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COMENTARIOS SOBRE CINE
 

*Colaboración del crítico y productor Carlos Pierre

http://www.elsabragato.blogspot.com  El site de Elsa Bragato

Conoce los libros de Elsa Bragato

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JUEVES 10 DE OCTUBRE DEL 2019.-

 

PAVAROTTI

Dirección: Ron Howard. Guion: Cassidy Hartmann, Mark Monroe. Fotografía: Michael Dwyer. Duración: 114 minutos. Reino Unido.

XXXXX- EL TENOR DEL PUEBLO, EXCELENTE DOCUMENTAL

Ron Howard, notable director dueño de un Oscar (Una mente brillante) deja de lado el mundo de ficción para dedicarse a la vida y carrera de Luciano Pavarotti, el mítico tenor nacido en Módena, Italia, en plena Segunda Guerra Mundial, a través de un documental rico en datos e imágenes.

Los comienzos, la carrera, la vida, los amores, desfilan en una narración ágil, honesta, con vuelo artístico. Desde aquella casa paterna, con papá panadero también dueño de una voz hermosa, hasta la fama internacional que Pavarotti supo ganarse: para Luciano, su padre fue un cantante excepcional, tenaz y estudioso, que podía dar el famoso “do de pecho” o “do sobrenatural”. A medida que fue creciendo, Luciano se esforzó por darle color y profundidad a la potente voz que había heredado. Decía que “La voce” era como una novia a la que no podía dejar de amar (curiosamente “voz” es un vocablo femenino en las lenguas italiana, francesa y español). Tuvo en la notable soprano Joan Shuterland a una maestra inigualable que le enseñó a manejar con firmeza el diafragma (fundamental para la apoyatura de la voz).

Con los años, la carrera de Luciano Pavarotti creció al máximo nivel y su vida personal sufrió los embates de la fama y de su enorme carisma. Era encantador, travieso, inquieto, padre de tres hijas, habitante de todos los teatros del mundo, incluso los más insólitos como el del Amazonas o bien el teatro de la ópera de China. Enamoradizo, su secretaria Nicoletta Mantovani, 30 años menor que él, se convirtió en su segunda esposa, con quien tuvo otra hija. Su destino fue estar rodeado por mujeres, su primera esposa y las primeras tres hijas, la segunda mujer y una hija más, y la amistad con la princesa Diana unidos por una cálida admiración mutua.

Junto a dos voces maravillosas como las de los tenores Plácido Domingo y José Carreras, formaron el trío más famoso del siglo XX. Por su parte, Pavarotti se emparentó con las voces del pop y del rock, desde Bono hasta Sting, entre tantos otros. Con Bono tuvo una relación especial porque ambos participaron de muchas funciones solidarias en Bosnia, siendo emocionante la canción “Miss Sarajevo”. Es de destacar la sencillez del gran tenor de Módena al rescatar siempre los nombres de sus maestros y guías, como el caso de la soprano Shuterland y la del reconocido tenor Enrico Caruso.

De pura cepa italiana, aunque de la “media Italia”, Pavarotti tuvo una vida plena siendo este documental abarcativo de las principales etapas de su vida. Bien se puede decir que Pavarotti fue el hombre que llevó la lírica al pueblo, sin menoscabar su calidad. Ron Howard mostró una mano diestra para un relato poco convencional en su carrera cinematográfica. No deje de verlo.

Carlos Pierre

 

EL PASADO QUE NOS UNE

Guion Y dirección: Bart Freundlich (Guion original: Susanne Bier). Con Julianne Moore, Michelle Williams, Billy Crudup, Eisa Davis, Doris McCarthy, entre otros. Fotografía: Julio Macat. Música: Mychael Danna. Duración: 110 minutos.

XXXXX-MELODRAMA CON NOTABLES ACTUACIONES

“El pasado que nos une” es una remake de la película danesa “After the Wedding” (2006) de Susanne Bier, drama conmovedor que se desata cuando la directora de un orfanato hindú, Isabel (Michelle Williams), a punto de la bancarrota, recibe, desde Nueva York, la noticia salvadora de que la empresaria Theresa (Julianne Moore) le hará una importante donación si viaja a Nueva York, coincidiendo con el casamiento de su hija. Una intrincada sucesión de hechos surgen del pasado cuando Isabel se encuentra con el marido de Theresa. Quedan todos involucrados en un drama inesperado que sale a la luz de la manera menos esperada.

El realizador Bart Freundlich tuvo la perspicacia de convocar a dos notables actrices como Julianne Moore y Michelle Williams quienes, con sus performances, esquivan el trazo grueso que campea en la trama. Por momentos, es inevitable pero hace a la historia y a los sentimientos de los personajes, expuestos a través de composiciones carismáticas y elegantes. Son 110 minutos conmovedores, honestos y sinceros, porque no temen caer en la calificación de sensibleros. Los sentimientos no se ocultan por lo que el melodrama, sin tonos espesos, roza el alma.

Carlos Pierre

 

 

PISTOLERO

Guion y dirección: Nicolás Galvagno. Con Lautaro Delgado Tymruk, Sergio “Maravilla” Martínez, Diego Cremonesi, Juan Palomino, María Abadi. Fotografía: Leonel Pazos Scioli. Música: Mariano Castro. Duración: 108 minutos.

XXXXX- UN CURIOSO EXISTENCIALISMO

Con el diseño del raid del pistolero Isidoro Mendoza (Lautaro Delgado Tymruk) y su hermano Claudio (Sergio “Maravilla” Martínez), surge esta narración que, lejos de convertir a la violencia que se desata en eje de la historia, es la excusa del cuestionamiento existencial del protagonista, su accionar en la sociedad durante la dictadura de Onganía.

El guion del realizador Galvagno despierta curiosidad al avanzar sobre el cuestionamiento intelectual de “Isidoro Mendoza” quien no deja de lado la violencia pero está atrapado en una actitud reflexiva sobre su destino. Conforma un extrañamiento sobre una manera de ser no común: en la forma, pistoleros. En el fondo, la profundidad del existencialismo.

A los hermanos se les suman algunos personajes más como el comisario que los busca (Juan Palomino) y una maestra que llega de Buenos Aires (María Abadi), conformándose un western atípico, reflexivo, en el que el pasado tan solo se esboza dando solidez al presente y futuro de Isidoro y su hermano.

El departamento de Lavalle, en Mendoza, es el marco adecuado, visualmente perfecto, cabal, para esta historia de villanos, hipocresía social, y dualidades, que nos deja Nicolás Galvagno. Sin duda, es un film novedoso, inusual, con dosis de violencia pero que se sustenta en la reflexión más humana: el hombre “extranjero” en el mundo, alguien que muere al saber que debe morir.

Carlos Pierre

 

RETRATO DE PROPIETARIOS

Idea y Dirección: Joaquín Maito. Montaje: Tatiana Mazú – Manuel Embalse. Duración: 80 minutos.

XXXXX-ALEGORÍA SOBRE LA LIBERTAD

El realizador Joaquín Maito se consagra con su primer largo a través de esta fábula sobre la libertad en formato de documental. De una elaboración compleja, la película toma una firme dirección hacia la ciencia ficción. En verdad, es una propuesta a contrapelo del “status quo” social: la propiedad privada es la misma en la isla de los Gatos del Japón como en el pueblo más pequeño de la Argentina. Desde los animales domésticos hasta los automóviles, lavarropas o las casas. Todo tiene dueño.

En esta fábula fílmica deambulan los gatos de la “Isla de los Gatos” que mencionamos, así como los pueblos abandonados, basurales, los animales que escapan de sus casas y los propietarios que salen a buscarlos. Mientras las antenas propagan en el mundo el mensaje gatuno, obreros pierden la vida en una fábrica. Y una atmósfera asfixiante se apodera del planeta. Todos somos dueños del otro, de algo, pero todos necesitamos de la libertad para vivir y “ser”. Joaquín Maito es quien se hizo cargo de la cámara, de la fotografía, por lo que lo visual adquiere mucha importancia en este documental que cruza varios límites dentro del género. No es de fácil interpretación, resulta atípico porque los datos que nos proporciona son crípticos oscilando entre el surrealismo y el expresionismo a  lo largo de los 80 minutos, Argentina, Japón, España, desfilan a través de personajes inusuales que nos plantean la necesidad de la libertad, de correr ciertos límites que asfixian la vida misma.

Carlos Pierre

 

Otros estrenos previstos:

1)  Rambo, Last Blood, de Adrian Grunberg. Con Sylvester Stallone y Paz Vega, entre otros.

 

“Retrata México como un país habitado únicamente por explotadores sexuales, violadores y asesinos. Es la encarnación perfecta del discurso racista de Trump”, de Nando Salvá, Diario El Periódico.

 

“Es escueta, muy básica, incluso simple, pero también efectiva. Es complicado calibrar subtexto alguno, aparte del espectáculo de la ferocidad, y esquiva bien posibles acusaciones (aunque las habrá) de xenofobia con los mexicanos”, de Javier Ocaña, Diario El País.

 

2)  Monos, de Alejandro Landes. Colombia.

 

“Una multicoproducción internacional que tiene algo de metarrelato sobre la violencia guerrillera en Latinoamérica. Hay una tendencia al exhibicionismo que podría decantar la carrera de Landes como la del nuevo Iñárritu. Y no, no lo digo como elogio”, de Jaime Pena, Caimán.

 

“Una saga elaborada de forma sublime sobre niños soldados que descubren sus propios corazones en la oscuridad de la naturaleza desconocida y salvaje de Latinoamérica”, de Jessica Kiang, Variety.

 

3)  Dónde estás Bernadette?, de Richard Linklater, con Cate Blanchett. Estados Unidos.

“Tan errática como su protagonista. Aunque se torna cautivadora en su acto final, antes de llegar a él no se decide en cuanto a su tono ni en lo que se refiere a su parte dramática”, de Todd McCarthy, The Hollywood Reporter.

“Un estudio de la ambición femenina y de la maternidad tan apasionado como ambivalente”, de An Hornaday, The Washington Post.

4)  Playmóbil, de Lino DiSalvo. Estados Unidos Alemania. Animación.

 

JUEVES 3 DE OCTUBRE DEL 2017.-

 

JOKER-GUASÓN

De Todd Phillips. Con Joa1uín Phoenix, Robert de Niro, Frances Conroy, Zazie Beetz, Grett Cullen, Brian Tyree Henry, Marc Maron, Sharon Whasington, Dante Pereira Olson, Douglas Hodge. Guion de Todd Phillips y Scott Silver. Fotografía de Lawrence Sher. Edición de Jeff Groth. Música de Hildur Gudmadottir. Duración; 122 minutos.

XXXXX- PHOENIX, EN LA CUMBRE DE UNA GENIAL LOCURA

Si el Guasón de Heith Ledger rompió todos los moldes aventurándose a una creación personal, el Guasón de Joaquín Phoenix ingresa en una categoría aún superior, virtual, ¿un don del cielo acaso?

Fuera de todos los cánones de los cómics, dándole absoluto protagonismo a Phoenix y su trabajosa composición (le significó 23 kilos menos) de Joker, Todd Phillips se lanzó a la construcción de una historia profundamente conmovedora que no buscó lo fácil sino la complejidad existencial. El secreto radicó en el protagonista, en darle algunas pautas y dejarlo ser. Desde lo más profundo de su sensibilidad, Joaquín Phoenix consiguió darle vida a un Joker-Guasón lastimado por la sociedad, bullying físico, espiritual, cuidando de una madre enloquecida y mentirosa, bajo las órdenes de un infame patrón de variedades “Carnival”, y la ayuda circunstancial de una psiquiatra afroamericana: siete medicinas diarias, órdenes de compra que van mermando, y la enfermedad de la risa que lo va carcomiendo.

No es política la propuesta. El Guasón se encarga de repetir la frase. Pero sí es profundamente social. A Guasón no solo lo mortifican el hambre y la miseria, la falta de trabajo y el abrupto corte de la ayuda estatal en su tratamiento, sino la angustia social colectiva, la ofensa de los candidatos políticos, sino también su propia angustia existencial, la que reconoce falta de identidad, una madre que le miente, un patrón que lo culpa sin preguntar. Le duele su propio destino que se suma a aquélla calificación dada por los candidatos políticos de Ciudad Gótica: ciudadanos “payasos”. Guasones multitudinarios que replican una y mil veces la pintarrajeada cara de Joker-Guasón, enfermo de carcajadas que lo atacan cuando sufre. Y que desencadenan una tragedia si enfrente está la burla.

Cabe la pregunta: ¿es la configuración de un psicópata? ¿Nació así o la sociedad de los poderosos determinó su irracionalidad momentánea? Si se defiende de quienes lo patean en el piso hasta darlo por muerto, ¿es por ser un psicópata asesino o porque enfrenta la violencia de un “afuera” que vive a costa de la mayoría?

Cuando Joker asume su accionar, su brutalidad puntual con quienes se burlan de él, Joaquín Phoenix viste su propio clown o ensaya una danza clásica bajando escaleras. Algo le quebró el alma: no siente compasión por los que pisotean a los débiles. Tiene piedad con los buenos, asesina a los petulantes con poder.

Se dijo que, por la violencia de la película, debía prohibirse en algunos países. Hubiese sido un manotazo a la libertad inaceptable. Si es por la violencia hay que descartar primero los videojuegos, artífices de matanzas fundamentalistas, o las sagas con adolescentes que se pierden en un bosque para ser asesinados a machazos, mientras que en “Joker” la violencia es la respuesta a una agresión exterior. O, como lo sentimos, una obra maestra de la desesperación y del abandono, de la angustia existencial de “ser” en sociedades de “otros”.

Por suerte, en el cine universal hay algunos ejemplos notables como “Ultimo tango en París”, canto a la desesperación existencial resumida cínicamente en una escena de sexo, o en el tercer “Batman” de la trilogía extraordinaria de Christopher Nolan, alegoría del dolor de las sociedades masacradas por bombas del primer mundo. “Joker-Guasón” no tiene raigrambre DC, nadie puede pensar que es un personaje de un “cómic”. Es la representación más clara de los marginales y de la locura a la que lleva la expulsión de las sociedades como las nuestras. Obra maestra del director Todd Phillips y de Joaquín Phoenix, en la cumbre de su performance artística.

Elsa Bragato

 

 

PUNTO MUERTO

Guion y dirección: Daniel de la Vega. Con Osmar Núñez, Luciano Cáceres, Rodrigo Guirao Díaz, Natalia Lobo, Daniel Miglioranza, Enrique Liporace, entre otros. Fotografía: Alejandro Giuliani. Música: Luciano Onetti. Vestuario: La Polilla. Duración: 77 minutos.

XXXXX- TERROR DIABÓLICO CON BUENA DIRECCIÓN Y BUEN ELENCO 

Daniel de la Vega es uno de los más importantes referentes del cine de género argentino. Su producción es considerada de “culto” en el país y en el exterior, cosechando premios y elogios de la crítica. Cine fantástico, de terror y de horror lo caracterizan, con gran repercusión en San Francisco, México, Chile, Rumania, Grecia, y Rosario, Mar del Plata, Mendoza y Buenos Aires, en nuestro país.

Inquieto, en Punto Muerto le da un giro a las temáticas habituales narrando un thriller diabólico que filmó en blanco y negro, donde se destacan la ambientación, el espacio cuasi teatral y el planteo discursivo.

El elenco está formado por notables actores como Osmar Núñez y Luciano Cáceres, junto a Natalia Lobo -por demás convincente-, y Rodrigo Guirao Díaz, en ascendente carrera. El diseño de arte es diferente con un buen ensemble de fotografía y vestuario dentro de un cuarto poblado de enigmas en un viejo hotel.

Luis Peñafiel (Osmar Núñez) es escritor y acaba de finalizar una novela donde plantea el crimen perfecto en una habitación cerrada. Un asesinato siguiendo el mismo patrón de su historia pone a Peñafiel en el centro de la pesquisa policial, además de sufrir el cuestionamiento de un colega (Luciano Cáceres).

A tan prolija realización se le objeta la música incidental demasiado estentórea así como la inclusión del frente de la casona del hotel en varias secuencias con tomas de excesiva quietud, muy artificiales. Estos detalles que se apuntan no menoscaban el siempre firme pulso de Daniel de La Vega para contar historias de terror con un sesgo nacional distintivo.

Carlos Pierre

 

 

EL REINO DE LA CORRUPCIÓN

De Rodrigo Sorogoyen. Guión de Sorogoyen e Isabel Peña. Fotografía de Alex de Pablo. Música de Olivier Arson. Duración: 131 minutos.

XXXXX-CORRUPCION Y CONSECUENCIAS

La corrupción endémica de la política corrompe tanto en nuestro país como en todo el mundo. En Europa, un caso muy emblemático, entre otros países, es el de España. El film de Rodrigo Sorogoyen retrata el caso de un encumbrado vicesecretario de un partido político al que la prensa le descubre ciertos manejos espúreos y su vida empieza a derrumbarse en un mar de sospechas, investigaciones, acusaciones en la justicia y despidos del partido, que mantiene la estructura corrupta pero se deshace de los que cobraron notoriedad por ese motivo. La cuestión es que nada cambie. 

Nada que desconozcamos. El valor de este film está en el manejo narrativo de Rodrigo Sorogoyen, una cámara inquieta que busca las reacciones físicas y psicológicas de “Manuel” (Antonio de la Torre) más que centrar la acción en los eventos que comienzan a ocurrir y que sirven de gran tejido contenedor de esta historia personal. Las tomas secuencias son varias y de excelente factura.

El ritmo es ágil aunque cae en lo discursivo con acción gestual, va creciendo hasta llegar a la conducción alocada –climax de thriller sorpresivo- de “Manuel” por una ruta de madrugada, donde la magia de la noche y la cámara de Sorogoyen se unen en magníficas secuencias. Aunque inquieto, rabioso y sin cortapisas, el retrato propuesto de “Manuel” y su corruptela es eso, un retrato que no modifica la realidad ni de allá ni de acá. Vale como espejo de lo que no hay que ser ni hacer.

Elsa Bragato

 

 

MURALLA

De Gory Patiño. Guion de Rodrigo Patiño, Fernanda Rossi y Camila Urioste. Con Fernando Arze, Pablo Echarri, Juan Carlos Aduviri, Luis Aduviri, Freddy Chipana. Fotografía de Gustavo Soto. Música de Juan Carlos Auza. Duración: 110 minutos. Bolivia.

XXXXX-CUANDO LA VIDA ES SOLO PENDIENTE

Notable actuación despliega el actor boliviano Fernando Arze como “Coco Muralla Rivera”, ex arquero que tuvo una actuación destacada en los 90. En esta ópera prima de Gory Patiño hay mucho profesionalismo y un manejo narrativo fuera de lo común para quien recién se pone los “largos” en el cine mayor. No es algo que veamos nosotros solamente sino que el film fue elegido para representar a Bolivia en los próximos premios Oscar.

Surge de una miniserie de televisión de diez capítulos que dirigió el mismo Patiño, que se llamó “La entrega”. Este “spin-off” valió la pena por la historia y porque Patiño logró una realización de altísimo vuelo y actuaciones superlativas. Gran logro es la performance de Fernando Arze como el “Muralla”, que cae en la indigencia y, para salvar a su pequeño hijo internado, se vale de la más atroz delincuencia. Separado de su esposa, su vida es una real cuesta abajo.

El trabajo de la cámara durante la noche es muy interesante: Patiño se aventuró a secuencias de difícil resolución, incluyendo las que filmó nuestro Pablo Echarri en el rol del poderoso narcotraficante que apela a cualquier recurso bajo para enviar drogas, incluyendo las más inhumanas y abyectas.

En la vida estos personajes existen, van en pendientes sin posibilidad de freno para dejar de caer. Fuerte, sombrío, alegoría cruda de una realidad que existe a la sombra de los que dicen “eliminarlas”.

Elsa Bragato

 

Otros estrenos previstos:

1.- Terror a 47 metros, el segundo ataque, de Johannes Roberts. Estados Unidos.

2.- Por no para principiantes, de Carlos Ameglio, Argentina.

3.- Dolce Fine Giornata, de jace Borcuch. Polonia,Italia.

 

JUEVES 26 DE SETIEMBRE DEL 2019.-

HISTORIAS DE MIEDO PARA CONTAR EN LA OSCURIDAD

Dirección: André Ovredal. Guion basado en el libro de Alvin Schwartz. Con Zoe Margaret Colletti, Michael Garza, Austin Zajur, Gabriel Rush, Kathleen Pollard, entre otros. Fotografía: Roman Osin. Música: Marco Beltrami, Anna Drubich. Producción de Guillermo del Toro. Duración: 111 minutos. Estados Unidos-Canadá.

XXXXX- DOSIS DE TERROR PARA TODAS LAS EDADES

Guillermo del Toro se basó en la serie de tres libros homónimos escrita por Alvin Schwartz para organizar esta producción con criaturas diabólicas y seres extraños. Desde aquel mítico “El laberinto del fauno” hasta la muy reciente “La forma del agua”, Del Toro ha demostrado una sensibilidad especial en su imaginación poderosa. Con la dirección de André Ovredal, se creó este ambiente gótico nostálgico de la década del 80, en Mill Valley, pequeña ciudad de Estados Unidos, durante una fiesta de Halloween. Un grupo de adolescentes deberá resolver el misterio sobrenatural que rodea a una ola de muertes debido a diabólicas y espeluznantes criaturas, en la mansión abandonada de la familia Bellows donde Sarah, una joven con terribles secretos, convirtió sus pesadillas en cuentos reunidos en un cuaderno especial. El tropel de horribles criaturas hará de las suyas y cada adolescente tendrá un enigma doloroso a resolver: para Stella será la superación por la pérdida de su madre en una noche de Halloween, mientras que Román deberá superar la angustia que siente por estar reclutado para Vietnam.

Hay un refinamiento único, propio de Del Toro, muy bien logrado por Ovredal, en el tratamiento del terror, del gore, de las imágenes, que dejarán sin respiro a chicos y grandes. Aunque se piense que es un terror infantil, aquí hay dosis de miedo para todas las edades. La mano de Del Toro, merecido ganador del Oscar, aparece claramente en la creación de estas criaturas únicas, con las que va mezclando distintos aspectos del género. Hay seres horribles de todo tipo que desatan una orgiástica fiesta de sangre y terror, amparados en las sombras. ¡A prepararse para esta fábula de superlativo horror!

Carlos Pierre

 

UN AMIGO ABOMINABLE

Guion y dirección de Jill Culton. Animación. Fotografía de Robert Edward Crawford. Música de Rupert Gregson Williams. Duración: 97 minutos.

XXXXX-DULCE IMAGEN DE UN YETI “PERRUNO”

Dreamworks llega al cine con una animación que no se despega de las narraciones similares pero que tiene un encanto superior que embelesa y subyuga a todos. La realizadora Jill Culton es, desde hace tres décadas, una notable profesional de la animación y, desde hace 10, tenía entre manos el proyecto de un “Yeti” perdido en una gran ciudad. Eligió una urbe muy parecida a “Shanghai” para rendirle homenaje a varios integrantes de la empresa que viven en China, y tomó personajes orientales por la misma razón. Yi es una adolescente rebelde con su madre y su abuela que esconde la cantidad de trabajos que hace (limpiar restoranes, clasificar basura, entre otros). Su sueño es ahorrar para viajar al Everest, sueño que compartía con su papá, ya fallecido. De pronto, una noche se encuentra con un “yeti” en la azotea de su casa. Junto a sus amigos Jing y Peng, Yi se suma a la enorme aventura de llevar al Yeti al Everest, donde todo indica que pertenece.

Yi no es la adolescente “muñeca” que suele verse en las animaciones sino una chica que tiene actitudes fuertes, sin miedo a nada, propia de sus amigos varones. Esto la ayuda a perseguir el sueño del Yeti, un enorme animal que, según la directora, está inspirado en sus perros de gran tamaño.

Hay mucha ternura y buena imaginación en “Un amigo abominable”, calificativo que le daban en el laboratorio a este capturado yeti, donde estaba sujeto a experimentos, y del que se escapa. Además, tiene sonidos especiales que encantan a la naturaleza provocando reacciones mágicas. El canto del Yeti se une al del sonido del violín de Yi con resultados emotivos y fascinantes, y China aparece con el esplendor de su vasto territorio, ciudades magníficas, montañas gigantes, valles repletos de verdor. Aunque todos sepamos cómo va a terminar la historia, tiene valores que superan a la narración animada tales como el respeto a la familia, a los mayores, tanto en Yi como en el yeti. El molde es el mismo pero la historia tiene magia.

Elsa Bragato

 

NUESTROS VERANOS

Guion y dirección de Valeria Bruni Tedeschi. Con Valeria Bruni Tedeschi, Pierre Arditi, Valeria Golino, Noemie Lvovsky, Yolande Moreau, Laurent Stocker, Marysa Borini, entre otros. Fotografía de Jeanne LApoirie. Música de Paolo Buonvino. Duración: 125 minutos.

XXXXX-DECADENCIA BURGUESA QUE ABURRE

Valeria Bruni Tedeschi carga en su espíritu con culpa por pertenecer a la burguesía franco-italiana decadente. Sus films ahondan el tema. En el caso de “Nuestros veranos”, reúne a familiares de toda índole en una casa de la Costa Azul, a la que llega con su hija para pasar unos días. Le escapa al fracaso sentimental, a la no realización. El sesgo autobiográfico está y la realizadora lo asume indicando que es la forma en la que puede conjurar los muchos fantasmas que la asaltan.

Lo que más les molesta es que Valeria los filme en el descanso, en el almuerzo, o durante las confesiones de violación de algunas de las primas en medio de la pesadez que se produce luego de almorzar o la fuerte relación de la maestranza con los dueños en diálogos y actitudes que, sin duda, se dan en la realidad, pero que aquí se muestran como “rarezas”.

Federico Fellini realizó la genial “8 y 1/2” donde, ya en aquella década, la burguesía italiana se mostraba harta de sí misma, tediosa e impune. Algo similar, con las diferencias profundas del caso, le ocurre a Valeria Bruni Tedeschi, hermana nada menos que de Carla Bruni, la esposa del ex presidente de Francia Sarkosy. Dubitativa, sin aceptar la separación de su joven pareja –a cargo del italiano Riccardo Scamarcio-, la bruma y una suerte de ensueño le hacen creer que el reencuentro es posible. Pero nada es seguro, ni para Valeria ni para el público. Es una narración tan pesada como la burguesía decadente y tan débil como el hilo conductor que la sostiene.

Elsa Bragato

 

PÁJAROS DE VERANO

De Ciro Guerra y Cristina Gallego. Con Carmiña Martínez, José Acosta, Natalia Reyes, entre otros. Guion de María Camilia Arias y Jacques Toulemonde. Fotografía de David Gallego.Música de Leonardo Heiblum. Edición de Miguel Schverdfinger. Duración: 125 minutos.

XXXXX-LA MUERTE Y LA DROGA, DE LA MANO

De la calma de la tribu Wayuu en el norte de Colombia, en los 70, al policial neto de los 80: de la dote de cabras para el casamiento de Zaira con Rapayet al baño de sangre de los narcotraficantes. Con excelente mano, Ciro Guerra codirige con Cristina Gallego este largo cuento sobre el inicio del narcotráfico en Colombia, basándose en hechos reales acaecidos en las décadas mencionadas. Una tribu apacible, que lucha por mantener sus ritos ancestrales y sus costumbres familiares, se ve sacudida por la ambición de los hombres más jóvenes que toman contacto con los norteamericanos hippies, consumidores de marihuana. Al enterarse de que algunas plantaciones vecinas dejan buena ganancia, inician las propias constituyéndose en importantes vendedores de droga. La muerte acecha. De manera pausada e inevitable, la comadre de la tribu ve cómo sus descendientes se trenzan en una guerra sin tregua que va aniquilando a la población.

La magia del film reside en ese cansino narrar donde los personajes hablan en idioma nativo e intentan mantener las condiciones tribales a pesar del siniestro empuje monetario que da la droga. Es un tira y afloje constante en personajes que son lineales pero fieles, honestos, a los de carne y hueso por lo que la historia, aunque sobrevuele los hechos, se torna intensa. Buen cine colombiano aunque, justo es decir, en este caso no es para todos los gustos.

