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COMENTARIOS SOBRE CINE
 

*Colaboración del crítico y productor Carlos Pierre

http://www.elsabragato.blogspot.com  El site de Elsa Bragato

Conoce los libros de Elsa Bragato

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JUEVES 16 DE ENERO DEL 2020.-

 

EL ROBO DEL SIGLO

Dirección: Ariel Winograd. Guion: Alex Zito, Fernando Araujo. Con Guillermo Francella, Diego Peretti, Luis Luque, Pablo Rago, Rafael Ferro, Mariano Argento, entre otros. Fotografía: Félix Monti. Música: Darío Eskenazi. Duración: 114 minutos.

XXX-EXCESO DE SARCASMO EN INTENSO THRILLER

Ariel Winograd pasó de la comedia exitosa “Mamá se fue de viaje” a un intenso policial basado en los hechos de público conocimiento ocurridos el 13 de enero del 2006,: el robo al Banco Río de Acassuso con el liderazgo del uruguayo Vitette (Guillermo Francella) y el plan pergeñado por Araujo (Diego Peretti), además de la fundamental ayuda material para concretar el túnel y taladrar las cajas fuertes a cargo de Marciano (Pablo Rago), un eficiente mecánico.

El plan fue sincronizado y astuto y milimetrado: la banda mantuvo en vilo a una veintena de rehenes, a centenares de policías y hasta al Grupo Halcón, logrando fugarse a través de un túnel. Fueron muy eficaces al engañar al policía “Sileo” (Luis Luque) y a un representante de la Justicia (Rafael Ferro), llevándose una millonaria suma de dinero y joyas. Con el tiempo, fueron capturados, enjuiciados, condenados y encarcelados. Al cumplirse cierta parte de la condena, fueron liberados y, en el caso de Vitetti, se le concedió la extradición al Uruguay donde hoy dueño de una joyería.

El entorno histórico subyace: el “robo” de los bancos a los clientes al quedarse con sus ahorros (decisión gubernamental) y el robo al Banco Nación de Villa Ramallo ocurrido a fines de los 90 y conocido como la “Masacre de Ramallo”. Es decir, una sociedad convulsionada por políticas de saqueo y los bancos como los “malos” de la situación económica.

El film denota un gran esfuerzo de producción, con una muy buena investigación. Sin embargo, hay luces y sombras en la propuesta, puntos a favor y en contra. El elenco es de consagrados: Diego Peretti, un actor fetiche de Winograd, convence siempre, mientras que Luis Luque, Pablo Rago y Rafael Ferro son efectivos en los roles respectivos poco desarrollados. En el caso de Guillermo Francella, hay que lamentar la gestualidad  propia de su comicidad porque confunde: ¿thriller o comedia?. Tampoco colabora la banda sonora de Darío Eskenazi, con demasiado resabio hollywoodense,  Finalmente, Winograd abusó de la “canchereada” porteña, fuera de época a estas alturas, quitándole veracidad a un hecho dramático.

La película tiene figuras que enganchan. Y apunta más a una buena taquilla que a quedar en la historia como hito policial. Winograd logra tener un cine para todos, atractivo, con buena boletería, perdiendo su marca personal.

Carlos Pierre

 

LA HORA DE TU MUERTE

Guion y dirección: Justin Dec. Con Elizabeth Lail, Anne Winters, Charlie McDermott, entre otros. Fotografía: Maxime Alexandre. Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans. Duración: 90 minutos.

XX- ABURRIMIENTO FATAL

El terror tecnológico poco original es lo único rescatable de “La hora de tu muerte”: sucesión de sustos Una joven enfermera, Quinn Harris (Elizabeth Lail), descarga una aplicación – una “app”- para su celular llamada “Countdown” que predice la hora de la muerte. De esta manera, descubre que solo le quedan tres días de vida, una cuenta regresiva, un “countdown” imposible de detener aunque tratará de esquivar con desesperación el inexorable final.

Teniendo a una “app” como protagonista del terror, el guion apabulla por su endeblez. Son solo los minutos de ese reloj los que marcan el mayor suspenso de la historia. Al mismo tiempo, al centrar el “miedo” en un reloj, se agotan los recursos de terror, por lo que el resto lo hacen la actriz y su gestualidad. El colmo del absurdo es la aparición de un personaje caricaturesco, burdo, que inicia una persecución insólita a la atribulada Quinn quien ya tiene bastante con su corto destino.

Exageradamente simple, superficial, esta película aburre y desgasta aún más a los consabidos sustos y trucos del género. En realidad, quien cuenta los minutos es el espectador porque el aburrimiento es peor que aquello que Quinn teme en la ficción. Y se cumple aquello de que con una buena idea solamente no se logra un buen film en este caso. La ausencia de imaginación hizo que esta mezcla de thriller y terror sea una real cuenta regresiva para la mediocridad. Sin duda, Quinn y su historia se derrumban pesadamente.

Carlos Pierre

 

 

JUEVES 9 DE ENERO DEL 2020.-

1)  La muerte no existe y el amor tampoco, de Fernando Salem. Argentina.

Trailer: https://youtu.be/v_nVhgxt94

2)  Lo mejor está por venir, de Alwxandre de La Patelliere y Matthieu Delaporte, Francia.

Trailer: https://youtu.be/rEMh13N0LbI

3)  Cats, de Tom Hopper. Musical. Estados Unidos.

