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COMENTARIOS DE CINE
 


ELSA BRAGATO Y CARLOS PIERRE

 

*Colaboración del crítico y productor Carlos Pierre

http://www.elsabragato.blogspot.com  El site de Elsa Bragato

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JUEVES 13 DE JUNIO DEL 2019.-

 

PESADILLA AL AMANECER

Dirección: Pavel Sidorov. Con Aleksandra Drozdova, Kuzma Kotrelev, Oksana Akinshina, Aleksander Molochnikov, Anna Slyu, Valery Kukhareshin, entre otros. Duración: 98 minutos.  Rusia. 

XXXXX-TERROR CON ACENTO RUSO

Terror a la rusa que el prestigioso realizador Pavel Sidorov, responsable de La Novia y Los Extraños, encara con un acento bien diferente tanto al cine occidental como el coreano. Con una textura virada ligeramente al rojo y un encuadre grandilocuente, sorprende en los tres minutos iniciales de títulos, anticipando elementos que aún no son identificables con la trama.

La historia se ubica en el año 1999: la madre de Svetlana (Aleksandra Drozdova) muere al chocar con su automóvil. Veinte años después, en 2019, esta joven celebra su cumpleaños. La visita su hermano Anton (Kuzma Kotrelev), y después de la fiesta, lo invita para que se quede esa noche. Pero surgen circunstancias misteriosas y muere. La joven, acosada por pesadillas,  acude junto con su amiga María (Oksana Akinshina) al Instituto de Psiquiatría y Somnología donde será inducida a un “sueño colectivo lúcido”. Al amanecer, despertarán en una realidad totalmente diferente, más aterradora que cualquier pesadilla.

Con buen manejo del suspenso a partir del terror imprevisto, el realizador Pavel Sidorov da rienda suelta a la gama de clishés del género. Se entremezclan pesadilla y realidad. Es aquí donde radica el hallazgo de la película que lleva al espectador a transitar una visión onírica de una tremenda pesadilla. El desenlace está sembrado de apariciones fantasmagóricas, y viene a cuento la cita “La búsqueda de la razón lleva al horror”, que en los prolegómenos de esa internación, aparece en un cuadro de Goya. En síntesis, en esta película están todos los elementos insoslayables del género, con un acento diferente como es el ruso. En los últimos tiempos, poco material de Rusia llega a nuestros cines por lo que este film tiene un plus muy interesante.

Carlos Pierre

 

NOCHES MÁGICAS

De Paolo Virzi. Con Mauro Lamantia, Giovanni Toscano, Rene Vetere, Giancarlo Giannini, Ornella Muti, entre otros. Música de Carlo Virzi, fotografía de Vladan Radovic. Duración 110 minutos. Distribuye Zeta Films.

XXXXX-ACUARELA ROMANA DE LOS 90

Paolo Virzi ofrece el retrato de los 90 de su Roma natal, el Tiber, o Tevere, como centro de un presunto asesinato de un famoso productor de cine. Es también un retrato del mundo del cine, de los castings de guionistas en todo el interior de Italia, y de las noches de fiesta y amor de los jóvenes que llegan a Roma con muchas ilusiones que no siempre son las que la realidad ofrece. La historia se ubica en los días de la famosa frase “siamo fuori”, cuando la selección de Argentina dejó afuera a la selección de Italia en los 90. Paolo Virzi contextualiza el argumento pero se aparta del deporte para indagar en el mundo del cine, de sus artistas, de sus productores, de los exitosos y los fracasados. Y el mundo de las ilusiones de los más jóvenes que aspiran a ganar todo en sexo y trabajo.

La aparición de Ornella Muti, estrella de los 70, es secundaria y desafortunada. En cambio, Giancarlo Giannini es uno de los protagonistas, en un rol donde une su característico histrionismo con cierto patetismo. Las noches mágicas transcurren entre una muerte, los tres jóvenes guionistas y la muerte del productor, entre flashbacks y el presente frente a los carabineros. El espíritu festivo y el desparpajo romano están presentes en esta película de Virzi que deja un mensaje: el hogar, la familia, suelen ser mejores fuentes de inspiración. Los sueños alocados no suelen terminar bien.

Elsa Bragato

 

UN AMOR IMPOSIBLE

Dirección: Catherine Corsini. Guion: Catherine Corsini, Laurette Polmanss (Libro: Christine Angot). Con Virginie Efira, Niels Schneider, Jenny Beth, Estelle Lescure, entre otros. Fotografía: Jeanne Lapoirie. Música: Grégoire Hetzel. Duración: 135 minutos.

XXXXX-HISTORIA ACTUAL SOBRE EL MALTRATO A LA MUJER

La realizadora Catherine Corsini expone el drama familiar de dos jóvenes que se enamoran a finales de los años 50. Rachel (Virginie Efira), empleada de oficina, de origen judío, vive un romance con Philippe (Niels Schneider), de clase alta, lector de Nietzche. De ese amor nace Chantal. Es el principio de una separación dolorosa, el padre no reconoce al hijo, y hace sentir la diferencia de clase social cometiendo toda suerte de atropellos, ignorando a su novia Rachel, a la que solo se le acercará cuando sienta deseos físicos. El relato en “off” de Chantal le aporta gravedad a la historia que, de por sí, perturba, duele: su padre es manipulador, perverso, violando a su hija en oscuras invitaciones a su casa.

Catherine Corsini muestra la vejación espiritual y física a la que muchas mujeres han sido sometidas como ocurre con sus protagonistas. El silencio, el sobrevivir en la pobreza, con pánico al poder masculino, son los pivots en los que la historia de Rachel y Chantal se apoyan.  Es una película ambiciosa y muy actual a la vez que tiene en la directora a la autora del libro que da origen al guion también de su autoría: de esta manera, hay enorme autenticidad en el relato propuesto sobre el maltrato a la mujer. Una historia lograda y dolorosa, que viene recorriendo varios festivales de cine con mucha aceptación de la crítica.

Carlos Pierre

 

ENCUENTRO

De Juan Manuel Lupiañez y Martín Paolorossi. Fotografía de Marcos Rostagno. Duración: 62 minutos.

ENCUENTRO Trailer #1 [HD] from Marcos Rostagno on Vimeo.

XXXXX-PRUEBA DOCUMENTAL DE AÑOSO ENCUENTRO

Desde 1991 se realizan los encuentros nacionales culturales en San Antonio de Arredondo, localidad de la provincia de Córdoba que se moviliza todos los meses de diciembre, desde entonces, durante casi una semana para invitar a sus habitantes y a los turistas a compartir danzas, canciones, asados, en un clima de familiaridad, amistad y alegría.

Juan Manuel Lupiañez y Martín Paolorossi dejan constancia cinematográfica del último encuentro realizado en diciembre del año pasado por la llamada “tribu del Encuentro”. Escasas entrevistas y un retrato pormenorizado de la preparación del encuentro, la llegada del turismo en carpas, la ocupación de los sencillos albergues y las danzas y canciones folklóricas que van amenizando el encuentro conforman el material fílmico. Documentan lo más fielmente posible un encuentro folklórico que pretende resumir la cultura de la zona y, a juzgar por los hechos, lo logra.

Elsa Bragato

 

KOLLONTAI, APUNTES DE RESISTENCIA

Guion y dirección de Nicolás Méndez Casariego. Fotografía de Diego Saguí. Duración: 118 minutos.

 

XXXXX- DOCUMENTAL SOBRE LA LUCHA ARMADA EN EL URUGUAY

En la década del 70 los países del Cono Sur fueron invadidos por las brutales consignas del Plan Cóndor gestado en los Estados Unidos, especialmente en sus famosas facultades de economía. El primer pasó se dio en Chile, le siguió Uruguay y finalmente la Argentina cayó bajo el denominado “dictadura del proceso”. En el Uruguay se vivió una situación similar, un poco menos cruenta que en nuestro país, aunque con desaparecidos y torturados.

El documental de Nicolás Méndez Casariego se inicia con un comunicado radial de las fuerzas armadas que querían establecer entonces una regularización del trabajo al mismo tiempo que la juventud preparaba una resistencia que se inició con carteles, graffitis, y la consigna “viva la huelga laboral, abajo los fascistas militares”. En 1968, la democracia que distinguió siempre al Uruguay, se quebró, no solo se congelaron los precios sino también los salarios por lo que la rebelión estudiantil no se hizo esperar. Fue el período de gestación de los partidos comunistas, socialistas y, en general, de la izquierda. Sintieron gran influencia de la revolución cubana que encabezaron Fidel Castro y el “Che” Guevara en Cuba.

La respuesta militar no se hizo esperar: el ataúd del joven estudiante asesinado se filmó en primer plano. Surgió también la FAU o Federación Anarquista Uruguaya, así como La Chola, denominación que recibió el brazo armado de la resistencia en respuesta a la represión. Las armas tardaron en llegar al pueblo mientras las banderas se vistieron de azul, blanco y rojo, con barricadas y cortes de fuego en las calles. El Frente Amplio tuvo unas 20 agrupaciones en las elecciones de 1971, que ganó Bordaberry.

Fotografías de la época así como films van tachonando la historia de la lucha de los uruguayos, similar a la del resto de los pueblos del Cono Sur. El director también sumó audios originales de los dirigentes que enfrentaron a las fuerzas armadas, mientras se gestó el PVP o Partido por la Victoria del Pueblo.

Muchos uruguayos vinieron a Buenos Aires en 1975 para reunirse y armar, desde aquí, una resistencia fuerte. Al caer la democracia en la Argentina, los uruguayos debieron emigrar a Chile, donde muchos fueron asesinados, así como al Brasil. La caída del líder Gerardo Gatti aceleró la diáspora siendo Brasil más amigable que la Argentina y que Chile. En 1980 triunfó el “NO” del pueblo, pero recién el 1ro de mayo de 1987 se logró la amnistía y la libre agremiación.

Poco se sabía hasta ahora sobre la resistencia de los hermanos uruguayos, aunque se tuviese noticia de algunos de ellos que sobrevivieron a las cárceles de la represión. Fue común en los setenta cruzarse con uruguayos en esta ciudad que rápidamente “desaparecían” de las calles porque debían reunirse en forma clandestina. Los tiempos de Lopez Rega fueron tan represivos como los del Proceso. Buen documental, de dos horas de duración, que refleja la lucha del pueblo hermano por volver a ser una democracia sin persecuciones de ningún tipo.

Carlos Pierre

 

UN SUELO LEJANO

Guion y Dirección de Gabriel Muro. Fotografía de Nicolás Mikey. Duración: 87 minutos.

 

XXXXX- NAZIS EN EL PARAGUAY

Poco difundida está la vida de la hermana del filósofo alemán Friedrich Wilhelm Nietzche, llamada Elizabeth, quien contrajo enlace con el antisemita Bernhard Forster, un estudioso que quiso poblar la zona del Paraguay con la raza aria. Rápidamente se distanció de su cuñado quien afirmaba en cartas a su madre: “Prefiero ser un mal alemán por no querer una raza pura, pero ser un buen europeo”.

Forster y la hermana de Nietsche fundaron, junto a 17 familias alemanas, la colonia Nueva Germania en el Paraguay. Hoy en día, de acuerdo al relato del profesor José Manuel Silveyra, la zona prosigue su vida con los descendientes de los alemanes que vinieron entonces, si bien la mayoría de esos pobladores sucumbieron al clima y al fracaso económico por no saber nada de agricultura. Todos pertenecían a la elite alemana. La música del genial Richard Wagner inicia el documental sobrevolando uno de los ríos paraguayos mientras el profesor Silveyra da clases en diferentes poblados hasta llegar al centro alemán.

Para los estudiosos, los libros de Wagner, un erudito como pocos en su época, sobre arte y ecología, sobre cristianismo y antisemitismo, fueron la base del pensamiento de Forster: para Wagner, el ser carnívoro había hecho sucumbir  a los cristianos, por lo que debía poblarse “la península sudamericana” con colonias vegetarianas.

Forster terminó envenenándose a los 46 años mientras su esposa lo sobrevivió hasta la década del 30. Y se encargó de reversionar las obras de su hermano Nietzche, quien había sufrido un colapso mental antes del final del siglo XIX. De allí que muchos de sus conceptos fueron teñidos por la filosofía de vida de Forster y posteriormente tomados como base del nazismo, nada más lejos del pensamiento del gran filósofo.

Este documental resulta muy interesante, colorido a la vez, y muestra la extraña combinación de la tonada paraguaya, bien guaraní, con la del idioma alemán. Descendientes de aquellos colonos vuelven a contar una historia que, si analizamos un poco el mapa de nuestros países, también tiene raigambre en algunas localidades de nuestro país, en el sur de Chile y en el Brasil. Muy interesante.

Elsa Bragato

 

HOMBRES DE NEGRO: INTERNACIONAL

De F.Gary Gray. Con Chris Hemsworth, Rebecca Ferguson, Tessa Thompson, Liam Neeson, Emma Thompson, Kumail Nanjiani. Fotografía de Stuart Dryburgh, música de Danny Elfman y Chris Bacon. Ciencia Ficción. Duración: 115 minutos.

 

XXXXX-CONFUSA HISTORIA DE ALIENÍGENAS Y HUMANOS

Inofensiva, confusa, con nombres de relieve en su elenco, esta pseudo continuación de “Men in black” es entretenimiento con tantas idas y vueltas en el guion y en la pantalla que se termina mareado.

La aparición de un “alien” hace 20 años, inspira a una jovencita (Agente M, encarnada por Tessa Thompson) a ser una “mujer en negro”, por lo que será aceptada a prueba. Adusta y muy diferente, aunque eficaz, Emma Thompson (Agente O) será la encargada de tomarle las primeras pruebas. Si respiro, se ubica la historia en la punta de la Torre Eiffel donde Liam Neeson (Agente T) y Chris Hemsworth (Agente H)hacen de las suyas frente a lo que consideran un ataque de “La colmena”.

Seres monstruosos conviviendo en un espacio virtual con los humanos, fiestas nocturnas y luchas a todo o nada con complicadísimas armas que surgen del cemento, los espejos retrovisores o bien los neumáticos, dan cuenta de la imaginación de los autores de este nuevo film. De Marruecos se va a Nápoles, se visita la torre Eiffel, y se cae en un desierto donde un ser en miniatura, un “peón” de una reina también pequeñita, ayuda a los dos protagonistas a salvar sus vidas y recomenzar la lucha.

En definitiva, solo queda en claro que La Colmena quiere destruir el sistema solar, comenzando por la Tierra mientras que se multiplican los malvados como excusa para recorrer con la cámara lugares de gran belleza natural. Liam Neeson está a cargo de su papel menos comprometido, muy atildado, de traje, y con oscuras intenciones que no revelaremos. Es para comer pochoclo y olvidarse ni bien se sale del cine.

Elsa Bragato

 

También se prevé el estreno de los siguientes films:

1.- El Artico, de Joe Penna.

2.- Ni en tus sueños, de Jonathan Levine.

 

JUEVES 6 DE JUNIO DEL 2019.-

 

DOLOR Y GLORIA

Guion y dirección de Pedro Almodóvar. Con Antonio Banderas, Cecilia Roth, Leonardo Sbaraglia, Penélope Cruz,Julieta Serrano, Asier Flores, Asier Etxeandia, entre otros. Fotografía de José Luis Alcaine. Música de Alberto Iglesias. Duración: 114 minutos. UIP

XXXXX-GRACEJO ESPAÑOL DE PURA CEPA

En tono confesional, intimista, con sarcasmos medidos, Pedro Almodóvar llega al cine con una de sus películas más personales, más “suyas”, sin vértigo y con sensual madurez. Nos cuenta la historia de un director de cine, Salvador Mallo, que ha sufrido una operación cardíaca severa y que está en franca caída profesional. Tiene una obsesión: reencontrarse con el actor de su primer film al que hostigó por su mala performance. Lo encuentra y ambos, actor y director, entablan una renovada amistad.

El reencuentro es simpático, pone la cuota de travesura necesaria para que la gran actuación de Antonio Banderas no se transforme en un unipersonal. Adicciones nuevas, otras viejas, lo llevan a recordar a Salvador su infancia en el pueblo paterno, Paterna el nombre, y la vida en una cueva, el seminario y su rebeldía. Penélope Cruz compone a su madre, en uno de los grandes papeles de la celebrity española. Espontánea, tanto como en el magnífico film “Volver” del mismo Almodóvar, nos recuerda a la gran Sofía Loren en “La Ciociara”.

Entre los recuerdos de Salvador no solo está el actor que lo enfureciera sino su madre, de joven y ya anciana. Uno de los mejores diálogos del film se entablan entre “Salvador” adulto y su madre, poco antes de morir, llenos del típico salero español, gracia y solemnidad unidas por notables actuaciones. En este sentido hay que destacar en forma especial a Antonio Banderas, justo merecedor del premio a mejor actor en el último festival de Cannes por su “Salvador Mallo”, nunca mejor dado un premio. Tanto Almodóvar como su actor fetiche, Banderas, han logrado madurez expresiva en sus respectivos roles: la narración cinematográfica y la actuación. Se conocen, hay química que se trasluce en una película donde la emoción campea de principio a fin. Gran película de Almodóvar cuyo humor y cine apuntan a un público de adulta sensibilidad.

Elsa Bragato

 

CUANDO DEJES DE QUERERME

Dirección: Igor Legarreta. Guion: Javier Echániz, Asier Guerricachebarría e Ion Iriarte. Con Flor Torrente, Miki Esparbé, Eduardo Blanco, Joaquín Climent, Eneko Sagardoy, Antonio Dechent, entre otros. Dirección de fotografía: Imanol Nabea. Edición: Alejandro Lázaro. Sonido: Juan Ferro. Música: Lucio Godoy con la colaboración de Nerea Alberdi. Duración: 102 minutos. Coproducción España-Argentina.

XXXXX-INTRINCADO Y SÓLIDO THRILLER

Cabalgando entre el thriller y el sentimentalismo, “Cuando dejes de quererme” desarrolla su trama entre España y la Argentina, específicamente en el País Vasco, durante el invierno. El relieve montañoso del lugar y el paisaje nevado colaboran con la propuesta al otorgarle elementos enigmáticos en medio de un complejo laberinto de emociones.

Abandonada por su padre en el País Vasco, Laura (Flor Torrente) llegó a la Argentina siendo una niña junto a su madre. Un llamado desde España la alerta sobre el cuerpo de su padre hallado en un bosque de la zona. Laura regresa a su país natal para cumplir con el entierro definitivo de su padre. La acompaña su padrastro, Fredo (Ernesto Blanco), real disparador de un sinnúmero de sospechas, personaje fundamental para el desarrollo de esta historia compleja sobre un crimen a desentrañar.

Igor Legarreta (natural de Bilbao, España) profundiza el thriller con un sinfín de pistas por lo que no hay que distraerse: en la más pequeña escena podemos encontrar la luz de este intrincado hecho. Flor Torrente fluye en un rol acorde a su belleza, convincente, mientras que Eduardo Blanco, afincado ya en España, es un actor eficaz, solvente, que otorga solidez a un argumento que se las trae. Colaboran el argentino Lucio Godoy y Nerea Alberdi en la banda sonora, que se funde con el paisaje gélido y nostálgico del film, atractivo sin lugar a dudas, pero de difícil comprensión.

Carlos Pierre

 

X-MEN-DARK PHOENIX

Guion y dirección de Simon Kinberg. Con James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Sophie Turner, Nicholas Hoult, Jessica Chastain, entre otros. Fotografía de Mauro Fiore, ASC, Efectos Visuales de Ohilip Brennan, Edición de Lee Smith ACE, Música de Hans Zimmer.

XXXXX- LA OTRA CARA DE UN SUPERPODER

Los X-Men comenzaron en el 2000 convirtiéndose en los superhéroes más atractivos del cine por sus superpoderes. Llevaban once films cuando surgió la película actual, X-Men, Dark Phoenix, basada en uno de los personajes, Jean Grey (Sophie Turner). Simon Kinberg se sintió profundamente atraído por esta jovencita que, a raíz de un salvataje en el espacio, adquiere una fuerza sobrehumana. En principio, revive luego del choque entre su cuerpo y la masa ígnea espacial, por lo que es un “ave fénix”, para luego comprobar que su brutal fuerza destruye todo a su alrededor. Será entonces “Dark Phoenix”. Oscura ave fénix, cuyos compañeros de escuela deberán controlar para evitar la extinción de la humanidad y, en principio, de ellos mismos.

La ausencia de Hugh Jackmann, fundamental en la historia de los X Men que tuvo su epílogo en Logan, gran film de los superpoderosos, no quedó muy bien explicada por el director Simon Kinberg: la diferencia de edad con su novia en la ficción, “Jean Grey”, de tan solo 23 años. Es razonable pero creemos que el personaje no debió faltar.

No obstante, la historia logra atrapar por la calidad de su elenco, comenzando por Jennifer Lawrence y Michael Fassbender, la misma Sophie Turner y James McAvoy, quien logra ser joven y viejo a la vez por la maravilla del maquillaje actual.

Es un film entretenido, con un mensaje positivo: salvar a los seres que amamos por sobre todas las situaciones. Las aventuras cósmicas están acotadas, bien perfiladas en el diseño de producción, y la banda sonora de Hans Zimmer alcanza momentos de éxtasis a través de quejidos cósmicos que se meten bajo la piel. Sin estar frente a una maravilla, el film propuesto es un muy interesante entretenimiento y comienzo de otra saga. En el 2020 se espera “Los nuevos mutantes”. A disfrutar!!!

Elsa Bragato

 

LA VISITA

Documental de Jorge Leandro Colás. Fotografía de Martín Larrea. Duración: 73 minutos.

XXXXX- FAMILIAS TRASHUMANTES

Difícil situación enfrentan las familias de los presos. En el caso de este documental, guionado y filmado por Jorge Leandro Colás, se refiere específicamente al Servicio Penitenciario de Sierra Chica, provincia de Buenos Aires. Todos los fines de semana, o cada quince días, 500 mujeres y pocos hombres se acercan en distintos medios a las cárceles llevando comida y vestimenta para sus parientes presos. Muchos de ellos un par de décadas.

Hay dos o tres casos en particular que Colás toma como ejemplos, mujeres entrevistadas que han resignado todo para estar cerca de sus maridos. La que decidió vivir en una suerte de tapera en los alrededores, la que opta por vivir mejor y tomar el servicio de larga distancia cuando tiene dinero, la solidaridad entre todas, la preparación y la inquietud de las esposas para tener el encuentro íntimo con sus maridos, y la multitud de sentimientos que la situación despierta: desde sorpresa por el amor que mantienen hacia sus maridos, a pesar de la desilusión sufrida y la abnegación como madres que crían solas a sus hijos –algunos las acompañan de vez en cuando-.

Distintas tomas, tomas largas, tomas cortas, muestran las caminatas por calles de tierra hasta el penal, la espera en largas filas durante la madrugada, el ingreso abrupto, a empujones: las mujeres avanzan con su carga de amor y comida para reencontrarse con sus esposos. Buena fotografía, una historia que merece contarse, y una pregunta inevitable: ¿es imposible asfaltar o rodear a este penal de lugares amigables para sus familias?¿Qué culpan tienen sus mujeres y sus hijos?

Elsa Bragato

 

DE NUEVO OTRA VEZ

Guion y dirección de Romina Paula. Con Romina Paula, Esteban Bigliardi, Pablo Sigal, Mónica Rank. Fotografía de Eduardo Crespo. Música de Germán Cohen. Duración: 84 minutos. Distribuye Compañía de Cine.

XXXXX- DIALÉCTICA INTERIOR DESANGELADA

Los adolescentes cuarentones llegan al cine nacional con una serie de dudas sobre el ser, el propio “ontos”, lo que llevan hecho, cargados de tribulaciones sobre el futuro, la pareja, los hijos que tuvieron o los que no van a tener. Regresan a la casa materna para reencontrarse a través de recuerdos, de charlas con amigas y parientes. Un camino que no aporta nada, salvo tardes con mate y algún beso furtivo lésbico.

En principio, Romina Paula cumplió con los requisitos de hacer cine: fotografía, diseño de producción, música, elenco. Pero es evidente que, como a la mayoría de los nuevos directores, faltó “pathos”, la pasión que debe envolver una historia para no ser, de tan sencilla, lineal e infantil o hasta adolecer de madurez. Tampoco la voz en off de la protagonista ayuda a consubstanciarse con el tema: sin emoción alguna, Romina Paula impresiona como leyendo una composición de séptimo grado. La prolijidad técnica, que aplaudimos, no se corresponde con el guion, demasiado débil. Nos preguntamos qué sería del nuevo cine nacional sin los celulares!

Elsa Bragato

 

 

LA ESCUELA CONTRA EL MARGEN

Documental de Lisandro González Urzi y Diego Carabelli.

XXXXX- SUPERANDO GRIETAS ENTRE BARRIOS

El documental de González Urzi y Carabelli nos permite recordar los violentos sucesos acontecidos en el 2010 cuando familias sin techo o bien viviendo paupérrimamente, tomaron la zona del parque Indoamericano. El desalojo provocó tres muertos entre los vecinos de Villa Lugano I y Villa Lugano II- Desde entonces, los barrios que se generaron alrededor de la zona tuvieron una enorme rivalidad a raíz de los asesinados en el enfrentamiento con la policía. Unos culparon a otros. Guerra entre pobres.

Una docente, Florencia, propuso una actividad especial en la escuela Manuel Mujica Láinez de Lugano, al Sur de Capital Federal: que los alumnos de cuarto año realizaran un mapeo de sus respectivos barrios (Lugano I y II) identificando en cada manzana la problemática existente: la de los dealers, la ubicación de la policía, los golpeadores, etcétera. Un trabajo de campo que duró cuatro meses. La filmación del documental se realizó después de hora en la escuela, donde los chicos fueron exponiendo sus investigaciones. No es el primer encuentro de este tipo sino el número 14, con la gran diferencia que éste quedó transformado en un documental, un documento fílmico del trabajo de los docentes con los alumnos de los barrios carenciados como en este caso. De todos estos adolescentes se eligieron doce que, como premio, viajaron a Chapadmalal donde se encontraron con los representantes de cada barrio porteño. Un intercambio cultural más que interesante que intentó e intenta barrer con grietas y enemistades vecinales ocasionadas por terceros que no viven en las mismas condiciones. Muy interesante.