Elsa Bragato

 

EL PANELISTA

Documental de Juan Manuel Repetto.

XXXXX-INCOMPLETO RELATO

“El panelista” es el segundo documental de Juan Manuel Repetto, un trabajo más de examen final que profesional. Intenta retratar la vida de Carlos Bianchi, un no vidente que forma parte de un grupo de personas, un equipo, con ceguera que está entrenadas para catar alimentos en un laboratorio de investigación.

La figura del protagonista se desluce por completo, apenas unos pantallazos iniciales para recién tomar cuerpo en el desenlace, contando la historia personal, el reconocimiento de sus aptitudes así como de las imposibilidades físicas. La agudeza de los otros sentidos le permitió salvar a su hijo. En el medio de la historia propuesta, visitamos alternadamente al equipo de ciegos que catan, con alguna que otra intervención directa a cámara de una de las responsables. Si el documental se plantea de nuevo, desde la única perspectiva de Carlos, el protagonista, con su historia, sus superaciones y su trabajo de catador, el resultado será distinto y plausible.

Elsa Bragato

Otros estrenos previstos:

1.- Así habló el cambista, de Federico Veiroj. Uruguay

2.- Mujer en guerra, de Benedikt Erlingsson – Islandia. Francia

3.- Quién mató a mi hermano?, de Ana Fraile. Argentina

 

JUEVES 19 DE SETIEMBRE DEL 2019

 

INICIALES S.G.

Dirección: Rania Attieh y Daniel García. Con Diego Peretti, Julianne Nicholson, Daniel Fanego, Malena Sánchez, entre otros. Música original de Bill Laurence. Maciej Zielinski. Covers de Serge Gainsbourg: Iván Rusansky, Andrés Ortega, Federico Gianotti, Guido Tomei. Duración: 98´minutos.

XXXXX- DIEGO PERETTI ENTRE LA MÚSICA Y EL CRIMEN

La directora libanesa Rania Attieh y Daniel García, oriundo del sur de Texas, han formado una muy interesante sociedad cinematográfica que les permitió coescribir, codirigir y coeditar varias películas dentro del llamado “cine indie”. La consagración de la pareja se refleja en la participación y premiaciones que obtuvieron en diferentes festivales del mundo, entre ellos nuestro BAFICI.

INICIALES S.G. es un claro exponente del cine “a pulmón” que se convierte en cine de culto. En este caso, la coproducción es entre Estados Unidos y Argentina, con postproducción en los afamados estudios Skywalker.

Sergio Garcés (Diego Peretti) tiene 50 años y actúa como si tuviera 25, mostrándose arrollador y seductor, como el cantante Serge Gainsbourg, francés, casado con la actriz Jane Birkin (actriz fetiche de Agnés Vardá). La performance que realiza Diego Peretti está a la altura de las exigencias del guion, siendo secundado por la espigada Julianne Nicholson, solvente, en diálogos donde se entremezclan el inglés y el español.

La soltura narrativa muestra audacia en los giros sorpresivos y la audacia que tiene el cine independiente, no atado a esquemas comerciales. “Sergio” no está en un buen momento profesional, se aferra a su fanatismo futbolero y siente nostalgia por un romance furtivo, mientras es buscado por un crimen que no cometió. A partir de estos diferentes conflictos, Atthieh y García engarzan con habilidad las vivencias de un personaje muy rico, que les ofrece diferentes flancos que supieron aprovechar con diversa destreza. Una vez más, Atthieh y García logran ser fieles referentes de un cine que hace de la búsqueda de situaciones y sentimientos motores de guiones efectivos.

Carlos Pierre

 

VARDA POR AGNÉS

De Anges Vardá. Guion de Didier Rouget y Agnés Vardá. Duración: 115 minutos.

XXXXX-AUTOBIOGRAFÍA ATRAPANTE

Testamento artístico de una de las grandes directoras de cine francés, conmueve Agnes Vardá por la lucidez de sus 90 años. Sentada en un escenario de frente a una platea de jóvenes ávidos de su palabra habla de Inspiración, Realización y Comunicar como la base de su trabajo que comenzó cuando, en los 50, era reportera gráfica y le hacía fotos, por ejemplo, a Gerard Philliphe.

Mechado con otras conferencias y filmaciones donde se la ve trabajando como directora de cine, o bien ofreciendo conferencias, la larga charla de Vardá pone luz sobre una de las mujeres más notables de Francia, nacida en Bruselas en 1918. No deja de mencionar a quien fue su gran amor, Jacques Demy (su segundo esposo), desde 1962 hasta su muerte en 1990, cómo reflejó su vida –El universo de Jacques Demy-, cómo alcanzó la notoriedad por “Cleo, de 5 a 7” (una joven pasea por París mientras espera la confirmación de si tiene o no cáncer), 1961, título y guion que se debieron a una razón presupuestaria (divertido momento de su exposición) y por qué filmó “La felicidad”, tan popular como “Cléo…”, donde trabajó con un elenco no profesional sobre una familia obrera, 1965, film polémico en su época. “Mur murs” sobre los graffiti de Los Angeles, “Jane B.” sobre Jane  Birkin, “Daguerrotipos” sobre una calle de París, son algunos de sus largos más notables. No olvidamos “Visages Villages” que fue su último docuficción estrenado hace pocos meses.

Sin recursos novedosos, Vardá optó por el más convencional documental, atrapante y divertido. Es su última palabra, la que no pudo tener en los tiempos de la vanguardia francesa, opacada por los varones de un movimiento cinematográfico que rompió moldes. Vardá esperó trabajando su momento. Fue éste. El de la despedida.

Carlos Pierre

 

AD ASTRA: HACIA LAS ESTRELLAS

De James Gray. Guion de James Gray y Etham Grposs. Con Brad Pitt, Tommy Lee Jones, Donald Sutherland, entre otros. Fotografía de Hoyte Van Hoytema. Edición de Johan Axelrad y Lee Haugen. Música de Max Richter y Lorne Balfe. Duración: 124 minutos.

XXXXX- BRAD PITT EN OTRO GRAN TRABAJO

La relación con el protagonista es inmediata: el rostro de Brad Pitt y su voz en off surgen repentinamente en la pantalla contando su estado de ánimo y sus expectativas como astronauta. Debe salir al espacio para localizar a su padre, el científico Clifford McBride (Tommy Lee Jones). Se lo considera perdido pero vivo desde hace 16 años, estando a cargo del llamado Proyecto Lima desde donde, por motivos desconocidos, provendrían las descargas eléctricas que ponen en peligro el sistema solar. El film comienza con gran espectacularidad sin distopía para el espectador: desde una antena colosal inicial desde donde Roy se lanza al vacío en una caída terrorífica hasta vestir el traje de astronauta similar al de los 70, nada estrafalario, la historia de Gray y su guionista se narra en el espacio, hacia donde va Roy en su búsqueda profesional y personal.

He aquí dos aspectos bien claros y bien trabajados en el film: el técnico- científico y el afectivo, la relación padre e hijo, y las ausencias de éste, desde su nacimiento hasta este presente cuyo final no puede avizorar. Ni tampoco el espectador tiene pista alguna.

Sombría, agónica, “Ad Astra” es un camino de búsqueda que tiene l formalidad de los cohetes espaciales y un fondo absolutamente humano y sensible. Es aquí donde el director consuma su versatilidad para encarar temas donde el trabajo de unos y otros está en los estudios sin cromas ni electrodos especiales.

Es también un gran trabajo de Brad Pitt quien lleva sobre sí el peso del film. El mirar directamente a cámara sin interposición de elementos extraactorales le permitió una composición profunda y diferente en su larga carrera artística. Jones y Sutherland apuntalan con pocas líneas al protagonista, por cierto, suficientes. Destacamos la ambientación que logran tanto la música “cósmica” así como las locaciones en la Luna, transformado en un planeta “vacacional”, y Marte, con su ciudad subterránea, escenografías reales ubicadas en distintos barrios y cercanías de la ciudad de Los Angeles.  En definitiva, este paseo por el cosmos conociendo el punto de llegada pero no el camino y, por lo tanto, aterrador para cualquier ser humano, resulta atrapante y muy conmovedor porque se trabajaron los sentimientos, quedando como un subtema la actividad de los astronautas, dicho esto con alevosía. En verdad, la relación padre e hijo supera la acción en sí.

Elsa Bragato

 

EL JILGUERO

De John Crowley. Guion de Peter Straughman sobre la novela homónima de Donna Tartt. Con Oakles Fegley, Ansel Elgort, Nicole Kidman, Sarah Paulson, Luke Wilson, entre otros. Fotografía de Roger Denkins. Música de Trevor Gureckis. Duración: 149 minutos.

 

XXXXX-DIFÍCIIL DE DIGERIR

Densa y aburrida es esta película de John Crowley sobre un niño que sufre lo mismo que el autor de “El jilguero”, la obra maestra del discípulo de Rembrant llamado Carol Fabritius, de 1654. La vida del célebre pintor terminó a raíz de una tremenda explosión igual que la madre del protagonista. Visitando el famoso MET de Nueva York, madre y niño, Theodore Decker (Oakles Figles de niño y Ansel Elgort de adolescente), son víctimas de un terrible atentado en el que fallecen cientos de visitantes, entre ellos, la mamá del pequeño.

El guion está basado en la novela de Donna Tartt, que ganó el Pulitzer en el 2014 y que el film de John Crowley sigue linealmente pero sin pasión. Por lo tanto, la larguísima película se hace densa, pesada, insufrible. La trasposición de una historia literaria al cine requiere de la alteración del orden de algunos factores a fin de lograr impacto afectivo y efectivo en la audiencia, de atraer, atrapar. No sucede con esta historia: del atentado solo tendremos referencias en determinados momentos, saltando a la vida del pequeño Theo que es adoptado por una familia adinerada (allí aparece Nicole Kidman) aunque su amistad con el joven Boris lo aleja de ese buen pasar para terminar como un drogadicto sin recuperación. El cuadro “El jilguero” es su única pertenencia, lo robó del museo en medio de las andanadas de polvo y el derrumbe de columnas. Nadie notó que un niño salía con un bolso amarillo.-

El thriller se pierde. Se recorre la drogadicción de Theo, la indiferencia de su padre, su deambular hasta conseguir algún trabajo, los seudotutores que intentan ayudarlo y un viaje a Holanda que podría ser su futuro. En medio de todo este paquete narrativo, lentísimo, El jilguero se pierde. Es apenas un “McGuffin” que está ahí, como elemento forzado de una historia que no atrapa: la drogadicción de un niño huérfano es eje de la historia más que el cuadro y algún significado traído de los pelos. Uno de los fiascos más grandes de este año, sin lugar a dudas.

Elsa Bragato

 

Solo hay un punto en común, que tampoco se menciona: el autor de “El jilguero” falleció en un atentado como la madre del protagonista Theo, tal como indicamos en el comienzo de este comentario. 

 

Otros estrenos previstos son los siguientes:

1.- El desentierro, ficción, de Nacho Ruipérez, España-Argentina

2.- Palestina imágenes robadas, documental de Rodrigo Vázquez, Argentina

3.- Magali, ficción de Juan Pablo Dibitonto, Argentina

4.- La deuda, de Gustavo Fontán, Argentina

5.- Nada que perder 2, ficción, Alexandre Avancini, Brasil

 

JUEVES 12 DE SETIEMBRE DEL 2019.-

 

YESTERDAY

 

De Danny Boyle. Con Himesh Patel, Lily James, Ana de Armas, Kate McKinnon, James Corden, Ed Sheeran. Fotografía de Christopher Ross. Música de Daniel Pemberton y Los Beatles. Duración: 116 minutos.

XXXXX-LOS BEATLES POR SIEMPRE

Un hecho fortuito provoca que todo el mundo olvide quiénes fueron Los Beatles. El director Danny Boyle, el mismo de 127 Horas y Slumdog Millonaire (con Dev Patel), elige a un joven de origen paquistaní como protagonista de una historia mágica. “Jack” fracasa en su intento de ser famoso cantando alguna que otra canción de Los Beatles como “Only you need is love” o “Yesterday”. Ocurre un “milagro” y nadie recuerda de ahí en más quiénes fueron los cantantes de Liverpool. Esto le permite seguir cantando las canciones del grupo, llegar a una discográfica internacional y, cuando le preguntan el origen de tan bellos temas, decir que son suyos.

Entre una historia de amor previsible aunque agradable y la música de los estupendos The Beatles, transcurre esta comedia ligera que produce nostalgia y permite salir con una sonrisa de la sala. La relación del personaje con la discográfica y hasta qué punto el éxito y las exigencias comerciales pueden trastocar una vida tienen un sobrevuelo que rápidamente se corta para devolver el romanticismo. No hay profundidad en los personajes, pero sí buena gestualidad actoral, suficiente en este caso. La ocurrencia de Danny Boyle de producir un “milagro” (a descubrir por el espectador) es un tanto atravesada. Pero útil, al punto de hacer sentir querible la idea. Para pasarla bien, disfrutar, y sentirse un “teenager” durante 116 minutos.

Elsa Bragato

 

 

PRESIDENTE BAJO FUEGO

Dirección: Ric Roman Waugh. Guion: Creighton Rothenberger, Katrin Benedikt. Con Gerard Butler, Morgan Freeman, Nick Nolte, Piper Perabo, Lance Reddick, Chris Browning, Tim Blake Nelson, entre otros. Fotografía: Jules O´Loughlin. Música: David Buckley. Duración: 120 minutos.

XXXXX- NICK NOLTE SUPERA LA PIROTECNIA

Fallen (Caído) es una serie de acción norteamericana y su protagonista es Gerard Butler en el rol de un agente del servicio secreto de los Estados Unidos llamado Mike Banning. El film “Angel Has Fallen” que se estrena es secuela de “Olympus Has Fallen”, 2013, y de “London Has Fallen”, 2016.

Acción pura, se inicia la historia cuando se produce un ataque con drones al presidente de los Estados Unidos (Morgan Freeman), acto relámpago perpetrado por terroristas. Mike Banning (Butler) es acusado de liderar el intento de asesinato por lo que debe fugarse. Se produce entonces una carrera contrarreloj para encontrar al verdadero gestor del atentado. Los 120 minutos de la narración son de pura violencia y destrucción, siendo Banning perseguidor y perseguido a la vez. Hay una secuencia que destacamos: el encuentro del agente con su padre, un hombre abandónico, encarnado por un carismático y barbado Nick Nolte, actor de un notable carisma.

Nada nuevo bajo el sol, los tiroteos a diestra y siniestra mantienen la atención en vilo, explosiones, persecuciones y la parafernalia hollywoodense de su máquina de efectos especiales. Es decir, cero creatividad que entretiene igual y tiene sus adeptos. No busquemos desarrollo psicológico ni honduras espirituales. Aún con los tiroteos y pobreza casi monosilábica de los diálogos y, en general, de argumento, Nick Nolte salva las papas nada más que con su calidad actoral.

Carlos Pierre


 

BRUJA

Guion Y dirección: Marcelo Páez-Cubells. Con Érica Rivas, Leticia Bredice, Pablo Rago, Rita Cortese, Miranda de la Serna, Juan Grandinetti, entre otros. Fotografía: Pablo Desanzo. Música: Pablo Salas. Duración: 93 minutos.

XXXXX- PLEYADE DE CELEBRIDADES EN UN INTENSO THRILLER NACIONAL

Con estudios en los Estados Unidos, Marcelo Páez-Cubells encaró su tercer largometraje, “Bruja”, thriller en el que hace una fuerte mistura de denuncia social y hechicería. Una red de prostitución rapta a Belén (Miranda de la Serna) hija de Selena (Erica Rivas). Marisa (Leticia Bredice) y Joaquín (Juan Grandinetti) son los mafiosos contra quienes Selena pondrá en práctica sus conocimientos de magia negra para rescatar a su hija, único motivo por el que pondrá manos a la obra en rituales que nunca utilizó.  

En el largometraje de Paez-Cubells, resulta muy interesante el tratamiento visual de la historia, con la fotografía de Pablo Desanzo, apellido ilustre en nuestro cine. Se destacan varias excelentes tomas cenitales. El clima que crean director y fotógrafo es de alta calidad así como la técnica narrativa de Páez Cubells resulta diferente y muy atractiva, aportando novedad y solidez. La historia propuesta permite el destaque de Erica Rivas, una actriz de sensibilidad histriónica diversa, creativa, que tanto pudo componer un rol cómico en la televisión como drama en el teatro y este sombrío personaje en el cine (recordemos su “trastocada” novia en “Relatos salvajes”). El casting tuvo en cuenta calidad actoral y carisma, logrando una pléyade de nombres que, de por sí, tienen un atractivo más que especial. Buen resultado de Páez-Cubells.

Destacamos el caso de los hijos de actrices y actores que, en nuestro mundo del espectáculo, siguen los pasos de sus padres. Está el de Miranda de la Serna, hija de Erica Rivas y Rodrigo de la Serna, como el de Juan Grandinetti hijo de Darío, o bien el de Chino Darín, hijo de Ricardo, o el de Nicolás Francella, hijo de Guillermo. Solo son algunos de los descendientes que hoy están en danza mostrando en televisión, teatro y cine, la cultura escénica que les marcó un camino de vida y arte.

Carlos Pierre


 

TODOS POR EL ASCENSO

De Jorge Piwowarski Roza. Con Tomás Fonzi, Ariel Pérez de María, Fernando Governun, Mirta Wons, entre otros. Arte de Lucia Onofri. Vestuario de Carolina Cichetto. Música de Pablo Sala. Duración: 68 minutos.

XXXXX- TRIVIALIDAD INCONDUCENTE

Fútbol, “mufa”, amigotes. Fórmula invencible de narraciones sin pretensión de universalidad, locales, y, en algunos casos, tan triviales que no merecen llegar al cine. De alguna manera, sin ánimo de destruir las esperanzas de una película muy bien filmada pero elemental por donde se la mire, “Todo por el ascenso” es un retrato banal y simplote de dos amigos que quieren que su equipo de fútbol no se vaya al descenso y deciden ir a la cancha para alentarlo. No tienen en cuenta el regreso de un amigo del barrio, unido a una curvilínea colombiana, al que califican de “mufa”.

No hay nada más a nivel argumental, si bien su elenco cumple satisfactoriamente con los roles, desde Tomás Fonzi como “Rafael”, pasando por Ariel Pérez de María como “Néstor” y Fernando Govergun como “Fabián”, hasta la siempre fantástica Mirta Wons, en un rol secundario.

El mensaje tampoco es valorable: una mujer adulta les vende droga que servirá para hacer caer al “mufa”. Se produce un equívoco y hasta allí llega la creatividad argumental. Muy poco para llegar a la pantalla grande. Se necesitan otro tipo de ideas. El cine requiere de proyectos que digan algo más que un esqueche televisivo.

Elsa Bragato


 

LA INTERNACIONAL DEL FIN DEL MUNDO

Docuficción de Violeta Bruck y Javier Galerno. Entrevistados: Mónica Justo, Susana Fiorito, Alicia Rojo, Andrea D’Atri, Hernán Camarero, Roberto Pittaluga. Fotografía de Lucas Martelli. Música de Matías Gali y Lucas Olarte. Duración:68 minutos.

XXXXX-LUCHAS OBRERAS QUE SIGUEN EN PIE

Violeta Bruck, egresada de Comunicaciones, lanzó un segundo trabajo de investigación que aporta luz sobre muchos aspectos de la vida obrera de nuestra ciudad. Tal como indica un cartel inicial del film, los hechos ocurrieron en Buenos Aires pero pudieron - y pueden- suceder en cualquier parte del mundo. Bruck entrevista a descendientes de Pedro Milesi, Mateo Fossi, Mika Etchebehere y Liborio Justo. Cuatro figuras muy reconocidas pertenecientes a los movimientos de izquierda que levantaron las banderas de entonces, a cosa de la tristemente célebre Semana Trágica, de los fusilamientos en la Patagonia, y de testimonios conmovedores: en cintas se escuchan las voces de Pedro Milesi y Mateo Fossi. Este reconoce que lograron salvarse de los tiros de las policías, represión que contó –entre sus impulsores- a un integrante de la familia Anchorena, saltando los muros del cementerio de la Chacarita. Y que hubo cientos de desaparecidos de los que nunca más supieron nada aunque, durante tres días, los hornos del crematorio de la Chacarita funcionaron sin parar.

Dos casos muy especiales son Mika Etchebehere, la argentina que se transformó en trotskista y viajó a la Guerra Civil española con su marido para luchar contra el brutal “stalinismo”, y Liborio Justo, hijo de Juan B. Justo y nieto de Agustín Justo. A pesar de que su padre fue uno de los que participó del golpe de Estado de 1930, Liborio se volcó a la izquierda. Su hija, Mónica Justo, recuerda con invalorables fotografías, recortes y libros, a su padre y a su abuelo, el golpista. Si analizamos, tan solo si miramos, los movimientos populares actuales solo han diferido en la ferocidad de la lucha –aunque no pudieron calmar a los represores- si bien las banderas son las mismas, menos politizadas en muchos casos: trabajo digno, no a la esclavitud, sueldos suficientes, derecho a la vivienda, a la salud y la educación. Nada cambió bajo el sol. Los poderosos siguen reprimiendo a las masas populares.

Elsa Bragato

1.- SR LINK, animación, de Chris Butler, Estados Unidos.

2.- Claudia, ficción de Sebastián De Caro, Argentina.

 

JUEVES 5 DE SETIEMBRE DEL 2019.-

 

IT, CAPÍTULO 2

Dirección: Andrés Muschietti. Con James McAvoy, Jessica Chastain, Bill Hader, Isaiah Mustafah, Jay Ryan, James Ransone, Andy Bean, Bill Skarsgard, entre otros. Guion: Gary Dauberman y Jefrey Jurgensen, basado en la novela de Stephen King. Fotografía: Checco Varese. Edición: Jason Ballantine. Música: Benjamín Wallfisch. Duración: 169 minutos. Estados Unidos-Canadá.

XXXXX-MUSCHIETTI, EL TERRORÍFICO ARGENTINO

Secuela de la película de 2017, “It, 2” está basada en la novela homónima de Stephen King, esta vez bajo la dirección del argentino Andrés Muschietti. La historia se ubica 27 años después. Los siete niños que padecieron en las vacaciones de verano de 1989, en Derby, Maine, el terror sobrenatural del payaso bailarín, el diabólico Pennywise, ahora son adultos. Dispersos en el Club de Perdedores que habían formado, reciben una llamada telefónica extraña que los convoca a reunirse en Derby. Están dispuestos a matar al payaso diabólico. Tendrán grandes sorpresas porque “Pennywise” hibernó y, tras un ciclo de 27 años, mutó siendo hoy más fuerte que antes. Esta vuelta de tuerca del guion le dio oportunidad al director Muschietti, y a su hermana Bárbara en la producción, de un despliegue fenomenal de recursos y una mayor espectacularidad en las escenas claves, que incluyen un cameo del mismísimo Stephen King y un mate bien argentino.

Muschietti es, hoy por hoy, uno de los realizadores más importantes del género, habiendo logrado escenas de terror espléndidas, muchas de ellas las mejores en lo que va del siglo XXI. Pecó en la duración y en la exposición de este payaso maldito quien, prácticamente, no sale de pantalla. Con esto se perdió el efecto del “susto”, salvado por la factura técnica impecable. A pesar de su larga duración, casi tres horas, y de estos detalles apuntados, hay que reconocer que Muschietti logró un film de género potente que no supera a “It” pero se le equipara desde otros aspectos cinematográficos.

Con muchos guiños a la primera película, a la serie “It” de los 90 y a alguno que otro film de terror que el espectador sabrá reconocer, los 169 minutos de “It, 2” lejos de ser tediosos fortalecen la adrenalina porque el miedo se cuela a cada instante, con un origen diferente al propuesto en la anterior realización. Muschietti logra que el refrán de “segundas partes nunca fueron buenas” quede rezagado al ponerse a la altura de su antecesora. El amigo lector sabrá disculpar que lleguemos hasta aquí con el comentario para no caer en ningún “spoiler”.

Carlos Pierre

 

HIGH LIFE

Dirección: Claire Denis. Guion: Claire Denis, Jean-Pol Fargeau, Geoff Cox. Fotografía: Yorick Le Saux, Tomasz Naumiuk. Con Robert Pattinson, Juliette Binoche, Mia Goth, André Benjamin, Lars Eidinger, Agata Buzek, Claire Tran, Gloria Obianyo, entre otros. Música: Stuart Staples, Tindersticks. Duración: 110 minutos. Coproducción Francia-Alemania-Reino Unido-Polonia-Estados Unidos.

XXXXX-LA COSMOLOGÍA EXISTENCIAL DE CLAIRE DENIS

Por sobre una aventura espacial, la realizadora Claire Denis da su propia versión sobre el destino del ser humano: desde lo científico, a través de los agujeros negros -actores de la cosmología actual que sobresaltan y atemorizan-, y desde lo existencial, o sea el destino del ser humano en medio del caos cósmico-social en el que se vive.

Monte (Robert Pattinson) es un astronauta a bordo de una nave que está en el espacio más profundo y distante de la Tierra, en un tiempo diferente, más lento. Junto a él está su beba, Willow. La nave había partido con una médica genetista (Juliette Binoche) que hizo tremendos experimentos hasta lograr concebir a la pequeña Willow. Pero murió junto al grupo de condenados a muerte que aceptó conmutar sus sentencias por una misión hacia el agujero negro más cercano a la Tierra. Claire Denis apela a cierto expresionismo descarnado para significar que ese lugar estuvo impregnado de violencia y sexo, mientras se acercan a un amenazante agujero negro, según las teorías de los científicos Hawking y Penrose, remolinos de luz polarizada.

El tratamiento visual, sin ser hollywoodense, nos remite al cine ruso de otras décadas, a través de secuencias morosas y detallistas e, incluso, tediosas. Hay aquí buenas actuaciones como la de Juliette Binoche en un rol potente y un Robert Pattinson con una impronta misteriosa que supo tener en sus comienzos. El clima del film es pesadillesco, atrapando al espectador en una cosmogonía incierta y temible. Claire Denis, a esta altura, optó por dar vida a la incertidumbre que el mundo vive a través de una historia desencarnada y pasional.

Carlos Pierre

 

EL AMANTE FIEL

Guion y dirección: Louis Garrel. Con Louis Garrel, Laetitia Casta, Lily Rose Melody Deep, Joseph Engel, Diane Courseille, Vladislav Galard, entre otros. Fotografía: Irina Lubtchansky. Música: Philippe Sarde. Duración: 75 minutos.

XXXXX- LABERINTO DE SECRETAS PASIONES

Sin ser un homenaje a la irrupción de desenfado y de locura de vida de la Nouvelle Vague, Louis Garrel, director y protagonista de “El amante fiel”, tiene un sobrevuelo sobre aquel cine de los 60 porque forma parte de su propia cultura y no por manierismo. “Jules et Jim”, de Francois Truffaut (1961) viene a la memoria por algún dejo de la historia y sus personajes. Marianne (Lily R. Melody Deep) abandona a Abel (Louis Garrel) por Paul, su mejor amigo y padre del hijo que está esperando. Después de ocho años, Paul muere y Abel regresa con Marianne. La comedia se va enredando a través del enamoramiento de unos y otros, dentro de una atmósfera de romanticismo ligero. La voz “en off” le permite a Louis Garrel salir de un laberinto de pasiones secretas que pudo ser un sinfín sin sentido. Sale airoso gracias a un reparto brillante que imprime ritmo a las secuencias. Debemos destacar a la hija de Johnny Deep, la bellísima Lily R. Melody, nominada a Mejor Actriz Revelación por los premios César 2018 por este rol. Para los adultos, será inevitable la nostalgia por un cine libertario y provocador mientras que para los jóvenes el film de Louis Garrel es un logrado atrevimiento.

Carlos Pierre

 

MATAR A UN MUERTO

Guion y dirección de Hugo Giménez. Con Ever Enciso, Aníbal Ortiz, Jorge Román, Silvio Rodas. Fotografía de Hugo Colace. Música de Sergio Cuquejo. Duración: 83 minutos.