Trailer: https://youtu.be/df46czZycdA

“Hooper se estrella estrepitosamente. Ha resuelto la adaptación de la peor manera posible”, de Alberto Luchini, Diario El Mundo.

“Cuesta entrar al ritmo y la emoción pero lo cierto es que está todo fielmente logrado aunque hay que atravesar una primera parte de aclimatación para llegar a lo intenso”, de Oti Rodríguez Marchante, Diario ABC.

(Recordamos que, frente a las críticas adversas, la producción de “Cats” decidió bajar la producción de la competencia de los premios Oscars)

 

 

4 LONKOS

 

Guion y dirección: Sebastián Díaz. Documental. Elenco: Marcelo Valko, Osvaldo Bayer, Carlos Martínez Sarasola, Fernando Pepe, Claudia Solomón Tarquini, Facundo Gómez Romero, Nora Galván, Luis Eduardo Pincen, Lorenzo Cejas Pincen, Domingo Catriel, Walter Minor. Música original: Daniel Bugallo. Fotografía: Manuel Muschong y Mauro Braga. Animaciones: Carlos Escudero y Juan Carlos Camardella. Duración: 78 minutos.

XXXXX-PATRIOTAS QUE NO LO FUERON

En este segundo largometraje del documentalista platense Sebastián Díaz (Muralla criolla del año 2017 fue el primero) nos narra la vida, muerte y profanación de 4 grandes caciques (Lonkos) de La Pampa y Patagonia: Mariano Rosas, Cipriano Catriel y Juan Calcufurá, cuyas tumbas fueron profanadas luego de la Campaña del Desierto en nombre de la ciencia. Dos de los cráneos fueron a parar a museos antropológicos argentinos y otras partes de los esqueletos son objeto de estudio. El cuarto “lonko” fue Vicente Pincén quien escapó de este sacrilegio porque nunca fue encontrado. Logró huir quedando solo su huella en cuatro fotografías tomadas por sus fracasados captores.

La historia argentina de finales del siglo XlX, la lucha de frontera contra el indio a cargo del Gobierno Nacional con tropas al mando del general Roca y el coronel Villegas. Fue un oprobio teñido de sangre. Nombres consagrados por la “historia de los ganadores” como el Perito Moreno y el abogado Estanislao Cevallos caen entre los asesinos y profanadores de entonces.

Este documental, dividido en cuatro capítulos, tiene compromiso con la verdad y está lleno de pasión. Sebastián Díaz, joven cineasta, construye su camino de manera minuciosa, buceando en archivos, organizando una cuidadora preproducción y teniendo a mano, aún entonces, a historiadores de la talla de Osvaldo Bayer en una de sus últimas intervenciones didácticas. Es una historia real que conmueve y echa luz sobre aspectos históricos que pueden explicar acciones de hoy en día. En la historia nacional a los aborígenes se los masacró y profanó. En la historia nacional de estos días aún siguen luchando por sus derechos como seres humanos con muertes que esperan el dictamen de la Justicia. Es un documental imperdible por ser pasional y riguroso a la vez.

Carlos Pierre

 

 

JOJO RABBIT

Dirección y guion adaptado de Christine Leunens. Con Taika Waititi, Scarlett Johansson, Roman Griffin Davis, Thomasin McKenzie, Rebel Wilson, Alfie Allen, entre otros. Fotografía: Mihai Malaimare Jr. Música: Michael Giacchino. Duración: 108 minutos.

XXXXX- TRANSGRESORA PROPUESTA SOBRE EL NAZISMO

“Jojo Rabbit” es la adaptación de la novela de Christine Leunens, basada en un planteo delirante –o realismo mágico- sobre el nazismo y la persecución de los judíos a través de la visión de un niño y su singular amigo imaginario. Por momentos, el humor campea por la historia quitándole solemnidad y permitiendo digerir conceptos y hechos muy duros. La Segunda Guerra Mundial, que los alemanes perdieron a manos de los Aliados y los Rusos, aparece con un enfoque diferente que hace abrir los ojos sobre lo ocurrido y los temores ante su eventual reaparición.

El niño Jojo Rabbit se alista a las Juventudes Hitlerianas. Es tímido y algo torpe. Vive con su madre (Scarlett Johansson), sofisticada y misteriosa. Su ingenuo ímpetu nazista tambalea cuando descubre que su madre esconde en el ático a una niña judía (Thomasin McKenzie). Desde ese momento, su imaginario mundo oscila entre el nacionalismo, la niña oculta y su amigo imaginario que es nada menos que Adolfo Hitler, interpretado por el director neozelandés Taika Waititi.

Los protagonistas Taika Waititi, Roman Griffin Davis y Scarlett Johansson alcanzan picos altísimos en sus performances por lo que, aún dentro de la irrealidad de la propuesta, se logra solidez.

Hay un desafío argumental muy interesante por parte de Waititi al llevar a la pantalla la figura de Hitler unida a un niño ingenuo y a una niña judía escondida. Y caben las preguntas: si es posible el humor a partir de personajes tan monstruosos y cuáles son los límites en todo caso. O bien si el delirio de una propuesta resuelve cualquier conflicto ético. De allí que, en este planteo, transcurren secuencias de gags aunque, a medida que la historia avanza, van perdiendo hilaridad. Es que el tema se las trae, no es nada fácil recrear la figura de Adolf Hitler en una comedia que bordea lo mágico con la transgresión más desenfadada. Se la toma o se la deja.