Carlos Pierre

 

 

BLINDADO

De Eduardo Meneghelli. Con Gabriel Peralta, Luciano Cáceres, Aline Jones, Gonzalo Urtizberea, Luis Ziembrowski, Sandra Smith, Pascual Condito, entre otros. Fotografía de Gustavo Biazzi. Música de Guillermo Pesoa. Duración: 81 minutos. Distribuye Cine Tren.

XXXXX- INTERESANTE APUESTA AL POLICIAL CON VISOS ROMÁNTICOS

Un muy buen trabajo fotográfico colabora en esta producción dirigida por Eduardo Meneghelli, que cuenta, además, con un excelente elenco de primerísimos actores. “Blindado” define perfectamente el medio de trabajo del protagonista, “Luna”, quien sufre la pérdida de su mujer y su hijo en un brutal accidente. Decide entonces salvar la vida de una compañera de trabajo y su pequeño hijo, dado que ambos le recuerdan a la familia que perdió. Si bien tiene un apego enfermizo a los parlamentos religiosos que escucha sin cansarse, su vida da un vuelco espiritual siniestro que complicará todos sus planes.

Son dos caminos narrativos bien diferenciados: el del trabajo manejando un blincado junto a sus compañeros de fábrica, y el amoroso o emotivo: salvarle la vida a la Selva, que convive con un golpeador. Pareciera que ambos caminos nunca se entrecruzarán, pero la habilidad de Meneghelli hace que esto suceda con un ardid efectivo y efectista. Se trata de una historia lineal cuya densidad policial se corta oportunidades con secuencias que no aportan nada, paréntesis que aletargan sin motivo el climax, el desenlace y el final.

Elsa Bragato

 

OTROS ESTRENOS PREVISTOS:

-    - Nadando por un sueño, de Gilles Lelouche, comedia francesa.

-    - Mi mascota es un león, drama de Gilles de Maistre.

 

JUEVES 30 DE MAYO DEL 2019.-

 

GODZILLA REY DE LOS MONSTRUOS

(GODZILLA 2)

De Michael Dougherty. Guion de Michael Dougherty y Max Borenstein. Con Vera Farmiga, Millie Bobby Brown, Sally Hawking, Bradley Whitford, Kyle Chandler, entre otros. Fotografía de Lawrence Sher. Música de Bear McCreary. Duración: 132 mnutos. Warner Bros.

XXXXX-ESCÁNDALO SONORO QUE OPACA A GODZILLA

El primer encuentro entre espectador y la historia es un fenomenal chillido que supera todos los decibeles soportables. Es el mejor distintivo de este film: el sonido devenido en estruendo supera al guion.

Los gobernantes del mundo han decidido exterminar a los 17 monstruos que anidan en las profundidades de los océanos por haberse convertido en una amenaza para los seres humanos. La doctora Emma Russell (Vera Farmiga) y su marido, Mark Russell (Kyle Chandler) perdieron a uno de sus hijos en el anterior ataque contra Godzilla, en medio de una devastada ciudad de San Francisco. Les queda “Madison”(Millie Bobby Brown), la adolescente que no se separa de su madre.

Hay dos focos de atención: el drama familiar que lleva al esposo al alcoholismo, la separación de los padres, y la decisión de Madison de seguir a su madre. Y la lucha de los monstruos que amenazan a los seres humanos. Godzilla es aún más grande que en el film anterior (2014), no aplasta ninguna ciudad y se lo verá de a ratos, cuando inicie la lucha contra sus enemigos Mothra, Rodán y el Rey Ghidorah de tres cabezas.

El film resulta claustrofóbico, la mayor parte del tiempo dentro de la extraordinaria nave que es submarino, barco o bien avión, desde donde se intenta salvar a Godzilla. Y hay elementos políticos bien claros que llaman la atención. En principio, la lucha se traslada a la Antártida, con errores gruesos en el diseño de arte, luego se indica que los monstruos pasean por los mares de Argentina y Venezuela, lugares hacia donde deberían dirigirse los ataques. Sugestivo, no?

Y, en líneas generales, las luchas entre los monstruos, dejando la gran batalla para el final, y esto no es spoiler!, sumergen a la narración es un escándalo sonoro. Es una película que no aporta nada a la historia del dinosaurio japonés, creado en 1954 como respuesta artística al terror sufrido por el bombardeo atómico en la segunda guerra mundial. Para fanáticos de las luchas en playstation.

Elsa Bragato

 

 

EL ÁRBOL DE PERAS SILVESTRE

Dirección: Nuri Bilge Ceylan. Guión: Nuri Bilge Ceylan, Akin Aksu, Ebru Ceylan. Con Dogu Demirkol, Murat Cemcir, Hazar Ergüciü, Bennu Yildirimiar, Serkan Keskin, entre otros. Duración: 188 minutos.Turquía-Macedonia-Francia-Alemania-Bosnia-Herzegovina-Bulgaria-Suecia.

XXXXX- PROFUNDO DRAMA EXISTENCIAL

Profundo drama existencial, con honduras psicológicas importantes, la película de Nury Hiklge Ceylan no pasa en vano en sus largas tres horas de duración. Es un drama familiar, social, político y ontológico que se centra en la vida de un joven escritor (Dogu Demirkol), quien regresa a su pueblo, con la idea de publicar su libro El árbol de peras silvestre. En su ausencia, su familia cayó en la indigencia y enfrenta serias deudas de juego de su padre, maestro de escuela frustrado.

Es decir, a partir de un objeto –el libro a editar- el realizador bucea en el ser íntimo, el “ontos” del protagonista, que se muestra díscolo y contestatario frente al clima hostil que lo rodea, desde el invierno y las nevadas hasta la situación de su familia. Se descorazona muchas veces, aunque no se amilana nunca. Sinan es un excluido, un extranjero en su propio pueblo.

A lo largo de los 188 minutos del film, surgen todos los temas, desde los cotidianos hasta los religiosos, dentro de una atmósfera lírica y, al mismo tiempo, áspera. La influencia de los rusos Dostoievski y Chéjov es clara: el sentido de lo humano está a través de metáforas cinematográficas notables. Gokhan Tiyaki es el excelente fotógrafo de la película, sabia elección de Ceylan quien, entre el 2002 y el 2008, fue ampliamente reconocido con premios y nominaciones. Precisamente Tres monos, 2008, le dio el premio a Mejor Director en ese festival de Cannes.

La música incidental se basa en la Passacaglia de Bach, instrumentada por Leopoldo Stokowski. El trabajo de Ceylan es una gran narración sobre la vida misma, áspera, dolorosa pero, a la vez, sanadora.

Carlos Pierre

 

 

MA

De Tate Taylor. Guion de Tate Taylor y Scotty Landes. Con Octavia Spencer, Juliette Lewis, Diana Silvers, Luke Evans, Dane Brown, entre otros. Fotografía de Christina Voros. Música de Gregory Tripi. Duración: 99 minutos. Blumhouse Productions.

XXXXX- NOVEDOSO PLANTEO DEL “GORE”

Entre bueno y muy bueno se puede calificar a este film de terror psicológico y gore, una mezcla que Tate Taylor conoce bien, especialmente por contar con su actriz fetiche, Octavia Spencer. La actriz afroamericana obtuvo un Oscar en 2011 por otra producción de Taylor, “The help”. Ambos tienen química por lo que el resultado es siempre satisfactorio. Ocurre con “Ma”, donde Spencer compone a “Sue Ann”, una ayudante de una veterinaria que invita a los chicos del barrio a beber al sótano de su casa, alejada del centro, dado que, si lo hacen en los alrededores, la policía los detendrá.

El disparador de la historia es Erica (Juliette Lewis, actriz y cantante que no vemos con frecuencia), quien deja San Diego para volver a su pueblo natal, Ohio, donde viven sus ex compañeros de secundario, un “quid” importante en el desarrollo de la historia. Su hija de 15 años, Maggie )Diana Silvers) rápidamente hace buenos amigos y será una de las chicas que vaya al sótano de “Ma”.

La acción tarda bastante en llegar. Cuando lo hace, el gore inunda la pantalla. Hasta ese momento, Tate Taylor trabajó con el terror psicológico generando inquietud superlativa. El gore es un estallido brutal que surge en el momento menos previsto.

Si bien se trata de un film de género, tiene un planteo diferente. No son chicos que se pierden en un bosque sino un grupo de adolescentes que se esconden en un sótano para emborracharse regresando a sus hogares. Y en esto reside el secreto de la película, que atrapa manteniendo el interés hasta el final donde más de un espectador saltará de la butaca. Buena realización.

Elsa Bragato

 

 

AMANECER EN MI TIERRA

Documental de Ulises de la Orden. Guion de Mariano Starosta. Fotografía de Federico Bracken. Sonido de Julián Caparrós. Montaje de Germán Cantore. Música de Juan de la {orden. Con Juan Bustamante, Nacho Ferreria, Alejanddra Debonis, Gladys Morales,  Comunidad Curruhuinca e integrantes de Vecinos sin techo.

XXXXX-UN LUGAR EN EL MUNDO

Ulises de la Orden hace 10 años, tal como nos cuenta, investigando para su film “Tierra adentro”, comenzó sus contactos con los Vecinos sin techo y la Comunidad Curruhuinca. Entonces hablaban de lotes, de casas, de impedimentos. Para de la Orden, era utópico pensar que el ejército le daría las tierras a los mapuches. Hasta que llegó el momento de conformar este documental y adentrarse en la temática. Es así como filmó las asambleas y las reuniones de los vecinos, cómo luchaban contra un concejal corrupto, hoy ante la justicia, y se interiorizó del drama de las familias. También comprendió, y lo transmite, el espíritu de solidaridad de una comunidad en la que todos están para todos y que van logrando, gracias a esta unidad, el derecho a tener su lugar en el mundo, su techo (Pietro Germi hizo un film antológico, Il tetto, sobre el tema en la Roma posteguerra). En verdad, San Martín de los Andes es un lugar paradisíaco que los empresarios buscan para proyectos inmobiliarios turísticos de gran envergadura, olvidándose o ignorando que esas tierras tan bellas tienen dueños naturales: los mapuches. Tras larga lucha, han conseguido 400 hectáreas donde se levantan sus casas, hechas a pulmón. En el momento de la filmación se construían 250 viviendas.

Siendo el techo el tema fundamental del documental, de la Orden no dejó de lado la lucha de las mujeres mapuches, la violencia de género, y la soledad con la que viven muchas veces. He aquí donde el Estado también debe hacerse presente, la formación, la instrucción, el trabajo digno. Ellos saben que luchan contra un monstruo como un Estado que, si puede, les arrebata hasta el alma.

Aunque se estén logrando algunos techos, la denuncia social queda hecha por este documental: los mapuches son hermanos, dueños de la tierra que los poderosos le arrebatan con casas lujosas que solo usan una vez por año. La pura verdad.

Elsa Bragato

 

 

A MÁS TARDAR

Documental de Mariana Guth. Duración: 98 minutos

XXXXX- EMOTIVO Y VERAZ ENCUENTRO CON INMIGRANTES

Mariana Guth elaboró el guion de este documental basándose en la historia de los tres hermanos Roubisek quienes vinieron al país con sus padres en 1948. Se trata de una familia judeocristiana de Checoslovaquia, que sufrió los horrores de la Segunda Guerra Mundial, viéndose obligados a dejar el hogar natal por orden de la Gestapo. Con entrevistas a cada hermano (Martin, Tomás y Doris Roubicek), Guth va armando un entramado muy emotivo, salpicado por films familiares de aquellos años y con los dibujos, que logra animación muy especial, de Martín Roubicek.

Los hermanos lograron regresar a la Chocen natal y luego a la casa paterna de Holice, en Checoslovaquia, reencontrándose con los amigos de la infancia. Un escritorio de época fue encontrado por una ciudadana checa en 1992, quien descubrió los diarios escondidos de la mamá de los hermanos. Desde ese año, cuando esta médica checa logró ubicarlos aquí, en Buenos Aires, los Roubicek soñaron con regresar.

El sueño se cumple. Y aquí entra la mística de todo inmigrante, los sueños partidos, el corazón cabalgando a mitad de dos países, las tristezas y las alegrías vividas en la tierra natal, el bienestar conseguido en la nueva tierra. Es un sentimiento muy especial que Guth transmite a través del relato emocionante de cada hermano Roubicek. Imposible describir ese sentimiento que obliga a los inmigrantes europeos de principios de siglo y de mitad de siglo XX a recuperar sueños en la tierra natal, la indescriptible sensación de ver el hogar paterno, la vida vivida allí que queda en algún lugar del corazón y que jamás se superará. Si bien el film habla de una sola familia, el sufrimiento por el destierro es común a todos los que vinieron a nuestro país a trabajar a cambio de salvar sus vidas. Sin complejidades narrativas, la historia d elos Roubicek conmueve.

Elsa Bragato

 

También se anuncian los siguientes estrenos:

1.- Rocketman, de Dexter Fletcher. Con Producción de Elton John. Biopic del cantante británico, Elton John.

“Un homenaje honesto y muy sentido a la música de Elton John y a su imagen social. Sin embargo, elude su imagen más personal y cercana”, de Peter Bradshaw, The Guardian.

2.- “El ratón Pérez”, de Juan Pablo Buscarini. Coproducción España-Argentina. La tradicional historia del famoso ratón y de una niña, que quiere salvar el mundo de los cuentos.

3.- “Breve historia del planeta verde”, de Santiago Loza. Nueva realización del director cordobés que tuvo una gran presentación en la Berlinale. Una suerte de “road movie” con un “alien” de las pampas.

 

JUEVES 23 DE MAYO DEL 2019.-

 

ALADDIN

Dirección: Guy Ritchie. Guion: John August, Guy Ritchie, Vanesa Taylo. Fotografía: Alan Stewart. Montaje: James Herbert. Música: Alan Menken. Duración: 120 minutos. Intérpretes: Mena Massoud, Naomi Scott, Will Smith, Marwan Kenzari, Navid Negahban, Nasin Pedrad, Billy Magnussen, entre otros.

XXXXX- SUPERLATIVA TECNOLOGÍA PARA UNA HISTORIA MILENARIA

Basada en la película animada homónima de 1993 de Disney, perteneciente a Las mil y una noches, y El Ladrón de Bagdad de 1970, esta remake con actores de carne y hueso es de notable factura técnica y actoral.

Aladdin es una película musical que conjuga aventura y fantasía, con aggiorno tanto de las letras de las canciones y el superlativo avance tecnológico del cine.

La tradicional historia milenaria está encarada con una buena dosis de humor que descomprime las idas y venidas de esta historia palaciega y de ladrones. En principio, hay un acertado casting con actores de origen árabe, especialmente de Turquía e Irán, así como se eligieron varias locaciones del desierto en Jordania, como se había hecho en la recordada Lawrence de Arabia.

Mena Massoud compone a Aladdin. Deslumbrando con sus acrobacias mientras que Naomi Scott es la Princesa Jasmín, quien quiere reinar en la ciudad de Agrabah, el nuevo mundo de Aladdin; Will Smith es el Genio, con poder para conceder tres deseos, Marwan Kenzari encarna al maligno visir del Sultán, personaje que, a su vez, interpreta Navid Negahban. Finalmente, Nasin Pedrad es la celosa custodia y asistente de Jasmín.

Vértigo e imaginación van de la mano de los personajes de carne y hueso y los compinches de los protagonistas:Apu, monito capuchino (totalmente digitalizado) de Aladdin, Iago es el loro del visir Jafar, y Rajah, el tigre, fiero protector de la Princesa Jasmín. El Genio, de color azul, es gigante y musculoso, teniendo él también un fuerte deseo: dejar la nube en la que levita y ser una persona de carne y hueso. La Alfombra Mágica nos permite soñar con vuelos magníficos y románticos, apareciendo en los momentos más oportunos.

El realizador Guy Ritchie maneja con gran inventiva y solvencia la digitalización por lo que las secuencias tienen un realce muy especial, de trabajo en postproducción intenso. Alan Menken, compositor “fetiche” de Disney, logró una banda sonora colorida y brillante siendo un soporte insoslayable del film. En verdad, Aladdin es una proeza de la tecnología y de todos los aspectos que hacen al cine, digna de disfrutarse de principio a fin. Walt Disney Pictures encontró un nuevo camino para sus historias de todos los tiempos al transformar las animaciones en films con actores de carne y hueso. Faltan los elogios! No se la pierdan!

Carlos Pierre

 

 

DOBLES VIDAS

Guion y dirección: Olivier Assayas. Con Juliette Binoche, Guillaume Canet, Christa Theret, Olivia Ross, Vincent Macaigne, Antoine Reinartz, Pascal Greggory, entre otros. Fotografía: Yorick Le Saux. Cinematografía: Yorick Le Saux. Duración: 107 minutos.

XXXXX-LIVIANA CRÍTICA A LA HIPOCRESÍA SOCIAL

Con diálogos incesantes sobre la literatura actual, la complicidad del mundo digital, las redes sociales, Alain (Guillaume Canet), exitoso editor parisino, y Leonard (Vincent Macaigne), escritor, mantienen estrecha amistad así como sus respectivas esposas. Debaten en forma constante mientras Alain querría manifestarle a su amigo que su novela tiene un tratamiento antiguo, no atreviéndose a decirle que no hará edición alguna. No están solos, interviniendo las mujeres: Selena (Juliette Binoche, esposa de Alain, es una actriz de televisión, atrapada por la obra de Leonard, seguramente por la secreta relación que mantienen ambos. Alain no desaprovecha su tiempo y tiene salidas con una jovencita. Dobles vidas, enmarañadas con la hipocresía social.

Otros Olivier Assayas emplea un tono ligero en esta comedia de puro sabor francés, recurriendo a clishés tales como un desnudo “doble” que no aporta nada y, en cambio, desnaturaliza la esencia literaria del guion.

El tono discursivo crispa, sumado a las “bigamias” incluidas en una forma de vida. Resulta un tanto inverosímil la historia en sí propuesta por Assayas, quien pareciera que tambalea en este juego de dos o cuatro, intercambiando placeres y literatura. Hay un antecedente nunca superado: “La felicidad”, 1965, de Agnes Vardá, sin tanta palabra, discurso ni falsa moral.

Carlos Pierre

 

 

LETO

Dirección: Kirill Serebrennikov. Guion: Mikhail Idov, Lili Idova, Ivan Kapitonov, K. Serebrennikov. Fotografía: Vladislav Opelyants. Montaje: Yuriy Karikh. Música: Roman Bilyk. Intérpretes: Teo Yoo, Irina Starshenbaum, Roman Bilyk, entre otros. Duración: 120 minutos.

XXXXX- EL ROCK COMO BALUARTE DE LA LIBERTAD

Basada en historias verídicas esta película del “enfant terrible” del cine ruso, Kirill Serebrennikov (actualmente encarcelado), es un vital y poderoso alegato sobre el despertar de la new wave y del punk de Leningrado en el verano (leto) de 1980.

Filmada con desenfado, con secuencias afiliadas a los videoclips musicales, resulta una explosión de planos grandilocuentes, desde el de los jóvenes bañistas desnudos hasta las canciones en color, con supremacía del blanco y negro. La biopic roquera del rebelde Serebrennikov es considerada una inédita mirada sobre aquellos años donde aún no se aceptaba la intromisión de la música europea, específicamente la anglosajona.

La historia se focaliza en el trío protagónico, musical y amoroso. Mike (Roman Bilyk, músico de rock en la vida real) y Víktor, fan suyo, entablan amistad. Natasha, esposa de Mike, será también el amor platónico de Víktor. Es en estos tres personajes donde el realizador basa su rebelión social y su inconformismo a ultranza. La pléyade de nombres de artistas extranjeros, desde Bob Dylan hasta Los Beatles, ahondan las diferencias entre los protagonistas y el régimen: todos están prohibidos. Con el tiempo, Víktor será un famoso músico que verá la muerte a temprana edad.

Es síntesis, “Leto” alude a un verano ruso donde el rock explotaba entre los jóvenes, siendo también retrato de una época sociopolítica difícil en aquellos pagos y en los nuestros donde la represión y las “listas negras”, así como el estado de sitio, fueron lo cotidiano. Formalmente, incluye films en super 8, así como videoclips añosos y valiosos de la década del 80.

El film obtuvo el premio al mejor Sountrack recayendo en Roman Bilyk en el Festival de Cine de Cannes 2018, siendo un grato e inesperado descubrimiento sobre los jóvenes de hace casi 40 años en la Rusia comunista.

Carlos Pierre

 

 

BADUR HOGAR

De Rodrigo Moscoso, guion de Moscoso y Patricio Cárrega. Fotografía de Gaspar Quique Silva. Con Bárbara Lombardo, Javier Flores, Castulo Guerra, Nicolás Obregó, Daniel Elías. Duración: 101 minutos.

XXXXX- ADOLESCENCIAS TARDÍAS EN BUSCA DE UN DESTINO

Rodrigo Moscoso reaparece tras casi dos décadas de su único film. Representa de la mejor manera al escaso cine salteño de hoy en día. En el caso de “Badur hogar”, se refiere a la vida de un joven treinteañero que no encuentra trabajo, vive con sus padres, y tiene changas como limpiador de piletas junto a un amigo. La relación con una joven porteña, plagada de mentiras, será un motivo para buscar un camino mejor que tendrá no pocos inconvenientes. Es el “quid” de la película, el conflicto de la fábula.

La forma de narrar de Moscoso luce por su cohesión de principio a fin. Si bien no es una película angelada, produce un buen vínculo con el espectador. El secreto está en la solidez del relato a pesar de carecer de magia por su linealidad. Buena fotografía y buena dirección de actores ayudan a que la historia sea una correcta sucesión de secuencias. El planteo básico es la adolescencia tardía de muchos jóvenes y el apego a tradiciones que suelen lastimar el camino del futuro. El tema es universal si bien peca de localismo en sus diálogos, mientras nos permite conocer el ya cerrado comercio “Badur hogar” y la Salta más paqueta, la de los countries a los pies lejanos de la cordillera.

Elsa Bragato

 

INFIERNO GRANDE
Guion y dirección de Alberto Romero. Con Guadalupe Docampo, Alberto Ajaka, Mario Alarcón, Héctor Bordini. Fotografía de Tebbe Schonning. Música de Gustavo Pomeranec. Duración: 73 minutos.
XXXXX- PRIMER WESTERN FEMENINO
La Pampa y su muy privativa geografía conforman el marco de esta historia de amor y violencia, de maternidad y naturaleza. “María” está embarazada, sufre golpes y violaciones de todo tipo de su marido. Un disparo en la madrugada le cambiará el destino: escapa en la chata familiar. De una historia conyugal pasamos rápidamente a una road movie de desesperación de una mujer que va encontrando personajes raros en su largo camino hacia Naicó, su pueblo natal.
La voz en off del hijo por nacer que, con pocos años de vida, va explicando lo que le sucedió a su mamá y cómo le salvó la vida es una protagonista más que ayuda a comprender el dolor profundo de “María”. En el camino encontrará a un viajante, un lugareño, un niño y un policía compañero de la niñez. Un encuentro final la obligará a tomar el arma con la que salió de su casa.
El relato de Alberto Romero es muy sólido, teniendo en Guadalupe Ocampo a una actriz consustanciada con su “panza” y su rol. No tiene excesos, mesurada y ajustada otorgándole verosimilitud a una historia simple pero contundente. Sin mayores artilugios, “María” se transforma en una “Cow-girl” nacional, “cabalgando” sobre su camioneta su propia salvación. Es un film inteligente donde se manejaron con justeza los elementos de la puesta y la dirección actoral.
Elsa Bragato
 

 

Otros estrenos previstos son:

“John Wick 3”, de Chad Stahelski

“Brightburn; hijo de la oscuridad”, de David Yarovesky

“Soy tóxico”, de Pablo [Parés y Daniel de la Vega)

“Infierno grande”, de Alberto Romero

 

JUEVES 16 DE MAYO DE 2019-

 

EL CUENTO DE LAS COMADREJAS

Dirección: Juan José Campanella. Guion: Juan José Campanella y Darren Kloomok. Con Graciela Borges, Luis Brandoni, Oscar Martínez, Marcos Mundstock, Clara Lago, Nicolás Francella, entre otros. Fotografía: Félix Monti. Música: Emilio Kauderer. Duración: 129 minutos. Argentina-España.

XXXXX-COMEDIA NEGRA DE JÓVENES VS. VIEJOS

Juan José Campanella pergeñó durante 10 años el guión de “El cuento de las comadrejas”, habiendo filmado por última vez su consagrada animación “Metegol” en el 2013. Regresa a la pantalla grande con el planteo de una obsesión profunda a través de la remake de “Los muchachos de antes no usaban arsénico”, que dirigiera José Martínez Suárez en 1976 coescribiendo el guión junto a Augusto Giustozzi (Gius, afamado libretista de la televisión). En ese entonces la protagonizaron Mecha Ortiz, Narciso Ibáñez Menta, Bárbara Mujica, Mario Sofici y entre otros, celebridades inolvidables.

La propuesta de Campanella es un “cuento del tío”: dos audaces personajes (la española Clara Lago y Nicolás Francella) engatusan a una bella estrella de la época dorada del cine (Graciela Borges), a un actor, un escritor frustrado y un viejo director, que hacen lo imposible por conservar el mundo  creado en una vieja mansión. Estos jóvenes proponen un cambio de aire en sus vidas, permutar la casona por un moderno piso. La diva lo acepta porque quiere, además, despojarse de los tres parásitos que la rodean.

Graciela Borges, inconfundible, está rodeada por Luis Brandoni, Oscar Martínez y Marcos Mundstock, todos actores con enorme solvencia escénica y tablas trajinadas, conformando una pléyade inusual. De la misma manera que reunirlos es un logro fantástico del director, también se produce un claroscuro inevitable: el choque de personalidades muy definidas. Es decir, cada uno de estos notables artistas vale por sí mismo un protagónico. Compartiendo un elenco, la química que se produce es profesional más que una empatía profunda entre sus roles con el añadido de alguna altisonancia en los diálogos que resulta teatral. Campanella utiliza a las “comadrejas”, mamíferos de hábitos nocturnos, como metáfora de los dos jóvenes embaucadores, osados y tramposos. Tan inescrupulosos como estos animalitos que roban huevos de gallina con mucha rapidez.