XXXXX- FIDEDIGNO RETRATO SOBRE LA INDIGNIDAD

Desde la mítica “Cerro corá” (1978), el cine paraguayo viene obteniendo premios y reconocimientos internacionales por la calidad de sus películas. En el caso de “Matar a un muerto”, el joven realizador Hugo Giménez aborda la temática de la dictadura de Stroessner en un año fatídico para esta región del mundo: 1978. Desde hacía dos décadas atrás (desde el derrocamiento de Perón en el 55) se sabía que aparecían cadáveres flotando en los ríos limítrofes con nuestro país, producto de las brutales torturas a las que los opositores a Stroessner eran sometidos.

Es el caso de “Matar a un muerto”: Hugo Giménez ubica esta siniestra situación dentro del monte paraguayo. Dos pobres diablos, viviendo como menesterosos, están en contacto con la milicia paraguaya a través de un sistema de transmisión. Un “superior” les avisa cuando envían los “paquetes” para que ellos hagan lo que saben, o sea, enterrarlos. Un buen día, llega a la orilla un “paquete” que respira. Y surge el conflicto: si matarlo o no.

El film está hablado en guaraní, lengua indígena aceptada oficialmente en el Paraguay. Las actuaciones de estos enterradores, sometidos a condiciones de vida indignas, logran momentos sublimes, aún dentro de una trama oscura y profundamente patética. Jorge Román, el protagonista de la exitosa miniserie sobre el campeón del mundo en boxeo Carlos Monzón, compone al pobre diablo – Mario - que aún respira. Hay un hálito de humanidad que sobrevuela la penosa vida de los enterradores, aterrados por los perros sedientos de sangre que los persiguen en la noche cerrada del monte desenterrando los cadáveres. Es allí, en esa escondida luz espiritual, donde Hugo Giménez, también guionista, determina el conflicto y desarrolla la solución.

El manejo de los silencios y del medio plano hacen de este film un retrato fidedigno que duele, siendo absolutamente honesto con la realidad histórica del país hermano. Pequeña joya sobre la indignidad humana.

Elsa Bragato

 

EL RETIRO

Guion y dirección: Ricardo Díaz Iacoponi. Con Luis Brandoni, Nancy Dupláa, Gabriel Goity, Soledad Silveyra, entre otros. Duración: 91 minutos.

XXXXX-DUELO ACTORAL ENTRE BRANDONI Y DUPLAA

La jubilación de Rodolfo (Luis Brandoni) es el motor de una historia en la que un niño, por una noche de tormenta, generará un intenso drama familiar. Viudo desde hace un año, su hija (Nancy Duplaá) decide instalarse con su padre para ayudarlo a sobrellevar una insólita situación que vive justo cuando había decidido su retiro. La convivencia traerá no pocas vicisitudes, antiguos rencores, asuntos familiares no resueltos. Padre e hija van sacando muchos trapitos al sol. La brecha generacional está bien sugerida: tres edades distintas, el abuelo, la hija y el niño que ha llegado de manera impensada. Se establece un muy interesante duelo actoral entre Brandoni y Duplaá, tan opuestos en la vida real, enfrentándose en un plano ficcional diferente: el de padre e hija. Secundan a la dupla protagonista Gabriel Goity como un desbocado amigo y Soledad Silveyra, una abogada del entorno: personajes que le dan un tono risueño a los diferentes sobresaltos que vive Rodolfo en su nueva realidad.

Buen guion del realizador Díaz Iacoponi, que logra un film grato, de buena factura técnica, con un elenco que produce inmediata empatía con el público. La jubilación, por lo visto, no siempre conduce a un mundo exento de sobresaltos supuestamente juveniles.

Carlos Pierre

 

PATERNAL

Documental de Eduardo Yedlin. Fotografía y cámara de Pablo Zubizarreta, Diego Poleri e Iván Gierasinchuk. Sonido deVíctor Tendler. Montaje de Barandalla, Felder y Ester. Música de Luz Novili Frenkel. Duración: 77 minutos.

XXXXX- UN ARGENTINO ILUSTRE: ROITMAN

El director Eduardo Yedlin descubrió la figura del erudito Adolfo Roitman, argentino radicado en Israel, curador desde 1994 de los Rollos del Mar Muerto. Nació en el barrio Paternal, de donde hay un dios pragmático: Diego Armando Maradona. Roitman encarna al Dios de la Fe monoteísta, la del Judaísmo y del Cristianismo. Egresado de la UBA, también obtuvo títulos universitarios en Israel hasta ser nombrado curador de los Rollos descubiertos en 1947 en las cuevas del Mar Muerto, dentro de unas vasijas por dos beduinos.

Yedlin recorre con su cámara algunos lugares de Paternal junto a Roitman, quien no perdió nunca su porteñidad, en su redescubrimiento de casas reemplazadas por portones y bares de la zona. Su monoteísmo se enfrenta al dios pagano Maradona que adorna las calles de su barrio con gigantescos graffiti.

El desarrollo narrativo es un tanto desparejo, pero no deja de ser interesante. Las cámaras llegan a Jerusalén, vemos el Muro de los Lamentos y entramos, de la mano de Roitman, al secreto arqueológico mejor guardado: los rollos del Mar Muerto, ubicados en una cámara a prueba de bombas y ultrajes de cualquier índole. Bajo más de siete llaves se encuentran otros papiros esperando reemplazar a los expuestos. También Roitman y su equipo de filmación visitan a los descendientes de quienes compraron los rollos a los beduinos por advertir que eran de extrema importancia. Así surgen los Esenios, la tribu que se separó de los judíos en la que creció Jesús, y se visita la Iglesia de San Marcos donde estaba ubicada la casa en la que Jesús habría mantenido La última cena.

Aún, como decíamos, con falta de linealidad, resulta reconfortante conocer a una personalidad como Adolfo Roitman a cargo de la historia de la Humanidad con más de 2000 años de antigüedad. En verdad, uno se queda con ganas de conocer más sobre tan preciado tesoro arqueológico.

Elsa Bragato

Otros estrenos previstos, sin confirmación:

1.- El silencio de los otros, documental de Carracedo y Bahar. España

2.- Alcanzando un sueño, de Max Minghella. Reino Unido-Estados Unidos.

 

JUEVES 29 DE AGOSTO DEL 2019.-

DORA Y LA CIUDAD PERDIDA

De James Bobin. Guion de Nicholas Stoler. Con Isabela Moner, Eugenio Derbez, Adriana Barraza, Eva Longoria, entre otros. Fotografía de Javier Aguirresarobe. Música de John Debney. Duración: 103 minutos.

XXXXX-EXPLORADORES A LA FUERZA

“Dora” es una serie del año 2000 que se estrenó en la señal Nickelodeon para enseñar castellano a los niños norteamericanos. Dora, la protagonista, tenía entonces 7 años. Surgieron las películas como Dora y la aventura de Navidad, así como La gran aventura de cumpleaños de Dora. Llega al cine esta versión de una Dora adolescente que debe abandonar la jungla donde vive con sus padres, exploradores en busca de una ciudad inca perdida, para vivir en la ciudad con sus tíos y su primo Diego, todo un hombrecito aclimatado a la vida de la ciudad.

Los amigos de Dora subsisten: el Mono Botas, azul, Swiper, el zorro villano, Isa la iguana, entre otros, así como la Mochila de Dora que esconde todos los secretos de sus exploraciones y el Mapa, pieza fundamental de su vida y sus tareas.

Es un guiño muy claro a la comunidad hispanoparlante con padres que hablan en castellano y en inglés. Norteamericanos de pura cepa no aparecen porque es, ante todo, una historia de inmigrantes afincados en California.

Los padres de Dora son raptados: los malvivientes quieren que indiquen dónde está la ciudad inca perdida llena de oro. Rescatarlos es el principal objetivo de la protagonista y sus amigos del “cole”, transformados en exploradores a la fuerza.

La realización tiene logros en la fotografía que es muy colorida mientras que, en las acciones, hay saltos abruptos de edición. Se cumple con el objetivo de distraer y sorprender como sea resultando, en todo caso, un extraño guion que, a pesar de todo, mantiene la atención.

Se cabalga entre la infancia y la adolescencia, está bien para los chicos que terminan la primaria como para los que cursan la secundaria. Mucho color, mucho desparpajo narrativo, rodean a Dora junto a su mono Botas, al que se le nota la costura en el orillo. Se nota pero se perdona porque el color invade la pantalla.

Elsa Bragato

 

LA MÚSICA DE MI VIDA

De Gurinder Chadha. Con Viveik Kaira, Kulvinder Ghir, Meers Ganatra, Hayley Atwell, Aaron Phagura, Nell Williams, entre otros. Fotografía de Ben Smithard. Música de A. R. Rahman. Duración: 117 minutos.

XXXXX-EL VALOR DE LOS SUEÑOS

Gurinder Chadha es una prestigiosa realizadora británica de origen indio que, en este caso, retrata la vida de los paquistaníes en Londres, ciudad que los cobija desde hace décadas, realizando tareas de hotelería y remisería. Basada en las memorias tituladas Greetings from Bury Park, Race, Religion and Rock N Rol, del periodista Sarfas Manzoor, e inspirada en la música de Bruce Springsteen, “the Boss”.

El joven Javed vive bajo la mirada intolerante de su padre paquistaní. Cuando un compañero de clase le acerca la música de Bruce Springteen y, en especial, el tema “Hungry Heart”, Javed entiende que debe cumplir con su sueño: ser escritor. Una profesora lo ayudará en su intento, mientras su padre lo echará de la casa.

Bruce Springsteen es un norteamericano hoy de 69 años que cantó su desazón ante las injusticias de su propia sociedad. Sus letras las describen y Javed se siente identificado porque sufre bullying y tiene que demostrar que vale tanto como un anglosajón aunque no concurra a fiestas o reuniones de sus compañeros.

La música, incluida danzas al son de las canciones de Springsteen, pone ese plus que alegra dando consistencia de musical a una historia de vida que transcurre en 1987, en Luton (pequeña ciudad al norte de Londres), bajo el gobierno de Margaret Thatcher.

Es una historia genuina aunque previsible, rasgo que no le quita emoción, que muestra la relación entre padre e hijo, la necesidad de adecuar las tradiciones sin quebrarlas, la situación de los inmigrantes en el “primer mundo”, y los cruces generacionales en las sociedades que, por razones de religión o raciales, no admiten cambios.

Autenticidad y conocimiento del tema es lo que surge de esta narración de Gurinder Chadha, una historia para la que no hay edad. Sueños por cumplir y música siempre hay.

Elsa Bragato

 

LA VIUDA

Dirección: Neil Jordan. Con Isabelle Huppert, Chloë Grace Moretz, Stephen Rea, Maika Monroe, Colm Feore, entre otros. Música: Javier Navarrete. Duración: 98 minutos. Irlanda-EE.UU.

XXXXX- HUPPERT, INTENSAMENTE VIOLENTA

Intenso thriller psicológico del irlandés Neil Jordan con Isabelle Huppert en el rol de Greta, una psicópata que utiliza un bolso como señuelo para atraer a jóvenes mujeres a las que envuelve con su historia de viudez, un presunto charme francés y el hijo fallecido en París –que no conoce. La víctima protagonista es Chloé Grace Moretz, de angelical belleza, quien conforma, junto a Huppert, una dupla protagonista de gran atractivo a través de una trama plagada de pistas falsas.

Neil Jordan, de gran prestigio en los 80, regala una historia de aparente suspenso a través del que muestra las consecuencias de una sociedad consumista que no tiene en cuenta a las personas y sí a los individuos como engranaje comercial. La “viuda” vive en Manhattan en un refinado lugar, donde atrapa a las jóvenes, dentro de una maraña de enigmas que incluye su pasado poco claro.

Muchas secuencias se destacan por estar fotografiadas con acento misterioso, tanto en Manhattan como en Ontario e Irlanda. La inquietante Huppert y el clima generado por Jordan colaboran en el aumento de la violencia que se percibe siempre. El suspenso hasta llegar al desenlace que sorprende.

Es un thriller no remanido, tiene una dosis importante de análisis psicológico de sus personajes, y cuenta con la estupenda Isabelle Huppert para quien los roles fuertes le caen al dedillo mientras que Moretz aporta su calidad interpretativa y belleza. Interesante propuesta.

Carlos Pierre

 

MARGEN DE ERROR

Guion y dirección de Liliana Paolinelli. Dirección de Arte de Mariela Ripodas y Lorena Rubinstein. Cámara de Alejandro Ortigueira. Vestuario de Valentina Bari. Fotografía de Soledad Rodríguez. Sonido de Leandro de Loredo y José Caldararo. Montaje de Lorena Moriconi. Música de Juan Bouscayrol. Duración: 82 minutos.

XXXXX-MUJERES QUE AMAN

Buena idea, realización técnica impecable (tomas secuencias interesantes, entre otras), buen elenco. El problema de “Margen de error” está en su linealidad, en la falta de eclosión del conflicto, en la resolución previsible y apacible.

Paolinelli explica que, siendo chica, solía frecuentar un grupo de lesbianas de 50 años, jugar con ellas en una casa de la provincia de Córdoba, y aprender el rechazo social en aquellos años de cualquier forma no convencional de pareja. Las mujeres no podían salir tomadas de la mano, besarse en público, vivir bajo el mismo techo, sin generar escándalos de toda índole.

Ahora, con la edad de aquellas amigas, eligió la historia de mujeres lesbianas ubicando en el medio de parejas establecidas a una joven que viene del interior a la capital a tentar suerte. La recibe Iris, amiga de su madre, y le da albergue. Iris también es lesbiana, tiene pareja, y se confunde ante algunas actitudes de Maia. Es su “margen de error”, grave porque deberá enfrentar situaciones inesperadas.

El tema es muy actual, hay mano segura de Paolinelli, buenos tours por Buenos Aires y, en ellos, una pérdida de tiempo narrativo para conocer más a las protagonistas en lugar de ver lo que miran: hace falta una historia que las comunique entre sí mujeres capaces de amar a otras mujeres. El guion se pasea por lo trivial, sin otorgarle profundidad ni carnadura a la propuesta. Absolutamente lineal.

Elsa Bragato

 

Otros estrenos previstos:

1.- Ted Bundy: durmiendo con el asesino, de Joe Berlinger. Estados Unidos.

“Es una historia interesante y Berlinger hace que tenga mucha energía. El director también suma puntos por lograr buenas actuaciones”, de Todd McCarthy, The Hollywood Reporter.

“Una visión honesta, inquietante y auténtica de quien fue Ted Bundy. Efron está excelente, controlado, magnético, audaz, comprometido y adecuadamente extravagante”, de Owen Gleberman, Variety.

2.- Grace A Dieu, de Francois Ozon. Francia.

“Una historia ambiciosa y de actualidad. La película es tan emocionante debido en gran parte a su atrevido y sincero compromiso con los sentimientos confusos e imprecisos de sus personajes”, de Guy Lodge, Variety.

“Es como una versión francesa de “Spotlight”. Una obra atenta, ágil e inmaculadamente interpretada que se desarrolla con la tensión de un trabajo a contrarreloj para un periódico”, de David Ehrlich, Indie Wire.

3.- Cuando los hombres quedan solos, obra póstuma del director boliviano Fernando Martínez, codirigida por Viviana Saavedra. Sobre la feroz dictadura de García Meza y sus consecuencias sociales.

4.- Shalom Taiwán, de Walter Tejblum. Un rabino vive acuciado por la situación financiera de la comunidad judía de su barrio y decide viajar a Taiwán. Comedia nacional.

5.- Te pido un taxi, ópera prima de Martí Armoya, Con Barbie Vélez y Tacho Riera. Comedia romántica.

 

JUEVES 22 DE AGOSTO DEL 2019.-

 

BALDÍO

Dirección: Inés De Oliveira Cézar. Guion: Inés De Oliveira Cézar y Saula Benavente. Con Mónica Galán, Gabriel Corrado, Nicolás Mateo, Rafael Spregelburd, entre otros. Participaciones especiales: Luis Brandoni, Leonor Manso, Ronnie Arias y Cecilia Dopazo. Música original: Gustavo Pomeranec. Duración: 78 minutos. 

XXXXX- NOTABLE TRABAJO PÓSTUMO DE MÓNICA GALÁN

“Baldío” se basa en una historia real, surgida de las charlas entre la actriz recientemente fallecida Mónica Galán y la directora Inés de Oliveira Cézar, sobre la lucha de una madre que intenta salvar a su hijo (Nicolás Mateo) de la adicción. En este combate diario, “Brisa” (Mónica Galán) vive, siente, en medio de una gran impotencia: separada de su esposo desde hace 15 años, solo de ella depende la salvación de su hijo, dado que el padre (Gabriel Corrado) poco interviene.

Es una gran realización filmada en blanco y negro, con una dirección de arte y fotografía de excelencia al servicio de una historia de vida conmovedora, profunda, real, de una mujer que trabaja en el medio artístico. El glamour de su trabajo lo pierde al instante cuando la vida de la calle, invernal y lluviosa, la obliga a salir para recuperar, si puede, a su hijo del maldito “paco”. Con intensidad, De  Oliveira Cézar construye un thriller policial que retrata la odisea de cualquier familia que enfrenta una adicción en sus hijos.

El título “Baldío” explica desde la soledad interior de “Brisa” así como ubica la fábula en un lugar propicio para la delincuencia de cualquier índole, en especial, la venta de drogas. Trabajo póstumo de Mónica Galán, se transforma en el corolario de una gran carrera donde pudo desarrollar su enorme caudal interpretativo. Son legados invalorables de una notable artista a través de “Brisa”, una actuación sobrecogedora. Gran película nacional

Carlos Pierre

 

UN HOMBRE EN APUROS

Dirección: Hervé Mimran. Guion: Hervé Mimran y Helene Fillieres. Con Fabrice Luchini, Leila Bekhti, Rebecca Marder, entre otros. Producción: Sidonie Dumas y Matthieu Tarot. Fotografía: Jérome Alméras. Montaje: Célia Lafitedupont. Música: Balmosthea. Duración: 100 minutos.

XXXXX- GRANDES ACTUACIONES EN UNA EJEMPLIFICADORA BIOPIC

El realizador Hervé Mimran y el productor Matthieu Tarot quedaron impresionados por un artículo aparecido en el diario Le Monde el 7 de febrero de 2013 sobre el CEO de Peugeot Christian Streiff quien, a raíz de un ACV, padeció dificultades de habla y pérdida de la memoria en 2008. La realidad empresarial lo obligó a ocultar su padecimiento para no perder accionistas en la empresa. Entre las circunstancias que llevaron a la realización del film estuvo cierta amistad entre Mimran y Streiff y la aparición de su autobiografía titulada “Un hombre apurado”. A partir del libro, se generó el film contando con Fabrice Lucchini en el rol protagónico, llamado aquí “Alain”, y “Jeanne” (la exquisita actriz Leila Bekhti) como la inseparable fonoaudióloga. La joven mujer logrará con trabajo, paciencia, y desencuentros, el camino de recuperación del CEO.

Al gran trabajo de Fabrice Luchini hay que agregar el dinamismo disfrutable de la narración. En esto influye el juego actoral que se entabla entre paciente y fonoaudióloga  así como resulta muy interesante el reclamo de la hija de Alain, a cargo de la joven actriz Rebecca Marder, quien requiere la atención de su padre por seguir su camino como orador.

Asimismo el caso puntual de la enfermedad tiene un correlato espiritual que enriquece tanto la historia en sí como la fotografía: Alain realiza la travesía a Santiago de Compostela buscando la recuperación total con lo que se aporta al film momentos de gran belleza visual. Destacable labor de Fabrice Luchini, el “homme pressé” que tenía una vida laboral apresurada, impaciente, plagada de urgencias que lo llevó al derrame cerebral. Grandes actuaciones, energía contagiosa y una edición insuperable.

Carlos Pierre

 

HABÍA UNA VEZ… EN HOLLYWOOD

Guion y dirección de Quentin Tarantino. Con Leonardo Di Caprio, Brad Pitt, Margon Robbie, Al Pacino, Dakota Fanning, Bruce Dern, Timothy Olyphant, entre otros. Fotografía de Robert Richardson, Edición de Fred Raskin. Producción de Bárbara Lind. Duración: 165 minutos.

XXXXX- BACANAL DE CINE

La novena película de Quentin Tarantino nos sumerge en un thriller que pasea, en tono de comedia, westerns, comedia, gore, la tradicional “buddy movie” o película de amigos, en torno a una fecha crucial en Hollywood: el 8-9 de agosto de 1969, en 10050 Cielo Drive, barrio selecto del norte de Beverly Hills, en el norte a su vez de Los Angeles. Hssta allí fueron Charles Manson y su grupo de fanáticos diabólicos asesinando a Sharon Tate, la joven actriz esposa de Roman Polanski, en ese momento en Londres filmando, que estaba embarazada de ocho meses y medio. Junto a tres personas más. Antes de ingresar, mataron a Steve Parent. Estos hechos conmocionaron a Hollywood y dieron por terminada la era del LSD y del hippismo. Condenados Charles Manson y sus secuaces (chicas adolescentes) aún hoy el caso tiene oscuras aristas sin resolver.

Tarantino toma el brutal asesinato como referencia pero se centra en la vida de los vecinos de Sharon Tate. Sin embargo, recurre a la nostalgia más profunda rindiéndole un homenaje al cine y a la “La meca del cine”, Hollywood. Se centra en la vida de un actor en decadencia, Rick Dalton, encarnado por Leonardo Di Caprio, y su doble de acción y amigo “Cliff Booth”, a cargo de Brad Pitt. Junto a ellos, asistimos a las series de los 60 de la que Dalton era protagonista, la incursión de un productor de cine (Al Pacino) que lo lleva a Italia para los Spaguetti Western, y la relación que ocasionalmente “Cliff” entabla con una de las chicas del Clan Manson cuando acepta llevarla hasta “Spahn Ranch”, ciudades abandonadas donde se filmaban los western nortemericanos.

Hay críticas solapadas a los hippies, el LSD de aquellos años, las fiestas en la casa de algún magnate, y una reverencia fantástica a los íconos comerciales de entonces como la aerolínea Pan Am, los automóviles Cadillac, y las series de Tv que fascinaban al mundo en blanco y negro. Ese clima de melancolía, nostalgia y cine dentro del cine se mantiene a lo largo de la carrera de Rick Dalton a través de diferentes filmaciones dentro de una narración muy fluida plagada de simpatía y gags de comedia, tachonada con brutales palizas entre Bruce Lee (este personaje trajo muchos problemas a Tarantino por la mala reacción de la familia del afamado actor de origen oriental) y Cliff Booth, y una atención que no puede decaer porque el suspenso y el crimen se huelen cerca desde el comienzo.

En definitiva, hay dos temas que conviven en forma paralela, que no se chocan y sí se cruzan: la carrera de Rick y la vida de Cliff, amigos a ultranza, que dejan en la pantalla dos grandes actuaciones.

Tarantino indicó que Rick Dalton (Di Caprio) es un rol-homenaje a los protagonistas de aquellas series que pasaron al cine sin convertirse en fenómenos estelares como Tab Hunter o Ty Hardin, y, entre los stunts, rindió tributo a Hal Needham en el personaje de Cliff Booth (Pitt),  doble de acción que se transformó en director de cine.

Diferente y fiel a sí mismo, Quentin Tarantino realiza una revisión histórica similar a la de “Inglourious Basterds”: hay un hecho real, la masacre de Tate y sus amigos, pero se las ingenia para que sobreviva lo mejor. Sin “spoilers”. Son tres horas a pura atención, donde Di Caprio vuelve a demostrar su enorme capacidad actoral y Brad Pitt realiza uno de sus mejores trabajos. Es una bacanal de melancolía cinéfila, una pantagruélica sucesión de hechos e íconos conmovedores. Para fans tarantinescos.

Elsa Bragato

 

LA AFINADORA DE ÁRBOLES

Guion y dirección de Natalia Smirnoff. Con Paola Barrientos, Marcelo Subiotto, Diego Cremonesi, Violeta Postolski, Oliverio Acosta, Matías Scarvaci, entre otros. Fotografía de Fernando Lockett. Música de Alejandro Franov. Duración: 191 minutos.

XXXXX- AFINANDO EL ALMA

Natalia Smirnoff tiene un antecedente muy loable en “El cerrajero” con Esteban Lamothe en el protagónico. Regresa con “La afinadora de árboles”, oficio singular a cargo de la estupenda Paola Barrientos, sólida y verosímil en el rol de “Clara”, escritora de obras infantiles que recibe un premio en México y debe responder a las exigencias de una editorial internacional. Junto a su marido y dos hijos se muda a una moderna casona en una localidad bonaerense para estar juntos todo el tiempo posible.

El regreso a un mundo natural, a viejos amigos, a necesidades sociales urgentes, conmocionan a “Clara”. Los árboles y la música, los chicos y la simpleza y generosidad de la gente, harán el resto.

El maravilloso título que une la afinación de un piano con la copa de los árboles, fotografía recurrente en este film de Smirnoff, podría ser “la afinación del alma”, estar en consonancia con el entorno, sim dejar de ser uno.

Smirnoff logra de principio a fin un ritmo envolvente cuyo peso sostiene Paola Barrientos con dominio escénico absoluto. Está bien secundada por un buen elenco que la acompaña en un certero segundo plano. El “close up”, por llamarlo de alguna manera, está en la protagonista. Lo sencillo suele conmovernos mucho más de lo que pensamos.

Elsa Bragato

 

LA SEQUÍA

Guion y dirección de Martín Jáuregui. Con Emilia Attias, Adriana Salonia, entre otros. Fotografía de Diego Gachassin. Dirección de Arte de Santiago Barros. Música de Eric Kutschevatzky. Duración: 68 minutos.

XXXXX-SEQUÍA ESPIRITUAL

La idea de la sequía del alma es buena pero, en verdad, es muy difícil plasmar un pensamiento tan abstracto en secuencias con carnadura. Martín Jáuregui, hombre de notable formación cultural, quiere expresar el dolor del alma de una joven actriz llamada Fran que descubre la infidelidad de su pareja. Luego de una fiesta, se lanza al desierto, tierras rojizas de Catamarca, paisajes desolados, donde es perseguida por voces conocidas.

El film tiene voz en off especialmente al principio y al final: Attias recita, relata, lo que su alma siente, el desgarro interior ante la pérdida de ilusiones sobre su pareja. Al lado de ella surge de la nada misma el personaje de Adriana Salonia como un “alter ego” o una amiga que le dice crudas verdades.

No es creíble esta sequía espiritual. Attias, que camina en la película como si estuviese conduciendo “Resto del mundo”, luce su belleza pero no mucho más. Salonia tiene un rol más jugado. Demasiado teatral por momento, demasiado “deja vu” de corrientes cinematográficas en otros, la fotografía es muy buena, la narración es fluida pero el meollo de esta travesía en un desierto y en un cementerio están exentas de realidad espiritual aunque esto pueda parecer un contrasentido.

Elsa Bragato

 

Otros estrenos previstos:

1.- PAW PATROL, animación, Estados Unidos

2.- ARENAS DE SILENCIO, documentalm de Chelo Alvarez Stehle, España-Estados Unidos

3.- LOS INDALOS, de Santiago Nacif Cabrera,  Gato Martínez Cantó, y Roberto Persano, sobre Aurora Sánchez y su familia, Argentina

4.- LA ESCUELA CONTRA EL MARGEN, de Lisandro González Ursi y Diego Carabelli, documental sobre la escuela Manuel Mujica Láinez de Villa Lugano. Estrenado el año pasado en el CC de la Coooperación.

 

JUEVES 15 DE AGOSTO DEL 2019.-

 

LA ODISEA DE LOS GILES

Dirección: Sebastián Borensztein. Guion Sebastián Borensztein y Eduardo Sacheri (Novela). Con Ricardo Darín, Luis Brandoni, Chino Darín, Verónica Llinás, Daniel Aráoz, Carlos Belloso,  Rita Cortese, Andrés Parra, Marco Antonio Caponi, entre otros. Fotografía: Rodrigo Pulpeiro. Música: Federico Jusid, Orquesta Sinfónica de Budapest. Duración: 116 minutos.

