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COMENTARIOS DE CINE
 


ELSA BRAGATO Y CARLOS PIERRE

 

*Colaboración del crítico y productor Carlos Pierre

http://www.elsabragato.blogspot.com  El site de Elsa Bragato

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JUEVES 18 DE ABRIL DEL 2019.-

 

LA MALDICIÓN DE LA LLORONA

De Michael Chaves. Con Linda Cardellini, Patricia Velásquez, Raymond Cruz, Sean Patrick Thomas, entre otros. Fotografía de Michael Burgess. Música de Joseph Bishara. Duración: 93 minutos.

XXXXX-SUSTOS MUY EFECTIVOS

Silencios espeluznantes, terror psicológico en grado sumo, caracterizan esta producción del notable James Wan que, si bien no supera “El conjuro”, sabe cómo hacer una puesta en escena que no pretende ser original pero sí efectiva. Y vaya si lo logra.

La Llorona responde a una leyenda mexicana del siglo XVII: una joven se casa con un caballero rico quien, luego de armar su familia, mantiene relaciones extramatrimoniales. Al ser descubierto por su esposa, ésta tiene un ataque de celos, decidiendo ahogar en el río a los dos hijos de la pareja y suicidarse también. Dicen que nunca superó el dolor por el asesinato de sus hijos y se la escucha llorar y vagar por las noches en busca de otros niños que suplanten a los suyos. Con los siglos, La Llorona fue incrementando su crueldad.

La primera madre que padece la presencia de este fantasma asesino es una joven de origen mexicano, “Patricia”. La policía del lugar la conoce y decide salvarle los niños para que pueda vivir tranquila, pero nada saldrá como lo planeado. Y éste es el quid del relato.

“Samantha” (Jaynee Lynn Kinchen), a su vez mamá de tres criaturas, es la asistente social policial que sufrirá la maldición de La Llorona y la de su amiga “Patricia” (Patricia Velázquez) a través de una intriga aterradora del guion.

Una curiosidad es que no hay sangre sino sustos, los ya conocidos, muy efectivos. Los silencios entre secuencias ponen los pelos de punta y, si bien no es una obra maestra de Wan, Michael Chaves supo entender la pretensión del productor a través de un relato que hace saltar de la butaca. Más que efectiva!

Elsa Bragato

 

1.- LA GUERRA SILENCIOSA

De Stephané Brizé. Con Vincent Lindon, Bruno Bourthol, Valerie Lamond, entre otros.

“La película es texto, pancarta, reivindicación y análisis precipitado y sentimental de las situaciones económicas, laborales y empresariales del mundo”, de Oti Rodríguez Marchante, DIARIO ABC.

“El final es ridículo. Son actores gritándose entre sí de forma improvisada. Esto es cine hecho con megáfono”, de Peter Bradshaw, The Guardian.

2.-MICHELANGELO-INFINITO, de Emanuele Imbucci. Cuenta la vida del genio Michelangelo Buonarroti y su amistad con el crítico de arte y artista también Giorgio Vasari.

“En este experimento narrativo, parcialmente logrado, las obras más célebres del genio florentino se revelan en sus más íntimos y escondidos detalles, realizándose algunas casi ante nuestros ojos gracias al sabio uso de la tecnología. Está él (Michelangelo) que es un ser mortal, dotado de un don sin par, que busca lo sagrado y el infinito, estableciendo una lucha eterna con su propia imperfección humana”, de Daniela Catelli, Comingsoon.it.

3.- VOX LUX-EL PRECIO DE LA FAMA, de Brady Corbet. Con Natalie Portman y Jude Law.

“Un maravilloso tratado sobre la toxicidad de la fama”, de Stephen Dalton, The Hollywood Reporter.

“Un atrevido y brillante viaje a través del torbellino de las celebridades. La segunda parte se ve potenciada por la cautivadora interpretación de Portman”, de Guy Lodge, Variety

 

JAMÁS LLEGARÁN A VIEJOS

De Peter Jackson. Documental sobre la Primera Guerra Mundial con imágenes restauradas nunca antes vistas. Duración: 99 minutos. Reino Unido.

XXXXX-EXCEPCIONAL DOCUMENTAL SOBRE LA GRAN GUERRA

Notable trabajo de Peter Jackson y su equipo técnico para restaurar cientos de horas de grabaciones de audio y filmaciones realizadas durante la Primera Guerra Mundial- Es también una descomunal tarea que clarifica imágenes amarillentas sobre cadáveres de adolescentes transformados en soldados bajo falsas premisas de gloria y patriotismo.

Tal como ocurrió con la Guerra de Malvinas, las Fuerzas Armadas del Reino Británico llamó a alistar para enfrentar a los alemanes en la llamada Primera Guerra Mundial “llenándoles la cabeza”, tal como los sobrevivientes cuentan, sobre la potencia invencible del imperio y la facilidad de matar alemanes, a quienes se pintaban como inútiles. La campaña fue tal que jóvenes de 15 años, mintiendo en la edad, pidieron ir al frente para matar a los enemigos, surgidos de la noche a la mañana en circunstancias que nunca resultaron muy claras para ellos.

Hay secuencias tremendas de campos minados repletos de cuerpos despedazados, y un relato en off de principio a fin que va engarzando las voces de los sobrevivientes mientras explican las sensaciones y vivencias en las trincheras, desde meter las cabezas en letrinas para evitar la ceguera del gas mostaza hasta rematar entre llantos a compañeros de lucha malheridos y agonizantes.

El material fue provisto por el Imperial War Museums en asociación con la BBC de Londres. Se revisaron 600 horas de entrevistas de 200 veteranos y se tomaron unas 100 horas para el film. El trabajo técnico logró llevar de 13 cuadros iniciales a 24 dándole formato de 3D a las imágenes, pero en nuestro país solo puede verse en la versión 2D. El título “Jamás llegarán a viejos”, traducción literal del inglés “They sall grow not old” está tomado del poema “Fort he fallen”, de Laurence Binvon, como aparece en la tercera cuarteta del mismo.

La decisión de Jackson y su equipo fue borrar los nombres de quienes contaron sus experiencias para evitar más dolor aún en descendientes, en amigos, si bien cada uno de los soldados están identificados en el material original que tiene el museo de guerra inglés.

El director Peter Jackson no quiso cobrar honorarios y él y su equipo dejaron más de 100 horas de audios y filmaciones restauradas como donación a la historia no solo inglesa sino universal. Es un documental que se ve en absoluto silencio, con el corazón sobresaltado por el sufrimiento al que los pueblos suelen ser sometidos por una “supuesta libertad”. Nunca antes la Primera Guerra Mundial, o la Guerra de Trincheras o la Gran Guerra, pudo verse en esta magnitud dramática y real. Impresionante.

Elsa Bragato

 

1100- A PUNTO DE EXPLOTAR

De Diego M. Castro. Con Santiago Iludain, Andrea Friorino, Cecilia Patalano, entre otros. Duración: 93 minutos.

XXXXX-LA VIDA DESDE UN TAXI

Con cámara en “close up” sobre el rostro del protagonista, Diego Castro, cineasta rosarino, construye una narración coherente aunque carente de referencias. Es la historia de un taxista”Leo”, desde un lugar poco común: los sentimientos que su rostro van demostrando, desde el fastidio hasta el miedo al supuesto asaltante, desde la confusión ante el pasajero que cae semimuerto hasta los celos por su novia. La gestualidad de Santiago Iludain transmite la carga emocional que puede estallar en cualquier momento. “Leo” va padeciendo la sumatoria de tensiones que cada pasajero con su historia le deja. Puede que explote, puede que solo sea un rostro encolerizado. Santiago Iludain tiene el mérito de transmitir tensión, fastidio, cólera, miedo.

Si bien se cumple con el requisito fundamental que es la acción, y no la explicación de la acción, la ausencia de referencias y el silente movimiento de la cámara resultan innecesariamente inquietantes. Recordamos “Taxi” de J. Panahi, del 2015, donde la ciudad de Teherán que recorre se deja ver claramente. A diferencia de ésta, Diego Castro se centró en el conductor y su rostro. Panahi, en la ciudad y sus habitantes. Castro apunta a descubrir el alma del taxista a partir de los pasajeros. Panahi, a los pasajeros y sus historias a partir de ser él el conductor.

Elsa Bragato

 

JUEVES 11 DE ABRIL DEL 2019.-

Entre los estrenos de esta semana llega un antisuperhéroe, muy querido, “Hellboy”, en una remake dado que lo conocimos en el cine en el 2004. Hay varios films interesantes, en general, que, aún con muy buena producción, no superan la medianía.

1.- EL PARQUE MÁGICO, animación, de Dylan Brown. Fotografía de Juan García González. Narra las peripecias de “Jane”, una niña creativa que inventa un parque de diversiones mágico, en el que podrá tener aventuras increíbles.

“De todo menos maravillosa. Como sucede con tantas otras películas de animación hoy en día, sus ideas están enterradas bajo un espectáculo visual repleto de escenas de acción”, de Frank Scheck, The Hollywood Reporter.

“Francamente, no es muy divertida. La película se ve lastrada por un argumento carente de sentido que se supone tiene algo que ver con cómo los niños asumen la pérdida de un ser querido”, de G. Allen Johnson, San Francisco Chronicle.

2.- HELLBOY, de Neil Marshall. Con David Harbour, Milla Jovovich. David Harbour viene de componer al policía de “Stranger Things”, teniendo en esta remake la obligación de derrotar al maligno “Nimue”, que viene de la época del Rey Arturo. Es femenina y está encarnada por la bella Milla Jovovich, acostumbrada a roles de este tipo. El film iba a contar con la producción y dirección de Guillermo del Toro, quien deseaba completar su trilogía con esta película (las anteriores fueron Hellboy, y Hellboy El ejército dorado). Desinteligencias lo apartaron del proyecto y el actor Harbour, sin gran cartel, logró ese notable ascenso. La película del antihéroe rojizo se vuelca a la violencia y al “gore”

 

VIVIENDO CON EL ENEMIGO

De James Kent. Con Keira Knightley, Alexander Skarsgard, Jason Clarke, Kate Phillips, entre otros. Guion basada en la novela de Rhidian Brook, The Aftermath, éxito del 2013, quien también participó en la producción. Fotografía de Franz Lustig. Música de  Martin Phipps. Duración: 109 minutos. Reino Unido.

XXXXX- MUCHA PRODUCCIÓN, POCA PASIÓN

“Viviendo con el enemigo” es excesivamente edulcorada pero desangelada. Esta curiosa simbiosis tiene un diseño de arte tan estupendo que, por momentos, las secuencias parecen cuadros. Fuera de esto, el triángulo amoroso previsible carece de carisma, encanto. Y se asiste a un buen relato sin pasión, como si se tratase de un buen postre. Nada más.

Sin embargo, hurgando en la historia, tiene visos muy reales: el escritor y guionista Rhidian Brook se inspiró en una historia de su abuelo: William Brook, coronel de la fuerza inglesia, fue enviado a Hamburgo apenas terminó la Segunda Guerra Mundial para colaborar en la reconstrucción (la ciudad había quedado destruida por los bombardeos de los aliados). Allí se le dio una casa que tenía como dueños a una pareja de alemanes. Brook les permitió quedarse e iniciaron una relación amigable.

En el caso del film, sucede lo mismo. El coronel Lewis, inglés (encarnado por el australiano Jason Clarke), es enviado a Hamburgo y, poco después, se suma su esposa, Rachael (Keira Knightley) desde Inglaterra. Le dan una mansión en las afueras de Hamburgo, en la que vive un arquitecto alemán junto a su hija, viudo dado que su esposa falleció bajo el bombardeo aliado. La incomodidad de Rachael ante la presencia alemana es inocultable. Es quizás en estas secuencias, muy lentas y detalladas, donde el director James Kent hace pie. Knightley siempre es fascinante como mujer y como actriz.

El alemán Lubert está encarnado por el sueco Alexander Skarsgard, intrigante y merodeador de la inquilina a la que ha debido darle su mansión. Lewis, en cambio, está muy ocupado por las revueltas en la calle contra las tropas inglesas y la hambruna. Los ataques son constantes así como los ingleses fusilan a  los alemanes a quemarropa de la misma manera que los Nazis.

Si se quiso mostrar que ni vencedores ni vencidos fueron justos, se logró ampliamente. Lo que no está logrado es la relación entre Rachael y Lubert, muy esquemática: más que pasión, los personajes parecen unidos por las circunstancias, la soledad de cada uno de ellos, y los recuerdos dolorosos. Lubert está viudo y Rachael y su marido perdieron a su único hijo. El realizador Kent sigue pasos previsibles en estas historias controvertidas y humanas también. Gary Cooper Y Audrey Hepburn son los únicos que pudieron abordar un tren en movimiento fascinando a la audiencia por el carisma que transmitieron. Estamos frente a un gran fiasco amoroso en un melodrama que cuenta con una reconstrucción de época (Hamburgo en 1945) estupenda. Algo de tensión, mucho arte en producción y poco amor. Se tolera.

Elsa Bragato

 

LA ÚLTIMA LOCURA DE LA SEÑORA DARLING

De Julie Bertucelli. Con Catherine Denueve, Chiara Mastroianni, Alice Taglioni, Samir Guesmi, entre otros. Fotografía de Irina Lubtchansky. Guión de Bertucello, Fillieres, Doussot, Desert, sobre la novela de Lynda Rutledge (Fatih Bass Darling s Last Garage Sale). Duración: 94 minutos.

XXXXX-GRAN ACTUACIÓN DE CATHERINE DENEUVE  +

Ternura y sinceridad hay en este típico guion francés, tomado de la novela homónica de Lynda Rutledge, con diálogos sobre la vida y la muerte tratados sin dramatismo, cotidianos pero punzantes. Catherine Deneuve encarna a una mujer mayor que padece de olvidos benignos seniles. Un buen día decide poner en venta sus preciados tesoros (autómatas de comienzos del siglo XX, relojes muy antiguos, muebles de sus abuelos) en el jardín frente a su mansión, ubicada en Verderonne, un pueblo de Oisé, cercano a la ciudad de París. Todo lo vende por nada, por dos o tres euros o, como sumo, 20. Les da un valor pecuniario para que la gente piense en que adquirió una “ganga afectiva”. Todo tiene un porqué: no ve desde hace 20 años a su hija Marie, un hijo ha fallecido, está sola, y ha decidido que ése es el último día de su vida. Quiere saber qué hay en el más allá, siente que Dios se lo dijo y por ello convoca al párroco del pueblo, Georges, a quien le pide un exorcismo. Quiere morir en paz. Aunque nada hace pensar que, aunque mayor, se vaya a morir.

El rostro de Deneuve, considerada la “imagen” del cine francés, tanto como Brigitte Bardot, tiene una gestualidad asombrosa para mostrarnos que esa mujer padece de olvidos, que no recuerda sino al rato el rostro de los vecinos que se acercan a comprar y que tiene recuerdos vívidos de toda su vida.

En este sentido, hay que resaltar el trabajo de Alicia Taglioni, con una impronta física muy parecida a Catherine Deneuve, quien la encarna en su juventud. El pasado tiene culpas y poco perdón. Claire Darling se siente sumida en un mundo que ya no acepta: su marido y su hijo están “del otro lado”. Claire quiere partir. Pero llega su hija Marie, encarnada por el retrato viviente del gran Marcello Mastroianni: su hija Chiara, fruto de su unión con Deneuve. Así como son madre e hija en la vida real, Catherine y Chiara son madre e hija en la ficción, nada más real, más sentido, más emotivo que verlas actuar juntas.

Sublime actuación de Deneuve, emotiva y profesional Chiara Mastroianni, un binomio que da profundo placer verlo actuar. Juntas, en la vida real y en la ficción. Muy buena película a pesar del convencional final con una fotografía que solo con un artilugio de color va al pasado en un presente vívido de ambas protagonistas mujeres.

Elsa Bragato

 

HOJAS VERDES DE OTOÑO

De Fabio Junco y Julio Midú. Con Mimí Ardú, Osvaldo Santoro, Marcelo Subiotto, el debut de Bautista Midú, entre otros. Guion de Junco y Midú. Música de Pablo Fullerat. Duración: 104 minutos.

XXXXX- INTENSO DRAMA FAMILIAR

El “Cine con vecinos” es un polo creativo que surgió en Saladillo para el cine y la televisión. Fabio Junco y Julio Midú han sido los pilares de este movimiento cultural que involucra a toda una comunidad. En “Hojas verdes de Otoño”, el drama de un matrimonio desavenido (Mimí Ardú y Marcelo Subiotto) por el alcoholismo y la infidelidad de él, dos hijos varones que encuentran consuelo en los abuelos (Osvaldo Santoro y Pochi Ducasse), y la cotidianeidad sin esperanza alguna, son los elementos fundamentales de una trama que conmueve.

Todo el peso de la existencia sobre sí lo tiene Dante, encarnado por el jovencito Bautista Midú cuya vida tiene una pequeña luz de esperanza: el amor de la compañera chica del colegio que pareciera escurrírsele. El resto de su tiempo es hacerse cargo de su padre, de su madre, querer salir de un círculo que lo asfixia y que, sin embargo, enfrenta buscándole alguna solución.

La vida dura de todos los días, la carencia de estímulos para grandes y chicos, son las características de esta familia en particular. En ella, Junco y Midú retratan la desolación de sociedades alejadas del centro neurálgico de la acción. Cada personaje tiene su verdad, su dolor, su frustración y apenas la esperanza que, en Dante, es mayor: la chica de sus sueños.

El relato conmueve profundamente: esa ausencia del mañana, de futuro, ese estar en un presente árido, marcan el ritmo narrativo. En lo formal, la fotografía tiene fuerza, siendo una protagonista más para hilvanar la historia propuesta. En cuando a la música, resulta un desatino la canción en inglés del final cuando se está hurgando nuestras propias entrañas.

Elsa Bragato

 

LUCHANDO CON MI FAMILIA

De Stephern Marchand. Con Florence Pugh, Vince Vaughn, Dwayne Johnson, Nick Frost, entre otros. Fotografía de Remi Adefarasin. Música de Vik Sharma. Duración: 108 minutos.

 

XXXXX-HISTORIA REAL SOBRE UNA LUCHADORA INGLESA

Es tan verosímil que, aún siendo más que convencional, atrapa y agrada. La biografía de Saraya-Jade Bevis, oriunda de Nortwich, Inglaterra, quien acaba de abandonar la lucha libre, muestra la vida cotidiana de toda una familia dedicada a la lucha libre: desde el padre que salió de la cárcel y encontró en esta actividad su redención hasta la más jovencita, Saraya, que es entrenada por su hermano mayor Zac. Ambos sueñan con llegar a Estados Unidos y pertenecer a la WWE. Zac es rechazado, forma su hogar, y Saraya, que se llamará de ahora en más Paige o Britani Knight, se enfrentará en el campo de entrenamiento ubicado en La Florida a situaciones límites que la harán volver sobre sus decisiones. La fiereza por celos de su hermano Zac le mostrará dónde está su real camino.

Dwayne Johnson hace de sí mismo, comenzó su carrera como forzudo de lucha libre al mejor estilo del recordado Karadagián, hasta llegar al cine. Vince Vaught, actor de comedias y teatro, es el entrenador que no admite debilidades ni modales “a lo british”. Las mujeres que se entrenan no son “féminas” sino cuerpos humanos tratados como soldados que van a la guerra.

En estas idas y venidas de rings, de la familia que espera a Paige, del bullying por su aspecto “dark”, y de entrenamientos agotadores, la historia entretiene sin que la atención decaiga, su mayor logro. Sin vueltas de guion ni complicaciones efectistas, “Luchando con la familia” cumple exactamente lo que pregona: la vida de una joven mujer que se gana la vida en la lucha libre y además participa de los torneos familiares en su “freak” Nortwick. Florence Pugh es una muy joven actriz inglesa que da vida a Saraya.Jade Bevis bajo su supervisión. Sus dos hermanos, su cuñada, su pequeño sobrino, y sus padres conforman el mundo que quiere y al que ayuda con su trabajo. Muy interesante propuesta, más allá de los clishés. La actuación de Florence Pugh nos hace perdonar todo!

Elsa Bragato

 

AFTER

Dirección: Jenny Gage. Basado en la saga ‘After’ de la escritora estadounidense Anna Todd. Con Hero Fiennes Tiffin, Josephine Langford, Selma Blair, Jennifer Beals, Peter Gallagher, Meadow Williams, entre otros. Música: Justin Caine Burner. Fotografía: Tom Betterton.                                                     Duración: 100 minutos.

 

XXXXX-PARA CHICOS DEL NUEVO MILENIO

Anna Todd es una joven escritora estadounidense que, con 30 años, conoce el descomunal éxito de una “app online” llamada Wattpad, con más de mil millones de lecturas. “After” es, hoy en día, una saga de cinco libros, con récords de venta a nivel internacional. Todd es, entonces, la nueva escritora de la “fan fiction”. Pero no quedó en el iniciático FanFic de One Direction sino que ‘After, aquí empieza todo” alcanzó la pantalla grande dando así el puntapié inicial para que pronto se le sumen las cuatro restantes novelas (En mil pedazos, Almas perdidas, Amor infinito, Antes de ella). La escritora responde a los tips de los jóvenes actuales: se inspiró en el grupo One Direction cuando creaba imágenes punk editando fotos donde se veía a sus integrantes con muchos tatuajes. Este impulso quasi “musical” le permitió a Anne Todd iniciar su “fanfic online”.

En sí, esta película es un viaje de autodescubrimiento y del despertar sexual de la joven estudiante Tessa Young (Josephine Langford) quien ingresa en la universidad para estudiar economía. Su madre (Selma Blair) hizo un gran esfuerzo para que su única hija pueda tener el ansiado título universitario. Durante el primer año conoce a Hardin Scott (Hero Fiennes Tiffin), misterioso joven de oscuro pasado. Los jóvenes tienen un comienzo de choques, vienen de mundos diferentes, y solo al enfrentarse en difíciles pruebas sentirán la necesidad del descubrimiento sexual y del amor por el otro. La realizadora y escritora Jenny Gage crea una atmósfera almibarada aún dentro de las premisas actuales de la vida “online”. Desde ya que la película está destinada a los adolescentes, y a los jóvenes no mayores de 20 años, impulsivos, con vida estudiantil y de “after hours”, amores sorpresivos y desencantos por igual. Prohibido mirar con ojos adultos esta singular historia del siglo XXI!