Es decir, la historia nos muestra una declarada guerra de generaciones. La viveza y pillería de los más jóvenes contra la quietud y falta de reacción de los mayores. Jóvenes vs. Viejos, dentro de un envase de humor cínico, inquietante y revelador de dos posiciones ante la vida: los que avanzan y los que se llamaron a retiro.

Destacamos la actuación de Nicolás Francella y de la actriz española Clara Lago, quien logró un absoluto despojo de su idioma natal: habla un “argentino” impecable. También Félix Monti, un prócer de la fotografía cinematográfica, aporta la elegancia de su trabajo, retratando los años de esplendor con riqueza visual (se filmó en dos mansiones: una en Villa Devoto y la otra en Brandsen).  Entre la intriga y el drama, el cinismo y el humor, Campanella demuestra una vez más la solidez de su cámara y de su estilo narrativo.

Carlos Pierre

 

 

CLEMENTINA

De Jimena Monteoliva. Guion de Diego Fleischer y Jimena Monteoliva. Fotografía de Mariano Dawidson. Música de Julián Teubal. Con Cecilia Cartasegna, Emiliano Carrazzone, Susana Varela, Lalo Rotaveria, entre otros. Duración: 88 minutos.

XXXXX-ENTRE LO ONÍRICO Y EL GORE

Pionera como directora y productora mujer en el cine de género, Jimena Monteoliva nos entrega una honesta narración sobre la violencia de género, apelando a una buena fotografía y a buenas actuaciones. El peso dramático del film recae sobre la protagonista, la actriz Cecilia Cartasegna en el rol de “Juana”, quien sufre una brutal agresión de su marido. Una vecina la ayuda, se recupera en soledad, pero ruidos, objetos que caen, y extraños pasos, van generando terror en la joven mujer, sola en casona antigua a la que se acaba de mudar.

La violencia de género está basada, según los estudios, en tensión, agresión y reconciliación. La realizadora Monteoliva sigue estas etapas generando varias secuencias de alto impacto dramático: la furia de “Juana”, la horrible pesadilla con su vientre, los límites débiles de la terraza, la reconciliación y la batalla sangrienta entre los personajes. Hay una dosificación hábil de los recursos que le ofrece una producción acotada: va desde el terror psicológico y el pánico hasta la agresión que explota en el “gore”. Y, por sobre la buena técnica, subsiste el criterio narrativo donde se equilibran lo psicológico, lo real y lo onírico. Contribuyen la fotografía con momentos logrados: “Juana” atravesando una sucesión de puertas abiertas (algo del genial Velázquez y “Las meninas”?). O la cena con “Mateo” (Emiliano Carrazone) con un buen trabajo de iluminación. Destacamos la banda sonora de Julián Teubal, atinada con un ensemble concordante con el intimismo propuesto. “Clementina” es el quid del film que mantiene en vilo la historia.

Buena propuesta de la mano de una directora argentina.

Elsa Bragato

 

BAZÁN FRÍAS, ELOGIO DEL CRIMEN

Guion y dirección de Lucas García Melo. Fotografía de Sebastián Suárez. Música de Savonet Surfers. Duración: 65 minutos. Realización colectiva de Cine Bandido.

XXXXX-EL ALMA MILAGROSA QUE AYUDA DESDE EL MÁS ALLÁ

El primer largometraje de “Cine Bandido” es este docuficción sobre el bandido tucumano llamado Buzán Frías, el “Robin Hood” de Tucumán, aquél que había nacido en el barrio pobre de Los Siete Lotes de Villa Alem a finales del siglo XIX, en 1896.

El proyecto surgió en el tercer año de la escuela de cine provincial, basándose en el libro de la nieta, por vía materna, de Bazán Frías, “De fornicarios, bandoleros y milagros”. Ella misma junto a César Romero y Silvia Quirico como instructores de actuación y la actriz Alejandra Monteros lograron los permisos necesarios para llevar a escena la vida de su abuelo con los presos del penal de Villa Urquiza quienes se sumaron rápidamente a la propuesta.

La cámara de “Cine Bandido” filmó la sepultura de Bazán Frías, muerto por un policía en 1923 cuando intentó escapar saltando un muro: allí mujeres y hombres encienden velas pidiéndole ayuda. La mejor descripción del fenómeno la da una tucumana: “No es un santo, es un alma milagrosa. Viene de la tradición oral. Mi mamá y mi abuela hablaban de Bazán Frías”. El realizador Lucas García Melo encuentra su objetivo: la diferencia de clases partiendo de la frase de Marx “elogio del crimen”, consecuencia directa del capitalismo.

A partir de films de la época. casi un siglo de la muerte de Bazán Frías, con la voz en off de la actriz Monteros, el documental da un fuerte mensaje sociopolítico: ser ladrón o no, los ricos que roban sigilosamente y los pobres que roban por hambre ante el futuro de absoluta pobreza que tienen, situación que rebeló profundamente a Bazán Frías. Buen documental que reconstruye con la máxima verdad posible la vida del bandido tucumano, difícil de encontrar en los diarios de la época. Un buen trabajo.

Elsa Bragato

 

 

LA LECCIÓN DE ANATOMÍA

Documental de Pablo Arévalo y Agustín Kazah. Guión de Paula Magnani. Música de Sciaccaluga. Fotografía de Martín Larrea. Duración: 87 minutos.

XXXXX-HOMENAJE A CARLOS MATHUS

Fallecido en el 2017, Carlos Mathus es recordado en este documental con una nueva puesta de “La lección de anatomía”, obra suya que revolucionó el teatro internacional desde 1972 hasta 2008 (36 años ininterrumpidos). Director y dueño del teatro Empire, al que le otorgó un nueva status, tiene en este film un logrado homenaje a partir de la última puesta en escena de “La lección de anatomía” que no llegó a ver y quedó a cargo de su mano derecha, Antonio Leiva.

Mathus logró conmover los fundamentos del teatro independiente al plantear, a través de jóvenes actores y actrices que tienen la controvertida y luego aceptada escena de desnudez absoluta, la innecesaria carga que llevamos de soportar lo que no queremos. Esta premisa lo perturbó siempre, de allí la escena de desnudez absoluta de los protagonistas: se despojan de lo innecesario para vivir. “La vida es un avance hacia la muerte”, dijo Mathus frente a cámaras. Lo contrarrestó con la voluptuosidad del movimiento físico de sus actores, que la fotografía de Martín Larrea exalta.

El backstage, los sinsabores y las alegrías que van desde el casting o convocatoria hasta levantar el telón, transcurren en un documental donde la figura de Carlos Mathus se muestra un tanto desapegada de los problemas inherentes a la puesta en escena, sin duda producto de la enfermedad que lo atormentó los últimos meses de su vida. El tiempo que le quedó le permitió corroborar que las premisas existenciales de su juventud nunca perdieron vigencia.

Elsa Bragato

 

Entre los estrenos previstos están:

La razón de estar contigo 2, de UIP

Uglydolls, de Diamond Films

Doberman, de Santa Cine

Cuadros en la oscuridad, de Cinetren

La cuarta dimensión, cine independiente de Francisco Bouzas

 

TOLKIEN

De Dome Karakoski. Con Nicholas Hoult, Lily Collins, Genevieve O Reilly, Derek Jacobi, entre otros. Fotografía de Lasse Frank Johannessen. Música de Thomas Newman. Duración: 112 minutos.

XXXXX-ENGAÑOSA BIOPIC DEL BRITÁNICO TOLKIEN

Buena realización en cuanto a producción y actuaciones, “Tolkien” nos engancha con las alusiones a “El señor de los anillos” y “El hobbit”, obras maestras de J.R.R. Tolkien, el historiador y filólogo inglés que admiraba tanto Jorge Luis Borges, cuya saga fue llevada al cine por Peter Jackson en una memorable trilogía.

Poco y nada sabremos de este gran escritor salvo algunos aspectos de su infancia así como su alistamiento para luchar en la Primera Guerra Mundial, el largo noviazgo con su futura esposa, y su pasión por la filología. La mayor parte del film sumerge al protagonista en las trincheras de la Primera Guerra Mundial, en las poquísimas alusiones a los Orcos de su trilogía “El señor de los anillos”, en medio de la bruma no solo del tiempo sino también de los gases venenosos arrojados por los alemanes.

Si bien las biografías o biopics no pueden salirse del esquema que propone la vida misma de quien es objeto de la película, a veces se puede innovar aligerando ciertas escenas al dar énfasis a otras. Aquí hubiese interesado, sin duda alguna, los momentos de Tolkien en los que efectivamente pensó en los personajes de su famosa saga, y la relación con la mitología nórdica más que los campos minados de muertos luego de un enfrentamiento bélico.

La realización es inobjetable. Y la actuación de Nicholas Hoult reviviendo a Tolkien es muy buena, nada más que ajustada al guion que le dieron.

Elsa Bragato

EL SOL TAMBIÉN ES UNA ESTRELLA

De Russo Young. Con Yara Shahidi, Charles Melton, Gbenga Akinnagbe, entre otros. Fotografía de Autumn Duralk. Música de Herdis Stefansdottir. Duración: 100 minutos. Warner Bros.

XXXXX-ENTRE LA ASTRONOMÍA Y EL AMOR

Con la mención del astrónomo Carl Sagan, se inicia esta melosa historia de amor que reúne ocasionalmente a un descendiente de coreanos con una jamaiquina, a quien solo le quedan 24 horas para permanecer en la tierra de Donald Trump. Ella y su familia deben volver a Jamaica, tras 9 años de vivir en New York, ciudad que Natasha (Yara Shahidi) ama profundamente.

El film intenta girar sobre la célebre frase de Sagan que dice “Somos como mariposas que vuelan durante un día pensando que lo harán para siempre”. La protagonista ama la astronomía, y cuenta, con su voz en off, la larga vida de los planetas y de las estrellas, y la nada que somos frente a esa infinitud de billones de años. El encuentro con “Daniel Bea” (Charles Melton) es ocasional pero para el joven es predestinación. Esta concepción del mundo choca con la de Natasha para quien todo es fortuito y sin relación. La vida hará lo que tenga previsto más allá del deseo de uno o de los dos jóvenes.

El intento de demostrar la frase de Sagan se diluye a lo largo de la narración mientras el sol confirma su longevidad en el cielo. Así como el tema de la “expulsión” de inmigrantes queda sin mayor explicación. Es un motivo de justificación argumental traído de los pelos. Los dos actores, de razas diferentes, brillan con la espontaneidad y belleza de la juventud. No hay mucho más.

Elsa Bragato

 

JUEVES 9 DE MAYO DEL 2019.-

 

REGRESA A MÍ

Guion y dirección: Peter Hedges. Con Julia Roberts, Lucas Hedges, Courtney B.Vance, Kathryn Newton, Emily Cass McDonnell, entre otros. Música: Dickon Hinchliffe. Fotografía: Stuart Dryburgh. Duración: 98 minutos.

XXXXX-MAGNÍFICA JULIA ROBERTS EN ROL DIFERENTE

El drama de la adicción a las drogas, ese ir y volver del paciente, y el vaivén entre incertidumbre y dolor en su familia es el nudo de esta película, “Regresa a mí” (Ben is back), 24 horas antes de Navidad. El director Peter Hedges analiza, enfoca, la relación de una madre, Holly (Julia Roberts), y su hijo adolescente, Ben (Lucas Edges), que regresa a su casa sin aviso para pasar las fiestas, teniendo el permiso del Centro de Rehabilitación donde está. Ben está en un período de abstención, propenso a una recaída en los viejos hábitos. Su madre Holly oscila entre la felicidad de tenerlo a su lado y el temor a un tropiezo, por lo que lo cuida celosa y amorosamente. Además, atiende a su nueva familia formada por su esposo actual, afroamericano, que es el sostén del hogar, con quien tiene hijos, además de educar a sus hijos fruto de un matrimonio anterior.

El film de Peter Hedges es sólido y certero mostrándonos a una Julia Roberts intensa y sensible, en un rol distinto a los personajes románticos y más apacibles que la hicieron popular. Junto al joven Lucas Edges (hijo del propio realizador Peter Hedges) conforman un dúo protagónico que sobresale sobre el elenco al formar una unidad de alta calidad actoral.

A través de una hora y media, se vive el drama pesadillesco de esta madre que se lanza con un descomunal instinto maternal a velar cada segundo por su hijo, una visita intempestiva que quiebra la vida familiar alcanzada por Holly. Pero pesa más su amor como madre que cualquier otra situación. Es una película intensa, con una Julia Roberts diferente, creíble, que suma una estrella más en su magnífica carrera. Añadimos la presentación de Lucas Hedges, novel actor con brillo propio y gran futuro.

Carlos Pierre

 

 

ENTRE LA RAZÓN Y LA LOCURA

Dirigida por Farhad Safinia. Con Mel Gibson, Sean Penn, Natalie Dormer, Joan Gruffudd, Jeremy Irvine, entre otros. Guion: John Boorman, Todd Komarnicki, Farhad Safinia (Novela de Simon Winchester). Fotografía: Kasper Tuxen. Música: Bear McCreary. Duración: 124 minutos. Coproducción Estados Unidos-Irlanda

XXXXX-GIBSON-PENN: DUELO ACTORAL ASEGURADO

La recopilación para la primera edición del Diccionario Oxford de la Lengua Inglesa, a mediados del siglo XIX, en 1857, comenzó de un modo complejo y dramático a la vez. El profesor James Murray (Mel Gibson), que no era académico pero sí un conocedor de gran  variedad de lenguas, recibe la colaboración fortuita de un criminal demente para cumplir con esta tarea titánica: el doctor William Minor (Sean Penn), alojado en el Asilo para Criminales Lunáticos de Broadmoor, Reino Unido. Médico con grado militar de los Estados Unidos había asesinado a un hombre al ser objeto de la locura de ese sujeto.

El profesor Murray, ante la descomunal tarea de investigación, verificación y recopilación de las palabras, caracterizadas por la diacronía que impone el habla cotidiana, convocó a “alguien” que pudiera ayudarlo, causando la envidia de sus pares de Oxford entre las que estaban un escocés y un norteamericano. La narración propone un acercamiento a la vida de ambos protagonistas. Mientras Murray busca ayuda, Minor desde la cárcel entrega su sueldo de ex capitán a la viuda del nombre que mató.

El rigor histórico del film, basado en la novela de Simon Winchester (The profesor and the madman”), permite recuperar una historia fantástica sobre un diccionario que es un orgullo británico. Mel Gibson y Sean Penn, secundados por un elenco sobrio, son convincentes, además de la muy buena recreación de época y la fotografía de Kasper, quien logra capar el horror del lacerante tratamiento de los pacientes lunáticos del asilo en contraste con las fantásticas universidades inglesas, erigidas en ciudades con larga historia.                                                                                                                                           

En tiempos de Google y Wikipedia, el trabajo de Murray y del veterano de guerra surge como una invalorable proeza de investigación, base de futuros diccionarios y vocabularios, en general, de la lengua inglesa.

Las críticas internacionales de habla castellana no han sido muy benévolas. Sin duda, se debe a que la comprensión del idioma inglés, en este caso, es incumbencia directa –ocioso resulta decirlo- de quienes lo tienen como lengua materna. La historia en sí de estos dos personajes es muy atractiva y supera cierta medianía narrativa.

Carlos Pierre

 

 

 

EL ARTISTA ANÓNIMO

Dirección: Klaus Haro. Guion: Anna Heinamaa. Música: Matty Bye. Duración: 95 minutos. Con Amos Brotherus, Stefan Sauk, Heikki Nousiainen, Pirjo Lonka. Finlandia.

XXXXX- EL ULTIMO CANTO DEL CISNE

Mesurado, grave, “El artista anónimo”, nuevo film del realizador finlandés Klaus Haro (cuatro participaciones en los Oscar como Mejor Película Extranjera), el mismo de El esgrimista, muestra a un cauteloso negociador de arte en el otoño-invierno de Helsinki, con su característica lluvia intermitente; el anciano Olavi está a punto de abandonar la actividad pero antes debe realizar la hazaña más importante de su trayectoria: ve en una subasta una vieja pintura que, para él, es un retrato anónimo de gran valor. Arriesgando su modesto pasar, lo compra por diez mil euros. Toda una osadía para su edad y su propia economía. El pintor anónimo lo desvela por lo que contrata a su nieto, del que está alejado tanto como de la madre, para investigar quién ha sido el pintor de ese retrato. Finalmente, sabrá que el pintor es ruso y que el rostro es el de Jesucristo. Se inicia para el anciano una aventura: los colegas que desestiman el cuadro y los que lo quieren comprar. Olavi solo quiere quedarse con esa joya por la que no pagó tanto.

Pequeña gran joya del cine finlandés: no hay nada que agregarle ni restarle a esta conmovedora historia de un anciano y su descubrimiento, en medio del riguroso clima de Helsinki. La mirada de Klaus Haro va más allá de la anécdota del cuadro buscando en sus personajes la necesidad del amor familiar, el perdón por el olvido y la reparación del alma. Son 90 min                   utos de placer estético y emotivo, donde sobrevuela el espíritu nórdico del gran Bergman.

Carlos Pierre

 

EL SONIDO DE LOS TULIPANES

Guion y dirección de Alberto Masliah. Con Pablo Rago, Roberto Carnaghi, Gerardo Romano, Gustavo Garzón, Calu Rivero, entre otros. Fotografía de Mariana Russo. Música de Mariano Fernández. Duración: 96 minutos.

XXXXX-CUANDO MÁS ES MENOS

Extraña mezcla de pasado, corrupción política, personajes atados a destinos indeseados. Alberto Masliah nos introduce en un thriller intenso, fuerte, en el que se mezclan diferentes situaciones d e los últimos cuarenta años de nuestra historia. Quien fue más terrorista que el Estado mismo, quien esquilmó al pueblo para construir lo que nunca hará, quien trafica mejor las relaciones importantes. Es decir, estamos frente a la corrupción en todos sus matices así como frente a las consecuencias de tratar con los supuestamente “importantes” representantes del pueblo. Los barrios opuestos están bien fotografiados por Mariana Russo: los opulentos y los marginales, y los “medio pelo” como el mismo “Marcelo Di Marco”, rol a cargo de Pablo Rago quien hace lo más que puede con su personaje y el desvaído entorno. Se destaca la solvencia indudable de Gustavo Garzón, de Roberto Carnaghi y de Gerardo Romano (los “malos” de Romano son invalorables), mientras que Calu Rivero, con gran camino por desandar, tiene tics propios de la televisión que desmerecen su performance. Las escenas finales son muy “de cartón”. Nos confundió bastante y las actuaciones mencionadas por sí solas, valiosas, no pudieron salvar el producto final.

Elsa Bragato

 

BONI BONITA

Guion y dirección de Daniel Barosa. Con Ghilherme Lobo, Caco Ciocler, Ailin Salas, entre otros. Fotografía de Andre Dip. Música de Eduardo Praca. Duración 85 minutos. Brasil.

XXXXX-LA ATRACCIÓN QUE SUPERA LÍMITES

El segundo largometraje de Daniel Barosa, con su propio guion, nos introduce en la vida íntima de una pareja especial: la joven “Beatriz” (Ailín Salas), argentina, está viviendo en San Pablo junto a su padre luego de la muerte de su madre en Buenos Aires. Sola, sintiéndose rechazada por su padre, siente que Rogelio (Caco Ciocler), líder de una banda de rock, es una buena tabla de salvación. Rogelio le lleva más de 20 años, es alcohólico, mujeriego, mientras que Beatriz es una adolescente de 16 años con poses de adulta. Ambos le escapan a la soledad, él con el resquemor de la edad de ella, y la jovencita, con el desparpajo propio de su edad.

Hay en el cine ejemplos de parejas desparejas, desde la inolvidable “Amor en la tarde” hasta la más reciente “Perdidos en Tokio”. En todos los casos, la atracción mutua supera las barreras de la edad y de las circunstancias que llevan a los personajes a esa situación. Yendo más allá, está en el tapete el tema del hombre mayor que sabe cómo deducir a la jovencita sin experiencia. Sin embargo, Daniel Barosa no cae en excesos en el personaje de Rogelio mientras que acude a escenas sin tabúes de ambos personajes.

Resulta una película atrapante por momentos, con alguna salvedad por secuencias que pudieron evitarse. Hay solidez narrativa y conocimiento de la conducta humana cuando la atracción supera los límites.      

Elsa Bragato

 

MAESTRAS DEL ENGAÑO

De Chris Addison. Con Anne Hathaway, Rebel Wilson, Casper Christensen, Alex Sharp, Ashley Mcguire, entre otros. Guion de  Stanley Shapiro y Paul Henning, música de Anne Dudley, fotografía de Michael Coulter. Duración: 94 minutos. USA.

XXXXX- MUJERES AL ATAQUE!

Siguiendo el esquema de las más tradicionales comedias de Hollywood, “Maestras del engaño” es una simpática remake sobre truhanes de dos películas: Dirty Rotten Scoundrels, de 1988, con Michael Caine y Steve Martin, y Bedtime Story, de 1964, con Marlon Brando, David Niven y Shirley Jonson. En tiempos de empoderamiento femenino, el protagonismo fue cedido a dos brillantes actrices: Anne Hathaway (ganadora del Oscar) y Rebel Wilson, quien hace un “uso” fantástico de las fuertes dimensiones de su cuerpo, añadiendo simpatía y locura a la vez.

Son dos mujeres acostumbradas, cada una por su lado, a atraer a los hombres con el fin de sacarle dinero o bien alhajas. Hasta que, un buen día, se unen teniendo como aliada a una mujer-policía. La aparición de un “genio” de la cibernética de tan solo 14 años, multimillonario, traerá consecuencias divertidas, los mejores momentos de esta película que no pretende salirse del camino trazado: un esquema de comedia convencional, alocada, simpática, disfrutable. Se destaca la banda sonora de la inglesa Anne Dudley, reconocida por sus trabajos en la televisión de su país. Y, obviamente, la solvencia de las dos protagonistas para quienes la cámara no existe. Simplemente “son” sus personajes.

Elsa Bragato

 

ESCUELA MONTE

Docuficción de Mariano Raffo. Duración: 90 minutos.

XXXXX- VIVIENDO EN LAS AFUERAS

Mariano Raffo documenta la vida en una zona semiselvática. Un matrimonio decide dejar la ciudad, donde han vivido con comodidades propias de la sociedad de consumo,allí viven en una casucha que van armando o mejorando con barro. Los pequeños, especialmente Carmelo de 8 años, se asombran ante los truenos, las tormentas, la lluvia intensa. Aprende a “pescar” peces con las manos, a plantar junto a la mamá en la huerta familiar, a descubrir animalitos. Sin exponer a los auténticos protagonistas a una charla frente a cámaras, Raffo transita la narración como una ficción, la mesa al aire libre, los amigos que visitan, las charlas, los niños, el trabajo cotidiano que es mucho. La escuela está allí, en plena naturaleza. Eso sí, no faltan ni celulares ni labtops, medios que les permiten tener contacto con familiares y amigos. Es interesante, sin representar un aporte superlativo al cine nacional.

Elsa Bragato

Otros estrenos anunciados (el agregado o la supresión de algunos de los títulos siguientes son responsabilidad  exclusiva de los distribuidores de cine):

. Abrakadabra, de Luciano y Nicolás Onetti.

.El bosque de los perros, de Gonzalo Zapico

. Muere, monstruo, muere, de Alejandro Fadel

. Pokémon, detectiva Pikachu, de Bob Letterman

 

JUEVES 2 DE MAYO DEL 2019.-

 

EL HIJO

Dirección: Sebastián Schindel. Con Joaquín Furriel, Martina Gusmán, Luciano Cáceres, Heidi Toini, Regina Lamm, entre otros. Fotografía y cámara: Guillermo Nieto. Música: Iván Wyszogrod. Duración: 90 minutos.

XXXXX-THRILLER PSICOLÓGICO PLENO DE ENIGMAS

Thriller psicológico pleno de enigmas llega de la mano de la dupla que forman Sebastián Schindel y Joaquín Furriel, quienes hace tres años, con “El patrón, radiografía de un crimen”, deslumbraron a la crítica al mostrar, aún siendo una ópera prima, un sólido tratamiento de las relaciones humanas más conflictivas. En “El hijo”, Schindel, siguiendo fiel a su estilo, expone la obsesión enfermiza de una mujer a punto de dar a luz a su primer hijo.

Un bohemio pintor, Lorenzo (Joaquín Furriel), cincuentón, con un pasado con varios hijos, tiene una relación formal con una joven noruega, Sigrid (Heidi Toini). La joven, bióloga, queda embarazada por primera vez. El primer encantamiento, las mieles del encuentro, se desvanecen por la actitud rígida que la joven mantiene con su embarazo: decide tener al bebé en su propia casa con la ayuda de una partera de su misma nacionalidad (Regina Lamm).

Lorenzo continúa pintando desaforadamente como contrapeso del aislamiento al que su mujer lo confinó aislado del nacimiento. Por suerte, una pareja de amigos (Martina Gusmán y Luciano Cáceres) lo acogen física y espiritualmente.

Hay una pista fundamental en esta historia y es el sobrevuelo de una frase de Goya: La fantasía, aislada de la razón, sólo produce monstruos imposibles, cita que resume la actitud de Sigrid y de los caracoles enormes que llevan dentro sus crías, pintados por Pablo.

La atmósfera creada por Sebastián Schindel es agobiante, oscura, atrae desde el thriller psicológico y, por otro lado, decepciona la abrupta ruptura de la pareja que conlleva un ocultamiento de enigmas.

Carlos Pierre

 

LOS MIEMBROS DE LA FAMILIA

De Mateo Bendesky. Con Laila Maltz, Tomás Vicz, Alejandro Russek, entre otros. Fotografía de Roman Kasseroller. Edición de Ana Godoy. Música de Santiago Palenque con la inclusión del tema “Luna de miel de la mano” de Virus. Duración: 85 minutos.