XXXXX-EL CINE QUE NOS IDENTIFICA

El llamado “corralito” bancario del 2001 impactó profundamente en la sociedad argentina motivando un fatigoso viaje, a modo de odisea griega, para recuperar el ahorro dentro del despojo. Esta película de Sebastián Borensztein pone el acento en esa espina social clavada en el corazón de todos como una pesadilla imborrable.

Cuenta esta tragicomedia, basada en la novela de Eduardo Sacheri (autor de “La pregunta de sus ojos”, novela en la que se basó el film “El secreto de sus ojos” de Campanella) a su vez coguionista de Borensztein, con los sucesos posteriores al corralito ubicando la historia en un pueblo del noroeste de la provincia de Buenos Aires (Luján, Moreno). La crisis económica encuentra a un grupo de vecinos, cuyos “líderes” encarnan Ricardo Darín y Luis Brandoni, buscando con desesperación una manera de recuperar el dinero perdido.

Habían convertido una vieja usina en un silo obteniendo buenas ganancias, pero el accionar de un estafador los quiebra iniciando entonces una carrera desesperada para no ser nuevamente “giles”: la “odisea” argentina se inicia cuando se atreven a pergeñar un plan para recuperar lo perdido.  Es una “revancha” de los vecinos que tendrá una noche memorable para la historia propuesta y para el cine nacional.

Sebastián Borensztein tiene una imaginación pragmática eficaz e inteligente ayudado por un libro sólido. Ocurrió con “Un cuento chino”, una de las comedias más notables de nuestro cine, y aspira a mantener ese cetro con “La odisea de los giles”, retrato fiel de las avivadas de algunos en contra de la ingenuidad o confianza de la mayoría. Es que, además de la fábula (los avivados y los giles y la lucha), Borensztein sabe crear el clima cinematográfico perfecto, entre la hilaridad y la desesperación. La propuesta es un cuento conocido, de nunca acabar, por cierto, que llega en un momento muy especial de nuestra sociedad. Aportan un fluir narrativo sólido los actores elegidos: Ricardo Darín, Chino Darín, Luis Brandoni, Verónica Llinás, Daniel Aráoz, Carlos Belloso, Rita Cortese, entre otros artistas de enorme valía. La solvencia actoral de estas primeras figuras asegura un disfrute aún en los momentos más acuciantes de la historia que, en alguna medida, es un espejo para todos. Ese “corralito”, que llevó a la muerte a muchos conciudadanos, es una pesadilla imborrable de nuestra sociedad por lo que la idea del guion es más que acertada: reconstruir en el cine situaciones muy argentinas. O sea, el cine que nos identifica.

Carlos Pierre

 

 

SANTIAGO, ITALIA

Documental de Nanni Moretti. Fotografía de Maura Morales Bergmann. Duración: 81 minutos.

XXXXX-HERIDAS LATINOAMERICANAS

Nanni Moretti es uno de los grandes directores contemporáneos de Italia. Recordamos la tremenda y emotiva “La habitación del hijo”, del 2001, y sus recientes apariciones en diferentes festivales. En “Santiago, Chile”, desnuda la atroz dictadura del general Augusto Pinochet en Chile a través del desgarrador relato de los sobrevivientes, jóvenes entonces afiliados al Partido Comunista, que recibieron asilo en la Embajada de Italia, la que abrió sus puertas de manera generosa más que ninguna otra.

Instalados en Italia, varios chilenos cuentan sus vivencias y cómo lograron saltar el alto muro de la embajada italiana en Santiago de Chile, cayendo a un jardín de donde eran rescatados por las autoridades italianos o bien por otros connacionales ya refugiados. Frente a cámaras, se incluye el testimonio de dos ex militares que no aceptan la matanza ocurrida ni los secuestros. Monigotes de potencias extranjeras, tienen la soberbia del psicópata, que no entiende que asesinó. Hablan de “ellos y nosotros”, manifestando una diferencia de clases que repugna.

Uno de los testimonios más desgarradores es el de una mujer que, con calma y sonrisas, cuenta cómo la torturaron hasta hacerle perder muchísima sangre. Moretti no recurre al golpe bajo sino que, sin música incidental, muestra una cama con listones metálicos como muda testigo del horror. Solo es estremecedora la imagen de la joven baleada y tirada al jardín de la embajada de Italia por los carabineros. La emoción de los ex refugiados anuda la garganta: el recuerdo del sacerdote que fue jubilado por Juan Pablo II y jamás recordado, la altura moral de la lucha, la tremenda duda sobre la muerte de Salvador Allende, si se suicidó o lo asesinaron (esta última hipótesis es la que estalla con fuerza), conviven con las declaraciones de los ex funcionarios de Italia que decidieron ayudar a los que saltaban el muro (cientos de chilenos) sin recibir claras órdenes al respecto desde su gobierno. Nanni Moretti aparece muy poco, se escucha su voz en algunas preguntas y se lo ve plantado, con su impresionante altura, frente a uno de los militares que aún hoy teme que su opinión sea descontextualizada. Moretti le segura que él no es imparcial, sino bien parcial, por lo que la perplejidad cubre el rostro del sujeto que cumple prisión.

Recordamos “Missing”, film de 1982, del gran Costa-Gravas, con Jack Lemmon, un testimonio en la misma época de estas siniestras dictaduras donde se mostró la crudeza de los secuestros en Chile, similares en Argentina y Uruguay. Nanni Moretti no deja morir la memoria. Y, en tiempos difíciles con un marco exterior casi similar, trae este documento estremecedor. Para no dejar de ver.

Elsa Bragato

 

ALEJANDRO DEL PRADO, EL ESLABÓN PERDIDO

Documental de Mariano del Mazo y Marcelo Schapces. Duración: 75 minutos.

XXXXX- RESCATE DE UN ARTISTA

Por conocerlo personalmente, los directores Del Mazo y Schapces decidieron rescatar de un semiolvido al artista, músico, compositor, dibujante, Alejandro del Prado, que vive, como hace años, en su rincón de Almagro. Casado, separado, viudo, padre de una hija – presente en la narración- , exiliado y vuelto a la patria en tiempos de la democracia alfonsinista, Del Prado fue hijo del prestigioso dibujante Calé, fallecido a temprana edad. Sin padre, junto a su hermano Horacio y la compañía de su hija y su nieto, desgrana sus memorias, su voluntad de seguir creando, de ser la voz de algún sitio nocturno de Palermo, y se encierra por voluntad propia para seguir creando.

Tiene un solo trabajo en conjunto llamado “Soluma” y tres en solitario:_ “Dejo constancia”, “Los locos de Buenos Aires” y “Soy de otro siglo”. Fue guitarrista de Alfredo Zitarrosa, compuso junto a Silvio Rodríguez y Litto Nebbia, y es considerado justamente “el eslabón perdido” del rock y el tango, ese “tango feroz”, como llamado al dos por cuatro la estupenda Beatriz Guido. Es que el rock en todas sus variantes fue el género que enfrentó a los dictadores cívicomilitares. Ahí estuvo Alejandro del Prado, una figura fuerte y solitaria a la vez que sigue un camino especial de pentagramas y melodías, de ideas y libertad. Interesante trabajo y justo rescate del olvido.

Elsa Bragato

 

 

PASCO: AVANZAR MÁS ALLÁ DE LA MUERTE

Documental de Martín Sabio y Patricia Rodríguez. Duración: 110 minutos

XXXXX-NUNCA MÁS

Los documentalistas Martín Sabio y Patricia Rodríguez decidieron darle visibilidad a la conocida como la Masacre de Pasco, calle del barrio San José, de Temperley, ocurrida el 21 de marzo de 1975. A través de los docentes y alumnos de la Escuela Nro 15 “Vicente Sierra” de Temperley, se abocaron a recabar datos de los vecinos, aquéllos que, por edad, podían tener algún dato certero de esa matanza, olvidada por la historia hasta ahora.

La entrevista de los chicos con los vecinos trajeron a la luz los nombres de los asesinados por una patrulla militar que los llevaron hasta Pasco, y los acribillaron a balazos, los fusilaron: Rubén Bagninia, Aníbal Benítez, Alfredo Díaz de 14 años, Eduardo Díaz de 16, Héctor Flores, Germán Gómez, Héctor Lencina, Gladys Martínez. Todos pertenecían a la Juventud Peronista y trabajaban en los barrios para defender comedores, la instalación de agua corriente, las escuelas, las salitas de primeros auxilios. Enfrentados con el flamante intendente Eduardo Duhalde, terminaron en la oscura calle Pasco sus vidas.

Los testimonios son desgarradores si bien hoy en día las lágrimas surgen de manera calma, aunque quemen la piel. Imposible olvidar a los que un día fueron llevados a la fuerza siendo tan chicos y tan solo por tener tareas comunales con pasión. Una historia que duele, que dolerá siempre y que no debe olvidarse para que NUNCA MÁS sea posible.

Elsa Bragato

 

 

ANGRY BIRDS 2

De Thurop Van Orman. Voces de Jason Sudeikis, Josh Gad, Leslie Jones, entre otros, en inglés. Duración: 97 minutos. Animación de Finlandia y Estados Unidos.

XXXXX- PARA LOS CHIQUILINES

Hace 10 años, surgía en Finlandia la historia de la isla de los pájaros con el gruñón Red, el pájaro rojo, y su relación con el resto de las aves. Un grupo de cerdos verdes intentó quebrar la paz de la isla por lo que lucha se generó una lucha entre pájaros y chanchitos, hasta llegar la paz y tener cada uno su isla.

En esta continuación, tanto cerdos como aves se ven amenazados por gigantescas bolas de hielo que caen en las respectivas islas como bombas. Vienen de una isla donde una despechada y desplumada águila pergeña toda clase de venganzas contra su ex novio, que vive en la isla d e los pájaros.

Mientras los mayores de ambas islas apelan a la solidaridad para enfrentar al enemigo, los pajaritos más chiquitos intentan recuperar a los tres huevos que contienen a sus futuros hermanitos. Quizás en esto exista algún mensaje subliminal. Pero, en general, la simpleza de los diálogos y de los gags, bien realizados, apuntan a la platea menuda, como se decía antes, que pasará un momento de diversión y emoción además de un buen mensaje: nada de bullying, mucha solidaridad entre los diferentes.

Elsa Bragato

 

Otros estrenos previstos:

1.- Anna, de Luc Besson, con Helen Mirren. Francia-Estados Unidos.

2.- El llanto, de Hernán Fernández, Argentina.

 

JUEVES 8 DE AGOSTO DEL 2019.

 

EL DÍA QUE ME MUERA

De Néstor Sánchez Sotelo.. Con Betiana Blum, Roberto Carnaghi, Mirtha Busnelli, Alejandra Flechner, María José Gabin, Lucas Ferraro, Gipsy Bonafina, Regina Lamm, Alan Sabbagh, Hernán Chiozza, entre otros. Música de Pablo Sala. Cinematografía de Alejandro Giulani. Duración: 90 minutos.

XXXXX- LO QUE PUEDE UNA GRAN ACTRIZ

La presencia de Betiana Blum salvó a este film de una calificación menor. Junto a Roberto Carnaghi, otro gran actor, salvaron las papas de Néstor Sánchez Sotelo quien tuvo una muy buena idea pero una escasa producción acorde al elenco.

“Dina Foguelman” está encarnada por Betiana Blum, una madre viuda que ha criado a sus hijos muy debajo del ala. Sin embargo, ninguno está a su lado y ella padece “el síndrome del nido vacío” de manera exagerada. Entonces se le ocurre, ayudada por sus amistades, fingir su muerte.

Los primeros minutos del film no nos aportan mucha sonrisas, salvo el desenfreno de la notable Blum que apeló a todos sus magníficos recursos histriónicos dotando a su personaje de gracia y exageración.

La llegada del exterior de dos de sus hijos y el regreso del mayor (Alan Sabbagh) a su regazo, generan escenas de hilaridad. Los aportes de Alejandra Flechner y el de Mirtha Busnelli resultan fundamentales para que la historia salga de una medianía exasperante. Con algo de “Esperando la carroza” por la presencia de Betiana Blum, su regreso a la pantalla como alma mater de esta comedia se aplaude.

Elsa Bragato

 

MI AMIGO ENZO

De Simon Curtis. Basada en la novela de Garth Stein, best seller del 2008. Con Milo Ventimiglia, Amanda Seyfried, Kevin Costner, Kathy Baker, Gary Cole, entre otros. Guion de Mark Bomback. Fotografía de Ross Emery. Música de Volker Bertelmann y Dustin O´ Halloran. Duración: 109 minutos.

XXXXX-¡PARA LLORAR A MARES!

Con la voz de Kevin Costner, Enzo nos cuenta su vida de perro al lado de su amo, el corredor de autos Denny Swift, a cargo de Milo Ventimiglia. La llegada Eve (Amanda Seyfried, actriz entrenada en roles románticos) a la vida de Denny le provoca celos hasta que descubre que está embarazada por lo que inicia una relación de profundo cariño hacia la esposa de su amo.

Nada le falta a esta cinta para que lloremos. A medio camino entre “Dulce noviembre” con Charlize Theron y “Otoño en New York” con Richard Gere y Winona Ryder, el melodrama propuesto es completo incluyendo todos los clishés del género. Los abuelos ricos frente a un yerno que no gana bien, la nieta que quieren adoptar, la muerte de un ser querido y Enzo, que asiste a cada momento sin que nadie repare en él.

Como canto de amor a los animales, Simon Curtis (“Mi semana con Marilyn”) manejó muy bien la historia de Enzo haciendo honor a la historia del célebre escritor y realizador cinematográfico Garth Stein quien tiene hasta un sitio web sobre Enzo, sus libros, los afiches y hasta audiolibros. Enzo es un perro muy conocido en los Estados Unidos, que llega a nuestro país con una historia melodramática, con algún golpe bajo inevitable y una solución que nos devuelve el aliento. Para ver en familia.

Elsa Bragato

 

LAS REINAS DEL CRIMEN

De Andrea Berloff. Con Melissa McCarthy, Elisabeth Moss, Tiffany Haddisch, Domhnall Glesson, James Badge Dale, Alkicia Coppola, Margo Martindale. Guion de Andrea Berloff. Fotografía de Maryse Alberti. Música de Bryce Dessner. Duración: 109 minutos.

XXXXX-MUJERES DE ARMAS TOMAR

Basada en la serie de cómic Ollie Masters de DC, Andrea Berloff, reconocida actriz, guionista y realizadora de Hollywood, se encargó de llevar al cine a tres supermujeres, esposas de gangsters irlandeses de New York. Encarcelados luego de un atraco “cantado”, se encargarán las tres de los negocios de sus maridos, es decir, conseguir dinero de los comerciantes a cambio de protección. Kathy (McCarthy), Ruby (Haddish) y Claire (Moss) quieren venganza y dinero para sobrevivir. Lo consiguen pero, en el mientras tanto, hay balaceras de todo tipo y color y descuartizamientos muy desagradables. Estas secuencias resultan innecesarias, cargan de tensión que no aporta nada a la historia como ese espantoso ruido de un cuchillo que se quiebra en el muslo de un muerto. Si hay algo positivo, es que la sangre no salpica la pantalla.

La sensación que se tiene es rara. Estamos frente a un cómic, a un policial, a un fundamento feminista. No se sabe. No hay definición al respecto. O es una broma mal narrada o es un gore truculento. Confuso todo. Melissa McCarthy es bien conocida como excelente comediante por lo que verla transformada en mafiosa sin escrúpulos no cuadra. Tampoco el temperamento de Ruby y Claire, las otras dos socias, llenas de sordo rencor hacia sus maridos. En síntesis, no se puede decir que esta película guste, atraiga, o seduzca ni por la acción ni por la propuesta. Está a medio camino del feminismo bien entendido, del comic, del thriller y del gore.

 

Elsa Bragato

 

CARA SUCIA, CON LA MAGIA DE LA NATURALEZA

Guion y dirección de Gastón Gularte. Dirección de arte de Sandra Gularte. Dirección de fotografía de Germán Drexler. Música original de Osvaldo de la Fuente. Voces de Rubén “El Negro” Rada y Julieta Alsina. Colorista: Crows Nest PCG, Laura Viviani. Director FX Y COMPOSICIÓN: Horacio Iabon. Con Isabella Caminos Bragatto, Matías de Jesús, Karen Slabcow, Vladimir Krauczuk. Laura Novoa, Gustavo Garzón, Rubén Rada como el “Mono Vivaldi”. Duración: 95 minutos. Coproducción Argentina,-Suiza y España.

XXXXX- FICCIÓN ANIMADA CON PROFUNDO MENSAJE ECOLÓGICO

En el esplendor de las Cataratas de Iguazú (Misiones), la niña Mariel (Isabella Caminos Bragatto) y sus pequeños amigos logran transformarse en dibujos animados gracias a la magia de la naturaleza. Así aparece toda la gama de animales de la selva misionera como tucanes, monos, mariposas, yaguaretés, reptiles, insectos, para luchar contra una empresaria llamada Melany (Laura Novoa), bruja ambiciosa, vestida de negro, que intenta arrasar con el bosque para vender su madera al exterior (especialmente cedros).

Melany odia a la naturaleza y cuenta con una flota de máquinas topadoras pronta a cumplir con su propósito: arrasar las cinco mil hectáreas del Parque Nacional. La valiente acción de Mariel y sus amiguitos, convertidos en animalitos de la selva, está guiada por la sabiduría del Mono Vivaldi (Rubén Rada), para oponerse a las ambiciones de Melany quien pretende destruir la amada selva.

El film demandó siete años de producción y nos deja no solo orgullo por su realización sino mensajes ecológicos y humanísticos invalorables. La coproducción con Live Action (transformar las actuaciones reales en dibujos animados, diferente al motion capture) y la utilización de diferentes recursos técnicos facilitaron esta animación que es para toda la familia, chicos y grandes. Fantástica ficción-animación misionera, poblada de mariposas y flores en una conjunción de gran valor artístico.

Carlos Pierre

 

Otros estrenos previstos (el cambio en la programación que aquí ofrecemos a través de las críticas no es responsabilidad de esta sección):

1.- MEJOR QUE NUNCA, de Zara Hayes, con Diane Keaton. Estados Unidos.

2.- HOMBRES DE PIEL DURA, de José Celestino Campusano. Sobre un sacerdote pedófilo. Argentina.

 

JUEVES 1RO DE AGOSTO DEL 2019

 

RÁPIDOS Y FURIOSOS, HOBBS & SHAW

De David Leitch. Con Dwayne Johnson, Jason Statham, Vanessa Kirby, Idris Elba, Eiza González, Helen Mirren, Eddie Marsan, Cliff Curtis. Guión de Chris Morgan. Fotografía de Jonathan Sela. Música de Tyler Bates. Duración: 136 minutos.

XXXXX- A PURO POCHOCLO, NADA MÁS

Pelea o no entre Dwayne Johnson y Vin Diesel, lo cierto es que este último no aparece en este “spin-off” titulado “Hobbs & Shaw” que se adelanta a la película número 9 de la exitosa saga “Rápidos y furiosos”. La serie comenzó en el 2001 con una modesta producción cuyo único objetivo fue retratar las carreras callejeras de New York. Estaba entonces Paul Walker quien se accidentó fatalmente luego de 5ta película, la mejor de todas (ambienta en Río de Janeiro) donde apareció por primera vez Dwayne Johnson. El tema prendió y desde hace unos 4 años es la franquicia más exitosa de Universal de todos los tiempos. En principio, esta saga terminaría sumando 10 películas.

Como curiosidad, digamos que la idea surgió de un artículo de 1998 sobre las picadas de New York. La historia real se ficcionó en California para luego ir creciendo y, finalmente, recorrer diferentes ciudades del mundo.

Esta colateral película, en virtud de que Rápidos y furiosos tendrá su continuidad como tal, une a Johnwon, que es el atlético Hobbs con Jason Statham, que es el frío Shaw en la guerra contra el robótico Brixton (Idris Elba) hombre con fuerza sobrehumana, además de habilidades propias de los robots.

El clima es de lucha, enfrentamiento, defensa de unos contra otros. Hasta ubicarse en la isla de Samoa (uno de los 14 países de Oceanía), donde es capaz hasta de hablar en “samoano”, similar al “maorí” de Nueva Zelanda.

La narración está muy estructurada: peleas iniciales, persecuciones cuya edición es notoria (tomas de Hobbs o Shaw manejando, combies a los tiros, se alternan), y un ruido infernal de balaceras, gritos y chirridos de neumáticos. Este tipo de secuencias deja paso a otras donde los personajes pergeñan el accionar contra Brixton. En algún momento, los viejos coches y los caminos polvorientos se parecen al mundo de Mad Max. Asi como las luchas cuerpo a cuerpo nos remiten a principios del siglo XX.

Esta combinación de acciones robóticas, empresas que cambian la genética humana, y hombres de carne y hueso luchando cuerpo a cuerpo, conforman un film de acción más, con el atractivo de los golpes hasta destruir al oponente y las balas que no perdonan a nadie. Nada especial, un gustito de Dwayne Johnson y de su actual compinche Jason Statham que tendrá fieles seguidores. Diálogos inconsistentes, tontos, y cuerpazos a rolete, síntesis de un film que no aporta nada pero entretiene.

Elsa Bragato

 

VIGILIA DE AGOSTO

De Luis María Mercado. Con Rita Pauls, Martía Fiorentino, Eva Bianco, Michel Noher. Fotografía de Santiago Seminara. Música de Luis Ariel Salazar. Duración: 1978.

XXXXX-DEMASIADO LINEAL

Producto del polo cinematográfico de Córdoba, pujante e interesante, “Vigilia de agosto” es una ficción con la base de una muy buena idea. La realización es buena, correcta, sin fisuras. Sin embargo, la historia es lineal, secuencia tras secuencia, sin picos de eclosión o, al menos, poco definitorios.

Una joven está por casarse, descubre elementos extraños antes de la boda, si bien aparenta estar muy enamorada de su futuro marido. Una extraña enfermedad o posesión se va apoderando de su cuerpo, aunque cumplirá con su sueño de casarse. Las escenas de la fiesta se parecen mucho al últimop sketch de “Relatos salvajes” aunque sin ninguna cuota de dramatismo.

El elenco tiene nombres de primer nivel por lo que nada entorpecería un desarrollo narrativo de envergadura. El clima, la atmósfera supuestamente de diablos o cruces no se desarrolla y los personajes quedan apenas esbozados, transitando diálogos y secuencias sin que la vida los traspase. La linealidad es una de las características del nuevo cine nacional. Falta “pathos”, pasión, ese algo que envuelve ideas y personajes dándole carnadura, verosimilitud.

Elsa Bragato

 

ESA PELÍCULA QUE LLEVO CONMIGO

Guion y Dirección de Lucía S. Ruiz. Documental sobre la inmigración española.

XXXXX-BUSCANDO LOS ORÍGENES

Hijos y nietos de inmigrantes europeos, especialmente de españoles e italianos, conviven con una dualidad: ser argentinos porque así lo sienten y tener en sí mismos la historia de sus padres o abuelos. En el caso de Lucía S: Ruiz, son sus abuelos paternos, con quienes pudo viajar en el 2000 a POarís y Madrid- En el sur de Francia el abuelo Pepe tuvo que esconderse siendo un niño de la Guerra Civil española del 1936.

Casi como denominador común, Lucía se enfrenta a la parquedad de los mayores que, si bien narraron muchos aspectos de su vida en sus países natales, no fueron muy explícitos aunque esto suene a contradicción. Recurre a su papá, quien le confirma que sacó información casi a “tirabuzón” de su propio abuelo. Y recordó que su papá había pasado por dos guerras seguidas: la Civil española e inmediatamente la Segunda Guerra Mundial-

Para Lucía S. Ruiz, se inicia una búsqueda inquietante: encontrar a amigos que hubiesen tenido contacto con sus abuelos. De esta manera, va “montando”, editando, su propia película interior, la que lleva con ella, esa historia semitrunda que debe terminar para que su genealogía se cierre, para no sentirse con la mitad del corazón en Europa y la otra aquí. Una serie de entrevistas le aportan un material muy especial al documental que también se nutre de viejos videos caseros, y de la recorrida por nuestro país, España y Francia para terminar este largometraje que forma parte de su yo más profundo.

Elsa Bragato

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Esta película debió estrenarse. El cine Gaumont, sobre la hora, decidió no exhibirlo por no tener apoyo del INCAA en su presupuesto. Distintos integrantes de la Universidad, a cargo del film, denunciaron censura sobre el material. Se presentó en la vereda del cine, considerado el Km 0 del INCAA. Aquí va nuestro comentario crítico a un año de la explosión, en memoria de sus dos víctimas.

 

ESCUELA BOMBA

Documental de Audiovisuales del Departamento de Educación de la Universidad Nacional de Luján. Duración: 68 minutos.

XXXXX-PROMESAS NO CUMPLIDAS Y MUERTES

Este documental colectivo, Escuela Bomba, realizado por la Universidad Nacional de Luján, parte de la muerte, calificada como asesinato, de la vicedirectora Sandra Calamano y del auxiliar Rubén Rodríguez de la escuela Nro 49 de la localidad de Moreno, ocurridas el 2 de agosto del 2018. Mañana viernes se cumplirá un año y, al cierre de esta producción tal como se ve, habría un altísimo porcentaje de escuelas de Moreno sin gas, refacciones inconclusas y reparación edilicia tardía, por lo tanto, injusta.

El fatídico 2 de agosto amaneció con la muerte de dos integrantes de la cultura argentina debido a la explosión de garrafas en la escuela citada. Se supo entonces que el escape de gas era notorio y que Calamano había llamado en reiteradas oportunidades al Concejo Escolar solicitando ayuda. El 1ro de agosto había permanecido en la escuela hasta las 18 horas esperando la llegada de los técnicos. No sucedió. Nadie se acercó a la escuela que quedó con la pérdida de gas.

El asesinato de estas dos personas movilizó a la comunidad educativa y a los barrios de la zona, muy pobres, que encontraron en esa escuela un lugar seguro para sus hijos. Movilizaciones, ollas populares, estuvieron matizadas con amenazas de muerte a los docentes. En enero de este año, el gobierno nacional designó una partida de 362 millones de pesos para la infraestructura de las escuelas del partido de Moreno. Dinero había, solo que se había subejecutado el presupuesto provincial.

El documental contiene desde la información que proporcionaron los noticieros televisivos en el momento de la muerte de los dos educadores hasta el testimonio a cámara de docentes, autoridades escolares y vecinos. Valioso memorial a un año de este fatal desenlace que el gobierno provincial tuvo la chance de evitar de haber cumplido con sus obligaciones sociopolíticas.

 

Otros estrenos:

1.- Rebobinado, la película, de Juan Francisco Otaño

2.- La casa de Wannsee, de Poli Martínez Kaplun

3.- Marta Show, de Malena Moffatt & Bruno López

 

JUEVES 25 DE JULIO DEL 2019.-

El cambio en los estrenos previstos no son responsabilidad de este sitio ni de esta sección. “La espía roja”, prevista para la semana pasada, intempestivamente pasó a ésta. Los comentarios están volcados en las críticas del jueves 18 de julio.

 

INFIERNO EN LA TORMENTA

De Alexandre Aja. Con Kaya Scodelario, Anson Boon, Barry Pepper, entre otros. Fotografía de Maxime Alexandre. Música de Max Aruj y Steffen THum. Duración: 87 minutos,

XXXXX- UNA CATÁSTOFRE REDONDA!

El ingenio supera, muchas veces, la inversión en producción. “Crawl” (Arrastrándose) o “Infierno en la tormenta” es uno de esos films en los que pocos actores y un gran manejo del clima y de los recursos superan cualquier millonaria inversión. Alexandre Aja logra aterrorizar a la platea con solo dos personajes y un par de cocodrilos de “mentira” que los acechan.

La joven Katya enfrenta el huracán Wendy, que ingresó a Miami con categoría 5, buscando a su padre que, al parecer, estaría en la antigua casa familiar, puesta en venta. La acompaña la perrita familiar. Ya en la casa, Katya comprobará que su padre está muy herido en la base de la casa, que da directamente a los pantanos de la ciudad. En ellos habitan feroces cocodrilos.

