peso de
la narración, es ella y ninguna gemela quien debe asumir diferentes
actitudes ante situaciones dramáticas, trágicas, terroríficas. Y este
personaje contrasta, hábilmente, con el de su pareja, un hombre demasiado
calmo frente a todo lo que enfrenta su esposa. ¿Sospechoso o no?
Hay intriga. Hay clishés y muchos, se mantiene la atención del espectador
con una narración compacta y con efectos especiales burdos. Al asesino solo
lo ve Julia aunque no lo vea, y no es un juego de palabras. Los ojos de
Julia ven algo que los demás no pueden, y no son fantasmas.
Es un film de terror que no llega a las alturas de los clásicos orientales o
de Hollywood. Pero tiene a su favor la solidez de la narración propuesta y
la credibilidad de las actuaciones aunque la mano del productor Guillermo
del Toro aquí no sea la misma que empleó en su celebrada y excelente El
laberinto del Fauno. La calificamos como “regular” por cómo está planteado
el tema y porque la realización, aunque efectiva, es burda como producto
cinematográfico en sí. a pesar de tener elementos que hemos ponderado. El
espectador va a ver un telenovelón con suspenso. Y no está mal.
Elsa Bragato
SOLO TRES DÍAS
De Paul Haggis. Con Russell Crowe, Elizabeth Banks, Ty Simpkins, Liam Neeson,
entre otros. Música de Danny Elfman. Duración: 122 minutos.
MUY BUENA. POLICIAL INTENSO CON MUCHA HISTORIA Y POCA BALACERA
Que un policial nos atrape de principio a fin es mucho decir porque no son
pocos los que se ven semanalmente. En “Solo tres días”, Russell Crowe
encarna a John, un padre de familia, que decide salvar a su mujer de una
acusación de asesinato mientras se apega a su hijo Luke, encarnado por un
pequeñín actor llamado Ty Simpkins. Es notable el guión de Haggis, a quien
le debemos “Crash”, entre otros films taquilleros y ganadores de premios
(por Crash recibió el Oscar), dado que es allí donde puso la energía: hay
desarrollo de personajes, evolución de éstos, sin olvidarse del entorno
narrativo, en este caso, la policía que va detrás del matrimonio y su hijo,
y el plan de salvataje que el protagonista encara para su mujer, encarcelada
por una aparente injusticia. Si es aparente o no deberá resolverlo el amigo
lector que la vea.
Los climas que logra Paul Haggis son fantásticos porque la tensión y la
adrenalina se apoderan del espectador desde el primer minuto del film. Es
allí, en las primeras secuencias, donde está la clave del desarrollo
narrativo. Pero no su desenlace que no se vislumbra.
Resulta además interesante la participación especial de Liam Neeson como un
ex convicto que le proporciona un plan perfecto a John, convencido de la
inocencia de su mujer. Breve, casi un “paneo”, pero una presencia sin duda
estelar.
Pocos tiros, poquísimos, los necesarios, y un guión sólido para generar una
narración policial intensa. He aquí el “quid” de este film: historia y no
balaceras.
Por otra parte, la banda sonora de Danny Elfman subyuga, es justa, no es
estridente, apuntala las secuencias indicadas por HAggis, refuerza los
cambios del personaje de Russell Crowe quien encara un film muy
interesante.Nos parece un muy buen policial, con dos subtextos a tener en
cuenta: la injusticia de la Justicia en todas partes del mundo y la
salvación por la via políticamente incorrecta como es, para la mayoría de
los norteamericanos, Venezuela. Nada más. Hay que verla.
Elsa Bragato
SANCTUM 3D
De Alister Grierson con producción de James Cameron. Con Dan Wyllie, Rhys
Wakefield, entre otros. Música de David Hirschfelder. Duración: 95 minutos.
BUENA. DISFRUTE VISUAL EN UN FILM MENOR DE CAMERON
Producida por el inquieto innovador australiado James Cameron (Titanic,
Avatar), vemos en Sanctum la continuación de su avasallante estética. En
este caso, se unió a su amigo Andrew Wight, quien vivió una situación
semejante a la planteada en el film en 1988. Entonces, un grupo de
espeleólogos y submarinistas de Australia, realizando tareas de
investigación en una cueva submarina, se vieron atrapados en tales
profundidades a raíz de una extraña tormenta que derrumbó la entrada de la
cueva. Fueron rescatados e idearon esta hitoria que ahora se ubica en Papúa,
Nueva Guinea.
A fin de otorgarle más carnadura al guión, se ficcionó una conflictiva
relación entre un padre y un hijo, sumándose otros sucesos accidentales como
la diferencia de criterios de los expedicionarios.
La ambientación es fenomenal. Para darnos idea de la monumental cueva donde
se desarrolla el film, Cameron y sus productores recurrieron a un gran
tanque de agua de 40 metros de largo por 30 metros de anche y siete de
profundidad, con capacidad de más de siete millones de litros de agua.
El avance técnico que se ha alcanzado en el cine, en buena medida por la
inventiva de James Cameron luego de Avatar, sumerge literalmente al
espectador en las profundidades del mar no solo físicas sino emocionales,
porque hay un impacto visual muy fuerte.
La ficción del film es compacta y todo tiene relación con todo: el título,
Sanctum, significa Santuario y se cita al escritor inglés Samuel Coleridge,
que escribiera un altisonante poema llamado KublaKhan, donde nos describe la
majestuosidad de una cueva subterránea a la que jamás llegó el hombre.
Es un film para disfrutarlo visualmente, como sucedió con Avatar. La
anécdota que se narra es prácticamente secundaria aunque ayude a generar
tensión y emoción en el espectador. Es una aventura “Cameron” y está todo
dicho.
Carlos Pierre
LÍBANO de Samuel Maoz. Con Yoav Donat, Itay Tiran, entre otros. Música de
Nicolás Becker. Duración: 93 minutos.
MUY BUENA. EL HORROR DE LA GUERRA EN PRIMERA PERSONA
La película Líbano ganó el premio mayor del último festival de Venecia. Es
que su director y guionista, Samuel Maoz, vivió como conscripto la guerra
del Líbano, en 1982, y logró realizar un film donde sintetizó y concentró
todo el terror y el horror que vivió. Aquí están sus experiencias, de allí
nuestro título de "guerra en primera persona".
En el caso del film son cuatro conscriptos israelíes dentro de un tanque.
Conforman una patrulla de reconocimiento que, luego, se transformará en una
patrulla en medio de una pesadilla sangrienta. Sin embargo, el director
apela a la ética y no solo muestra el terror de los soldados frente a la
muerte sino la muerte de los civiles que es tanto más cruenta porque no
están peleando sino que están en el medio de dos bandos.
Chicos, animales, ancianos, despedazados, clamando por paz, acribillados sin
razón. La guerra es eso, una sinrazón.
La singularidad del film reside en el encierro, durante 24 horas, en un
tanque de estos soldados a quienes les cuesta pelear, matar, luego de
apuntar en la mirilla al enemigo que no les parece tal sino todo lo
contrario. Ven en esos enemigos lo que veríamos nosotros: personas iguales a
uno, con tanto miedo y terror como uno.
Todos están envueltos en la misma tragedia. Por eso el soldado se niega a
disparar o bien el motorista no acciona su vehículo. La retracción no solo
es exterior, es también interior. Todos quieren volver a sus hogares, estar
con sus familias y no vivir ese injusto infierno.
Dentro del tanque, a medida de que pasan las horas, el espíritu va sufriendo
por la menesterosidad del hombre mismo, sus propias miserias corporales que
debe afrontar. Aquí está el mayor logro del film. No son héroes ni los
enemigos son tales.
La leyenda pintada dentro del tanque señala "el hombre es acero; el tanque
es solo hierro". Sin embargo, esta historia muestra que los hombres no están
hechos de acero, por suerte. Desde este punto de vista, es una película
lograda y, a pesar de las fuertes escenas, impacta en el corazón.
Carlos Pierre
Estrenos
del jueves 10 de marzo del 2011
Hay cinco estrenos. No
comentaremos el DVD titulado Divorcio a la Finlandesa,
ni la comedia norteamericana Mi abuela es un Peligro 3.
UN FERIADO PARTICULAR
De Gianni Di Gregorio. Con
Valeria De Franciscis, Marina Cacciotti, entre otros
actores no profesionales. Música de Ratchev & Carratello.
Duración: 75 minutos.
MUY BUENA. CÁLIDA COMEDIA
ITALIANA
Este film de Gianni di
Gregorio es una gema preciosa, rescata lo mejor del cine
de comedia italiano. Hay múltiples razones: Gianni Di
Gregorio, a los 58 años, dirige tardíamente su opera
prima, luego de tener un largo recorrido en el mundo del
cine como guionista, ayudante de dirección, durante más
de 20 años. Di Gregorio se impregnó del neorrealismo
italiano al punto que fue el protagonista de esta
película además de su director y recurrió a actores no
profesionales.
Situó la trama en el
Trastevere de Roma, lugar donde nació y se crió y que
conoce profundamente.
Esta comedia tiene
coherencia y solidez argumental a lo largo de sus 75
minutos. Se podría haber caído en un facilismo de
groseros gags, pero, contrariamente, la trama se
desenvuelve ágilmente, con un andar como entre plumas, a
pesar de los innumerables contratiempos que debe sortear
el protagonista. Singular italiano, buen hijo, no pierde
en ningún momento su heroica predisposición para llevar
a buen término el extraño almuerzo del tórrido verano
romano.
El “Ferragosto” es un
tradicional feriado de 2 días en agosto, pleno verano
italiano, donde todos los negocios cierra y los
habitantes de Roma salen de vacaciones, igual que el
“enero porteño”.
Di Gregorio compone a un
solterón que cuida con altruismo a su autoritaria madre
viuda. La situación económica es mala y un acuerdo con
el administrador le permite recuperarse momentáneamente.
No será fácil el acuerdo: cuidar de la madre del
administrador, de su tía y hasta de la madre del médico
de cabecera. Todos tienen que salir menos el personaje
de Di Gregorio.
Las ocasionales inquilinas
mostrarán sus caracteres, sus rebeldías y tendrán en
jaque al protagonista. Y es aquí donde surge el
neorrealismo de Di Gregorio, que ha sabido “aggiornar”
con una realización sólida, sin lugares comunes. A pesar
de tratarse mujeres de más de 80 años, se siente una
bocanada de frescura con este film italiano tan realista
y al mismo tiempo inmaterial por la afectividad que
emana y que llega al espectador, por la verosimilitud de
las ocurrencias de las ancianas, y porque, de alguna
manera, sentimos empatía y un espejo de muchas
situaciones familiares argentinas.
Nos pareció un film adulto,
veraz, que hacía tiempo no se veía en la cartelera
porteña. Claro está, viene precedido de premios de
festivales como el de Venecia y muchos más.
Carlos Pierre
EL CONCIERTO
De Radu Miihaileanu. Con
elenco ruso y francés. Música original de Armand Amar.
Duración: 120 minutos.
MUY BUENA. UNA COMEDIA
DIFERENTE SOBRE LOS MÚSICOS Y LA LIBERTAD
Estamos frente a una
historia de músicos, de música y de libertades truncas,
que resulta una comedia diferente, adulta, simpática.
El nudo de la historia es el
caso de Andrei Filipov Alexei quien, presuntamente, en
la época de Leonid Brezhnev, la Rusia comunista, pasó de
ser director de la orquesta del Bolshoi a limpiar los
baños del famoso teatro de ballet por negarse a echar a
los músicos judíos de la orquesta. La posibilidad de
tocar en el Theatre du Chatelet de París, engañando a un
celoso espía de la KGB, a raíz de un hecho
circunstancial y causal es el eje de la trama. Y, por si
fuera poco, dejar fuera del concierto a la Filarmónica
de Los Angeles, nada menos. Los músicos judíos rusos y
el director encuentran la posibilidad de retomar su
profesión de manera “indirecta” (hay que ver el film), y
viajan a París donde los esperará otra sorpresa: la hija
del director devenido en ordenanza.
Para lograr esto, se echó
mano a un elenco ruso y francés, que debieron congeniar
sus diferencias idiomáticas en el set. Además, se hizo
una adaptación del Concierto para Violín y Orquesta en
Re Mayor de Tchaivosky, empresa nada fácil para no
desnaturalizar una obra clásica de envergadura.