Carlos Pierre

 

JUEVES 4 DE ABRIL DEL 2019.-

Tres estrenos muy potables llegan a las salas de cine de todo el país. El nuevo “niño rebelde” “Shazham”, “Cementerio de Mascotas” y “4 X 4”, la nacional con Peter Lanzani en otro gran rol.

 

CEMENTERIO DE ANIMALES

De Kevin Kolsch y Dennis Widmyer. Con Jason Clarke, John Lithgow, Amy Seimetz, entre otros. Fotografía de Laurie Rose. Edición de Sarah Broshar. Guion basado en la novela de Stephen King. Duración: 101 minutos.

XXXXX-MASCOTAS EN PIE DE GUERRA

Tres décadas después regresa la terrorífica historia de las mascotas enterradas en un cementerio que, un tanto cercano a la zona residencial, hace temblar, y algo más…, al vecindario. Basada en la novela de Stephen King, que llamara “Pet Sematary”, vocablo que contiene errores pero que así fue editado.

En el film de Mary Lambert, especialista en videos musicales (los principales de Madonna), de 1989, la familia Creed viviría circunstancias muy especiales y dolorosas, con una invocación al “revivir” que sería fatal. A diferencia del libro de Stephen King de 1983, el final de la película no fue abierto. En el caso de la actual versión, dos directores dan el gran salto en el cine de género: Kolsch y Widmyer se basan en la novela original pero se apartan del efectivismo del terror actual. El terror surge a partir del trabajo narrativo, la creación de atmósferas, la solidez en la dirección actoral, descollando nuesto conocido John Lithgow. No ocupa la pantalla pero dará que hablar…

Las mascotas se transforman en nuestra conciencia: los temores más densos están personificadas en ellas; “Church” sobresale y sobresalta. Y nada más porque haríamos “spoiler”. Para fans.

Elsa Bragato

 

4x4

Dirección: Mariano Cohn. Guion: Mariano Cohn y Gastón Duprat. Fotografía: Kiko de la Rica. Supervisor de Sonido: Oriol Tarragó. Diseño de Sonido: Albert Ribas. Música: Dante Spinetta. Duración: 90 minutos. Argentina-España. Con Peter Lanzani, Dady Brieva, Luis Brandoni, entre otros.

XXXXX-THRILLER CON BAJADA DE LÍNEA

La historia se desarrolla en una calle de barrio de Buenos Aires muy poco transitada donde está estacionada una lujosa y moderna 4x4. “Ciro” (Peter Lanzani) es un ladronzuelo que una vez más sabe cómo ingresar a ese vehículo. Pero esta vez no podrá salir. El doctor “Enrique Ferrari” (Dady Brieva) es su dueño y pergeñó un plan para darle un gran escarmiento al ladrón. Es un plan sofisticado que enloquecerá aún más a “Ciro” que el propio encierro. Para “Ferrari” no hay nada que perder: solo le queda un año de vida.

El trabajo de Peter Lanzani, martirizado ladronzuelo, es superlativo. Tiene notables exigencias actorales que cubre con solvencia y profesionalismo. El film, en sí mismo, es claustrofóbico en primera instancia, horas dentro de una amplia camioneta, hambre, sed. Agobio, falta de aire, el ser humano expuesto a sí mismo sin ninguna ayuda. Tampoco es una novedad el tema (recordemos, entre otros films, “127 horas”, del 2010). Se valora la elección del trío protagonista así como el diseño de producción y de arte, así como la supervisión de sonido y de la fotografía: dirección de Mariano Cohn (El hombre de al lado), fotografía de Kiko de la Rica (La comunidad) y sonido de Priol Tarragó (El orfanato).

Respecto del fondo, los subtemas subliminales son demasiados, convocando a posiciones encontradas sobre la inseguridad y las diferencias socioeconómicas. Por eso resulta muy polémico el producto final: la contraposición de opiniones supuestas de una sociedad sobre los temas que se exponen abren un debate superficial dado que nadie puede resolverlos. La bajada de línea está. 

Carlos Pierre

 

SHAZAM!

De David F Sandberg. Con Zachary Levi, Asher Angel, Jack Dylan Grazer, Mark Strong, Grace Fulton, Michelle Borth, Adam Brody, Ava Preston, entre muchos otros.  Fotografía de Maxime Alexandre. Música de Benjamín Wallfisch. Duración: 132 minutos.

XXXXX-GRANDOTE CON CORAZÓN DE PIBE

A DC le llegó su “Deadpool”, es decir, este superhéroe de Fox ahora tiene su émulo, en alguna medida, en Shazam, de Warner-DC, entretenida historia que llega al cine luego de un glorioso pasado en cómics y alguna que otra serie de TV. Un niño de 14 años llamado Billy Butson (Asher Angel) suele gritar la palabra “Shazam” y, gracias al regalo de un mago, se transforma en un superhéroe adulto (Zachary Levi) con capacidad para realizar todo lo inimaginable que uno quiere. O sueña. Aún con cuerpo adulto, y muy atractivo porte, el corazón del superhéroe sigue siendo el del niño de 14 años por lo que se une de manera muy lograda la ingenuidad del adolescente con la fuerza del adulto. “Shazam”, como tal, quiere llevar al límite sus  posibilidades entre divertido y asombrado por sus poderes. Le espera un serio enfrentamiento con el mal, encarnado por el doctor Thaddeus Sivana (Mark Strong).

Recordemos que el personaje fue creado en 1939 y que ya atraía a los pibes desde 1940 a través de los cómics de entonces. Se sumó a Flash Gordon (1934) y Superman (creado en 1932). Todos tenían el espíritu ganador que se requería luego de la Primera Guerra Mundial y con algunos avisos certeros sobre la Segunda.

Volviendo al film, su secreto está en la agilidad de la historia luego de las primeras secuencias. Luego se agiliza hasta regalar una serie de secuencias ligeras, atrevidas y divertidas. Sin hincar el diente en la psicología del personaje, innecesario a los fines buscados, David F. Sandberg logra una película con un personaje desbordante que puede ser el nuevo superhéroe de chicos y grandes en el cine. Aún con puerilidad, Shazam atrapa por el artificio logrado con tecnología e ingenio: el paso de “Billy” a “Shazam” es imperceptible por lo que nos creemos desde el vamos la conversión del personaje! Y… no se vayan de la sala porque hay algo más luego de los créditos!!!!!!

Elsa Bragato

 

1)      Van Gogh en la puerta de la eternidad, de Julian Schnabel. Con Willem Dafoe, Rupert Friend. Oscar Isaac.

Trailer

https://youtu.be/hYxfgqiQ68Q

“Casual y cautivadora… Una biopic celebratoria que fluye intuitivamente, una película que es omo un girasol que estalla”, de Own Gleiberman, Variety.

“Sumerge al espectador en la mente atormentada de su sujeto, gracias en gran parte a la intensidad febril que aporta Dafoe al papel”, de David Rooney, The Hollywood Reporter.

 

PALAU

De Kevin Knoblock. Con Gastón Pauls, Santiago Achaga, Michel Nocher, Agustín Amoedo, Alexandra Bard, entre otros. Fotografía de Dan Rubottom. Música de Iván Gutiérrez Carrasquillo. Duración: 130 minutos.

XXXXX- BIOPIC DE UN LÍDER ARGENTINO-NORTEAMERICANO

“Palau” revela a la mayoría de nosotros que el evangelizador Luis Palau nació cerca de la Ciudad de Buenos Aires, en Ingeniero Maschwitz, y siendo muy joven se radicó en los Estados Unidos donde siguió los pasos de Billy Graham, a quien admiró. Es considerado el evangelizador más poderoso del mundo por haber llegado a millones de personas en casi 100 países a través de sus “Festivales Palau”. Se casó en 1961 con la norteamericana Patricia Scofield, con quien tuvo cuatro hijos. Se radicó desde el comienzo en Oregon, donde continúa viviendo junto a su mujer y su familia.

Luis Palau colaboró en este film con su voz en off en algunas secuencias y también con un mensaje cristiano en el final. Esto determina el target de su público: no es un film para todos sino para aquellos que son cristianos, prima facie. Lo más logrado es la fotografía de Dan Rubottom, virada al sepia, con una iluminación excelente que envuelve a todos. El diseño de arte también es otro logro. La película es hablada en castellano y en inglés y está filmada en casonas de gran lujo.

Gastón Paul, con ultramaquillaje para transformarlo en un joven adulto, habla fluidamente inglés, resulta creíble. Por momentos, hay secuencias que, aunque vagamente, nos recuerdan a “Milk” con el gran Sean Penn, especialmente cuando Palau da su primera conferencia internacional en 1966 en Bogotá, Colombia. Michel Noher es otro de nuestros conocidos en un rol secundario que no le permite desarrollo actoral. El resto del elenco, entre actores extranjeros y nacionales, resulta muy impostado en sus parlamentos, siendo éstos declamativos y pueriles. A mitad de la narración, ésta se transforma en decididamente religiosa, perdiendo la línea biográfica inicial. Decae el protagónico perdiendo el clima intimista alcanzado. La película sigue decididamente la línea política de Ronald Reagan y de George W. Bush.

Elsa Bragato

 

CHACO

De Daniele Incalcaterra y Fausta Quattrini. Documental sobre el Chaco Paraguayo, continuación de “El impenetrable”, 2012. Duración: 111 minutos. Argentina-Italia.

XXXXX- INTENSO THRILLER DOCUMENTAL SOBRE LA NATURALEZA Y SUS DERECHOS

El director Daniel Incalcaterra y su esposa, la suiza Fausta Quattini, continúan a manera de thriller con la historia de “El impenetrable”, del que van quedando pocas hectáreas. Incalcaterra heredó 5000 hectáreas del Chaco paraguayo de su padre, un rectángulo en medio de tierras arrasadas por los dueños de la soja. La tierra heredada fue revendida a sus espaldas durante la dictadura de Stroessner a un uruguayo, Tranquilo Favero, quien ha desterrado a los aborígenes, en este caso los guaraníes Ñandevas, mientras inicia una deforestación con la consiguiente muerte de flora y fauna silvestre. La desesperación de Incalcaterra lo lleva a filmar los pasos legales que fue dando a lo largo de años. En principio, y con cierta ingenuidad sobre la corrupción d e los gobiernos latinoamericanos, logró un decreto del ex presidente del Paraguay Lugo en el que le da el status de Reserva Ecológica con el nombre Arcadia a ese rectángulo de vida natural. Sin embargo, no será respetado ese decreto sino bloqueado.

Los pasos siguientes son agotadores: Incalcaterra tiene el consejo vía Skype de su hermano, Amerigo, para quien la cuestión es más simple: hay que plantar soja o bien cederle a los aborígenes el título de propiedad. La situación es muy difícil. El Estado va cercando a las poblaciones autóctonas conforme se lo piden los terratenientes. Incalcaterra se reúne con fiscales, especialistas en medioambiente, autoridades paraguayas de diversos organismos, y hasta con el ex presidente Lugo, con el fin de lograr un “desbloqueo” de aquel primer decreto y salvar esas hectáreas, cuyo valor es de 2000 dólares anuales cada una.

Hay mucha poesía en la narración a pesar de mostrar los avances policiales y los mitines de los Ñandevas: los “close up” de ramas, flores, araña tejiendo su tela, brotes, en una suerte de 3 D, otorgan al relato el marco referencial, escenográfico, que necesita. Es ese mundo verde, pleno de vida, el que se quiere aniquilar por razones económicas de unos pocos. Hasta el Papa Francisco hizo un llamado al mundo en su discurso final durante su estada en el Paraguay sobre el derecho de los aborígenes y de la naturaleza a permanecer como están por formar parte del universo y no del derecho “global” que se impone por intereses. Excelente. No se lo pierdan.

Elsa Bragato

 

JUEVES 28 DE MARZO DEL 2019.-

Como todos los jueves, hay varios estrenos nacionales; muchos de ellos van directamente a las salas de exhibición. Rescatamos que en cartelera aparecen dos actores nacionales de envergadura: Gastón Pauls y Pablo Echarri. Presentamos comentarios propios y de colegas internacionales de los films confirmados en forma fehaciente a esta sección.

 

DUMBO

Dirección: Tim Burton. Guion: Ehren Kruger. Fotografía: Ben Davis. Montaje: Chris Lebenzon. Vestuario: Colleen Atwood. Con: Colin Farrell, Eva Green, Michael Keaton, Danny De Vito, Alan Arkin,  Nico Parker, Finley Hobbins, Sharon Rooney, Deobia Oparei, entre otros. Música: Danny Elfman. Duración: 120 minutos.

XXXXX-EMOTIVA REMAKE DE UN ENCANTADOR “OREJUDO”!

Un jalón en la historia de los dibujos animados fue la historia de “Dumbo”, un elefante recién nacido de orejas enormes que vivía en un circo muy pobre, luego de la Primera Guerra Mundial. Walt Disney, maestro de la animación, tomó la historia y la transformó en film animado en 1941, imprimiéndole una superlativa emotividad. Más de siete décadas después, el realizador “rebelde” Tim Burton es convocado para la remake de la historia, esta vez con elenco de carne y hueso, tal como viene haciendo la empresa Disney con sus animaciones más famosas (recordar La Cenicienta). Añadimos que Tim Burton es un gran dibujante que inició su carrera a finales de los 70 en la empresa Disney.

Por sobre la historia de Dumbo, tan emotiva, se rescatan diferencias con la original de Walt Disney de tan solo 64 minutos de duración, es decir, lo mínimo indispensable para ser un largometraje. Burton toma 120 minutos para su narración, donde se añaden la parafernalia tecnológica actual y la superproducción, léase inversión. El elenco es convocante: Colin Farrell encarna al legendario domador de caballos, Danny de Vito es el dueño del circo; Michael Keaton, el cruel empresario, mientras que Eva Green es la trapecista francesa, Alan Arkin compone al magnate de Wall Street, y los niños actores Nico Parker y Finley Hobbins completan los rubros protagónicos. Dumbo surge a partir de la unión de tomas de elefantitos reales y procesos de computación, una mixtura de resultado maravilloso.

La propuesta de Tim Burton es clásica, dotada de una enorme emotividad. Desde el bullying que sufre el elefante bebé por tener orejas insólitamente grandes hasta la separación traumática de su mamá. Pero el objetivo del film se cumple en secuencias fundamentales, diferentes a las originales, que no podemos revelar. Y que incluyen a esta remake dentro de los parámetros de vida actuales, que intentan ser menos crueles.

La banda sonora está a cargo de Danny Elfman, un compositor muy requerido por la empresa Walt Disney, quien tiene una paleta instrumental brillante, coronada por sugerentes coros. La incidencia musical apoya sustantivamente el relato, junto a la estupenda recreación de época. Dumbo está de regreso en una versión inolvidable!!!!!

Carlos Pierre

 

 

LA REBELIÓN

Dirección: Rupert Wyatt. Fotografía: Alex Disenhof. Guion: Erica Beeney y Rupert Wyatt. Con John Goodman, Ashton Sanders, Vera Farmiga, Madeline Brewer, entre otros. Música: Rob Simonsen. Duración: 109 minutos.

XXXXX-FALLIDO INTENTO DE CIENCIA FICCIÓN

La historia se ubica en un barrio de Chicago, zona cautiva desde hace 10 años por una fuerza extraterrestre. Los habitantes están divididos en sus opiniones: la mayoría colabora con esta suerte de estado de sitio, mientras que el resto, un puñado de disidentes, quieren liberar al mundo de esos insectos amorfos. No se discuten las buenas ideas que tiene el guion pero son tantas que confunden. Tampoco se discute la audacia de mezclar ciencia ficción y thriller. Pero… carece de definición formal y de fondo. Los insectos alienígenas casi no aparecen, no horrorizan!, por lo que se produce una extraña mixtura que frustra el producto final: nada de lo expuesto alcanza para conformar una acabada película de ciencia ficción. Híbrido intento de inquietarnos a través de algo diferente que, en definitiva, no lo es.

Carlos Pierre

 

 

LAS DOS REINAS

De Josie Rourke. Con Saoirse Ronan, Margot Robbie, Joe Alwyn, Jack Lowden, entre otros. Fotografía de John Mathieson. Música de Max Richter. Duración: 124 minutos. Reino Unido.

XXXXX-LA REINA QUE SE SENTÍA HOMBRE Y SU BELLA PRIMA ESCOCESA

La historia de las reinas británicas está interesando al séptimo arte. “La favorita” nos enfrentó a una sofisticada versión de la biografía de Ana Estuardo, sucesora de María Estuardo sobre quien trata esta película dirigida por Josie Rourke.

La película nos lleva al siglo XVII, cuando María Stuart (Estuardo) se enfrenta a su prima, Isabel I, última representante de la casa Tudor, que originó el llamado “período isabelino” por el mecenazgo a las artes. William Shakesperare, Christophe Marlowe, entre otros, desfilaron por este reinado. La narración no pasa de ser un melodrama romántico basado especialmente en las decisiones amorosas de cada reina más que en los violentos períodos que se vivían.

María llega de Francia a Escocia, donde nació dentro de la fe católica. Quiere recuperar su trono enfrentando a su prima, Isabel, que reina bajo la fe anglicana. Ambas mujeres tratarán de engañarse mutuamente con “enviados amorosos”. Isabel será la reina “virgen”, sin descendencia, mientras que María logrará tener un hijo de un hombre que la traicionará. Hay secuencias de asesinatos realmente feroces, impactantes, así como escenas de sexo muy extensas aunque sugeridas.

Si hablamos del “empoderamiento femenino”, tal como se muestra, lo que vemos es atentatorio contra el mismo porque las dos mujeres en pugna sucumbieron a sus instintos y sus asesores, si bien en la lucha Isabel I logró subsistir durante 45 años en el reinado. Bajo su lema: “Me siento más hombre que mujer”:.  La fotografía de exteriores, ceñida a locaciones muy específicas de Escocia, le da aire a un film que se maneja preferentemente en cuartos alumbrados por velas. Hay maestría en estas secuencias, con cierto dejo al gran Rembrandt. Pero es la historia la que no crece, la que no logra vuelo, la que permanece en esta rencilla femenina de amores, hijos y traiciones palaciegas, teñidas de erotismo no virtuoso. La realización no va de la mano con el guion, atado a convenciones.

Elsa Bragato

 

 

CANDOMBEROS DE DOS ORILLAS

De Ernesto Gut. Documental sobre el candombe uruguayo y su traslado a Buenos Aires.

XXXXX-HACEDORES RIOPLATENSES DEL CANDOMBE

Fantástico documental sobre el candombe y sus raíces tanto en el Uruguay como en nuestro país. Claro está, mientras que en el país hermano tiene vigencia en los carnavales, en las denominadas “Llamadas” y en murgas centenarias, en Buenos Aires se ha perdido hace mucho tiempo el sentido de esta fiesta mundial, que tiene grandes exponentes en Venecia y en el Brasil, así como en las provincias de Corrientes, Entre Ríos y San Luis, con notables comparsas.

Ernesto Gut busca a los afrodescendientes uruguayos que anclaron en La Boca durante los 70 escapando a la represión de la dictadura militar. Han mantenido la tradición de los tambores, se reúnen para relatar sus vidas y experiencias, arman murgas que, en ese barrio porteño, tienen gran trascendencia social. Hay otra parte del documental que busca, en Montevideo, a los representantes actuales del candombe y los tamboriles. Los testimonios en una y otra ciudad son valiosísimos: así conocemos a Fernando ‘Lobo’ Núñez, luthier de tambores que explica cómo se hacen: antes, con los barriles de las productoras de vino. Hoy con tablones de madera a los que hay que saber “arquear”. Muchas son las figuras invitadas: Chabela Ramírez, José Perico Gularte, Juan Prieto, Ricardo Montoro, entre muchos otros. El valor de este documental también reside en la inclusión de films de la época y en la técnica de “fotos en movimiento”, que permitió recuperar escenas del conventillo Medio Mundo, por ejemplo.

Gran trabajo de rescate histórico realizaron Ernesto Gut y su equipo. Vale la pena difundir este material por su valor sociocultural. No se lo pierda!

Elsa Bragato

 

 

EL KIOSKO

De Pablo González Pérez. Con Pablo Echarri, Roly Serrano, Georgina Barbarossa, Mario Alarcón, entre otros. Fotografía de Emiliano Penelas. Música de Carlos Ramírez Mendoza. Duración: 94 minutos.

XXXXX-CON LA SOGA AL CUELLO

En verdad, este relato lineal que ofrece Pablo González Pérez se ajusta a la realidad actual de la mayoría de los argentinos que tienen un pequeño negocio. No se pueden pagar las deudas, no se vende, y, si para colmo se cierra la calle donde está ubicado el pequeño negocio barrial para hacer un túnel, la vida comercial muere literalmente para los negociantes durante todo el tiempo que dure la obra. En esta situación se ve “Mariano”, el personaje de Pablo Echarri quien regresa a la pantalla grande con otro papel en el que es más que solvente pero dentro de un guion chato, aunque tenga una prolija realización. La suegra está encarnada por Georgina Barbarossa, con muchos tics televisivos pero, en verdad, sólida y creíble como siempre, mientras que el vendedor del kiosco es Mario Alarcón, muy bien en su rol, y el amigo cercano de Mariano es el dueño de la pizzería cercana, que Roly Serrano despliega como nadie, con simpatía y picardía.

Es decir, el elenco carga con el peso de una historia que no ofrece mucho más a nivel cinematográfico. Como siempre, los guiones pueden resultar interesantes, pero, sin duda alguna, hay falta de clima, de una atmósfera que altere un poco el orden de las secuencias pero nos meta de una en una historia con algo de thriller.

Elsa Bragato

 

 

LA GUARIDA DEL LOBO

Guion y dirección de Alex Tossenberger. Con Gastón Pauls, José Luis Gioia y Víctor Laplace, entre otros. Fotografía de Mariano Cúneo. Música de Diego Sánchez. Duración: 93 minutos.

XXXXX-INTENSO WESTERN PATAGÓNICO

Una estrellita más le ponemos a “La guarida del lobo”, filmada en Ushuaia y Tierra del Fuego, en general. El lugar permite una fotografía imponente que genera un clima intenso, lúgubre por momentos, y siniestro en otros. José Luis Gioia, “Toco”, en otro gran papel de su carrera, encarna al viejo que vive en soledad cuidando de sus perros de trineo y que, un buen día, salva a un joven, Vicente (Gastón Pauls) accidentado en el congelado bosque. Toco no quiere vender las 10,000 hectáreas que posee porque allí murió su esposa y allí quiere morir él junto a sus perros. Pero hay un merodeador, que encarna un sólido Víctor Laplace, que no lo deja en paz porque esas tierras las quiere tener para sí.