Nos asustamos hace años con “Tiburón”, las mandíbulas mecánicas tragándose literalmente al capitán de un barco, la sangre que golpeó la pantalla. He aquí una película que supera a la de Steven Spielberg: no es un tiburón blanco sino que son decenas de hambrientos “aligator” que encerrarán a Katya y su padre en la base de la amplia casa. A medida que la inundación aumenta su nivel, la vida de los dos sobrevivientes correrá más peligro.

Al mismo tiempo, corre frío por la espalda del espectador. Surgen risas de miedo dentro de un silencio que indica la atención máxima en la sala. O el susto que obliga a sostenerse en la butaca! Alexandre Aja no ahorró detalles: cuando los “aligators” atacan, la sangre tiñe el agua límpida del mar. Y no será un solo “bocado” sino varios.

Es una película catástrofe fantástica! Sin complicaciones narrativas, la sencillez de la propuesta permite lograr eficacia en el susto, que es lo que el público fans busca. Sin pretensiones, Aja realiza una película perfecta donde une con inteligencia la catástrofe de un huracán con un animal poco presente en los films de terror: los nada amigables cocodrilos de los pantanos de La Florida. Perfecto menú para disfrutar… del miedo.

Elsa Bragato

 

NUEVA MENTE

Documental de Ulises de la Orden. Fotografía de Pablo Parra. Música de Juan de la Orden. Duración: 77 minutos.

XXXXX- DIGNIDAD DEL TRABAJO

Podemos buscar varios títulos para este documental: desde la reconversión de la basura, la creación de las cooperativas hasta los barrios marginales que la dictadura cívico-militar del 76 erradicó de la Capital Federal. Optamos por centralizarlo en “dignidad”, que es lo que lograron con enorme esfuerzo los habitantes considerados “marginales” de la sociedad porteña. Aquellos chicos y hombres y mujeres que vimos pulular en los basurales en los 90, aquel tren blanco que los traía a la ciudad para recoger la basura, conformaron cooperativas, logrando la dignidad del trabajo y un futuro para los hijos. Antropológos e integrantes de la cooperativa Bella Flor, centro de los reportajes, cuentan sus experiencias desde aquella primera de vivir en la basura, literalmente, para encontrar comida y ropa, hasta hoy, cuando forman parte de grupos laborales, sacando de la calle a chicos, hombres y mujeres.

Les faltan derechos laborales y reconocimiento de las autoridades por el trabajo que realizan siendo como son el primer eslabón del cuidado ecológico del Planeta.

El nuevo documental de Ulises de la Orden, precedido por otros muy valiosos como “Chaco” y “Desierto verde”, es de suma importancia para chicos y grandes. Es de visión obligada porque somos quienes producimos 15 toneladas de basura por día. Quienes la reciclan tienen mucho para decirnos, desde la separación de los materiales en el hogar hasta la visibilización de quienes se meten en lo peor para que vivamos mejor.

Elsa Bragato

También está previsto el estreno de “Chuva é cantoria na aldeia dos mortos”, documental de Portugal y Brasil, de Joao Salaviza y Renée Nader Messora.

 

JUEVES 18 DE JULIO DEL 2019.-

 

VOLVIENDO A CASA

Docuficción de Ricardo Preve. Fotografía de Giula Scintu. Mú8sica de Andrés Rubinsztein. Violoncellista: Jacqueline Oroc. Realización mediante “crowdfounding”.

XXXXX- CONMOVEDOR DOCUFICCIÓN

El realizador argentino Ricardo Prevé es un reconocido activista y cineasta argentino que ha producido interesante documentales para cine y televisión tales como Los gemelos de Mengele, Chagas: un mal escondido, y Los cuadernos secretos de Darwin, entre otros. En este caso, radicado parte del año en Italia, tuvo conocimiento del hundimiento del Macalle, submarino italiano que sucumbió en la Segunda Guerra Mundial frente a la costa de Sudán, Africa. Fueron 45 náufragos de los que se rescataron 44, habiendo fallecido solo Carlo Acefalo, enterrado en la isla Barra Musa Khebe del Mar Rojo.

Preve tuvo acceso a los descendientes de Acefalo, conociendo la triste historia de su madre: analfabeta, se casó con Acefalo en el pueblito Castiglione Falletto del Piamonte italiano, un hombre que fue abandonado de pequeño en un orfanato. Convocado para la primera guerra mundial, falleció en combate. Su hijo, Carlo Acefalo, de 24 años, fue también mártir de la Segunda Guerra Mundial, tal como se indicó. La madre falleció esperando tanto los restos de su marido como los de su hijo.

Con el apoyo de autoridades italianas, argentinas y de Sudán, tras casi cinco años de trabajos junto a antropólogos y descendientes, Preve logró rescatar los restos del soldado Carlo Acefalo, y entregárselo a la familia para que desde entonces descanse junto a su madre.

Excelente realización, amenizada por la reconstrucción del submarino italiano en estudios bonaerenses, con la inclusión de actores argentinos, así como rodaje en Sudán e Italia, reencuentros entre hijos de los tripulantes del Macalle, y filmación en Claromecó, provincia de Buenos Aires. El documental tiene numerosas nominaciones internacionales por la calidad de su realización siendo la historia profundamente conmovedora “per se”: con gran sensibilidad, Preve nos cuenta el rescate de los restos de Carlo Acefalo dedicando el trabajo a su joven hija fallecida en el 2017 y a los 44 tripulantes desaparecidos en el Ara San Juan.

Elsa Bragato

 

EN LOS 90

Guion y dirección: Jonah Hill. Con Sunny Suijic, Lucas Hedges, Katherine Waterston, Alexa Demie, entre otros. Fotografía: Christopher Blauvelt. Música: Trent Reznor, Atticus Ross. Duración: 84 minutos.

XXXXX-BRILLANTE DIRECCIÓN DEL DEBUTANTE JONAS HILL

Jonah Hill, a quien conocemos como un joven actor con 59 créditos, además de la dirección de videos y cortos, se lanza con esta ópera prima, “En los 90”, retratando el paso de un niño de 13 años a la adolescencia.

Hill elude ex profeso el acento nostálgico (aunque él sea un “millennial”), filma su propia experiencia en su ciudad natal, Los Ángeles. Todo un hallazgo fue reunir a “skaters” sin formación actoral pero duchos en las patinetas. El elenco “neorrealista” le dio más autenticidad a este relato inserto en la comedia dramática.

Stevie (Sunny Suijic), el joven actor de El Sacrificio del Ciervo Dorado, personifica al niño de 13 años que traba amistad con otros chicos durante las vacaciones de verano en Los Ángeles. Se reúnen en una tienda de “skate”, que le abre un nuevo mundo con aristas más adultas. Deberá convivir con los problemas de su madre y de su hermano mayor, además de enfrentar adversidades propias de la inmadurez, entre severas y risueñas.

La transparencia del actor Sunny Suijic, tanto en su rostro como en su interpretación, imprime al film un especial clima emotivo, sin perderse la noción de realidad. La vida está “pegada a la tierra”, fluye sin artificio narrativo, día a día, simple y contundente.

Hill logra una pequeña obra maestra acerca del paso de la niñez a la adolescencia, con marcado acento autobiográfico, brillando Sunny Suijic en su actuación. El film “indie” viene de lograr varios premios internacionales esperando su pronto estreno en varios festivales. Le caben tres rubros cómodamente: mejor película independiente, mejor intérprete revelación y mejor montaje. 

Carlos Pierre

 

1.- La espía roja, de Trevor Nunn, Reino Unido.

“Académica, monótona y poco convincente… Es una pena que se saque tan poco drama de la historia y que se nos ofrezca algo romántico pulp lleno de clishés”, de Dennis Harvey, Variety.

“Un buen thriller británico de espionaje de estilo clásico, con una cautivadora heroína –o antiheroina- interpretada por las excelentes actrices Judie Dench y –como su yo más joven- Sophie Cookson”, de Deborah Young, The Hollywood Reporter.

 

2.-El Rey León, de Jon Favreau, Estados Unidos.

“Quizás sea la película más conservadora, menos sorprendente y menos arriesgada de este siglo… Va tan a lo seguro, es tan inofensiva y está tan calculada que es como si estuviera regurgitada”, de Todd McCharthy, The Hollywood Reporter.

“Si la juzgáramos solo por el apartado técnico, sería genial… Hay mucha profesionalidad pero poco corazón. Es posible que el realismo de los animales haga que sea difícil conectar con los personajes”, de A. O. Scott, The New York Times.

 

JUEVES 11 DE JULIO DEL 2019.-

 

CHUCKY, EL MUÑECO MALDITO

Dirección: Lars Kleyberg. Guion: Tyler Burton Smith. Fotografía: Brendan Uegama. Música: Bear McCreary. Con Gabriel Bateman, Aubrey Plaza, Brian Tyree Henry, Tim Matheson, entre otros. Duración: 90 minutos.

XXXXX-REGRESO DEL MUÑECO DIABÓLICO

Don Mancini, creador del personaje Chucky, fue el guionista de las películas de la franquicia desde 1988, así como productor ejecutivo de La Novia de Chucky y director de las últimas entregas de la serie. En el regreso del “muñeco” a la pantalla, lo reemplazó el guionista Tyler Burton Smith por decisión de la empresa.

Karen (Aubrey Plaza), madre soltera, aprovecha el descarte del muñeco Buddi 1 de la fábrica donde trabaja para regalárselo a su hijo Andy (Gabriel Bateman). La fabricación ahora se dedica al Buddi 2. Nunca pudo imaginarse que el muñeco escondía un alma diabólica.

Las piezas están echadas: hay un manejo muy inteligente del terror en Buddi 1, con mucho “gore”, cuchillos amenazantes esgrimidos por el muñeco maldito que ha desarrollado una fuerte empatía por el joven Andy, envuelto en un ascendente torbellino de muerte. “Chucky”- Buddi 1, con mirada humana que sobresalta, se transforma en custodio del joven al que trata de salvar de diversos peligros, saliendo en su defensa de manera desmesurada.

La novedad de esta entrega es la actitud humana del muñeco en el que se logra una gestualidad natural asombrosa. Es  una buena vuelta de tuerca a la historia que regaló, desde 1988, siete películas siendo la última del 2017. La música de Bear McCreary se inclina por la inclusión de los sonidos de diversos juguetes generando un clima de intenso suspenso. La voz del famoso muñeco es de Mark Hamill, quien logra un tono terrorífico eficaz. Para fans del género, Chucky regresó con su sangrienta propuesta!

Carlos Pierre

 

 

LA FIERA Y LA FIESTA

Dirección y guion: Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas. Con Geraldine Chaplin, Udo Kier, Luis Ospina y Jackie Ludueña, entre otros. Fotografía: Israel Cárdenas. Música: Leandro De Loredo. Duración: 90 minutos. Coproducción Rep. Dominicana-Argentina-México.

XXXXX-SURREALISMO CARIBEÑO

El matrimonio formado por Laura Amelia Guzmán (Rep. Dominicana) e Israel Cárdenas (México), de reconocida trayectoria en el largometraje, decidió abordar el mundo nocturno, el de la magia y el drama, así como el cine dentro del cine a través de recuerdos, sueños y fantasías. Destacamos algunos films como “Cochochi”, “Jean Gentil” y el documental “Dólares de arena”, así como premios en diferentes festivales del mundo.

En este caso, se valen de una protagonista muy amiga de la Argentina: Geraldine Chaplin, quien encarna a “Vera”, también una actriz pero con fama disipada, que se reúne con amistades de los años para filmar el legado de su amigo Jean Louis Jorge, un transgresor y sensual artista, cuyos films erráticos deambulan fuera de tiempo. Para “Vera” el destino de los recuerdos y hasta de la misma realidad son carcomidos por el clima caribeño, del que nada parece salvarse.

En sí mismo, el relato resulta un tanto extraño, si bien la personalidad carismática de Geraldine Chaplin actúa con un magnetismo innato que atrapa. Se dan estos opuestos en una narración que cabalga entre la nocturnidad y el surrealismo, permitiéndole a Guzmán y Cárdenas llegar a la Sección Panorama de la 69 Berlinale, dedicada a nuevas obras de directores consagrados y óperas primas. La nueva entrega del exitoso matrimonio nos pone frente a una fantasía del Caribe con un rico material visual además de recopilaciones musicales interesantes. El título del film indicará, claramente, la dualidad en la que los personajes viven: la fiera y la fiesta, lo oculto y la realización en sí.

Carlos Pierre

 

VIAJE AL CUARTO DE UNA MADRE

Guion y dirección: Celia Rico Clavellino. Con Lola Dueñas, Anna Castillo, Pedro Casablanc, Noemí Hopper, entre otros. Fotografía: Santiago Racaj. Montaje: Fernando Franco. Duración: 94 minutos. España.

XXXXX-DOS MUJERES EN UN PROFUNDO RELATO EMOTIVO

La realizadora sevillana Celia Rico Clavellino llega al cine con una notable ópera prima sobre las relaciones familiares: la independencia de los hijos de los padres. Solo dos personajes y una problemática por demás conocida, trabajada a partir de una sensibilidad muy especial.

Leonor (Anna Castillo) quiere abandonar el regazo de su madre, Estrella (Lola Dueñas), flamante viuda sumergida en una enorme tristeza. Ambas conviven con mucha modestia, cumpliendo con una rutina hogareña digna, de pocas palabras y mucho respeto y amor. El objetivo de Leonor es probar suerte en Londres donde consiguió trabajo de “babysitter”.

Planteado el tema, Clavellino trabaja en los silencios, más sugerentes que los diálogos o la propia acción. Pocas escenas hablan del entorno de ambas mujeres: la muerte del jefe de familia se descubre en algunos elementos: el dolor de la viuda, las botas que le pertenecieran y se caen del placard, y el acordeón en manos de una de ellas interpretando “La paloma”. El trabajo de Clavellino es sugerir más que mostrar a rajatabla por lo que crea una atmósfera de intensa emoción.

Uno de los secretos está en la elección de las dos protagonistas: Anna Castillo, más que una joven promesa, y Lola Dueñas, de sólida veteranía, que apuntalan la ópera prima de la sevillana cargándosela sobre sus respectivos hombros. La película se convirtió en la más renovadora de la filmografía hispana del año, con cuatro nominaciones a los premios Goya y el premio Juventud del Festival de San Sebastián. Extraordinaria realización que conmueve profundamente.

Carlos Pierre

 

 

 

ESA MUJER

De Jia Zhang Ke. Con Zhao Tao, Liao Fan, entre otros. Coproducción de China, Francia y Japón. Música de Giong Lim. Fotografía de Eric Gautier. Duración: 135 minutos.

XXXXX- SOBERBIO DRAMA DEL CINE CHINO

Jia Zhang Ke es uno de los grandes directores del cine continental de China, de diferente concepción que la corriente del cine de Hong Kong. Nacido en el norte de su extenso país, filmó “Esa mujer” o bien, traducido del inglés, “Las cenizas blancas más puras”, especie de compendio técnico en narración audiovisual, actuaciones y sentido estético que abarcan 17 años de vida, desde el 2001 al 2018. Ubica la historia en la tradición china que conoce muy bien: la del malevaje, la llamada “jianghu”, un juego que se desarrolla en ambientes marginales extremos y que promueve la lealtad mafiosa o la muerte de la misma manera. “Bin” es el protagonista encarnado por Liao Fan, cuya novia, la bella “Qiao” está a cargo de Zhao Tao, esposa en la vida real del director Jia.

Por salvar al hombre que ama, Qiao deberá purgar una condena injusta de 10 años de prisión. Cuando salga, Bin no será fácil de encontrar y China habrá cambiado rápidamente, occidentalizándose aún más. El director Jia apuntala tres momentos de la vida de sus personajes centrales: la juventud de Qiao y su pasión por Bin, la caída en prisión por salvarle la vida, y su propia transformación en malviviente regenteando el mismo bar que alguna vez tuviese Bin como mandamás, hoy físicamente disminuido.

Las líneas narrativas son dos: la del drama amoroso con el empoderamiento femenino y la línea de la mafia y el poder patriarcal. Ambas se entrecruzan fuertemente, hasta ser paralelas en un guión que trata a sus protagonistas como perdedores del amor inicial pero ganadores en la resiliencia. No juzga, Jia narra a la manera de una intensa novela de Tolstoi una historia de amor y de vida con la paleta descriptiva de un avezado escritor. Notable.

Elsa Bragato

 

BIKES

Animación de España. Dirección de Manuel García. Guion de Michael Maurer. Música de Diego Montesinos. Voces originales de Carlos Latre y Anabel Alonso, entre otros. Duración: 83 minutos.

XXXXX- “BICIS” con MENSAJE ECOLÓGICO

Para los chiquitines llega esta animación de origen español, que humaniza a las bicicletas. Viven en el pueblo Spokeville, donde no existe polución alguna. Speedy es el “che pibe” que hace los repartos. Tiene varios amigos que lo ayudarán contra la aparición del malvado Rock Bikeson, un héroe admirado que usa motor en la bicicleta provocando contaminación ambiental.

Es, en verdad, un muy buen mensaje ecológico, salpicados por momentos de zozobra como la carrera entre el héroe malvado Rock y el joven Speedy, a la manera de las carreras de cuadrigas de los films épicos. Quien puede ganar? Los que llevan motores? Habrá que ver.

La realización es muy colorida, agradable, pacífica, aún con la inclusión de un malo. Ideal para los chiquitos de la familia. Digamos que es la versión “bici” de “Cars” donde los automóviles fueron humanizados. Una animación más, nada nuevo bajo el sol, bien realizada para la familia. Como dato final, entre los productores está CVC Group de China país en el que las bicicletas son el medio de movilidad más generalizado. Todo tiene que ver con… todo.

Elsa Bragato

 

ENCANDILAN LUCES

Documental de Alejandro Gallo Bermúdez. Duración: 80 minutos.

XXXXX-EXPULSANDO DEMONIOS

En los comienzos del tercer milenio surgieron “Los psíquicos litoraleños” en la chamamecera ciudad de Curuzú Cuatiá, Corrientes, fundada por Manuel Belgrano el 16 de noviembre de 1810. Cuna del chamamé, ritmo que se atribuye a los chamanes y sus plegarias de agradecimiento, vio irrumpir a un grupo de jóvenes en el 2004 que se disfrazaban y ejecutaban guitarras, baterías o algún tipo de percusión, flautines, y ruidos varios, al ritmo correntino, o sea, del chamamé.

El producto final era una fiesta de fin de año estrambótica, con melodías atonales y ritmo propio. Estos sonidos extraños de estos muchachos danzando en la esquina de tierra de algunos pueblos les dieron una fama “under” increíble al punto de viajar a Europa y tocar en escenarios muy reconocidos de Holanda y Bélgica, y hasta grabar vinilos en Hanoi, Taiwán.

En el documental dan sus opiniones reconocidos estudiosos de lo autóctono tanto de Curuzú Cuatiá como de Europa y Asia. Para algunos, fueron los “Pink Floyd de los pobres”. En verdad, ejercieron influencia entre los jóvenes músicos experimentales de Corrientes siendo aceptados como “vanguardistas” del chamamé en todo el mundo. Conformaron un fenómeno musical extraño que ellos, y alguno más, atribuyeron a “extraterrestres” que creían en los terrestres”. Hay una mezcla sicodélica, o sea espontánea, entre lo cósmico, los sonidos, los disfraces y el consumo de hongos alucinógenos que son los que mejor pueden explicar la generación del conjunto que ya no está más en la música, si bien dejó su huella en otros como “Los cónicos” o “Saltimbankis” hasta tocar en el Centro Cultural de la Cooperación en el 2015. Decir “tocar” es un eufemismo dado que no se sabe si los correntinos tenían intención de tocar o bien de expulsar demonios con ruidos por momentos inconexos al ritmo de chamamé. El documental se cierra sobre sí mismo y deja sin final abierto y sin mayor explicación sobre lo ocurrido con “Los psíquicos litoraleños”.

Elsa Bragato

Otros estrenos que se anotan para llegar a la pantalla, aunque sin seguridad, son:

1.    Fragmentos de una amiga desconocida, de Magda Hernández.

2.    La casa en la playa, de July Massacesi.

3.    Historias breves 17 (varios directores realizaron cortometrajes)

4.          A Cara sucia, de Gastón Gularte.

 

JUEVES 4 DE JULIO DEL 2019.-

 

MASCOTAS 2

De  Chris Renaud y Jonathan del Val. Con Eric Stonstreet, Lake Bell, Harrison Ford, Tiffany Haddish, Kevin Hart. Música de Alexandre Desplat. Duración: 86 minutos. UIP

XXXXX-MAX Y SUS AMIGOS EN OTRA ESTUPENDA ANIMACIÓN

Maravillosa secuela de “La vida secreta de las mascotas” llega de la mano de dos directores de animación, Renaud y Del Val. Con creatividad narrativa, un guion que se bifurca, y una banda sonora de Alexandre Desplat que recuerda los grandes musicales de Broadway, la mascota Max está junto a sus amigos. Vivirá una experiencia diferente y, al principio, difícil: la llegada del marido de su dueña y luego del primer hijo del matrimonio. Una visita a parientes que viven en una granja permitirá que el hogar de Max sea el refugio inesperado de un tigre blanco, maltratado en un circo. Los animalitos, gatos y perros de la cuadra, se unirán para salvarlo, mientras Max se transforma en un verdadero “Cowboy” en el campo, haciendo salvatajes inesperados.

Esta animación recupera el espíritu alegre y vital de un cuento lejos de golpes bajos y sin solución (recordemos que en “Nemo” un pez grande se come a la mamá del pez recién nacido de entrada!): aquí todo llega a buen término luego de algunas tribulaciones razonables de sus personajes. No solo es para chicos sino también para grandes. No se la pierdan. En la línea de “Madagascar”, “Mascotas 2” nos devuelve la sonrisa a la salida de la sala.

Elsa Bragato

 

RICORDI?

De Valerio Mieli. Con Luca Marinelli, Linda Caridi, Giovanni Anzaldo. Guion de Valerio Mieli. Fotografía de Dario D Antonio. Duración: 106 minutos.

 

XXXXX-POÉTICA HISTORIA DE AMOR

Luego de diez años, luego de sus aclamados “Dieci inverni”, regresa el director y autor italiano Valerio Mieli con una mágica historia de amor: Recuerdas? Donde retrata las idas y venidas de una pareja a través del tiempo. Desde el amor iniciático y las dudas existenciales sobre la vida y la muerte, las escapadas amorosas, el sueño del hogar conjunto, los celos, mientras se debaten entre el amor a toda hora y la poesía, el miedo a lo que vendrá, hasta el paso de los años y ese instante ínfimo de un reencuentro inesperado y el chispeo en los ojos que les indicará si el amor subsiste o sobrevivió al tiempo. Por sobre la historia de amor se destaca un redescubrimiento de la poesía, en tiempos materialistas, que son un plus en los diálogos, no convencionales, profundos y verosímiles.

Valerio Mieli construye una historia con mucha magia a través de un concepto de edición muy ágil, muy del tercer milenio. El secreto de Mieli es la forma diferente y actual con la que va plasmando los encuentros resultando la narración atractiva desde el primer instante. Es una película que merece ser vista por jóvenes y adultos, los unos por sentirse parte de la magia del amor, los otros para revivir momentos de mariposas en el estómago inolvidables.

Elsa Bragato

 

EL VERDADERO AMOR

Guion y dirección: Claire Burger. Fotografía: Julien Poupard. Coproducción Francia-Bélgica. Duración: 98 minutos.

XXXXX- VIBRANTE ODA A LA PATERNIDAD

Desde que su esposa, Armelle, se fue después de 20  años de matrimonio, Mario se ocupa del hogar y cuida de sus hijas, que están en plena crisis de adolescencia: Frida de 14 años y Niki de 17 años. La menor culpa al padre por la partida de la madre y la otra busca su independencia. Mario está sumergido en una tristeza infinita, sigue viviendo en la ciudad de Forbach, en el Gran Este de la provincia de Mosella (Francia) donde rigen siglos de patriarcado: el abandono de una mujer del hogar no es un hecho usual, por lo que el protagonista carga no solamente con el peso de la educación de las hijas sino con su propio desorden personal y social. Sin bajar los brazos, Mario se inscribe en un grupo de actores no profesionales donde se charla y se baila. Y allí está su ex mujer.

Ópera prima, Claire Burger ambientó la historia en Forbach donde transcurrió su infancia. La impronta parte de la autobiografía, rindiéndole un homenaje profundo al protagonista Mario en una vibrante oda a la paternidad.  Hay solidez narrativa, una ambientación lograda que conmueve y sostiene a los personajes, mostrados con encantador realismo, sin ser juzgados. Historia interesante y actual.

Carlos Pierre

 

SPIDERMAN: LEJOS DE CASA

De Jon Watts. Con Tom Holland, Jake Gyllenhaal, Zendaya, Jacob Batalon, Marisa Tomei, Samuel L. Jackson. Joh Fayreau, Hemky Madrea, entre otros. Fotografía de Matthew K Lloyd. Música de Michael Giacchino. Marvel Studios, Sony Pictures, Walt Disney, entre otros. Grupo9 Marvel Cinematic Universe. Duración: 129 minutos.

 

XXXXX- ACCIÓN SIN SOLEMNIDAD

El nuevo SpiderMan Lejos de casa nos regala una versión agradable, simpática, y plena de acción del superhéroe que intenta descansar en Europa sin su traje de “guardián barrial” como se considera. Llega a Venecia con un contingente de amigos donde comenzarán inesperadas acciones al enfrentarse, en el Gran Canal, a un supermonstruo “acuoso” que va destruyendo la ciudad. Si antes le tocó el turno a San Francisco, una de las ciudades que soportan la destrucción computarizada, ahora cayó Venecia.

El film tiene algo muy diferente a otros: es la realidad virtual, aquella que conocimos en la complicada saga “Matrix”. De pronto, el puente de Londres sobre el Támesis es una oscura cueva tapada por “la ilusión”, así llaman a las realidades virtuales o aumentadas que cambian el aspecto de la realidad en sí. Spiderman lucha a tientas contra un enemigo que se esconde, que le muestra la realidad y luego lo confunde con la “ilusión”. En este sentido, se plantean algunas premisas muy interesantes, incluso enunciadas por el “malo” que encarna Jake Gyllenhaal: lo virtual consumido como verdadero afecta nuestras vidas. Y en otro aspecto bélico, que no debe ser tomado a la ligera, está el envío desde satélites orbitando el planeta cientos de drones cargados de torpedos o armas letales.

A pesar de la superacción y de este tipo de consideraciones que subyacen, está Spiderman, fresco, simpático y muy enamorado de la bella MJ (Zendaya), mientras ambos deben enfrentar a Misterio o Beck (Gyllenhaal) la tía de Peter Parker-Spiderman (Tomei) confiesa su amor por “Happy” (Jon Favreau) y Fury (Jackson) organiza las tareas del superhéroe. No se vayan hasta que el cine decida cerrar la sala porque hay varias escenas extras, un plus que vale la pena esperar!

Elsa Bragato

 

CHUBUT, LIBERTAD Y TIERRA

De Carlos Echeverría. Música de Luis Chávez Chávez. Duración: 123 minutos.

 

XXXXX- SOLIDA DENUNCIA EN DEFENSA DE NUESTRA PATAGONIA

Nuestra Patagonia sigue estando en manos esclavistas. Desde fines del siglo XIX los británicos la lucha por la tierra a los nativos y por defender el patrimonio nacional sigue siendo la misma. Solo cambia de mano, pero no de rapacidad ni de apellidos europeos.

La joven “Nahue” decide buscar las huellas de su abuelo en el oeste de Chubut, el doctor Juan Carlos Espina, que, junto a otros ciudadanos, formó el partido “Libertad y tierra” y tuvo muchos años el apoyo de los radicales Intransigentes. Su posición a favor de la reforma agraria le valió pérdida de trabajos y dificultades sociales con los extranjeros. Falleció en julio del 2000 pero su obra, su nombre, se recuerda. “Nahue” va recorriendo ciudades, poblajes, donde encuentra descendientes de los gerentes ingleses hasta añosos amigos de su abuelo, para recabar datos sobre los tiempos (no tan lejanos) donde vivir en el sur era un viaje a lo desconocido. Tal vez lo siga siendo.