Las secuencias parisinas
producen cierto bajón en el guión, los músicos se
pierden por París, y tanto el espectador como el teatro
Du Chatelet los esperan para el concierto, que da título
al film. No obstante, es un film rítmico, apasionado,
diferente, que nos ofrece un encuentro con la otra cara
de la música, la de la censura, y la música como
“ordenadora” de la libertad y de la unión de los pueblos
más allá de las fronteras y las políticas. A nosotros,
nos encantó a pesar de algunos vaivenes del guión, como
apuntamos.
Elsa Bragato
INVASIÓN DEL MUNDO, BATALLA
LOS ANGELES
De Jonathan Liebestman. Con
Aaron Eckhart, Ramon Rodríguez, Noel Fisher, entre
otros.
BUENA. INVASIÓN ET REPELIDA
A SANGRE Y FUEGO
Ésta es la película
pochoclera de la semana. Balaceras, despanzurramientos,
y caos por doquier.
Ciertamente, el film
mantiene la atención del espectador de principio a fin
porque las balaceras no paran nunca y no hay forma de
apelar a un “descanso visual” ni mental. El director
hace un repaso de los avistamientos de OVNI registrados
desde 1942, incluyendo los de Buenos Aires, para recalar
en esta feroz invasión de unos ET que son como medusas
envueltas en trajes metalicos que obran como escudos. Un
batallón comandado por el personaje de Aaron Eckhart
hace frente a estos ET que se parecen mucho a otros
enemigos de los ejércitos norteamericanos en su
accionar. Ahora se cuenta con rayo láser, con misiles
que van directo hacia donde apuntan estos rayos, y
ciertas modernidades que no bastan para que se produzca
una cruel matanza de humanos y ET.
Hay escenas realmente
escabrosas que marcamos para los más impresionables: por
ejemplo, indicamos la del sargento Michael Nantz
(Eckhart) que decide darle muerte a un ET, desprovisto
de su traje metálico, metiendo sus manos, sin ninguna
prevención, dentro del cuerpo aún con vida, y
arrancándole el centro de energía vital, algo así como
el corazón de un ET. Produce repugnancia y una sensación
de horror ante tanta crueldad. Se puede pensar que,
frente a un enemigo, cualquier cosa está bien para darle
muerte, aún la tortura.
Los parlamentos son básicos,
elementales. Aquí se trata de dar muerte a estos ET que
vienen con malas intenciones hacia los terrestres.
Si quiere escuchar tiros,
ésta es su película. Si quiere pasar un momento con
sentimientos de otra envergadura, no dude en ver o Un
Feriado Particular o El Concierto.
Elsa Bragato
Estrenos
del jueves 3 de marzo del 2011
Hay cuatro estrenos en fílmico en la ciudad de Buenos Aires.
No comentaremos “Fase 7”, film nacional.
RANGO
De Gore Verbinski. Con Johnny Depp, Isla Fisher, Timothy
Olyphant, entre otras voces. Duración: 107 minutos.
MUY BUENA. NOVEDAD EN ANIMACIÓN, SIMPÁTICA LAGARTIJA EN UN
WESTERN-HOMENAJE
Es difícil encontrar en el género animación guiones que no
caigan en lo ya visto. Son pocos los films animados que nos
han impresionado porque no tienen golpes bajos o de fuerte
emoción o bien por su creatividad. Rango es una película que
nos impresionó y divirtió.
Rango es el nombre de esta lagartija que se ve envuelta en
situaciones de cowboys cuando cae, buscando agua, al pueblo
de Dirt, donde no hay agua justamente y sus habitantes están
desesperados por la sequía, todos ellos animales extraños,
vestidos al mejor estilo del farwest.
A Rango lo acompañan, como voces que van narrando sus
desventuras y aventuras, cuatro lechuzas que conforman un
cuarteto de mariachi, simpático, oportuno, con parlamentos
divertidísimos.
Además la misma carita de este animalito nos produce
empatía, recordándonos a la ardilla enloquecida por su
bellota de la saga La Era del Hielo. Rango se hace el malo,
el que puede enfrentar a los peores del pueblo, entre ellos,
un “che”, un argentino que es un malevo (buena tipificación,
sin burla alguna). La serpiente que es el mal, la tortuga
vieja que amenaza a todos a pesar de su pachorra, la niña
del pueblo que ve en Rango a un ser especial, y un guiño a
los westerns memorables (el reloj que va marcando la hora,
por ejemplo, como A la hora señalada), así como un sinfín de
desaguisados de Rango que arrancan la genuina risa.
No se la pierdan. No nos queda en claro si el film es para
los más chiquitos o bien para los adolescentes pero, es sin
duda, una gran película de animación que divierte sin golpes
bajos. Nadie se come a nadie, nadie queda huérfano. Y el
héroe es un antihéroe que se maneja con buenos sentimientos.
Está dentro del estilo de Madagascar o La Era del Hielo o
Monsters Inc. Por su guión atractivo y sus parlamentos
imperdibles. Tenga o no chicos, vaya y dese el gusto de ver
Rango.
Elsa Bragato
INFIERNO AL VOLANTE 3 D
De Patrick Lussier. Con Nicolás Cage, Amber Heard, Billy
Burke, entre otros. Duración: 103 minutos.
MALA. CAGE EN 3D, TACITURNO ASESINO, MÁS DE LO MISMO
AMPLIFICADO
La experiencia 3D permite algunos experimentos no del todo
finiquitados como Infierno al Volante o Drive Angry, algo
así como Enojado al Volante o Conductor Enojado. Nicolás
Cage, que debuta en el cine 3D, se pone en el papel de
Milton, un abuelo que quiere salvar a su nieta de la muerte
a manos de la misma secta que mató a su hija ni bien nació
la beba. Enceguecido por la ira, encuentra en su camino a
una mesera que sabe más artes marciales que él mismo. Salido
del infierno, Milton recorre las carreteras buscando al
mandamás de la secta y, mientras tanto, no le hace asco a
las balaceras aún haciendo el amor con una rubia infartante
que no entiende qué pasa, se resbala de la cama, desnuda, y
ofrece un “show de cómic” bien estudiado por el director
Lussier, el mismo de Sangriento San Valentín.
Encontramos que la narración es elemental, previsible, que
se ha buscado probar el 3D con efectos de computación y se
imita mucho al último Tarantino con brazos amputados,
piernas destrozadas, balas en los ojos, todas escenas de
trazo grueso con tinte de cómic, tal como dijimos más
arriba.
Para quienes buscan acción, aquí tienen su película semanal.
No es buena en su argumento, tiene personajes muy “maquietas”,
es decir, sacados de un “storyboard” muy duro, inflexible.
Cage ama este tipo de personajes, y parece que nada hace
mella a su carrera mostrándose con un rostro adusto, enojado
como en otros films, matando a piacere. Hay escenas de
destripes, de explosión de órganos, puentes que se deshacen
ni bien pasa el auto de este hombre maldito, mucha
computadora y una historia que se deshilacha de a poco. Pero
cumple su objetivo de entretener y de taparse los ojos
cuando algún órgano revienta por una bala. Usted elige.
Elsa Bragato
LA REVELACIÓN
De John Curran. Con Robert De Niro, Edward Norton, Milla
Jovovich, entre otros. Duración: 104 minutos.
REGULAR. HISTORIA QUE SE PIERDE Y ELENCO DESAPROVECHADO
La primera escena, ambientada en la década del 50, pinta de
entrada el carácter del protagonista (Edward Norton en el
papel de Stone, título en inglés del film), quien es
indiferente y maltrata a su esposa, sometida y hasta intenta
arrojar a la pequeña hija por la ventana si ella lo
abandona. Extorsión de un perverso.
Hay un pase de tiempo y este mismo personaje aparece como un
veterano oficial de justicia a cargo de la redacción del
informe que será decisivo para que un juez se expida en la
liberación o no de un verborrágico recluso, encarnado por
Edward Norton.
El reo había tenido participación en el incendio del hogar
donde murieron calcinados sus abuelos.
Hay además un personaje determinante en la historia, y es la
esposa del convicto, quien intenta seducir al oficial de
justicia.
Aquí se trastocan los roles de los protagonistas, el
convicto se convierte a un pseudomisticismo, su esposa no
sabe si ha enamorado o no al oficial o bien si es todo un
ardid y Stone-Robert De Niro saca a relucir una falsa moral
religiosa.
El director John Curran (recordar “Al otro lado del mundo”)
no supo valerse de tan importante grupo de actores y cayó en
un trhiller que se enturbia a medida de que avanza la
narración. El comienzo prometía mucho más pero se diluye con
largos parlamentos que sacan al espectador del nudo de la
trama.
Sí se asiste a la hipocresía religiosa, progresiva, del
protagonista, que tampoco cumple con ninguno de los
preceptos que dice respetar.
Compensa, en alguna medida, la endeblez del guión la
magnífica realización visual, el manejo de los “tempos” con
precisión. Un film que nos hace suponer mucho más de entrada
y que se queda a mitad de camino.
Carlos Pierre
Estrenos
del jueves 24 de febrero del 2011
Hoy hay cinco estrenos en
soporte fílmico. No comentamos los documentales Justin
Bieber 3D y Dulce Espera, de Laura Linares.
BIUTIFUL
De Alejandro González
Iñárritu. Con Javier Bardem, Maricel Álvarez, entre
otros. Música de Gustavo Santaolalla. Duración: 147
minutos.
MUY BUENA. RELATO ASFIXIANTE
SOBRE UN BUSCAVIDAS Y SU ENTORNO SOCIO-FAMILIAR
“Biutiful”, vocablo inglés
escrito con la fonética castellana, está nominada a los
premios Oscar en los rubros mejor película extranjera y
mejor actor protagonista. Tiene en su staff una
real impronta argentina: los nietos de Armando
Bo en los guiones (Nicolás Giacobone y Armando Bo), la
coprotagonista Maricel Álvarez (de reconocida
trayectoria teatral), la música de Gustavo Santaolalla
(es el compositor que siempre elige González Iñárritu),
y Juan Carlos Corazza, actor argentino radicado en
España con una importante escuela de teatro, coach de
Javier Bardem.
Empezamos por el título:
Biutiful (beautiful, que significa “hermoso”) es
irónico. Nada de lo que veremos es hermoso sino atroz.
González Iñárritu localiza este drama en los bajos
fondos de Barcelona, mostrando la patética vida de los
inmigrantes ilegales, en este caso senegaleses y chinos.
Javier Bardem es el
protagonista de este intenso y extenso drama (necesitó 3
meses de preparación y 5 de rodaje para este personaje),
encarnando a un traficante de influencias relacionada
con el oscuro destino de los ilegales que son sometidos
como mano de obra barata, y deben trabajar en
condiciones infrahumanas en talleres de costura. Las
“extras” se logran con la venta de drogas en las calles,
actividad oscura y peligrosa.
Hay sombras profundas que
enrarecen la vida del protagonista aún más: padece un
cáncer terminal y está desahuciado. Es divorciado, su ex
mujer es bipolar y está preocupado medularmente por el
futuro de sus hijos, una niña de 10 años y un varón de
7, a quienes les quiere dejar una buena cantidad de
dinero y sus mejores recuerdos como padre.
Reconocemos en González
Iñárritu a un realizador nada complaciente, abarcador de
situaciones sociales complejas aunque las caras visibles
sean pocos protagonistas. Los climas que logra son
perfectos. Por lo tanto, Biutiful no es la excepción y
tampoco es un film complaciente, nos muestra sin piedad
el sórdido ambiente que rodea la pujante Barcelona, al
meternos de lleno en la miseria de los inmigrantes
ilegales, manejados por inescrupulosos “dealers”.
La perturbación espiritual
en el espectador es la consecuencia directa de este film
como de cualquier otro de González Iñárritu, desde sus
Amores Perros, del 2000.
La espina dorsal de este
largo relato es Javier Bardem, que realiza un
protagónico antológico. El film, por su extensión, tiene
altibajos, pero es innegable que es un retrato profundo
de un submundo urbano, al que no le escapamos en ninguna
parte del mundo.