Carlos Pierre

 

EL ACOSO

De Michal Aviad. Con Oshri Cohen, Menashe Noy, Liron Ben Shlush, entre otros. Fotografía de Daniel Miller. Duración: 93 minutos. Israel.

XXXXX-LA REALIDAD SIN VUELTAS

La historia es conocida por todas las mujeres del mundo: ser secretaria privada es vía directa para el acoso. Es el caso de este film retratando, de manera concisa y verosímil, a una joven mujer, madre de tres hijos, y felizmente casada con un joven que tiene un restaurante al que le falta la habilitación. Consigue trabajo como secretaria de un poderoso constructor que comienza por admirar la capacidad de la joven para luego iniciar un plan de acoso que pone en peligro la relación laboral.

El tema está tratado con honestidad a través de una narración detallada tanto de la vida hogareña como del trabajo de “Orna” (Liron Ben-Shlush). Michal Aviad no recurre a ningún golpe bajo ni a momentos melodramáticos sino a una exposición del caso con todos sus matices tal como se suelen dar. Con lentitud pero sin pausa, la vida de Orna, su hogar, la relación con su marido, los tres niños, y las exigencias laborales, van gestando la problemática del acoso. Las cosas son así, tal como se dan en la vida real, y Aviad, junto a su protagonista, lleva adelante la historia de manera aséptica, seca y verosímil. Un film que las mujeres deben ver.

Elsa Bragato

 

 

JUMANJI, EL SIGUIENTE NIVEL

De Kale Kasdan. Con Dwayne Johnson, Karen Gilian, Jack Black, Danny DeVitto, Danny Glover, Awkwafina, entre otros. Fotografía de Gyula Pados. Música de Henry Jackman. Guion de Rosenberg, Kasdan u Pinkner, sobre el libro de Chris Van Allsburg. Duración: 123 minutos. Estados Unidos.

XXXXX-DIVERSIÓN DE A RATOS

El regreso del juego de mesa “Jumanji” al cine (creado por el exitoso novelista infantil Chris Van Allsburg) es atractivo pero en este “siguiente nivel” se nota más de lo mismo y menos esplendor visual. El elenco es de altísimo nivel teniendo una primera parte interesante y simpática con Danny DeVito, Danny Glover y los jóvenes protagonistas. El viejo juego de mesa vuelve a “abducir” a los jóvenes regresándolos a las tierras de Jumanji donde ya está el Dr Smulder Bravestone (Dwayne Johnson). Los esperan otros juegos, que incluye la inversión de personalidades, sustos varios, y hombres medievales que ostentan la piedra con la que se puede volver a la realidad. Dwayne Johnson tiene un rol menos actoral y más físico, incluyendo un fallido romance, mientras que Danny DeVito y Jack Black hacen gala de sus virtudes histriónicas. Destacamos la participación de Awkwafina, reciente ganadora de un Golden Globe (Mejor Actriz en comedia o musical por Farewell), quien asume varias identidades, uno de los “quids” más logrados de la película.

Innegable que hay momentos simpáticos pero, en el mientras tanto, tanto desierto termina por aburrir. La primera versión de este imaginario juego que se vio en nuestro país fue fantástica y divertida. En esta continuación la historia resulta menos atractiva que el anterior film, destacándose, tal como indicamos antes, la primera parte bastante extensa donde Danny DeVito hace comicidad de la buena. Es que los famosos del elenco sostienen la endeblez de la historia. Entretiene. No se le puede pedir más.

Elsa Bragato

 

JUEVES 2 DE ENERO DEL 2020.-
 

EL CASO DE RICHARD JEWELL

De Clint Eastwood. Con Paul Walter Hauser, Sam Rockwell, Kathy Bates, Jon Hamm, Olifiva Wilde, ente otros. Fotografía de Wes Belanger. Edición de Joel Cox. Música de Arturo Sandoval. Duración: 131 minutos. Estados Unidos.

XXXXX- CINE: REGALO DE EASTWOOD

Si se quiere aprender a contar una historia en el cine, hay que ver este nuevo film del maestro Clint Eastwood realizado a sus casi 90 años. En “El caso de Richard Jewell”Eastwood revela la verdad sobre el caso de Richard Jewell, un guardia de seguridad que no pudo ingresar a la policía por su torpeza y su exceso de peso, a cargo del estadio donde actuaban varios números para alegrar aún más los Juegos Olímpicos organizados en Atlanta en 1996. Estaba a cargo del Centennial Olympic Park, advierte un bolso sospechoso, alerta a la policía y pone a salvo a miles de personas con una actitud valiente.

Rápidamente es elevado por el periodismo a la categoría de héroe nacional, hasta que, a raíz del periodismo opositor y, en especial, de una redactora sin escrúpulos del Atlanta Journal-Constitution, se culpa a Richard, sin pruebas, del atentado.

El film pendula entre la vida simple de Richard (encarnado por Paul Walter Hauser en su debut como protagonista) junto a su madre (Kathy Bates, notable) y la caída brutal a nivel social que el diario zonal le provoca. El brutal allanamiento del FBI a su hogar y la humillación social van debilitando la saludable naturaleza de Robert, defendido por un ex jefe suyo (Sam Rockwell). Sabe que todo es tanto mentira mediática como de los organismos estatales de seguridad.

Clint Eastwood pone el acento de manera frontal y sin vueltas, pero con la sutileza de un gran realizador, el poder de los medios y de los organismos de seguridad de su país y, por extensión, de cada uno de nuestros países.