Desde 1889 los británicos han ejercido su poder en nuestro país, primero, en aquellos años, usando la mano de obra aborigen con abusos de todo tipo. Ya en el siglo XX, concretamente en 1937, 300 familias de aborígenes fueron despojadas de sus tierras. Nada se detuvo hasta hoy, donde los Benetton siguen corriendo los márgenes de sus cercos. El 1ro de agosto del 2017 ocurrió el homicidio de Santiago Maldonado. Cuatro meses después, el de Rafael Nahuel. Los pies del europeo están sobre nuestra tierra. El trabajo de Carlos Echeverría, realizador del guion también, es notable por el fundamento que tiene su denuncia con fotos y films de la época y entrevistas a herederos de los que fueran “dueños” y tal vez lo sigan siendo. Es un documental de visión obligada. Se trata de nuestro país.

Elsa Bragato

OTROS ESTRENOS, que dependen de la distribución y pueden no llegar a las salas a último momento:

1.- DELFIN, ficción de Gaspar Scheuer, Argentina.

2.- PERROS DEL FIN DEL MUNDO, documental de Juan Dickinson, Argentina.

3.- LAS FACULTADES, documental de Eloisa Saalas. Argentina.

 

JUEVES 27 DE JUNIO DEL 2019.-

ANNABELLE 3. CAMINO AL HOGAR

Guión y dirección de Gary Dauberman. Con Vera Farmiga, Patrick Wilson, Mackenna Grace, Madison Iseman, Katie Sarife.Música de Joseph Bishara. Cinematografía de Michael Burgess. Duración: 111 minutos.

XXXXX-REGRESO DE LA MUÑECA DIABÓLICA

El mundo creado en El conjuro por James Wan, productor de los spin-off de la historia, nos lleva a Annabelle 3 y su regreso al hogar de los Warren. Recordemos al matrimonio de parapsicólogos que creó un museo con elementos diabólicos dentro de su casa, bajo llave y con prohibición de ingresar. Lorraine y Ed Warren tuvieron una hija que, obviamente, heredó algunos de los tips mediúnicos especialmente de su mamá.

En esta película, cuyo guion y dirección pertenecen a Gary Dauberman, se explora más la vida de la pequeña Judy que la actividad de los padres. Los Warren harán algunos “cameos” al comienzo y al final. La historia solo se sostiene por la ampulosidad de los sonidos ahuecados y fantasmagóricos, los chillidos, los golpes en las puertas, y una atmósfera enrarecida trabajada con largos silencios que logran espeluznar.

Es decir, a medida que las historias de Annabelle llegan al cine, los guiones tienen menos elementos concretos; se vive una irrealidad que logra mantener en vilo pero que no convence. Si analizamos con mayor detalle, es una historia minimalista que se arma sobre tres personajes y ruidos varios: Judy, su niñera y a una amiga del colegio, envueltas en la curiosidad perniciosa de conocer el “rincón bajo llave” de los Warren logrando “despertar” de su letargo diabólico a “Annabelle”. No es mucho, tal como contamos, pero a los fanáticos del cine de género les va a gustar. El film está dedicado a Lorraine Warren quien falleció este año.

Nota de Redacción: El Conjuro (2013), Annabelle (2014), El conjuro 2 (2016), Annabelle 2-La creación (2017), La monja (2918), La maldición de la Llorona (2018-2019) y Annabelle 3-Camino a casa (2019).

Elsa Bragato

 

LO QUE FUIMOS

De Elizabeth Chomko. Con Hilary Swank, Michael Shannon, Robert Forster, Blythe Danner, Taissa Farmiga, Josh Lucas. Música de Danny Mulhern. Cinematografía de Roberto Shaefer. Duración: 111 minutos.

XXXXX-HISTORIA CON CORAZÓN

Las fiestas de fin de año permiten el desarrollo de una historia familiar intensa, teniendo como centro una enfermedad degenerativa en la abuela de la familia. Son los hijos mayores quienes intentan sobrellevar los primeros momentos de pérdida de memoria y de decir incoherencias ante un abuelo (Robert Forster) que, con buena capacidad física y mental, no quiere asumir el principio de Alzheimer de su mujer.

Es aquí donde la primeriza directora Elizabeth Chomko logra un film emotivo y profundo: a partir de diálogos creíbles, del sinceramiento de los personajes con sus enojos, la incredulidad, el no querer ver, y las propias historias de vida, la historia de Bridget (encarnada por  Hilary Swank) que llega a la casa paterna para ayudar en la internación de su madre, Ruth (Blythe Danner) cobra vida una realidad muy común que toca a todos en alguna u otra medida. No es el primer film sobre esta maligna y silenciosa enfermedad mental para la que aún no hay medicación que la sane sino solamente que retrase su avance: recordamos “Iris”, película inglesa del 2001 con la notable Judi Dench encarnando a una reconocida escritora en sus últimos años de vida.

En este caso, la espiritualidad profunda supera al guion: hay algo más que no tiene que ver con la forma sino con el fondo y es la dramaticidad auténtica y sin remilgos de los caracteres creados por Chomka, versátil guionista, directora y actriz, dado que cuenta hechos reales y conocidos por ella (la vida de sus abuelos).

El elenco hace suya cada palabra: Hilary Swank logra una performance diferente, cargada de sensibilidad, como Blythe Danner compone a una “Ruth” que enternece por su humor en los momentos más ríspidos de la historia (inevitable recordar a Norma Aleandro en “El hijo de la novia”). Profunda, la joven Elizabeth Chomka encaró con destacable solvencia una historia de adultos mayores que duele y consuela a la vez.

Elsa Bragato

 

NO SOY TU MAMI

Guion y dirección: Marcos Carnevale. Con Julieta Díaz, Pablo Echarri, Sebastián Wainraich, Marina Glezer, Celina Font, entre otros. Fotografía: Horacio Maira. Música: Fabio Góes. Duración: 108 minutos.

XXXXX- ENTRETENIDA COMEDIA DE ENREDOS

Una periodista libertaria (Julieta Díaz) sostiene en su columna semanal las razones por las cuales no quiere tener hijos, decisión que practica a rajatablas en su vida privada, sin mantener una relación formal con el sexo opuesto. Es una mujer moderna, vive en un confortable departamento, y sin hombres a la vista, salvo una relación sentimental con un amante a destajo (Sebastián Wainraich) quien se siente comprometido con la relación, dedicándole toda suerte de atenciones, con desayunos y cenas que no siempre son recibidas como él se merece. La llegada de un nuevo vecino (Pablo Echarri) con su hijita comienza a trastocar los inamovibles principios de “no maternidad”. Separado de su esposa, quien trabaja ahora en Finlandia, vive agobiado por la función de padre y madre al mismo tiempo, además de su trabajo como promotor inmobiliario. Presentados los personajes, la historia da pie a una sucesión de conflictos y hechos a través de un guion hilvanado, coherente, sólido aún en la simplicidad. “Paula” (Julieta Díaz) se convierte en una solícita compañera de “Rafael” (Pablo Echarri) ayudándolo con la pequeña, el colegio, las tareas escolares, por lo que su columna “razones para no ser madre” tendrá algunas variantes. Afianzada la relación con la niña además de enamorarse del papá, éste se da cuenta de que los sentimientos están sirviendo como sostén de la columna editorial. Y la incipiente relación también sufrirá resquebrajamiento.

Se trata de una comedia brillante que atraviesa diversos estados sentimentales del trío protagónico. Hay buena química entre Julieta Díaz y Pablo Echarri dentro de una moderna ambientación por lo que la historia entretiene y emociona combinando sobresaltos y alegrías.

Con locaciones actuales de Buenos Aires, cuenta con una buena fotogrjafía sostenida afortunadamente con la música de Fabio Góes, muy inspirada. Comedia que se deja degustar.

Carlos Pierre

 

AMA-ASAN

Documental de la portuguesa Claudia Varejao.

XXXXX-FEMINISMO PROFUNDO EN EL MAR

“Ama” significa en japonés “mujer del agua” que la documentalista portuguesa Claudia Varejao analiza a través de las buceadoras pescadoras del Japón con un docuficción diferente. Las secuencias y los diálogos no son ficticios sino los de la vida diaria retratando así a tres generaciones de pescadoras que bucean en el mar, de allí el nombre en su idioma “Ama-Asan”. A pesar de una tarea ruda, no dejan de ser femeninas ni de cuidar a sus hijos ni el hogar. Es un mundo de mujeres con las connotaciones propias de la cultura oriental en las comidas, en la forma de vestirse, aunque las tareas múltiples son comunes a todas las mujeres del mundo. Coquetería femenina de la abuela, por ejemplo, de ir a la peluquería, ponerse ruleros y dejarse peinar cuando al otro día deberá calzar un casco o un turbante blanco con olores a mar y pescado y tirarse a las aguas en busca de preciados alimentos. En la vida terrestre son madres, esposas, amas de casa. En el mar, son seres humanos fuertes, luchadores, sin perder la condición femenina.

Varejao (destacada editora que lanza su primer largometraje) descubre un costado de la vida de las mujeres orientales, específicamente del Japón, desconocido. Solo tenemos acceso a los cerezos en flor, las acuarelas, y las geishas antes que al feminismo profundo tal como lo encara la directora portuguesa: un docuficción que es un pequeño gran hallazgo.

Elsa Bragato

 

MATANGI-MAYA- M.I.A

Documental de Steve Loveridge. Edición de Marina Kagtz y Gabriel Rhodes. Música de Dhani Harrison, Paul Kicks. Duración: 95 minutos.

XXXXX-S.O.S DESDE EL ROCK

Ganador de un premio en el Festival Sundance del 2018, Matangi-Maya-MIA es mucho más que el documental sobre la vida de una rock star llegada de Sri Lanka: Matangi llamada “Maya” con el nombre artístico de MIA. Cantante hoy de alrededor de 44 años, emigró hace más de 20 años de su tierra natal por la persecución que sufrió su padre al ser líder de la resistencia armada de los tamiles, sometidos a una limpieza étnica que horrorizó al mundo con más de 70 mil muertos (vejaciones brutales, asesinatos por fusilamientos en masa). Matangi quiso cantar pero también contar. Durante 20 años filmó caseramente videos de lo que sucedía en su país, de cómo fue la migración, de sus hermanos, y de los rechazos que sufrió por ser considerada una “terrorista”, una “paki” (oxímoron social dado que la capital de Inglaterra es sede de paquistaníes y gente “marrón” desde añares).

Entre los documentales caseros, el regreso luego de 25 años a la casa paterna donde está la abuela entrada en años, se intercalan los registros de fusilamientos, cuerpos masacrados, y los reportajes que, como estrella roquera, fue otorgando a diferentes medios. Acusada de “vivir bien” mientras en su país la gente era asesinada, Matangi (Matangi Maya Arulpragasam, hija del líder Arul Pragasam) se convirtió no solo en prestigiosa hiphopera sino también en una documentalista que cuenta la migración de los tamiles (su raza) de Sri Lanka. Sus canciones, su rap furioso pero melódico, representan el grito de un pueblo oprimido, saqueado, martirizado horrorosamente. La voz de MIA se alza por sobre tanta muerte buscando la reacción del Primer Mundo para que alguna vez deje de generar guerras lejos de sus descomunales ciudades.

Elsa Bragato

Otros estrenos del jueves sujetos a cambios son los siguientes:

1.- El Ruido son las casas, de Luciana Foglio y Luján Montes.

2.- La última búsqueda, de Pepe Tobal

 

JUEVES 20 DE JUNIO DEL 2019.-

 

TOY STORY 4

Dirección: Josh Cooley. Guion: Andrew Stanton y Stephany Folsom. Fotografía: Patrick Lin y Jean-Claude Kalache. Edición: Axel Geddes. Música: Randy Newman. Con las voces de la primera película de Tom Hanks, Tim Allen, Annie Potts, Tony Hale, Madelaine McGrau, Keanu Reeves, entre otros. Duración: 100 minutos.

XXXXX- OBRA MAESTRA DE LA ANIMACIÓN

Las tres primeras entregas de Toy Story resultaron perfectas por la hábil combinación de humor y emoción, así como por el manejo de la animación a través de técnicas superlativas. Precisamente, la singular trilogía dio toda la impresión de que la saga había concluido porque Andy, antes de ir a la universidad, le había legado sus juguetes a la pequeña Bonnie. Se buscó la vuelta de tuerca y surgió esta cuarta entrega a la que se considera “definitiva”. Con Hollywood, nunca se sabe!

Toy Story 4 se inicia justo donde había terminado Toy Story 3. Comienza con un diluvio. Bonnie (dueña de los juguetes) debe enfrentar su primer día de clases en el jardín de infantes, está angustiada y reticente al cambio. Entonces el cowboy Woody se mete en su mochila para ayudarla, mientras Bonnie hace con sus manitas a Forky, mezcla de cuchara y tenedor  descartables. Este simpático y desparejo juguete cobra vida. Con ojitos irregulares, brazos de lana y patitas de madera, se convierte en el compañerito de Bonnie. Y en una de las nuevas atracciones de la historia.

Aunque hay excesivas persecuciones y rescates en diferentes ámbitos, el manejo de la narración permite aflorar los sentimientos de lealtad, de compañerismo, con emociones muy genuinas entre los personajes que inevitablemente nos golpean en el corazón.  Tal como se plantea la historia, de la que no queremos dar más detalles porque vale la pena ver esta animación (les resultará inolvidable), el cowboy Woody (la peculiar voz de Tom Hanks) será solidario y compañero inestimable, no sólo sacará el polvo de los juguetes que la pequeña dueña no usa sino que su acercamiento a “Buzz Lightgear” mostrará la amistad en su más puro sentido.

Estamos frente a una obra maestra de la animación. Cada una de las historias fue ganando nuestros corazones. El realizador Josh Cooley, director de la primera película, fue convocado también para cerrar esta última entrega, así como Tom Hanks es la voz personificada de este emblemático e inolvidable cowboy Woody. No se la pierdan!

Carlos Pierre

 

EL EMPERADOR DE PARÍS

De Jean Francois Richer. Con Vincent Gassel, Patrick Chenais, August Diehl, Olga Kurylenko, entre otros. Fotografía de Manuel Dacosse. Música de Marco Beltrami. Duración: 119 minutos. Nominada como mejor diseño de producción y vestuario en los premios César 2018.

XXXXX- BIOPIC DE UN MALEANTE PARISINO

Film histórico, intenta recrear la vida del bandido y primer detective del mundo Francois Vidocq, que visitó las cárceles de París en los años del “imperio” de Napoléon, escapándose siempre hasta convertirse en la mano derecha oculta del perverso Joseph Fouché, de la corte, fundador del espionaje moderno, hombre cruel, déspota y verdadero dueño de la Ciudad Luz.

Las secuencias iniciales tienen un regodeo en sangre y violencia que espanta. Virada por momentos al rojo, la narración resulta demasiado cruel, cuando suele ser mejor vislumbrar que ver con pelos y señales. Vincent Gassel compone a un Francois Vidocq convincente, sólido, tan cruel como su superior Fouché, a quien sirve con el solo objetivo de obtener su amnistía. Los malvivientes del bajo parisino así como los enemigos del Premier de Napoléon serán abatidos sin piedad por Vidocq, a quien no le tiembla la mano para disparar o clavar una daga. Con el tiempo, será el primer detective de fuste de París, siendo considerado un “emperador” del bajo fondo.

El personaje es famoso en la literatura, inspiró a Víctor Hugo en Los Miserables, como a Edgar Allan Poe, entre otros escritores. Incluso el cine se rindió varias veces a su figura entre poderosa y repulsiva. Gerard Depardieu, notable actor, se dio el gusto de encarnarlo a través de una notable composición. El vestuario y la reconstrucción de época son excelentes, así como la actuación de Vincent Gassel. El film arranca pasadas las secuencias iniciales siendo una apretada síntesis de una vida muy compleja, siendo éste su error narrativo.

Elsa Bragato

 

A UNA LEGUA

Guion y dirección del documentalista Andrea Jrujosky. Fotografía de Sebastián Lannepoudenx.

XXXXX- ENTRE EL CEIBO Y EL ECOBOMBO

El músico y ecologista Camilo Carabajal recorre la historia musical de su famosa familia mientras que se ocupa de la fabricación del “ecobombo”, junto a su compañera, la licenciada en Gestión Ambiental Ingrid Shonenberg. En su recorrido por varias provincias, confirma que el ceibo es el árbol que da la madera para los bombos folklóricos, mientras que él apela a los botellones vacíos de agua como base de los mismos, a fin de cuidar la naturaleza. Junto a Ingrid, consiguieron hectáreas en Ingeniero Maschwitz donde plantarán ceibos de unos 50 cm de altura.

El camino de Camilo es la investigación, además de cantar y ser “bombista” junto a varios notables folkloristas. Una de las secuencias más interesantes está en la extensa charla que mantiene con un científico que logró descubrir que en el ADN humano se fija la estructura musical de canciones. Los estudios comenzaron con nuestro Himno Nacional. El resultado ha sido una complicada serie de letras y números que las células memorizan.

Diferentes figuras aparecen entre los entrevistados por Camilo Carabajal, entre ellas, Egle Martin, difusora de la música del Río de la Plata, especialmente del candome, y actriz que deslumbró por su morocha belleza desde el cine, por ejemplo, en “El rufián”. Hay una seguidilla de conjuntos y nombres que enaltecen el folklore como Vitillo Abalos con la nobleza de su relato, Carlos Carabajal que fue el comienzo para Camilo, el reconocido “Mataco” correntino con sus bombos, Los Guardamontes, Los Cantores de Salavina, recuerdos imborrables de nuestro acervo cultural.

Las pausas musicales no ayudan mucho, si bien despiertan interés las figuras entrevistadas. Relato cansino, interesante de a ratos.

Elsa Bragato

 

NADA CULMINA EN LA VÍSPERA

Guion y dirección de Florencia Orce y Pablo Moro. Fotografía de Juan Pablo Chillón. Música de Marcos Farhat. Duración: 75 minutos.

XXXXX-HOMENAJE A UN ABUELO ESPECIAL

La realizadora Florencia Orce busca en su propia familia la historia de su abuelo, Miguel Gazzera, sindicalista, hombre de acción y perfil bajo, que se transformó en uno de los asesores del General Juan Domingo Perón en su exilio. Gracias a su trabajo, se logró formar en 1957 la agrupación de las 62 Organizaciones Peronistas, luego del derrocamiento de Perón en setiembre de 1955.

El documental se inicia con los datos de ese hecho histórico que tuvo a la Armada, comandada por el almirante Isaac Rojas, apuntando sus cañones contra la ciudad de Buenos Aires. Algunos edificios conservan las huellas de los torpedos. Sin embargo, un tema tan interesante sirve solo de punto de partida para la biografía familiar de Orce, tomando los testimonios de sus familiares directos, su recuerdo del abuelo que tenía tantas cosas para contarle y que cada bocado de comida lo masticaba 32 veces, además de hacer yoga todas las mañanas.

Políticos como el ex Ministro de Trabajo, Empleo y Seguridad Social Carlos Tomada, entre otros, dan testimonio de la personalidad de Miguel Gazzera. La narración incluye en dos secuencias la animación con dibujos en blanco y negro que recrean situaciones históricas. En una de ellas, un militar de alto rango indica que “la revolución libertadora se hizo para que el hijo del barrendero muera como barrendero”.

Es un homenaje personal a un abuelo cuya vida resultó significativa para los trabajadores argentinos. Añadimos que el sindicalista de los fideeros Gazzera escribió varios libros basándose en su concepción del peronismo sobre la lucha de los trabajadores. La historia propuesta por Florencia Orce se aletarga en demasía dejando claros visibles sobre datos que hubiesen sido interesante para el documental. 

Elsa Bragato

 

EL DIABLO BLANCO

De Ignacio Rogers. Con Ezequiel Díaz, Violeta Urtizberea, Julián Tello, Martina Juncadella, Willia Prociuk, Ailín Salas, Nicola Siri y Teresita Terraf. Guión de Robers, Manzone y Fernández. Edición de César Custodio. Arte de Rocío Moure. Sonido de Miriam Biderman y Ricardo Reis. Música de Pablo Mondragón y Patrick de Jongh.

XXXXX- TERROR A LA ARGENTINA

Sorpresa positiva resultó “El diablo blanco” en materia de film de género. Este terror a la argentina que narró Ignacio Rogers (muy conocido en el cine independiente) en su primer largometraje nos dejó satisfechos porque, aún con los clishés, insalvables en el thriller terrorífico y gore, Rogers logró una buena narración, sin fisuras y sin diálogos superfluos.

Cuatro jóvenes van a visitar un complejo de cabañas de gente amiga y allí comenzarán a vivir experiencias siniestras. Fernando (Ezequiel Díaz) decide acompañar a su ex novia (Urtizberea) transformándose, muy a su pesar, en un involuntario “médium”: percibe los movimientos de seres extraños y las consecuencias brutales que provocan. Hay algo feroz en los bosques cercanos a las cabañas de las que los cuatro jóvenes intentarán salir.

Resulta muy interesante el suspenso propuesto por Rogers. Al darle una pátina localista a los gags del terror gore, y al saber mantener el hilo invisible del suspenso de principio a fin, la llegada del realizador a los “largos” es más que bienvenida!

Elsa Bragato

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Otros estrenos que llegan a las salas son los siguientes, aclarando que puede haber modificaciones de último momento:

 

1.       Matangi Maya M.I.A., documental de Stephen Loveridge

2.       Astrogauchos, de Matías Szulanski (ficción)

3.       Hotel Bumbai, de Anthony Maras (basada en un hecho real)

 

JUEVES 13 DE JUNIO DEL 2019.-

 

PESADILLA AL AMANECER

Dirección: Pavel Sidorov. Con Aleksandra Drozdova, Kuzma Kotrelev, Oksana Akinshina, Aleksander Molochnikov, Anna Slyu, Valery Kukhareshin, entre otros. Duración: 98 minutos.  Rusia. 

XXXXX-TERROR CON ACENTO RUSO

Terror a la rusa que el prestigioso realizador Pavel Sidorov, responsable de La Novia y Los Extraños, encara con un acento bien diferente tanto al cine occidental como el coreano. Con una textura virada ligeramente al rojo y un encuadre grandilocuente, sorprende en los tres minutos iniciales de títulos, anticipando elementos que aún no son identificables con la trama.

La historia se ubica en el año 1999: la madre de Svetlana (Aleksandra Drozdova) muere al chocar con su automóvil. Veinte años después, en 2019, esta joven celebra su cumpleaños. La visita su hermano Anton (Kuzma Kotrelev), y después de la fiesta, lo invita para que se quede esa noche. Pero surgen circunstancias misteriosas y muere. La joven, acosada por pesadillas,  acude junto con su amiga María (Oksana Akinshina) al Instituto de Psiquiatría y Somnología donde será inducida a un “sueño colectivo lúcido”. Al amanecer, despertarán en una realidad totalmente diferente, más aterradora que cualquier pesadilla.

Con buen manejo del suspenso a partir del terror imprevisto, el realizador Pavel Sidorov da rienda suelta a la gama de clishés del género. Se entremezclan pesadilla y realidad. Es aquí donde radica el hallazgo de la película que lleva al espectador a transitar una visión onírica de una tremenda pesadilla. El desenlace está sembrado de apariciones fantasmagóricas, y viene a cuento la cita “La búsqueda de la razón lleva al horror”, que en los prolegómenos de esa internación, aparece en un cuadro de Goya. En síntesis, en esta película están todos los elementos insoslayables del género, con un acento diferente como es el ruso. En los últimos tiempos, poco material de Rusia llega a nuestros cines por lo que este film tiene un plus muy interesante.

Carlos Pierre

 

NOCHES MÁGICAS

De Paolo Virzi. Con Mauro Lamantia, Giovanni Toscano, Rene Vetere, Giancarlo Giannini, Ornella Muti, entre otros. Música de Carlo Virzi, fotografía de Vladan Radovic. Duración 110 minutos. Distribuye Zeta Films.

XXXXX-ACUARELA ROMANA DE LOS 90

Paolo Virzi ofrece el retrato de los 90 de su Roma natal, el Tiber, o Tevere, como centro de un presunto asesinato de un famoso productor de cine. Es también un retrato del mundo del cine, de los castings de guionistas en todo el interior de Italia, y de las noches de fiesta y amor de los jóvenes que llegan a Roma con muchas ilusiones que no siempre son las que la realidad ofrece. La historia se ubica en los días de la famosa frase “siamo fuori”, cuando la selección de Argentina dejó afuera a la selección de Italia en los 90. Paolo Virzi contextualiza el argumento pero se aparta del deporte para indagar en el mundo del cine, de sus artistas, de sus productores, de los exitosos y los fracasados. Y el mundo de las ilusiones de los más jóvenes que aspiran a ganar todo en sexo y trabajo.

La aparición de Ornella Muti, estrella de los 70, es secundaria y desafortunada. En cambio, Giancarlo Giannini es uno de los protagonistas, en un rol donde une su característico histrionismo con cierto patetismo. Las noches mágicas transcurren entre una muerte, los tres jóvenes guionistas y la muerte del productor, entre flashbacks y el presente frente a los carabineros. El espíritu festivo y el desparpajo romano están presentes en esta película de Virzi que deja un mensaje: el hogar, la familia, suelen ser mejores fuentes de inspiración. Los sueños alocados no suelen terminar bien.

Elsa Bragato

 

UN AMOR IMPOSIBLE

Dirección: Catherine Corsini. Guion: Catherine Corsini, Laurette Polmanss (Libro: Christine Angot). Con Virginie Efira, Niels Schneider, Jenny Beth, Estelle Lescure, entre otros. Fotografía: Jeanne Lapoirie. Música: Grégoire Hetzel. Duración: 135 minutos.

XXXXX-HISTORIA ACTUAL SOBRE EL MALTRATO A LA MUJER

La realizadora Catherine Corsini expone el drama familiar de dos jóvenes que se enamoran a finales de los años 50. Rachel (Virginie Efira), empleada de oficina, de origen judío, vive un romance con Philippe (Niels Schneider), de clase alta, lector de Nietzche. De ese amor nace Chantal. Es el principio de una separación dolorosa, el padre no reconoce al hijo, y hace sentir la diferencia de clase social cometiendo toda suerte de atropellos, ignorando a su novia Rachel, a la que solo se le acercará cuando sienta deseos físicos. El relato en “off” de Chantal le aporta gravedad a la historia que, de por sí, perturba, duele: su padre es manipulador, perverso, violando a su hija en oscuras invitaciones a su casa.

Catherine Corsini muestra la vejación espiritual y física a la que muchas mujeres han sido sometidas como ocurre con sus protagonistas. El silencio, el sobrevivir en la pobreza, con pánico al poder masculino, son los pivots en los que la historia de Rachel y Chantal se apoyan.  Es una película ambiciosa y muy actual a la vez que tiene en la directora a la autora del libro que da origen al guion también de su autoría: de esta manera, hay enorme autenticidad en el relato propuesto sobre el maltrato a la mujer. Una historia lograda y dolorosa, que viene recorriendo varios festivales de cine con mucha aceptación de la crítica.

Carlos Pierre

 

ENCUENTRO

De Juan Manuel Lupiañez y Martín Paolorossi. Fotografía de Marcos Rostagno. Duración: 62 minutos.

ENCUENTRO Trailer #1 [HD] from Marcos Rostagno on Vimeo.

XXXXX-PRUEBA DOCUMENTAL DE AÑOSO ENCUENTRO

Desde 1991 se realizan los encuentros nacionales culturales en San Antonio de Arredondo, localidad de la provincia de Córdoba que se moviliza todos los meses de diciembre, desde entonces, durante casi una semana para invitar a sus habitantes y a los turistas a compartir danzas, canciones, asados, en un clima de familiaridad, amistad y alegría.