Carlos Pierre
127 HORAS
De Danny Boyle. Con James
Franco, Kate Mara, entre otros. Música de de A. R.
Rahman. Duración: 94 minutos.
MUY BUENA. RELATO
ESTREMECEDOR SOBRE UN HECHO REAL
“127 horas” alcanzó seis
nominaciones a los premios Oscar y debería llevarse
varios. Está protagonizada por James Franco y nos cuenta
el caso de Aron Ralson quien, en el 2003, cayó a una
grieta de un cañón de Utah, lugar que solía recorrer con
frecuencia y en soledad. James Franco toma el lugar del
protagonista de la historia real quien vivió 127 horas
de terror, de fuerza mental y de fe hasta ser socorrido.
Esa caída en la grieta significó un desafío a la muerte,
que Ralson vio cara a cara. Su brazo derecho quedó
apretado por un gran peñasco, le quedó menos de media
botellita de agua, sus gritos no eran escuchados por los
pocos turistas, pero tenía una cámara que le permitió
filmar haciendo malabares con el brazo y la mano
izquierdos todo lo que le sucedía.
Es un manual de
supervivencia, es también un manual de coraje y el
espectador no puede permanecer impasible ante escenas
muy fuertes e impactantes, acompañadas por una música
incidental potente y por una fotografía propia de Boyle,
el mismo realizador de la notable Exterminio y de la ya
antológica Trainspotting.
Es excelente la perfomance
de James Franco que sostiene con su actuación notable un
film de 94 minutos. No hay un segundo de respiro para el
espectador quien, por momentos, se estremecerá y hasta
intentará taparse los ojos. Nos parecen más que
merecidas las nominaciones a los premios Oscar. Es un
film para personas no impresionables por la crudeza de
algunas escenas, que fueron tomadas del hecho real.
Elsa Bragato
AMIGOS CON DERECHOS
De Ivan Reitman. Con Natalie
Portman, Ashton Kutcher, Kevin Kline, entre otros.
Duración: 107 minutos.
REGULAR. COMEDIETA
PREVISIBLE SOBRE EL SEXO SIN COMPROMISO
Hace escasos días
comprobamos el esforzado entrenamiento de Natalie
Portman como bailarina clásica en Black Swan. Ahora la
vimos en un personaje rutinario, sin convicción,
encarnando a Emma, una jovencita que no quiere una
relación amorosa con compromiso y propone relaciones
sexuales a Adam, rol de Ashton Kutcher, un ex compañero
de la secundaria, productor de TV y mujeriego, quien
acepta gustoso. El gran escollo del joven es su padre,
a cargo de Kevin Klein, desmotivado o haciendo un rol de
taquito, quien suele salir con sus ex novias.
El film está bien realizado
por lo que podríamos calificarlo de bueno, pero la
sucesión de escenas que uno las ve venir, la poca
convicción de los actores para moverse en sus roles, nos
llevan a ponerle un regular con ganas de “mala”.
Llama la atención en muchos
films, incluso argentinos (y hasta en un reality de la
TV porteña, no se nos pasó por alto) las escenas de
consumo de droga, cuando se prohíbe fumar un cigarrillo
común. No entendemos estos dobles mensajes. ¿Hay alguna
adicción que sea buena?
En síntesis, la comedia se
transforma rápidamente en comedieta. No está mal, no
está bien. Anda por un camino trillado. Más de lo mismo,
bien realizado. Lástima que Ashton Kutcher esté tan
encasillado en niño bonito con poco en la cabeza.
Elsa Bragato
Estrenos
del jueves 17 de febrero del 2011
EL GANADOR
De David O. Russel. Con Mark
Wahlberg, Christian Bale, Amy Adams, Melissa Leo, Jack
McGee. Música de Michael Brook. Duración: 115 minutos.
MUY BUENA. HISTORIA
CONMOVEDORA, ATRAPANTE DE PRINCIPIO AL FIN
Nominada en 7 rubros a los
premios Oscar y ganadora de 2 premios Globos de Oro, El
Ganador se basa en una historia real, la del boxeador
Micky Ward, campeón de la categoría welter junior de la
Federación Mundial de Boxeo.
La vida de este boxeador de
Lowell, estado de Massachussetts, es una más de la de
tantos hijos de inmigrantes irlandeses que, en medio de
una gran pobreza, concurrieron a alguno de los más de 30
centros de entrenamiento de la zona para superar la
crisis ocasionada por el cierre de molinos y fábricas.
Pocos fueron los que
accedieron al boxeo grande, con mucho esfuerzo y valor.
En este caso, dos medio hermanos dignificaron el orgullo
del pueblo Lowell. El protagonista, Micky Ward, vivió a
la sombra de su hermano mayor, un boxeador fracasado y
adicto a las drogas. Sin embargo, en momentos cruciales
de la carrera de su hermano salió a entrenarlo y
guiarlo. La vida de Micky Ward no fue fácil. Debió
superar la férrea tutela de su madre “manager”, y supo
salir de su casa y encontrar el amor de su novia.
Esta trama de boxeo, que
tiene una vasta genealogía en la cinematografía
norteamericana (basta con recordar a Sylvester Stallone
y sus Rocky), es una apuesta de calidad del director
David O. Russel (Secretos íntimos, Tres reyes, entre
otros films), con una pléyade de actores: Marck Wahlberg,
Christian Bale (el último Batman), Amy Adams y Melissa
Leo. Todos ellos se enfrentan en un duelo actoral de
altísimo nivel de principio a fin, manteniendo en vilo
al espectador.
Mark Wahlberg, protagonista
y productor del film, se preparó durante meses para este
rol, la preproducción en sí duró tres años. Es una
historia real de superación que está narrada con magia y
desarrollo de personajes, con profundidad, con
sabiduría. Continúa, además, la tradición de los grandes
films sobre boxeo de Hollywood y le imprime un sello
imborrable. Imperdible.
Carlos Pierre
SOY EL NÚMERO CUATRO
De D.J.Caruso. Con Diana
Agun y Timothy Olyphant, entre otros.
BUENA. ENTRETENIDA CIENCIA
FICCIÓN PARA ADOLESCENTES
Estamos frente a un thriller
de extraterrestres concebido para los adolescentes. La
lucha de los personajes se centra en Ohio. Y el
protagonista es el cuarto alien vivo dado que murieron
sus congéneres “buenos” en manos de otros aliens
“malos”. El número cuatro debe ponerse a salvo yendo de
pueblo en pueblo y cambiando de identidad.
Del director de “Paranoia”,
D.J. Caruso, el film tiene cierta impronta a la saga
Crepúsculo aunque cambie vampiros por extraterrestres o
aliens. Encontramos una buena definición entre los roles
de los malos, grandotes y feos, y el bueno, un
adolescente lindo e idéntido a un terrestre de su edad.
En Ohio encuentra el amor y
se siente como en su casa. Por suerte, otro congénere
alien se asienta en el mismo lugar y lo ayuda a
defenderse.
La historia resulta
simpática y atractiva para los chicos aún en edad
escolar, y el guión deja una puertita abierta para que
se genere una saga, para que exista una película número
dos.
Las escenas entre los bandos
de extraterrestres son de lograda factura, hay
fantásticos saltos marciales de los protagonistas y una
variada andanada de efectos especiales, favorecidos por
una cada vez más sofisticada tecnología.
Es un film que atrapa, como
decíamos, y que hará el placer de los amantes de este
género, un thriller de terror impactante, y con
personajes que tienen poderes especiales para agregarle
una pizca más de emoción y entretenimiento.
Carlos Pierre
PIRAÑA 3D
De Alexandre Aja. Con
Elizabeth Shue, Ving Rhames, Jerry O’Connell, Adam
Scott, Christopher Lloyd, Richard Dreyfuss, entre otros.
Música de Michael Wandmacher. Duración: 88 minutos.
BUENA. ORGÍA DE SANGRE Y
TERROR CON PIZCAS DE HUMOR… NEGRO
Aférrese al asiento y
dispónganse a disfrutar de un 3D que le mostrará en su
cara los tremendos dientes de estas pirañas. El
argumento, sin embargo, se apiada del espectador al
entrecruzar el terror y el humor, bajando la tensión que
provocan estas animaciones perfectas. Todo comienza
cuando un súbito temblor submarino libera a estas
pirañas de su cueva, mientras un pescador está en las
aguas, personaje a cargo de Richard Dreyfuss, vestido
exactamente como el rol que hiciera en Tiburón. Es el
gancho perfecto para introducirnos en una verdadera
orgía de sangre y terror.
El director francés
Alexandre Aja es un experto en films de terror y supo
imprimirle a este relato sólidos elementos y logra una
puesta atractiva, especialmente para los más jóvenes. A
las fantásticas y muy bien producidas técnicamente
escenas subacuáticas, hay que agregarles el aporte de
actores muy interesantes como Elisabeth Shue, recordada
por el film “Adiós a Las Vegas” (1995) por el que fuera
nominada al Oscar como mejor actriz, y la aparición de
Steven McQueen, nieto del muy recordado Steve McQueen,
fallecido a temprana edad por un cáncer.
La producción requirió de
una gran inversión para lograr tanta tecnología de punta
y transformarla en un film entretenido y vistoso, a
pesar de la sangre que, cada dos por tres, tiñe de rojo
furioso las aguas del lago Victoria Jóvenes estudiantes,
un clishé en este género, despreocupados caen en las
garras de estas feroces pirañas, deseosas de carne
humana fresca.
Estamos frente a un producto
ideal para el formato 3D y deja un espacio abierto para
continuar con esta saga de pirañas mordedoras y
sanguinarias, que son las crías de otras adultas y
gigantescas. Para fanáticos del género.
Carlos Pierre
BLACK SWAN O EL CISNE NEGRO
De Darren Aronofsky. Con
Natalie Portman, Vincent Caseel, entre otros. Duración
BUENA. “EL LAGO DE LOS
CISNES” TRANSFORMADO EN PESADILLA
Aronovsky ingresa al mundo
del ballet en el Lincoln Center de New York, que fuera
el predio donde se filmó Amor sin Barreras, de la mano
de El lago de los Cisnes, un maravilloso ballet de
Tchaivosky. E intenta analizar ese argumento a través de
un personaje.
El film forma un “tándem”
con “El luchador”, que interpretara Mike Rourke. En vez
del sudor de los boxeadores veremos el sudor de los
bailarines, el trasfondo de la preparación de un ballet,
y la perseverancia para llegar a ser una estrella.
Nina está encarnada por
Natalie Portman en el papel más exigido de su carrera,
dado que le demandó 8 meses de duro entrenamiento físico
para mostrarse como bailarina clásica. Y lo logra. He
aquí el primer mérito de la película.
El segundo está en una gran
secuencia cuando Nina baila como el Cisne Negro, el gran
villano del Cisne Blanco o la Reina, según el argumento
del tradicional ballet. La transformación de los brazos
de Nina-Portman en alas de cisne negro es una maravilla
visual.
La idea argumental es el
mandato familiar a los hijos de ser exitoso cuando uno
no lo ha sido, así como las consecuencias psicológicas
en una hija, Nina, de débil temperamento, acuciada por
fantasmas psicológicos muy fuertes que le impiden
brillar como bailarina.
El desarrollo argumental
tiene tres planos: el primero está en el hogar de Nina,
el segundo transcurre en el teatro y las exigencias del
director del ballet, el tercero es el desenlace que nos
presenta una forma de liberación del dolor físico y
espiritual.
De principio a fin, la
película recurre a todos los clishés: el fantasma
psicológico que persigue y que, si miramos, no está, la
competencia o rival como contrafigura, la liberación
sexual, el enfrentamiento con la madre, la decisión de
triunfar o morir. La narración apunta al thriller a
través de la pesadilla psicológica lo consigue por
momentos, aunque se torna previsible.
Hay una relación lésbica,
que fue la presentación de este film, entre Nina con
una compañera del ballet. Marca un momento de ruptura
entre la protagonista y la madre.
La actuación de Natalie
Portman tiene un enorme mérito por su esforzada
preparación. Es notable el nivel alcanzado por la
actriz. En cuanto al carácter de Nina, su personaje,
tiene tantas debilidades para enfrentar la vida que
resulta ser la bailarina que jamás podría pisar un
escenario. En su papel, Portman apeló a una mayor
gestualidad más que a la convicción.