En todo el transcurso de la narración, muy bien filmada aún en interiores, los diálogos son creíbles y van generando, en su aparente simpleza, la sensación de que algo debe pasar. El thriller se avecina y será muy fuerte.

Buena película, interesante, donde nadie es lo que aparenta. Resaltamos la madurez actoral de Gastón Pauls, a quien no veíamos desde hace tiempo en un papel tan jugado. Muy interesante propuesta.

ELSA BRAGATO

 

Están previstos también los estrenos de “Belmonte”, coproducción Uruguay-España, que filmó Federico Veiroj y “Los papeles de Aspern”, de Julien Landais, del Reino Unido, film de época, basada en la novela corta de Henry James.

 

 

JUEVES 21 DE MARZO DEL 2019.-

Pocos estrenos en relación a otros jueves. Destacamos el film “Un ladrón de estilo” que marca el retiro de las pantallas de un galán y actor como Robert Redford, uno de los más importantes difusores del cine independiente a partir de la creación del Sundance Festival en la década del 70, y “Nosotros”, de Jordan Peele, un film de terror no convencional. Se anuncia también el reestreno de “Batman”. Los cambios en la programación exceden a quienes firman esta sección y al sitio Actoresonline.com

 

UN LADRÓN CON ESTILO

Dirección: David Lowery. Guion: David Lowery y David Grann. Con Robert Redford, Sissy Spacek, Casey Affleck, Danny Glover, Tika Sumpter, Elisabeth Moss, entre otros. Fotografía: Joe Anderson. Música: Daniel Hart. Duración: 93 minutos.

XXXXX- EXCELENCIA EN LA DESPEDIDA DE ROBERT REDFORD

Más que acertada elección de Robert Redford como protagonista y productor de “Un ladrón con estilo”, basada en la historia real de Forrest Tucker, singular ladrón de bancos que pasó la mayor parte de su vida en la cárcel e intentando escapar de ella, entre otras, la de San Quintín, situada en medio de un mar surcado por tiburones en la bahía de San Francisco. De hecho, logró fugarse en 18 ocasiones cometiendo su último atraco en el año 2000 cuando tenía 80 años (Redford tiene 82).

Con su andar cansino y aplomado, con el rostro surcado por arrugas, Robert Redford decidió retirarse de su rutilante trayectoria cinematográfica componiendo a un ladrón con “estilo”, un “otro yo” que le va al dedillo. Resulta fascinante la química que establece con la actriz Sissy Spacek para dar vida a una relación amorosa fascinante, con pausas sugerentes con dinámica emotiva, especial, de dos enormes profesionales. El elenco es uno de los plus de este film, incluyendo a Casey Affleck como el detective que le sigue los pasos y a Danny Glover como el ayudante de los atracos.

La narración planteada por Lowery cabalga entre la persecución policial y el amor entre los protagonistas, derrocha clima fascinante, atrapante. La elegancia y el encanto de Redford para organizar sus “trabajos”, en los que solo mostraba el arma en forma subrepticia, subyuga en forma inmediata. Es una de esas despedidas que se tornan en tristes en forma inmediata. Se tiene la impresión de que el director y actor podía trabajar mucho tiempo más como sus más reconocidos colegas, Clint Eastwood por ejemplo. De todas maneras, “The old man y the gun” es un cierre de carrera estupendo, hay excelencia actoral y refinada estética cinematográfica, incluyendo la música incidental de Daniel Hart quien, con un ensemble de cuerdas, apoya adecuadamente las secuencias. Robert Redford ha cosechado premios y nominaciones de los Oscars y Globos de Oro, ha sido reconocido internacionalmente como un gran ecologista y un estupendo maestro de cine.

Carlos Pierre

 

NOSOTROS (US)

De Jordan Peele. Con Lupita Nyong’o, Elizabeth Moss, Winston Duke, Tim Herdecker, Yahya Abdul-Mateen II, Anna Diop. Música de Michael Abels. Fotografía de Mike Gioulakis. Duración: 120 minutos.

XXXXX-AMPULOSO RELATO SANGRIENTO

Tremendo y sorpresivo viraje al “gore” de este segundo largometraje de Jordan Peele, quien ganara el Oscar en el 2018 por “mejor guion original” (“Huye”). Lupita Nyong’o, también “oscarizada” como “mejor actriz de reparto” en el 2014 por “12 años de esclavitud”, encarna a una madre, Adelaida Wilson, que padeció un hecho paranormal en su niñez y siente que la persigue. Está casada, tiene dos hijos pequeños, y vive sobresaltada por “algo” que pronto se corporizará: los “otros yo” de los seres humanos, o sea, las “sombras” de cada uno de nosotros, “linkeadas” a nuestros cuerpos. Estas sombras deciden liberarse y allí comienza una brutal narración sangrienta, que no deja respiro alguno.

Jordan Peele marca la diferencia en las películas de género. El terror a partir del horror está en nosotros mismos, las miserias espirituales nos condenan, desde la prepotencia racial hasta la discriminación. Hay muchos guiños a otros géneros que atenúan la tensión y algunas extravagancias visuales muy expresionistas, para algunos “pop”, que no aportan nada al conflicto.

La narración se torna ágil a partir de la dramaticidad que impone la violencia en una suerte de espiral que no da tregua desde los 45 minutos de película hasta el final. En una de las escenas finales de asesinato (la protagoniza Lupita Nyong’o como “Adelaida” y su “sombra”), la muerte en medio de un baño de sangre impresiona profundamente al estar filmada en detalle, aunque se trate de ficción (una secuencia de las más logradas desde la sangrienta y notable “Taxi driver”). De todas maneras, Jordan Peele aporta mucho más al género del terror que a la especulación sociopolítica. El “combo” resulta un tanto ampuloso.

Elsa Bragato

 

EL CISNE

Guion y dirección de Asa Helga Hjorleifsdottir. Con Grama Valsdottir, Thor Kristjansson, Blaer Johannsdottir, entre otros. Música de Tiina Andrea. Fotografía de Martin Neumeyer. Duración: 91 minutos. Islandia.

XXXXX-EFICAZ CUENTO DEL CINE ISLANDÉS

“El cisne” es toda una curiosidad que llega de Islandia (cinco películas en total, siendo “Rams”, 2015, la última). Su guion está basado en el libro homónimo del islandés Gudbergur Bergsson que retrata la Islandia hostil, la de la campiña. La belleza del lugar invita a pensar que todo es idílico, incluso para la protagonista, una niña de 9 años que debe ir a la casa de una tía de su madre durante el verano para trabajar en el campo (práctica habitual en Islandia para el desarrollo de personalidad de los chicos). Enfrenta un estilo de vida que rechaza profundamente.

La directora Hjorleifsdottir logra una fábula inquisidora sobre la psicología de una jovencita (Sól, encarnada por Grama Valsdóttir), extrañada ante el difícil exterior que la rodea. Es el punto de vista del que parte la historia, otorgándole profundidad a un relato cansino, con buen soporte fotográfico. Sin embargo, esta narración bucólica se quiebra por la secuencia de matanza de animales, donde el sufrimiento de éstos muestran la crueldad humana, ésa que “Sol” presiente y a la que le escapa.

Puede ser que el secreto de esta película, críptica, alegórica, de final aliviador, se pueda resumir en el diálogo que mantiene la protagonista (con un nuevo compañero de cuarto a quien le dice: “Te gustan más las palabras que la gente?” cuando lo ve escribir. En algún lugar de su pensamiento, exaltado por las experiencias que tiene (incluyendo su difícil interrelación con la familia y amistades), siente que ése puede ser un modo de salvarse. Interesante propuesta que cabalga entre los opuestos, lo sutil y lo brutal, lo lírico y lo prosaico, lo onírico y la realidad.

Elsa Bragato

 

YO, MI MUJER Y MI MUJER MUERTA

De Santi Amodeo. Con Oscar Martínez, Carlos Areces, Ingrid García Jonsson, Malena Solda. Un profesor de la universidad queda viudo y no cumple con el último deseo de su mujer en forma inmediata: arrojar sus cenizas en una costa especial de España. Una serie de sucesos extraños lo llevarán a ese país, donde las aventuras y desventuras se sumarán.

*****

Hay varios documentales anunciados: “Yo no me llamo Rubén Blades”, sobre el cantante y compositor Rubén Blades, producción de Panamá. También se agregan “La feliz”, de Valentín Javier Diment, “Un lugar en el tiempo” de Nicolás Purdía y Pablo José Rey, e “Impresiones obreras”, de Hugo Colombini.

 

JUEVES 14 DE MARZO DEL 2019.-

Dos films resultan muy interesantes esta semana. "La decisión" y "María Callas". Entre el material nacional, destacamos "Lobos", el emotivo "Down para Arriba" de Gustavo Garzón y "Foto Estudio Luisita".

 

MARÍA VS CALLAS

Documental de Tom Volf. Montaje y Fotografía: Janice Jones. Música: Jean-Guy Veran. Premios al mejor documental en el festival de Chicago y en el Master de Arte Film Festival. Duración: 113 minutos.

 

XXXXX-LAS DOS CARAS DE UNA DIVA

Documental sobre la diva del Bel Canto María Callas que la muestra fuera del escenario y como Prima Donna apelando a valiosos testimonios, actuaciones, sus triunfos y sus fracasos, matrimonios, divorcios, y cartas íntimas que agregan detalles desconocidos.

No es una biopic completa, pero el documental tiene una particularidad: es dar a conocer el feliz hallazgo de material inédito, obtenido en archivos especiales por el director Tom Volf, que incluyen grabaciones realizadas por los admiradores de la cantante lírica. Este documental le demandó largos cuatro años de preproducción. El material está en Super 8 y 16 mm, filmaciones absolutamente domésticas, obtenidas a lo largo de las giras de María Callas en diferentes partes del mundo.

El objetivo del documental es darnos una visión esclarecedora de una de las personalidades más controvertidas y excepcionales del mundo de la ópera, que incluyen sus propios testimonios, muy fragmentados, sobre personalidades de su tiempo a los que conoció: Pier Paolo Pasolini, Luchino Visconti, Grace Kelly y su gran amor, Aristóteles Onassis. Sin entrar en detalles, se tiene un “pantallazo” de los grandes momentos de su vida, sus frustrados amores, su traspié en Roma durante la ópera “Norma” de Vincenzo Bellini (abandonó la función por un enfriamiento repentino de sus cuerdas vocales). Llama la atención que, a diferencia de otros documentales, no se muestra a la María Callas obesa, a la relación fatídica con su madre, y a la lucha que tuvo con su propio cuerpo para lograr su esbelta figura, la que más se conoce. De todas maneras, es un material muy diferente, atrapante. No deje de verlo.

Carlos Pierre

 

 

LA DECISIÓN

De Vahid Jalilvand. Con Amir Aghaee, Zakieh Behbahani, entre otros. Fotografía de Morteza Pursamadi y Pauman Shadmanfar. Música de Peyman Yazdanian. Duración: 100 minutos.

XXXXX-POTENTE DRAMA SOBRE LA ÉTICA

La ética profesional se pone en tela de juicio en este intenso drama iraní, cuyo título en inglés es ¡No date, no signature”. Valid Jalilvand, nacido en Teherán, logra en éste, su segundo largometraje, un film profundamente conmovedor al pergeñar una narración sin pausa en la historia. Cada secuencia profundiza el dilema de Kaveh Nariman, el médico forense que provoca un accidente en el que está involucrado un niño de 8 años. Al día siguiente, en la morgue donde trabaja, aparece el cadáver de la criatura con quien horas antes estuvo hablando y atendiéndola.

Quién es culpable de esta muerte? El padre, el médico forense? A partir de esta premisa, el realizador iraní elabora dos escenarios: el de los atribulados padres y el del médico. Cada uno de los protagonistas recorre el camino de los hechos vividos, expresando el dolor y la confusión espiritual que sienten. La redención parece estar en un culpable, al que ambas partes buscan con desesperación, en sí mismos y en el afuera.

Drama potente, desgarrador, intenso, sobre la conducta humana, articulado con una demoledora franqueza narrativa .

Elsa Bragato

 

 

LOBOS

De Rodolfo Durán. Con Luciano Cáceres, Daniel Fanego, Alberto Ajaka, César Bordón, entre otros. Fotografía de Mariana Russo. Música de Gabriel Bajarlia. Duración: 91 minutos.

XXXXX- CUANDO EL CRIMEN PAGA

En este séptimo largometraje, el realizador Rodolfo Durán (El karma de Carmen) retrata la vida de la familia Nieto habituada a vivir del crimen. Robos secuestros, extorsiones, les permiten vivir y asegurarse un futuro que, de todas maneras, es incierto. El padre, encarnado por un notable Daniel Fanego, quiere dar un último gran golpe para que su hija Natalia tenga una vida menos estrecha, ayudado por su yerno (Alberto Ajaka). Los “trabajos” se los encarga un comisario corrupto (César Bordón), mientras el hijo menor, Mariano (Luciano Cáceres) ha decidido dejar la delincuencia. Ahora es custodio. No obstante, los Nieto son afables, cariñosos. Nadie diría que los buenos vecinos son verdaderos criminales.

La película de Durán tiene dos claros “tempos”: el comienzo del “gran plan” del padre de familia inicia, a su vez, el policial intenso, bien pergeñado, con actuaciones muy valiosas de sus protagonistas. La narración se hilvana de manera secuencial, el clima de thriller irrumpe, y atrapa. Rodolfo Durán logra su mejor expresión a partir de este momento: la malavida tiene consecuencias, el crimen paga. El título lo explica claramente: el hombre es el lobo del hombre, frase del inglés Thomas Hobbes, síntesis perfecta de la película. Entre el drama familiar y el policial intenso.

 

Elsa Bragato

 

 

1.- ALICIA, de Alejandro Rath. Con Lenor Manso, Patricio Contreras, Paloma Contreras. Narra las vicisitudes de “Alicia” Quien, luego del fallecimiento de su madre, empieza a levantar la casa. Recuerda la batalla mantenida para que la señora dejara el hospital y pudiera morir en su hogar así como otras intensas tribulaciones que tuvo en su vida.

2.-MALIGNO (The prodigy) de Nicholas McCathy, con Taylor Schilling, Colin Feore, Jackson Robert, entre otros. Una madre se preocupa porque cree que su hijo ha sido tomado por una fuerza sobrenatural.

“No es precisamente una película prodigiosa. Su mayor pecado no consiste tanto en no ser nada original como en ser incapaz de llamar nuestra atención, lo que garantiza que nos aburramos pronto de ella”, de Justin Lowe, The Hollywood Reporter.

3.- A DOS METROS DE TI, de Justin Baldoni. Dos jóvenes están internados en un hospital aislados por fibrosis quística. Dos metros es la distancia menor a la que otra persona puede acercárseles. Sin embargo, terminan enamorándose. Intenso melodrama poco original.

 

DOWN PARA ARRIBA

Documental de Gustavo Garzón sobre el grupo “Sin drama de Down”, al que concurren sus dos hijos varones. Con Pablo Plorutti, Luis Despontin, Jonathan Paez, Delfina Esquenazi, Cecilia Tacci, Sebastián Gimeno, Daniel Bacigaluppo, Nadia Israel, Soledad Sosa, Juliana Carcar, Cristian Criscione, Tomás Rousos, Juan y Mariana Garzón. Música de Sin Repuesto. Foto fija de Romina Jamra. Diseño de Títulos de Fidel Sclavo. Filmada en Estudo teatral Onírico y Tierras de Avalon-Canning. Con apoyo del INCAA. Duración: 70 minutos.

 

XXXXX-AMOR Y ENSEÑANZA SUPERADORES

Gustavo Garzón es el realizador de este documental profundamente emotivo y esclarecedor sobre los chicos con síndrome de Down. Es papá de los mellizos Juan y Mariano que tuvo en su matrimonio con la recordada Alicia Zanca, dos bebés que nacieron con este síndrome. Es también el narrador en off que nos cuenta cómo afrontaron la confirmación de los médicos, al principio aterrorizados para luego aprender que es otra forma de ser y que la sensibilidad y el amor pueden obrar milagros. Que estos chicos comprenden a partir de la propia comprensión y no de lo que el exterior quiere imponerles, aún queriéndoles “hacer un bien”.

Lleva a sus hijos a “Sin drama de Down”; un grupo que funciona desde el 2008 en Palermo, integrado por personas con síndrome de Down de diferentes edades, entre 25 y 50 años. Allí está Juan Laso, el organizador del grupo. Los chicos son incentivados sin marcar diferencias. Hay dos momentos que destacamos: el diálogo descontracturado de un joven del grupo que explica qué significa tener este síndrome y la declaración de amor entre otros dos que termina con un pico. Todo forma parte de un cortometraje de 20 minutos. Los resultados son maravillosos. Participan, además de la compañía Sin drama de Down y Juan Laso, Belén Cervantes López y la espléndida María Fux, ambas danzaterapeutas. Yoga, teatralización, charlas, actividad continua y diferente, son algunas de las actividades que emprenden el grupo y su profesor, teniendo en este caso a Gustavo Garzón como partenaire en algunas secuencias. El guion fue elaborado por el actor y su hija Tamara. Aquí no hay melodrama alguno. Hay realidad y enseñanza para todos.

 

Elsa Bragato

 

 

FOTO ESTUDIO LUISITA

De Sol Miraglia y Hugo Manso. Fotografía de Sol Miraglia. Montaje de Celeste Contratti. Música de Guillermo Guareschi. Duración: 72 minutos.

 

XXXXX-LA FOTÓGRAFA DE LAS CELEBRIDADES

El documental de Sol Miraglia y Hugo Manso recupera la década del 80 en el mundo del espectáculo que tuvo tanto valor de “refundación” del mismo como la del 60. En un estudio fotográfico de avenida Corrientes al 1300 hay un archivo increíble de miles de negativos y fotos-poster deben ser conocidos: es el Foto Estudio Luisita, creado por Luisa Escarria, nacida en Bogotá, Colombia, en 1929, acompañada desde entonces por sus dos hermanas, para seguir el oficio de sus padres, ambos fotógrafos profesionales.

Sol Miraglia conoció a Luisita Escarria hace 10 años y descubrió el tesoro de su archivo personal, donde las celebridades de más de tres décadas aparecen en sus años dorados a través de posters, negativos que entonces se “retocaban”, publicidades. Todos pasaron por las manos mágicas de Luisita, estuvieron en el laboratorio con sus hermanas que, además, prepararon el estudio. Es también oportunidad única para volver a ver a Amelita Vargas, cubana de cimbreante cintura que caracterizó los 50, o a Gogó Rojo, una de las artífices junto a su hermana Ethel de la revista de los 70 y 80, o a Mimí Pons, baluarte de la revista porteña junto a su recordada hermana Norma. O a la “one”, Moria Casán, emocionada al encontrarse con Luisita.

Luisita Escarria es dueña de una enorme timidez, acepta que algún “duende” debíó encarnarse en ella para que pudiese retratar a tamañas celebridades, y siente una emoción sin límites al regresar al teatro Maipo. Los documentalistas se valen de las charlas en el hogar de Luisita y sus hermanas sino también de estupendos films de la época con las estrellas revisteriles de entonces, además de fotos en blanco y negro y color que resistieron el paso del tiempo. En un mundo machista como el gráfico, este documental tiene el doble valor, primero, de darle luz a un archivo y luego de rescatar a una mujer que logró un primerísimo lugar sin dar codazos, por talento. El reconocimiento finalmente llegó.

Elsa Bragato

 

JUEVES 7 DE MARZO DEL 2019.-

Semana de flacos estrenos, si bien se destacan “Capitana Marvel”, el documental sobre Alberto Olmedo, y la biopic “La voz de la igualdad”.

Varios documentales nacionales llegan a diferentes pantallas desde el cine Cosmos hasta microcines de centros culturales. Hay un esfuerzo del cine independiente nacional por ganar algún espacio que en las salas comerciales aún no logra.

Destacamos que, siendo el 8 el Día Internacional de la  Mujer, se estrenan cuatro películas referidas a diferentes mujeres: “Juntas”, “Captain Marvel”, “La voz de la igualdad” y “Femicidio”.

 

JUNTAS

Documental de Laura Martínez Duque y Nadina Marquisio. Música original de Sergio Escobar. Duración: 71 minutos.

XXXXX- AMOR SIN FRONTERAS

Nadina Marquisio es una documentalista nacida en Rosario mientras que Laura Martínez Duque es oriunda de Bogotá, Colombia. Ambas fundaron “Gallito films” junto a Cristina Motta, hacedoras las tres de laureados cortometrajes. En el caso de “Juntas”, viajaron a Colombia junto al primer matrimonio de lesbianas del país, conformado por Norma Castillo, correntina de pura cepa, y Ramona “Cachito” Arévalo, nacida en el Uruguay. En los 80, las dos mujeres se conocieron en las tierras de Gabriel García Márquez. Ambas estaban casadas. Norma enviudó y Ramona se divorció del padre de su único hijo para vivir este amor sin fronteras. Fue una relación apasionada muy escondida hasta que regresaron al país y decidieron iniciar una batalla legal a fin de contraer enlace. Lo consiguieron. Ramona falleció el año pasado, acompañada hasta el final por Norma, su fiel esposa. En el mes de la Mujer, se estrena este documental que recorre paisajes y momentos muy especiales de dos mujeres que enfrentaron las barreras sociales para ser felices sin mentiras.

Elsa Bragato

 

OLMEDO, EL REY DE LA RISA

Docu-ficción de Mariano Olmedo. Fotografía de Flavio Gragoset. Compaginación de Ezequiel Scarpini. Música de Pablo Sala, Humberto Ortiz y Mariano Olmedo. Con Alberto Olmedo, Mariano Olmedo, Sabrina Olmedo, Marcela Baños, Vito Marchessi, Juan Orol, Marcelo Minino, Tito Gómez, Manuel Wirts, Javier Castro, Raúl Calandra. Duración: 81 minutos.

XXXXX-TRIBUTO AL GRAN OLMEDO

Uno de los hijos del querido y recordado Alberto Olmedo, de quien se cumplen 31 años de su trágico fallecimiento en la ciudad de Mar del Plata, Mariano Olmedo, decidió rendirle tributo a su papá reconstruyendo su vida. Desde la infancia pobre, sus inicios como acróbata en Rosario, el sentido de la amistad y lealtad, hasta llegar a Buenos Aires y un buen día aparecer frente a las cámaras de Canal 7 donde se desempeñaba como “switcher” (operador técnico). Desde entonces, su comicidad fue arrasadora. Y su vida privada ocupó las primeras planas.