Juan Manuel Lupiañez y Martín Paolorossi dejan constancia cinematográfica del último encuentro realizado en diciembre del año pasado por la llamada “tribu del Encuentro”. Escasas entrevistas y un retrato pormenorizado de la preparación del encuentro, la llegada del turismo en carpas, la ocupación de los sencillos albergues y las danzas y canciones folklóricas que van amenizando el encuentro conforman el material fílmico. Documentan lo más fielmente posible un encuentro folklórico que pretende resumir la cultura de la zona y, a juzgar por los hechos, lo logra.

Elsa Bragato

 

KOLLONTAI, APUNTES DE RESISTENCIA

Guion y dirección de Nicolás Méndez Casariego. Fotografía de Diego Saguí. Duración: 118 minutos.

 

XXXXX- DOCUMENTAL SOBRE LA LUCHA ARMADA EN EL URUGUAY

En la década del 70 los países del Cono Sur fueron invadidos por las brutales consignas del Plan Cóndor gestado en los Estados Unidos, especialmente en sus famosas facultades de economía. El primer pasó se dio en Chile, le siguió Uruguay y finalmente la Argentina cayó bajo el denominado “dictadura del proceso”. En el Uruguay se vivió una situación similar, un poco menos cruenta que en nuestro país, aunque con desaparecidos y torturados.

El documental de Nicolás Méndez Casariego se inicia con un comunicado radial de las fuerzas armadas que querían establecer entonces una regularización del trabajo al mismo tiempo que la juventud preparaba una resistencia que se inició con carteles, graffitis, y la consigna “viva la huelga laboral, abajo los fascistas militares”. En 1968, la democracia que distinguió siempre al Uruguay, se quebró, no solo se congelaron los precios sino también los salarios por lo que la rebelión estudiantil no se hizo esperar. Fue el período de gestación de los partidos comunistas, socialistas y, en general, de la izquierda. Sintieron gran influencia de la revolución cubana que encabezaron Fidel Castro y el “Che” Guevara en Cuba.

La respuesta militar no se hizo esperar: el ataúd del joven estudiante asesinado se filmó en primer plano. Surgió también la FAU o Federación Anarquista Uruguaya, así como La Chola, denominación que recibió el brazo armado de la resistencia en respuesta a la represión. Las armas tardaron en llegar al pueblo mientras las banderas se vistieron de azul, blanco y rojo, con barricadas y cortes de fuego en las calles. El Frente Amplio tuvo unas 20 agrupaciones en las elecciones de 1971, que ganó Bordaberry.

Fotografías de la época así como films van tachonando la historia de la lucha de los uruguayos, similar a la del resto de los pueblos del Cono Sur. El director también sumó audios originales de los dirigentes que enfrentaron a las fuerzas armadas, mientras se gestó el PVP o Partido por la Victoria del Pueblo.

Muchos uruguayos vinieron a Buenos Aires en 1975 para reunirse y armar, desde aquí, una resistencia fuerte. Al caer la democracia en la Argentina, los uruguayos debieron emigrar a Chile, donde muchos fueron asesinados, así como al Brasil. La caída del líder Gerardo Gatti aceleró la diáspora siendo Brasil más amigable que la Argentina y que Chile. En 1980 triunfó el “NO” del pueblo, pero recién el 1ro de mayo de 1987 se logró la amnistía y la libre agremiación.

Poco se sabía hasta ahora sobre la resistencia de los hermanos uruguayos, aunque se tuviese noticia de algunos de ellos que sobrevivieron a las cárceles de la represión. Fue común en los setenta cruzarse con uruguayos en esta ciudad que rápidamente “desaparecían” de las calles porque debían reunirse en forma clandestina. Los tiempos de Lopez Rega fueron tan represivos como los del Proceso. Buen documental, de dos horas de duración, que refleja la lucha del pueblo hermano por volver a ser una democracia sin persecuciones de ningún tipo.

Carlos Pierre

 

UN SUELO LEJANO

Guion y Dirección de Gabriel Muro. Fotografía de Nicolás Mikey. Duración: 87 minutos.

 

XXXXX- NAZIS EN EL PARAGUAY

Poco difundida está la vida de la hermana del filósofo alemán Friedrich Wilhelm Nietzche, llamada Elizabeth, quien contrajo enlace con el antisemita Bernhard Forster, un estudioso que quiso poblar la zona del Paraguay con la raza aria. Rápidamente se distanció de su cuñado quien afirmaba en cartas a su madre: “Prefiero ser un mal alemán por no querer una raza pura, pero ser un buen europeo”.

Forster y la hermana de Nietsche fundaron, junto a 17 familias alemanas, la colonia Nueva Germania en el Paraguay. Hoy en día, de acuerdo al relato del profesor José Manuel Silveyra, la zona prosigue su vida con los descendientes de los alemanes que vinieron entonces, si bien la mayoría de esos pobladores sucumbieron al clima y al fracaso económico por no saber nada de agricultura. Todos pertenecían a la elite alemana. La música del genial Richard Wagner inicia el documental sobrevolando uno de los ríos paraguayos mientras el profesor Silveyra da clases en diferentes poblados hasta llegar al centro alemán.

Para los estudiosos, los libros de Wagner, un erudito como pocos en su época, sobre arte y ecología, sobre cristianismo y antisemitismo, fueron la base del pensamiento de Forster: para Wagner, el ser carnívoro había hecho sucumbir  a los cristianos, por lo que debía poblarse “la península sudamericana” con colonias vegetarianas.

Forster terminó envenenándose a los 46 años mientras su esposa lo sobrevivió hasta la década del 30. Y se encargó de reversionar las obras de su hermano Nietzche, quien había sufrido un colapso mental antes del final del siglo XIX. De allí que muchos de sus conceptos fueron teñidos por la filosofía de vida de Forster y posteriormente tomados como base del nazismo, nada más lejos del pensamiento del gran filósofo.

Este documental resulta muy interesante, colorido a la vez, y muestra la extraña combinación de la tonada paraguaya, bien guaraní, con la del idioma alemán. Descendientes de aquellos colonos vuelven a contar una historia que, si analizamos un poco el mapa de nuestros países, también tiene raigambre en algunas localidades de nuestro país, en el sur de Chile y en el Brasil. Muy interesante.

Elsa Bragato

 

HOMBRES DE NEGRO: INTERNACIONAL

De F.Gary Gray. Con Chris Hemsworth, Rebecca Ferguson, Tessa Thompson, Liam Neeson, Emma Thompson, Kumail Nanjiani. Fotografía de Stuart Dryburgh, música de Danny Elfman y Chris Bacon. Ciencia Ficción. Duración: 115 minutos.

 

XXXXX-CONFUSA HISTORIA DE ALIENÍGENAS Y HUMANOS

Inofensiva, confusa, con nombres de relieve en su elenco, esta pseudo continuación de “Men in black” es entretenimiento con tantas idas y vueltas en el guion y en la pantalla que se termina mareado.

La aparición de un “alien” hace 20 años, inspira a una jovencita (Agente M, encarnada por Tessa Thompson) a ser una “mujer en negro”, por lo que será aceptada a prueba. Adusta y muy diferente, aunque eficaz, Emma Thompson (Agente O) será la encargada de tomarle las primeras pruebas. Si respiro, se ubica la historia en la punta de la Torre Eiffel donde Liam Neeson (Agente T) y Chris Hemsworth (Agente H)hacen de las suyas frente a lo que consideran un ataque de “La colmena”.

Seres monstruosos conviviendo en un espacio virtual con los humanos, fiestas nocturnas y luchas a todo o nada con complicadísimas armas que surgen del cemento, los espejos retrovisores o bien los neumáticos, dan cuenta de la imaginación de los autores de este nuevo film. De Marruecos se va a Nápoles, se visita la torre Eiffel, y se cae en un desierto donde un ser en miniatura, un “peón” de una reina también pequeñita, ayuda a los dos protagonistas a salvar sus vidas y recomenzar la lucha.

En definitiva, solo queda en claro que La Colmena quiere destruir el sistema solar, comenzando por la Tierra mientras que se multiplican los malvados como excusa para recorrer con la cámara lugares de gran belleza natural. Liam Neeson está a cargo de su papel menos comprometido, muy atildado, de traje, y con oscuras intenciones que no revelaremos. Es para comer pochoclo y olvidarse ni bien se sale del cine.

Elsa Bragato

 

También se prevé el estreno de los siguientes films:

1.- El Artico, de Joe Penna.

2.- Ni en tus sueños, de Jonathan Levine.

 

JUEVES 6 DE JUNIO DEL 2019.-

 

DOLOR Y GLORIA

Guion y dirección de Pedro Almodóvar. Con Antonio Banderas, Cecilia Roth, Leonardo Sbaraglia, Penélope Cruz,Julieta Serrano, Asier Flores, Asier Etxeandia, entre otros. Fotografía de José Luis Alcaine. Música de Alberto Iglesias. Duración: 114 minutos. UIP

XXXXX-GRACEJO ESPAÑOL DE PURA CEPA

En tono confesional, intimista, con sarcasmos medidos, Pedro Almodóvar llega al cine con una de sus películas más personales, más “suyas”, sin vértigo y con sensual madurez. Nos cuenta la historia de un director de cine, Salvador Mallo, que ha sufrido una operación cardíaca severa y que está en franca caída profesional. Tiene una obsesión: reencontrarse con el actor de su primer film al que hostigó por su mala performance. Lo encuentra y ambos, actor y director, entablan una renovada amistad.

El reencuentro es simpático, pone la cuota de travesura necesaria para que la gran actuación de Antonio Banderas no se transforme en un unipersonal. Adicciones nuevas, otras viejas, lo llevan a recordar a Salvador su infancia en el pueblo paterno, Paterna el nombre, y la vida en una cueva, el seminario y su rebeldía. Penélope Cruz compone a su madre, en uno de los grandes papeles de la celebrity española. Espontánea, tanto como en el magnífico film “Volver” del mismo Almodóvar, nos recuerda a la gran Sofía Loren en “La Ciociara”.

Entre los recuerdos de Salvador no solo está el actor que lo enfureciera sino su madre, de joven y ya anciana. Uno de los mejores diálogos del film se entablan entre “Salvador” adulto y su madre, poco antes de morir, llenos del típico salero español, gracia y solemnidad unidas por notables actuaciones. En este sentido hay que destacar en forma especial a Antonio Banderas, justo merecedor del premio a mejor actor en el último festival de Cannes por su “Salvador Mallo”, nunca mejor dado un premio. Tanto Almodóvar como su actor fetiche, Banderas, han logrado madurez expresiva en sus respectivos roles: la narración cinematográfica y la actuación. Se conocen, hay química que se trasluce en una película donde la emoción campea de principio a fin. Gran película de Almodóvar cuyo humor y cine apuntan a un público de adulta sensibilidad.

Elsa Bragato

 

CUANDO DEJES DE QUERERME

Dirección: Igor Legarreta. Guion: Javier Echániz, Asier Guerricachebarría e Ion Iriarte. Con Flor Torrente, Miki Esparbé, Eduardo Blanco, Joaquín Climent, Eneko Sagardoy, Antonio Dechent, entre otros. Dirección de fotografía: Imanol Nabea. Edición: Alejandro Lázaro. Sonido: Juan Ferro. Música: Lucio Godoy con la colaboración de Nerea Alberdi. Duración: 102 minutos. Coproducción España-Argentina.

XXXXX-INTRINCADO Y SÓLIDO THRILLER

Cabalgando entre el thriller y el sentimentalismo, “Cuando dejes de quererme” desarrolla su trama entre España y la Argentina, específicamente en el País Vasco, durante el invierno. El relieve montañoso del lugar y el paisaje nevado colaboran con la propuesta al otorgarle elementos enigmáticos en medio de un complejo laberinto de emociones.

Abandonada por su padre en el País Vasco, Laura (Flor Torrente) llegó a la Argentina siendo una niña junto a su madre. Un llamado desde España la alerta sobre el cuerpo de su padre hallado en un bosque de la zona. Laura regresa a su país natal para cumplir con el entierro definitivo de su padre. La acompaña su padrastro, Fredo (Ernesto Blanco), real disparador de un sinnúmero de sospechas, personaje fundamental para el desarrollo de esta historia compleja sobre un crimen a desentrañar.

Igor Legarreta (natural de Bilbao, España) profundiza el thriller con un sinfín de pistas por lo que no hay que distraerse: en la más pequeña escena podemos encontrar la luz de este intrincado hecho. Flor Torrente fluye en un rol acorde a su belleza, convincente, mientras que Eduardo Blanco, afincado ya en España, es un actor eficaz, solvente, que otorga solidez a un argumento que se las trae. Colaboran el argentino Lucio Godoy y Nerea Alberdi en la banda sonora, que se funde con el paisaje gélido y nostálgico del film, atractivo sin lugar a dudas, pero de difícil comprensión.

Carlos Pierre

 

X-MEN-DARK PHOENIX

Guion y dirección de Simon Kinberg. Con James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Sophie Turner, Nicholas Hoult, Jessica Chastain, entre otros. Fotografía de Mauro Fiore, ASC, Efectos Visuales de Ohilip Brennan, Edición de Lee Smith ACE, Música de Hans Zimmer.

XXXXX- LA OTRA CARA DE UN SUPERPODER

Los X-Men comenzaron en el 2000 convirtiéndose en los superhéroes más atractivos del cine por sus superpoderes. Llevaban once films cuando surgió la película actual, X-Men, Dark Phoenix, basada en uno de los personajes, Jean Grey (Sophie Turner). Simon Kinberg se sintió profundamente atraído por esta jovencita que, a raíz de un salvataje en el espacio, adquiere una fuerza sobrehumana. En principio, revive luego del choque entre su cuerpo y la masa ígnea espacial, por lo que es un “ave fénix”, para luego comprobar que su brutal fuerza destruye todo a su alrededor. Será entonces “Dark Phoenix”. Oscura ave fénix, cuyos compañeros de escuela deberán controlar para evitar la extinción de la humanidad y, en principio, de ellos mismos.

La ausencia de Hugh Jackmann, fundamental en la historia de los X Men que tuvo su epílogo en Logan, gran film de los superpoderosos, no quedó muy bien explicada por el director Simon Kinberg: la diferencia de edad con su novia en la ficción, “Jean Grey”, de tan solo 23 años. Es razonable pero creemos que el personaje no debió faltar.

No obstante, la historia logra atrapar por la calidad de su elenco, comenzando por Jennifer Lawrence y Michael Fassbender, la misma Sophie Turner y James McAvoy, quien logra ser joven y viejo a la vez por la maravilla del maquillaje actual.

Es un film entretenido, con un mensaje positivo: salvar a los seres que amamos por sobre todas las situaciones. Las aventuras cósmicas están acotadas, bien perfiladas en el diseño de producción, y la banda sonora de Hans Zimmer alcanza momentos de éxtasis a través de quejidos cósmicos que se meten bajo la piel. Sin estar frente a una maravilla, el film propuesto es un muy interesante entretenimiento y comienzo de otra saga. En el 2020 se espera “Los nuevos mutantes”. A disfrutar!!!

Elsa Bragato

 

LA VISITA

Documental de Jorge Leandro Colás. Fotografía de Martín Larrea. Duración: 73 minutos.

XXXXX- FAMILIAS TRASHUMANTES

Difícil situación enfrentan las familias de los presos. En el caso de este documental, guionado y filmado por Jorge Leandro Colás, se refiere específicamente al Servicio Penitenciario de Sierra Chica, provincia de Buenos Aires. Todos los fines de semana, o cada quince días, 500 mujeres y pocos hombres se acercan en distintos medios a las cárceles llevando comida y vestimenta para sus parientes presos. Muchos de ellos un par de décadas.

Hay dos o tres casos en particular que Colás toma como ejemplos, mujeres entrevistadas que han resignado todo para estar cerca de sus maridos. La que decidió vivir en una suerte de tapera en los alrededores, la que opta por vivir mejor y tomar el servicio de larga distancia cuando tiene dinero, la solidaridad entre todas, la preparación y la inquietud de las esposas para tener el encuentro íntimo con sus maridos, y la multitud de sentimientos que la situación despierta: desde sorpresa por el amor que mantienen hacia sus maridos, a pesar de la desilusión sufrida y la abnegación como madres que crían solas a sus hijos –algunos las acompañan de vez en cuando-.

Distintas tomas, tomas largas, tomas cortas, muestran las caminatas por calles de tierra hasta el penal, la espera en largas filas durante la madrugada, el ingreso abrupto, a empujones: las mujeres avanzan con su carga de amor y comida para reencontrarse con sus esposos. Buena fotografía, una historia que merece contarse, y una pregunta inevitable: ¿es imposible asfaltar o rodear a este penal de lugares amigables para sus familias?¿Qué culpan tienen sus mujeres y sus hijos?

Elsa Bragato

 

DE NUEVO OTRA VEZ

Guion y dirección de Romina Paula. Con Romina Paula, Esteban Bigliardi, Pablo Sigal, Mónica Rank. Fotografía de Eduardo Crespo. Música de Germán Cohen. Duración: 84 minutos. Distribuye Compañía de Cine.

XXXXX- DIALÉCTICA INTERIOR DESANGELADA

Los adolescentes cuarentones llegan al cine nacional con una serie de dudas sobre el ser, el propio “ontos”, lo que llevan hecho, cargados de tribulaciones sobre el futuro, la pareja, los hijos que tuvieron o los que no van a tener. Regresan a la casa materna para reencontrarse a través de recuerdos, de charlas con amigas y parientes. Un camino que no aporta nada, salvo tardes con mate y algún beso furtivo lésbico.

En principio, Romina Paula cumplió con los requisitos de hacer cine: fotografía, diseño de producción, música, elenco. Pero es evidente que, como a la mayoría de los nuevos directores, faltó “pathos”, la pasión que debe envolver una historia para no ser, de tan sencilla, lineal e infantil o hasta adolecer de madurez. Tampoco la voz en off de la protagonista ayuda a consubstanciarse con el tema: sin emoción alguna, Romina Paula impresiona como leyendo una composición de séptimo grado. La prolijidad técnica, que aplaudimos, no se corresponde con el guion, demasiado débil. Nos preguntamos qué sería del nuevo cine nacional sin los celulares!

Elsa Bragato

 

 

LA ESCUELA CONTRA EL MARGEN

Documental de Lisandro González Urzi y Diego Carabelli.

XXXXX- SUPERANDO GRIETAS ENTRE BARRIOS

El documental de González Urzi y Carabelli nos permite recordar los violentos sucesos acontecidos en el 2010 cuando familias sin techo o bien viviendo paupérrimamente, tomaron la zona del parque Indoamericano. El desalojo provocó tres muertos entre los vecinos de Villa Lugano I y Villa Lugano II- Desde entonces, los barrios que se generaron alrededor de la zona tuvieron una enorme rivalidad a raíz de los asesinados en el enfrentamiento con la policía. Unos culparon a otros. Guerra entre pobres.

Una docente, Florencia, propuso una actividad especial en la escuela Manuel Mujica Láinez de Lugano, al Sur de Capital Federal: que los alumnos de cuarto año realizaran un mapeo de sus respectivos barrios (Lugano I y II) identificando en cada manzana la problemática existente: la de los dealers, la ubicación de la policía, los golpeadores, etcétera. Un trabajo de campo que duró cuatro meses. La filmación del documental se realizó después de hora en la escuela, donde los chicos fueron exponiendo sus investigaciones. No es el primer encuentro de este tipo sino el número 14, con la gran diferencia que éste quedó transformado en un documental, un documento fílmico del trabajo de los docentes con los alumnos de los barrios carenciados como en este caso. De todos estos adolescentes se eligieron doce que, como premio, viajaron a Chapadmalal donde se encontraron con los representantes de cada barrio porteño. Un intercambio cultural más que interesante que intentó e intenta barrer con grietas y enemistades vecinales ocasionadas por terceros que no viven en las mismas condiciones. Muy interesante.

Carlos Pierre

 

 

BLINDADO

De Eduardo Meneghelli. Con Gabriel Peralta, Luciano Cáceres, Aline Jones, Gonzalo Urtizberea, Luis Ziembrowski, Sandra Smith, Pascual Condito, entre otros. Fotografía de Gustavo Biazzi. Música de Guillermo Pesoa. Duración: 81 minutos. Distribuye Cine Tren.

XXXXX- INTERESANTE APUESTA AL POLICIAL CON VISOS ROMÁNTICOS

Un muy buen trabajo fotográfico colabora en esta producción dirigida por Eduardo Meneghelli, que cuenta, además, con un excelente elenco de primerísimos actores. “Blindado” define perfectamente el medio de trabajo del protagonista, “Luna”, quien sufre la pérdida de su mujer y su hijo en un brutal accidente. Decide entonces salvar la vida de una compañera de trabajo y su pequeño hijo, dado que ambos le recuerdan a la familia que perdió. Si bien tiene un apego enfermizo a los parlamentos religiosos que escucha sin cansarse, su vida da un vuelco espiritual siniestro que complicará todos sus planes.

Son dos caminos narrativos bien diferenciados: el del trabajo manejando un blincado junto a sus compañeros de fábrica, y el amoroso o emotivo: salvarle la vida a la Selva, que convive con un golpeador. Pareciera que ambos caminos nunca se entrecruzarán, pero la habilidad de Meneghelli hace que esto suceda con un ardid efectivo y efectista. Se trata de una historia lineal cuya densidad policial se corta oportunidades con secuencias que no aportan nada, paréntesis que aletargan sin motivo el climax, el desenlace y el final.

Elsa Bragato

 

OTROS ESTRENOS PREVISTOS:

-    - Nadando por un sueño, de Gilles Lelouche, comedia francesa.

-    - Mi mascota es un león, drama de Gilles de Maistre.

 

JUEVES 30 DE MAYO DEL 2019.-

 

GODZILLA REY DE LOS MONSTRUOS

(GODZILLA 2)

De Michael Dougherty. Guion de Michael Dougherty y Max Borenstein. Con Vera Farmiga, Millie Bobby Brown, Sally Hawking, Bradley Whitford, Kyle Chandler, entre otros. Fotografía de Lawrence Sher. Música de Bear McCreary. Duración: 132 mnutos. Warner Bros.

XXXXX-ESCÁNDALO SONORO QUE OPACA A GODZILLA

El primer encuentro entre espectador y la historia es un fenomenal chillido que supera todos los decibeles soportables. Es el mejor distintivo de este film: el sonido devenido en estruendo supera al guion.

Los gobernantes del mundo han decidido exterminar a los 17 monstruos que anidan en las profundidades de los océanos por haberse convertido en una amenaza para los seres humanos. La doctora Emma Russell (Vera Farmiga) y su marido, Mark Russell (Kyle Chandler) perdieron a uno de sus hijos en el anterior ataque contra Godzilla, en medio de una devastada ciudad de San Francisco. Les queda “Madison”(Millie Bobby Brown), la adolescente que no se separa de su madre.

Hay dos focos de atención: el drama familiar que lleva al esposo al alcoholismo, la separación de los padres, y la decisión de Madison de seguir a su madre. Y la lucha de los monstruos que amenazan a los seres humanos. Godzilla es aún más grande que en el film anterior (2014), no aplasta ninguna ciudad y se lo verá de a ratos, cuando inicie la lucha contra sus enemigos Mothra, Rodán y el Rey Ghidorah de tres cabezas.

El film resulta claustrofóbico, la mayor parte del tiempo dentro de la extraordinaria nave que es submarino, barco o bien avión, desde donde se intenta salvar a Godzilla. Y hay elementos políticos bien claros que llaman la atención. En principio, la lucha se traslada a la Antártida, con errores gruesos en el diseño de arte, luego se indica que los monstruos pasean por los mares de Argentina y Venezuela, lugares hacia donde deberían dirigirse los ataques. Sugestivo, no?

Y, en líneas generales, las luchas entre los monstruos, dejando la gran batalla para el final, y esto no es spoiler!, sumergen a la narración es un escándalo sonoro. Es una película que no aporta nada a la historia del dinosaurio japonés, creado en 1954 como respuesta artística al terror sufrido por el bombardeo atómico en la segunda guerra mundial. Para fanáticos de las luchas en playstation.

Elsa Bragato

 

 

EL ÁRBOL DE PERAS SILVESTRE

Dirección: Nuri Bilge Ceylan. Guión: Nuri Bilge Ceylan, Akin Aksu, Ebru Ceylan. Con Dogu Demirkol, Murat Cemcir, Hazar Ergüciü, Bennu Yildirimiar, Serkan Keskin, entre otros. Duración: 188 minutos.Turquía-Macedonia-Francia-Alemania-Bosnia-Herzegovina-Bulgaria-Suecia.

XXXXX- PROFUNDO DRAMA EXISTENCIAL

Profundo drama existencial, con honduras psicológicas importantes, la película de Nury Hiklge Ceylan no pasa en vano en sus largas tres horas de duración. Es un drama familiar, social, político y ontológico que se centra en la vida de un joven escritor (Dogu Demirkol), quien regresa a su pueblo, con la idea de publicar su libro El árbol de peras silvestre. En su ausencia, su familia cayó en la indigencia y enfrenta serias deudas de juego de su padre, maestro de escuela frustrado.

Es decir, a partir de un objeto –el libro a editar- el realizador bucea en el ser íntimo, el “ontos” del protagonista, que se muestra díscolo y contestatario frente al clima hostil que lo rodea, desde el invierno y las nevadas hasta la situación de su familia. Se descorazona muchas veces, aunque no se amilana nunca. Sinan es un excluido, un extranjero en su propio pueblo.

A lo largo de los 188 minutos del film, surgen todos los temas, desde los cotidianos hasta los religiosos, dentro de una atmósfera lírica y, al mismo tiempo, áspera. La influencia de los rusos Dostoievski y Chéjov es clara: el sentido de lo humano está a través de metáforas cinematográficas notables. Gokhan Tiyaki es el excelente fotógrafo de la película, sabia elección de Ceylan quien, entre el 2002 y el 2008, fue ampliamente reconocido con premios y nominaciones. Precisamente Tres monos, 2008, le dio el premio a Mejor Director en ese festival de Cannes.

La música incidental se basa en la Passacaglia de Bach, instrumentada por Leopoldo Stokowski. El trabajo de Ceylan es una gran narración sobre la vida misma, áspera, dolorosa pero, a la vez, sanadora.

Carlos Pierre

 

 

MA

De Tate Taylor. Guion de Tate Taylor y Scotty Landes. Con Octavia Spencer, Juliette Lewis, Diana Silvers, Luke Evans, Dane Brown, entre otros. Fotografía de Christina Voros. Música de Gregory Tripi. Duración: 99 minutos. Blumhouse Productions.

XXXXX- NOVEDOSO PLANTEO DEL “GORE”

Entre bueno y muy bueno se puede calificar a este film de terror psicológico y gore, una mezcla que Tate Taylor conoce bien, especialmente por contar con su actriz fetiche, Octavia Spencer. La actriz afroamericana obtuvo un Oscar en 2011 por otra producción de Taylor, “The help”. Ambos tienen química por lo que el resultado es siempre satisfactorio. Ocurre con “Ma”, donde Spencer compone a “Sue Ann”, una ayudante de una veterinaria que invita a los chicos del barrio a beber al sótano de su casa, alejada del centro, dado que, si lo hacen en los alrededores, la policía los detendrá.

El disparador de la historia es Erica (Juliette Lewis, actriz y cantante que no vemos con frecuencia), quien deja San Diego para volver a su pueblo natal, Ohio, donde viven sus ex compañeros de secundario, un “quid” importante en el desarrollo de la historia. Su hija de 15 años, Maggie )Diana Silvers) rápidamente hace buenos amigos y será una de las chicas que vaya al sótano de “Ma”.

La acción tarda bastante en llegar. Cuando lo hace, el gore inunda la pantalla. Hasta ese momento, Tate Taylor trabajó con el terror psicológico generando inquietud superlativa. El gore es un estallido brutal que surge en el momento menos previsto.

Si bien se trata de un film de género, tiene un planteo diferente. No son chicos que se pierden en un bosque sino un grupo de adolescentes que se esconden en un sótano para emborracharse regresando a sus hogares. Y en esto reside el secreto de la película, que atrapa manteniendo el interés hasta el final donde más de un espectador saltará de la butaca. Buena realización.