Por momentos, hay confusión
para el espectador: ¿Nina es un “rara avis”, le salen
alas o no, es su imaginación, mata o lo sueña, está
enamorada o no? La narración audiovisual falla, recurre
a los efectos como señales explicativas, aunque nos
regale una bella secuencia con la danza del Cisne Negro
y la notable habilidad alcanzada por Portman.
Esta película viene con
mucha “venta anticipada”. En realidad, es un plato
fuerte para los psicólogos. Y, en definitiva, es un
thriller con todas sus convenciones, destacándose la
preparación física de Natalie Portman. Esperábamos mucho
pero mucho más.
Elsa Bragato
DESCONOCIDO
De Jaume Collet-Serra. Con
Liam Neeson, Diane Kruger,
MUY BUENA. UN THRILLER
PERFECTO PARA ESTAR
EN VILO
“Desconocido” nos acerca un
thriller de ésos que bien pueden considerarse como
antológicos por su realización actual, por el tema en sí
(un biotécnico), y por las actuaciones. Todo cierra,
nada es previsible hasta el desenlace, tal como debe
ser.
Atrapante resulta la vida de
este hombre biotécnico que encarna Liam Neeson: llega a
Berlín del brazo de su esposa para asistir a una
conferencia sobre sus investigaciones de la que
participará un jeque árabe, filántropo de la Humanidad.
Una valija olvidada en el aeropuerto será la excusa para
desarrollar una trama apasionante desde principio a fin.
Muchos críticos norteamericanos la calificaron como
propia del maestro Hitchcock por el entramado perfecto,
la tensión creciente y las grandes actuaciones.
Redondo, sin fisuras, es
este thriller policial que tiene un toque a Bourne el
Ultimatum y mucha modernidad en su concepción,
actuación, realización, producción.
No es el primer policial de
Liam Neeson, que nos desarma con cada una de sus
actuaciones. Seguro, fuerte, sólido, creíble, solo se
sabrá realmente qué pasa en esta historia de suspenso
sobre el final, y nada se habrá previsto antes.
Desde el director hasta el
consabido The End usted tendrá que atarse a la butaca y
meterse de lleno en la historia para no sucumbir a sus
emociones. Nos apasionó.
Elsa Bragato
Estrenos
del jueves 10 de febrero del 2011
Hay cinco estrenos en
fílmico. No comentaremos los dibujos animados “Las
aventuras de Sally en busca del pasaje secreto” ni el
documental de Julián D’Angiolillo titulado “Hacerme
feriante”.
EL DISCURSO DEL REY
De Tom Hooper. Con Colin
Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonham Cartes, Guy Pearse,
entre otros. Música de Alexandre Desplat. Duración: 118
minutos.
12 NOMINACIONES A LOS
PREMIOS OSCAR 2011
MUY BUENA. PARSIMONIOSA Y
TEATRAL, CON UN EXCELENTE COLIN FIRTH
Esta realización de Tom
Hooper, tan británico como el primer actor Colin Firth,
ofrece, además de la consolidación de Hoope como
director,, un tema interesante desarrollado dentro de
los cánones de una acendrada tradición inglesa. Hooper
había abordado hace un tiempo otro tema histórico, con
gran repercusión, en la multipremiada “Elizabeth I”, que
protagonizaran Hellen Mirren y Jeremy Irons.
En este caso, el film
desarrolla la superación de la tartamudez del rey Jorge
VI, quien no tenía ganas de llegar al trono. De allí el
título. Agregamos que muestra un costado humano de un
hombre que debe asumir la corona de su país.
En la superación de esta
dificultad es ayudado por un terapeuta poco ortodoxo, un
frustrado actor canadiense, a cargo del siempre notable
Geoffrey Rush. Este monarca llega a serlo en un momento
crucial de la historia mundial, la Segunda Guerra
Mundial.
Hay tres elementos
argumentales que van atrapando al espectador: el
acontecimiento bélico en sí, la tartamudez del rey y el
contrapunto que entabla con su singular terapeuta.
Y se establece un duelo
actoral excelente entre Colin Firth, como el
problematizado rey, y el actor australiano Geoffrey Rush,
relación que centraliza los tres elementos argumentales
que señalamos. Hay una aparición fugaz de Timothy Spall
como W. Churchill y es convincente Helena Bonham Carter
como la Reina Isabel.
Podemos establecer también
dos momentos en el film: uno, el primero, con cierto
tono teatral, y el segundo, con una mayor amplitud
visual y escénica, mayor narración cinematográfica en
sí, cuando el futuro monarca es coronado como Jorge VI.
Tom Hooper incluye también breves pasajes documentales
que muestran a Hitler y su aparato bélico, secuencias
que suman interés al nudo de la trama.
La música de Alexandre Desplat vuelve a
asombrar, adecuándose a los íntimos sucesos que padece
el monarca, a la superación de su
discapacidad. Curiosamente, se incluyó
fragmentos de música alemana como la Séptima Sinfonía de
Beethoven, el Réquiem de Brahms, Las Bodas de Fígaro de
Mozart
y otros fragmentos de Bach, para acentuar los momentos
dramáticos o más ceremoniales de la historia.
Estamos ante un film sólido
en todos sus aspectos, parsimonioso y teatral por
momentos, que no se olvida de Shakespeare cuando el
terapeuta juega con su hijo y representan escenas del
genial bardo, por ejemplo. British style por donde se lo
mire, resulta un producto atractivo por la problemática
presentada y la interrelación con el monarca y su
problema de habla. Para ver.
Carlos Pierre
TEMPLE DE ACERO
De Joel y Ethan Coen, basada
en la novela de Charles Portis (1968). Con Jeff Bridges,
Matt Damon, Josh Brolin, Hailee Steinfeld, entre otros.
Música de Carter Burwell. Duración: 110 minutos.
10 NOMINACIONES A LOS
PREMIOS OSCAR
MUY BUENA. RECUPERACIÓN DEL
WESTERN CON UNA EMOTIVA HISTORIA
En 1969 John Wayne, un
“cowboy” hecho y derecho, ganó su único Oscar por el
film Temple de Acero, diferente a los papeles que había
realizado hasta ese momento en el rubro. Muchos críticos
norteamericanos consideraron entonces y hoy que Wayne
ganó por él mismo y su trayectoria más que por su
composición del rudo Rooster Cogburn, ahora encarnado
por un notable Jeff Bridges.
Los hermanos Coen, que
apelan a versículos bíblicos en la presentación de esta
“remake”, le han otorgado a la historia una emotividad
que va atrapando de a poco al espectador hasta no
soltarlo hasta el final.
Es extraña la sensación:
primero, uno se enfrenta al mundo de los cowboys y a una
niña de 14 años, en la excelente interpretación de
Hailee Steinfeld. Y se piensa que se está frente a un
western más, sin tener en cuenta la versión original.
Luego, la emotividad del personaje de Bridges y el
convencimiento de la joven protagonista de encontrar al
asesino de su padre van ganando el corazón. No sin razón
y sin manejo cinematográficio: el clima que generan los
Coen es subyugante. Y la pequeña historia se transforma
en algo grande, que vale la pena seguir.
Hay una composición especial
de Jeff Bridges, afeado y grotesco, de su personaje, al
que dota de cinismo pero de una inconmensurable ternura
y humanidad. Matt Damond acompaña con eficiencia siempre
mientras que Steinfeld es una auténtica revelación (como
la joven actriz de Lazos de Sangre).
Las balaceras, las escenas
fuertes, son el “toque Coen” de que, si quieren,
transforman el mítico western en algo más que
sangriento. Pero se detienen a tiempo y le permiten
jugar a los sentimientos. La secuencia de Bridges con la
joven en sus brazos galopando con el corcel negro es
apoteótica y arranca el corazón.
Es un film atrapante,
emotivo, que supera con creces cualquier idea sobre un
clásico de los western. Se vive en el mundo de los
cowboys pero se nos regala sentimientos a granel.
Elsa Bragato
EL RITO
De Michael Hafstrom. Con
Anthony Hopkins, María Cucinotta, Colin O’Donoghue,
Ciaran Hinds, Rutger Hauer, Alice Braga, entre otros.
Música de Alex Heffes. Duración: 113 minutos.
BUENA. NUEVA MIRADA SOBRE
LOS EXORCISMOS
Dentro del género thriller
sobrenatural, enrolamos a El Rito, basado en la novela
El Rito y cómo hacer un moderno exorcismo, del italiano
Matt Baglio, publicado en el 2009. El director Halfstrom
adaptó este cuento que transcurre entre Roma y los
Estados Unidos, donde un joven seminarista, a cargo del
debutante Colin O’ Donoghue, enfrenta sus dudas para
aceptar los votos definitivos como sacerdote. Es enviado
a Roma, donde la cámara de Halstrom se explaya en los
interiores poco conocidos de El Vaticano, y debe
encontrar a un sacerdote especial, jesuita, encarnado
por el siempre vehemente Anthony Hopkins, experto en
exorcismo.
El film tiene una primera
parte atrapante, que se centra en el joven seminarista y
su llegada a Roma, así como su primer encuentro
traumático con el jesuita exorcista. Hay que destacar
que Hopkins pudo echar mano de su Hannibal Lecter
consagratorio pero no recurrió a aquellos tics que,
sumados a una actuación descomunal, le valieran el
Oscar. La segunda parte se diluye un poco: nos referimos
a la etapa en que el seminarista regresa a su país,
regresa a Roma y debe enfrentar al Demonio en el cuerpo
y alma del jesuita.
Aparece una intrigante
periodista pero, en verdad, ningún otro personaje fuera
d e los dos centrales aportan elementos sustanciales. Es
muy loable la perfomance del joven Donoghue junto al
gran Hopkins. Cucinotta está demasiado delgada y es un
muy secundario personaje. Y es justo decir también que
Colin O’Donoghue, en su primer protagónico en cine, está
estático y sin emoción en un papel donde debió
transmitir desde incredulidad hasta terror. Raro, cuanto
menos.
Decimos que se diluye la
fuerza de la historia porque pierde fuerza al resultar
reiterativos los exorcismos de los que no se ve mucho
“entramado” (no aclaramos por obvias razones). Se pierde
fuerza en la indecisión del joven seminarista, se pierde
fuerza en el exorcismo al jesuita de Hopkins, aunque es
una muy buena secuencia actoral. Hay caídas del
argumento, no por elipsis sino por debilitamiento del
desarrollo narrativo. No obstante, si desea verla, no
saldrá defraudado: verá exorcismos no impactantes pero
de práctica habitual, algo poco frecuente de conocer. Y
en esta cotidianeidad de los exorcismos reside el
principal atractivo del film.
Elsa Bragato
Estrenos
del jueves 3 de febrero del 2011
Hay
cuatro estrenos en soporte fílmico. No comentaremos el
nacional “Sudor frío” ni “Lazos de Sangre”, nominada a los
Oscar.
CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS
De Woody Allen. Con Anthony Hopkins, Antonio Banderas, Naomí
Watts, Josh Brolin, entre otros. Música de la época del
swing y fragmentos clásicos. Duración: 98 minutos.
MUY BUENA. ESPEJO ZUMBÓN DE NUESTRAS VIDAS
Algunos críticos del exterior consideran que este film de
Woody Allen es “más de lo mismo”. Sin embargo, corresponde a
la visión del realizador sobre las relaciones humanas y el
cinismo que pueden entrañar.
“Conocerás al hombre de tus sueños” es una de las frases que
utilizan las pitonisas del film para embaucar a la crédula
clientela. Encomendar nuestro destino a lo que nos promete
la fortuna o nuestro débil corazón a terceros “fortunetellers”,
es la sinrazón de la gente. Éste es el planteo de esta nueva
película de Woody Allen, en tono irónico, que es uno de sus
fuertes.
Como es usual en Allen, que tantas veces nos ha desnudado en
pantalla o bien nos dio una compasiva palmada por nuestras
actitudes, un relator, una voz en off, presenta las
secuencias y va desarrollando el rol de cada una de las
criaturas que anhelan y tropiezan en la calle de la vida. No
podía faltar una frase de Shakespeare que resume la pasión
humana como “un montón de furia y ruido…”.