Por momentos, el poder mediático es más poderoso que la verdad, la real. Crea su propia verdad de la misma manera que la justicia resuelve los casos a partir de la verdad que logra reconstruir, que no siempre coincide con la realidad de la vida.

Sin prisa pero sin pausa, Eastwood va enlazando secuencias que no permiten respiro alguno: no existe violencia visual sino narración fluida a través de una fotografía clásica rayana en la perfección. Notable realización del maestro Eastwood. Una clase de cine que hay que ver. Es el imperdible de la semana.

Elsa Bragato

 

NUEVA YORK SIN SALIDA

Dirección: Brian Kirk. Guion: Matthew Carnahan, Adam Mervis. Con Chadwick Boseman, Sienna Miller, Taylor Kitsch, J.k. Simmons, Stephan James, Keith David, Victoria Cartagena, entre otros. Fotografía: Paul Cameron. Música: Alex Belcher, Henry Jackman. Duración: 99 minutos.

XXXxx- ADRENALÍNICO POLICIAL

Thriller oscuro, con una acción de violencia empoderada a lo largo de más de una hora y media; una verdadera lluvia de balas en Manhattan. Es allí, en la Gran Manzana, donde está el escenario para que un policía, Andre Davis (Chadwick Boseman) se encargue de la investigación del asesinato de ocho policías y el de su propio padre, dolor profundo que lo acicatea aún más. Durante la búsqueda contrarreloj de los asesinos se cerrarán los 21 puentes de la ciudad, de allí el título sugestivo y literal a la vez. Es de imaginarse el clima del film que atraviesa balaceras de todo tipo, color y duración. Aunque, si bien Davis cuenta con el apoyo logístico de toda la policía neoyorquina, en algún momento enfrentará a los asesinos en soledad.

El guion, si bien previsible, tiene todos los condimentos de un verdadero policial: conspiraciones policíacas, droga y dealers, sótanos, calles oscuras, matones. No le falta nada gracias a la fotografía de Paul Cameron que muestra desde secuencias de enfrentamientos hasta una Manhattan nocturna delictiva con tomas angulares desde los altos edificios, los ríos laterales (East y Hudson) y los vuelos rasantes de enormes helicópteros . En esto reside la atracción: si vamos a ver un policial, que sea uno de pura cepa como éste. Aquí uno se sienta en la butaca y queda en medio del fragor de las balas. Es un thriller clásico, siempre efectivo, atrapante y adrenalínico.

Carlos Pierre

1.- Bacurau, de K.Mendonca Filho y Juliano Dornelles. Con Sonia Braga.

“Mientras permanece en sintonía con los modos del realismo mágico, satisfecha de ser cine genuinamente raro, es una obra del todo disfrutable”, de Nando Salvá, Diario El Periódico.

“Un western retrofuturista y lisérgico a la brasileña. Es, en definitiva, una extravagancia visualmente muy gozosa”, de Philipp Engel, Dario El Mundo.

Trailer: https://youtu.be/RZVpW5yC3pM

 

2.- El aro, de Hideo Nakata. Japón.

“Refleja que esta serie fantasmagórica está tan obsoleta como la cinta de la que surgió. Lo peor que le puede pasar a una película de terror es ser aburrida y ésta lo es en exceso”, Meagan Navarro, Bloody Disgusting.

“Es menos terrorífica que contextualmente relevante. Esto me gusta porque pone lo significativo por encima de los cadáveres aunque seguro que esto decepcionará a mucha gente”, de Jared Mobarak, The Film Stage.

Trailer: https://youtu.be/3-1GGz_gTnQ

 

3.- Frozen II, de Chris Buck y Jennifer Lee.

“Es infinitamente menos trascendente que Frozen y además es solemne, plomiza y de unamagia plúmbea. Tras unos primeros veinte minutos muy buenos se empiezan a perder los posibles paralelismos”, de Javier Ocaña, Diario El País.

“Una narración sorprendentemente confusa”, de Nando Salvá, Diario El Periódico.

Trailer: https://youtu.be/EBtguNk_Rck

 

4. Somos Calentura, de J. Navaas. Coproducción Colombia-Argentina.

“Su trama se desenvuelve con ritmo seguro y hace alardes de sus principales atractivos: música estrepitosa a todo dar, vistosas coreografías en muelles y discotecas, acrobáticos movimientos de cámara y contorsiones corporales”, de Mauricio Laurens, El Tiempo

Trailer: https://youtu.be/7kSlL7XR8RM

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JUEVES 27 DE DICIEMBRE DEL 2019.-

 

LA GOMERA (o LOS SILBADORES)

Guion y dirección de Corneliu Porumboiu. Con Vlad Ivanov, Catrinel Marlon, Rodica Lazar, Sabin Tambrea, entre otros. Fotografía de Tudor Mircea. Duración: 97 minutos. Coproducción Rumania. Francia. Alemania.

XXXXx - SILBADORES PARA UN PODEROSO ROMPECABEZAS

Una nueva propuesta de Porumboiu, reconocido director rumano, complejo, enmarañado, confuso aunque interesante. Nos cuenta la historia de un policía ligado a la mafia, llamado Cristi, que viaja a La isla La Gomera donde el lenguaje críptico de los habitantes está en los silbidos con diferentes intensidades y modulaciones. Tiene el encargo de sacar de la cárcel a Zsolt, quien sabe dónde hay 30 millones de euros escondidos.