El trabajo realizado es muy interesante: con la colaboración de una periodista, Mariano Olmedo tuvo acceso a videos, películas caseras y entrevistas de su padre, logrando un docu-ficción intenso y verídico. Moria Casán, Diego Capusotto, Guillermo Francella (se decía entonces que era el “sucesor” de Alberto Olmedo), Dady Brieva, Ramón Palito Ortega, ofrecen sus testimonios sobre el gran capocómico, cuya comicidad no pasó de moda. Mariano Olmedo no es un improvisado en estas lides sino que desde muy joven se interesó por el mundo audiovisual, participando en diversas tareas hasta formar parte de un equipo de trabajo de Televisa Argentina. Hoy es docente universitario en la Universidad Nacional de Lomas de Zamora y Director del Centro Cultural Polideportivo Los Hornos, de La Plata. Este trabajo que presenta vale la pena disfrutarlo, aunque se sienta infinita tristeza por tamaña pérdida.

Elsa Bragato

 

1.- DE ACÁ A LA CHINA, de Federico Marcello. Comedia dramática protagonizada por el director: Facundo decide abrir un supermercado en China en la provincia de donde viene la comunidad china radicada en el país. El material que empezó siendo un documental terminó en esta película que, hasta ahora, no había conseguido estreno en salas comerciales por lo que su director recorrió el país donde fue exhibida al aire libre, plazas y sociedades de fomento.

2.- FEMICIDIO, UN CASO, MÚLTIPLES LUCHAS, de Mara Ávila. El documental cuenta la experiencia dramática de su directora, relatando el femicidio de su mamá, María Elena Gómez, ocurrido el 19 de julio de 2005.- Este trabajo es la tesina de grado de Mara Ávila. Se puede ver del 7 al 13 de marzo a las 19.45 en la sala 2 del cine Gaumont.

 

BLANCO O NEGRO

De Matías Rispau. Con Martín Rispau, Natalia Petri, Jorge Alagastino, Ramiro Vayo, Ariel Pérez y Sebastián Mónaco, entre otros. Música de Boris CQ. Brainstorming Films. Duración: 135 minutos.

XXXXX- MÁS TÉCNICA QUE GUIÓN

El gran motor de la vida humana es la venganza, según Shakespeare. A partir de este sentimiento negativo se construye la vida con sus más y sus menos. En “Blanco o negro”, es el eje de una narración en la que Martín Rispau hace gala de un enorme conocimiento de las texturas fílmicas, los inserts, la utilización del color y del blanco y negro, y el empleo de todas las tomas habidas y por haber.  De esta manera, construye la historia de Adrián, quien viene del sur con la idea de vengar la muerte de su pareja. Se encuentra en esta ciudad con Julio, un amigo de siempre, que intenta cambiar su negativo pensamiento. La técnica de Rispau es superior a la historia e incluso a la narración en sí en la que la música incidental funciona como un protagonista más: cuando el thriller no avanza como tal, es la banda sonora la que ocupa un primerísimo lugar. Construye un policial en el que maneja los “tempos” con fluidez: desde los cabildeos del protagonista hasta las secuencias de tiroteos y muerte, en las que se ve un tufillo o guiño, en todo caso, al estilo de Quentin Tarantino. Es justo decir que el cine nacional pocas veces construye climas envolventes, especialmente en los policiales: hilvana las secuencias en forma lineal, que es otra manera de generar tensión, característica a la que no escapa Rispau. El monstruo interior de Adrián, o sea este sentimiento de venganza, tampoco logra una alegoría convincente salvo en las escenas de tiroteos donde es explícita. No obstante, la creatividad de Rispau para filmar es la de un artesano avezado, superando con creces desde el guion a las interpretaciones.

Elsa Bragato

 

LA VOZ DE LA IGUALDAD

De Mimi Leder. Con Felicity Jones, Armie Hammer, Kathy Bates, Sam Waterston, Justin Theroux, entre otros. Guion: Daniel Stiepleman. Fotografía: Michael Grady. Música: Mychael Danna. Duración: 120 minutos. XXXXX-HOMENAJE MUY CONVENCIONAL

Biopic parcial sobre la vida y los logros de Ruth Bader Ginsburg, interpretada por la actriz inglesa Felicity Jones, abogada, activista, jurista y luego integrante de la Corte Suprema de los Estados Unidos. Se convirtió en pionera y referente del movimiento feminista en los años 90. Fue conocida como RBG (The Notorius RBG), reconocimiento que ostentó gracias a su inteligencia y su tesón. Compartió con su esposo Martin Ginsburg (Armie Hammer), durante el medio siglo que estuvieron casados, esta lucha indeclinable por los derechos igualitarios feministas, enfrentando muchas adversidades en Harvard donde se vivía un marcado machismo.

La película retrata algunos triunfos históricos en juicios en pos de la igualdad de género de la abogada Bader Ginsburg, quien fuera la segunda mujer integrante de la Corte Suprema, luego de Sandra Day O´Connor. Distinguida en 1993 por el presidente Bill Clinton, recorrió un largo camino durante cinco décadas de la historia de Estados Unidos. El tributo de Mimí Leder se completa con la inserción de un “cameo” de la verdadera Ruth Bader Ginsburg de vigentes 85 años, a quien se ve en los tribunales de su país. Como contrapartida poco favorable, estamos ante una biografía con una visión limitada, por lo que la vida de RBG se intuye fascinante pero no está retratada.

En la sólida interpretación protagónica de Felicity Jones se sustenta este homenaje. Es esta diminuta mujer quien tiene todo el peso de la historia, otorgándole credibilidad a su performance. Es decir, el tratamiento de la biopic es común, sin inventiva, basada en clishés. Es justo reconocer que, aunque pobre, la narración resulta efectiva: el homenaje está, sin audacia y convencional.

Carlos Pierre

 

CALLCENTER

Guion y dirección de Sergio Estilarte y Federico Velasco. Con Thelma Fardín, Demián Salomón, Vanina Balena, Alejandro Lifschitz, Emiliano Addisi, Silvina Diez. Arte de Mariana Vieyra, Sonido de Juan Donatti, Fotografía de Hugo Duarte, Asistencia de Fabián Forte, Montejae de Ramiro Velasco: Post producción y producción de Fucci, Gionco, Estilarte, Velasco. Jefe de Producción: Juan Elvis Pereyra. Duración: 91 minutos.

XXXXX- BUEN TRABAJO INICIÁTICO

Sergio Estilarte y Federico Velasco pergeñaron esta película a partir de una serie de experiencias sociales que conocemos: la falta de trabajo, la falta de futuro, las relaciones humanas y sus complejidades. El producto tiene buena fotografía, buen sonido, buen elenco, con diálogos interesantes aunque pretenciosos que muestran la inquietud de los treinteañeros o jóvenes de menor edad. La filmación resulta claustrofóbica siendo lo más interesante el intercambio de ideas de estos jóvenes “atrapados” momentáneamente en un callcenter a la madrugada. Cae el sistema y se ven obligados a mirarse las caras desde otro lugar mientras esperan que el trabajo vuelva a la normalidad. Empiezan a conocerse un poco más. Demián Salomón hace un buen trabajo protagónico como Dante, así como el resto del elenco. Es un buen trabajo inicial que permite avizorar un excelente camino profesional para sus directores.

Elsa Bragato

 

CAPITANA MARVEL

Dirección: Anna Boden y Ryan Fleck. Guion: Anna Boden, Ryan Fleck y Geneva Robertson-Dworet. Con Brie Larson, Samuel j. jackson, Ben Mendelsohn. Con Annette Bening, Clark Gregg yJude Law, entre otros. Fotografía: Ben Davis. Música: Pinar Toprak. Duración: 130 minutos.

XXXXX-LLEGA LA CHICA SUPERPODEROSA DE MARVEL

Ambientada en la década de 1990, Capitana Marvel llega con una aventura muy original, situada en un período nunca visto antes en el Universo Cinematográfico de Marvel.  En principio, la protagonista es una mujer, Miss Marvel, que lleva, además, el nombre de la empresa. Carol Danvers (Brie Larson ) se convierte en una superpoderosa –a raíz de un hecho especial- cuando la Tierra queda atrapada en medio de la guerra galáctica entre dos razas alienígenas: los Kree y los Skrulls.

Capitana Marvel-Carol Danvers supo ser una de las mejores aviadoras de los Estados Unidos. Ahora debe defender a la Tierra, amenazada por estos seres metamorfos que llegaron para someterla tratando de obtener el motor generador de la velocidad de la luz (300.000 kilómetros por segundo). De lograr robarlo, podrán hacerse dueños de toda la Galaxia.

Varios aciertos ameritan destacarse en este nuevo producto de Marvel Studios: el haber empoderado a una mujer como absoluta heroína, amante de la libertad, poderosa así como el haber situado la historia en la década del 90 en los Estados Unidos. Esto permite una contraposición entre la alta tecnología de las razas alienígenas con las estructuras terráqueas, denominadas “una pocilga” de la Galaxia. Es decir, resulta muy interesante la mixtura del futuro con la década del 90, le confiere un plus a esta nueva aventura protagonizada por una “estrella” de UCM: hay audacia argumental y tecnológica. Para Miss Marvel se avizora un importante protagonismo en la próxima Avengers 4 y para Marvel, el desarrollo de nuevas historias a partir de esta chica superpoderosa. Para entretenerse de principio a fin!

Carlos Pierre

 

JUEVES 27 DE FEBRERO DEL 2019.-

Varios productos nacionales caracterizan este jueves en el que hay cierta medianía en las producciones extranjeras presentadas. Rescatamos la nacional “La misma sangre”, de Miguel Cohan, con Oscar Martínez, quien siempre asegura gran presencia actoral. Es el mejor estreno de la semana continuando con la tradición del cine policial nacional. Nos remitimos a las críticas de los colegas.

 

OBSESIÓN

De Steven Knight. Con Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Diane Lane, entre otros. Cuenta el pasado del capitán de un barco pesquero “Baker Dill”, del que aparece su ex mujer “Karen” ( Anne Hathaway), quebrando la serenidad de su presente (el film se llama en inglés “Serenity”).

“Cuanto más descubrimos sobre el argumento menos sentido tiene todo lo que sucede en la película”, de Wesley Morris, New York Times.

“Los diálogos son malos, hasta el punto de que parece una autoparodia. Las actuaciones son caricaturescas”, de Michael O’ Sullivan, The Washington Post.

 

REY DE LADRONES

De James Marsch. Con Mighael Caine, Jim Broadbent, Charlie Cox, entre otros. Veteranos ladrones planifican un gran robo en la ciudad de Londres para cerrar el círculo de “trabajo” de sus vidas.

“Seguramente agrade a los fans se Michael Caine y de sus compañeros veteranos, pero es una propuesta de pocos quilates”, de Guy Lodge, Variety.

“Aunque tiene defectos, y son legión, esta película se envuelve en una mantita adorable de familiaridad”, de Jeannette Catsoulis, The New York Times.

 

BORDER

De Ali Abbasi e Isabella Eklof. Basada en un cuento del escritor sueco John Ajvide Lindqvist, el mismo autor de la novela “Dejame pasar”, film de terror que tuvo gran éxito. En este caso, Abassi y su coequiper toman la historia de Tina, agente de aduanas, cuyo instinto le permite detectar a alguien culpable. Sin embargo, hay un pasajero que pondrá a prueba sus habilidades.

“Una mezcla emocionante e inteligente de romance, cine negro nórdico, realismo social y terror sobrenatural que desafía y subvierte las convenciones del género”, de Alissa Simon, Variety.

“Actuaciones protagónicas sólidas y efectos visuales superlativos. Es un drama apasionante”, de Stephen Dalton, The Hollywood Reporter.

 

MANICOMIO

De Michael D. Pate. Film alemán de terror. Un grupo de youtubers decide visitar una casa de salud abandonada, ubicada cerca de Berlín. La idea es filmar el lugar y diferentes experiencias que realicen. No tienen en cuenta que este tipo de sitios suelen tener fantasmas y que, por lo general, no son pacíficos. Es la tradicional historia de terror que se basa en grupo de muy jóvenes y las andanzas de un espíritu endemoniado que los succionará y saboreará a piacere. Nada nuevo bajo el sol. CP

 

WYNAYPACHA (ETERNIDAD)

Guión, dirección y fotografía de Oscar Catacora. Elenco: Vicente Catacora y Rosa Nina. Edición de Irene Caijas. Sonido de Edwin Riva y Rosa Oliart. Duración: 86 minutos. Distribuye Zeta Films.

XXXXX-CONMOVEDOR NEOREALISMO LATINOAMERICANO

Conocemos el cine comercial de Perú, con interesantes logros. En este caso, es la ópera prima de Oscar Catacora quien sale de los cánones habituales para enfocarse en una historia profunda de sus ancestros. Dos actores no profesionales nos descubren el mundo andino cargado de pobreza y abandono. Vicente Catacora es el abuelo del realizador, octogenario, que encarna a Willka, casado con “Phaxxi”, a cargo de la octogenaria y no profesional Rosa Nina. Ambos hablan en aymará transcurriendo sus largos días en una zona andina mientras esperan que el hijo Antuku llegue a rescatarlos. Viven rodeados de algunos animales y en una casa de piedra de un solo cuarto.

Asistimos a sus creencias, sus ritos, sus trabajos, y las necesidades que padecen. La fotografía es una gran aliada de Oscar Catacora: hay verdaderos cuadros en tomas cortas y plenas de los dos ancianos con el fondo de la imponente cordillera y sus glaciares perennes. Pero… es también la trampa de la película: poca variedad en la fotografía cuando, por el planteo del guion, se pudo hacer algo más.

Con el transcurrir de la narración, es imposible no conmoverse profundamente por los infortunios a los que están sometidos Willka y Phaxxi. El grito al viento del nombre del hijo no lo hará venir, como tampoco llegará a los oídos de alguna autoridad. Destacamos que, en la lentitud del relato, está la profundidad: la edad avanzada, la vida a la intemperie, la lejanía del pueblo, van diagramando vidas con destino prematuro y bien marcado.

Bienvenido este cine que desnuda una de las tantas carencias que los gobiernos latinoamericanos mantienen con sus pueblos aborígenes. Nunca mejor retrato de la dignidad de los ignorados frente al desamor de los que pueden y tienen.

Elsa Bragato

 

 

MEMORIA DE LA SANGRE

De Marcelo Charras. Documental. Duración: 90 minutos.

XXXXX-NAZIS EN EL PAÍS

En el 2018 falleció el principal interlocutor de este documental de Marcelo Charras: don Xavier de Mahieu, hijo del personaje retratado, el ex oficial de las SS de origen francés Jaime (Joaquín en verdad) María de Mahieu, quien investigó la presencia de los vikingos en América Latina anteriores a la llegada de Cristóbal Colón.

Se parte de un documentalista que entrevista a un conocedor de los libros. Tiene en sus manos “Memoria de la sangre” de de Mahieu, agotado que encontró en viejas librerías. Lo ideal es visitar al hijo del antropólogo y filósofo alemán que entonces vivía en Ciudad Evita (esta ciudad está trazada sobre el perfil de Eva Perón e inicialmente tuvo 12 mil habitantes).

La historia se matiza con inserts de fílmicos de los años 60 y décadas siguientes, dado que el franco alemán recién falleció en 1990. Las charlas con el hijo de de Mahieu muestran una personalidad paterna nazi, que logró escaparse de la cárcel y llegar a la Argentina donde estrechó lazos con el entonces presidente Juan Domingo Perón. A partir de 1955, a raíz del advenimiento de la Revolución Libertadora, Jaime M. de Mahieu prefirió emigrar al Brasil donde permaneció durante más de 8 años investigando a los aborígenes y las diferentes culturas latinoamericanas en las que encontró inscripciones similares a los símbolos de las runas nórdicas. Para este hombre, estas coincidencias abonaban su teoría de un tronco común ario para incas, aztecas y mayas, entre los que decía encontrar hombres de “piel blanca”.

Diferentes entrevistas aportan datos sobre la personalidad del franco alemán así como su directa participación, a través de charlas que realizó al regresar a la Argentina, en la formación del pensamiento de los Tacuara de aquellos años y, posteriormente, el desprendimiento de éstos de Montoneros. Siempre apoyó el “nacional socialismo” y, en especial, el nazismo esotérico del que también Adolf Hitler fue abonado.

Controvertida personalidad, de Mahieu salta al conocimiento popular a través de un documental bien planificado que, en algunas charlas un tanto extensas, pierde su hilo conductor.  Es el documental mejor logrado de la semana.

Elsa Bragato

 

GUERRERO DE NORTE Y SUR

De Germán Touza & Mauricio Halek. Documental. Duración: 73 minutos

XXXXX- RETRATO DE UN MALAMBISTA

El malambo, danza argentina en La Pampa alrededor del 1600, tiene un festival desde hace varios años en la localidad de Laborde, Córdoba. Este documental retrata la preparación para el mismo y su actuación del bailarín Facundo Arteaga, oriundo de Gral Acha, La Pampa, quien ronda los 35 años. Atiende su hogar, da clases de baile, y participa de este festival una vez más. Sabe que, de ganar, nunca más podrá presentarse, según el reglamento del mismo.

Arteaga tiene una forma muy especial de bailar el malambo, calificándola de “pampeana”: los pies están envueltos con la “bota de potro” o sea una especie de tiento de cuero que deja los dedos al desnudo, Sin profundizar, la cámara de Touza y Halek recorre este momento en la vida de Arteaga, reconocido en su tierra como integrante de las delegaciones provinciales. Es un documental limitado a una experiencia, en este caso, un festival. Escaso aporte.

Elsa Bragato

 

ENTRE GATOS UNIVERSALMENTE PARDOS

Documental de Damián Finvarb y Ariel Borenstein. Sobre el periodista Salvador Benesdra.

XXXXX- REDESCUBRIENDO A UN NOTABLE ESCRITOR

Damián Finvard y Ariel Borenstein redescubren al escritor, psicólogo, políglota, traductor y periodista, Salvador Benesdra, quien se suicidó el 2 de enero de 1996 arrojándose desde un décimo piso de su domicilio en la calle Solís al 500. Había sido despedido de Página 12, sentía que no era reconocido y que su tarea como Delegado de ese diario había sido infructuosa.

Solo dejó dos novelas escritas, siendo una de ellas “El traductor”, que logró llegar a las finales del premio Planeta. Sus trabajos recién fueron publicados póstumamente con ayuda de la familia y del dueño de Ediciones La Flor.

El planteo de los directores es reconstruir la vida de Benestra a partir de las opiniones de sus colegas de redacción y de quien fuera también su última pareja, Mirta Fabre, también psicóloga. Conforman una seguidilla de entrevistas por las que descubrimos que Salvador Benesdra sufrió brotes psicóticos, viajó a París y Alemania para cursar postgrados, y fue un inconformista miembro del partido Obrero.  En el 2012,Oliverio Torres, bisnieto de Leopoldo Torres Ríos (El regreso), padre de Leopoldo Torres Nilsson (El santo de la espada), a su vez padre de Javier (Fiebre amarilla) y Pablo Torres (La mirada de Clara), filmó el film sobre “El traductor” que tampoco vio la luz.

Este documental tiene un único logro como tal: el insert de películas caseras donde Benesdra habla a la cámara. La construcción narrativa adolece de agilidad. Son entrevistas con cámaras fijas y en espacios cerrados. El aporte está en la historia que se reconstruye.

Elsa Bragato

 

CICLOS

De Francisco Pedemonte. Documental. Duración: 76 minutos.

XXXXX- BIOPIC DE UN JOVEN CICLISTA

El realizador Francisco Pedemonte retrató la vida de un joven deportista, eligiendo a Ignacio Semeñuk, subcampeón de ciclismo, en sus 15 años. El entrenamiento, el apoyo familiar, los álbumes con fotos de diferentes competencias, enmarcan esta biografía cuyo documental tuvo lanzamiento oficial el año pasado en el BAFICI. A diferencia de otros trabajos del mismo género estrenados este jueves, hay diversidad de ambientes, desde la casa de Ignacio hasta las carreteras y diferentes circuitos ciclísticos al aire libre. Este tipo de historias, aunque interesantes, quedan pequeñas porque falta profundidad en el relato. Es decir, datos que vayan abonando lo que se ve por lo que se tiene la sensación de que no hay un guion sólido. Esta característica no es patrimonio de este trabajo sino de todos los que estamos viendo en los dos últimos años, hay trabajo fotográfico interesante, incluso narrativo. Sin embargo, no bastó.

Elsa Bragato

 

JUEVES 21 DE FEBRERO DEL 2019.-

Otro film oscarizado, Cafarnaúm, llega a las salas de cine del país, junto con una animación, dos películas que tienen a Brasil como base del relato, así como la acción a todo o nada del gran Liam Neeson y las costumbres orientales que inquietan a nuestras sociedades junto con la vida de un amoroso perrito que debe volver a su hogar. De todo como en botica!

 

1.-MIS HUELLAS A CASA

De Charles Martin Smith. Cuenta la historia de una perrita que es salvada. Un día se pierde y debe enfrentar una serie de vicisitudes antes de encontrar el camino de regreso a su hogar.

“La historia es lo suficientemente tierna pero totalmente estrafalaria. Todo está emocionalmente simplificado, tratando grandes temas de forma vaga y general”, de Katie Walsh, Los Angeles Times.

Trailer

https://youtu.be/Fo4POwticIk

 

2.-EL PRÍNCIPE ENCANTADOR

De Ros Venokur. Animación convencional sobre un príncipe “azul” que es un donjuán y, ante el ultimátum del reino, debe encontrar a la mujer de su vida. El valor que se le asigna a nivel internacional es el ser una producción “periférica”, en este caso, canadiense, es decir, no es de la factoría de Disney-Pixar o, en general, de Hollywood.

Trailer

https://youtu.be/9PTpJ8EJzP4

 

 

3.- HAPPY HOUR

De Eduardo Albergaria. Con Pablo Echarri, Luciano Cáceres, Leticia Sabatella, entre otros. Coproducción Brasil-Argentina. Cuenta la historia de un profesor de literatura que se radica en Brasil donde se casa. A raíz de una serie de circunstancias, le dice a su mujer que debe tener sexo con otras mujeres por un impulso que no domina. Comedia ligerísima.