El guión pertenece a W. Allen y lanza al ruedo de la
incierta fortuna a cada uno de los personajes sin dejar de
lado el desarrollo de cada uno de ellos.
Los ocho actores elegidos para el film, algunos muy
consagrados y otros novatos, conforman este cabal entramado
que nos despierta una sonrisa y, también, cierta piedad.
Anthony Hopkins, Gemma Jones, Pauline Collins, Naomí Watts,
Antonio Banderas, Josh Brolin, Lucy Punch (una call-girl
deliciosa) y Freida Pinto, a quien conocimos en Slumdog
Millonaire.
Como banda sonora, Allen se vuelca, como siempre, al swing,
del que es devoto y al que nunca abandona. Agrega fragmentos
de Boccherini, Mozart, Donizetti.
Allen lleva realizadas 40 películas y, aún a riesgo de ver
historias parecidas, uno suscribe sus producciones antes de
conocerlas. Destacamos las actuaciones de Hopkins y de
Antonio Banderas.
Es un film para pasarla bien pero también para condolerse
porque opera como un espejo zumbón que nos involucra. Por
supuesto, nos gustó aunque encontremos reminiscencias de
otros films de Woody Allen.
Carlos Pierre
EL AVISPÓN VERDE
De Michel Gondry. Con Seth Rogen, Jay Chow, Christoph Waltz,
entre otros. Basado en la serie televisiva de 1966. Música
de James Newton Howard. Duración: 119 años.
BUENA. UN BATMAN DEVALUADO AUNQUE SIMPÁTICO
Desde hace años viene dando vueltas el guión de El avispón
verde. Finalmente llega al cine en versión 3D,
superproducción y buenas actuaciones. Seth Rogen, el
protagonista timido de Ligeramente embarazado, surge como
héroe protagonista con buena perfomance. Un editor
periodístico fallece, su hijo queda a cargo y, como es un
inútil, descubre que puede ayudar a los más necesitados en
la vía pública. Se vale del chofer de su difunto padre,
experto en artes marciales e inventor.
No falta acción, hay un plano secuencia en el desenlace
estupendamente filmado, en medio del humo, balaceras, y un
ritmo frenético para que el Avispón pueda descubrir al
“malo” que no es otro que el galardonado con el Oscar
Christoph Waltz. Malos y buenos, como corresponde. Decimos
en el título “Batman devaluado” porque este personaje tiene
mucho del hombre nocturno, desde buscar un disfraz (avispón
verde) hasta defender a los pobres e indefensos. Y es
inmediata la comparación.
Hay buenos climas de acción, hay buenas perfomances y no
ocultamos que resulta un tanto extraño ver a Seth Rogen como
protagonista, papel que cumple con gran solvencia. Para
pasar un rato divertido.
Elsa Bragato
Estrenos del jueves 20 de
enero del 2011 Hay cinco estrenos. No comentaremos el film nacional
“SIDRA”.
ESCUPIRÉ SOBRE TU TUMBA
De Steven Monroe. Con Sarah Butler, Jeff Branson, Andrew
Howard, entre otros. Música de Corey Allen Jackson.
Duración: 106 minutos.
BUENA. FUERTE, SÁDICA, UN PLATO FUERTE PARA POCOS
Antes de realizar el comentario, debemos indicar que, en la
década de los 70, algunos directores de Hollywood
irrumpieron con un subgénero muy violento conocido como Rape
and Revenge (violación y venganza). En 1978, Meir Zarchi
dirigió y escribió el guión de “La vioelcnia del sexo o
Tomar Revancha”, film que generó polémicas por sus escenas
explícitas, cargadas de sadismo y morbosidad.
En los últimos años, no hay nada que no se haya visto en el
cine, si recordamos Hostel, por ejemplo, entre tantos otros
ejemplos. El director Steven R. Monroe tomó el tema y lo
“aggiornó” ahora, cuatro décadas después, provocando el
mismo impacto. En esta versión, una joven y bella escritora
decide pasar sus vacaciones en una casa alquilada en un
lejano pueblo para poder escribir una novela. Sin embargo,
el lugar se verá invadido por cinco lugareños, cargados de
violencia y de deseos sexuales reprimidos.
En esta aislada trampa en la que cae la protagonista,
ocurrirán todas las violaciones morales y físicas
imaginables y también inimaginables. Participan de estas
orgías hasta el sheriff del lugar y un joven con retardo
mental. Detalles no menores para atornillar al espectador a
la butaca y horrorizarlo por el calvario al que es sometida
la joven mujer.
A esta “primera etapa de horror” le sigue la revancha. Muy
sangrienta, mutilaciones y atrocidades de todo tipo. Por
supuesto, debemos decirlo para avisarle al espectador que no
irá a ver un film de horror más sino quizás una sumatoria de
horrores.
Un hallazgo del film está en los efectos especiales. Otro en
la elección de la protagonista, una joven esmirriada que
será capaz de una fuerza irrefrenable.
Es un film de culto, basado en la película mencionada al
comienzo, “I spit on your grave” o bien “Day of the woman”,
de 1978. No es un film para todos sino para los que son
fanáticos de este subgénero. Quien se anime a ver
“Escupiré…” no podrá sustraerse ni olvidar la perturbadora
muestra de horror que hace Monroe, trazado ingeniosamente en
un guión simple pero de impecable desarrollo. Escenas muy
fuertes, repetimos. Solo para fanáticos.
Carlos Pierre
LA VIEJA DE ATRÁS
De Pablo José Meza. Con Adriana Aizenberg, Martín Piroyansky,
entre otros. Música de Sergio Rojas. Duración: 115 minutos.
BUENA. PEQUEÑA HISTORIA SOBRE LA INCOMUNICACIÓN BIEN CONTADA
Con una cámara fija que muestra los objetiso más cotidianos
y austeros, tales como una pava que hierve, las galletas
sobre la mesa, los viejo s objetos que conviven con el
presente de una mujer mayor, en primer plano, va armando la
historia el director Pablo José Meza, galardonado en varios
festivales. Detalles todos que hacen a la historia que nos
contará.
De a poco, Meza hace aparecer la idea del guión y su
desarrollo, una historia pequeña, austera y sórdida. La casa
de la anciana y el joven provinciano que ocupa otro
departamento serán los protagonistas de encuentros y
desencuentros. La anciana solo pide una conversación diaria.
El joven necesita un lugar para vivir sin pagar por no tener
dinero, además de otros problemas familiares.
La relación es fría pero llevadera. Sin embargo, no tardarán
en aparecer diferencias entre ambos. Saldrán a relucir la
monotonía de la personalidad de la anciana, viuda, aferrada
a una conducta elemental, así como la parquedad y el
abatimiento del joven.
A manera de paneos, si bien cumple con una breve acción
determinada, aparecen Atilio Pozzobón y Brenda Gandini (de
gran actualidad por su personaje en Malparida, Canal 13).
Estamos frente a la segunda película de Pablo José Meza (la
primera fue Buenos Aires 100 km -2004), que demuestra una
buena dirección actoral y una cámara minuciosa que mueve con
solvencia en interiores y exteriores. De esta manera retrata
acertadamente el fluir concreto y sencillo de un barrio
porteño.
Gran actuación de Adriana Aizenberg, más que probada actriz
que nos ha regalado grandes trabajos. Éste no es la
excepción. En síntesis, una historia pequeña, bien contada,
seres anónimos que tienen una íntima pasión por la vida y
buscan concretarla.
Carlos Pierre
EL TURISTA
De Florian Henckel von Donnersmarck. Con Angelina Jolie,
Johnny Depp, entre otros. Música de James Newton Howard.
Duración: 103 minutos.
REGULAR. UN “CHORLITO” PERDIDO EN VENECIA
En el momento de analizar el film, nos damos cuenta de que
se han dado elementos preciosos para realizar una película
estupenda sin lograrla. Llama la atención que Florian
HEnckel Von Donnersmarck haya sido el director de La vida de
los Otros, un hito del cine de los últimos años. Aquí contó
con una pareja protagónica especial: el encanto de la
superdelgada Angelina Jolie y la solvencia de Johnny Depp,
más acostumbrado a personajes estrafalarios que a mostrarse
como lo hiciera en Chocolate, y en esta película, a cara
limpia y pura actuación. Por lo tanto, es raro verlo actuar
sin máscaras. Recordamos que estuvo nominado a los Golden
Globe por este film (la otra nominación fue por Alicia en el
país de las maravillas).
El director además filmó en la ciudad de Venecia a la que,
en este caso sí, tomó desde todos los ángulos, incluso
zenitales, con un derroche de espectacularidad pocas veces
visto. Sin embargo, no supo manejar el guión, con muchos
flancos débiles, y se dejó ganar por la prepotencia de la
fama de Jolie y de Depp además de la belleza de Venecia. No
bastó.
Atrapados por la fotografía de la ciudad, algo que
repetiremos hasta el cansancio, nos topamos con una Jolie
encorsetada en fastuosos vestidos tanto en París como en el
estupendo hotel Danieli de la ciudad de los canales, con
cara de “aquí estoy yo” y nada más. Nada de actuación. Como
modelo, mil puntos. Como actriz, en este film (para nuestro
gusto, nunca), nada de nada.
Y la aparición de Johnny Depp, tal vez con algún guiño a
algún personaje de Cary Grant en sus comedias policiales, es
rara, como con timidez extrema, pero seguro de ella y de
cómo manejarse. Hay una diferencia entre Jolie y Depp: ella
hace poses y cree que así actúa. Él sabe que su personaje es
sostén de la protagonista y actúa bien. Nada más que el
guión no lo dejó lucirse salvo en un segundo plano. Depp
será el “chorlito” que caerá en una trampa de consecuencias
insospechadas.
La falta de pasión, el tono bajo con el que hablan los
personajes, casi susurrándose, las escenas que uno cree que
verá y no aparecen nunca, dejan un sabor agridulce: por un
lado, está la fastuosa Venecia, en su máximo esplendor. Por
el otro, una comedia policial que no termina de convencer
con superfamosos y millonarios en los protagónicos, con
pésima dirección actoral. Si se decide, no perderá su dinero
porque habrá viajado en primera clase hasta la maravillosa
Venecia aunque luego olvidará en pocos segundos la historia.
Elsa Bragato
LOS VIAJES DE GULLIVER
De Rob Letterman. Con Jack Black, Jason Segal, Emily Blunt,
entre otros. Música de Henry Jackman. Duración….
MUY BUENA. ENTRE NEW YORK Y LILIPUT, UN JACK BLACK PARA
CHICOS
Jack Black es un músico de rock que ha ido ganando espacio
actoral en varios films muy taquilleros y buenos. Por
ejemplo, Vacaciones, con Jude Law y Cameron Díaz. Y también
recordamos su actuación en “Rebobinados”, un film “indie”
muy diferente, que les recomendamos.
Recrear la historia del “gigante Gulliver” conllevó muchas
peripecias técnicas que Rob Letterman ha podido resolver muy
bien. Viene del campo de la animación, hombre ducho en
peripecias de computación, siendo éste es su primer film
para toda la familia.
Es convincente la realización donde se mezclan los seres
humanos en su tamaño natural con otros personajes diminutos,
también protagonizados por actores de carne y hueso. El
encargado de una redacción logra, por una mentira hacia una
editora de la que está enamorado, viajar a las Bermudas,
donde deberá desentrañar el famoso “triángulo” y las
desapariciones que allí se producen. Pero terminará en la
isla de Liliput. Y el cuento de Swift, de 1726, ya lo
conocemos. Gulliver será un “ diminuto “ muñeco en medio de
los humanos normales con gags logrados y simpáticos
especialmente para los chicos. A estos ingredientes bien
desarrollados, y “aggiornados” (la isla de Liliput tendrá un
centro a la manera de Broadway y la 42, por ejemplo), se le
añade una historia romántica que ayuda a cerrar la propuesta
narrativa de manera clásica. El encuentro entre el
distribuidor de correspondencia y la editora tiene que tener
un final, feliz o no.