XXXXX- BÚSQUEDA DEL PROPIO SER

En este segundo largometraje, Mateo Bendesky aborda un tema que lo apasiona y conoce: la relación entre los hermanos adolescentes, la implicancia de los mayores, los conflictos familiares y la necesidad de ser ellos mismos. No falta lo mágico y hasta lo onírico a través de pesadillas que sufre uno de los dos personajes principales, Gilda y Lucas, encarnados por Laila Maltz y Tomás Vicz, jóvenes actores de notable solidez interpretativa y solvencia escénica.

Rodada en diferentes playas de la costa atlántica, los dos hermanos deben arrojar las cenizas de su madre al mar. Allí se encuentra una casa que ella amaba a la que van, si bien pasar en ella los días necesarios para cumplir con el mandato no será fáciles. Una inesperada huelga de transportes los obliga a permanecer en ese lugar, mientras los jóvenes intentan superar algunas diferencias que fueron creciendo en los últimos tiempos. Es en ellas donde, luego de cumplir con el sueño imposible y hasta macabro de la madre, ambos encontrarán otra manera de aceptarse y de empezar a ser libres, esto es, a ser lo que quieren ser sin pedir permiso o disculpas. Ser auténticos. Es en esta búsqueda subliminal –hasta que explota en imágenes- donde Bendesky encuentra los mejores elementos de su narración con un sabio manejo de la información, dosificada para que la historia propuesta cierre perfectamente.

Elsa Bragato

 

 

LA LUPA

De Marina Zeising. Documental sobre su propia vida, sus orígenes y la búsqueda de la maternidad.

XXXXX-UNA MIRADA AGUDA SOBRE LA MATERNIDAD

Marina Zeising es una documentalista, que integra el llamado colectivo de mujer “Acción, mujeres del cine!”. Conocimos en el 2017 su excelente documental “Lantec Chaná” sobre una lengua nativa en Entre Ríos, un trabajo minucioso de investigación que debe tenerse en cuenta siendo el primero “Habitares”, del 2014. En el caso de “La lupa” el título puede tener dos acepciones: por un lado, la “lupa” sobre determinados momentos de nuestras vidas que necesitan deconstruirse, y “la lupa” como traducción literal de “La loba”, aquélla que amamantó a Romulo y Remo.

Con su propia voz en off, Zeising narra sus propios temores sobre ser madre, iniciando un viaje de autodescubrimiento por Italia, donde alguna vez no fue feliz, filmando diversas voces e instituciones que ofrecen visiones muy reales de la maternidad así como los problemas sociales, el aborto posible y las leyes que existen o que están en tratamiento al respecto.

Continuando con esta línea de autodescubrimiento, viaja a Noruega, donde nació su madre, para investigar tanto la propia historia como para documentar las leyes aprobadas que acompañan a la mujer.

Desdoblándose, Marina Zeising aborda la maternidad no concebida y el tema del feminismo actual, aportando datos que dan idea de los avances y retrocesos sociales de nuestro país. Es, desde este punto de vista, un fiel retrato de la maternidad real: no es idílica y encierra el enigma más grande del universo resultando la maravilla de concepción más increíble.

Elsa Bragato

 

1.- RIVER, EL MÁS GRANDE. Documental sobre el Club River Plate de Marcelo Altmaark y Luis Scalillay.

2.- TRASLASIERRA, ficción de Juan Sasiain.

 

LOS PERIFÉRICOS

Ocho Documentales de Gabriel Patrono,Ivan Wolovik, Pablo Pandolfo, Tomás Makaji, Luis Hitoshi Díaz, González Hernández, Lautra Aledda y Pablo Arias.

XXXXX- ROCK DE ANTES Y AHORA

Canosos, fuera de línea, con títulos universitarios, se han unido varias historias de rock desconocidas a través de la mano de los documentalistas mencionados en la ficha técnica. Partió de una idea de Patrono, de La nave de los sueños, mítico lugar porteño.

Se ofrece en diferentes sitios del “off”. Son historias que nos remiten a la última dictadura militar, la pintada de graffitis y la persecución, las razzias,  el pelo largo prohibido, el punk rock, y la actividad de hoy, desde el rock “añejo” hasta el periférico y el conceptual. Es muy interesante para los roqueros nacionales y para el público que tenga interés en este género musical.

Elsa Bragato

 

JUEVES 25 DE ABRIL del 2019.-

 

AUSENCIA DE MÍ

Guion, fotografía y dirección de Melina Terribili. Edición de Valeria Raciopi. Sonido de Gaspar Scheuer. Duración: 84 minutos.

XXXXX-EL CANTOR QUE NO CALLÓ

La vida y obra de Alfredo Zitarrosa, nacido en 1936 en el Uruguay y fallecido en 1984, están resumidas en un material inédito de incalculable valor que la familia del reconocido y admirado cantor oriental proporcionó en forma definitiva al estado del país hermano. A través de innumerables fotografías, libros, escritos de puño y letra, grabaciones, audios de charlas, que el mismo Zitarrosa grababa con un sentido de futuro y de historia fantástico, Melina Terribili y su equipo reconstruyen la vida y los exilios, en particular,  que comenzaron en 1976, junto a su mujer y sus dos hijas. La tristeza de estar fuera de su tierra, la nostalgia de los amigos y las cosas queridas, acentuaron el dolor de no poder regresar para preservar su vida. Deambuló por Buenos Aires, Madrid y México.

Emociona escuchar la voz de Alfredo Zitarrosa, grave y melodiosa a la vez, sobre fotografías y algunas películas de la época donde se lo ve con sus hijas o en alguna reunión familiar. También hay un retrato de época, los ejércitos patrullando las calles de Montevideo, la persecución de ciudadanos, la estampida de cientos de personas movilizadas pidiendo justicia. Y, sin embargo, no se trata de un documental panfletario sino la reconstrucción de los exilios de un gran poeta y cantor a través de elementos que le pertenecieron y que su familia guardó celosamente con amor y respeto. Sus ideas de entonces coinciden con las penurias de hoy de miles de sudamericanos. Pareciera que nada ha cambiado. El cantor le puso letra y música al dolor de millones. Y se hace inmortal porque nos representa aún hoy. Como decía don Horacio Guaraní, “si se calla el cantor…” nada bueno nos ha de pasar. Por suerte, existen los archivos como el del inolvidable Alfredo Zitarrosa. No se pierda este documental..

Elsa Bragato

 

 

 

ACÁ Y ACULLÁ

Documental de Hernán Khourián. Duración: 62 minutos.

XXXXX-VALIOSO DOCUMENTAL SOBRE LA DIÁSPORA ARMENIA

El director Hernán Khourián retrató en el 2015 la inquietud de los alumnos y alumnas que asisten a una escuela armenia en Buenos Aires. Largas horas de filmación y de interacción con los chicos le permitieron obtener un material muy interesante de cómo se vive la diáspora armenia en la Argentina, tras cuatro generaciones en el país, a cien años de la masacre de Turquía.

Algunos de los chicos recuerdan las anécdotas de sus mayores, la carencia de familiares en la madre patria por haber sido masacrados, o bien el caso del abuelo o de la abuela que logró escapar con el hijo menor, por ejemplo, pudiendo sobrevivir en nuestro país. Con un lenguaje propio de criaturas pero muy preciso sobre el tema en cuestión, los chicos demostraron conocer el sufrimiento de sus antepasados haciéndose eco de los recuerdos. En algunos casos, los menos, sobrevivientes de segunda generación (abuelos directos de los chicos) pueden dar testimonios directos de aquellos primeros años de vida sufridos por persecuciones, hambre y miedo. Valioso material para que la memoria nunca falle.

Elsa Bragato

 

 

AVENGERS, ENDGAME

Dirección: Anthony Russo-Joe Russo. Guion: Christopher Markus y Stephen McFeely. Con Robert Downey Jr., Chris Evans, Chris Hemsworth, Mark Ruffalo, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Brie Larson, Karen Gillan, Zoe Zaldana, Benedict Wong, Josh Brolin, entre otros. Música: Alan Silvestri. Duración: 181 minutos.

XXXXX-IMPRESIONANTE Y SUPERESTELAR FINAL DE JUEGO

Avengers,Endgame es la secuela directa de Avengers: Infinity War (2018) y la continuación de The Avengers (2012) y Avengers: Age of Ultron (2015). Además de los superefectos especiales está el superestelar elenco, una verdadera pléyade que une a todos los actores de películas anteriores del Universo cinematográfico de Marvel Studios.

El tema del tiempo, la vuelta al pasado, las gemas que dan todo el poder para el vasto universo, ahora en manos del malvado y destructor Thanos (Josh Brolin), ser de Titán, la gran luna de Saturno, son el quid del relato. Con ellas pudo diezmar la mitad de toda la vida. Los sobrevivientes están en ruinas y tratarán de recuperarse de su fuerte derrota. Los Vengadores liderados por Iron Man (Robert Downey Jr.), junto al regreso de Los Guardianes de la Galaxia, deberán trasladarse al pasado para recuperar las gemas que se encuentran en diversos sitios de la Tierra. Regresarán a la década del 70, donde muchas de ellas están o escondidas o se perdieron.

El genial co-creador de los Vengadores, Stan Lee, fallecido el año pasado, aparece fugazmente en un póstumo cameo, junto a la irrupción de Capitán América, Thor, Hulk, Natasa Romanoff (Black Widow), Clint Barton-Hawkeye, Capitana Marvel, Wong, en contraposición a Thanos, su hija adoptiva Nebula y Gamora criada como hermana de ésta. Una superpoblación de superhéroes fascinantes para los seguidores de estas sagas o superhistorias.

La narración está contada con inteligentes pausas de guion. Los enfrentamientos y las coreografías de artes marciales no interrumpen el relato a la manera de estallidos sino cuando realmente la secuencia lo requiere. Esto sí que es un gran paso en la forma de contarnos una historia de superhéroes. Por supuesto, hay encuentros bélicos. Y, el infaltable, es el de las huestes de Thanos contra los humanos sobrevivientes, reunidos para liberar la Tierra. Estas secuencias son de enorme espectacularidad, visualmente fantásticas, con un trabajo superlativo en la edición de sonido y la banda sonora de Alan Silvestri.  Avengers, Endgame es un digno broche para esta saga que debe ser vista obligadamente por los seguidores de los superhéroes de DC. Inolvidable, superestelar y visualmente impresionante.

                                                                   Carlos Pierre

 

 

LA CULPA

De Gustav Moller. Con Jakob Cedergren, Jessica Dinnage, Omar Shargawe, entre otros. Fotografía de Jasper Spanning. Música de Carl Coleman y Caspar Hesselager. Duración: 85 minutos.

XXXXX-ATRAPANTE THRILLER PSICOLÓGICO

Con un particular estilo minimalista, manteniendo al protagonista Asger Holm (el notable actor Jakob Cedergren) frente a cámara durante los 85 minutos de la narración, el director Gustav Moller logra uno de los policiales más inquietantes de los últimos tiempos. Asger es un policía que, momentáneamente, debe cumplir con el servicio de emergencias. Recibe el llamado desesperado de una mujer que, por lo que él presume, está secuestrada. A partir de ese llamado, logra ubicar a la hija pequeña, y movilizar a las patrullas de la zona dado que localiza al automóvil donde es trasladada por el celular.

La intensidad del relato crece exponencialmente. El rostro de Asger está en primerísimo primer plano, por momentos inmutable. Pero la habilidad de los diálogos y los pasos narrativos que no vemos pero que seguimos gracias a Asger hacen imposible no estar en vilo durante toda la película. La culpa de Asger, que solo sobre el final se sabrá, provoca su desesperación, que compartimos desde la butaca, por salvar a esta mujer. Nada será como creemos, ni siquiera para Asger, pero el clima de miedo, terror, suspenso, lo viviremos plenamente junto a él. En verdad, estamos frente a un thriller atrapante, envolvente, que nos quita el aliento cada cinco minutos. Sin parafernalias tecnológicas. A pura actuación y filmación. Un gran hallazgo de Gustav Moller porque logró una inteligente manera de demostrarnos que “menos es más”.

Elsa Bragato

 

 

ESTOY ACÁ (MANGUI FI)

De Juan Manuel Bramuglia y Esteban Tabacznik. Fotografía de Bramuglia. Duración: 77 minutos

XXXXX- NUEVOS VECINOS

Excelente docuficción que retrata la vida de dos senegaleses, Ababacar(23) y Mbaye (27). La última inmigración grande que los argentinos tenemos es la de los senegaleses. La piel africana es un contraste en esta ciudad de gente pálido y más bien baja: ellos son algos, de excelente físico y piel oscura. Al seguir la vida de estos dos inmigrantes, los dos realizadores, Bramuglia y Tabacznik, consiguen dos visiones opuestas del que deja su país para cruzar el Atlántico en busca de mejoras: Ababacar acepta la diferencia de cultura, tiene una novia argentina, Florencia, y mantiene su religión musulmana por lo que se casará antes de regresar a su país momentáneamente para ver a su ex esposa y su pequeña hijita. Mientras tanto, Mbaye no se haya en la Argentina ni fuera del Senegal. Aunque allá no tiene ninguna comodidad, tal como se muestra en el film (el documental se realizó entre nuestro país y el Senegal entre 2014 a 2017. Se finalizó en el 2018). Para Ababacar la vida en el país nuevo es agradable consiguiendo enviar dinero a su familia. Para Mbaye la migración provoca un dolor profundo que no logra mitigar. Argentina no le gusta, probará un tiempo en el Brasil. Los dos son amigos a pesar de las diferentes posturas. Éstas sirven para darnos un retrato de cómo se nos ve, tanto la ciudad como a nosotros mismos en la interacción con extranjeros. Según quien nos observe, somos desde fríos porque nos gusta vivir en departamentos aislados, hasta independientes pero solidarios. Mbaye no acepta esta forma de vida porque está acostumbrado a lo contrario: la gente sentada en las calles de tierra, en tertulias amables pero, sin duda alguna, muy extrañas por el entorno para nosotros. La narración no abusa ni de las exposiciones a cámara ni de los viajes. Los vemos “acá”, tanto aquí en Buenos Aires como en el pueblo cercano a Senegal. Siempre es “acá”. Excelente material, historias bien contadas, de una comunidad muy nueva para los argentinos que debe tenerse en cuenta.

Elsa Bragato

Otros estrenos

Se anuncian “La experiencia judía”, documental, y “El bosque de los perros”, así como un documental sobre Alfredo Zitarrosa del que ofreceremos un comentario crítico en breve.                                       

 

JUEVES 18 DE ABRIL DEL 2019.-

 

LA MALDICIÓN DE LA LLORONA

De Michael Chaves. Con Linda Cardellini, Patricia Velásquez, Raymond Cruz, Sean Patrick Thomas, entre otros. Fotografía de Michael Burgess. Música de Joseph Bishara. Duración: 93 minutos.

XXXXX-SUSTOS MUY EFECTIVOS

Silencios espeluznantes, terror psicológico en grado sumo, caracterizan esta producción del notable James Wan que, si bien no supera “El conjuro”, sabe cómo hacer una puesta en escena que no pretende ser original pero sí efectiva. Y vaya si lo logra.

La Llorona responde a una leyenda mexicana del siglo XVII: una joven se casa con un caballero rico quien, luego de armar su familia, mantiene relaciones extramatrimoniales. Al ser descubierto por su esposa, ésta tiene un ataque de celos, decidiendo ahogar en el río a los dos hijos de la pareja y suicidarse también. Dicen que nunca superó el dolor por el asesinato de sus hijos y se la escucha llorar y vagar por las noches en busca de otros niños que suplanten a los suyos. Con los siglos, La Llorona fue incrementando su crueldad.

La primera madre que padece la presencia de este fantasma asesino es una joven de origen mexicano, “Patricia”. La policía del lugar la conoce y decide salvarle los niños para que pueda vivir tranquila, pero nada saldrá como lo planeado. Y éste es el quid del relato.

“Samantha” (Jaynee Lynn Kinchen), a su vez mamá de tres criaturas, es la asistente social policial que sufrirá la maldición de La Llorona y la de su amiga “Patricia” (Patricia Velázquez) a través de una intriga aterradora del guion.

Una curiosidad es que no hay sangre sino sustos, los ya conocidos, muy efectivos. Los silencios entre secuencias ponen los pelos de punta y, si bien no es una obra maestra de Wan, Michael Chaves supo entender la pretensión del productor a través de un relato que hace saltar de la butaca. Más que efectiva!

Elsa Bragato

 

1.- LA GUERRA SILENCIOSA

De Stephané Brizé. Con Vincent Lindon, Bruno Bourthol, Valerie Lamond, entre otros.

“La película es texto, pancarta, reivindicación y análisis precipitado y sentimental de las situaciones económicas, laborales y empresariales del mundo”, de Oti Rodríguez Marchante, DIARIO ABC.

“El final es ridículo. Son actores gritándose entre sí de forma improvisada. Esto es cine hecho con megáfono”, de Peter Bradshaw, The Guardian.

2.-MICHELANGELO-INFINITO, de Emanuele Imbucci. Cuenta la vida del genio Michelangelo Buonarroti y su amistad con el crítico de arte y artista también Giorgio Vasari.

“En este experimento narrativo, parcialmente logrado, las obras más célebres del genio florentino se revelan en sus más íntimos y escondidos detalles, realizándose algunas casi ante nuestros ojos gracias al sabio uso de la tecnología. Está él (Michelangelo) que es un ser mortal, dotado de un don sin par, que busca lo sagrado y el infinito, estableciendo una lucha eterna con su propia imperfección humana”, de Daniela Catelli, Comingsoon.it.

3.- VOX LUX-EL PRECIO DE LA FAMA, de Brady Corbet. Con Natalie Portman y Jude Law.

“Un maravilloso tratado sobre la toxicidad de la fama”, de Stephen Dalton, The Hollywood Reporter.

“Un atrevido y brillante viaje a través del torbellino de las celebridades. La segunda parte se ve potenciada por la cautivadora interpretación de Portman”, de Guy Lodge, Variety

 

JAMÁS LLEGARÁN A VIEJOS

De Peter Jackson. Documental sobre la Primera Guerra Mundial con imágenes restauradas nunca antes vistas. Duración: 99 minutos. Reino Unido.

XXXXX-EXCEPCIONAL DOCUMENTAL SOBRE LA GRAN GUERRA

Notable trabajo de Peter Jackson y su equipo técnico para restaurar cientos de horas de grabaciones de audio y filmaciones realizadas durante la Primera Guerra Mundial- Es también una descomunal tarea que clarifica imágenes amarillentas sobre cadáveres de adolescentes transformados en soldados bajo falsas premisas de gloria y patriotismo.

Tal como ocurrió con la Guerra de Malvinas, las Fuerzas Armadas del Reino Británico llamó a alistar para enfrentar a los alemanes en la llamada Primera Guerra Mundial “llenándoles la cabeza”, tal como los sobrevivientes cuentan, sobre la potencia invencible del imperio y la facilidad de matar alemanes, a quienes se pintaban como inútiles. La campaña fue tal que jóvenes de 15 años, mintiendo en la edad, pidieron ir al frente para matar a los enemigos, surgidos de la noche a la mañana en circunstancias que nunca resultaron muy claras para ellos.

Hay secuencias tremendas de campos minados repletos de cuerpos despedazados, y un relato en off de principio a fin que va engarzando las voces de los sobrevivientes mientras explican las sensaciones y vivencias en las trincheras, desde meter las cabezas en letrinas para evitar la ceguera del gas mostaza hasta rematar entre llantos a compañeros de lucha malheridos y agonizantes.

El material fue provisto por el Imperial War Museums en asociación con la BBC de Londres. Se revisaron 600 horas de entrevistas de 200 veteranos y se tomaron unas 100 horas para el film. El trabajo técnico logró llevar de 13 cuadros iniciales a 24 dándole formato de 3D a las imágenes, pero en nuestro país solo puede verse en la versión 2D. El título “Jamás llegarán a viejos”, traducción literal del inglés “They sall grow not old” está tomado del poema “Fort he fallen”, de Laurence Binvon, como aparece en la tercera cuarteta del mismo.

La decisión de Jackson y su equipo fue borrar los nombres de quienes contaron sus experiencias para evitar más dolor aún en descendientes, en amigos, si bien cada uno de los soldados están identificados en el material original que tiene el museo de guerra inglés.

El director Peter Jackson no quiso cobrar honorarios y él y su equipo dejaron más de 100 horas de audios y filmaciones restauradas como donación a la historia no solo inglesa sino universal. Es un documental que se ve en absoluto silencio, con el corazón sobresaltado por el sufrimiento al que los pueblos suelen ser sometidos por una “supuesta libertad”. Nunca antes la Primera Guerra Mundial, o la Guerra de Trincheras o la Gran Guerra, pudo verse en esta magnitud dramática y real. Impresionante.

Elsa Bragato

 

1100- A PUNTO DE EXPLOTAR

De Diego M. Castro. Con Santiago Iludain, Andrea Friorino, Cecilia Patalano, entre otros. Duración: 93 minutos.

XXXXX-LA VIDA DESDE UN TAXI

Con cámara en “close up” sobre el rostro del protagonista, Diego Castro, cineasta rosarino, construye una narración coherente aunque carente de referencias. Es la historia de un taxista”Leo”, desde un lugar poco común: los sentimientos que su rostro van demostrando, desde el fastidio hasta el miedo al supuesto asaltante, desde la confusión ante el pasajero que cae semimuerto hasta los celos por su novia. La gestualidad de Santiago Iludain transmite la carga emocional que puede estallar en cualquier momento. “Leo” va padeciendo la sumatoria de tensiones que cada pasajero con su historia le deja. Puede que explote, puede que solo sea un rostro encolerizado. Santiago Iludain tiene el mérito de transmitir tensión, fastidio, cólera, miedo.

Si bien se cumple con el requisito fundamental que es la acción, y no la explicación de la acción, la ausencia de referencias y el silente movimiento de la cámara resultan innecesariamente inquietantes. Recordamos “Taxi” de J. Panahi, del 2015, donde la ciudad de Teherán que recorre se deja ver claramente. A diferencia de ésta, Diego Castro se centró en el conductor y su rostro. Panahi, en la ciudad y sus habitantes. Castro apunta a descubrir el alma del taxista a partir de los pasajeros. Panahi, a los pasajeros y sus historias a partir de ser él el conductor.

Elsa Bragato

 

JUEVES 11 DE ABRIL DEL 2019.-

Entre los estrenos de esta semana llega un antisuperhéroe, muy querido, “Hellboy”, en una remake dado que lo conocimos en el cine en el 2004. Hay varios films interesantes, en general, que, aún con muy buena producción, no superan la medianía.

1.- EL PARQUE MÁGICO, animación, de Dylan Brown. Fotografía de Juan García González. Narra las peripecias de “Jane”, una niña creativa que inventa un parque de diversiones mágico, en el que podrá tener aventuras increíbles.

“De todo menos maravillosa. Como sucede con tantas otras películas de animación hoy en día, sus ideas están enterradas bajo un espectáculo visual repleto de escenas de acción”, de Frank Scheck, The Hollywood Reporter.

“Francamente, no es muy divertida. La película se ve lastrada por un argumento carente de sentido que se supone tiene algo que ver con cómo los niños asumen la pérdida de un ser querido”, de G. Allen Johnson, San Francisco Chronicle.

2.- HELLBOY, de Neil Marshall. Con David Harbour, Milla Jovovich. David Harbour viene de componer al policía de “Stranger Things”, teniendo en esta remake la obligación de derrotar al maligno “Nimue”, que viene de la época del Rey Arturo. Es femenina y está encarnada por la bella Milla Jovovich, acostumbrada a roles de este tipo. El film iba a contar con la producción y dirección de Guillermo del Toro, quien deseaba completar su trilogía con esta película (las anteriores fueron Hellboy, y Hellboy El ejército dorado). Desinteligencias lo apartaron del proyecto y el actor Harbour, sin gran cartel, logró ese notable ascenso. La película del antihéroe rojizo se vuelca a la violencia y al “gore”

 

VIVIENDO CON EL ENEMIGO

De James Kent. Con Keira Knightley, Alexander Skarsgard, Jason Clarke, Kate Phillips, entre otros. Guion basada en la novela de Rhidian Brook, The Aftermath, éxito del 2013, quien también participó en la producción. Fotografía de Franz Lustig. Música de  Martin Phipps. Duración: 109 minutos. Reino Unido.

XXXXX- MUCHA PRODUCCIÓN, POCA PASIÓN

“Viviendo con el enemigo” es excesivamente edulcorada pero desangelada. Esta curiosa simbiosis tiene un diseño de arte tan estupendo que, por momentos, las secuencias parecen cuadros. Fuera de esto, el triángulo amoroso previsible carece de carisma, encanto. Y se asiste a un buen relato sin pasión, como si se tratase de un buen postre. Nada más.

Sin embargo, hurgando en la historia, tiene visos muy reales: el escritor y guionista Rhidian Brook se inspiró en una historia de su abuelo: William Brook, coronel de la fuerza inglesia, fue enviado a Hamburgo apenas terminó la Segunda Guerra Mundial para colaborar en la reconstrucción (la ciudad había quedado destruida por los bombardeos de los aliados). Allí se le dio una casa que tenía como dueños a una pareja de alemanes. Brook les permitió quedarse e iniciaron una relación amigable.

En el caso del film, sucede lo mismo. El coronel Lewis, inglés (encarnado por el australiano Jason Clarke), es enviado a Hamburgo y, poco después, se suma su esposa, Rachael (Keira Knightley) desde Inglaterra. Le dan una mansión en las afueras de Hamburgo, en la que vive un arquitecto alemán junto a su hija, viudo dado que su esposa falleció bajo el bombardeo aliado. La incomodidad de Rachael ante la presencia alemana es inocultable. Es quizás en estas secuencias, muy lentas y detalladas, donde el director James Kent hace pie. Knightley siempre es fascinante como mujer y como actriz.

El alemán Lubert está encarnado por el sueco Alexander Skarsgard, intrigante y merodeador de la inquilina a la que ha debido darle su mansión. Lewis, en cambio, está muy ocupado por las revueltas en la calle contra las tropas inglesas y la hambruna. Los ataques son constantes así como los ingleses fusilan a  los alemanes a quemarropa de la misma manera que los Nazis.