Elsa Bragato

 

 

AMANECER EN MI TIERRA

Documental de Ulises de la Orden. Guion de Mariano Starosta. Fotografía de Federico Bracken. Sonido de Julián Caparrós. Montaje de Germán Cantore. Música de Juan de la {orden. Con Juan Bustamante, Nacho Ferreria, Alejanddra Debonis, Gladys Morales,  Comunidad Curruhuinca e integrantes de Vecinos sin techo.

XXXXX-UN LUGAR EN EL MUNDO

Ulises de la Orden hace 10 años, tal como nos cuenta, investigando para su film “Tierra adentro”, comenzó sus contactos con los Vecinos sin techo y la Comunidad Curruhuinca. Entonces hablaban de lotes, de casas, de impedimentos. Para de la Orden, era utópico pensar que el ejército le daría las tierras a los mapuches. Hasta que llegó el momento de conformar este documental y adentrarse en la temática. Es así como filmó las asambleas y las reuniones de los vecinos, cómo luchaban contra un concejal corrupto, hoy ante la justicia, y se interiorizó del drama de las familias. También comprendió, y lo transmite, el espíritu de solidaridad de una comunidad en la que todos están para todos y que van logrando, gracias a esta unidad, el derecho a tener su lugar en el mundo, su techo (Pietro Germi hizo un film antológico, Il tetto, sobre el tema en la Roma posteguerra). En verdad, San Martín de los Andes es un lugar paradisíaco que los empresarios buscan para proyectos inmobiliarios turísticos de gran envergadura, olvidándose o ignorando que esas tierras tan bellas tienen dueños naturales: los mapuches. Tras larga lucha, han conseguido 400 hectáreas donde se levantan sus casas, hechas a pulmón. En el momento de la filmación se construían 250 viviendas.

Siendo el techo el tema fundamental del documental, de la Orden no dejó de lado la lucha de las mujeres mapuches, la violencia de género, y la soledad con la que viven muchas veces. He aquí donde el Estado también debe hacerse presente, la formación, la instrucción, el trabajo digno. Ellos saben que luchan contra un monstruo como un Estado que, si puede, les arrebata hasta el alma.

Aunque se estén logrando algunos techos, la denuncia social queda hecha por este documental: los mapuches son hermanos, dueños de la tierra que los poderosos le arrebatan con casas lujosas que solo usan una vez por año. La pura verdad.

Elsa Bragato

 

 

A MÁS TARDAR

Documental de Mariana Guth. Duración: 98 minutos

XXXXX- EMOTIVO Y VERAZ ENCUENTRO CON INMIGRANTES

Mariana Guth elaboró el guion de este documental basándose en la historia de los tres hermanos Roubisek quienes vinieron al país con sus padres en 1948. Se trata de una familia judeocristiana de Checoslovaquia, que sufrió los horrores de la Segunda Guerra Mundial, viéndose obligados a dejar el hogar natal por orden de la Gestapo. Con entrevistas a cada hermano (Martin, Tomás y Doris Roubicek), Guth va armando un entramado muy emotivo, salpicado por films familiares de aquellos años y con los dibujos, que logra animación muy especial, de Martín Roubicek.

Los hermanos lograron regresar a la Chocen natal y luego a la casa paterna de Holice, en Checoslovaquia, reencontrándose con los amigos de la infancia. Un escritorio de época fue encontrado por una ciudadana checa en 1992, quien descubrió los diarios escondidos de la mamá de los hermanos. Desde ese año, cuando esta médica checa logró ubicarlos aquí, en Buenos Aires, los Roubicek soñaron con regresar.

El sueño se cumple. Y aquí entra la mística de todo inmigrante, los sueños partidos, el corazón cabalgando a mitad de dos países, las tristezas y las alegrías vividas en la tierra natal, el bienestar conseguido en la nueva tierra. Es un sentimiento muy especial que Guth transmite a través del relato emocionante de cada hermano Roubicek. Imposible describir ese sentimiento que obliga a los inmigrantes europeos de principios de siglo y de mitad de siglo XX a recuperar sueños en la tierra natal, la indescriptible sensación de ver el hogar paterno, la vida vivida allí que queda en algún lugar del corazón y que jamás se superará. Si bien el film habla de una sola familia, el sufrimiento por el destierro es común a todos los que vinieron a nuestro país a trabajar a cambio de salvar sus vidas. Sin complejidades narrativas, la historia d elos Roubicek conmueve.

Elsa Bragato

 

También se anuncian los siguientes estrenos:

1.- Rocketman, de Dexter Fletcher. Con Producción de Elton John. Biopic del cantante británico, Elton John.

“Un homenaje honesto y muy sentido a la música de Elton John y a su imagen social. Sin embargo, elude su imagen más personal y cercana”, de Peter Bradshaw, The Guardian.

2.- “El ratón Pérez”, de Juan Pablo Buscarini. Coproducción España-Argentina. La tradicional historia del famoso ratón y de una niña, que quiere salvar el mundo de los cuentos.

3.- “Breve historia del planeta verde”, de Santiago Loza. Nueva realización del director cordobés que tuvo una gran presentación en la Berlinale. Una suerte de “road movie” con un “alien” de las pampas.

 

JUEVES 23 DE MAYO DEL 2019.-

 

ALADDIN

Dirección: Guy Ritchie. Guion: John August, Guy Ritchie, Vanesa Taylo. Fotografía: Alan Stewart. Montaje: James Herbert. Música: Alan Menken. Duración: 120 minutos. Intérpretes: Mena Massoud, Naomi Scott, Will Smith, Marwan Kenzari, Navid Negahban, Nasin Pedrad, Billy Magnussen, entre otros.

XXXXX- SUPERLATIVA TECNOLOGÍA PARA UNA HISTORIA MILENARIA

Basada en la película animada homónima de 1993 de Disney, perteneciente a Las mil y una noches, y El Ladrón de Bagdad de 1970, esta remake con actores de carne y hueso es de notable factura técnica y actoral.

Aladdin es una película musical que conjuga aventura y fantasía, con aggiorno tanto de las letras de las canciones y el superlativo avance tecnológico del cine.

La tradicional historia milenaria está encarada con una buena dosis de humor que descomprime las idas y venidas de esta historia palaciega y de ladrones. En principio, hay un acertado casting con actores de origen árabe, especialmente de Turquía e Irán, así como se eligieron varias locaciones del desierto en Jordania, como se había hecho en la recordada Lawrence de Arabia.

Mena Massoud compone a Aladdin. Deslumbrando con sus acrobacias mientras que Naomi Scott es la Princesa Jasmín, quien quiere reinar en la ciudad de Agrabah, el nuevo mundo de Aladdin; Will Smith es el Genio, con poder para conceder tres deseos, Marwan Kenzari encarna al maligno visir del Sultán, personaje que, a su vez, interpreta Navid Negahban. Finalmente, Nasin Pedrad es la celosa custodia y asistente de Jasmín.

Vértigo e imaginación van de la mano de los personajes de carne y hueso y los compinches de los protagonistas:Apu, monito capuchino (totalmente digitalizado) de Aladdin, Iago es el loro del visir Jafar, y Rajah, el tigre, fiero protector de la Princesa Jasmín. El Genio, de color azul, es gigante y musculoso, teniendo él también un fuerte deseo: dejar la nube en la que levita y ser una persona de carne y hueso. La Alfombra Mágica nos permite soñar con vuelos magníficos y románticos, apareciendo en los momentos más oportunos.

El realizador Guy Ritchie maneja con gran inventiva y solvencia la digitalización por lo que las secuencias tienen un realce muy especial, de trabajo en postproducción intenso. Alan Menken, compositor “fetiche” de Disney, logró una banda sonora colorida y brillante siendo un soporte insoslayable del film. En verdad, Aladdin es una proeza de la tecnología y de todos los aspectos que hacen al cine, digna de disfrutarse de principio a fin. Walt Disney Pictures encontró un nuevo camino para sus historias de todos los tiempos al transformar las animaciones en films con actores de carne y hueso. Faltan los elogios! No se la pierdan!

Carlos Pierre

 

 

DOBLES VIDAS

Guion y dirección: Olivier Assayas. Con Juliette Binoche, Guillaume Canet, Christa Theret, Olivia Ross, Vincent Macaigne, Antoine Reinartz, Pascal Greggory, entre otros. Fotografía: Yorick Le Saux. Cinematografía: Yorick Le Saux. Duración: 107 minutos.

XXXXX-LIVIANA CRÍTICA A LA HIPOCRESÍA SOCIAL

Con diálogos incesantes sobre la literatura actual, la complicidad del mundo digital, las redes sociales, Alain (Guillaume Canet), exitoso editor parisino, y Leonard (Vincent Macaigne), escritor, mantienen estrecha amistad así como sus respectivas esposas. Debaten en forma constante mientras Alain querría manifestarle a su amigo que su novela tiene un tratamiento antiguo, no atreviéndose a decirle que no hará edición alguna. No están solos, interviniendo las mujeres: Selena (Juliette Binoche, esposa de Alain, es una actriz de televisión, atrapada por la obra de Leonard, seguramente por la secreta relación que mantienen ambos. Alain no desaprovecha su tiempo y tiene salidas con una jovencita. Dobles vidas, enmarañadas con la hipocresía social.

Otros Olivier Assayas emplea un tono ligero en esta comedia de puro sabor francés, recurriendo a clishés tales como un desnudo “doble” que no aporta nada y, en cambio, desnaturaliza la esencia literaria del guion.

El tono discursivo crispa, sumado a las “bigamias” incluidas en una forma de vida. Resulta un tanto inverosímil la historia en sí propuesta por Assayas, quien pareciera que tambalea en este juego de dos o cuatro, intercambiando placeres y literatura. Hay un antecedente nunca superado: “La felicidad”, 1965, de Agnes Vardá, sin tanta palabra, discurso ni falsa moral.

Carlos Pierre

 

 

LETO

Dirección: Kirill Serebrennikov. Guion: Mikhail Idov, Lili Idova, Ivan Kapitonov, K. Serebrennikov. Fotografía: Vladislav Opelyants. Montaje: Yuriy Karikh. Música: Roman Bilyk. Intérpretes: Teo Yoo, Irina Starshenbaum, Roman Bilyk, entre otros. Duración: 120 minutos.

XXXXX- EL ROCK COMO BALUARTE DE LA LIBERTAD

Basada en historias verídicas esta película del “enfant terrible” del cine ruso, Kirill Serebrennikov (actualmente encarcelado), es un vital y poderoso alegato sobre el despertar de la new wave y del punk de Leningrado en el verano (leto) de 1980.

Filmada con desenfado, con secuencias afiliadas a los videoclips musicales, resulta una explosión de planos grandilocuentes, desde el de los jóvenes bañistas desnudos hasta las canciones en color, con supremacía del blanco y negro. La biopic roquera del rebelde Serebrennikov es considerada una inédita mirada sobre aquellos años donde aún no se aceptaba la intromisión de la música europea, específicamente la anglosajona.

La historia se focaliza en el trío protagónico, musical y amoroso. Mike (Roman Bilyk, músico de rock en la vida real) y Víktor, fan suyo, entablan amistad. Natasha, esposa de Mike, será también el amor platónico de Víktor. Es en estos tres personajes donde el realizador basa su rebelión social y su inconformismo a ultranza. La pléyade de nombres de artistas extranjeros, desde Bob Dylan hasta Los Beatles, ahondan las diferencias entre los protagonistas y el régimen: todos están prohibidos. Con el tiempo, Víktor será un famoso músico que verá la muerte a temprana edad.

Es síntesis, “Leto” alude a un verano ruso donde el rock explotaba entre los jóvenes, siendo también retrato de una época sociopolítica difícil en aquellos pagos y en los nuestros donde la represión y las “listas negras”, así como el estado de sitio, fueron lo cotidiano. Formalmente, incluye films en super 8, así como videoclips añosos y valiosos de la década del 80.

El film obtuvo el premio al mejor Sountrack recayendo en Roman Bilyk en el Festival de Cine de Cannes 2018, siendo un grato e inesperado descubrimiento sobre los jóvenes de hace casi 40 años en la Rusia comunista.

Carlos Pierre

 

 

BADUR HOGAR

De Rodrigo Moscoso, guion de Moscoso y Patricio Cárrega. Fotografía de Gaspar Quique Silva. Con Bárbara Lombardo, Javier Flores, Castulo Guerra, Nicolás Obregó, Daniel Elías. Duración: 101 minutos.

XXXXX- ADOLESCENCIAS TARDÍAS EN BUSCA DE UN DESTINO

Rodrigo Moscoso reaparece tras casi dos décadas de su único film. Representa de la mejor manera al escaso cine salteño de hoy en día. En el caso de “Badur hogar”, se refiere a la vida de un joven treinteañero que no encuentra trabajo, vive con sus padres, y tiene changas como limpiador de piletas junto a un amigo. La relación con una joven porteña, plagada de mentiras, será un motivo para buscar un camino mejor que tendrá no pocos inconvenientes. Es el “quid” de la película, el conflicto de la fábula.

La forma de narrar de Moscoso luce por su cohesión de principio a fin. Si bien no es una película angelada, produce un buen vínculo con el espectador. El secreto está en la solidez del relato a pesar de carecer de magia por su linealidad. Buena fotografía y buena dirección de actores ayudan a que la historia sea una correcta sucesión de secuencias. El planteo básico es la adolescencia tardía de muchos jóvenes y el apego a tradiciones que suelen lastimar el camino del futuro. El tema es universal si bien peca de localismo en sus diálogos, mientras nos permite conocer el ya cerrado comercio “Badur hogar” y la Salta más paqueta, la de los countries a los pies lejanos de la cordillera.

Elsa Bragato

 

INFIERNO GRANDE
Guion y dirección de Alberto Romero. Con Guadalupe Docampo, Alberto Ajaka, Mario Alarcón, Héctor Bordini. Fotografía de Tebbe Schonning. Música de Gustavo Pomeranec. Duración: 73 minutos.
XXXXX- PRIMER WESTERN FEMENINO
La Pampa y su muy privativa geografía conforman el marco de esta historia de amor y violencia, de maternidad y naturaleza. “María” está embarazada, sufre golpes y violaciones de todo tipo de su marido. Un disparo en la madrugada le cambiará el destino: escapa en la chata familiar. De una historia conyugal pasamos rápidamente a una road movie de desesperación de una mujer que va encontrando personajes raros en su largo camino hacia Naicó, su pueblo natal.
La voz en off del hijo por nacer que, con pocos años de vida, va explicando lo que le sucedió a su mamá y cómo le salvó la vida es una protagonista más que ayuda a comprender el dolor profundo de “María”. En el camino encontrará a un viajante, un lugareño, un niño y un policía compañero de la niñez. Un encuentro final la obligará a tomar el arma con la que salió de su casa.
El relato de Alberto Romero es muy sólido, teniendo en Guadalupe Ocampo a una actriz consustanciada con su “panza” y su rol. No tiene excesos, mesurada y ajustada otorgándole verosimilitud a una historia simple pero contundente. Sin mayores artilugios, “María” se transforma en una “Cow-girl” nacional, “cabalgando” sobre su camioneta su propia salvación. Es un film inteligente donde se manejaron con justeza los elementos de la puesta y la dirección actoral.
Elsa Bragato
 

 

Otros estrenos previstos son:

“John Wick 3”, de Chad Stahelski

“Brightburn; hijo de la oscuridad”, de David Yarovesky

“Soy tóxico”, de Pablo [Parés y Daniel de la Vega)

“Infierno grande”, de Alberto Romero

 

JUEVES 16 DE MAYO DE 2019-

 

EL CUENTO DE LAS COMADREJAS

Dirección: Juan José Campanella. Guion: Juan José Campanella y Darren Kloomok. Con Graciela Borges, Luis Brandoni, Oscar Martínez, Marcos Mundstock, Clara Lago, Nicolás Francella, entre otros. Fotografía: Félix Monti. Música: Emilio Kauderer. Duración: 129 minutos. Argentina-España.

XXXXX-COMEDIA NEGRA DE JÓVENES VS. VIEJOS

Juan José Campanella pergeñó durante 10 años el guión de “El cuento de las comadrejas”, habiendo filmado por última vez su consagrada animación “Metegol” en el 2013. Regresa a la pantalla grande con el planteo de una obsesión profunda a través de la remake de “Los muchachos de antes no usaban arsénico”, que dirigiera José Martínez Suárez en 1976 coescribiendo el guión junto a Augusto Giustozzi (Gius, afamado libretista de la televisión). En ese entonces la protagonizaron Mecha Ortiz, Narciso Ibáñez Menta, Bárbara Mujica, Mario Sofici y entre otros, celebridades inolvidables.

La propuesta de Campanella es un “cuento del tío”: dos audaces personajes (la española Clara Lago y Nicolás Francella) engatusan a una bella estrella de la época dorada del cine (Graciela Borges), a un actor, un escritor frustrado y un viejo director, que hacen lo imposible por conservar el mundo  creado en una vieja mansión. Estos jóvenes proponen un cambio de aire en sus vidas, permutar la casona por un moderno piso. La diva lo acepta porque quiere, además, despojarse de los tres parásitos que la rodean.

Graciela Borges, inconfundible, está rodeada por Luis Brandoni, Oscar Martínez y Marcos Mundstock, todos actores con enorme solvencia escénica y tablas trajinadas, conformando una pléyade inusual. De la misma manera que reunirlos es un logro fantástico del director, también se produce un claroscuro inevitable: el choque de personalidades muy definidas. Es decir, cada uno de estos notables artistas vale por sí mismo un protagónico. Compartiendo un elenco, la química que se produce es profesional más que una empatía profunda entre sus roles con el añadido de alguna altisonancia en los diálogos que resulta teatral. Campanella utiliza a las “comadrejas”, mamíferos de hábitos nocturnos, como metáfora de los dos jóvenes embaucadores, osados y tramposos. Tan inescrupulosos como estos animalitos que roban huevos de gallina con mucha rapidez.

Es decir, la historia nos muestra una declarada guerra de generaciones. La viveza y pillería de los más jóvenes contra la quietud y falta de reacción de los mayores. Jóvenes vs. Viejos, dentro de un envase de humor cínico, inquietante y revelador de dos posiciones ante la vida: los que avanzan y los que se llamaron a retiro.

Destacamos la actuación de Nicolás Francella y de la actriz española Clara Lago, quien logró un absoluto despojo de su idioma natal: habla un “argentino” impecable. También Félix Monti, un prócer de la fotografía cinematográfica, aporta la elegancia de su trabajo, retratando los años de esplendor con riqueza visual (se filmó en dos mansiones: una en Villa Devoto y la otra en Brandsen).  Entre la intriga y el drama, el cinismo y el humor, Campanella demuestra una vez más la solidez de su cámara y de su estilo narrativo.

Carlos Pierre

 

 

CLEMENTINA

De Jimena Monteoliva. Guion de Diego Fleischer y Jimena Monteoliva. Fotografía de Mariano Dawidson. Música de Julián Teubal. Con Cecilia Cartasegna, Emiliano Carrazzone, Susana Varela, Lalo Rotaveria, entre otros. Duración: 88 minutos.

XXXXX-ENTRE LO ONÍRICO Y EL GORE

Pionera como directora y productora mujer en el cine de género, Jimena Monteoliva nos entrega una honesta narración sobre la violencia de género, apelando a una buena fotografía y a buenas actuaciones. El peso dramático del film recae sobre la protagonista, la actriz Cecilia Cartasegna en el rol de “Juana”, quien sufre una brutal agresión de su marido. Una vecina la ayuda, se recupera en soledad, pero ruidos, objetos que caen, y extraños pasos, van generando terror en la joven mujer, sola en casona antigua a la que se acaba de mudar.

La violencia de género está basada, según los estudios, en tensión, agresión y reconciliación. La realizadora Monteoliva sigue estas etapas generando varias secuencias de alto impacto dramático: la furia de “Juana”, la horrible pesadilla con su vientre, los límites débiles de la terraza, la reconciliación y la batalla sangrienta entre los personajes. Hay una dosificación hábil de los recursos que le ofrece una producción acotada: va desde el terror psicológico y el pánico hasta la agresión que explota en el “gore”. Y, por sobre la buena técnica, subsiste el criterio narrativo donde se equilibran lo psicológico, lo real y lo onírico. Contribuyen la fotografía con momentos logrados: “Juana” atravesando una sucesión de puertas abiertas (algo del genial Velázquez y “Las meninas”?). O la cena con “Mateo” (Emiliano Carrazone) con un buen trabajo de iluminación. Destacamos la banda sonora de Julián Teubal, atinada con un ensemble concordante con el intimismo propuesto. “Clementina” es el quid del film que mantiene en vilo la historia.

Buena propuesta de la mano de una directora argentina.

Elsa Bragato

 

BAZÁN FRÍAS, ELOGIO DEL CRIMEN

Guion y dirección de Lucas García Melo. Fotografía de Sebastián Suárez. Música de Savonet Surfers. Duración: 65 minutos. Realización colectiva de Cine Bandido.

XXXXX-EL ALMA MILAGROSA QUE AYUDA DESDE EL MÁS ALLÁ

El primer largometraje de “Cine Bandido” es este docuficción sobre el bandido tucumano llamado Buzán Frías, el “Robin Hood” de Tucumán, aquél que había nacido en el barrio pobre de Los Siete Lotes de Villa Alem a finales del siglo XIX, en 1896.

El proyecto surgió en el tercer año de la escuela de cine provincial, basándose en el libro de la nieta, por vía materna, de Bazán Frías, “De fornicarios, bandoleros y milagros”. Ella misma junto a César Romero y Silvia Quirico como instructores de actuación y la actriz Alejandra Monteros lograron los permisos necesarios para llevar a escena la vida de su abuelo con los presos del penal de Villa Urquiza quienes se sumaron rápidamente a la propuesta.

La cámara de “Cine Bandido” filmó la sepultura de Bazán Frías, muerto por un policía en 1923 cuando intentó escapar saltando un muro: allí mujeres y hombres encienden velas pidiéndole ayuda. La mejor descripción del fenómeno la da una tucumana: “No es un santo, es un alma milagrosa. Viene de la tradición oral. Mi mamá y mi abuela hablaban de Bazán Frías”. El realizador Lucas García Melo encuentra su objetivo: la diferencia de clases partiendo de la frase de Marx “elogio del crimen”, consecuencia directa del capitalismo.

A partir de films de la época. casi un siglo de la muerte de Bazán Frías, con la voz en off de la actriz Monteros, el documental da un fuerte mensaje sociopolítico: ser ladrón o no, los ricos que roban sigilosamente y los pobres que roban por hambre ante el futuro de absoluta pobreza que tienen, situación que rebeló profundamente a Bazán Frías. Buen documental que reconstruye con la máxima verdad posible la vida del bandido tucumano, difícil de encontrar en los diarios de la época. Un buen trabajo.

Elsa Bragato

 

 

LA LECCIÓN DE ANATOMÍA

Documental de Pablo Arévalo y Agustín Kazah. Guión de Paula Magnani. Música de Sciaccaluga. Fotografía de Martín Larrea. Duración: 87 minutos.

XXXXX-HOMENAJE A CARLOS MATHUS

Fallecido en el 2017, Carlos Mathus es recordado en este documental con una nueva puesta de “La lección de anatomía”, obra suya que revolucionó el teatro internacional desde 1972 hasta 2008 (36 años ininterrumpidos). Director y dueño del teatro Empire, al que le otorgó un nueva status, tiene en este film un logrado homenaje a partir de la última puesta en escena de “La lección de anatomía” que no llegó a ver y quedó a cargo de su mano derecha, Antonio Leiva.

Mathus logró conmover los fundamentos del teatro independiente al plantear, a través de jóvenes actores y actrices que tienen la controvertida y luego aceptada escena de desnudez absoluta, la innecesaria carga que llevamos de soportar lo que no queremos. Esta premisa lo perturbó siempre, de allí la escena de desnudez absoluta de los protagonistas: se despojan de lo innecesario para vivir. “La vida es un avance hacia la muerte”, dijo Mathus frente a cámaras. Lo contrarrestó con la voluptuosidad del movimiento físico de sus actores, que la fotografía de Martín Larrea exalta.

El backstage, los sinsabores y las alegrías que van desde el casting o convocatoria hasta levantar el telón, transcurren en un documental donde la figura de Carlos Mathus se muestra un tanto desapegada de los problemas inherentes a la puesta en escena, sin duda producto de la enfermedad que lo atormentó los últimos meses de su vida. El tiempo que le quedó le permitió corroborar que las premisas existenciales de su juventud nunca perdieron vigencia.

Elsa Bragato

 

Entre los estrenos previstos están:

La razón de estar contigo 2, de UIP

Uglydolls, de Diamond Films

Doberman, de Santa Cine

Cuadros en la oscuridad, de Cinetren

La cuarta dimensión, cine independiente de Francisco Bouzas

 

TOLKIEN

De Dome Karakoski. Con Nicholas Hoult, Lily Collins, Genevieve O Reilly, Derek Jacobi, entre otros. Fotografía de Lasse Frank Johannessen. Música de Thomas Newman. Duración: 112 minutos.

XXXXX-ENGAÑOSA BIOPIC DEL BRITÁNICO TOLKIEN

Buena realización en cuanto a producción y actuaciones, “Tolkien” nos engancha con las alusiones a “El señor de los anillos” y “El hobbit”, obras maestras de J.R.R. Tolkien, el historiador y filólogo inglés que admiraba tanto Jorge Luis Borges, cuya saga fue llevada al cine por Peter Jackson en una memorable trilogía.

Poco y nada sabremos de este gran escritor salvo algunos aspectos de su infancia así como su alistamiento para luchar en la Primera Guerra Mundial, el largo noviazgo con su futura esposa, y su pasión por la filología. La mayor parte del film sumerge al protagonista en las trincheras de la Primera Guerra Mundial, en las poquísimas alusiones a los Orcos de su trilogía “El señor de los anillos”, en medio de la bruma no solo del tiempo sino también de los gases venenosos arrojados por los alemanes.

Si bien las biografías o biopics no pueden salirse del esquema que propone la vida misma de quien es objeto de la película, a veces se puede innovar aligerando ciertas escenas al dar énfasis a otras. Aquí hubiese interesado, sin duda alguna, los momentos de Tolkien en los que efectivamente pensó en los personajes de su famosa saga, y la relación con la mitología nórdica más que los campos minados de muertos luego de un enfrentamiento bélico.

La realización es inobjetable. Y la actuación de Nicholas Hoult reviviendo a Tolkien es muy buena, nada más que ajustada al guion que le dieron.

Elsa Bragato

EL SOL TAMBIÉN ES UNA ESTRELLA

De Russo Young. Con Yara Shahidi, Charles Melton, Gbenga Akinnagbe, entre otros. Fotografía de Autumn Duralk. Música de Herdis Stefansdottir. Duración: 100 minutos. Warner Bros.

XXXXX-ENTRE LA ASTRONOMÍA Y EL AMOR

Con la mención del astrónomo Carl Sagan, se inicia esta melosa historia de amor que reúne ocasionalmente a un descendiente de coreanos con una jamaiquina, a quien solo le quedan 24 horas para permanecer en la tierra de Donald Trump. Ella y su familia deben volver a Jamaica, tras 9 años de vivir en New York, ciudad que Natasha (Yara Shahidi) ama profundamente.

El film intenta girar sobre la célebre frase de Sagan que dice “Somos como mariposas que vuelan durante un día pensando que lo harán para siempre”. La protagonista ama la astronomía, y cuenta, con su voz en off, la larga vida de los planetas y de las estrellas, y la nada que somos frente a esa infinitud de billones de años. El encuentro con “Daniel Bea” (Charles Melton) es ocasional pero para el joven es predestinación. Esta concepción del mundo choca con la de Natasha para quien todo es fortuito y sin relación. La vida hará lo que tenga previsto más allá del deseo de uno o de los dos jóvenes.

El intento de demostrar la frase de Sagan se diluye a lo largo de la narración mientras el sol confirma su longevidad en el cielo. Así como el tema de la “expulsión” de inmigrantes queda sin mayor explicación. Es un motivo de justificación argumental traído de los pelos. Los dos actores, de razas diferentes, brillan con la espontaneidad y belleza de la juventud. No hay mucho más.

Elsa Bragato