Trailer

https://youtu.be/41mXD4zbQVQ

 

 

ARABIA

DE Joao Duimans y Affonso Uchoa. Con Aristides de Sousa, Murilo Caliari, Glaucia Vandeveld, Renata Cabral, Renan Rovida. Fotografía de Leonardo Feliciano. Duración: 97 minutos.

Trailer

XXXXX- BIOGRAFÍA DE UN TRABAJADOR ANÓNIMO

“Arabia”es un profundo retrato de los barrios pobres, marginales, de América Latina. Parte de un niño, André, que descubre un cuaderno escrito por un trabajador de Arabia, barrio de Ouro Preto -ciudad industrial del Brasil- donde narra su día a día como obrero. Lleva en su corazón una pena de amor muy grande.

A partir de este artilugio literario –la aparición de un diario personal-, la narración de Dumans y Uchoa toma un giro inesperado al incluir un relator en off que cuenta su vida: el trabajador anónimo deja un relato conmovedor sobre un destino común e invisible para la sociedad occidental con un final abierto. Podría hasta ser una metáfora del hombre común, el que no sale en la TV: su vida y su muerte no importan, no son titulares.

Desde un lugar nostálgico, a la vez amoroso y brutal en alguna secuencia, los directores desarrollan una ejemplar biografía anónima que se torna universal por los temas que transita. Tiene un valor agregado que radica en la narración pendular entre la ensoñación y la realidad de una favela. Peca de cierta lentitud por la inclusión de musicales.

Elsa Bragato

 

 

LA BODA

Guion y dirección de Stephan Streker. Con Lina El Arabi, Sébastien Houbani, Babak Karimi, entre otros. Cinematografía: Grimm y Vandekerckhove. Edición: Jérome Guiot. Duración: 98 minutos. Bélgica.

XXXXx- TRADICIONES PELIGROSAS

Zahira (Lina El Arabi), de 18 años, es una joven paquistaní que creció en Bélgica, está embarazada y desafía la tradición que la obliga a casarse con alguien de la misma cultura. La historia es real, sucedió en 2007. El realizador Stephan Streker la tomó realizando una profunda investigación sobre las costumbres de la comunidad paquistaní, pero tomó distancia de la familia en cuestión. Esto le permitió libertad a la hora de manejar diferentes circunstancias de su ficción. Se trata del concepto del “crimen de honor”: la joven belga-paquistaní ha dejado de ser virgen, espera un hijo y no está casada. Para colmo, se enamoró de un hombre que no es musulmán. La familia sufre una enorme violencia espiritual a partir de los principios religiosos en los que cree. Zahira no se da cuenta de la magnitud de los hechos que generó; occidentalizada, la cuestión es simple: debe casarse con el hombre que ama. En cambio, su familia siente un deshonor inaceptable que los llevará a un callejón sin salida.

La realidad tuvo todos los elementos de la clásica tragedia griega, donde los personajes están atados a un designio ineludible y trágico. En sí, es una historia desgarradora, incomprensible para el pensamiento occidental en momentos en que los derechos de la mujer están sobre el tapete con fuerza irreductible. En el caso de “La Boda”, Zahira enfrenta la esclavitud de un pensamiento religioso destructivo.

La fotografía y el relato preciso conforman una pequeña gran obra de arte con visos de realidad inquietantes. Premiada en varios festivales y nominada en otros, “La boda” tiene el beneplácito del público a pesar de su dureza.

Carlos Pierre

 

 

VENGANZA

De Hans Petter Moland. Guion: Frank Baldwin (Remake Kim Fupz Aakeson). Fotografía: Philip Ogaard. Con Liam Neeson, Laura Dern, Emmy Rossum, Julia Jones, William Forsythe, entre otros. Música: George Fenton. Duración: 118 minutos. Reino Unido.

Trailer

XXXXX-VÉRTIGO SIN TREGUA

Remake de la película noruega “Uno tras otro”, Nelx Coxman (Liam Neeson), conductor de una barredora de nieve, es el implacable perseguidor de los asesinos de su hijo en el invierno del estado de Colorado, Estados Unidos. La búsqueda lo lleva a enfrentar una guerra de narcotraficantes, liderados por un cerebral y poderoso delincuente de guante fino enfrentado, a su vez, con un cacique indio.

La venganza es el motor del protagonista y de esta película de acción que se desarrolla en campos helados que quedan plagados de muertes. Es una cacería interminable del hombre al hombre mismo, con cierto humor negro, y un vértigo de thriller sin tregua. Cada muerte merece un destaque especial en el film, apareciendo una toma específica con el nombre del “fallecido” y su religión.

Son los “plus” de la película que incluye una muy pensada banda sonora: además de la música incidental de George Fenton, se recurre al concierto El Emperador de Beethoven, a un cuarteto de Dvorak y hasta a una alusión de Johann S. Bach en boca del pequeño hijo de un narcotraficante: “… Un músico matemático”.Y además hay locaciones especiales como Alberta en Canadá y Oslo, Noruega. Liam Neeson se desenvuelve con la eficiencia que se le conoce, a pesar de ser un sesentón largo. El personaje no es ajeno a la edad real del actor por lo que la lucha que emprende no siempre lo da como vencedor. Es justo decir que, si no está en escena, el film decae notoriamente, pierde la adrenalina que su ‘physique du rol da. Muy entretenida con buena dosis de humor negro.

Carlos Pierre

 

 

CAFARNAÚM, LA CIUDAD OLVIDADA

De Nadine Labaki. Con Zain Al Rafeca, Yordanos Shiferaw, Boluwatife Treasure Bankole, entre otros. Fotografía de Christopher Aoun. Música de Klaled Mouzanar. Edición de Konstantin Bock y Laure Gardette. Duración: 126 minutos. Líbano, Francia, Estados Unidos.

Trailer

https://youtu.be/iC1QsklQhb8

 

XXXXX-ESTREMECEDOR RELATO SOBRE LOS SINTECHO

A Cafarnaúm, la Ciudad olvidada, la miramos o como un regodeo sobre la miseria en el Tercer Mundo, o le damos el crédito de una mirada desgarradora sobre los sin techo en Oriente y en esta parte del planeta. La segunda opción es la auténtica, la que no tiene un frío razonamiento y surge del estremecimiento que produce el relato de Nadine Labaki, primera directora de cine árabe nominada al premio Oscar justamente por este film.

Los protagonistas no son profesionales: se trata del niño Zain Al Rafeca, de 12 años, y de la jovencísima actriz de 2 años Boluwatife Treasure Bankole. Ambos realizan dos performances inolvidables e increíbles. Nadine Labaki nos cuenta la vida de un niño (ni siquiera ha sido registrado por sus padres como “nacido”) que escapa de su hogar, miserable en todos los aspectos, cuando dan como esposa a su hermana y compinche de 11 años a un hombre joven: ni bien la pequeña tiene su primera menstruación, es entregada al hombre que la embarazará y llevará a la muerte. La desesperación de Zain es de tal magnitud que ataca al esposo de la joven. La cárcel lo espera sin vueltas por el límite de edad. La narración se tuerce sobre sí misma y nos muestra la vida del pequeño cuando huye desesperado del hogar. La vida en la calle lo cargará con la insólita responsabilidad de  tener un bebé a su cuidado cuando la madre, africana, cae presa por no tener documentación. En ese carro formado por cacerolas desechadas, Labaki construye una imagen que nos remite, aunque lejanamente, a “El pibe”, de Charles Chaplin.

Los hechos a los que asistimos los vemos a diario en los noticieros nacionales e internacionales. Ahora son “película” en la narración de Labaki, descarnada por lo minuciosa. Aunque no menos verosímil. Y éste es el punto a favor del film que enmudece: nada de lo que se ve nos es extraño. La hipocresía social hace que se vea tal realidad como una exageración o un golpe muy bajo a Occidente. No hay cómo borrar lo que existe. Brutal, cruda, estremecedora visión de Nadine Labaki, la misma autora de “Caramel”, quien regala un espejo de lo que los dueños económicos del mundo se niegan a ver.

Elsa Bragato

 

 

          REINA DE CORAZONES

Documental de Guillermo Bergandi (segundo largometraje). Con Daniela Ruiz, Emma Serna, Nicole Cagy, Camila Salvatierra, Lourdes Arias, Estefanía Menzel, Alessandra Babino, Mar Morales, Valeria Pereira, Victoria Guadalupe Sánchez, Gisell Gali, Paola Agustina Silva, Rocío Rocha. Duración: 82 minutos.

XXXXX-SER TRANS EN ARGENTINA

Tras un fructífero recorrido por festivales internacionales, “Reina de corazones” se estrena en el país. Documenta fielmente la actividad de la Cooperativa Ar/TV Trans, fundada en 2010, que logró ser una escuela teatro con el objetivo de sacar de la prostitución a los travestis. Muchos de ellos llegan de diferentes provincias, habiendo tenido entre los 7 y 10 años las primeras sensaciones diferentes sobre la sexualidad: desde pintarse los labios con los cosméticos de la madre hasta usar polleras a escondidas a la salida del liceo nocturno. Los relatos frente a cámaras de quienes hoy son actrices trans resultan inquietantes: las experiencias en la prostitución dejan ver una sociedad muy hipócrita con sesgos autoritarios alarmantes. Como contrapartida, el realizador muestra el esfuerzo de la mayoría de los trans por tener una carrera universitaria, por no ser discriminados y por una inclusión social que no siempre se les da.

Egresados del único secundario trans, del que hace escasas semanas se dio un interesante documental, aspiran a trabajos dignos y a estudios superiores, desde enfermería hasta docencia. Aunque Argentina es un país con leyes inclusivas, tal vez más que muchos del primer mundo, la mentira social y la discriminación son fantasmas que surgen cuando menos lo pensamos. Solo el arte se revela como camino de redención.

Elsa Bragato

 

JUEVES 14 DE FEBRERO DEL 2019.-

De a cuentagotas nos van llegando los films oscarizados. En este caso, “Green book”, con “nuestro” Viggo Mortensen, film nominado como mejor película entre otras distinciones que puede ganar. Claro está, pelea cara a cara con “Roma” y con “La favorita”. Entre los estrenos de este jueves incluimos “Hora,día, mes”, película nacional de Diego Bliffeld, con el protagónico de un actor muy querido, Manuel Vicente y, entre otros integrantes del elenco, la presencia de Iván Steinhardt. Y “Tampoco tan grandes”, sólida comedia de Federico Sosa con Paula Reca y Miguel Angel Solá, entre otros. Es una road movie que encara el amor y el desamor entre treinteañeros y el amor adulto a partir de una historia diferente en tono de comedia.

 

GREEN BOOK

De Peter Farrelly. Guion: Nick Vallelonga, Brian Hayes Currie y Peter Farrelly. Con Viggo Mortensen, Mahershala Ali, Linda Cardellini, Dimeter Marinov, Mike Hatton, Igbal Theba, entre otros. Fotografía: Sean Porter. Montaje: Patrick J. Don Vito. Música: Kris Bowers. Duración: 130 minutos.

XXXXX- MIRADA SOCIOPOLÍTICA DE LOS 60

Luego de sonados éxitos junto a su hermano en la comedia, Peter Farrelly se involucró con entusiasmo en esta road movie basada en la historia real de Tony Lip Vallelonga, forzudo ítaloamericano del Bronx que, en la década del 60, asistió como chofer a Don Shirley, pianista de música clásica afroamericano. Ambos recorrieron los lugares indicados en el llamado “Green book”, sitios amigables para blancos y negros en plena época de segregación racial.

La base del guion es la historia que relató Nick Vallelonga, hijo de Tony Lip, quien fuera portero del afamado Copacabana durante 12 años. Incluso probó fortuna como actor haciendo un cameo en El Padrino , la obra de Coppola de 1972. Con los retoques propios para convertir un libro en un guion cinematográfico, la película de Peter Farrelly es una muestra fiel del “ser” norteamericano de los sesenta, con virtudes y defectos manejados en tono de comedia dramática, sin caer en el melodrama.

 Viggo Mortensen encarna a Tony Lip Vallelonga, mientras que el pianista Don Shirley recae en Mahershala Alí, actor a quien también vemos en otro estreno, “Battle Angel, la última guerrera”. Se establece un estupendo duelo actoral entre Mortensen (aumentó 20 kilos para este personaje) con el sobrenombre de “Lip” o labio por su charla sinfín, y Mahershala Alí, circunspecto músico devenido en compinche de “Tony”, un “oso hablador”.                                                          

Esta amistad nada convencional para aquella década de segregación y revueltas sociales en los Estados Unidos suscita empatía, se disfruta a través de dos consagratorias actuaciones y del entorno que Farrelly lleva a la historia: el desigual paisaje del sur algodonero mostrado sin vueltas, mientras un afroamericano como Shirley se esfuerza en demostrar a través de su arte la capacidad artística que no conoce de colores de piel. Esta especie de “road movie” permite a Mahershala Alí dotar a su rol de una gama de sentimientos desde el dolor por el rechazo a su persona y, en cambio, el aplauso a su notable arte, hasta la reverencia por ser un gran artista con la prohibición de comer un solo bocado en un lugar destinado a los blancos. En este juego actoral no está solo: su chofer y, de alguna manera, guardaespaldas “Tony” comparte las alegrías y tristezas de su compañero de viaje. La película es absolutamente disfrutable y merece ser tenida en cuenta en la elección final de los Oscar porque trata un tema esencialmente norteamericano desde lo artístico hasta lo social. Muy bien actuada, muy bien realizada, es un punto a favor para Peter Farrelly en esta incursión en otro género. Sin caer en la sensiblería, se muestra una realidad sociopolítica de la manera menos opresiva y más amable. No se la pierda.

Carlos Pierre

 

FELIZ DÍA DE TU MUERTE 2

De Christopher Landon. Fotografía de Toby O[liver. Música de Bear McCreary. Con Jessica Rothe, Israel Broussard, Suraj  Sharma, entre otros. Duración: 100 minutos.

XXXXX-TRAMPAS TEMPORALES QUE ABURREN

El “bucle” temporal, ése que incluye a una persona en un segmento de tiempo y le hace vivir siempre lo mismo, incluyendo su propia muerte, se vuelve tan reiterativo en esta secuela de “Feliz día de tu muerte” que se termina confundiendo las dimensiones de espacio y tiempo y en cuál se terminó filmando la historia.

Pasaron dos años desde el primer film en el que Tree, que encarna la actriz Jessica Rothe, había caído en el “bucle” temporal. Luego de ese tiempo, la jovencita vive la misma trampa de tiempo y espacio, repitiendo día a día su muerte en diversas circunstancias. Son tantas que las dimensiones se confunden.

Se intenta darle visos de seriedad con un complicado instrumento que hace saltar la luz del vecindario pero que logra cambiar los círculos temporales de quien así lo desee. En esta reiteración de los hechos el guion pierde su rumbo y comienza a inquietar porque termina por no comprenderse cabalmente en qué “salto temporal” están la protagonista y sus compañeros de la High School. Con tono de comedia más que de thriller, resulta una historia cansadora tanto como el primer film. Solo para fans.

Elsa Bragato

 

BATTLE ANGEL LA ÚLTIMA GUERRERA

De Robert Rodríguez. Guion de James Cameron, Laeta Kalogridis, Robert Rodríguez. Fotografía de Bill Pope. Música de Junkie XL. Con Rosa Salazar, Christoph Waltz, Jennifer Connelly, Jackie Earle Haley, Ed Skrein, entre otros. Duración: 121 minutos.

XXXXX-MÁS DE LO MISMO

Un “dejá vú” importante provoca “Battle Angel…” al enfocarse en una ciudad distópica y lo que resta de la Humanidad superando el 2500 y luego de una brutal “caída”. Sobre buena parte del planeta, quedan los restos de algo parecido a una nave espacial que cumple otras funciones. Estamos en un mundo donde conviven los seres humanos y los cyberborg. El médico Ido, a cargo de Christopher Waltz, encuentra en un basural los restos del cuerpo de una bella niña a la que, en su quirófano le devuelve la vida reemplazándole brazos y piernas por elementos cibernéticos. La jovencita no recuerda su pasado, donde fue una notable guerrera, y en sus paseos por la extraña ciudad llamada Iron City hace amistad con “Hugo” (carilindo Keean Johnson) quien pretende llevarla al camino de la lucha nuevamente.

Robert Rodríguez y James Cameron unieron sus poderosas imaginaciones en esta remake del film animé “Alita, ángel del combate” de 1993, basada en las historias de Yukito Kishiro. Tras un período de oscurantismo, el escritor japonés elaboró nueve volúmenes sobre esta protagonista que enfrentará a terribles hombres-máquinas o robots gigantescos. Nada que no hayamos visto en “Transformers”. Y en alguna otra película en la que los humanos se convierten en robots (cabezas unidas por músculos de acero a cuerpos monstruosamente grandes). Es aquí donde la historia de “Alita” y su mentor “Ido” pierde fuerza: se torna en un “dejá vú”  insoportable de decapitaciones, gritos, mutilaciones y “gore” que no aportan nada a la historia de la jovencita que redescubre el mundo.

Ciertamente hay algo de “Frankestein” en “Ido”, la búsqueda de cabezas a la noche o de cuerpos descartados para su laboratorio donde una asistente afroamericana lo ayuda sin emitir una sola palabra durante las dos horas de narración. En definitiva, hay derroche de tecnología computarizada, luchas a todo o nada y una idea de guion que quedó en eso, idea más que desarrollo de la misma.

Elsa Bragato

 

ANTONIO GIL

Documental de Lía Dansker. Duración: 83 minutos.

XXXXX-MITO QUE SE RENUEVA

Lía Lansker toma la veneración del Gauchito Gil –Antonio Gil Núñez- para realizar un documental atípico: se vale de las voces en off de los lugareños que recuerdan datos de la tradición sobre cómo murió. “Lo colgaron de un árbol como a un animal”, dice alguien, o “era un gurí inquieto”. Sobre él hay varias historias que la gente no toma en cuenta: que era un cuatrero que robaba a los ricos, que fue desertor del ejército por lo que fue degollado o bien que una tal Anahí, hija de un poderoso estanciero, se enamoró de él provocando la venganza de otros hombres del lugar. Como fuere, se recuerda que su verdugo rezó al gauchito y su hijo se sanó. Fue asesinado el 8 de enero de 1878, está enterrado en el cementerio de Mercedes, Corrientes, donde había nacido.

La forma del documental es diferente: la cámara está en un travelling que va hacia adelante o hacia atrás, tomando paisajes agrestes de extrema pobreza hasta llegar a otros civilizados, enfocando la cuadrilla de gauchos sobre caballos que van hacia el altar del Gauchito, o bien recorriendo los rostros de quienes van a rendirle culto.

Sin muchos datos, el documental de Lía Dansker reflota un mito que tiene millones de seguidores en el país, en Chile, en el Uruguay, gente que concurre cada mes de enero a rendirle tributo al Santo no canonizado que les cumple sus pedidos. Interesante propuesta sin ser profunda o exhaustiva con atrapante manejo de cámara.

Elsa Bragato

 

JUEVES 7 DE FEBRERO DEL 2019.-

Llegan estrenos varios que incluyen a La Favorita, la gran competidora de �Roma� en los premios Oscar, este primer jueves de febrero a los cines nacionales.

 

1.- ESCAPE ROOM, SIN SALIDA, de Adam Robitel. Seis personas son convocadas a participar de�un escape y quien lo logre ganara un millon de dolares.

 

�Tiene detalles de �Tales from the Crypt� y de otras mas antiguas y mejores, el problema es que nunca alcanza el nivel de estas, y su parte final es aburrida y demasiado formal�, de Glenn Kenny, The New York Time.

 

�Veras peliculas peores este 2019. Lo mejor que se puede decir de ella es que no pasas las dos horas buscando la salida�, de David Fear, The Rolling Stones.

 

 

2.- LA GRAN AVENTURA LEGO 2, de Mitchell y Gum. Emmet, Lucy y Batman enfrentan a enemigos del exterior. La lucha los llevara a mundos muy lejanos donde todo es musical.

 

�Una tormenta incesante de gags, tremendamente original y que no deja ni un segundo de sorprendernos�, de Peter Bradshaw, The Guardian.

 

�Pese a lo entretenida que resulta, hay algo que echamos de menos: la loca creatividad de la original. Todo sigue siendo impresionante, solo que un poco menos�, de Chris Nashawaty, Entertainment Weekly.

 

Tambien se estrenan 3.-La nostalgia del centauro, documental de Nicolas Torchinsky sobre un matrimonio de ancianos provenientes de los cerros tucumanos, y 4.-El tio”, film de Maria Eugenia Sueiro, que fuese anunciado a mitad del 2018, oportunidad en la que se lo comento.

 

LA FAVORITA

 

De Yorgos Lanthimos. Con Olivia Colman, Emma Stone, Rachel Weisz, Nicholas Hoult, Joe Alwyn, James Smith, entre otros. Música del Renacimiento y barroco, desde Bach hasta Vivaldi, con la inclusión en el final de Elton John y su versión para clavecín de “Skyline pidgeon”. Fotografía de Robbie Tyan. Duración: 121 minutos.

 

XXXXX- HISTORIA OSCURA DE UNA REINA

“La favorita”, nuevo film del destacado griego Yorgos Lanthimos, el mismo de “El sacrificio del ciervo sagrado” y “Langosta”, es profundamente retorcido y extravagante, aunque tiene aciertos destacados en la trilogía protagónica y en la fotografía. Es decir, hay una forma que atrapa, tomas americanas oblicuas y ojo de pescado que se reiteran como esquema a lo largo de 8 capítulos, junto a una subyugante reconstrucción de época que incluye una estupenda banda sonora.

El fondo es traer a la pantalla la historia de Anna Reina de Inglaterra, Irlanda y Escocia, la última de los Estuardo, que tuvo 17 hijos, ninguno de los que llegó a adulto. En plena guerra con Francia, enfrenta la soledad del trono porque su marido está en combate. La secundan lady Sara Churchill, esposa del duque de Marlborough, y la joven Abigail, que dice ser su prima pero caída en desgracia, por lo que pretende reconquistar su status aristocrático: tres mujeres, 17 conejos que reemplazan a los 17 hijos fallecidos, y una reina que come descontroladamente encontrando solaz sexual en su confidente Sara (Emma Stone, irreconocible) y en la novata Abigail (Rachel Weisz).