Si se quiso mostrar que ni vencedores ni vencidos fueron justos, se logró ampliamente. Lo que no está logrado es la relación entre Rachael y Lubert, muy esquemática: más que pasión, los personajes parecen unidos por las circunstancias, la soledad de cada uno de ellos, y los recuerdos dolorosos. Lubert está viudo y Rachael y su marido perdieron a su único hijo. El realizador Kent sigue pasos previsibles en estas historias controvertidas y humanas también. Gary Cooper Y Audrey Hepburn son los únicos que pudieron abordar un tren en movimiento fascinando a la audiencia por el carisma que transmitieron. Estamos frente a un gran fiasco amoroso en un melodrama que cuenta con una reconstrucción de época (Hamburgo en 1945) estupenda. Algo de tensión, mucho arte en producción y poco amor. Se tolera.

Elsa Bragato

 

LA ÚLTIMA LOCURA DE LA SEÑORA DARLING

De Julie Bertucelli. Con Catherine Denueve, Chiara Mastroianni, Alice Taglioni, Samir Guesmi, entre otros. Fotografía de Irina Lubtchansky. Guión de Bertucello, Fillieres, Doussot, Desert, sobre la novela de Lynda Rutledge (Fatih Bass Darling s Last Garage Sale). Duración: 94 minutos.

XXXXX-GRAN ACTUACIÓN DE CATHERINE DENEUVE  +

Ternura y sinceridad hay en este típico guion francés, tomado de la novela homónica de Lynda Rutledge, con diálogos sobre la vida y la muerte tratados sin dramatismo, cotidianos pero punzantes. Catherine Deneuve encarna a una mujer mayor que padece de olvidos benignos seniles. Un buen día decide poner en venta sus preciados tesoros (autómatas de comienzos del siglo XX, relojes muy antiguos, muebles de sus abuelos) en el jardín frente a su mansión, ubicada en Verderonne, un pueblo de Oisé, cercano a la ciudad de París. Todo lo vende por nada, por dos o tres euros o, como sumo, 20. Les da un valor pecuniario para que la gente piense en que adquirió una “ganga afectiva”. Todo tiene un porqué: no ve desde hace 20 años a su hija Marie, un hijo ha fallecido, está sola, y ha decidido que ése es el último día de su vida. Quiere saber qué hay en el más allá, siente que Dios se lo dijo y por ello convoca al párroco del pueblo, Georges, a quien le pide un exorcismo. Quiere morir en paz. Aunque nada hace pensar que, aunque mayor, se vaya a morir.

El rostro de Deneuve, considerada la “imagen” del cine francés, tanto como Brigitte Bardot, tiene una gestualidad asombrosa para mostrarnos que esa mujer padece de olvidos, que no recuerda sino al rato el rostro de los vecinos que se acercan a comprar y que tiene recuerdos vívidos de toda su vida.

En este sentido, hay que resaltar el trabajo de Alicia Taglioni, con una impronta física muy parecida a Catherine Deneuve, quien la encarna en su juventud. El pasado tiene culpas y poco perdón. Claire Darling se siente sumida en un mundo que ya no acepta: su marido y su hijo están “del otro lado”. Claire quiere partir. Pero llega su hija Marie, encarnada por el retrato viviente del gran Marcello Mastroianni: su hija Chiara, fruto de su unión con Deneuve. Así como son madre e hija en la vida real, Catherine y Chiara son madre e hija en la ficción, nada más real, más sentido, más emotivo que verlas actuar juntas.

Sublime actuación de Deneuve, emotiva y profesional Chiara Mastroianni, un binomio que da profundo placer verlo actuar. Juntas, en la vida real y en la ficción. Muy buena película a pesar del convencional final con una fotografía que solo con un artilugio de color va al pasado en un presente vívido de ambas protagonistas mujeres.

Elsa Bragato

 

HOJAS VERDES DE OTOÑO

De Fabio Junco y Julio Midú. Con Mimí Ardú, Osvaldo Santoro, Marcelo Subiotto, el debut de Bautista Midú, entre otros. Guion de Junco y Midú. Música de Pablo Fullerat. Duración: 104 minutos.

XXXXX- INTENSO DRAMA FAMILIAR

El “Cine con vecinos” es un polo creativo que surgió en Saladillo para el cine y la televisión. Fabio Junco y Julio Midú han sido los pilares de este movimiento cultural que involucra a toda una comunidad. En “Hojas verdes de Otoño”, el drama de un matrimonio desavenido (Mimí Ardú y Marcelo Subiotto) por el alcoholismo y la infidelidad de él, dos hijos varones que encuentran consuelo en los abuelos (Osvaldo Santoro y Pochi Ducasse), y la cotidianeidad sin esperanza alguna, son los elementos fundamentales de una trama que conmueve.

Todo el peso de la existencia sobre sí lo tiene Dante, encarnado por el jovencito Bautista Midú cuya vida tiene una pequeña luz de esperanza: el amor de la compañera chica del colegio que pareciera escurrírsele. El resto de su tiempo es hacerse cargo de su padre, de su madre, querer salir de un círculo que lo asfixia y que, sin embargo, enfrenta buscándole alguna solución.

La vida dura de todos los días, la carencia de estímulos para grandes y chicos, son las características de esta familia en particular. En ella, Junco y Midú retratan la desolación de sociedades alejadas del centro neurálgico de la acción. Cada personaje tiene su verdad, su dolor, su frustración y apenas la esperanza que, en Dante, es mayor: la chica de sus sueños.

El relato conmueve profundamente: esa ausencia del mañana, de futuro, ese estar en un presente árido, marcan el ritmo narrativo. En lo formal, la fotografía tiene fuerza, siendo una protagonista más para hilvanar la historia propuesta. En cuando a la música, resulta un desatino la canción en inglés del final cuando se está hurgando nuestras propias entrañas.

Elsa Bragato

 

LUCHANDO CON MI FAMILIA

De Stephern Marchand. Con Florence Pugh, Vince Vaughn, Dwayne Johnson, Nick Frost, entre otros. Fotografía de Remi Adefarasin. Música de Vik Sharma. Duración: 108 minutos.

 

XXXXX-HISTORIA REAL SOBRE UNA LUCHADORA INGLESA

Es tan verosímil que, aún siendo más que convencional, atrapa y agrada. La biografía de Saraya-Jade Bevis, oriunda de Nortwich, Inglaterra, quien acaba de abandonar la lucha libre, muestra la vida cotidiana de toda una familia dedicada a la lucha libre: desde el padre que salió de la cárcel y encontró en esta actividad su redención hasta la más jovencita, Saraya, que es entrenada por su hermano mayor Zac. Ambos sueñan con llegar a Estados Unidos y pertenecer a la WWE. Zac es rechazado, forma su hogar, y Saraya, que se llamará de ahora en más Paige o Britani Knight, se enfrentará en el campo de entrenamiento ubicado en La Florida a situaciones límites que la harán volver sobre sus decisiones. La fiereza por celos de su hermano Zac le mostrará dónde está su real camino.

Dwayne Johnson hace de sí mismo, comenzó su carrera como forzudo de lucha libre al mejor estilo del recordado Karadagián, hasta llegar al cine. Vince Vaught, actor de comedias y teatro, es el entrenador que no admite debilidades ni modales “a lo british”. Las mujeres que se entrenan no son “féminas” sino cuerpos humanos tratados como soldados que van a la guerra.

En estas idas y venidas de rings, de la familia que espera a Paige, del bullying por su aspecto “dark”, y de entrenamientos agotadores, la historia entretiene sin que la atención decaiga, su mayor logro. Sin vueltas de guion ni complicaciones efectistas, “Luchando con la familia” cumple exactamente lo que pregona: la vida de una joven mujer que se gana la vida en la lucha libre y además participa de los torneos familiares en su “freak” Nortwick. Florence Pugh es una muy joven actriz inglesa que da vida a Saraya.Jade Bevis bajo su supervisión. Sus dos hermanos, su cuñada, su pequeño sobrino, y sus padres conforman el mundo que quiere y al que ayuda con su trabajo. Muy interesante propuesta, más allá de los clishés. La actuación de Florence Pugh nos hace perdonar todo!

Elsa Bragato

 

AFTER

Dirección: Jenny Gage. Basado en la saga ‘After’ de la escritora estadounidense Anna Todd. Con Hero Fiennes Tiffin, Josephine Langford, Selma Blair, Jennifer Beals, Peter Gallagher, Meadow Williams, entre otros. Música: Justin Caine Burner. Fotografía: Tom Betterton.                                                     Duración: 100 minutos.

 

XXXXX-PARA CHICOS DEL NUEVO MILENIO

Anna Todd es una joven escritora estadounidense que, con 30 años, conoce el descomunal éxito de una “app online” llamada Wattpad, con más de mil millones de lecturas. “After” es, hoy en día, una saga de cinco libros, con récords de venta a nivel internacional. Todd es, entonces, la nueva escritora de la “fan fiction”. Pero no quedó en el iniciático FanFic de One Direction sino que ‘After, aquí empieza todo” alcanzó la pantalla grande dando así el puntapié inicial para que pronto se le sumen las cuatro restantes novelas (En mil pedazos, Almas perdidas, Amor infinito, Antes de ella). La escritora responde a los tips de los jóvenes actuales: se inspiró en el grupo One Direction cuando creaba imágenes punk editando fotos donde se veía a sus integrantes con muchos tatuajes. Este impulso quasi “musical” le permitió a Anne Todd iniciar su “fanfic online”.

En sí, esta película es un viaje de autodescubrimiento y del despertar sexual de la joven estudiante Tessa Young (Josephine Langford) quien ingresa en la universidad para estudiar economía. Su madre (Selma Blair) hizo un gran esfuerzo para que su única hija pueda tener el ansiado título universitario. Durante el primer año conoce a Hardin Scott (Hero Fiennes Tiffin), misterioso joven de oscuro pasado. Los jóvenes tienen un comienzo de choques, vienen de mundos diferentes, y solo al enfrentarse en difíciles pruebas sentirán la necesidad del descubrimiento sexual y del amor por el otro. La realizadora y escritora Jenny Gage crea una atmósfera almibarada aún dentro de las premisas actuales de la vida “online”. Desde ya que la película está destinada a los adolescentes, y a los jóvenes no mayores de 20 años, impulsivos, con vida estudiantil y de “after hours”, amores sorpresivos y desencantos por igual. Prohibido mirar con ojos adultos esta singular historia del siglo XXI!

Carlos Pierre

 

JUEVES 4 DE ABRIL DEL 2019.-

Tres estrenos muy potables llegan a las salas de cine de todo el país. El nuevo “niño rebelde” “Shazham”, “Cementerio de Mascotas” y “4 X 4”, la nacional con Peter Lanzani en otro gran rol.

 

CEMENTERIO DE ANIMALES

De Kevin Kolsch y Dennis Widmyer. Con Jason Clarke, John Lithgow, Amy Seimetz, entre otros. Fotografía de Laurie Rose. Edición de Sarah Broshar. Guion basado en la novela de Stephen King. Duración: 101 minutos.

XXXXX-MASCOTAS EN PIE DE GUERRA

Tres décadas después regresa la terrorífica historia de las mascotas enterradas en un cementerio que, un tanto cercano a la zona residencial, hace temblar, y algo más…, al vecindario. Basada en la novela de Stephen King, que llamara “Pet Sematary”, vocablo que contiene errores pero que así fue editado.

En el film de Mary Lambert, especialista en videos musicales (los principales de Madonna), de 1989, la familia Creed viviría circunstancias muy especiales y dolorosas, con una invocación al “revivir” que sería fatal. A diferencia del libro de Stephen King de 1983, el final de la película no fue abierto. En el caso de la actual versión, dos directores dan el gran salto en el cine de género: Kolsch y Widmyer se basan en la novela original pero se apartan del efectivismo del terror actual. El terror surge a partir del trabajo narrativo, la creación de atmósferas, la solidez en la dirección actoral, descollando nuesto conocido John Lithgow. No ocupa la pantalla pero dará que hablar…

Las mascotas se transforman en nuestra conciencia: los temores más densos están personificadas en ellas; “Church” sobresale y sobresalta. Y nada más porque haríamos “spoiler”. Para fans.

Elsa Bragato

 

4x4

Dirección: Mariano Cohn. Guion: Mariano Cohn y Gastón Duprat. Fotografía: Kiko de la Rica. Supervisor de Sonido: Oriol Tarragó. Diseño de Sonido: Albert Ribas. Música: Dante Spinetta. Duración: 90 minutos. Argentina-España. Con Peter Lanzani, Dady Brieva, Luis Brandoni, entre otros.

XXXXX-THRILLER CON BAJADA DE LÍNEA

La historia se desarrolla en una calle de barrio de Buenos Aires muy poco transitada donde está estacionada una lujosa y moderna 4x4. “Ciro” (Peter Lanzani) es un ladronzuelo que una vez más sabe cómo ingresar a ese vehículo. Pero esta vez no podrá salir. El doctor “Enrique Ferrari” (Dady Brieva) es su dueño y pergeñó un plan para darle un gran escarmiento al ladrón. Es un plan sofisticado que enloquecerá aún más a “Ciro” que el propio encierro. Para “Ferrari” no hay nada que perder: solo le queda un año de vida.

El trabajo de Peter Lanzani, martirizado ladronzuelo, es superlativo. Tiene notables exigencias actorales que cubre con solvencia y profesionalismo. El film, en sí mismo, es claustrofóbico en primera instancia, horas dentro de una amplia camioneta, hambre, sed. Agobio, falta de aire, el ser humano expuesto a sí mismo sin ninguna ayuda. Tampoco es una novedad el tema (recordemos, entre otros films, “127 horas”, del 2010). Se valora la elección del trío protagonista así como el diseño de producción y de arte, así como la supervisión de sonido y de la fotografía: dirección de Mariano Cohn (El hombre de al lado), fotografía de Kiko de la Rica (La comunidad) y sonido de Priol Tarragó (El orfanato).

Respecto del fondo, los subtemas subliminales son demasiados, convocando a posiciones encontradas sobre la inseguridad y las diferencias socioeconómicas. Por eso resulta muy polémico el producto final: la contraposición de opiniones supuestas de una sociedad sobre los temas que se exponen abren un debate superficial dado que nadie puede resolverlos. La bajada de línea está. 

Carlos Pierre

 

SHAZAM!

De David F Sandberg. Con Zachary Levi, Asher Angel, Jack Dylan Grazer, Mark Strong, Grace Fulton, Michelle Borth, Adam Brody, Ava Preston, entre muchos otros.  Fotografía de Maxime Alexandre. Música de Benjamín Wallfisch. Duración: 132 minutos.

XXXXX-GRANDOTE CON CORAZÓN DE PIBE

A DC le llegó su “Deadpool”, es decir, este superhéroe de Fox ahora tiene su émulo, en alguna medida, en Shazam, de Warner-DC, entretenida historia que llega al cine luego de un glorioso pasado en cómics y alguna que otra serie de TV. Un niño de 14 años llamado Billy Butson (Asher Angel) suele gritar la palabra “Shazam” y, gracias al regalo de un mago, se transforma en un superhéroe adulto (Zachary Levi) con capacidad para realizar todo lo inimaginable que uno quiere. O sueña. Aún con cuerpo adulto, y muy atractivo porte, el corazón del superhéroe sigue siendo el del niño de 14 años por lo que se une de manera muy lograda la ingenuidad del adolescente con la fuerza del adulto. “Shazam”, como tal, quiere llevar al límite sus  posibilidades entre divertido y asombrado por sus poderes. Le espera un serio enfrentamiento con el mal, encarnado por el doctor Thaddeus Sivana (Mark Strong).

Recordemos que el personaje fue creado en 1939 y que ya atraía a los pibes desde 1940 a través de los cómics de entonces. Se sumó a Flash Gordon (1934) y Superman (creado en 1932). Todos tenían el espíritu ganador que se requería luego de la Primera Guerra Mundial y con algunos avisos certeros sobre la Segunda.

Volviendo al film, su secreto está en la agilidad de la historia luego de las primeras secuencias. Luego se agiliza hasta regalar una serie de secuencias ligeras, atrevidas y divertidas. Sin hincar el diente en la psicología del personaje, innecesario a los fines buscados, David F. Sandberg logra una película con un personaje desbordante que puede ser el nuevo superhéroe de chicos y grandes en el cine. Aún con puerilidad, Shazam atrapa por el artificio logrado con tecnología e ingenio: el paso de “Billy” a “Shazam” es imperceptible por lo que nos creemos desde el vamos la conversión del personaje! Y… no se vayan de la sala porque hay algo más luego de los créditos!!!!!!

Elsa Bragato

 

1)      Van Gogh en la puerta de la eternidad, de Julian Schnabel. Con Willem Dafoe, Rupert Friend. Oscar Isaac.

Trailer

https://youtu.be/hYxfgqiQ68Q

“Casual y cautivadora… Una biopic celebratoria que fluye intuitivamente, una película que es omo un girasol que estalla”, de Own Gleiberman, Variety.

“Sumerge al espectador en la mente atormentada de su sujeto, gracias en gran parte a la intensidad febril que aporta Dafoe al papel”, de David Rooney, The Hollywood Reporter.

 

PALAU

De Kevin Knoblock. Con Gastón Pauls, Santiago Achaga, Michel Nocher, Agustín Amoedo, Alexandra Bard, entre otros. Fotografía de Dan Rubottom. Música de Iván Gutiérrez Carrasquillo. Duración: 130 minutos.

XXXXX- BIOPIC DE UN LÍDER ARGENTINO-NORTEAMERICANO

“Palau” revela a la mayoría de nosotros que el evangelizador Luis Palau nació cerca de la Ciudad de Buenos Aires, en Ingeniero Maschwitz, y siendo muy joven se radicó en los Estados Unidos donde siguió los pasos de Billy Graham, a quien admiró. Es considerado el evangelizador más poderoso del mundo por haber llegado a millones de personas en casi 100 países a través de sus “Festivales Palau”. Se casó en 1961 con la norteamericana Patricia Scofield, con quien tuvo cuatro hijos. Se radicó desde el comienzo en Oregon, donde continúa viviendo junto a su mujer y su familia.

Luis Palau colaboró en este film con su voz en off en algunas secuencias y también con un mensaje cristiano en el final. Esto determina el target de su público: no es un film para todos sino para aquellos que son cristianos, prima facie. Lo más logrado es la fotografía de Dan Rubottom, virada al sepia, con una iluminación excelente que envuelve a todos. El diseño de arte también es otro logro. La película es hablada en castellano y en inglés y está filmada en casonas de gran lujo.

Gastón Paul, con ultramaquillaje para transformarlo en un joven adulto, habla fluidamente inglés, resulta creíble. Por momentos, hay secuencias que, aunque vagamente, nos recuerdan a “Milk” con el gran Sean Penn, especialmente cuando Palau da su primera conferencia internacional en 1966 en Bogotá, Colombia. Michel Noher es otro de nuestros conocidos en un rol secundario que no le permite desarrollo actoral. El resto del elenco, entre actores extranjeros y nacionales, resulta muy impostado en sus parlamentos, siendo éstos declamativos y pueriles. A mitad de la narración, ésta se transforma en decididamente religiosa, perdiendo la línea biográfica inicial. Decae el protagónico perdiendo el clima intimista alcanzado. La película sigue decididamente la línea política de Ronald Reagan y de George W. Bush.

Elsa Bragato

 

CHACO

De Daniele Incalcaterra y Fausta Quattrini. Documental sobre el Chaco Paraguayo, continuación de “El impenetrable”, 2012. Duración: 111 minutos. Argentina-Italia.

XXXXX- INTENSO THRILLER DOCUMENTAL SOBRE LA NATURALEZA Y SUS DERECHOS

El director Daniel Incalcaterra y su esposa, la suiza Fausta Quattini, continúan a manera de thriller con la historia de “El impenetrable”, del que van quedando pocas hectáreas. Incalcaterra heredó 5000 hectáreas del Chaco paraguayo de su padre, un rectángulo en medio de tierras arrasadas por los dueños de la soja. La tierra heredada fue revendida a sus espaldas durante la dictadura de Stroessner a un uruguayo, Tranquilo Favero, quien ha desterrado a los aborígenes, en este caso los guaraníes Ñandevas, mientras inicia una deforestación con la consiguiente muerte de flora y fauna silvestre. La desesperación de Incalcaterra lo lleva a filmar los pasos legales que fue dando a lo largo de años. En principio, y con cierta ingenuidad sobre la corrupción d e los gobiernos latinoamericanos, logró un decreto del ex presidente del Paraguay Lugo en el que le da el status de Reserva Ecológica con el nombre Arcadia a ese rectángulo de vida natural. Sin embargo, no será respetado ese decreto sino bloqueado.

Los pasos siguientes son agotadores: Incalcaterra tiene el consejo vía Skype de su hermano, Amerigo, para quien la cuestión es más simple: hay que plantar soja o bien cederle a los aborígenes el título de propiedad. La situación es muy difícil. El Estado va cercando a las poblaciones autóctonas conforme se lo piden los terratenientes. Incalcaterra se reúne con fiscales, especialistas en medioambiente, autoridades paraguayas de diversos organismos, y hasta con el ex presidente Lugo, con el fin de lograr un “desbloqueo” de aquel primer decreto y salvar esas hectáreas, cuyo valor es de 2000 dólares anuales cada una.

Hay mucha poesía en la narración a pesar de mostrar los avances policiales y los mitines de los Ñandevas: los “close up” de ramas, flores, araña tejiendo su tela, brotes, en una suerte de 3 D, otorgan al relato el marco referencial, escenográfico, que necesita. Es ese mundo verde, pleno de vida, el que se quiere aniquilar por razones económicas de unos pocos. Hasta el Papa Francisco hizo un llamado al mundo en su discurso final durante su estada en el Paraguay sobre el derecho de los aborígenes y de la naturaleza a permanecer como están por formar parte del universo y no del derecho “global” que se impone por intereses. Excelente. No se lo pierdan.

Elsa Bragato

 

JUEVES 28 DE MARZO DEL 2019.-

Como todos los jueves, hay varios estrenos nacionales; muchos de ellos van directamente a las salas de exhibición. Rescatamos que en cartelera aparecen dos actores nacionales de envergadura: Gastón Pauls y Pablo Echarri. Presentamos comentarios propios y de colegas internacionales de los films confirmados en forma fehaciente a esta sección.

 

DUMBO

Dirección: Tim Burton. Guion: Ehren Kruger. Fotografía: Ben Davis. Montaje: Chris Lebenzon. Vestuario: Colleen Atwood. Con: Colin Farrell, Eva Green, Michael Keaton, Danny De Vito, Alan Arkin,  Nico Parker, Finley Hobbins, Sharon Rooney, Deobia Oparei, entre otros. Música: Danny Elfman. Duración: 120 minutos.

XXXXX-EMOTIVA REMAKE DE UN ENCANTADOR “OREJUDO”!

Un jalón en la historia de los dibujos animados fue la historia de “Dumbo”, un elefante recién nacido de orejas enormes que vivía en un circo muy pobre, luego de la Primera Guerra Mundial. Walt Disney, maestro de la animación, tomó la historia y la transformó en film animado en 1941, imprimiéndole una superlativa emotividad. Más de siete décadas después, el realizador “rebelde” Tim Burton es convocado para la remake de la historia, esta vez con elenco de carne y hueso, tal como viene haciendo la empresa Disney con sus animaciones más famosas (recordar La Cenicienta). Añadimos que Tim Burton es un gran dibujante que inició su carrera a finales de los 70 en la empresa Disney.

Por sobre la historia de Dumbo, tan emotiva, se rescatan diferencias con la original de Walt Disney de tan solo 64 minutos de duración, es decir, lo mínimo indispensable para ser un largometraje. Burton toma 120 minutos para su narración, donde se añaden la parafernalia tecnológica actual y la superproducción, léase inversión. El elenco es convocante: Colin Farrell encarna al legendario domador de caballos, Danny de Vito es el dueño del circo; Michael Keaton, el cruel empresario, mientras que Eva Green es la trapecista francesa, Alan Arkin compone al magnate de Wall Street, y los niños actores Nico Parker y Finley Hobbins completan los rubros protagónicos. Dumbo surge a partir de la unión de tomas de elefantitos reales y procesos de computación, una mixtura de resultado maravilloso.

La propuesta de Tim Burton es clásica, dotada de una enorme emotividad. Desde el bullying que sufre el elefante bebé por tener orejas insólitamente grandes hasta la separación traumática de su mamá. Pero el objetivo del film se cumple en secuencias fundamentales, diferentes a las originales, que no podemos revelar. Y que incluyen a esta remake dentro de los parámetros de vida actuales, que intentan ser menos crueles.

La banda sonora está a cargo de Danny Elfman, un compositor muy requerido por la empresa Walt Disney, quien tiene una paleta instrumental brillante, coronada por sugerentes coros. La incidencia musical apoya sustantivamente el relato, junto a la estupenda recreación de época. Dumbo está de regreso en una versión inolvidable!!!!!

Carlos Pierre

 

 

LA REBELIÓN

Dirección: Rupert Wyatt. Fotografía: Alex Disenhof. Guion: Erica Beeney y Rupert Wyatt. Con John Goodman, Ashton Sanders, Vera Farmiga, Madeline Brewer, entre otros. Música: Rob Simonsen. Duración: 109 minutos.

XXXXX-FALLIDO INTENTO DE CIENCIA FICCIÓN

La historia se ubica en un barrio de Chicago, zona cautiva desde hace 10 años por una fuerza extraterrestre. Los habitantes están divididos en sus opiniones: la mayoría colabora con esta suerte de estado de sitio, mientras que el resto, un puñado de disidentes, quieren liberar al mundo de esos insectos amorfos. No se discuten las buenas ideas que tiene el guion pero son tantas que confunden. Tampoco se discute la audacia de mezclar ciencia ficción y thriller. Pero… carece de definición formal y de fondo. Los insectos alienígenas casi no aparecen, no horrorizan!, por lo que se produce una extraña mixtura que frustra el producto final: nada de lo expuesto alcanza para conformar una acabada película de ciencia ficción. Híbrido intento de inquietarnos a través de algo diferente que, en definitiva, no lo es.

Carlos Pierre

 

 

LAS DOS REINAS

De Josie Rourke. Con Saoirse Ronan, Margot Robbie, Joe Alwyn, Jack Lowden, entre otros. Fotografía de John Mathieson. Música de Max Richter. Duración: 124 minutos. Reino Unido.