Es muy interesante la fotografía, no solo por los efectos
especiales que hemos enumerado muy por arriba pero que son
imaginables en este film, sino por cómo se maneja la cámara
de Letterman codo a codo con Black en sus caminatas por la
estupenda New York, por ejemplo, y la relación entre el
“gigante” a la fuerza y los pequeños habitantes. El
“desborde” de Black del que algunos hablan se debe
sencillamente a que él es el gigante y los demás, los
diminutos. Black parece muy cómodo en este papel donde hace
de aturdido al que le pasan cosas insólitas.
El film es redondo. Y tiene a su favor que no hay personajes
de computación sino actores “empequeñecidos” o
“agigantados”, según los momentos de la historia. Esto le da
verosimilitud y lo hace muy atractivo. Obviamente, es para
toda la familia. Al que no le gusten los cuentos para
chicos, abstenerse. La relación entre el gigante, los
liliputienses, la princesa, no es un plato digerible para
todos. No obstante, no podemos calificarla con menos porque
cumple su objetivo, no deja cabos sueltos y tiene una
compleja realización donde todo marcha como la máquina de un
reloj.
Elsa Bragato
Estrenos del jueves 13 de
enero del 2011 Hay cinco estrenos en la ciudad de Buenos Aires. No
comentaremos ni Noches de Encanto ni Buen día, día, que es
el Documental del Mes. Se reestrena Volver al Futuro durante
una semana.
SOMEWHERE, EN UN RINCÓN DEL CORAZÓN
De Sofía Coppola. Con Stephen Dorff y Elle Fanning, entre
otros. Mùsica de Phoenix. Duración: 96 minutos.
BUENA. UNA HIJA DE HOLLYWOOD HABLA DE SU MUNDO. RELATO SIN
IMPACTO PERO CON MUCHO ENCANTO, AUTOBIOGRÁFICO Una larga secuencia, plano largo y cámara fija, de un
circuito automovilístico y una Ferrari que pasa frente a
cámaras, luego se pierde, se escucha el ruido de su potente
motor, vuelve. La estructura fílmica, formal, que nos
presenta Sofía Coppola es la de un film “indie”. En su
tercer film, la hija de Francis Ford Copppola, que produce
la película, vuelve a los comienzos mostrados en “Perdidos
en Tokyo”. Es decir, esa gran máquina de generar estrellas
que es Hollywood y la soledad que los embarga, tan lejos de
la fastuosidad que la sociedad les impone en la gran mayoría
de los casos. Curiosamente, luego de la primera secuencia, la cámara de
Coppola se apoya en el luminoso cartel del Chateau Marmont
(ex propiedad de Regina Bragato, residente en Palm Spring,
CA, USA), un hotel pequeño al que van los actores para
disfrutar de una vida tranquila y poder estudiar sus
libretos sin el acoso de las fans. Allí hay fiestas
nocturnas y todo lo que desee, chicas que bailan en los
cuartos privados (Coppola se extiende en exceso durante la
escena del baño del caño a cargo de unas mellizas rubias,
cámara fija siempre, y resulta innecesario porque el film
pierde timing)mujeres que se regalan por nada, y la vida
solitaria de un actor, en este caso Johnny Marco, encarnado
por Stephen Dorff. Separado, con una hija de 11 años, Cleo,
a cargo de una futura gran estrella, la bellísima Elle
Fanning, un buen día debe hacerse cargo de la niña porque la
madre “necesita pensar” su futuro. El actor asume el reto, y
viaja con su hija a Italia, es la figura de la famosa
entrega d e los premios Gatto en Milán, disfrutan juntos de
una vida que les resulta prestada (el lujo romano de las
piscinas privadas, las fiestas con celebridades). La unión padre-hija nos remite inmediatamente, por los
sutiles detalles que va exponiendo Coppola en un relato con
encanto pero sin impacto, a su propia vida, especialmente
cuando su pequeña protagonista manifiesta el dolor que le
causa la ausencia de sus padres a su papá. Decimos que el film tiene encanto porque la vida de este
actor papá y su hija nos transmiten ternura, descubrimiento
mutuo, cariño, empatía. Y decimos que no produce impacto
emocional porque la forma de la narración audiovisual tiene
un tono menor, no busca sobresaltar al espectador sino
contarle una historia. Por ser Sofía Coppola, con un estilo
muy definido, nos parece que la construcción de la narración
es muy simple, más de aficionado que de una hija de la meca
del cine. No obstante, cumple con su objetivo y nos va
llevando al climax poco a poco, tal vez no el deseado pero
sí el más humano y comprensible. Resulta interesante esta película y muy autobiográfica, tal
como la misma Sofía Coppola lo dijo en varios reportajes. Y,
si uno no lo sabe, igual se dará cuenta de que allí están
los conocimientos que la vida misma le dio a la hija de
Francis Ford Coppola, la vida de trabajo y rutina de un
actor o productor y la fastuosidad de los eventos que lo
alejan de lo sustancial: la familia. Sin duda alguna, Sofía
lo vivió. Se deja ver porque, además, vemos Hollywood y cómo
se desarrolla la cotidianeidad en un mundo que no es de
fábula. Elsa Bragato
IMPARABLE
De Tony Scott. Con Denzel Washington, Chris Pine, Rosario
Dawon, entre otros. Música de Harry Gregson-Williams.
Duración: 97 minutos. MUY BUENA. UNA IDEA BÁSICA CON UNA REALIZACIÓN FUERA DE LO
COMÚN, VIBRANTE, IMPACTANTE, ESTREMECEDORA.
Denzel Washington es una marca registrada: donde actúa, uno
tiene la garantía de que verá un film fuerte, con una
actuación que nos conmoverá. Esta película no es la
excepción. La idea del guión es elemental: un tren con 39
vagones y una carga química peligrosa arranca solo por una
mala maniobra de su conductor que baja para cambiar la ruta
de las vías. Este hecho bien pudo ser banalizado por la
realización. Sin embargo, los encuadres, el trabajo del
sonido en postproducción, hacen de este hecho una historia
estremecedora. Se unen las actuaciones de Denzel Washington
y Chris Pine que, además, plantean un tema candente: las
jóvenes generaciones que van sustituyendo a los “viejos” en
los trabajos y la competencia que se establece a nivel
gremial y personal, el “elegido”, el por jubilarse, los
temores de unos y otros en medio del frenesí de las
locomotoras, de rieles, de aplastantes ruedas gigantes. Es una película que recomendamos porque no hay nada que uno
pueda criticarle. La forma es soberbia, el fondo es un poco
más de lo mismo pero tan bien actuado, con tanta carnadura,
que resulta impecable. Una idea básica con una realización
fuera de lo común. Si le gusta aferrarse a la butaca, ésta
es su película. Elsa Bragato
EL RETRATO DE DORIAN GREY
De Oliver Parker. Con Ben Barnes (el príncipe Caspian de
Narnia), Colin Firth, Rebecca Hall, entre otros. Música de
Charlie Mole. Duración: 120 minutos. BUENA. OSCAR WILDE CON EFECTOS SIGLO XXI La ambientación del film y los detalles de la vida nocturna
del London West, el vestuario, y el clima que se va logrando
hacen, de esta película, una gran realización. En este
sentido, deberíamos calificarla como “muy buena”. Pero es
tan solo buena porque tiene muchas secuencias en las que
pierde su tempo, su timing, y se alarga innecesariamente.
Basada en la obra del mismo título de Oscar Wilde, nos
enfrenta a un joven de gran belleza que viaja a Londres y es
iniciado en el hedonismo y los placeres de la vida nocturna
más lujuriosa por Henry Wotton, a cargo del gran Colin Firth. La vida nocturna, la aparición de una joven actriz que
enamora al protagonista, las drogas y los placeres
transforman al joven en una persona muy segura de sí, capaz
de cualquier atrocidad como matar a otros, insinuar una
incipiente homosexualidad, y tener su propio retrato que
será su gran condena. El relato tiene todos los elementos técnicos actuales por lo
cual el director puede jugar con el espejo del ático que
refleja la esbelta silueta y el bello rostro del joven
Dorian, y su paso a la vejez cuando el hechizo se quiebra
por un hecho fortuito aunque sabido por quienes conviven con
él. Esta película, con tan buen trabajo de forma y fondo (Ben
Barnes y Colin Firth se adueñan de sus personajes), es muy
interesante para quien ame ver narraciones audiovisuales
puntillosas, de gran espectacularidad visual, de gran
riqueza en las imágenes. Si le gustan las novelas, ésta es
su película, con el aditamento del “thriller” y de los
efectos especiales, muy bien añadidos tanto en el guión como
en la realización. Carlos Pierre
Estrenos del jueves 6 de
enero del 2011
Hay seis estrenos, uno en DVD, Baaria, de G. Tornatore.
Destacamos el primer estreno nacional del 2011: Los Santos
Sucios, de Luis Ortega.
MÁS ALLÁ DE LA VIDA
De Clint Eastwood. Con Matt Damond, Cecile de France, entre
otros .Música de Clint Eastwood. Duración: 129 minutos. BUENA. EL MÁS ALLÁ EN UN RELATO CON DESNIVELES La mano y la banda sonora de Clint Eastwood son inapelables:
están presentes. A manera de tríptico, nos presenta una
historia que, por su complejidad narrativa, tiene desniveles
si bien, en algunos momentos, resulta muy atrapante y hasta
conmocionante. Es impactante la escena inicial con el
Tsunami en Indonesia. En estas primeras secuencias, queda
planteada la idea del film (es recomendable prestar mucha
atención al inicio de una película). Esa recreación que toma
a una de las protagonistas, encarnada por Cecile de France,
es altamente conmovedora, estremecedora. La otra historia se
centra en los Estados Unidos, en Matt Damond, un mecánico
que es médium pero que se resiste a trabajar como tal porque
no le ha ido bien al descubrir la vida de los otros con solo
tocarles las manos. Y finalmente, el tercer protagonista es
un niño que vive en Londres, que tiene un hermano gemelo que
muere. Esta complejidad argumental obliga a una narración
audiovisual que va de aquí para allá, desarrollando cada
historia, y buscando algún punto de unión. No es fácil
encontrárselo por lo cual se alarga más de lo necesario la
historia. Finalmente, habrá un denominador común para los
tres protagonistas y sus subhistorias, esto es importante
destacarlo porque es otro “alargue” en la narración
propuesta que pudo evitarse. Pero no somos realizadores de
cine sino comentaristas y no vamos a indicarle a Eastwood
qué debió hacer. Simplemente informamos lo que verá el
lector. Atreverse con el más allá teniendo una edad límite, 80 años
casi 81 para Eastwood, es tener mucho coraje. Como hombre
ateo, con súbitos momentos de misticismo, Eastwood no nos
dice que debemos creer en el más allá pero lo muestra; no
nos presenta la conversión de sus personajes como algo
inapelable. Pero sí nos regala las tres historias que tienen
que ver con la vida en el más allá: una protagonista porque
la vive, el otro porque la ve con su mediunidad, el tercero
porque la sospecha y necesita encauzar esa angustia que no
se le revela como visiones. Es un film interesante, complejo, al que le cuesta encontrar
una unión entre tantas historias pero que finalmente la
logra. En el “mientras tanto”, el espectador ve el
desarrollo de vidas conmovidas por situaciones límites con
actuaciones descollantes. Es un film interesante a pesar de
los altibajos en el guión, bien realizado y, por momentos,
con secuencias atrapantes. Elsa Bragato
ENREDADOS
Film de animación de Walt Disney en 3D, doblada al
castellano. Música de Alan Menken. Duración: 100 minutos. MUY BUENA, ATRAPANTE HISTORIA DE UNA PRINCESA DE LARGOS
CABELLOS CON FANTÁSTICA BANDA SONORA Walt Disney, de acuerdo a las últimas informaciones, se
despediría, luego de 75 años, de los cuentos de princesas
(Blancanieves, Cenicienta, Pocahontas, entre otras) con
Rapunzel, la protagonista de esta nueva historia de
animación. La princesa es una adolescente de largos
cabellos, que fue raptada y vive en una torre muy alejada.