Con un matiz de burla desacralizante, Yorgos Lanthimos profundiza en las relaciones procaces de la reina Anna, enferma crónica de gota, que encarna la laureada actriz Olivia Colman. Desgreñada, grosera, Anna es un esperpento que solo seduce por su poder omnímodo. El trío de actrices se mueve a la perfección, como piezas de un reloj que encajan en el preciso momento. Y en esto reside el mayor logro del realizador griego que ha recibido 10 nominaciones por esta película. Colman asombra por la ductilidad de su cara mientras que Emma Stone seduce desde la prepotencia y Rachel Weisz asombra por su hierática belleza.

A estas alturas hay que plantearse si al público le puede atraer la biografía parcial de una reina británica enmarcada en una narración con especulación visual, matanza de animales, y groserías puntillosas, aunque las califiquemos de “sarcasmos”.

De lo que no quedan dudas es de la inteligencia de Lanthimos para manipular, retorcer, exprimir, una historia: luego de esta “favorita” no habrá quién se le atreva a Anna Estuardo con su decadente reinado. Manejándose con arquetipos de “story board” conforma una apuesta que entra por los ojos y no por su historia desangelada. Advertido el espectador, llama la atención que en Hollywood seduzca más la biopic de un monarca europeo que las surgidas de su propia tierra.

Elsa Bragato

 

LADRILLOS CAPITALES

TRAILER

https://youtu.be/XzlefL3xZY8

 

Documental de Gustavo Laskier sobre la villa Rodrigo Bueno. Duración: 71 minutos.

XXXXX-BARRIOS DE PIE

Gustavo Laskier rescata con este documental la lucha de los vecinos de la villa Rodrigo Bueno, que surgió en los 80 al lado de la Reserva Ecológica de la Costanera Sur. Allí hay más de 1000 familias que tuvieron en su vocero, el vecino peruano Luis Espinosa, al delegado que los convocó y permitió que se accedieran a reuniones con diferentes representantes incluso del gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Las familias, muchas provenientes del Paraguay y del Perú, enfrentaban hace 13 años, tal vez un poco más, el desalojo por estar ocupando una de las zonas más costosas de Buenos Aires. Alzaron la voz durante mucho tiempo hasta que las autoridades cambiaron de actitud y comenzó a hablarse de “urbanización”, incluyendo créditos blandos a los que se supone que los vecinos podrán acceder.

Las obras comenzaron, las máquinas alisaron vastos terrenos donde se colocarán los pilotes, los fundamentos de los futuros edificios que albergarán a más de 600 familias.

Se trata de un documental interesante que muestra una circunstancia diferente entre los habitantes porteños, desde los que pueden acceder a viviendas dignas en diferentes barrios hasta los que hoy deben vivir en asentamientos carentes de los servicios elementales. El documento de Laskier muestra cómo se puede cambiar una realidad distópica con legisladores que escuchan los reclamos de los ciudadanos a los que representan.

Elsa Bragato

 

MOCHA

TRAILER

https://youtu.be/TX4PMIIPoqY

 

Documental colectivo realizado por los alumnos del bachillerato trans “Mocha Celis”, ubicado en el barrio de Chacarita. Lo dirigieron Francisco Quiñones Cuartas y el franco libanés Rayan Hindi. Duración: 71 minutos.

XXXXX- NO A LA EXCLUSIÓN

A través de diversos alumnos-alumnas que asisten al bachillerato trans “Mocha”, del barrio de Chacarita, se logra este documental colectivo sobre la integración. Los travestis cuentan sus historias y el enorme beneficio de estudiar el bachillerato en un lugar donde no son mal vistos ni excluidos y obtener el título que les abre puertas.

Mocha Celis fue una travesti tucumana asesinada en los 90 por la policía. Desde entonces, la lucha se acrecentó incluyendo las marchas que se realizan una vez por año y los reclamos insistentes a las autoridades sobre los derechos que los asisten.

La Argentina es, en verdad, una abanderada en materia de derechos para los trans, incluyendo la creación de este bachillerato que es único en el mundo. Un gran paso de nuestra sociedad hacia la integración absoluta que aún no se da. El documental se estrena en el Malba, fuera del circuito considerado comercial.

Elsa Bragato

 

FIESTA NIBIRU

TRAILER

https://youtu.be/FMrW_pJ6vu4

 

De Manuel Facal. Con Carla Quevedo y Verónica Dobrich entre otros. Fotografía de Benjamín Silva. Duración: 89 minutos. Coproducción Argentina-Uruguay.

 

XXXXX-BURDA PIJAMADA

Como el título lo indica, deberíamos estar frente a una “fiesta”. En cambio, asistimos a una historia que intenta ser “Her”, memorable film, para terminar siendo un ensayo tonto y burdo que no debería llegar a las salas. Dos jóvenes se comunican via internet con amigos lejanos, Austria, Estados Unidos, hablan en inglés y sueñan con la gran pijamada. De a poco, irán llegando invitados cada vez más extraños y la ingenuidad prepotente inicial se transformará en una mueca.

La búsqueda de lo “noir” sin tener suficientes recursos queda en la nada. La falta de generación de climas y los diálogos paupérrimos hacen de esta “fiesta nibiru” un fracaso absurdo. Los ensayos hay que dejarlos para la hora del videojuego en el living de casa.

Elsa Bragato

 

JUEVES 31 DE ENERO DEL 2019.-

Producciones internacionales y nacionales llegan a las pantallas de nuestros cines. Terror, amistad, animación, vidas ejemplares, distintos tópicos en diversos formatos.

1.-“Como entrenar a tu dragón 3” es la tercera entrega de este dibujo animado de Dreamworks, con más aventuras de este animalito al que hay que salvar del malvado de turno. “Hipo” y “Chimuelo” son los protagónicos de la saga animada, versión libre de los libros de la inglesa Cressida Cowell. Jay Baruchel, como en el 2010, sigue siendo la voz de Hipo, manteniéndose uno de los dos directores originales (Dean Debois) y el compositor de la banda sonora, John Powell.

2.-“Anoche”, de Paula Manzone y Nicanor Loreti. Con Gimena Accardi, Benjamín Rojas, Valeria Lois. Comedia romántica juvenil.

3.- “Un cine en concreto”, documental de Luz Ruciello. Valioso retrato de vida del albañil Omar José Bonard, entrerriano, quien encuentra en el cine una poderosa tabla de salvación y comparte este sentimiento con los habitantes de su pueblo a través de su propia “sala”, construida durante cuatro años por sus propias manos. Promueve el cine a través de su programa radial y hasta selecciona las películas a exhibir. Un héroe cotidiano que ayuda a soñar. Algo así como el “cinema paradiso” argentino.

 

AMIGOS POR SIEMPRE

Dirección: Neil Burger. Con Bryan Cranston, Kevin Hart, Nicole Kidman, entre otros. Fotografía: Stuart Dryburgh. Música: Rob Simonson. Duración: 126 minutos.

XXXXX-TERCERA VERSIÓN DE UN ÉXITO

Versión norteamericana basada en una historia verdadera, la del aristócrata Philippe Pozzo di Borgo quien, en un grave accidente de parapente ocurrido en 1993 quedó tetrapléjico. Cuenta la entrañable amistad que mantuvo con un inmigrante con antecedentes penales que trabajara como su asistente personal.

Se trata de la segunda remake del film francés “Intocable”, de 2011 interpretada por Francois Cluzet y Omar Sy (fue la segunda película francesa más exitosa de todos los tiempos con 19 millones espectadores). A ésta la siguió la película nacional, que protagonizaron Oscar Martínez y Rodríguez De la Serna, en una excelente versión que también logró buena taquilla.

Finalmente, llega este film norteamericano con las actuaciones de Bryan Cranston, Kevin Hart y Nicole Kidman. Tiene una marcada impronta hollywoodense, potente y explosiva, grandilocuente, filmada en una Nueva York deslumbrante. Todo está magnificado, contado desde el lugar de la opulencia. Se establece un duelo actoral estupendo entre Cranston, que solo se expresa con gestos, y Hart, aclamado comediante actual. Nicole Kidman cierra esta trilogía protagónica de notables, sobria, dueña de una subyugante presencia. Destacamos la secuencia del “parapente”, revancha del destino para Philippe Pozzo di Borgo, donde juegan el vértigo panorámico y la belleza de la locación. Sin duda alguna, hubo excelente presupuesto, muy bien aprovechado. Gratifica!

Carlos Pierre

 

BEAUTIFUL BOY

Dirección: Felix van Groeningen. Con Steve Carell, Timothée Chalamet, Maura Tierney , Amy Ryan, Timothy Hutton, entre otros. Cinematografía: Ruben Impens. Duración: 120 minutos.

XXXXX-DRAMA CON MENSAJE SANADOR

El realizador belga Felix van Groeningen se conmovió con las memorias de David y Nick Sheff, quienes escribieron sendos libros sobre el derrotero dramático que padre e hijo, respectivamente, tuvieron para superar la drogadicción. En la vida real, como en esta ficción, David (Steve Carell) jamás abandonó a su hijo, quien comenzó con drogas blandas hasta caer en las duras. Se trató de un afamado escritor norteamericano de la revista Rolling Stone y del diario New York Times, quien supo relacionarse con John Lennon y Yojo Ono, Steve Jobs, Tom Hanks, Carl Sagan, entre otros artistas, logrando una excelente posición económica y mucho prestigio. El caso de su hijo, Nick, le permitió desarrollar el problema endémico de la drogadicción en el mundo en artículos que fueron muy resonantes. Vivió su odisea emocional, paternal, interiorizándose de las motivaciones y características de la drogadicción y de las diversas circunstancias que llevan a este flagelo.

Es un profundo duelo actoral que atraviesa diversos sentimientos, desde el afecto hasta el dolor, entre padre e hijo a través de los años. Steve Carell y Timothée Chalamet (la revelación de “Llámame por tu nombre”) logran una comunicación actoral que conmueve aunque pueda llegar a lo previsible y lo ramplón en alguna secuencia. Es un alegato valiente que puede ayudar, mostrando el camino de muerte que un joven inicia a partir de la droga y la aflicción de una familia, o de un padre como en este caso, para sacarlo de ese oscuro pozo terminal.

                                                                    Carlos Pierre

 

SUSPIRIA

Dirección: Luca Guadagnino. Con Dakota Johnson, Tilda Swinton, Cloé Grace Moretz, Mia Goth, Jessica Harper, Sylvie Testud, entre otros. Fotografía: Sayambhu Mukdeeprom. Música: Thom Yorke. Duración: 152 minutos. Italia-Estados Unidos.

XXXXX-CUANDO “MÁS” ES “MENOS”

Remake de la película italiana del mismo nombre, dirigida por Darío Argento en 1977, a su vez parcialmente basada en el ensayo de Thomas De Quincey de 1845, Suspiria de Profundis (Suspiros desde las profundidades). Es la primera de la trilogía que Argento denomina Las tres madres, que comprendió Inferno (1980) y The Mother of Tears (2007). De las tres, Suspiria se convirtió en un film de culto por su propuesta visual y el estilo cinematográfico que Argento le otorgó. En este caso, Luca Guadagnino realizó la versión contando con el avance tecnológico que logró el cine en las últimas décadas. Elaboró una atmósfera de alucinación, muy provocativa, impregnada de brujería, con referencias a la fe y a la política en mayor medida que el original. La fotografía de Sayambhu Mukdeeprom es escalofriante e impactante al lograr una cohesión de las escenas de terror de gran potencia gore. Con respecto al film original, hay algunos cambios, como el nombre de la protagonista, a cargo de Dakota Johnson (la joven actriz forma parte de propuestas innovadoras que no siempre tienen aceptación), quien viaja a Berlín para cursar danzas en una afamada escuela que dirige Madame Blanc (Tilda Swinton). El asesinato de una ex alumna la lleva a dudar del entorno y de la escuela misma, poniendo en tela de juicio lo que ve y vive. Es un típico “giallo” de Dario Argento quien, sin embargo, no quedó conforme con esta remake al considerar que el espíritu narrativo no fue el mismo que tuvo su film. Para los jóvenes es un acercamiento inmediato al nombre de un director como Argento y el conocimiento de otro como Guadagnino, quien viene de realizar la exitosa “Llámame por tu nombre” (a su protagonista lo tenemos en el film “Beattiful boy”). Audacia y calidad cinematográfica resumen este producto del italiano. Varios minutos menos le habrían venido muy bien. Recomendada para fans del terror.

                                                                        Carlos Pierre

 

LOS ÚLTIMOS ROMÁNTICOS

Guion y dirección: Gabriel Drak. Fotografía: Raúl Etcheverry. Música: Gustavo Pomeranec. Duración:100 minutos. Con Juan Minujín, Néstor Guzzini, Vanesa González, Adrián Navarro, Ricardo Couto, Ernesto Liotti, entre otros. Coproducción Argentina-Uruguay.

XXXXX-BUEN GUION, ESCASA PRODUCCIÓN

Dos grandes amigos que viven en una pequeña ciudad costera, en el departamento de Canelones, Uruguay, son poco afectos al trabajo, una especie de “últimos románticos” o bohemios que, en verdad, no tienen relación alguna con el Romanticismo y sí, en cambio, con el de las “avivadas rioplatenses”. En una pequeña localidad con escasos habitantes encuentran un hotel deshabitado que ponen a disposición de ancianos europeos cuyo sueño es pasar la vejez rodeados de hermosos paisajes. La llegada del comisario lugareño los pondrá en situaciones difíciles. Juan Minujin encarna al protagonista, un vago de aquéllos quien, junto a un amigo, ven cómo sus sueños se van desmoronando como fichas de dominó. El guion es ingenioso, así como de gran solvencia la actuación de Juan Minujin, logrando una superlativa composición de un indolente. La producción es demasiado escasa de recursos y en esto radican los aciertos y desaciertos narrativos, sumándose la inclusión de una música incidental estridente.

                                                                     Carlos Pierre

 

JUEVES 24 DE ENERO DEL 2019.-

Buenas películas llegan esta semana a los cines. Se incluyen curiosidades como los cómics “La muerte de Superman” y “El reino de los Supermanes”, producciones de Warner Bros, que se exhibirán hasta el martes 29 próximo. También se reestrena “La lista de Schindler”, de Steven Spielberg, con Liam Neeson, a 25 años de su estreno, una obra maestra en blanco y negro sobre el industrial alemán Oskar Schindler, quien salvó a miles de judíos del Holocausto.  “No mires”, de Assaf Bernstein, es el film de terror de la semana, sobre una adolescente que encuentra en su imagen en el reflejo a su “alter ego” malvado.

 

EL REGRESO DE MARY POPPINS

Dirigida por Rob Marshall. Guion de David Magee. Historia para la pantalla de Magee, Marshall y John Deluca, basada en las historias de Mary Poppins de P. L. Travers. Con Emily Blunt, Lin-Manuel Miranda, Ben Whishaw, Emily Mortimer, Julie Walters, Pixie Davies, Nathanael Saleh, Colin Firth, Meryl Streep, entre otros. Música original de Marc Shaiman y canciones nuevas con música de Shaiman y letra de Scott Wittman y Shaiman. Duración:130 minutos.

XXXXX-RESPETUOSA SECUELA

Los Estudios Disney lograron dar una vuelta de tuerca a la tradicional historia de Mary Poppins logrando esta nueva historia, Mary Poppins regresa: el tiempo pasó para los personajes y Mary Poppins se apresta a ayudar a la nueva generación de la familia Banks a fin de que recupere la alegría. Plena  década del 30, Londres está en plena Gran Depresión, el dinero es escaso y el futuro se presenta incierto. El hermano mayor, Michael (Ben Whishaw), toma las riendas de la casa, mantiene a la familia trabajando en el mismo banco que lo hicieron su abuelo y su padre, bajo la directiva de William Weatherall (Colin Firth), quien esconde sus objetivos. Quedó viudo con tres pequeños hijos, bulliciosos e inquietos. La hermana mayor, Jane (Emily Mortimer), se ocupa de los derechos de los trabajadores continuando el camino de su madre. Ellen (Julie Walters) es el ama de llaves que no perdió su bien intencionada ineficiencia.

La llegada de Mary Poppins (Emily Blunt), la niñera con habilidades mágicas, cambiará la situación con su capacidad para convertir las tareas rutinarias en aventuras singulares: no envejeció y quiere ayudar a la nueva generación de los Banks. Su viejo amigo Jack (Lin-Manuel Miranda), el encantador y optimista farolero, la secundará en sus aventuras con los pequeños de la casa.

Excéntrica y con un acento difícil de rastrear, Topsy (Meryl Streep) ilumina de excelencia la única escena en la que interviene: es la prima de Mary Poppins, dirige una tienda de reparaciones que, curiosamente, queda patas para arriba el “segundo miércoles” de cada mes.

En esta superproducción, el rol de Dawes Jr, que interpretó Dick Van Dyke (hoy de gloriosos y lúcidos 91 años), tiene escasa relevancia, prácticamente no interactúa. Como corresponde a Hollywood, los efectos especiales tienen una notable realización: desde el fondo del mar hasta los vuelos, el film deslumbra con su fotografía. La música y canciones son, en cambio, el punto débil en relación con la primera entrega. Las instrumentaciones tienen excelente factura, la música incidental es perfecta como tal, pero no hay canciones nuevas que atrapen, salvo “The place where lost things go”, nominada a los Oscars. Con sus más y sus menos, esta secuela de “Mary Poppins” (1964) es una producción digna, disfrutable, con más tecnología y menos emoción.

Carlos Pierre

 

 

EL VICEPRESIDENTE

Dirección: Adam McKay. Con Christian Bale, Steve Carell, Amy Adams, Sam Rockwell, entre otros. Director de fotografía: Greig Fraser. Maquillaje: Greg Cannom. Música: Nicholas Britell. Duración: 132 minutos.        

XXXXX-EL “BRUJO” NORTEAMERICANO

“El vicepresidente”, del realizador Adam McKay, es un retrato audaz e irónico de Dick Cheney, el vicepresidente de George H. W. Bush. En tono de comedia, el film desnuda el otro lado del retrato de Cheney (Christian Bale), un hombre oscuro y calculador, un real “monje negro”, que manejó los destinos del país más poderoso del planeta. Nacido en Wyoming, comenzó una travesía siniestra y silenciosa hasta convertirse en el vicepresidente de Bush Jr; tenía una ilimitada sed de poder y cumplió con su propio plan de empoderamiento sagaz y sigiloso a lo largo de 50 años y a través de diversas administraciones políticas del país del Norte.

Con detalles minuciosos, se asiste al desarrollo de un hombre temible que tuvo en Donald Rumsfeld (Steve Carell) a su mentor y en su mujer (Amy Adams) a una influyente y bella compañera que lo alentó en su ambición. Curiosamente, su salud no lo ayudó, sufriendo varias dolencias cardíacas que no lo apartaron del camino trazado en su juventud. El presidente entonces George Bush está encarnado por Sam Rockwell, dubitativo y débil, en las garras de su “vice”. Son cuatro personajes interrelacionados fuertemente en un período político de los Estados Unidos que influyó en los últimos 30 años de la historia del mundo.

Por detrás de esta atrapante narración está el cómo se realizó: en tan solo 54 días de filmación tuvieron que mostrarse cinco décadas de historia y numerosas locaciones. Fue un motivo desesperanzador para Adam McKay que lo resolvió con la inclusión de archivos fílmicos y la filmación en el Sur de California, donde logró ubicar a un reparto de 150 personajes en diferentes secuencias. Las tareas de maquillaje y de edición fueron titánicas. Basta con verse el cambio físico de Christian Bale, quien viene arrasando con los premios al mejor actor 2018. Gran comedia política que revela una vida oscura y poderosa en cuyas manos no solo estuvo el ex presidente Bush sino el mundo entero. Y enorme audacia de Hollywood donde la libertad de expresión en materia de historias es un hecho incontrastable.

Carlos Pierre

 

 

SOMOS UNA FAMILIA

De Hirokazu Koreeda. Con Kirin Kiki, Sosuke Ikematsu, Lily Franky, Moemí Katayama, entre otros. Guión de Hirokazu Koree.eda, Música de Haruomi Hosono, Fotografía de Ryuto Kondó. Duración: 121 minutos. Nominada a los premios Oscar 2019 como Mejor Película Extranjera.

XXXXX-CONMOVEDOR RELATO SOCIAL

A través de una familia ensamblada de oscuro nacimiento, Hirokazu Koreeda resume muchos de sus postulados fílmicos (recientemente vimos “Nuestra hermana menor”): la marginalidad que su país esconde, la profunda necesidad de amar y ser amado, la pobreza, la miserabilidad, la prostitución infantil. Se valió de una de sus actrices fetiches, la memorable Kirin Kiki fallecida hace más de un año, como la abuela que asume ese rol dentro de una rara pareja, a cargo de su nieta y de dos pequeños. Uno de ellos es el hijastro de Osamu, quien le enseña lo único que sabe: robar en los shoppings.

La otra es una pequeña que puede morir de frío en las noches niponas, echada a la calle por su madre. Osamu la lleva a su casucha donde, entre rezongos, la pequeña es admitida como un miembro más, escondiéndose el hallazgo a las autoridades.

El relato de Koreeda es profundamente escabroso por las historias que sus personajes esconden y que solo serán descubiertas en un apretado desenlace con un final inesperado y puntual. La delincuencia responde a la pobreza, a la falta de educación y de trabajo, por los que los hechos se “abuenan” ante nuestros ojos. Koreeda demuestra que el profundo amor supera la muerte, el asesinato, el robo, la persecución. Un atinado colega español llamó a la sensación que produce este film como “una sonrisa helada”: todo nos perturba y nos conmueve sin enojarnos, desde el erotismo pueril de la nieta mayor en una casa de citas hasta el robo cotidiano “hormiga” para sobrevivir.Al parecer, es la ceremoniosa sociedad japonesa la que oculta esta otra cara de miserabilidad. Allá tanto como acá. Sin juzgar, ofreciéndoles una redención aceptable, tal vez lo único convencional de esta obra maestra de Hirozaku Koreeda.

Elsa Bragato

 

 

LA JERUSALEM ARGENTINA

De Iván Cherjovsky y Melina Serber. Participan los colonos de Moisés Ville. Investigación de Iván Cherjovsky. Fotografía y cámaras de Sol Miraglia y Camila López Pozner. Editor: Emiliano Serra. Sonido: Andrés Radulovich. Duración: 59 minutos.