XXXXX-LA REINA QUE SE SENTÍA HOMBRE Y SU BELLA PRIMA ESCOCESA

La historia de las reinas británicas está interesando al séptimo arte. “La favorita” nos enfrentó a una sofisticada versión de la biografía de Ana Estuardo, sucesora de María Estuardo sobre quien trata esta película dirigida por Josie Rourke.

La película nos lleva al siglo XVII, cuando María Stuart (Estuardo) se enfrenta a su prima, Isabel I, última representante de la casa Tudor, que originó el llamado “período isabelino” por el mecenazgo a las artes. William Shakesperare, Christophe Marlowe, entre otros, desfilaron por este reinado. La narración no pasa de ser un melodrama romántico basado especialmente en las decisiones amorosas de cada reina más que en los violentos períodos que se vivían.

María llega de Francia a Escocia, donde nació dentro de la fe católica. Quiere recuperar su trono enfrentando a su prima, Isabel, que reina bajo la fe anglicana. Ambas mujeres tratarán de engañarse mutuamente con “enviados amorosos”. Isabel será la reina “virgen”, sin descendencia, mientras que María logrará tener un hijo de un hombre que la traicionará. Hay secuencias de asesinatos realmente feroces, impactantes, así como escenas de sexo muy extensas aunque sugeridas.

Si hablamos del “empoderamiento femenino”, tal como se muestra, lo que vemos es atentatorio contra el mismo porque las dos mujeres en pugna sucumbieron a sus instintos y sus asesores, si bien en la lucha Isabel I logró subsistir durante 45 años en el reinado. Bajo su lema: “Me siento más hombre que mujer”:.  La fotografía de exteriores, ceñida a locaciones muy específicas de Escocia, le da aire a un film que se maneja preferentemente en cuartos alumbrados por velas. Hay maestría en estas secuencias, con cierto dejo al gran Rembrandt. Pero es la historia la que no crece, la que no logra vuelo, la que permanece en esta rencilla femenina de amores, hijos y traiciones palaciegas, teñidas de erotismo no virtuoso. La realización no va de la mano con el guion, atado a convenciones.

Elsa Bragato

 

 

CANDOMBEROS DE DOS ORILLAS

De Ernesto Gut. Documental sobre el candombe uruguayo y su traslado a Buenos Aires.

XXXXX-HACEDORES RIOPLATENSES DEL CANDOMBE

Fantástico documental sobre el candombe y sus raíces tanto en el Uruguay como en nuestro país. Claro está, mientras que en el país hermano tiene vigencia en los carnavales, en las denominadas “Llamadas” y en murgas centenarias, en Buenos Aires se ha perdido hace mucho tiempo el sentido de esta fiesta mundial, que tiene grandes exponentes en Venecia y en el Brasil, así como en las provincias de Corrientes, Entre Ríos y San Luis, con notables comparsas.

Ernesto Gut busca a los afrodescendientes uruguayos que anclaron en La Boca durante los 70 escapando a la represión de la dictadura militar. Han mantenido la tradición de los tambores, se reúnen para relatar sus vidas y experiencias, arman murgas que, en ese barrio porteño, tienen gran trascendencia social. Hay otra parte del documental que busca, en Montevideo, a los representantes actuales del candombe y los tamboriles. Los testimonios en una y otra ciudad son valiosísimos: así conocemos a Fernando ‘Lobo’ Núñez, luthier de tambores que explica cómo se hacen: antes, con los barriles de las productoras de vino. Hoy con tablones de madera a los que hay que saber “arquear”. Muchas son las figuras invitadas: Chabela Ramírez, José Perico Gularte, Juan Prieto, Ricardo Montoro, entre muchos otros. El valor de este documental también reside en la inclusión de films de la época y en la técnica de “fotos en movimiento”, que permitió recuperar escenas del conventillo Medio Mundo, por ejemplo.

Gran trabajo de rescate histórico realizaron Ernesto Gut y su equipo. Vale la pena difundir este material por su valor sociocultural. No se lo pierda!

Elsa Bragato

 

 

EL KIOSKO

De Pablo González Pérez. Con Pablo Echarri, Roly Serrano, Georgina Barbarossa, Mario Alarcón, entre otros. Fotografía de Emiliano Penelas. Música de Carlos Ramírez Mendoza. Duración: 94 minutos.

XXXXX-CON LA SOGA AL CUELLO

En verdad, este relato lineal que ofrece Pablo González Pérez se ajusta a la realidad actual de la mayoría de los argentinos que tienen un pequeño negocio. No se pueden pagar las deudas, no se vende, y, si para colmo se cierra la calle donde está ubicado el pequeño negocio barrial para hacer un túnel, la vida comercial muere literalmente para los negociantes durante todo el tiempo que dure la obra. En esta situación se ve “Mariano”, el personaje de Pablo Echarri quien regresa a la pantalla grande con otro papel en el que es más que solvente pero dentro de un guion chato, aunque tenga una prolija realización. La suegra está encarnada por Georgina Barbarossa, con muchos tics televisivos pero, en verdad, sólida y creíble como siempre, mientras que el vendedor del kiosco es Mario Alarcón, muy bien en su rol, y el amigo cercano de Mariano es el dueño de la pizzería cercana, que Roly Serrano despliega como nadie, con simpatía y picardía.

Es decir, el elenco carga con el peso de una historia que no ofrece mucho más a nivel cinematográfico. Como siempre, los guiones pueden resultar interesantes, pero, sin duda alguna, hay falta de clima, de una atmósfera que altere un poco el orden de las secuencias pero nos meta de una en una historia con algo de thriller.

Elsa Bragato

 

 

LA GUARIDA DEL LOBO

Guion y dirección de Alex Tossenberger. Con Gastón Pauls, José Luis Gioia y Víctor Laplace, entre otros. Fotografía de Mariano Cúneo. Música de Diego Sánchez. Duración: 93 minutos.

XXXXX-INTENSO WESTERN PATAGÓNICO

Una estrellita más le ponemos a “La guarida del lobo”, filmada en Ushuaia y Tierra del Fuego, en general. El lugar permite una fotografía imponente que genera un clima intenso, lúgubre por momentos, y siniestro en otros. José Luis Gioia, “Toco”, en otro gran papel de su carrera, encarna al viejo que vive en soledad cuidando de sus perros de trineo y que, un buen día, salva a un joven, Vicente (Gastón Pauls) accidentado en el congelado bosque. Toco no quiere vender las 10,000 hectáreas que posee porque allí murió su esposa y allí quiere morir él junto a sus perros. Pero hay un merodeador, que encarna un sólido Víctor Laplace, que no lo deja en paz porque esas tierras las quiere tener para sí.

En todo el transcurso de la narración, muy bien filmada aún en interiores, los diálogos son creíbles y van generando, en su aparente simpleza, la sensación de que algo debe pasar. El thriller se avecina y será muy fuerte.

Buena película, interesante, donde nadie es lo que aparenta. Resaltamos la madurez actoral de Gastón Pauls, a quien no veíamos desde hace tiempo en un papel tan jugado. Muy interesante propuesta.

ELSA BRAGATO

 

Están previstos también los estrenos de “Belmonte”, coproducción Uruguay-España, que filmó Federico Veiroj y “Los papeles de Aspern”, de Julien Landais, del Reino Unido, film de época, basada en la novela corta de Henry James.

 

 

JUEVES 21 DE MARZO DEL 2019.-

Pocos estrenos en relación a otros jueves. Destacamos el film “Un ladrón de estilo” que marca el retiro de las pantallas de un galán y actor como Robert Redford, uno de los más importantes difusores del cine independiente a partir de la creación del Sundance Festival en la década del 70, y “Nosotros”, de Jordan Peele, un film de terror no convencional. Se anuncia también el reestreno de “Batman”. Los cambios en la programación exceden a quienes firman esta sección y al sitio Actoresonline.com

 

UN LADRÓN CON ESTILO

Dirección: David Lowery. Guion: David Lowery y David Grann. Con Robert Redford, Sissy Spacek, Casey Affleck, Danny Glover, Tika Sumpter, Elisabeth Moss, entre otros. Fotografía: Joe Anderson. Música: Daniel Hart. Duración: 93 minutos.

XXXXX- EXCELENCIA EN LA DESPEDIDA DE ROBERT REDFORD

Más que acertada elección de Robert Redford como protagonista y productor de “Un ladrón con estilo”, basada en la historia real de Forrest Tucker, singular ladrón de bancos que pasó la mayor parte de su vida en la cárcel e intentando escapar de ella, entre otras, la de San Quintín, situada en medio de un mar surcado por tiburones en la bahía de San Francisco. De hecho, logró fugarse en 18 ocasiones cometiendo su último atraco en el año 2000 cuando tenía 80 años (Redford tiene 82).

Con su andar cansino y aplomado, con el rostro surcado por arrugas, Robert Redford decidió retirarse de su rutilante trayectoria cinematográfica componiendo a un ladrón con “estilo”, un “otro yo” que le va al dedillo. Resulta fascinante la química que establece con la actriz Sissy Spacek para dar vida a una relación amorosa fascinante, con pausas sugerentes con dinámica emotiva, especial, de dos enormes profesionales. El elenco es uno de los plus de este film, incluyendo a Casey Affleck como el detective que le sigue los pasos y a Danny Glover como el ayudante de los atracos.

La narración planteada por Lowery cabalga entre la persecución policial y el amor entre los protagonistas, derrocha clima fascinante, atrapante. La elegancia y el encanto de Redford para organizar sus “trabajos”, en los que solo mostraba el arma en forma subrepticia, subyuga en forma inmediata. Es una de esas despedidas que se tornan en tristes en forma inmediata. Se tiene la impresión de que el director y actor podía trabajar mucho tiempo más como sus más reconocidos colegas, Clint Eastwood por ejemplo. De todas maneras, “The old man y the gun” es un cierre de carrera estupendo, hay excelencia actoral y refinada estética cinematográfica, incluyendo la música incidental de Daniel Hart quien, con un ensemble de cuerdas, apoya adecuadamente las secuencias. Robert Redford ha cosechado premios y nominaciones de los Oscars y Globos de Oro, ha sido reconocido internacionalmente como un gran ecologista y un estupendo maestro de cine.

Carlos Pierre

 

NOSOTROS (US)

De Jordan Peele. Con Lupita Nyong’o, Elizabeth Moss, Winston Duke, Tim Herdecker, Yahya Abdul-Mateen II, Anna Diop. Música de Michael Abels. Fotografía de Mike Gioulakis. Duración: 120 minutos.

XXXXX-AMPULOSO RELATO SANGRIENTO

Tremendo y sorpresivo viraje al “gore” de este segundo largometraje de Jordan Peele, quien ganara el Oscar en el 2018 por “mejor guion original” (“Huye”). Lupita Nyong’o, también “oscarizada” como “mejor actriz de reparto” en el 2014 por “12 años de esclavitud”, encarna a una madre, Adelaida Wilson, que padeció un hecho paranormal en su niñez y siente que la persigue. Está casada, tiene dos hijos pequeños, y vive sobresaltada por “algo” que pronto se corporizará: los “otros yo” de los seres humanos, o sea, las “sombras” de cada uno de nosotros, “linkeadas” a nuestros cuerpos. Estas sombras deciden liberarse y allí comienza una brutal narración sangrienta, que no deja respiro alguno.

Jordan Peele marca la diferencia en las películas de género. El terror a partir del horror está en nosotros mismos, las miserias espirituales nos condenan, desde la prepotencia racial hasta la discriminación. Hay muchos guiños a otros géneros que atenúan la tensión y algunas extravagancias visuales muy expresionistas, para algunos “pop”, que no aportan nada al conflicto.

La narración se torna ágil a partir de la dramaticidad que impone la violencia en una suerte de espiral que no da tregua desde los 45 minutos de película hasta el final. En una de las escenas finales de asesinato (la protagoniza Lupita Nyong’o como “Adelaida” y su “sombra”), la muerte en medio de un baño de sangre impresiona profundamente al estar filmada en detalle, aunque se trate de ficción (una secuencia de las más logradas desde la sangrienta y notable “Taxi driver”). De todas maneras, Jordan Peele aporta mucho más al género del terror que a la especulación sociopolítica. El “combo” resulta un tanto ampuloso.

Elsa Bragato

 

EL CISNE

Guion y dirección de Asa Helga Hjorleifsdottir. Con Grama Valsdottir, Thor Kristjansson, Blaer Johannsdottir, entre otros. Música de Tiina Andrea. Fotografía de Martin Neumeyer. Duración: 91 minutos. Islandia.

XXXXX-EFICAZ CUENTO DEL CINE ISLANDÉS

“El cisne” es toda una curiosidad que llega de Islandia (cinco películas en total, siendo “Rams”, 2015, la última). Su guion está basado en el libro homónimo del islandés Gudbergur Bergsson que retrata la Islandia hostil, la de la campiña. La belleza del lugar invita a pensar que todo es idílico, incluso para la protagonista, una niña de 9 años que debe ir a la casa de una tía de su madre durante el verano para trabajar en el campo (práctica habitual en Islandia para el desarrollo de personalidad de los chicos). Enfrenta un estilo de vida que rechaza profundamente.

La directora Hjorleifsdottir logra una fábula inquisidora sobre la psicología de una jovencita (Sól, encarnada por Grama Valsdóttir), extrañada ante el difícil exterior que la rodea. Es el punto de vista del que parte la historia, otorgándole profundidad a un relato cansino, con buen soporte fotográfico. Sin embargo, esta narración bucólica se quiebra por la secuencia de matanza de animales, donde el sufrimiento de éstos muestran la crueldad humana, ésa que “Sol” presiente y a la que le escapa.

Puede ser que el secreto de esta película, críptica, alegórica, de final aliviador, se pueda resumir en el diálogo que mantiene la protagonista (con un nuevo compañero de cuarto a quien le dice: “Te gustan más las palabras que la gente?” cuando lo ve escribir. En algún lugar de su pensamiento, exaltado por las experiencias que tiene (incluyendo su difícil interrelación con la familia y amistades), siente que ése puede ser un modo de salvarse. Interesante propuesta que cabalga entre los opuestos, lo sutil y lo brutal, lo lírico y lo prosaico, lo onírico y la realidad.

Elsa Bragato

 

YO, MI MUJER Y MI MUJER MUERTA

De Santi Amodeo. Con Oscar Martínez, Carlos Areces, Ingrid García Jonsson, Malena Solda. Un profesor de la universidad queda viudo y no cumple con el último deseo de su mujer en forma inmediata: arrojar sus cenizas en una costa especial de España. Una serie de sucesos extraños lo llevarán a ese país, donde las aventuras y desventuras se sumarán.

*****

Hay varios documentales anunciados: “Yo no me llamo Rubén Blades”, sobre el cantante y compositor Rubén Blades, producción de Panamá. También se agregan “La feliz”, de Valentín Javier Diment, “Un lugar en el tiempo” de Nicolás Purdía y Pablo José Rey, e “Impresiones obreras”, de Hugo Colombini.

 

JUEVES 14 DE MARZO DEL 2019.-

Dos films resultan muy interesantes esta semana. "La decisión" y "María Callas". Entre el material nacional, destacamos "Lobos", el emotivo "Down para Arriba" de Gustavo Garzón y "Foto Estudio Luisita".

 

MARÍA VS CALLAS

Documental de Tom Volf. Montaje y Fotografía: Janice Jones. Música: Jean-Guy Veran. Premios al mejor documental en el festival de Chicago y en el Master de Arte Film Festival. Duración: 113 minutos.

 

XXXXX-LAS DOS CARAS DE UNA DIVA

Documental sobre la diva del Bel Canto María Callas que la muestra fuera del escenario y como Prima Donna apelando a valiosos testimonios, actuaciones, sus triunfos y sus fracasos, matrimonios, divorcios, y cartas íntimas que agregan detalles desconocidos.

No es una biopic completa, pero el documental tiene una particularidad: es dar a conocer el feliz hallazgo de material inédito, obtenido en archivos especiales por el director Tom Volf, que incluyen grabaciones realizadas por los admiradores de la cantante lírica. Este documental le demandó largos cuatro años de preproducción. El material está en Super 8 y 16 mm, filmaciones absolutamente domésticas, obtenidas a lo largo de las giras de María Callas en diferentes partes del mundo.

El objetivo del documental es darnos una visión esclarecedora de una de las personalidades más controvertidas y excepcionales del mundo de la ópera, que incluyen sus propios testimonios, muy fragmentados, sobre personalidades de su tiempo a los que conoció: Pier Paolo Pasolini, Luchino Visconti, Grace Kelly y su gran amor, Aristóteles Onassis. Sin entrar en detalles, se tiene un “pantallazo” de los grandes momentos de su vida, sus frustrados amores, su traspié en Roma durante la ópera “Norma” de Vincenzo Bellini (abandonó la función por un enfriamiento repentino de sus cuerdas vocales). Llama la atención que, a diferencia de otros documentales, no se muestra a la María Callas obesa, a la relación fatídica con su madre, y a la lucha que tuvo con su propio cuerpo para lograr su esbelta figura, la que más se conoce. De todas maneras, es un material muy diferente, atrapante. No deje de verlo.

Carlos Pierre

 

 

LA DECISIÓN

De Vahid Jalilvand. Con Amir Aghaee, Zakieh Behbahani, entre otros. Fotografía de Morteza Pursamadi y Pauman Shadmanfar. Música de Peyman Yazdanian. Duración: 100 minutos.

XXXXX-POTENTE DRAMA SOBRE LA ÉTICA

La ética profesional se pone en tela de juicio en este intenso drama iraní, cuyo título en inglés es ¡No date, no signature”. Valid Jalilvand, nacido en Teherán, logra en éste, su segundo largometraje, un film profundamente conmovedor al pergeñar una narración sin pausa en la historia. Cada secuencia profundiza el dilema de Kaveh Nariman, el médico forense que provoca un accidente en el que está involucrado un niño de 8 años. Al día siguiente, en la morgue donde trabaja, aparece el cadáver de la criatura con quien horas antes estuvo hablando y atendiéndola.

Quién es culpable de esta muerte? El padre, el médico forense? A partir de esta premisa, el realizador iraní elabora dos escenarios: el de los atribulados padres y el del médico. Cada uno de los protagonistas recorre el camino de los hechos vividos, expresando el dolor y la confusión espiritual que sienten. La redención parece estar en un culpable, al que ambas partes buscan con desesperación, en sí mismos y en el afuera.

Drama potente, desgarrador, intenso, sobre la conducta humana, articulado con una demoledora franqueza narrativa .

Elsa Bragato

 

 

LOBOS

De Rodolfo Durán. Con Luciano Cáceres, Daniel Fanego, Alberto Ajaka, César Bordón, entre otros. Fotografía de Mariana Russo. Música de Gabriel Bajarlia. Duración: 91 minutos.

XXXXX- CUANDO EL CRIMEN PAGA

En este séptimo largometraje, el realizador Rodolfo Durán (El karma de Carmen) retrata la vida de la familia Nieto habituada a vivir del crimen. Robos secuestros, extorsiones, les permiten vivir y asegurarse un futuro que, de todas maneras, es incierto. El padre, encarnado por un notable Daniel Fanego, quiere dar un último gran golpe para que su hija Natalia tenga una vida menos estrecha, ayudado por su yerno (Alberto Ajaka). Los “trabajos” se los encarga un comisario corrupto (César Bordón), mientras el hijo menor, Mariano (Luciano Cáceres) ha decidido dejar la delincuencia. Ahora es custodio. No obstante, los Nieto son afables, cariñosos. Nadie diría que los buenos vecinos son verdaderos criminales.

La película de Durán tiene dos claros “tempos”: el comienzo del “gran plan” del padre de familia inicia, a su vez, el policial intenso, bien pergeñado, con actuaciones muy valiosas de sus protagonistas. La narración se hilvana de manera secuencial, el clima de thriller irrumpe, y atrapa. Rodolfo Durán logra su mejor expresión a partir de este momento: la malavida tiene consecuencias, el crimen paga. El título lo explica claramente: el hombre es el lobo del hombre, frase del inglés Thomas Hobbes, síntesis perfecta de la película. Entre el drama familiar y el policial intenso.

 

Elsa Bragato

 

 

1.- ALICIA, de Alejandro Rath. Con Lenor Manso, Patricio Contreras, Paloma Contreras. Narra las vicisitudes de “Alicia” Quien, luego del fallecimiento de su madre, empieza a levantar la casa. Recuerda la batalla mantenida para que la señora dejara el hospital y pudiera morir en su hogar así como otras intensas tribulaciones que tuvo en su vida.

2.-MALIGNO (The prodigy) de Nicholas McCathy, con Taylor Schilling, Colin Feore, Jackson Robert, entre otros. Una madre se preocupa porque cree que su hijo ha sido tomado por una fuerza sobrenatural.

“No es precisamente una película prodigiosa. Su mayor pecado no consiste tanto en no ser nada original como en ser incapaz de llamar nuestra atención, lo que garantiza que nos aburramos pronto de ella”, de Justin Lowe, The Hollywood Reporter.

3.- A DOS METROS DE TI, de Justin Baldoni. Dos jóvenes están internados en un hospital aislados por fibrosis quística. Dos metros es la distancia menor a la que otra persona puede acercárseles. Sin embargo, terminan enamorándose. Intenso melodrama poco original.

 

DOWN PARA ARRIBA

Documental de Gustavo Garzón sobre el grupo “Sin drama de Down”, al que concurren sus dos hijos varones. Con Pablo Plorutti, Luis Despontin, Jonathan Paez, Delfina Esquenazi, Cecilia Tacci, Sebastián Gimeno, Daniel Bacigaluppo, Nadia Israel, Soledad Sosa, Juliana Carcar, Cristian Criscione, Tomás Rousos, Juan y Mariana Garzón. Música de Sin Repuesto. Foto fija de Romina Jamra. Diseño de Títulos de Fidel Sclavo. Filmada en Estudo teatral Onírico y Tierras de Avalon-Canning. Con apoyo del INCAA. Duración: 70 minutos.

 

XXXXX-AMOR Y ENSEÑANZA SUPERADORES

Gustavo Garzón es el realizador de este documental profundamente emotivo y esclarecedor sobre los chicos con síndrome de Down. Es papá de los mellizos Juan y Mariano que tuvo en su matrimonio con la recordada Alicia Zanca, dos bebés que nacieron con este síndrome. Es también el narrador en off que nos cuenta cómo afrontaron la confirmación de los médicos, al principio aterrorizados para luego aprender que es otra forma de ser y que la sensibilidad y el amor pueden obrar milagros. Que estos chicos comprenden a partir de la propia comprensión y no de lo que el exterior quiere imponerles, aún queriéndoles “hacer un bien”.

Lleva a sus hijos a “Sin drama de Down”; un grupo que funciona desde el 2008 en Palermo, integrado por personas con síndrome de Down de diferentes edades, entre 25 y 50 años. Allí está Juan Laso, el organizador del grupo. Los chicos son incentivados sin marcar diferencias. Hay dos momentos que destacamos: el diálogo descontracturado de un joven del grupo que explica qué significa tener este síndrome y la declaración de amor entre otros dos que termina con un pico. Todo forma parte de un cortometraje de 20 minutos. Los resultados son maravillosos. Participan, además de la compañía Sin drama de Down y Juan Laso, Belén Cervantes López y la espléndida María Fux, ambas danzaterapeutas. Yoga, teatralización, charlas, actividad continua y diferente, son algunas de las actividades que emprenden el grupo y su profesor, teniendo en este caso a Gustavo Garzón como partenaire en algunas secuencias. El guion fue elaborado por el actor y su hija Tamara. Aquí no hay melodrama alguno. Hay realidad y enseñanza para todos.

 

Elsa Bragato

 

 

FOTO ESTUDIO LUISITA

De Sol Miraglia y Hugo Manso. Fotografía de Sol Miraglia. Montaje de Celeste Contratti. Música de Guillermo Guareschi. Duración: 72 minutos.

 

XXXXX-LA FOTÓGRAFA DE LAS CELEBRIDADES

El documental de Sol Miraglia y Hugo Manso recupera la década del 80 en el mundo del espectáculo que tuvo tanto valor de “refundación” del mismo como la del 60. En un estudio fotográfico de avenida Corrientes al 1300 hay un archivo increíble de miles de negativos y fotos-poster deben ser conocidos: es el Foto Estudio Luisita, creado por Luisa Escarria, nacida en Bogotá, Colombia, en 1929, acompañada desde entonces por sus dos hermanas, para seguir el oficio de sus padres, ambos fotógrafos profesionales.

Sol Miraglia conoció a Luisita Escarria hace 10 años y descubrió el tesoro de su archivo personal, donde las celebridades de más de tres décadas aparecen en sus años dorados a través de posters, negativos que entonces se “retocaban”, publicidades. Todos pasaron por las manos mágicas de Luisita, estuvieron en el laboratorio con sus hermanas que, además, prepararon el estudio. Es también oportunidad única para volver a ver a Amelita Vargas, cubana de cimbreante cintura que caracterizó los 50, o a Gogó Rojo, una de las artífices junto a su hermana Ethel de la revista de los 70 y 80, o a Mimí Pons, baluarte de la revista porteña junto a su recordada hermana Norma. O a la “one”, Moria Casán, emocionada al encontrarse con Luisita.

Luisita Escarria es dueña de una enorme timidez, acepta que algún “duende” debíó encarnarse en ella para que pudiese retratar a tamañas celebridades, y siente una emoción sin límites al regresar al teatro Maipo. Los documentalistas se valen de las charlas en el hogar de Luisita y sus hermanas sino también de estupendos films de la época con las estrellas revisteriles de entonces, además de fotos en blanco y negro y color que resistieron el paso del tiempo. En un mundo machista como el gráfico, este documental tiene el doble valor, primero, de darle luz a un archivo y luego de rescatar a una mujer que logró un primerísimo lugar sin dar codazos, por talento. El reconocimiento finalmente llegó.

Elsa Bragato

 

JUEVES 7 DE MARZO DEL 2019.-

Semana de flacos estrenos, si bien se destacan “Capitana Marvel”, el documental sobre Alberto Olmedo, y la biopic “La voz de la igualdad”.