La narración está dividida en capítulos, relativos a los diferentes personajes de la historia, y cada uno de ellos comienza con otra situación respecto del capítulo anterior. Lo más justo es decir que Cornelio Porumboiu se pasea por diferentes géneros, desde un quasi bucólico (el aprendizaje del lenguaje del silbido) hasta un thriller psicológico, pasando por el policial neto. Dentro de esta gama de idas y venidas narrativas los personajes tienen cambios inesperados al punto de que lo que se está viendo no corresponderá en nada a lo que veremos hacia el final. Mafiosos, una femme fatale, policías, corrupción, drogas, botines, una madre preocupada, un cura codicioso, van girando en esta historia que tiene todos los géneros o todos los matices, que rehúye del intimismo familiar rumano para insertarse en el policial europeo.

Porumboiu maneja a sus actores a la manera de un hábil titiritero, los ubica en diferentes situaciones y entornos cumpliendo roles en situaciones impensadas. En esto radica la fascinación de la trama y también el rompecabezas que cada espectador debe armar una vez que llegue al “The End”. Tendrá asombros varios, quedará perplejo más de una vez y, al salir de la sala, hará sus conclusiones: nada fue lo que pensó en un principio.

Elsa Bragato

 

 

NOSOTROS TRES

Guion y dirección De José Alcalá. Con Daniel Auteuil, Catherine Frot, Bernadr Lo Coq, entre otros. Fotografía de Philippe Guilbert. Música de Fred Avril. Duración: 90 minutos, Francia.

XXXxx-PICARDÍAS ENTRE ADULTOS MAYORES

La vida de los jubilados hoy en día es bien diferente a la de hace 50 años. Para muchos, los adultos mayores son “viejos” irrecuperables. Para José Alcalá, todavía tienen chances de vivir como les place. Este último aspecto es el que toma el guionista y director para recrear la vida de un matrimonio que lucha contra ciertas estrecheces económicas. “Simone”, la bella Catherine Frot, se hartó de su marido (un Auteuil en un rol diferente, de introspección), se distrae con su vecino. Hasta que se decide por su libertad, por elegir ella misma cómo quiere vivir.

Los protagonistas Auteuil y Frot hacen gala de una gran capacidad de resiliencia y ganas de vivir, recuperarse mutuamente y de perdonarse. Es una historia de amor entre adultos mayores que no dejan de hacer picardías para vivir intensamente. Nada está perdido luego de una jubilación sino que hay una nueva vida por delante. Solo hay que saber verla, adecuarse a los tiempos, ignorar el que dirán y vivir.

Elsa Bragato

 

JUEVES 19 DE DICIEMBRE DEL 2019.-

“La botera” es el film nacional anunciado como estreno hace un par de semanas. La crítica fue publicada en la sección. Se reestrena “La dolce vita”, de Federico Fellini.

 

LOS AMORES DE CHARLOTTE

De Sophie Lorain. Con Margherite Bouchard, Romane Denis, Rose Adam, entre otros. Música de diversos artistas. Fotografía de Alexis Durand Brault. Duración: 89 minutos. Canadá.

 

XXXXX-RETRATO DE AMORES ADOLESCENTES

 

Más que interesante propuesta sobre la sexualidad en la adolescencia femenina, la explosión hormonal, el deseo contenido, la virginidad. Tres chicas que están por terminar el secundario buscan trabajo en una tienda de juguetes porque los dependientes son lindos chicos. Cada una de ellas soñará con el amor o el sexo, o ambos, de acuerdo a sus personalidades. La superfogosa, la virgen, la más tímida pero no menos osada, frente a chicos que padecen también de explosiones hormonales y lejos están de pensar en uniones duraderas.

La narración de Sophie Lorain es muy fluida, trabajada en Blanco y Negro, y le sabe dar profundidad a los sentimientos de cada personaje. El desarrollo psicológico de las tres protagonistas está muy bien perfilado desde una mirada contemplativa sin enjuiciar.

Ni promiscuas ni sumisas. Las tres chicas tienen qué decir respecto del sexo y cómo cada una de ellas lo enfrenta como siente. Tienen libertad de conciencia para obrar y hablar.

Se produce una suerte de “Lisístrata”, la obra del griego Aristófanes a quien se menciona en la película: las mujeres de Esparta, al frente de Lisístrata, decidieron no tener sexo con sus maridos más afectos a las batallas que al hogar. En la propuesta de Lorain, las chicas harán abstinencia sexual para poner a prueba a sus compañeros.

Esta situación genera un conflicto que suma intensidad al ver la respuesta de los varones. Es un “darse cuenta” de la existencia del otro como persona, tomando conciencia de que el amor puede surgir. El tema es recurrente en los últimos meses (acabamos de ver “Hogar” la semana pasada). Lo que siempre ocurrió de manera “invisible” en la sociedad, hoy toma cuerpo en el cine a través de películas que, como ésta, muestran a las mujeres con la enorme capacidad de hacerse elegir. Aún con libertades o sin ellas, con condenas sociales o no, la mujer supo siempre sus límites, los exploró y tomó sus decisiones al respecto, más allá de cualquier aceptación del entorno. Carismáticas protagonistas para una película muy femenina.

 

Elsa Bragato

 

LEJOS DE PEKÍN

Guion y dirección de Maximiliano González. Con Elena Roger, Javier Drolas, Cecilia Rossetto, José María Marcos, entre otros. Fotografía de Agustín Alvarez. Arte de Jimena Soldo. Música de Pablo Polidoro. Montaje de Alberto Ponce. Duración: 82 minutos. Argentina.