No hay mejor oportunidad para despedir a la galería de
princesas con este film que sorprende por el alto grado de
expresión de los personajes animados, por las excelentes
canciones de Alan Menken (un “histórico” de éxitos musicales
de Disney) y con lograda depuración en los personajes. Es
decir, pocos pero fundamentales acompañando la historia de
esta tan especial princesa, que saldrá de su encierro para
sentir el palpitar de la vida. La siguen el camaleón Pascal,
el caballo Máximus, el pícaro ladrón Flynn Ryder, una
pandilla de matones, la bruja y captora Gothel y sus padres,
los reyes que están desesperados. Es una película atrapante para chicos y grandes por la
calidad de la realización y por la historia, simpática, que
tanto tiene que ver con los 21 metros de cabellos de la
princesa Rapunzel. Para disfrutar a pleno y en familia. Carlos Pierre
LOS SANTOS SUCIOS
De Luis Ortega. Con Alejandro URdapilleta, Luis Ortega, Emir
Seguel, entre otros. Voz de Oscar Alegre. Música de Leandro
Chiappe. Duración: 86 minutos. BUENA. APOCALISPSIS CRIOLLO EN UN FILM DE BUENA FACTURA Luis Ortega asombró con Caja Negra, aquel relato descarnado
y, al mismo tiempo, pleno de mensajes de hace algunos años.
Luego vino Monoblock, también interesante. En este caso, nos
presenta a seis sobrevivientes del fin de una guerra, de una
era, o los estertores de la Humanidad. Fiel a su estilo,
personal más que cargado de influencias (si bien uno nunca
puede sustraerse a su momento histórico y sus maestros), no
abundan los diálogos, son más palabras, frases, expresadas
en un silencio estremecedor, concordante con el hermetismo
de los personajes. El relato se apoya en un montaje muy
logrado, cuidado, que se plantea en un paisaje desolado de
un pueblo de Colón, en la provincia de Entre Ríos (locación
muy utilizada en nuestro cine). En un guión árido pero profundo, los sobrevivientes buscan
su salvación que está después de un río, dato que nos remite
inmediatamente al mundo creado por Dante Alighieri. El Edén
está más allá del río Fijman, en un tributo al poeta del
grupo Martín Fierro del siglo XX. Cada personaje tiene, en
un bolsillo, un picaporte, que es el pasaporte a la meta.
Todos abandonan el pueblo para salvarse en el Edén, salvo
Monito, personaje a cargo de Martina Juncadella, que busca
el amor. Y se quedará como la campanera de la iglesia una
vez que estos “santos sucios” la abandonen. He aquí el
“quid” del título. Santos por su destino, sucios por su
Humanidad de origen pecador. Como dato curioso, aportamos que en una de la escenas de
este personaje aparece un cartel de carne envasada llamada
“Liebig”. En alemán, “liebe” significa amar. Podemos suponer
que es alguna derivación de esta última palabra. Estamos frente a un film no apacible, no es fácil sino que
convoca al espectador a armar un cuadro roto por una
catástrofe cuyo origen se desconoce. Hay una muda sensación
de angustia, un clima sobrenatural, bien logrado, que
sobrevuela el film. La música incidental de Leandro Chiappe acompaña las
secuencias de manera acertada y también lo destacamos. La
filmación es depurada, acertada elección de las locaciones y
secuencias con tomas muy subyugantes que tienen peso por
sobre las actuaciones, en algunos momentos poco acertadas.
El final es abierto y tiene el secreto de una puerta que no
podemos aquí descubrir. Interesante regreso de Luis Ortega con un film inteligente. Carlos Pierre
LA EPIDEMIA
De Breck Eisner. Con Timothy Olyphant, Radha Mitchell
Danielle, entre otros. Música de Mark Isham. Duración: 99
minutos. BUENA. ENFOQUE DIFERENTE EN UNA REMAKE “TERRORÍFICA” Estamos ante la remake de la película de 1973 de Goerges
Romero, ahora con una sofistacada técnica cinematográfica
que incluye interesantes planos secuencias y planos
abiertos. El género del terror, como bien sabemos, moviliza
nuestra ancestral curiosidad y morbosidad por la sangre, y
este film no es la excepción para nuestra movilización
interior. Hay a lo largo de La Epidemia o The Crazies secuencias de
gran despliegue audiovisual, donde resaltan los movimientos
de una población desbocada por un hecho fortuito (la caída
de un avión militar que transportada armas bioquímicas en el
lago de la zona). Un pueblo de Kansas, de apenas 1200
habitantes, se ve poblado de soldados y helicópteros que
buscan el motivo de la “epidemia” de locura y sangre que se
desata. Si bien el guión se torna previsible a medida que avanza el
relato, el suspenso se mantiene a partir del accidente
inicial que desencadena la epidemia de locura. Como
“zombies” los habitantes contaminados por las aguas del
lugar se transforman en asesinos incluso de sus familiares,
en una verdadera orgía de sangre y terror. Este género
“gore” tiene muchos adeptos y, en este caso, encontrarán una
narración audiovisual diferente para el desarrollo de una
historia que mantiene los clishés propios del género,
puestos al servicio del entretenimiento de los espectadores.
Para amantes del terror. Carlos Pierre
LOS PEQUEÑOS FOCKERS
De Paul Weitz. Con Ben Stiller, Robert De Niro, Owen Wilson,
Barbra Streisand, Dustin Hoffman, entre otros. Música de
Stephen Trask. Duración: 98 minutos. BUENA. MÁS DE LO MISMO CON UN ELENCO SUPERESTELAR Nada más que ver a tantas estrellas juntas produce un placer
que, seguramente, el film no dará al espectador por sí
mismo. Es que ya no hay muchas vueltas para esta historia de
los Fockers donde el yerno vive enfrentado al suegro ex
agente de la CIA. Sin embargo, ver juntos a la Streisand con
Hoffman o De Niro, es un placer que pocas veces tenemos. El advenimiento de los mellizos, nietos de Robert de Niro en
la ficción, convoca a un cumpleaños superestelar que tendrá
de todo: desde escenas escatológicas en un hospital hasta
gags conocidos pero no menos eficaces, y cierto letargo en
la narración audiovisual, con cenas de poca eficacia, y la
llegada del ex novio, que personifica Owen Wilson, además
del ataque cardíaco de uno de los personajes. Reaparece la
locura sexópata que encarna Barbra Streisand y el vuelco al
flamenco de un Hoffman simpatiquísimo. Todos son segundos
que nos mueven a sonreírnos y que nos hacen bien. Pero no
mucho más. El film se basa en los mismos estereotipados personajes de
la primera historia de esta saga familiar, con pocos
aciertos en los diálogos y cierta morosidad no conveniente
para una comedia. A Stiller se lo ve demasiado serio,
mientras que De Niro ensaya sus muecas de siempre y
Streisand está sobreactuada. Hoffman se luce en un papel que
hace de taquito. Y Wilson aletarga la acción. Y la
realización es más que convencional. En una primera lectura, sentimos que el film es más que
olvidable. Sin embargo, no molesta aún con sus momentos
menos agradables, no muestra escenas obscenas y, en
definitiva, nos deja con una sonrisa. Es algo y, en tiempos
de locuras sociales, no está mal ni sentirá que ha perdido
su dinero. Es cierto, pudo ser mejor. Elsa Bragato
BAARIA. LAS PUERTAS DEL VIENTO
De Giuseppe Tornatore. Con Francesco Sciana, Margareth Made,
entre otros. Música de Ennio Morricone. Duración: 152
minutos. MUY BUENA. EL “MUNDO TORNATORE” EN UN FRESCO DE REALISMO Y
NOSTALGIAS Giuseppe Tornatore nos regala, en este nuevo film, un fresco
que se inicia en su natal Baaria en una familia. Recorrerá
tres generaciones entre 1930 y 1980 y nos hará pasear por
las tristezas y alegrías cotidianas de cualquiera de
nosotros. En el caso de Tornatore, se suman la Segunda
Guerra Mundial, el eterno enfrentamiento entre los
comunistas y fascistas italianos, las arengas en el pueblo,
el crecimiento del pequeño pastor y el encuentro con el
amor, y las consecuencias que lo diario, lo que vivimos
tanto en el hogar como fuera de él, van dejando en nuestra
alma y nos van formando de tal o cual manera. La música de Ennio Morricone no hace más que acentuar los
sentimientos profundos de esta historia que, para muchos, es
autobiográfica, y que nos muestra la cotidianeidad de las
familias, con los claroscuros propios entre mayores y
menores, la juventud y la vejez, la adultez. Extensa, profunda, sentimental: una pequeña obra maestra de
la narración audiovisual de Giuseppe Tornatore. Y un
reencuentro con un gran cine italiano, el de la narración,
el de los personajes creíbles, el de la emoción. Elsa Bragato
Estrenos del jueves 30 de
diciembre del 2010 Hay dos estrenos: el tercer film de Narnia y el mexicano Los
Bastardos.
LAS CRÓNICAS DE NARNIA, LAS TRAVESÍAS DEL VIAJERO DEL
ALBA
De Michael Apted. Den Barnes como Caspian, SHkandar Keynes
como Edmund, Georgie Henley como Luci, Will Poulter como
Eustace, Tilda Swinton como La Bruja Blanca, entre otros.
Basado en los libros de C.S. Lewes. Música de David Arnold.
Duración: 115 minutos. BUENA. GRANDES BATALLAS CON SERES MITOLÓGICOS Y HUMANOS
DESCONCERTADOS Esta tercera película sobre los siete libros que escribió
C.S. Lewis encuentra a los hermanos Lucy y Edmund Pevensie
regresando a Narnia, reencontrándose con el príncipe Caspian
(motivo del segundo film) y enfrentando al primo Eustace que
será un personaje clave por su transformación en monstruo
alado: debe purgar sus desconfianzas, sus “pecadillos”. La película es muy atractiva visualmente, tiene efectos
especiales en 3 D que van a deslumbrar a los chicos. Sin
embargo, a los adultos nos trae un “dejá vú”, un haber visto
todo antes, aunque los personajes se muevan en otros
territorios, esta vez los océanos de Narnia y la búsqueda de
los siete caballeros de Narnia, desaparecidos. Hay una gran mezcla de elementos ya vistos en El Señor de
los Anillos, y en otras sagas incluyendo las del Pirata del
Caribe, y por momentos uno siente un agobio porque resulta
más de lo mismo. Esto no quita, insistimos, que los chicos
disfruten de las aventuras. Éstas por momentos son demasiado
truculentas: el encuentro con los caballeros desaparecidos
no siempre es agradable de ver y comprender para los más
chiquitos. Y el artilugio del cuadro del que empiezan a manar las aguas
pintadas como si fuesen las Cataratas de Iguazú, si bien no
está mal, es previsible aunque bueno para trabajar el 3D. De
todas maneras, es la llave para el regreso a Narnia de los
menores Pevensie. Las islas donde anida el mal ya las vimos.
Las lagunas encantadas, también. Para quienes son fieles seguidores de los libros de Lewis
van a encontrar algunos personajes fuera de lo escrito. Han
sido adaptados a las exigencias del cine en 3 D y a un
argumento más efectivo, en virtud de que la segunda película
no tuvo el éxito de la primera. No está mal, por ahí nos aburrimos un poco con momentos de
quietud antes de las batallas contra el mal y vimos muchas
situaciones ya conocidas, vividas en otros films. También
nos parece que el guión es muy flojo y que el aditamento de
batallas y monstruos es el recurso para reflotar la idea
inicial de Lewis. No así sus personajes. Como sugerencia, decimos que el cine es un “fenómeno
artístico” en sí mismo y que, cuando se lleva un libro, una
novela, un cuento, de lo escrito a la imagen de la pantalla
grande, se transforma en otro “fenómeno artístico” que tiene
sus propias reglas, por lo tanto no es un “calco” de lo que
escribió Lewis en este caso. Este detalle hay que tenerlo en
cuenta: el cine requiere elementos y personajes para su
técnica que no está presente en los libros, por lo tanto los
“recrea” y no los copia. Lo decimos para que no se sientan
defraudados: un hecho artístico es el cine y otro diferente
es la literatura.Es para ver en familia, está bien. Elsa Bragato
LOS BASTARDOS
De Amat Escalante. Con Jesús Moisés Rodríguez, Rubén Sosa,
entre otros. Duración: 90 minutos BUENA. ARIDEZ TRÁGICA SOBRE EL DESTINO DE TRABAJADORES
MEXICANOS Amat Escalante ha sido colaborador de importantes directores
mexicanos. Y no resulta inadvertido con este film, Los
Bastardos, por su lenguaje sin vueltas, su mirada despiadada
o sin piedad sobre hechos que son reales en su país,
especialmente en el límite con los Estados Unidos. Algo
vimos en “Machete”, si bien con un humor negro sobrevolando.