Varios documentales nacionales llegan a diferentes pantallas desde el cine Cosmos hasta microcines de centros culturales. Hay un esfuerzo del cine independiente nacional por ganar algún espacio que en las salas comerciales aún no logra.

Destacamos que, siendo el 8 el Día Internacional de la  Mujer, se estrenan cuatro películas referidas a diferentes mujeres: “Juntas”, “Captain Marvel”, “La voz de la igualdad” y “Femicidio”.

 

JUNTAS

Documental de Laura Martínez Duque y Nadina Marquisio. Música original de Sergio Escobar. Duración: 71 minutos.

XXXXX- AMOR SIN FRONTERAS

Nadina Marquisio es una documentalista nacida en Rosario mientras que Laura Martínez Duque es oriunda de Bogotá, Colombia. Ambas fundaron “Gallito films” junto a Cristina Motta, hacedoras las tres de laureados cortometrajes. En el caso de “Juntas”, viajaron a Colombia junto al primer matrimonio de lesbianas del país, conformado por Norma Castillo, correntina de pura cepa, y Ramona “Cachito” Arévalo, nacida en el Uruguay. En los 80, las dos mujeres se conocieron en las tierras de Gabriel García Márquez. Ambas estaban casadas. Norma enviudó y Ramona se divorció del padre de su único hijo para vivir este amor sin fronteras. Fue una relación apasionada muy escondida hasta que regresaron al país y decidieron iniciar una batalla legal a fin de contraer enlace. Lo consiguieron. Ramona falleció el año pasado, acompañada hasta el final por Norma, su fiel esposa. En el mes de la Mujer, se estrena este documental que recorre paisajes y momentos muy especiales de dos mujeres que enfrentaron las barreras sociales para ser felices sin mentiras.

Elsa Bragato

 

OLMEDO, EL REY DE LA RISA

Docu-ficción de Mariano Olmedo. Fotografía de Flavio Gragoset. Compaginación de Ezequiel Scarpini. Música de Pablo Sala, Humberto Ortiz y Mariano Olmedo. Con Alberto Olmedo, Mariano Olmedo, Sabrina Olmedo, Marcela Baños, Vito Marchessi, Juan Orol, Marcelo Minino, Tito Gómez, Manuel Wirts, Javier Castro, Raúl Calandra. Duración: 81 minutos.

XXXXX-TRIBUTO AL GRAN OLMEDO

Uno de los hijos del querido y recordado Alberto Olmedo, de quien se cumplen 31 años de su trágico fallecimiento en la ciudad de Mar del Plata, Mariano Olmedo, decidió rendirle tributo a su papá reconstruyendo su vida. Desde la infancia pobre, sus inicios como acróbata en Rosario, el sentido de la amistad y lealtad, hasta llegar a Buenos Aires y un buen día aparecer frente a las cámaras de Canal 7 donde se desempeñaba como “switcher” (operador técnico). Desde entonces, su comicidad fue arrasadora. Y su vida privada ocupó las primeras planas.

El trabajo realizado es muy interesante: con la colaboración de una periodista, Mariano Olmedo tuvo acceso a videos, películas caseras y entrevistas de su padre, logrando un docu-ficción intenso y verídico. Moria Casán, Diego Capusotto, Guillermo Francella (se decía entonces que era el “sucesor” de Alberto Olmedo), Dady Brieva, Ramón Palito Ortega, ofrecen sus testimonios sobre el gran capocómico, cuya comicidad no pasó de moda. Mariano Olmedo no es un improvisado en estas lides sino que desde muy joven se interesó por el mundo audiovisual, participando en diversas tareas hasta formar parte de un equipo de trabajo de Televisa Argentina. Hoy es docente universitario en la Universidad Nacional de Lomas de Zamora y Director del Centro Cultural Polideportivo Los Hornos, de La Plata. Este trabajo que presenta vale la pena disfrutarlo, aunque se sienta infinita tristeza por tamaña pérdida.

Elsa Bragato

 

1.- DE ACÁ A LA CHINA, de Federico Marcello. Comedia dramática protagonizada por el director: Facundo decide abrir un supermercado en China en la provincia de donde viene la comunidad china radicada en el país. El material que empezó siendo un documental terminó en esta película que, hasta ahora, no había conseguido estreno en salas comerciales por lo que su director recorrió el país donde fue exhibida al aire libre, plazas y sociedades de fomento.

2.- FEMICIDIO, UN CASO, MÚLTIPLES LUCHAS, de Mara Ávila. El documental cuenta la experiencia dramática de su directora, relatando el femicidio de su mamá, María Elena Gómez, ocurrido el 19 de julio de 2005.- Este trabajo es la tesina de grado de Mara Ávila. Se puede ver del 7 al 13 de marzo a las 19.45 en la sala 2 del cine Gaumont.

 

BLANCO O NEGRO

De Matías Rispau. Con Martín Rispau, Natalia Petri, Jorge Alagastino, Ramiro Vayo, Ariel Pérez y Sebastián Mónaco, entre otros. Música de Boris CQ. Brainstorming Films. Duración: 135 minutos.

XXXXX- MÁS TÉCNICA QUE GUIÓN

El gran motor de la vida humana es la venganza, según Shakespeare. A partir de este sentimiento negativo se construye la vida con sus más y sus menos. En “Blanco o negro”, es el eje de una narración en la que Martín Rispau hace gala de un enorme conocimiento de las texturas fílmicas, los inserts, la utilización del color y del blanco y negro, y el empleo de todas las tomas habidas y por haber.  De esta manera, construye la historia de Adrián, quien viene del sur con la idea de vengar la muerte de su pareja. Se encuentra en esta ciudad con Julio, un amigo de siempre, que intenta cambiar su negativo pensamiento. La técnica de Rispau es superior a la historia e incluso a la narración en sí en la que la música incidental funciona como un protagonista más: cuando el thriller no avanza como tal, es la banda sonora la que ocupa un primerísimo lugar. Construye un policial en el que maneja los “tempos” con fluidez: desde los cabildeos del protagonista hasta las secuencias de tiroteos y muerte, en las que se ve un tufillo o guiño, en todo caso, al estilo de Quentin Tarantino. Es justo decir que el cine nacional pocas veces construye climas envolventes, especialmente en los policiales: hilvana las secuencias en forma lineal, que es otra manera de generar tensión, característica a la que no escapa Rispau. El monstruo interior de Adrián, o sea este sentimiento de venganza, tampoco logra una alegoría convincente salvo en las escenas de tiroteos donde es explícita. No obstante, la creatividad de Rispau para filmar es la de un artesano avezado, superando con creces desde el guion a las interpretaciones.

Elsa Bragato

 

LA VOZ DE LA IGUALDAD

De Mimi Leder. Con Felicity Jones, Armie Hammer, Kathy Bates, Sam Waterston, Justin Theroux, entre otros. Guion: Daniel Stiepleman. Fotografía: Michael Grady. Música: Mychael Danna. Duración: 120 minutos. XXXXX-HOMENAJE MUY CONVENCIONAL

Biopic parcial sobre la vida y los logros de Ruth Bader Ginsburg, interpretada por la actriz inglesa Felicity Jones, abogada, activista, jurista y luego integrante de la Corte Suprema de los Estados Unidos. Se convirtió en pionera y referente del movimiento feminista en los años 90. Fue conocida como RBG (The Notorius RBG), reconocimiento que ostentó gracias a su inteligencia y su tesón. Compartió con su esposo Martin Ginsburg (Armie Hammer), durante el medio siglo que estuvieron casados, esta lucha indeclinable por los derechos igualitarios feministas, enfrentando muchas adversidades en Harvard donde se vivía un marcado machismo.

La película retrata algunos triunfos históricos en juicios en pos de la igualdad de género de la abogada Bader Ginsburg, quien fuera la segunda mujer integrante de la Corte Suprema, luego de Sandra Day O´Connor. Distinguida en 1993 por el presidente Bill Clinton, recorrió un largo camino durante cinco décadas de la historia de Estados Unidos. El tributo de Mimí Leder se completa con la inserción de un “cameo” de la verdadera Ruth Bader Ginsburg de vigentes 85 años, a quien se ve en los tribunales de su país. Como contrapartida poco favorable, estamos ante una biografía con una visión limitada, por lo que la vida de RBG se intuye fascinante pero no está retratada.

En la sólida interpretación protagónica de Felicity Jones se sustenta este homenaje. Es esta diminuta mujer quien tiene todo el peso de la historia, otorgándole credibilidad a su performance. Es decir, el tratamiento de la biopic es común, sin inventiva, basada en clishés. Es justo reconocer que, aunque pobre, la narración resulta efectiva: el homenaje está, sin audacia y convencional.

Carlos Pierre

 

CALLCENTER

Guion y dirección de Sergio Estilarte y Federico Velasco. Con Thelma Fardín, Demián Salomón, Vanina Balena, Alejandro Lifschitz, Emiliano Addisi, Silvina Diez. Arte de Mariana Vieyra, Sonido de Juan Donatti, Fotografía de Hugo Duarte, Asistencia de Fabián Forte, Montejae de Ramiro Velasco: Post producción y producción de Fucci, Gionco, Estilarte, Velasco. Jefe de Producción: Juan Elvis Pereyra. Duración: 91 minutos.

XXXXX- BUEN TRABAJO INICIÁTICO

Sergio Estilarte y Federico Velasco pergeñaron esta película a partir de una serie de experiencias sociales que conocemos: la falta de trabajo, la falta de futuro, las relaciones humanas y sus complejidades. El producto tiene buena fotografía, buen sonido, buen elenco, con diálogos interesantes aunque pretenciosos que muestran la inquietud de los treinteañeros o jóvenes de menor edad. La filmación resulta claustrofóbica siendo lo más interesante el intercambio de ideas de estos jóvenes “atrapados” momentáneamente en un callcenter a la madrugada. Cae el sistema y se ven obligados a mirarse las caras desde otro lugar mientras esperan que el trabajo vuelva a la normalidad. Empiezan a conocerse un poco más. Demián Salomón hace un buen trabajo protagónico como Dante, así como el resto del elenco. Es un buen trabajo inicial que permite avizorar un excelente camino profesional para sus directores.

Elsa Bragato

 

CAPITANA MARVEL

Dirección: Anna Boden y Ryan Fleck. Guion: Anna Boden, Ryan Fleck y Geneva Robertson-Dworet. Con Brie Larson, Samuel j. jackson, Ben Mendelsohn. Con Annette Bening, Clark Gregg yJude Law, entre otros. Fotografía: Ben Davis. Música: Pinar Toprak. Duración: 130 minutos.

XXXXX-LLEGA LA CHICA SUPERPODEROSA DE MARVEL

Ambientada en la década de 1990, Capitana Marvel llega con una aventura muy original, situada en un período nunca visto antes en el Universo Cinematográfico de Marvel.  En principio, la protagonista es una mujer, Miss Marvel, que lleva, además, el nombre de la empresa. Carol Danvers (Brie Larson ) se convierte en una superpoderosa –a raíz de un hecho especial- cuando la Tierra queda atrapada en medio de la guerra galáctica entre dos razas alienígenas: los Kree y los Skrulls.

Capitana Marvel-Carol Danvers supo ser una de las mejores aviadoras de los Estados Unidos. Ahora debe defender a la Tierra, amenazada por estos seres metamorfos que llegaron para someterla tratando de obtener el motor generador de la velocidad de la luz (300.000 kilómetros por segundo). De lograr robarlo, podrán hacerse dueños de toda la Galaxia.

Varios aciertos ameritan destacarse en este nuevo producto de Marvel Studios: el haber empoderado a una mujer como absoluta heroína, amante de la libertad, poderosa así como el haber situado la historia en la década del 90 en los Estados Unidos. Esto permite una contraposición entre la alta tecnología de las razas alienígenas con las estructuras terráqueas, denominadas “una pocilga” de la Galaxia. Es decir, resulta muy interesante la mixtura del futuro con la década del 90, le confiere un plus a esta nueva aventura protagonizada por una “estrella” de UCM: hay audacia argumental y tecnológica. Para Miss Marvel se avizora un importante protagonismo en la próxima Avengers 4 y para Marvel, el desarrollo de nuevas historias a partir de esta chica superpoderosa. Para entretenerse de principio a fin!

Carlos Pierre

 

JUEVES 27 DE FEBRERO DEL 2019.-

Varios productos nacionales caracterizan este jueves en el que hay cierta medianía en las producciones extranjeras presentadas. Rescatamos la nacional “La misma sangre”, de Miguel Cohan, con Oscar Martínez, quien siempre asegura gran presencia actoral. Es el mejor estreno de la semana continuando con la tradición del cine policial nacional. Nos remitimos a las críticas de los colegas.

 

OBSESIÓN

De Steven Knight. Con Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Diane Lane, entre otros. Cuenta el pasado del capitán de un barco pesquero “Baker Dill”, del que aparece su ex mujer “Karen” ( Anne Hathaway), quebrando la serenidad de su presente (el film se llama en inglés “Serenity”).

“Cuanto más descubrimos sobre el argumento menos sentido tiene todo lo que sucede en la película”, de Wesley Morris, New York Times.

“Los diálogos son malos, hasta el punto de que parece una autoparodia. Las actuaciones son caricaturescas”, de Michael O’ Sullivan, The Washington Post.

 

REY DE LADRONES

De James Marsch. Con Mighael Caine, Jim Broadbent, Charlie Cox, entre otros. Veteranos ladrones planifican un gran robo en la ciudad de Londres para cerrar el círculo de “trabajo” de sus vidas.

“Seguramente agrade a los fans se Michael Caine y de sus compañeros veteranos, pero es una propuesta de pocos quilates”, de Guy Lodge, Variety.

“Aunque tiene defectos, y son legión, esta película se envuelve en una mantita adorable de familiaridad”, de Jeannette Catsoulis, The New York Times.

 

BORDER

De Ali Abbasi e Isabella Eklof. Basada en un cuento del escritor sueco John Ajvide Lindqvist, el mismo autor de la novela “Dejame pasar”, film de terror que tuvo gran éxito. En este caso, Abassi y su coequiper toman la historia de Tina, agente de aduanas, cuyo instinto le permite detectar a alguien culpable. Sin embargo, hay un pasajero que pondrá a prueba sus habilidades.

“Una mezcla emocionante e inteligente de romance, cine negro nórdico, realismo social y terror sobrenatural que desafía y subvierte las convenciones del género”, de Alissa Simon, Variety.

“Actuaciones protagónicas sólidas y efectos visuales superlativos. Es un drama apasionante”, de Stephen Dalton, The Hollywood Reporter.

 

MANICOMIO

De Michael D. Pate. Film alemán de terror. Un grupo de youtubers decide visitar una casa de salud abandonada, ubicada cerca de Berlín. La idea es filmar el lugar y diferentes experiencias que realicen. No tienen en cuenta que este tipo de sitios suelen tener fantasmas y que, por lo general, no son pacíficos. Es la tradicional historia de terror que se basa en grupo de muy jóvenes y las andanzas de un espíritu endemoniado que los succionará y saboreará a piacere. Nada nuevo bajo el sol. CP

 

WYNAYPACHA (ETERNIDAD)

Guión, dirección y fotografía de Oscar Catacora. Elenco: Vicente Catacora y Rosa Nina. Edición de Irene Caijas. Sonido de Edwin Riva y Rosa Oliart. Duración: 86 minutos. Distribuye Zeta Films.

XXXXX-CONMOVEDOR NEOREALISMO LATINOAMERICANO

Conocemos el cine comercial de Perú, con interesantes logros. En este caso, es la ópera prima de Oscar Catacora quien sale de los cánones habituales para enfocarse en una historia profunda de sus ancestros. Dos actores no profesionales nos descubren el mundo andino cargado de pobreza y abandono. Vicente Catacora es el abuelo del realizador, octogenario, que encarna a Willka, casado con “Phaxxi”, a cargo de la octogenaria y no profesional Rosa Nina. Ambos hablan en aymará transcurriendo sus largos días en una zona andina mientras esperan que el hijo Antuku llegue a rescatarlos. Viven rodeados de algunos animales y en una casa de piedra de un solo cuarto.

Asistimos a sus creencias, sus ritos, sus trabajos, y las necesidades que padecen. La fotografía es una gran aliada de Oscar Catacora: hay verdaderos cuadros en tomas cortas y plenas de los dos ancianos con el fondo de la imponente cordillera y sus glaciares perennes. Pero… es también la trampa de la película: poca variedad en la fotografía cuando, por el planteo del guion, se pudo hacer algo más.

Con el transcurrir de la narración, es imposible no conmoverse profundamente por los infortunios a los que están sometidos Willka y Phaxxi. El grito al viento del nombre del hijo no lo hará venir, como tampoco llegará a los oídos de alguna autoridad. Destacamos que, en la lentitud del relato, está la profundidad: la edad avanzada, la vida a la intemperie, la lejanía del pueblo, van diagramando vidas con destino prematuro y bien marcado.

Bienvenido este cine que desnuda una de las tantas carencias que los gobiernos latinoamericanos mantienen con sus pueblos aborígenes. Nunca mejor retrato de la dignidad de los ignorados frente al desamor de los que pueden y tienen.

Elsa Bragato

 

 

MEMORIA DE LA SANGRE

De Marcelo Charras. Documental. Duración: 90 minutos.

XXXXX-NAZIS EN EL PAÍS

En el 2018 falleció el principal interlocutor de este documental de Marcelo Charras: don Xavier de Mahieu, hijo del personaje retratado, el ex oficial de las SS de origen francés Jaime (Joaquín en verdad) María de Mahieu, quien investigó la presencia de los vikingos en América Latina anteriores a la llegada de Cristóbal Colón.

Se parte de un documentalista que entrevista a un conocedor de los libros. Tiene en sus manos “Memoria de la sangre” de de Mahieu, agotado que encontró en viejas librerías. Lo ideal es visitar al hijo del antropólogo y filósofo alemán que entonces vivía en Ciudad Evita (esta ciudad está trazada sobre el perfil de Eva Perón e inicialmente tuvo 12 mil habitantes).

La historia se matiza con inserts de fílmicos de los años 60 y décadas siguientes, dado que el franco alemán recién falleció en 1990. Las charlas con el hijo de de Mahieu muestran una personalidad paterna nazi, que logró escaparse de la cárcel y llegar a la Argentina donde estrechó lazos con el entonces presidente Juan Domingo Perón. A partir de 1955, a raíz del advenimiento de la Revolución Libertadora, Jaime M. de Mahieu prefirió emigrar al Brasil donde permaneció durante más de 8 años investigando a los aborígenes y las diferentes culturas latinoamericanas en las que encontró inscripciones similares a los símbolos de las runas nórdicas. Para este hombre, estas coincidencias abonaban su teoría de un tronco común ario para incas, aztecas y mayas, entre los que decía encontrar hombres de “piel blanca”.

Diferentes entrevistas aportan datos sobre la personalidad del franco alemán así como su directa participación, a través de charlas que realizó al regresar a la Argentina, en la formación del pensamiento de los Tacuara de aquellos años y, posteriormente, el desprendimiento de éstos de Montoneros. Siempre apoyó el “nacional socialismo” y, en especial, el nazismo esotérico del que también Adolf Hitler fue abonado.

Controvertida personalidad, de Mahieu salta al conocimiento popular a través de un documental bien planificado que, en algunas charlas un tanto extensas, pierde su hilo conductor.  Es el documental mejor logrado de la semana.

Elsa Bragato

 

GUERRERO DE NORTE Y SUR

De Germán Touza & Mauricio Halek. Documental. Duración: 73 minutos

XXXXX- RETRATO DE UN MALAMBISTA

El malambo, danza argentina en La Pampa alrededor del 1600, tiene un festival desde hace varios años en la localidad de Laborde, Córdoba. Este documental retrata la preparación para el mismo y su actuación del bailarín Facundo Arteaga, oriundo de Gral Acha, La Pampa, quien ronda los 35 años. Atiende su hogar, da clases de baile, y participa de este festival una vez más. Sabe que, de ganar, nunca más podrá presentarse, según el reglamento del mismo.

Arteaga tiene una forma muy especial de bailar el malambo, calificándola de “pampeana”: los pies están envueltos con la “bota de potro” o sea una especie de tiento de cuero que deja los dedos al desnudo, Sin profundizar, la cámara de Touza y Halek recorre este momento en la vida de Arteaga, reconocido en su tierra como integrante de las delegaciones provinciales. Es un documental limitado a una experiencia, en este caso, un festival. Escaso aporte.

Elsa Bragato

 

ENTRE GATOS UNIVERSALMENTE PARDOS

Documental de Damián Finvarb y Ariel Borenstein. Sobre el periodista Salvador Benesdra.

XXXXX- REDESCUBRIENDO A UN NOTABLE ESCRITOR

Damián Finvard y Ariel Borenstein redescubren al escritor, psicólogo, políglota, traductor y periodista, Salvador Benesdra, quien se suicidó el 2 de enero de 1996 arrojándose desde un décimo piso de su domicilio en la calle Solís al 500. Había sido despedido de Página 12, sentía que no era reconocido y que su tarea como Delegado de ese diario había sido infructuosa.

Solo dejó dos novelas escritas, siendo una de ellas “El traductor”, que logró llegar a las finales del premio Planeta. Sus trabajos recién fueron publicados póstumamente con ayuda de la familia y del dueño de Ediciones La Flor.

El planteo de los directores es reconstruir la vida de Benestra a partir de las opiniones de sus colegas de redacción y de quien fuera también su última pareja, Mirta Fabre, también psicóloga. Conforman una seguidilla de entrevistas por las que descubrimos que Salvador Benesdra sufrió brotes psicóticos, viajó a París y Alemania para cursar postgrados, y fue un inconformista miembro del partido Obrero.  En el 2012,Oliverio Torres, bisnieto de Leopoldo Torres Ríos (El regreso), padre de Leopoldo Torres Nilsson (El santo de la espada), a su vez padre de Javier (Fiebre amarilla) y Pablo Torres (La mirada de Clara), filmó el film sobre “El traductor” que tampoco vio la luz.

Este documental tiene un único logro como tal: el insert de películas caseras donde Benesdra habla a la cámara. La construcción narrativa adolece de agilidad. Son entrevistas con cámaras fijas y en espacios cerrados. El aporte está en la historia que se reconstruye.

Elsa Bragato

 

CICLOS

De Francisco Pedemonte. Documental. Duración: 76 minutos.

XXXXX- BIOPIC DE UN JOVEN CICLISTA

El realizador Francisco Pedemonte retrató la vida de un joven deportista, eligiendo a Ignacio Semeñuk, subcampeón de ciclismo, en sus 15 años. El entrenamiento, el apoyo familiar, los álbumes con fotos de diferentes competencias, enmarcan esta biografía cuyo documental tuvo lanzamiento oficial el año pasado en el BAFICI. A diferencia de otros trabajos del mismo género estrenados este jueves, hay diversidad de ambientes, desde la casa de Ignacio hasta las carreteras y diferentes circuitos ciclísticos al aire libre. Este tipo de historias, aunque interesantes, quedan pequeñas porque falta profundidad en el relato. Es decir, datos que vayan abonando lo que se ve por lo que se tiene la sensación de que no hay un guion sólido. Esta característica no es patrimonio de este trabajo sino de todos los que estamos viendo en los dos últimos años, hay trabajo fotográfico interesante, incluso narrativo. Sin embargo, no bastó.

Elsa Bragato

 

JUEVES 21 DE FEBRERO DEL 2019.-

Otro film oscarizado, Cafarnaúm, llega a las salas de cine del país, junto con una animación, dos películas que tienen a Brasil como base del relato, así como la acción a todo o nada del gran Liam Neeson y las costumbres orientales que inquietan a nuestras sociedades junto con la vida de un amoroso perrito que debe volver a su hogar. De todo como en botica!

 

1.-MIS HUELLAS A CASA

De Charles Martin Smith. Cuenta la historia de una perrita que es salvada. Un día se pierde y debe enfrentar una serie de vicisitudes antes de encontrar el camino de regreso a su hogar.

“La historia es lo suficientemente tierna pero totalmente estrafalaria. Todo está emocionalmente simplificado, tratando grandes temas de forma vaga y general”, de Katie Walsh, Los Angeles Times.

Trailer

https://youtu.be/Fo4POwticIk

 

2.-EL PRÍNCIPE ENCANTADOR

De Ros Venokur. Animación convencional sobre un príncipe “azul” que es un donjuán y, ante el ultimátum del reino, debe encontrar a la mujer de su vida. El valor que se le asigna a nivel internacional es el ser una producción “periférica”, en este caso, canadiense, es decir, no es de la factoría de Disney-Pixar o, en general, de Hollywood.

Trailer

https://youtu.be/9PTpJ8EJzP4

 

 

3.- HAPPY HOUR

De Eduardo Albergaria. Con Pablo Echarri, Luciano Cáceres, Leticia Sabatella, entre otros. Coproducción Brasil-Argentina. Cuenta la historia de un profesor de literatura que se radica en Brasil donde se casa. A raíz de una serie de circunstancias, le dice a su mujer que debe tener sexo con otras mujeres por un impulso que no domina. Comedia ligerísima.

Trailer

https://youtu.be/41mXD4zbQVQ

 

 

ARABIA

DE Joao Duimans y Affonso Uchoa. Con Aristides de Sousa, Murilo Caliari, Glaucia Vandeveld, Renata Cabral, Renan Rovida. Fotografía de Leonardo Feliciano. Duración: 97 minutos.

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XXXXX- BIOGRAFÍA DE UN TRABAJADOR ANÓNIMO

“Arabia”es un profundo retrato de los barrios pobres, marginales, de América Latina. Parte de un niño, André, que descubre un cuaderno escrito por un trabajador de Arabia, barrio de Ouro Preto -ciudad industrial del Brasil- donde narra su día a día como obrero. Lleva en su corazón una pena de amor muy grande.

A partir de este artilugio literario –la aparición de un diario personal-, la narración de Dumans y Uchoa toma un giro inesperado al incluir un relator en off que cuenta su vida: el trabajador anónimo deja un relato conmovedor sobre un destino común e invisible para la sociedad occidental con un final abierto. Podría hasta ser una metáfora del hombre común, el que no sale en la TV: su vida y su muerte no importan, no son titulares.