 

XXXXX- BUEN RELATO SOBRE LA ADOPCION

 

Maximiliano González encaró su tercer film cerrando una muy buena trilogía que inició con “La soledad” y “La guayaba”. Nacido en Misiones, hace honor a los productores y directores de esa provincia que han logrado productos de calidad internacional en los medios audiovisuales.

En “Lejos de Pekín”, retrata la larga noche de una pareja, compuesta por María (Elena Roger) y Daniel (Javier Drolas), que están en algún lugar de Misiones a la espera de un bebé a través de trámites de adopción. Algo inesperado los obliga a pasar una noche de diluvio en el hotel, lugar donde ambos sacarán a relucir sus miedos, sus rencores, sus dudas y sus frustraciones.

Elena Roger compone uno de sus papeles más logrados, creíbles, sentidos. Mientras que Javier Drolas en el rol del marido cumple con creces como sostén dramático de situaciones intensas.

El tema de la adopción de bebés en la provincia de Misiones tiene larga data. En este caso, el director lo aborda desde un lugar legal, hay papeles de adopción. Pero aparecen inconvenientes absolutamente verosímiles.

La narración en off es la protagonista principal porque abre y cierra esta historia a la manera de un cuento. La fotografía se suma a los protagonistas así como otros elementos técnicos que viran el film hacia las tonalidades sepias. El clima es intimista, con diálogos adultos y una concepción de las relaciones amorosas con gran sentido estético, muy poco común en nuestro cine. Todo confluye para que la historia de esta pareja en busca de un hijo sea emotiva y profunda.

Buena propuesta nacional.

Elsa Bragato

 

STAR WARS: EL ASCENSO DE SKYWAKER

Dirección: J.J. Abrams. Guion: J.J. Abrams y Chris Terrio. Con: Daisy Ridley, Adam Driver, John Boyega, Oscar Isaac, Lupita Nyong’o, Naomi Ackie, Kelly Marie Tran, Carrie Fisher, entre otros. Fotografía: Daniel Mindel. Música: John Williams. Duración: 155 minutos.

XXXXX

Novena y última entrega de la saga Star Wars y cierre de la trilogía iniciada con El despertar de la fuerza, Episodio VII, del año 2015: un desafío enorme para J.J. Abrams. La protagonista ahora es Rey (Daisy Ridley) quien, junto al resto de los héroes, tendrá que enfrentar la amenaza del Lado Oscuro de la Fuerza encabezada por el Kylo Ren (Adam Driver), entrenado por el Supremo Snoke. Fue unido a los remanentes del Imperio Galáctico reencarnados en la Primera Orden, posee la Base Starkiller, diez veces más grande que La Estrella de la Muerte, destruye La Nueva República y asesina a su padre, Han Solo, a sangre fría. Será Rey, entonces, la heroína que resucite La República, la libertad y la democracia en la dinastía.

La primera parte de esta entrega que cierra la saga tiene un guion enmarañado, que se enreda al explicar y atar cabos sueltos, aunque pleno de explosiones y luchas que entretienen. En la segunda parte, la cuestión es bastante más clara y se puede seguir el hilo narrativo sin mayores complejidades hasta el final. Destacamos una suerte de “cameo” onírico de Harrison Ford a través del sueño
de Kylo Ren.

Aventura y acción, cierto humor, el valor y el amor, el heroísmo de Rey y sus amigos, lucen a través de un despliegue audiovisual poderoso, donde la selva tropical contrasta con el planeta desértico Tatooine. Las batallas tienen un poderoso impacto visual, fundamentos de la propuesta de J.J. Abrams, destacándose las actuaciones de la joven inglesa Daisy Ridley y del norteamericano Adam Driver en los protagónicos, a la altura de la saga y nada menos que del cierre de la misma. No podemos dejar de mencionar a la recordada Carrie Fisher en el rol de Leia Organa que, gracias a la tecnología, pudo aparecer en el film. Esta novena producción llega sin mayores aportes aunque se descuenta el entusiasmo de los millones de fans de los Skywalkers y los Darth Vader por conocer el final esperado tantos años.

Carlos Pierre

 

 

ESCONDIDO

De Miguel Baratta. Documental.

 

XXXXX-RECUPERACIÓN DE LO OCULTO

Este documental de Miguel Baratta fue exhibido en el Arteplex de Belgrano. Analiza a través de una estupenda fotografía con matices novedosos y una escenografía estudiada los elementos de la Cátedra de Morfología y Diseño Práctico de la Facultad de Arquitectura de esta ciudad. La recuperación de fotografías, collages con diversos elementos, las formas, los colores, dan lugar a la exploración de momentos históricos muy dolorosos: está el joven estudiante que compara los crímenes cometidos en la llamada Conquista del Desierto, los huesos encontrados, fotografías y cerebros en formol, con los horrores de la última dictadura militar. También de esas formas que recuperan vida en las manos de los estudiantes surge el relato del fotógrafo torturado en la ESMA y el de una sobreviviente del Holocausto, o el recuerdo de un veterano de la Guerra de Malvinas. Se opone al rigor de estos relatos los colores rosa pastel, cubos y cuadrados, donde los entrevistados se sientan para hablar a cámaras. Todos referencian elementos escondidos, guardados, descubiertos circunstancialmente, contraste del dolor-horror con la maravillosa fotografía de Baratta y su equipo.