XXXXX- RESCATE HISTÓRICO

El documental de Iván Cherjovsky y Melina Serber cumple con el propósito de ambos: rescatar la historia del pueblo Moisés Ville, en la provincia de Santa Fe, tal como lo hacen sus escasos 150 descendientes de los míticos gauchos judíos que arribaron en 1889 provenientes de Ucrania, la entonces Rusia zarista. Fueron más de 800 inmigrantes judíos. Posteriormente se sumaron unos 30.000 más, que pidieron tener un lote para cultivar la tierra y criar ganado. Perseguidos en la Europa Oriental, vinieron a la Argentina que abría sus brazos a todos los hombres de buena voluntad del mundo a partir de su flamante constitución nacional.

Con el tiempo, los jóvenes partieron. Se radicaron en diferentes ciudades de la Argentina e incluso muchos fueron a Israel donde se radicaron. Hoy el 8 por ciento de la población inicial sobrevive en las típicas casas bajas de los pueblos argentinos.

El documental está dedicado  a “Ingue”, sobrenombre de uno de los primeros participantes de esta producción. Otros pobladores que contribuyeron con sus anécdotas son Moisés y Elka Gutman, Claudia Baer, Luis Liebenbuk, Eva Guilbert, David Indelman, entre otros. Son la historia viviente de sus bisabuelos-

Pausado relato que cobra animación a partir de los 40 minutos, donde la cámara recorre las sinagogas, el almacén con productos judaicos como el leicaj, la lectura de la biblia, y las festividades compartidas, hacen de Moisés Ville un pueblo muy singular en sus 125 años de fundación. Fue la primera colonia judía del país, tuvo el primer rabino argentino y la primera sinagoga argentina, surgiendo los primeros gauchos judíos. El documental se cierra con viejas fotografías que ilustran la historia propuesta, sencilla y cansina.

Elsa Bragato

 

JUEVES 17 DE ENERO DEL 2019.-          

Entre los estrenos de esta semana llegan dos figuras que son “celebrities”: nuevamente Nicole Kidmann en un personaje complejo, y el regreso de Sylvester Stallone, con su mítico Rocky Balboa.

 

1.      AMOR SOBRE RUEDAS, Franc Dubosc. Con Franc Dubosc, Alwxandra Demy. Un nato donjuán le hace creer a una bella chica que es lisiado. La realidad trastocará sus planes.

“Tener un personaje tan sinvergüenza y a la vez querible… es un manantial de situaciones con potencial cómico. El guion casi nunca logra esquivar la categoría de previsible”, de Federico Marín Bellón, Diario ABC, España.

 ANÍBAL, JUSTO UNA MUERTE, de Meko  Pura. Documental sobre la vida del ex boxeador Aníbal Disanti, que peleó con Gatica terminando su carrera profesional cuando murió Storti, su contrincante. Ficciones, documentos de época, jalonan esta narración que rescata del olvido a un hombre común que enfrentó a glorias en un ring.

 

 

DESCUBRIENDO A MI HIJO

De Savi Gabizon. Con Shai Avivi, Neta Riskin, Assi Levy, entre otros.  Fotografía de Asaf Sudri. Guión de Savi Gabizon. Duración: 100 minutos.

XXXXX-CONMOVEDOR RELATO DE FAMILIA

Tras varios meses de postergaciones, llega a los cines esta comedia negra sobre una familia disfuncional: la historia de un hombre adinerado que, de pronto, se reencuentra con su novia de la Universidad y descubre que fue padre hace más de 20 años. Planteado este nudo dramático, la narración toma un giro inesperado que lleva a la comedia semipolicial, debiendo enfrentar el protagonista situaciones que lo involucran como “padre ausente” pero, en definitiva, padre.

Surgen así varias ideas sobre la relación padre e hijo que son sabias y conmovedoras, con un tinte dramático que el guionista resuelve por el camino de la comedia grata, la que no pide lágrimas sino sensibilidad. Entretiene y atrapa desde un lugar fuera de lo común. Para ver.

Elsa Bragato

 

 

CREED II

De Steven Caple Jr. Con Michel B. Jordan, Sylvester Stallone, Juel Taylor, Florian Munteanu, Dolph Lundgren. Guion de Sylvester Stallone. Fotografía de Kramer Mirgenthau. Música de Ludwig Goransson. Duración. 130 minutos.

XXXXX-EL REGRESO MÁS ESPERADO

Rocky Balboa regresó con otra historia sólida, luego de “Creed” del 2015: en “Creed II” Sylvester Stallone vuelve a calzarse el traje de uno de sus personajes más queridos, el del entrenador de un joven boxeador, Adonis Johnson, quien ahora deberá enfrentar al hijo del asesino de su padre. Como en los viejos tiempos, hay un pícaro mensaje político: rusos versus norteamericanos. El “challenger” del campeón mundial Johnson es ruso, gigantón torpe, matón en el ring y fuera de él, Viktor Drago. Y un guiño a su propia vida con la inclusión en el rol de “Lumilla”, la malvada madre de su eterno enemigo Drago, de su ex mujer Brigitte Nielsen, tan fantásticamente bella como hace más de 30 años.

En dos partes previsibles pero atrapantes el director Steven Caple Jr encara el guion de Stallone, sin que esto haga mella en la historia propuesta. Rocky continúa con sus conflictos familiares mientras colabora con su ex pupilo en su recuperación dado que Adonis enfrentará una batalla definitoria para su vida.

Caple Jr se toma su tiempo para presentar a Adonis en esta etapa de vida y de relación con Balboa, llegando al climax con las “batallas” en el ring, filmadas con alto vuelo creativo. El tratamiento clásico y la efectiva fotografía se dan la mano para devolvernos a Don Stallone como en sus mejores tiempos. El trabajo del sonido en una excelente postproducción hace saltar de la butaca mientras que la banda sonora de Goransson subraya las secuencias con notable vehemencia devolviendo, en otro guiño, la melodía que hiciera famosa a esta serie con pocos compases que bastan para emocionar. Es la película imperdible de la semana.

(Recordamos que el personaje de Rocky Balboa estuvo presente a lo largo de seis películas: la primera fue “Rocky” en 1976 (ganadora del Oscar), cerrando la serie en el 2006. Recién en el 2015 regresó el personaje con la inolvidable “Creed”).

Elsa Bragato

 

 

DESTRUCCIÓN

De  Karyn Kusama. Guion: Phil Hay, Matt Manfredi. Fotografía: Julie Kirkwood. Con Nicole Kidman, Sebastian Stan, Tatiana Maslany, Toby Kebbell, Scoot McNairy, Bradley Whitford, James Jordan, entre otros. Música: Theodore Shapiro. Duración: 123 minutos.

XXXXX-IMPERDIBLE ACTUACIÓN DE NICOLE KIDMAN

Erin Bell (Nicole Kidman) supo ser policía encubierta dentro de una banda peligrosa del desierto californiano. No fue gratuito: le cobró un precio muy alto con consecuencias fatales en su entorno familiar. Cuando el líder oculto de la banda vuelve a dar señales de vida, Bell – que cree haberse recuperado de aquella tragedia- emprende una cacería y regresa al sucio mundo de la mafia, a pesar de la cicatriz profunda que le dejó. Esta vuelta a la pandilla en un ámbito tan duro puede ser su propia destrucción lastimándola aún más en cuerpo y alma.

Nicole Kidman encara una composición de personaje muy difícil y extrema, que además desfigura su gran belleza: aparece muy delgada, desgreñada, robotizada hacia un objetivo determinado. El guion utiliza estas aptitudes histriónicas de la australiana para oscilar entre el drama personal y el presente. Eric quiere redimir su pasado, eliminar al brutal delincuente aunque en ello pueda perder su propia integridad.

La directora Karyn Kusama reconstruye pasado y presente de Eric, uniéndolos mediante numerosos flashbacks, con importantes destaques de los ojos celestes de Kidman-Eric en los que anida una profunda desesperación por cumplir su objetivo.  Estamos frente a un intenso thriller en el que Nicole Kidman hace gala de estupendas coreografías de lucha y del uso de todo tipo de armas. Jeans, desgarbada, ensimismada, la actriz logra un superlativo trabajo muy lejos de la heroína de extrema belleza. Brilla en el barro, en el paisaje deprimente, distópico, agresivo, en el que su personaje se mueve, méritos más que suficientes para estar nominada a todos los premios de Hollywood. La actuación de esta “celebrity” produce admiración. Otro film imperdible entre los estrenos de esta semana.

                                                                      Carlos Pierre

 

 

FLORIANÓPOLIS

Dirección: Ana Katz. Guion: Ana Katz y Daniel Katz. Con Mercedes Morán, Gustavo Garzón, Marco Ricca, Andrea Beltrao, Joaquín Garzón, Manuela Martínez, entre otros. Duración: 106 minutos. Música: Maximiliano Silveira, Beto Villares, Erico Theobaldo, Arthur de Faría. Coproducción Argentina-Brasil. Idiomas: Español y Portugués.

XXXXX-RETRATO DE LA ARGENTINA PREPOTENTE

Un matrimonio de psicólogos, Lucrecia (Mercedes Morán) y Pedro (Gustavo Garzón), están “técnicamente separados”, así lo definen ellos, desde algunos meses, luego de una relación de años; no obstante, deciden vacacionar juntos en Florianópolis, Brasil, junto a sus hijos adolescentes, Flor y Julián. Es una especie de última aventura o reconciliación, donde deberán enfrentar sus sentimientos y sus pasados.

Por sobre las anécdotas está el humor de la narración con el que Ana Katz retrata las miserias del típico argentino, el de los equívocos idiomáticos que cree salvar con autosuficiencia, aire sobrador y petulante, bien de los 90. Rodea a los personajes de una atmósfera embriagadora, cálida, que les permite aventurarse al máximo.

En la filmografía de Ana Katz hay trazo fino, el que indaga en los sentimientos de los personajes, sin lastimarlos. Muestra también una mirada perspicaz sobre nuestra sociedad en cuyas hendijas están los resortes del temperamento social. Sus historias siempre son convincentes (destacamos en especial “Una novia errante”, enigmática y sólida), aunque en ésta, su quinta película, haya cierta rutina narrativa. Mercedes Morán logró coronarse, sin embargo, como la actriz del cine nacional 2018 mientras que la propia Katz obtuvo un merecido premio de Fipresci. No siempre los espejos nos devuelven la imagen que queremos.

                                                                               Carlos Pierre

 

 

GLASS

Escrita y dirigida por M. Night Shyamalan. Con Bruce Willis, Samuel L. Jackson, James McAvoy, Anya Taylor-Joy, Spencer Treat Clark, Charlayne Woodard, Sara Paulson, entre otros. Música: West Dylan Thordson. Duración: 128 minutos.

XXXXX-TRAVESURA DE RECOPILACIONES

M.Night Shyamalan termina su trilogía de héroes sobrenaturales con “Glass”, este nuevo thriller de terror en el que retoma “El protegido”, del 2000, y “Fragmentado”, del 2016. Bruce Willis regresa como David Dunn y Samuel J. Jackson como Elijah Price o Mr Glass del primer film, mientras que James McAvoy retoma el rol de Kevin Wendell Crumb del segundo. La única sobreviviente de la segunda película que integra el reparto es Anya Taylor- Joy, como Casey Cooke así como se suma Sarah Paulson.

El planteo de Shyamalan parte de la psiquiatría: ¿realmente estos personajes tienen poderes de verdad o bien todo es fruto de sus mentes, deseosas de ser sobrenaturales? Por lo que es posible pensar que los superhéroes podrían existir en la realidad. Es, en definitiva, una arriesgada apuesta del realizador que se atreve a una trilogía oscura y densa, con personajes extraños que dejan muchos interrogantes. Por otra parte, el riesgo de Shyamalan tiene un segundo factor: el paso del tiempo. Desde la primera película hasta la actual pasaron casi dos décadas, que están indicando el surgimiento de nuevas generaciones que pueden no estar al tanto de estos personajes y sus tribulaciones.

El sortilegio de los actores, la superproducción desplegada y el tratamiento narrativo del cómic, sin utilizarlo en forma directa, sacan a flote esta travesura de recopilaciones, cubriendo el objetivo del thriller de terror. De las tres películas de la saga, “Glass” no es lo mejor. Sin embargo, levantamos nuestro pulgar para este realizador que mantiene intacto su pulso creativo.

                                                                        Carlos Pierre

 

JUEVES 10 DE ENERO DEL 2019.-

Solo cuatro estrenos confirmados llegan a las salas de cine de este flamante año. Se destacan dos animaciones.

DRAGON BALL SUPER, BROLY AKA

Fox presenta esta animación japonesa, de Tatsuya Nagamine, que dura 100 minutos. El guión pertenece a Akira Toriyama. Para expertos en “animé”.

“Parece ser la introducción a algo mucho más grande. Es un retrato profundo y significativo sobre un hombre roto por un pasado repleto de abusos”, de Richard Eisenbeis, Anime News Network.

 

SPIDER-MAN, UN NUEVO UNIVERSO

De Bob Persichetti, Peter Ramsey y Rodney Rothman. Guión de Phil Lord y Rodney Rothman. Música de Daniel Pemberton. Edición de Robert Fisher Jr. Con las voces de Nicolas Cage, Shameik Moor, Jake Johnson, entre otras. Duración: 117 minutos.

XXXXX-EXCELENCIA VISUAL EN UN REBOOT SIN GRACIA

Reciente ganadora del Globo de Oro en el rubro Mejor Animación, “Spider-Man, Un nuevo universo” es un dechado de tecnología y una versión que introduce de lleno en el “Spiderverse”), un mundo donde los “spider-man” existen como reales justicieros sociales en varias realidades que, obligan a reboots constantes de la historia.

En este “Spider-verse” están los personajes que acompañan al nuevo Spider-man, un niño afrolatino de 13 años llamado Miles Morales, padre policía “afro”, tío policía y de tenebroso pasado, madre latina: Spider-man Noir, Spider-Cerdo, y múltiples guiños a personajes como los “Minions”, entre otros, que forman parte de la nueva cultura pop. Estos reboots nos alejan del eje de la historia: el malvado mafioso “Wilsin Fisk” es el dueño del “supercolisionador” que destruirá los “mundos”.

La técnica es realmente asombrosa. Los directores toman elementos del cómic como los “globos de texto” transformándolos en rectángulos con textos en castellano. Hay desenfoques muy estudiados o “motion-blur”, así como una utilización de la pantalla con varios wipers o subdivisiones, y un tratamiento especial en el nuevo Spidey, Miles Morales, con un framerate de 12 fotogramas y movimientos por segundo a diferencia del resto de los personajes, según los datos proporcionados por Sony. No dudamos de que esta versión animada del “niño araña” tiene una importancia cinematográfica extrema dado que establece un nuevo mojón en la depuración de la técnica de la animación. Pero, solo la podemos recomendar para quienes sean expertos en el universo de estos personajes y para quienes tengan mucha pero mucha paciencia… De allí nuestra calificación. La técnica no lo es todo.

Elsa Bragato

 

MÁQUINAS MORTALES

De Christian Rivers. Con Hugo Weaving, Hera Hilmar, Robert Sheehan, Jihae, Ronan Raftery, Leila George, Stephen Lang, Sarah Peirse, entre otros. Guión de Peter Jackson, Philippa Boyens, Fran Walsh. Fotografía de Simon Raby. Música de Junkie XL. Duración: 128 minutos. Nueva Zelanda.

XXXXX- DESORDEN DISTÓPICO ATRONADOR

Ensordecedora: así es esta versión del futuro del ser humano según la visión del escritor inglés Philip Reeve en su novela “Máquinas mortales”, que Peter Jackson, ganador del Oscar por la memorable trilogía “El señor de los anillos”, adaptó junto a un pool de guionistas. La banda sonora pergeñada por el eficiente Junkle XL no deja de escucharse en las más de dos horas de narración. batifondo que en nada ayuda a una historia sin emoción alguna, basada en persecuciones, venganzas, traiciones, que se sintetizan en la horrorosa secuencia donde una hija mata a su padre.

La historia se ubica miles de años después de la destrucción de la Humanidad, un período en el que las ciudades se trasladan sobre cintas metálicas a la manera de los “Panzer” alemanes por tierras arrasadas. El malvado de turno es Taddeus (Hugo Weaving), hombre de la elite de Londres, ciudad ahora sobre ruedas, quien tiene un pasado atroz, y una hija muy bella, a cargo de la actriz Leila George, enamorada de un joven universitario de clase muy pobre, Tom (Robert Sheehan). Taddeus, como “comandante” de estos restos de Londres, quiere arrasar a una ciudad más pequeña. Allí está “Hester Shaw”, una muy bella Hera Hilmar, que odia con fundamento a Taddeus.

Una manera de abordar estos relatos es ubicándose en la corriente que les da marco: la Steam-punk. Esto permite que el diseño de arte sea una mezcla extraña de restos de ruedas, puertas, chapas, chimeneas, que forman ciudades sobre ruedas o cintas metálicas a la manera de tanques.

Previsible, el bien triunfa sobre el mal como debe ser, la propuesta es mecánica, sin vuelo, atada a un esquema formal más que a una idea de subsistencia aceptable. Ruidosa, esquemática, con mucha acción, deja gran cansancio auditivo.

(Philip Reeve escribió varias sagas. “Máquinas mortales” es la primera de una tetralogía que continúa con “Predator’s gold”, “Infernal Devices” y “A darkling plain”).

Elsa Bragato

 

A OSCURAS

De Victoria Maya Miranda. Con Esther Goris, Arturo Bonín, Guadalupe Docampo, Alberto Ajaka, entre otros. Guion de Carla Scatarelli. Fotografía de Pablo Parra. Música de Lula Bertoldi. Duración: 83 minutos.

XXXXX- INCOMPRENSIBLE RELATO

“A oscuras” es un título sugestivo que se transforma en la primera película argentina del año en llegar a las salas. Tiene buen elenco, primerísimas figuras como Goris, Bonín, y el joven Ajaka, entre otros. Pero son incomprensibles tanto su guion como el planteo narrativo de la realizadora Victoria Maya Miranda.

Retratar la vida mediocre de varios personajes, con la redención establecida en la secuencia final, no basta para dar la idea de negritud que estos seres enfrentan porque sí, por la vida, o porque son incapaces de planificarse un futuro, se sea joven o mayor de edad.

No sentimos, no vimos, unidad alguna en el clima de oscuridad espiritual que lleva a unos y otros a la droga, la prostitución o el alcohol. Ni tampoco una dirección actoral que contenga la enorme capacidad de figuras como Esther Goris o Arturo Bonín. Frustrante experiencia.

Elsa Bragato

 

Agregamos que también se estrena “50 Chuseck”, de Tamae Garateguy, sin mayor difusión entre los críticos.

 

JUEVES 3 DE ENERO DEL 2019.-

Pocos estrenos en este primer jueves del nuevo año. Hay dos grandes films, por suerte: “Wifi Ralfh” en animación y la última entrega del gran Clint Eastwood, “La mula”. A diferencia de otros años, no hay ningún film nacional.


LA MULA
De Clint Eastwood. Con Clint Eastwood, Bradley Cooper, Alison Eastwood, Michael Peña, Andy García, entre otros. Fotografía de Ives Belanger. Música de Arturo Sandoval. Duración: 116 minutos.

XXXXX- REGRESO DEL GRAN MAESTRO

Pasaron 10 años desde “Gran Torino” donde Clint Eastwood, hoy de 88 años, dirigió y actuó su propio film. Regresa con esa misma postura, la de un hombre al final de su vida que desea enmendar lo que pueda, sin mirar hacia atrás, pero siendo conciente de que hay seres queridos que lo extrañan, que lo necesitan y por los que todavía puede hacer algo.

En “La mula” compone a Earl Stone, basado en el caso real de Leo Sharp, un ex combatiente de Corea que cultivaba lirios y a comienzos del siglo XXI perdió todo por lo que se unió al cartel de Sinaloa para transformarse en el “Abuelo” o “El tata” que traía droga. Su aspecto no permitía dudar de que se trataba solo de un anciano que iba de un lado a otro por razones muy lejanas al narcotráfico. Algo llamó la atención de la DEA que se puso en campaña hasta que lo apresó a los 87 años.

En la película, Earl Stone es ese personaje. Llega tarde al casamiento de su nieta, que es quien lo perdona por sus ausencias y quien lo ama, siendo rechazado por su hija (su propia hija Alison Eastwood en el papel). Su ex mujer no cree en que el viejo Earl. Es allí donde hace contacto con un vendedor de droga que lo conecta directamente con el cartel. Es que el anciano Earl se había “distraído” durante su vida en los lirios, dejando un poco de lado la manutención de la familia. Quiere enmendar tanto abandono y se une al narcotráfico.

Esos largos viajes le sirven para algún desvío emotivo: ver a determinados amigos, saludar a gente que conoce y que ha dejado de ver. Va recomponiendo su urdimbre social al saber que la muerte, por una razón de edad, le pisa los talones.

Los subtemas surgen sin perturbar el hilo central de la narración. No obstante, cobran importancia superlativa en la vida del personaje porque su nuevo “trabajo” quiere reparar los sentimientos de su ex mujer, su hija y su nieta. En planos narrativos que no se superponen sino que suman el gran maestro Eastwood nos cuenta esta historia de manera fluida pero sin sobresaltos. Aún cuando se incluye a la oficina de la DEA que busca a la “mula” conectada con Sinaloa.

Es una de las grandes películas de Clint Eastwood y una de sus mejores actuaciones, plena de sensibilidad. Los elogios quedan cortos ante esta nueva demostración de talento y emotividad del gran actor norteamericano. Eastwood tiene una conciencia muy clara de su edad, de la finitud –tema que campea en el film-, mostrándose como es, un anciano alto y un tanto encorvado, con enorme capacidad para tocarnos el corazón con historias reales narradas desde un profundo sentido existencial.

Elsa Bragato

Agregamos que ésta es la octava película en la que dirige y actúa. Las anteriores fueron Obsesión mortal, El fugitivo Josey Wales, La venganza del muerto, Cazador blanco-corazón negro, Los imperdonables, Los puentes de Madison, Gran Torino y La mula.



1) JEFA POR ACCIDENTE de Peter Segal. Con Jennifer López-

“Las escenas no tienen continuidad (…) Casi todas las crisis se solucionan a través de un montaje con música pop (…) Si hay por ahí algún cinéfilo dadoista, puede que vea en esta película una obra maestra de la ilógica”, de Keith Uhlich, The Hollywood Reporter.