Desde un lugar nostálgico, a la vez amoroso y brutal en alguna secuencia, los directores desarrollan una ejemplar biografía anónima que se torna universal por los temas que transita. Tiene un valor agregado que radica en la narración pendular entre la ensoñación y la realidad de una favela. Peca de cierta lentitud por la inclusión de musicales.

Elsa Bragato

 

 

LA BODA

Guion y dirección de Stephan Streker. Con Lina El Arabi, Sébastien Houbani, Babak Karimi, entre otros. Cinematografía: Grimm y Vandekerckhove. Edición: Jérome Guiot. Duración: 98 minutos. Bélgica.

XXXXx- TRADICIONES PELIGROSAS

Zahira (Lina El Arabi), de 18 años, es una joven paquistaní que creció en Bélgica, está embarazada y desafía la tradición que la obliga a casarse con alguien de la misma cultura. La historia es real, sucedió en 2007. El realizador Stephan Streker la tomó realizando una profunda investigación sobre las costumbres de la comunidad paquistaní, pero tomó distancia de la familia en cuestión. Esto le permitió libertad a la hora de manejar diferentes circunstancias de su ficción. Se trata del concepto del “crimen de honor”: la joven belga-paquistaní ha dejado de ser virgen, espera un hijo y no está casada. Para colmo, se enamoró de un hombre que no es musulmán. La familia sufre una enorme violencia espiritual a partir de los principios religiosos en los que cree. Zahira no se da cuenta de la magnitud de los hechos que generó; occidentalizada, la cuestión es simple: debe casarse con el hombre que ama. En cambio, su familia siente un deshonor inaceptable que los llevará a un callejón sin salida.

La realidad tuvo todos los elementos de la clásica tragedia griega, donde los personajes están atados a un designio ineludible y trágico. En sí, es una historia desgarradora, incomprensible para el pensamiento occidental en momentos en que los derechos de la mujer están sobre el tapete con fuerza irreductible. En el caso de “La Boda”, Zahira enfrenta la esclavitud de un pensamiento religioso destructivo.

La fotografía y el relato preciso conforman una pequeña gran obra de arte con visos de realidad inquietantes. Premiada en varios festivales y nominada en otros, “La boda” tiene el beneplácito del público a pesar de su dureza.

Carlos Pierre

 

 

VENGANZA

De Hans Petter Moland. Guion: Frank Baldwin (Remake Kim Fupz Aakeson). Fotografía: Philip Ogaard. Con Liam Neeson, Laura Dern, Emmy Rossum, Julia Jones, William Forsythe, entre otros. Música: George Fenton. Duración: 118 minutos. Reino Unido.

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XXXXX-VÉRTIGO SIN TREGUA

Remake de la película noruega “Uno tras otro”, Nelx Coxman (Liam Neeson), conductor de una barredora de nieve, es el implacable perseguidor de los asesinos de su hijo en el invierno del estado de Colorado, Estados Unidos. La búsqueda lo lleva a enfrentar una guerra de narcotraficantes, liderados por un cerebral y poderoso delincuente de guante fino enfrentado, a su vez, con un cacique indio.

La venganza es el motor del protagonista y de esta película de acción que se desarrolla en campos helados que quedan plagados de muertes. Es una cacería interminable del hombre al hombre mismo, con cierto humor negro, y un vértigo de thriller sin tregua. Cada muerte merece un destaque especial en el film, apareciendo una toma específica con el nombre del “fallecido” y su religión.

Son los “plus” de la película que incluye una muy pensada banda sonora: además de la música incidental de George Fenton, se recurre al concierto El Emperador de Beethoven, a un cuarteto de Dvorak y hasta a una alusión de Johann S. Bach en boca del pequeño hijo de un narcotraficante: “… Un músico matemático”.Y además hay locaciones especiales como Alberta en Canadá y Oslo, Noruega. Liam Neeson se desenvuelve con la eficiencia que se le conoce, a pesar de ser un sesentón largo. El personaje no es ajeno a la edad real del actor por lo que la lucha que emprende no siempre lo da como vencedor. Es justo decir que, si no está en escena, el film decae notoriamente, pierde la adrenalina que su ‘physique du rol da. Muy entretenida con buena dosis de humor negro.

Carlos Pierre

 

 

CAFARNAÚM, LA CIUDAD OLVIDADA

De Nadine Labaki. Con Zain Al Rafeca, Yordanos Shiferaw, Boluwatife Treasure Bankole, entre otros. Fotografía de Christopher Aoun. Música de Klaled Mouzanar. Edición de Konstantin Bock y Laure Gardette. Duración: 126 minutos. Líbano, Francia, Estados Unidos.

Trailer

https://youtu.be/iC1QsklQhb8

 

XXXXX-ESTREMECEDOR RELATO SOBRE LOS SINTECHO

A Cafarnaúm, la Ciudad olvidada, la miramos o como un regodeo sobre la miseria en el Tercer Mundo, o le damos el crédito de una mirada desgarradora sobre los sin techo en Oriente y en esta parte del planeta. La segunda opción es la auténtica, la que no tiene un frío razonamiento y surge del estremecimiento que produce el relato de Nadine Labaki, primera directora de cine árabe nominada al premio Oscar justamente por este film.

Los protagonistas no son profesionales: se trata del niño Zain Al Rafeca, de 12 años, y de la jovencísima actriz de 2 años Boluwatife Treasure Bankole. Ambos realizan dos performances inolvidables e increíbles. Nadine Labaki nos cuenta la vida de un niño (ni siquiera ha sido registrado por sus padres como “nacido”) que escapa de su hogar, miserable en todos los aspectos, cuando dan como esposa a su hermana y compinche de 11 años a un hombre joven: ni bien la pequeña tiene su primera menstruación, es entregada al hombre que la embarazará y llevará a la muerte. La desesperación de Zain es de tal magnitud que ataca al esposo de la joven. La cárcel lo espera sin vueltas por el límite de edad. La narración se tuerce sobre sí misma y nos muestra la vida del pequeño cuando huye desesperado del hogar. La vida en la calle lo cargará con la insólita responsabilidad de  tener un bebé a su cuidado cuando la madre, africana, cae presa por no tener documentación. En ese carro formado por cacerolas desechadas, Labaki construye una imagen que nos remite, aunque lejanamente, a “El pibe”, de Charles Chaplin.

Los hechos a los que asistimos los vemos a diario en los noticieros nacionales e internacionales. Ahora son “película” en la narración de Labaki, descarnada por lo minuciosa. Aunque no menos verosímil. Y éste es el punto a favor del film que enmudece: nada de lo que se ve nos es extraño. La hipocresía social hace que se vea tal realidad como una exageración o un golpe muy bajo a Occidente. No hay cómo borrar lo que existe. Brutal, cruda, estremecedora visión de Nadine Labaki, la misma autora de “Caramel”, quien regala un espejo de lo que los dueños económicos del mundo se niegan a ver.

Elsa Bragato

 

 

          REINA DE CORAZONES

Documental de Guillermo Bergandi (segundo largometraje). Con Daniela Ruiz, Emma Serna, Nicole Cagy, Camila Salvatierra, Lourdes Arias, Estefanía Menzel, Alessandra Babino, Mar Morales, Valeria Pereira, Victoria Guadalupe Sánchez, Gisell Gali, Paola Agustina Silva, Rocío Rocha. Duración: 82 minutos.

XXXXX-SER TRANS EN ARGENTINA

Tras un fructífero recorrido por festivales internacionales, “Reina de corazones” se estrena en el país. Documenta fielmente la actividad de la Cooperativa Ar/TV Trans, fundada en 2010, que logró ser una escuela teatro con el objetivo de sacar de la prostitución a los travestis. Muchos de ellos llegan de diferentes provincias, habiendo tenido entre los 7 y 10 años las primeras sensaciones diferentes sobre la sexualidad: desde pintarse los labios con los cosméticos de la madre hasta usar polleras a escondidas a la salida del liceo nocturno. Los relatos frente a cámaras de quienes hoy son actrices trans resultan inquietantes: las experiencias en la prostitución dejan ver una sociedad muy hipócrita con sesgos autoritarios alarmantes. Como contrapartida, el realizador muestra el esfuerzo de la mayoría de los trans por tener una carrera universitaria, por no ser discriminados y por una inclusión social que no siempre se les da.

Egresados del único secundario trans, del que hace escasas semanas se dio un interesante documental, aspiran a trabajos dignos y a estudios superiores, desde enfermería hasta docencia. Aunque Argentina es un país con leyes inclusivas, tal vez más que muchos del primer mundo, la mentira social y la discriminación son fantasmas que surgen cuando menos lo pensamos. Solo el arte se revela como camino de redención.

Elsa Bragato

 

JUEVES 14 DE FEBRERO DEL 2019.-

De a cuentagotas nos van llegando los films oscarizados. En este caso, “Green book”, con “nuestro” Viggo Mortensen, film nominado como mejor película entre otras distinciones que puede ganar. Claro está, pelea cara a cara con “Roma” y con “La favorita”. Entre los estrenos de este jueves incluimos “Hora,día, mes”, película nacional de Diego Bliffeld, con el protagónico de un actor muy querido, Manuel Vicente y, entre otros integrantes del elenco, la presencia de Iván Steinhardt. Y “Tampoco tan grandes”, sólida comedia de Federico Sosa con Paula Reca y Miguel Angel Solá, entre otros. Es una road movie que encara el amor y el desamor entre treinteañeros y el amor adulto a partir de una historia diferente en tono de comedia.

 

GREEN BOOK

De Peter Farrelly. Guion: Nick Vallelonga, Brian Hayes Currie y Peter Farrelly. Con Viggo Mortensen, Mahershala Ali, Linda Cardellini, Dimeter Marinov, Mike Hatton, Igbal Theba, entre otros. Fotografía: Sean Porter. Montaje: Patrick J. Don Vito. Música: Kris Bowers. Duración: 130 minutos.

XXXXX- MIRADA SOCIOPOLÍTICA DE LOS 60

Luego de sonados éxitos junto a su hermano en la comedia, Peter Farrelly se involucró con entusiasmo en esta road movie basada en la historia real de Tony Lip Vallelonga, forzudo ítaloamericano del Bronx que, en la década del 60, asistió como chofer a Don Shirley, pianista de música clásica afroamericano. Ambos recorrieron los lugares indicados en el llamado “Green book”, sitios amigables para blancos y negros en plena época de segregación racial.

La base del guion es la historia que relató Nick Vallelonga, hijo de Tony Lip, quien fuera portero del afamado Copacabana durante 12 años. Incluso probó fortuna como actor haciendo un cameo en El Padrino , la obra de Coppola de 1972. Con los retoques propios para convertir un libro en un guion cinematográfico, la película de Peter Farrelly es una muestra fiel del “ser” norteamericano de los sesenta, con virtudes y defectos manejados en tono de comedia dramática, sin caer en el melodrama.

 Viggo Mortensen encarna a Tony Lip Vallelonga, mientras que el pianista Don Shirley recae en Mahershala Alí, actor a quien también vemos en otro estreno, “Battle Angel, la última guerrera”. Se establece un estupendo duelo actoral entre Mortensen (aumentó 20 kilos para este personaje) con el sobrenombre de “Lip” o labio por su charla sinfín, y Mahershala Alí, circunspecto músico devenido en compinche de “Tony”, un “oso hablador”.                                                          

Esta amistad nada convencional para aquella década de segregación y revueltas sociales en los Estados Unidos suscita empatía, se disfruta a través de dos consagratorias actuaciones y del entorno que Farrelly lleva a la historia: el desigual paisaje del sur algodonero mostrado sin vueltas, mientras un afroamericano como Shirley se esfuerza en demostrar a través de su arte la capacidad artística que no conoce de colores de piel. Esta especie de “road movie” permite a Mahershala Alí dotar a su rol de una gama de sentimientos desde el dolor por el rechazo a su persona y, en cambio, el aplauso a su notable arte, hasta la reverencia por ser un gran artista con la prohibición de comer un solo bocado en un lugar destinado a los blancos. En este juego actoral no está solo: su chofer y, de alguna manera, guardaespaldas “Tony” comparte las alegrías y tristezas de su compañero de viaje. La película es absolutamente disfrutable y merece ser tenida en cuenta en la elección final de los Oscar porque trata un tema esencialmente norteamericano desde lo artístico hasta lo social. Muy bien actuada, muy bien realizada, es un punto a favor para Peter Farrelly en esta incursión en otro género. Sin caer en la sensiblería, se muestra una realidad sociopolítica de la manera menos opresiva y más amable. No se la pierda.

Carlos Pierre

 

FELIZ DÍA DE TU MUERTE 2

De Christopher Landon. Fotografía de Toby O[liver. Música de Bear McCreary. Con Jessica Rothe, Israel Broussard, Suraj  Sharma, entre otros. Duración: 100 minutos.

XXXXX-TRAMPAS TEMPORALES QUE ABURREN

El “bucle” temporal, ése que incluye a una persona en un segmento de tiempo y le hace vivir siempre lo mismo, incluyendo su propia muerte, se vuelve tan reiterativo en esta secuela de “Feliz día de tu muerte” que se termina confundiendo las dimensiones de espacio y tiempo y en cuál se terminó filmando la historia.

Pasaron dos años desde el primer film en el que Tree, que encarna la actriz Jessica Rothe, había caído en el “bucle” temporal. Luego de ese tiempo, la jovencita vive la misma trampa de tiempo y espacio, repitiendo día a día su muerte en diversas circunstancias. Son tantas que las dimensiones se confunden.

Se intenta darle visos de seriedad con un complicado instrumento que hace saltar la luz del vecindario pero que logra cambiar los círculos temporales de quien así lo desee. En esta reiteración de los hechos el guion pierde su rumbo y comienza a inquietar porque termina por no comprenderse cabalmente en qué “salto temporal” están la protagonista y sus compañeros de la High School. Con tono de comedia más que de thriller, resulta una historia cansadora tanto como el primer film. Solo para fans.

Elsa Bragato

 

BATTLE ANGEL LA ÚLTIMA GUERRERA

De Robert Rodríguez. Guion de James Cameron, Laeta Kalogridis, Robert Rodríguez. Fotografía de Bill Pope. Música de Junkie XL. Con Rosa Salazar, Christoph Waltz, Jennifer Connelly, Jackie Earle Haley, Ed Skrein, entre otros. Duración: 121 minutos.

XXXXX-MÁS DE LO MISMO

Un “dejá vú” importante provoca “Battle Angel…” al enfocarse en una ciudad distópica y lo que resta de la Humanidad superando el 2500 y luego de una brutal “caída”. Sobre buena parte del planeta, quedan los restos de algo parecido a una nave espacial que cumple otras funciones. Estamos en un mundo donde conviven los seres humanos y los cyberborg. El médico Ido, a cargo de Christopher Waltz, encuentra en un basural los restos del cuerpo de una bella niña a la que, en su quirófano le devuelve la vida reemplazándole brazos y piernas por elementos cibernéticos. La jovencita no recuerda su pasado, donde fue una notable guerrera, y en sus paseos por la extraña ciudad llamada Iron City hace amistad con “Hugo” (carilindo Keean Johnson) quien pretende llevarla al camino de la lucha nuevamente.

Robert Rodríguez y James Cameron unieron sus poderosas imaginaciones en esta remake del film animé “Alita, ángel del combate” de 1993, basada en las historias de Yukito Kishiro. Tras un período de oscurantismo, el escritor japonés elaboró nueve volúmenes sobre esta protagonista que enfrentará a terribles hombres-máquinas o robots gigantescos. Nada que no hayamos visto en “Transformers”. Y en alguna otra película en la que los humanos se convierten en robots (cabezas unidas por músculos de acero a cuerpos monstruosamente grandes). Es aquí donde la historia de “Alita” y su mentor “Ido” pierde fuerza: se torna en un “dejá vú”  insoportable de decapitaciones, gritos, mutilaciones y “gore” que no aportan nada a la historia de la jovencita que redescubre el mundo.

Ciertamente hay algo de “Frankestein” en “Ido”, la búsqueda de cabezas a la noche o de cuerpos descartados para su laboratorio donde una asistente afroamericana lo ayuda sin emitir una sola palabra durante las dos horas de narración. En definitiva, hay derroche de tecnología computarizada, luchas a todo o nada y una idea de guion que quedó en eso, idea más que desarrollo de la misma.

Elsa Bragato

 

ANTONIO GIL

Documental de Lía Dansker. Duración: 83 minutos.

XXXXX-MITO QUE SE RENUEVA

Lía Lansker toma la veneración del Gauchito Gil –Antonio Gil Núñez- para realizar un documental atípico: se vale de las voces en off de los lugareños que recuerdan datos de la tradición sobre cómo murió. “Lo colgaron de un árbol como a un animal”, dice alguien, o “era un gurí inquieto”. Sobre él hay varias historias que la gente no toma en cuenta: que era un cuatrero que robaba a los ricos, que fue desertor del ejército por lo que fue degollado o bien que una tal Anahí, hija de un poderoso estanciero, se enamoró de él provocando la venganza de otros hombres del lugar. Como fuere, se recuerda que su verdugo rezó al gauchito y su hijo se sanó. Fue asesinado el 8 de enero de 1878, está enterrado en el cementerio de Mercedes, Corrientes, donde había nacido.

La forma del documental es diferente: la cámara está en un travelling que va hacia adelante o hacia atrás, tomando paisajes agrestes de extrema pobreza hasta llegar a otros civilizados, enfocando la cuadrilla de gauchos sobre caballos que van hacia el altar del Gauchito, o bien recorriendo los rostros de quienes van a rendirle culto.

Sin muchos datos, el documental de Lía Dansker reflota un mito que tiene millones de seguidores en el país, en Chile, en el Uruguay, gente que concurre cada mes de enero a rendirle tributo al Santo no canonizado que les cumple sus pedidos. Interesante propuesta sin ser profunda o exhaustiva con atrapante manejo de cámara.

Elsa Bragato

 

JUEVES 7 DE FEBRERO DEL 2019.-

Llegan estrenos varios que incluyen a La Favorita, la gran competidora de �Roma� en los premios Oscar, este primer jueves de febrero a los cines nacionales.

 

1.- ESCAPE ROOM, SIN SALIDA, de Adam Robitel. Seis personas son convocadas a participar de�un escape y quien lo logre ganara un millon de dolares.

 

�Tiene detalles de �Tales from the Crypt� y de otras mas antiguas y mejores, el problema es que nunca alcanza el nivel de estas, y su parte final es aburrida y demasiado formal�, de Glenn Kenny, The New York Time.

 

�Veras peliculas peores este 2019. Lo mejor que se puede decir de ella es que no pasas las dos horas buscando la salida�, de David Fear, The Rolling Stones.

 

 

2.- LA GRAN AVENTURA LEGO 2, de Mitchell y Gum. Emmet, Lucy y Batman enfrentan a enemigos del exterior. La lucha los llevara a mundos muy lejanos donde todo es musical.

 

�Una tormenta incesante de gags, tremendamente original y que no deja ni un segundo de sorprendernos�, de Peter Bradshaw, The Guardian.

 

�Pese a lo entretenida que resulta, hay algo que echamos de menos: la loca creatividad de la original. Todo sigue siendo impresionante, solo que un poco menos�, de Chris Nashawaty, Entertainment Weekly.

 

Tambien se estrenan 3.-La nostalgia del centauro, documental de Nicolas Torchinsky sobre un matrimonio de ancianos provenientes de los cerros tucumanos, y 4.-El tio”, film de Maria Eugenia Sueiro, que fuese anunciado a mitad del 2018, oportunidad en la que se lo comento.

 

LA FAVORITA

 

De Yorgos Lanthimos. Con Olivia Colman, Emma Stone, Rachel Weisz, Nicholas Hoult, Joe Alwyn, James Smith, entre otros. Música del Renacimiento y barroco, desde Bach hasta Vivaldi, con la inclusión en el final de Elton John y su versión para clavecín de “Skyline pidgeon”. Fotografía de Robbie Tyan. Duración: 121 minutos.

 

XXXXX- HISTORIA OSCURA DE UNA REINA

“La favorita”, nuevo film del destacado griego Yorgos Lanthimos, el mismo de “El sacrificio del ciervo sagrado” y “Langosta”, es profundamente retorcido y extravagante, aunque tiene aciertos destacados en la trilogía protagónica y en la fotografía. Es decir, hay una forma que atrapa, tomas americanas oblicuas y ojo de pescado que se reiteran como esquema a lo largo de 8 capítulos, junto a una subyugante reconstrucción de época que incluye una estupenda banda sonora.

El fondo es traer a la pantalla la historia de Anna Reina de Inglaterra, Irlanda y Escocia, la última de los Estuardo, que tuvo 17 hijos, ninguno de los que llegó a adulto. En plena guerra con Francia, enfrenta la soledad del trono porque su marido está en combate. La secundan lady Sara Churchill, esposa del duque de Marlborough, y la joven Abigail, que dice ser su prima pero caída en desgracia, por lo que pretende reconquistar su status aristocrático: tres mujeres, 17 conejos que reemplazan a los 17 hijos fallecidos, y una reina que come descontroladamente encontrando solaz sexual en su confidente Sara (Emma Stone, irreconocible) y en la novata Abigail (Rachel Weisz).

Con un matiz de burla desacralizante, Yorgos Lanthimos profundiza en las relaciones procaces de la reina Anna, enferma crónica de gota, que encarna la laureada actriz Olivia Colman. Desgreñada, grosera, Anna es un esperpento que solo seduce por su poder omnímodo. El trío de actrices se mueve a la perfección, como piezas de un reloj que encajan en el preciso momento. Y en esto reside el mayor logro del realizador griego que ha recibido 10 nominaciones por esta película. Colman asombra por la ductilidad de su cara mientras que Emma Stone seduce desde la prepotencia y Rachel Weisz asombra por su hierática belleza.

A estas alturas hay que plantearse si al público le puede atraer la biografía parcial de una reina británica enmarcada en una narración con especulación visual, matanza de animales, y groserías puntillosas, aunque las califiquemos de “sarcasmos”.

De lo que no quedan dudas es de la inteligencia de Lanthimos para manipular, retorcer, exprimir, una historia: luego de esta “favorita” no habrá quién se le atreva a Anna Estuardo con su decadente reinado. Manejándose con arquetipos de “story board” conforma una apuesta que entra por los ojos y no por su historia desangelada. Advertido el espectador, llama la atención que en Hollywood seduzca más la biopic de un monarca europeo que las surgidas de su propia tierra.

Elsa Bragato

 

LADRILLOS CAPITALES

TRAILER

https://youtu.be/XzlefL3xZY8

 

Documental de Gustavo Laskier sobre la villa Rodrigo Bueno. Duración: 71 minutos.

XXXXX-BARRIOS DE PIE

Gustavo Laskier rescata con este documental la lucha de los vecinos de la villa Rodrigo Bueno, que surgió en los 80 al lado de la Reserva Ecológica de la Costanera Sur. Allí hay más de 1000 familias que tuvieron en su vocero, el vecino peruano Luis Espinosa, al delegado que los convocó y permitió que se accedieran a reuniones con diferentes representantes incluso del gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Las familias, muchas provenientes del Paraguay y del Perú, enfrentaban hace 13 años, tal vez un poco más, el desalojo por estar ocupando una de las zonas más costosas de Buenos Aires. Alzaron la voz durante mucho tiempo hasta que las autoridades cambiaron de actitud y comenzó a hablarse de “urbanización”, incluyendo créditos blandos a los que se supone que los vecinos podrán acceder.

Las obras comenzaron, las máquinas alisaron vastos terrenos donde se colocarán los pilotes, los fundamentos de los futuros edificios que albergarán a más de 600 familias.

Se trata de un documental interesante que muestra una circunstancia diferente entre los habitantes porteños, desde los que pueden acceder a viviendas dignas en diferentes barrios hasta los que hoy deben vivir en asentamientos carentes de los servicios elementales. El documento de Laskier muestra cómo se puede cambiar una realidad distópica con legisladores que escuchan los reclamos de los ciudadanos a los que representan.

Elsa Bragato

 

MOCHA

TRAILER

https://youtu.be/TX4PMIIPoqY

 

Documental colectivo realizado por los alumnos del bachillerato trans “Mocha Celis”, ubicado en el barrio de Chacarita. Lo dirigieron Francisco Quiñones Cuartas y el franco libanés Rayan Hindi. Duración: 71 minutos.

XXXXX- NO A LA EXCLUSIÓN

A través de diversos alumnos-alumnas que asisten al bachillerato trans “Mocha”, del barrio de Chacarita, se logra este documental colectivo sobre la integración. Los travestis cuentan sus historias y el enorme beneficio de estudiar el bachillerato en un lugar donde no son mal vistos ni excluidos y obtener el título que les abre puertas.

Mocha Celis fue una travesti tucumana asesinada en los 90 por la policía. Desde entonces, la lucha se acrecentó incluyendo las marchas que se realizan una vez por año y los reclamos insistentes a las autoridades sobre los derechos que los asisten.

La Argentina es, en verdad, una abanderada en materia de derechos para los trans, incluyendo la creación de este bachillerato que es único en el mundo. Un gran paso de nuestra sociedad hacia la integración absoluta que aún no se da. El documental se estrena en el Malba, fuera del circuito considerado comercial.

Elsa Bragato

 

FIESTA NIBIRU

TRAILER

https://youtu.be/FMrW_pJ6vu4

 

De Manuel Facal. Con Carla Quevedo y Verónica Dobrich entre otros. Fotografía de Benjamín Silva. Duración: 89 minutos. Coproducción Argentina-Uruguay.

 

XXXXX-BURDA PIJAMADA

Como el título lo indica, deberíamos estar frente a una “fiesta”. En cambio, asistimos a una historia que intenta ser “Her”, memorable film, para terminar siendo un ensayo tonto y burdo que no debería llegar a las salas. Dos jóvenes se comunican via internet con amigos lejanos, Austria, Estados Unidos, hablan en inglés y sueñan con la gran pijamada. De a poco, irán llegando invitados cada vez más extraños y la ingenuidad prepotente inicial se transformará en una mueca.

La búsqueda de lo “noir” sin tener suficientes recursos queda en la nada. La falta de generación de climas y los diálogos paupérrimos hacen de esta “fiesta nibiru” un fracaso absurdo. Los ensayos hay que dejarlos para la hora del videojuego en el living de casa.

Elsa Bragato