Elsa Bragato

 

JUEVES 12 DE DICIEMBRE DEL 2019.-

 

HOGAR

Guion y dirección de Maura Delpero. Con Lidiya Liberman, Denise Carrizo, Agustina Malale, Marta Lubos, Livia Fernán, Isabella Cilia, Alan Rivas, entre otros. Fotografía y cámara: Soledad Rodríguez. Montaje: Ilaria Fraioli-Luca Mattei. Argentina-Italia. Duración: 91 minutos.

XXXXX-MIRADAS FEMENINAS SOBRE LA MATERNIDAD

Ópera prima ficcional de la italiana Maura Delpero aborda el tema de la maternidad en tres jóvenes a través de sus respectivas miradas religiosa, social y democrática. Siempre con prudencia, con una cercana distancia, sin juzgar ni subrayar, expone con maestría los diferentes pareceres de las madres adolescentes, que viven en un hogar religioso italiano en Buenos Aires.

Fátima (Denise Carrizo) y Luciana (Agustina Malale), madres solteras reciben a la recién llegada Sor Paola (Lidiya Liberman), quien toma sus votos perpetuos con humildad, tratando de entrar a ese mundo diferente del hogar, bajo la severa custodia de varias monjas. Una de las madres solteras, embarazada de su primer hijo y a disgusto con la joven mamá de Nina (Isabella Cilia), se fuga del hogar para reunirse con su amante. Es allí donde aparece Sor Paola cuidando y protegiendo en secreto. Se tratan en síntesis, de tres jóvenes mujeres que tienen tres puntos de vista diferentes sobre la maternidad. Maura Delpero trabaja entre la ficción y el documental aportando una puesta precisa, clara, vívida, de los sentimientos femeninos sobre la maternidad y el amor.

Hay que destacar las performances del trío protagónico, que incluye el debut de las argentinas Carrizo y Malale, junto al enorme trabajo de la italiana Lidiya Liberman. Sin dejar de lado el gran aporte del bello racimo de actrices que encarnan a las monjas, destacándose la fotografía con cámara en mano de Soledad Rodríguez, que tiene un enorme gusto para los planos secuencias. Con ellos abre la historia de las jóvenes en el hogar, le otorga dinamismo a la propuesta, que fluye sin dificultad.

El tema de esta fábula tiene enorme importancia en tiempos de empoderamiento femenino. Sin embargo, Maura Delpero pasea sin dificultad alguna por el tema religioso, la cruda realidad social, no los enfrenta sino que los yuxtapone, no critica sino que pone sobre el tapete. “Hogar” es una de las mejores películas del año.

Carlos Pierre

 

 

ESCRIBIR EN EL AIRE

Guion y Dirección de Paula de Luque. Documental sobre Oscar Araiz. Fotografía de Marcelo Iaccarino. Música de Leo Sujatovich con la inclusión de La consagración de la primavera, de Igor Stravinski, y “La muerte del cisne” de Saint-Saens. Testimonios de Oscar ARaiz, Renata Schussehim, Ana María Stekelman, María Julia Bertotto, Antonella Zanutto, Miguel Angel Elías. Se utilizaron videos pertenecientes al archivo personal del maestro Araiz. Argentina.

XXXXX- AUDACIA DESCRIPTIVA EN TRIBUTO A ARAIZ

Sugestiva, hipnótica por momentos, “Escribir en el aire” es una nueva manifestación de la bailarina y realizadora Paula de Luque, dándole corporeidad a lo más inasible: ese trazado invisible de los cuerpos que bailan, el aire que cortan los movimientos de brazos y manos. Conocedora del paño que filma, De Luque rinde homenaje al notable maestro de danza Oscar Araiz, reconocido internacionalmente a la par de otros grandes contemporáneos como Maurice Bejart. La tarea emprendida por De Luque es difícil: con la complicidad del elenco de Araiz, corporiza varias ideas del maestro: la interpretación de “La muerte del cisne”, un clásico del ballet y del violoncello escrito por Saint Saens, donde papeles blancos acompañan a la bailarina cayendo desde un “cielo” imaginario como si fuesen las plumas blancas del ave que agoniza. O bien la fuerte impronta de “La consagración de la primavera” de Stravinski a través de varias interpretaciones.

La realizadora sabe que su tarea es como “escribir en el aire”: capturar la sutileza de los movimientos dibujados en el espacio, transformarlos en tangibles, y subyugar a la audiencia conmovida por la música y los movimientos. Es un “ensemble”, una unión de danza y música junto con la complicidad de una cámara que sabe lo que quiere retratar. Una muestra más de la exquisita sensibilidad de De Luque en este homenaje a un gran maestro como Oscar Araiz.

Elsa Bragato

 

 

RICCHI DI FANTASÍA (Ricos en fantasía)

De Francesco Micciché. Guion de Bonifacci y Micciché. Con Sergio Castellitto, Sabrina Ferilli, Valeria Fabrizi, Matilde Gioli, Antonio Catania, Antonella Attiu, Gianfranco Gallo, Paolo Calabresi. Fotografía de Arnaldo Catanari. Música de Francesco Cerasi. Duración: 102 minutos. Italia.