“Tanto la película como López recobran su espíritu cómico cuando permiten que el argumento explore su lado más escapista. Y si te empiezan a aburrir, siempre puedes centrarte en J-Lo”, de Peter Travers, Rolling Stone.



WIFI RALPH

Dirección de Rich Moore y Phil Johnston. Guion de Phil Johnston y Pamela Ribon. Voces de John C. Reilly, Sarah Silverman, Gal Godot, entre otros. Música: Duración:

XXXXX-HERMOSA HISTORIA DE AMISTAD E INFORMÁTICA

Con este film se continúa la historia de Ralph El Demoledor, de 2012, siendo la primera secuela de cine de Walt Disney Animation Studios, a su vez creada por el mismo equipo de guion y dirección de la película original. Luego del ataque de los “Cybugs”, de la venganza de “Turbo”, surge esta historia. Ralph, el chico torpe de los videojuegos, y su mejor amiga Vanellope von Schweetz dejan las comodidades del Arcade (salón de videojuegos) de Litwak para salvar el videojuego de Vanellope, al que se le ha roto una pieza. Esta búsqueda los lleva al nuevo, inexplorado y expansivo mundo de Internet, incluyendo el uso del “wifi”, sitios virtuales que Vanellope adopta, en tanto que Ralph teme perder a su única amiga.

La imperiosa necesidad de este nuevo mundo, la actualización de programas, están tratados con gran acierto del guion a través de personajes como Ralph y Vanellope que son imperfectos, pero muy queribles a pesar de sus fallas. En cuanto a la animación en sí, la historia resulta muy simpática aun cuando nos enfrenta a situaciones complicadas derivadas de internet y su infinita capacidad de información.

Como animación es soberbia incluyendo además un gran mensaje: no solo “Wi Fi Ralph” nos habla del mundo virtual sino que, por sobre ese hilo argumental, subraya el valor de la amistad de dos niños de pueblo que van a la gran ciudad en busca de una solución. Y, a pesar de tantos contratiempos por la informática, se mantendrán unidos. Muy grata historia que divierte y asombra a la vez a chicos y grandes.

Carlos Pierre

PLAZA PARÍS
De Lucía Murat. Con Grace Fasso, el argentino Marco Antonnio Caponi, Joana de Verona, entre otros. Fotografía de Guillermo Nieto. Música de André Abujarra. Duración: 110 minutos.

XXXXX- INTENSO THRILLER SOBRE LA VIOLENCIA

Densa e intensa a la vez, el título “Plaza París” alude a un proyecto mesiánico de transformar Río de Janeiro en una especie de ciudad europea. Lo que queda del mismo, dado que nunca se concretó, se ubica cerca de la ex capital del Brasil.

Lucía Murat, realizadora brasileña de fuste, encara el tema de la violencia social, retratando desde la violencia a la mujer hasta la intraviolencia, desde la violación hasta el crimen. Toma la historia de “Gloria”, encarnada por la dramaturga y actriz Grace Passo, quien vive en una típica favela; a raíz de su brutal pasado, concurre a una psicóloga extranjera, Camila, a cargo de Joana de Verona. Jovencita, la profesional comienza a sentir pánico a medida de que las sesiones avanzan: saber que el hermano de Gloria está en la cárcel por narcotraficante, y que Gloria se debate en una sumisión que no comprende, alteran su personalidad sintiéndose perseguida por los afrobrasileños. Su pánico provoca una represión desmedida de la policía que, ante un hombre de color que se le acerca, tira a matar.

Según Murat, se produce lo que en psicología se denomina “contratransferencia”. Cuando Camila se da cuenta de que Gloria es capaz de reaccionar ante los mandatos de su hermano, quien maneja desde la cárcel a los narcos de la villa, y que sobrelleva con entereza su pasado haciéndole frente a un presente muy duro, entra en pánico Las diferencias de clase se acentúan en este relato tan actual de Lucía Murat, que tiene como eje a dos mujeres, cada una con su propio bagaje de violencia sufrida o transferida. Una es universitaria, la otra una trabajadora. El punto en común son las sesiones hasta que Camila muestra su terror ante una sociedad que no comprende.

Es un film imperdible, un retrato social minucioso que tiene el atractivo de las actuaciones y de la narración que pasa de ser un drama a un acuciante thriller. La acción se va desenvolviendo pausadamente pero en forma inexorable. Como muchos films brasileños, es fuerte y sin cortapisas. Para ver.

Elsa Bragato

JUEVES 27 DE DICIEMBRE DEL 2018.-

 

Llegamos al fin del 2018 sin grandes títulos pero con tres propuestas que sobresalen del resto, y se dejan ver con ganas. Son “Terremoto”, la iraní “Tres rostros” y la francesa “Enamorado de mi mujer”. Los demás estrenos son nacionales, sin mayor difusión entre la crítica especializada, y la tierna “Bumblebee” de la saga Transformers.

 

1)       ONE SHOT, de Sergio Mazza, con Esther Goris.  Drama sobre una mujer transexual de Entre Ríos.

2)       RÍO MEKONG, de Leonel D’Agostino y Laura Ortego. Documental. Sobre la vida de Vanit quien cruzó a nado el río Mekong, escapando de Laos, y está afincado en Chascomús.

 

TRAILER

https://youtu.be/VWdRe5qGDVQ

3)CUANDO BRILLAN LAS ESTRELLAS, de Natalia Hernández, con Gastón Pauls, ficción nacional sobre un amor de la niñez que deja su huella en el espíritu de Lucas.

4)        

5)  BUMBLEBEE, de Travis Knight. Sexta entrega de Transformers.

TRAILER

https://youtu.be/gdKKUFGPySo

“Lo vulgar ha sido reemplazado por una ternura que recuerda a Spielberg”, de Phil Hoad, The Guardian.

“(…) Es realmente buena”, de David Fear. Rolling Stones.

 

TERREMOTO

Dirigido por John Andreas Andersen. Guion de John Kare Raake y Harald Rosenlow-Eeg. Fotografía de John Christian Rosenlund. Con Kristoffer Joner, Ane Dahl Torp, Hang Tran, entre otros. Duración: 106 minutos.

XXXXX-SUSPENSO A LA NORUEGA

Kristoffer Joner vuelve a interpretar al geólogo Kristian Eikjord, personaje de la película “La última ola” que fuera dirigida por Roar Uthaug en 2015, donde había tenido que rescatar a su propia familia.

En esta secuela ha transformado su vida, se ha distanciado de su esposa, de sus dos hijos ya grandes. Aquel suceso le dejó muchas huellas que complicaron su propia vida. Y observa que otro gran terremoto se acerca a la ciudad. La idea de salvar vidas, de la solidaridad social, aflora. La película avanza hacia el thriller, el suspenso de los supertanques: el “héroe” se internará en túneles entre los fiordos, empinados, de picos agudos. Las autoridades no lo escuchan y el peligro se acrecienta. Tiene un objetivo claro: rescatar a sus hijos del macabro dominó que la naturaleza comienza a ejecutar con el derrumbe de los rascacielos como piezas de plástico. Podemos distinguir dos partes bien claras en el film: la primera mitad muestra el intento del geólogo por convencer a su ex mujer y a las autoridades de lo que está por pasar. En la segunda, hay que aferrarse a la butaca porque los altos edificios de Oslo se nos vienen encima. Bien a la noruega, con un tinte gélido pero muy eficaz.

Carlos Pierre

 

ENAMORADO DE MI MUJER

TRAILER

https://youtu.be/626q32iI0ns

Dirigido por Daniel Auteuil. Con Gérard Depardieu, Sandrine Kiberlain, Daniel Auteuil, Adriana Ugarte, entre otros. Guion Florian Zeller (obra: Florian Zeller). Fotografía: Jean-Francois Robin. Música: Thomas Dutronc. Duración: 84 minutos.

XXXXX-MÁS TEATRO QUE CINE

Actor y director de su cuarta película, Daniel Auteuil es el protagonista de esta historia basada en una obra de Florian Zeller, guionista a su vez de la narración. Ambos, Auteuil y Zeller, trabajan juntos en el teatro donde se estrenó la obra del escritor. Como fue un éxito, decidieron trasladarla al cine. El resultado es esta comedia teatral, con pocos personajes y muy previsible. Daniel (Daniel Auteuil) compone a un soñador que, luego de 20 años de casado con la estilizada “Isabelle” (Sandrine Kiberlain), decide organizar una cena de parejas con su amigo Patrick (el macizo y creíble Gérard Depardieu) para que le presente a su novia “Emma” (Adriana Ugarte). Como puede suponerse, “Isabelle” se indigna ante el arrobamiento de su marido por la novia de su amigo.

El quid de esta película pasa por sus planos narrativos: se transforman en dos, uno es el plano real en el que ocurren los hechos, y el otro es el “virtual”, el de los sueños de “Daniel”, donde corretea tras la bella novia de su amigo. Estos dos planos se alternan: pasamos de la reunión de los amigos a la mente febril de “Daniel”, y el resultado no es bueno. Este recurso aletarga la narración. La imaginación del personaje es frondosa, pero no resulta así en la propuesta. Los cuatro actores salvan, en gran medida, por sus respectivas solvencias artísticas al cuarto film de Auteuil del fracaso rotundo.

                                                                     Carlos Pierre

TRES ROSTROS

TRAILER

https://youtu.be/OJ-MXnF8qz0

De Jafar Panahi. Fotografía de Amin Jafari. Con Behnaz Jafari, Jafa Panahi y Marziyeh Rezaei. Duración: 100 minutos.

XXXXX-IMPERDIBLE RETRATO DEL IRÁN PROFUNDO

Jafar Panahi, quien tiene prohibido filmar y está “encarcelado” en Irán desde hace varios años, volvió a ingeniárselas para armar un film que revela, a manera de docu-ficción, la condición de la mujer en la sociedad de su país. Lo acompaña en esta suerte de road movie la actriz Behnaz Jafari. Todos enfrentan las cámaras con sus verdaderos nombres. Panahi, discípulo y asistente de dirección del gran Abbas Kiarostami, opta por un segundo lugar aún siendo el centro de la narración: una joven le hace llegar un video en el que filma con su celular su suicidio porque su familia le prohíbe estudiar actuación. La actriz Jafari y el director Panahi deciden recorrer varias aldeas para encontrar la cueva donde la joven se habría suicidado. Y es en este recorrido por las áridas montañas de Irán donde van encontrándose los tres rostros que se indican en el título: en primer lugar, está la propia actriz Jafari, el presente exitoso de la actuación. Luego está el rostro de la jovencita que dice suicidarse, Marziyeh Rezaei, y el pasado actoral se resume en Shahrzad, madura artista que solo deja filmar su sombra (ningún actor o actriz nacido antes de 1979 puede volver a trabajar). Es en este momento donde Panahi alcanza las secuencias más poéticas: la noche cerrada sobre las áridas montañas y la luz de la casa de la actriz filmada desde la ruta describen el lugar donde la anciana actriz vive.

Cómo pudo filmar Jafar Panahi cuando tiene prohibición de hacerlo durante 20 años (se consideró que una de sus películas era una crítica al gobierno iraní anterior al 2010)? Logró la complicidad de tres pueblos en los que tiene familiares y amigos formalizando un sutil armado narrativo que se constituyó en el mejor guion en el último festival de Cannes. No obstante, Pahani no tomó la cámara, no tuvo personajes ficticios o sea un guion que condicionara la participación de las actrices, y prácticamente no habló, miró lo que ocurría.

Destacamos varios momentos de mucho suspenso por la búsqueda de la cueva donde la joven actriz se habría suicidado, la visita a su familia en medio de un caos familiar y la ausencia de la joven que nadie se explica. La resolución aparece sorpresivamente, como ocurre en los mejores cuentos, en secuencias tragicómicas que muestran el genio de Panahi. Las tres últimas realizaciones son fruto de una creatividad enorme, habida cuenta la cárcel domiciliaria que el director iraní padece: “Esto no es una película” y “Taxi Teherán”; que ganó el Oso de Oro del Festival de Berlín. Vale la pena recordarlas a ambas; una, filmada totalmente en su departamento iraní, y la otra, manejando un taxi en la capital de Irán. Ahora recorre tres pueblos mostrándonos el maltrato a las mujeres a través de un retrato costumbrista en la que Panahi es tan solo… el “chofer” de una camioneta. Imperdible para todo aquel que ame el cine.

Elsa Bragato

 

JUEVES 20 DE DICIEMBRE DEL 2018.-

Varios estrenos nacionales llegan al cine este jueves, penúltimo de este año. Aún nos faltan conocer las películas postuladas para los Oscars, si bien los elegidos se sabrán el próximo 24 de enero del 2019. Este jueves no hay “superestrenos”. Las distribuidoras lanzan el material que les ha quedado en el estante al circuito comercial.

 

NO TE PREOCUPES, NO IRÁ LEJOS

Escrita y dirigida por Gus Van Sant. Con Joaquín Phoenix, Rooney Mara, Jonah Hill, Jack Black, Beth Ditto, Kim Gordon, entre otros. Dirección de fotografía: Christopher Blauvelt. Montaje: David Marks y Gus Van Sant. Música: Danny Elfman. Duración: 113 minutos.

XXXXX- BUEN TRÍO: VAN SANT-PHOENIX-MARA

Basado en la historia real de John Callahan, el realizador Gus Van Sant hizo una adaptación de la biografía de este caricaturista famoso fallecido a temprana edad en el 2010 luego de una cirugía. Para Van Sant fue un desafío, luego de varios años de no aparecer en la pantalla grande, el tomar una historia que camina por la comedia con sarcasmo, habilidad y toques de cierto dramatismo encubierto. Es una historia de redención, de intento de superación, de conmiseración, y de arte a partir de los dibujos del protagonista. Tuvo en Joaquín Phoenix al enorme protagonista que salvó al guion de cualquier altibajo profundo. Rooney Mara, pareja del actor en la vida real, lo acompaña en este film (lo hizo en otros como “María Magdalena”) con su encantadora figura en contadas escenas.

Magnético Joaquín Phoenix en su rol de Callahan: con notable performance da vida a este alcohólico quien, en una noche etílica junto a su compinche de juerga (Jonah Hill), sufre un terrible accidente automovilístico que lo deja cuadripléjico en una silla de ruedas. El alcoholismo lo lleva a rehabilitación, de la que sale con el propósito de no beber más muy a regañadientes. Así conoce a una bella azafata que interpreta Rooney Mara. Cuando los vuelos de ésta se lo permiten, viven una linda amistad, un amor intermitente. Estando aún en la clínica, John descubre su don de dibujar caricaturas corrosivas que le permiten comunicarse con el entorno, y esa virtud nacida allí, en una cama de hospital, le abre inesperadamente una fama internacional, teniendo una segunda oportunidad en la vida. Esta historia de vida y la calidad de los protagonistas le devuelven a Gus Van Sant la posibilidad de trabajar un guion interesante jugado por dos notables intérpretes en los roles protagónicos. Aunque Joaquín Phoenix quiso dejar la actuación, ésta pudo más que su temperamento “off Hollywood” para suerte de los cinéfilos.

Carlos Pierre

 

 

CHACO

De Juan Fernández Gebauer, Ignacio Ragone, Ulises de la Orden. Documental sobre El Gran Chaco. Argentina.

XXXXX-MÁS DE CIEN AÑOS DE HUMILLACIONES

Que se ocupen de los aborígenes que pueblan la Argentina es uno de los fines más loables que todo documentalista nacional puede tener. En este caso, Fernández Gebauer, Ragone y De la Orden, un trío que interpreta de la mejor manera posible el hostigamiento, la vejación y la violación de los derechos humanos a los que siguen sometidos las comunidades wichi, qom, napalquí y noqoí además de castellano A través de los más ancianos de cada comunidad (Israel Alegre, chamán buscador de justicia; Valentín Suárez, cazador, docente y cacique de ocho comunidades, en moto recorre el territorio de sus hermanos; Juan Chico y Laureano Segovia, historiadores, graban relatos de los ancianos; Félix Díaz, referente mundial de la defensa de los derechos indígenas), incluyendo a don Pedro Balquinta de 104 años, un noqoí que logró sobrevivir a la brutal represión de 1924 junto a su madre, se reconstruye parcialmente la historia no escrita de estas comunidades que viven en casas de madera, con pisos de tierra, de la caza y de la pesca, sin agua, sin luz corriente, sin medicina salvo la natural que conocen ancestralmente. Tienen estrecha relación con la naturaleza, a la que respetan porque de ella viven, de sus peces, de sus animales. La cuidan, la protegen, le rezan.

Desde la llegada del hombre blanco, ignorados y vejados. Hasta prácticamente nuestros días. Los gendarmes policiales hacen “razias” que dejan brutales secuelas. Por la muerte de un uniformado, avanzaron sobre los rancheríos, vejando a las mujeres, destruyendo todo a su paso. La última gran refriega fue el 16 de agosto del 2002, cuando mataron a 90 indígenas, sin distinción de edad ni sexo. El buen trato solo ocurre en tiempos electorales. Luego vienen las represiones y los delitos que son de lesa humanidad, por lo que no prescriben. Sin embargo, nadie ha tomado debida cuenta de ello.

La narración es muy interesante por el valor de los testimonios, de los que surge la ausencia del estado nacional en los cuidados mínimos de sus habitantes. Aun así, sin papeles ni documentos, están sus cementerios donde descansan los antepasados, los abuelos, los padres, que muestran que allí vivieron y viven estas comunidades. El surgimiento de los líderes, la decisión de un grupo de indígenas preparados para enfrentar a la burocracia “blanca”, les otorga una dimensión social que ya no se puede desoír. Son nuestros aborígenes, esperando ser integrados a la sociedad argentina que, por constitución nacional, ha determinado el respeto de todos aquellos que habiten nuestro suelo. En la realidad, no se da. Y van casi dos siglos.

Elsa Bragato

 

 

1.- LA SIRENA, film ruso. De Svyntoslav Podyaevskiy.

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https://youtu.be/1uBWA1PVyEo

“Si eres fanático de las películas de terror, no te pierdas La Sirena, un estreno que llega directamente desde Rusia”, de Lya Rosén, www.finde.latercera.com , Chile.

“Trae una propuesta diferente de cine de terror porque se preocupa mucho de que la historia sea razonablemente verosímil y que los personajes sean medianamente coherentes”, de Adriana Villamizar, www.hojasmágicas.cl, Chile.

 

 

2.- 5ta A FONDO (TAXI 5), de Franck Gustambide. Francia.

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https://youtu.be/Itlc7gR7vuA

“El director no sabe cómo hacer una película… Comparada con ésta, las otras películas parecen hechas por Billy Wilder en la cumbre de su carrera”, de Jordan Mintzer, The Hollywood Reporter.

 

 

3.-HISTORIAS BREVES 16, narraciones breves de notables directores argentinos como Lucrecia Martel, Israel Caetano, Santiago Loza, entre muchos otros.

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https://youtu.be/krP-mM5siVk

 

 

4.-LA MEMORIA Y DESPUÉS

Documental de Eduardo Fellner sobre los sobrevivientes de la Shoá y la desaparición de dos hijos durante el proceso militar.

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https://youtu.be/5eJkbk_5RJA

 

NIÑAS ARAÑA

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https://youtu.be/H3KUZ-fapRc

De Guillermo Nelo. Con Michelle Mella, Javiera Orellana, Dominique Silva, Francisca Gavilán, Pablo Macaya y la participación especial de Patricio Contreras. Dirección de arte de Sebastián Muñoz, Director de fotografía de Mauro Veloso, Música de Angelo Pierattini, Montaje de Juan Carlos Macías y Javier Estévez. Duración: 94 minutos. Argentina-Chile.

XXXXX- DESNIVELES NARRATIVOS EN BUENA HISTORIA

En la comunidad indigente de Peñalolén, en Santiago de Chile, teniendo como uno de sus límites al barrio de Las Condes, considerado de clase alta del país hermano, la miseria la iguala a todas las villas tercermundistas. La historia ubica a tres adolescentes de diferentes familias que habitan ese barrio marginal, quienes se reúnen para delinquir: saben cómo engañar a los custodios e ingresar a los edificios de Las Condes, escurrirse por los balcones, hacer equilibrio, y escaparse de la policía. De allí el título: son como las arañas. Son las niñas-araña. Sueñan con una vida digna.

Patricio Contreras, actor nacido en Chile pero muy nuestro, es quien asume el rol de “vocero” de esa comunidad indigente para reclamarle al estado la escritura de esas tierras y poder construir viviendas propias. Años luz su performance respecto del resto dado que el elenco adulto resulta muy estereotipado con diálogos esforzados. El elenco joven es más dinámico y creíble. Hay sí problemas narrativos porque la historia no avanza, no fluye, reiterándose en las charlas de las tres jóvenes. La fotografía y el diseño de arte ocupan lugares destacados porque grafica claramente cómo se vive en los barrios marginales chilenos, haciendo hincapié en la historia de estas tres adolescentes que buscan salir de tantas carencias. El desenlace es inesperado y, en esto, hay un logro importante del realizador chileno. Un guion interesante con desniveles.

Elsa Bragato

 

 

VERGARA

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https://youtu.be/mnTwJU11SYY

Guion y dirección de Sergio Mazza. Con Jorge Sesán, María Celia Ferrero, entre otros. Fotografía de Daniel Auñiga, Edición de Sergio Mazza y Federico Molentino. Duración: 73 minutos.

XXXXX-BUCÁNDOLE SENTIDO A LA VIDA

Resulta muy controvertida la idea de Sergio Mazza en este nuevo film (recordemos que participó del Festival de Berlín con “Natal”) dado que no la desarrolla sino que la plantea y la deja relegada: se centra en “Vergara”, ex locutor que encuentra trabajo en el puerto y que tiene un solo objetivo de vida: ser padre a los 40 años, a pesar de no llevarse bien con su pareja. La narración transita por diversos estadíos espirituales de Vergara, encarnado por Jorge Sesán, cun atronador saxo tenor de fondo: el nihilismo campea por esta vida común, He aquí lo curioso: prácticamente nunca más se hablará de esta necesidad acuciante de Vergara de ser padre. Recorreremos sus rostros a través de su trabajo, de su relación amorosa con su novia, de su parquedad y su tozudez a la hora de pedir un “cortado” por lo que el film no desarrolla con profundidad el planteo inicial. Paseamos con “Vergara” por su vida desde su coche, o en un bar. A pesar del desenlace y el final, no nos convenció el relato existencialista que resulta más una compilación de secuencias que un desarrollo narrativo correlativo.

Elsa Bragato