Aquí no lo hay de esa manera, el film es duro, árido y
fuerte. Dos mexicanos esperan en una esquina el trabajo de
cada día, lo que fuere, incluso matar por encargo.
Obviamente el título alude a la condición de los mexicanos
frente a los norteamericanos, una división que acentuó el ex
presidente Bush y que no tiende a morigerarse. Las escenas son a todo o nada. Hay muchos silencios y mucha
violencia. Es una “aridez trágica” la que se respira. El
film ha tenido buena repercusión en el exterior. Ahora
depende del público argentino. Elsa Bragato
Estrenos del jueves 23 de diciembre del 2010 Hay dos estrenos, uno en soporte fílmico y el segundo en
DVD.
EL ILUSIONISTA
De Sylvain Chomet. Guión de Jacques Tati. Duración: 78
minutos. Distribuye Zeta Films
EXCELENTE. FASCINANTE HOMENAJE A TATI Y EL MUSIC HALL Desde hacía 50 años, el “Film Tati Nro 4” estaba guardado en
el Centro Nacional de la Cinematografía de París. La hija
del genio Tati, Sophie Tatischeff, lo reflotó y apalabró a
Sylvain Chomet, realizador de la también maravillosa “Las
Trillizas de Belleville”, animación nominada al Oscar.
Chomet vive en Escocia por lo que, de común acuerdo con
Sophie, ubicó buena parte de la historia en Edimburgo y sus
alrededores. Chomet se basa en el tradicional dibujo animado, a puro
talento, lápiz y color, sin diálogos, o los más elementales,
y una fascinante narración audiovisual que invita a soñar y
seguir los pasos del personaje principal, realizado a imagen
y semejanza de Tati, un ilusionista de la década del 50 que
ve mermado su trabajo por la aparición del rock. También
Chomet respeta el apellido, Tatischeff, para el personaje y
crea situaciones maravillosas como el ingreso a un cine del
ilusionista y ver en pantalla al mismísimo Tati haciendo sus
mismos gestos. Un hallazgo más del film. Este ilusionista encuentra en la joven ordenanza de un viejo
hotelucho de Escocia a la hija que no tuvo y peso que gana
peso que invierte en zapatos y vestidos para esta
adolescente. Juntos viajarán, ella cuidará del papá postizo,
y éste aprenderá que es maravilloso tener un pequeño hogar.
La vida le dio un vuelco, y el guionista de lujo Jacques
Tati le da otra vuelta más al guión para que el ilusionista
comprenda el crecimiento de su hija y hasta le dé libertad
al conejo que lo acompaña estoicamente para que lo saque de
su galera. Se la recomendamos con énfasis. Saldrá del cine con una
sonrisa en el alma y en el rostro. La ternura de esta
película es fascinante, su realización tiene la marca de las
películas, animadas en este caso, que jamás serán olvidadas
en el cine. Disfrútela, dese el gusto de ver una animación
para toda la familia que comprenderá especialmente el
adulto. Maravillosa. Elsa Bragato
VIDEOCRACIA
En DVD. Documental de Erik Gandini. Duración: 85 minutos. BUENO. INTERESANTE APORTE SOBRE BERLUSCONI Y LA TV La televisión irrumpió en los hogares de manera candorosa
para luego, en este caso en Italia, imponer un nuevo estilo
de vida basado en una nueva moral con fuerte exhibicionismo
sexual. Coincidentemente, Silvio Berlusconi, el premier
italiano, es el rey de la televisión en su país desde hace
tres décadas. El documental del italiano Erik Gandini, residente en Suecia
desde hace 25 años, retrata a la sociedad peninsular bajo la
influencia de la televisión. Y hay una cierta identificación
con nuestra sociedad por la fuerte raíz itálica que tenemos. Berlusconi tuvo y conserva a rajatablas una relación carnal
con lo mediático. En este documental, se muestra su acceso a
las esferas más poderosas desde su villa en la paradisíaca
Cerdeña. Aparece el desfile de chicas que luchan por acceder
a la pantalla chica, haciendo lo que fuere. Lo menos es
desnudarse de modo ridículo y penoso. Son las secuencias que
más abundan en este documental. Italia ocupa el 73 lugar en el mundo por su libertad de
prensa y el 80 por ciento de los italianos recurre a la
televisión como fuente de información. Por supuesto, Il Cavaliere aparece luciendo su famosa
sonrisa, convencido de su poder a través de la “república
televisiva italiana”; a veces hay una impronta sarcástica,
otras provoca hilaridad, y muchas veces resulta irritante
por el manejo que se hace de los medios de comunicación
masivos. No falta la presencia de Fabrizio Corona, el
paparazzo quien no tiene vergüenza de cobrarle a las
celebridades para no publicar fotos comprometedoras. Erik
Gandini nos da un testimonio ácido del uso que deviene en
abuso de la bendita televisión. Es un aporte interesante. Carlos Pierre
Estrenos del jueves 16 de diciembre del 2010 Hay cuatro estrenos en soporte fílmico.
TRON EL LEGADO
De Josehp Kosinki. Con Jeff Bridges, Michael Sheen, entre
otros. Música de Daft Punk. Duración: 127 minutos.
BUENA. EL LADO OSCURO DEL MUNDO DIGITAL En 1982, Jeff Bridges fue el pionero de los “Hackers” y del
mundo virtual. Los personajes de entonces, muchos generados
por una “tibia” computadora, dieron pie para el gran avance
de hoy. Ahora regresa con este film, por partida doble, él y
su digitalización. Daremos algunos datos para entender el film: ya se está
trabajando en un videojuego llamado Tron que es el título
del film. Tron tampoco es el nombre del personaje, para
quienes no vieron el primer film, sino el nombre de un
programa de computación. Kevin Flynn es el personaje de
Bridges quien tiene un hijo, Sam, que sigue sus pasos. Entre
“precuela y secuela”, se sabe que Kevin fue estafado por sus
compañeros-socios quienes quedaron al mando de la empresa y,
por artilugios que no vamos a contar, lo “metieron” en el
mundo virtual del que no ha podido escapar. La historia se ubica en 1989. Su hijo lo busca y quiere
desentrañar qué ha pasado con la empresa de amigos y
familiares y dónde está su padre. En menos de media hora de
film, ingresa al mundo virtual donde existen el bien y el
mal, donde está la guerrera Guorra, a cargo de Olivia Wilde,
que ayuda al viejo Kevin. A partir de este momento, habrá
luchas, peligros, siempre dentro del mundo virtual, con un
personaje poderoso como acompañante que es la música de Daft
Punk. Qué pasa entre guerreros virtuales, el viejo Kevin y
su hijo, la guerrera y la querida moto del ex hacker, es un
misterio a resolver por el espectador. El film posee una tecnología superior a la de Avatar. Los
actores trabajaron con sensores, sin mirar a cámaras porque
no existieron, transmitiendo así sus movimientos a las
computadoras. El film está destinado a los amantes de la tecnología
virtual, tiene momentos de mucha tensión y otros de diálogos
un tanto ampulosos en un medio justamente virtual que exige
rapidez en palabras y acciones. En algún momento, la
película puede resultar densa. Y hasta tediosa visualmente.
Para fanáticos, recordando que Tron, 1982, es hoy un film de
culto que, en aquel momento, fue un fracaso. Carlos Pierre
BERLIN CALLING
De Hannes Stoeh. Con Paul Kalkbrenner, Rita Lengyel, entre
otros. Duración: 105 minutos. BUENA. COCKTEL INFERNAL DE MÚSICA Y DROGAS El film está orientado a los amantes de la música techno y
su micromundo. El actor Paul Kalkbrenner, de gran lucimiento
aquí, es artista exclusivo de Creamfields Argentina y estuvo
en noviembre en la masiva reunión techno que se hizo en
Buenos Aires. Paul compone a Martín Karow, un DJ que se
apoda Ickarus, tomando el nombre mitológico de aquèl que es
consumido por el fuego del sol. Y es lo novedoso: que el
propio músico interprete su vida como DJ. Luego de una exitosa carrera en clubes y ciudades, mientras
prepara un nuevo CD, Martín es rechazado por su mánager y
pareja. Mathilde. Y el protagonista se abandona al submundo
de las drogas. Se lo interna en una clínica, con salidas
oportunas para que pueda terminar su gran obra. Sin embargo,
no todo está perdido y esto lo descubrirá el espectador. Es un drama contemporáneo que tiene estrecha relación con el
mundo de la música techno y lo que genera o puede generar en
millones de jóvenes seguidores. Es también una buena realización con escenas muy fuertes de
consumo de drogas, prostitución, lesbianismo, a través de
una narración audiovisual muy sólida, ascética, dura. La
película en sí es estremecedora, tiene un tono frío y
directo, pero llega a conmovernos por la vida misma del
músico que tiene la firme determinación de superar sus
locuras en pos de los sonidos que ama, ligados siempre a la
sensibilidad del hombre. Es un film que tendrá una aceptación masiva en el público
joven que sigue la música techno. Y, desde nuestro punto de
vista, es una benévola mirada a los tiempos que corren y sus
peligros. Cada secuencia, cada diálogo, cada momento
aberrante como de alegría, están filmados con una
consistencia narrativa elogiable. Carlos Pierre
QUERIDO ASESINO
De Francis Veber. Con Richard Berry, Patrick Timsit, entre
otros. Música de Jean Michel Bernard. Duración: 85 minutos. REGULAR. TONTA REMAKE EN FORMATO DE COMEDIA NEGRA En 1973, Francis Veber “en persona”, realizó el film del
mismo título. Como las comedias negras francesas vienen bien
en el mercado europeo, tuvo la mala idea de recrearla ahora
con buenos actores como Timsit y Berry pero sin
aggiornamiento en los gags y en los parlamentos. El argumento se basa en un dúo masculino dispar: un hombre
separado de su mujer alquila un cuarto de hotel y se quiere
suicidar. En el cuarto contiguo vive un asesino a sueldo
que, en vez de “liquidarlo”, tendrá que convertirse en su
padre espiritual. No negamos que hay gags que, por tontos,
nos mueven a risa. Pero, fuera de la realización correcta y
de las buenas actuaciones, hay debilidad en el guión y se
producen baches que no son elipsis y decae la atención y
sobreviene el aburrimiento en la audiencia. No obstante,
para darse una panzada de tonteras, no está mal. Como
ejemplo de lo que decimos damos el título en inglés. “A Pin
in the Ass” o sea un “palo en el c…”. No sabemos si es por
uno de los protagonistas, el “perturbado”, o bien por la
sensación que se le produce al público cuando ve el film y
se da cuenta de que no era lo que había pensado. Elsa Bragato
PERSONALIDAD MÚLTIPLE
De Joel Bergvall y Simon Sanquist. Con Sarah Michelle Gellar,
Lee Pace, Michael Landes, entre otros. Duración: 86 minutos. REGULAR. UN ALMA EXTRAÑA EN CUERPO DIFERENTE Y SEGUIDILLA DE
CLISHÉS Ni en los Estados Unidos este film pudo ser llevado a los
cines: pasó directamente al DVD. Sarah Michelle Gellar es
considerada la “reina del horror” por su aparición en films
de este género, además de su decisivo paso en numerosas
series de televisión. O sea es figurita conocida. Buena
actriz, aquí más que desaprovechada. El binomio de los
hermanos, Jess y Ryan en la ficción, también son eficientes.
Pero nada de esto alcanza para someternos a más de lo mismo:
el estado comatoso y el “pase” del alma del bueno al cuerpo
del malo, la consiguiente fascinación de la mujer, Gellar,
por el bueno, su confusión, y lo que ya podemos imaginar. Como la narración audiovisual no tiene fuerza, es “lavada”,
transita por las secuencias planificadas sin darle énfasis
actoral cuando se debe, el film, aunque cumpla con todos los
requerimientos técnicos, no tiene fuerza. Si le gusta el
“semi horror” o “thriller”, bueno, ésta es su película. Pero
puede esperar para ver mejores dentro de este género. Elsa Bragato