XXXXX- AMANTES EN FUGA EN DIVERTIDA COMEDIA

Si hay ganas de pasarla bien, “Ricos en Fantasía” es la propuesta cinematográfica a elegir. Este film de Francesco Micciché, al mismo tiempo coguionista, nos devuelve el humor a la italiana del que no se disfruta desde hace tiempo. “Sergio” (Sergio Castellitto) está enamorado de “Sabrina” (Sabrina Ferilli) quien está unida a “Gigi”, un hombre que la ayuda a criar a sus dos hijos pero al que no ama. A raíz de una broma en el trabajo, donde Sergio es carpintero calificado, éste decide abandonar a su esposa, una “doña” muy malhumorada, cargar con su madre y sus dos hijos, y embarcar a “Sabrina” y sus dos hijos en la aventura de vivir a lo rico. Cuando se le avisa que ha sido una broma, la nueva vida de Sergio y Sabrina está en marcha y las aventuras y desventuras se sucederán sin vuelta atrás en hilarantes secuencias.

Se trata de una comedia con todo el sabor a la italiana, que reúne lo mejor de la tradición cómica del cine peninsular, desde personaje hasta situaciones, la madre-suegra insufrible, el enfrentamiento nuera-suegra, el jefe de familia buscando dinero, mentiras por todas partes, y un clima que, dentro de la desventura que vive “Sergio”, se torna festivo, fuera de lo común, haciendo hincapié en que el hombre italiano no puede ser fiel a nadie. O bien que la infidelidad puede ser el origen de todos los males o el principio de una vida de ensueños a alcanzar.

La historia es verosímil pero, por sobre todo, están las actuaciones de la pareja protagónica que nos remiten al espíritu de “Pan, amor y fantasía”, por ejemplo, o a los tics de los grandes cómicos del cine italiano. Refrescante, bien realizada, bien actuada. ¿Qué más se puede pedir?

Elsa Bragato

 

 

LA SABIDURÍA

Guion y dirección: Eduardo Pinto. Con Sofía Gala Castiglione, Analía Couceyro, Daniel Fanego, Paloma Contreras, Leonor Manso, Lautaro Delgado Tymruk, Juan Palomino, Luis Ziembrowski, Diego Cremonesi, entre otros. Director de Fotografía: Eduardo Pinto. Música: Fabián Picciano. Duración: 89 minutos.

XXXXX- ORGÍA DE CRUELDAD

La Sabiduría es el nombre de una estancia enclavada en el corazón de la llanura pampeana, a la vez perdida en el tiempo. Tres jóvenes mujeres (Sofía Gala Castiglione, Analía Couceyro y Paloma Contreras) deciden pasar un fin de semana allí después de una fiesta de música electrónica; lo que parecía una estadía despreocupada y feliz se transformará en una pesadilla. A bordo de un viejo automóvil emprenden este viaje que será tenebroso y cruel. Destacamos la muy breve actuación de la talentosa actriz Leonor Manso (mamá de Paloma Contreras) quien está a cargo del personaje que presiente y presagia el horror por venir.

Instaladas en la vieja estancia, participan de un ritual nocturno con los indios y los peones. Allí comienza la odisea, teñida de sangre y feroz violencia. Es un impensado y perturbador viaje al pasado, cuando las mujeres eran despreciadas y los indios, perseguidos: ambos están unívocamente manejados por un anacrónico personaje que encarna Daniel Fanego, un extorsionador caudillo militar.

La película de Eduardo Pinto muestra un descarnado y brutal maltrato a las mujeres, junto al caudillismo, al colaboracionismo de la policía y a un rico estanciero, configurando el retrato de una sociedad obsoleta que incluye el maltrato animal. Con el padrinazgo de Alex de la Iglesia, Pinto confirma su desprecio por estas prácticas sociales que, hoy en día, conforman una completa orgía de crueldad. Las escenas conmocionan, abruman de dolor.

Carlos Pierre

 

 

LOS FUEGOS INTERNOS

De Ana Santilli Lago, Ayelén Martínez, Laura Lugano y Malena Battista. Documental. Duración: 70 minutos

XXXXX-ARTES Y AMOR CONTRA LA SINRAZÓN

Abordar la locura o los momentos de irracionalidad incontrolable es tarea ardua, dolorosa y compleja. Este docuficción de Santilli, Martínez, Lugano y Battista, retrata la experiencia de tres internos, Daniel, Miguel y Germán, que sufrieron el encierro psiquiátrico, y que fueron capaces de superar las etapas críticas de sus dolencias a través de las artes y del amor. Nunca mejor testimonio de que el arte es salvífico, es sanador.

Cada ex interno cuenta su experiencia, la soledad interior de verse rechazado, de ser considerado un marginal, de sufrir la humillación social, de estar perseguido y estigmatizado. Cada uno con una problemática diferente, pero cada uno con fuerza de voluntad para dejar de dormir en el hospital. Esas noches frías, eternas, oscuras, de tumbas en vida, son dejadas de lado por la poesía, por la danza, por el amor de una mujer. Las cuatro realizadoras manejan con temple y gran sentido estético este documento sobre la resiliencia a través de close-up, de planos secuencias, de ir desde un cuerpo desnudo que corre por un pequeño bosque hasta el plano largo de la orilla del mar y los tres amigos que lograron salvarse de morir en vida. Esclarecedor, necesario, docuficción.

Elsa Bragato

 

 

JUGANDO CON FUEGO

De Andy Fiekman. Con John Cena. John Leguizamo, Keegan-Michael Key, Judy Greer, entre otros. Fotografía de Dean SEmler. Música de Nathan Wang. Duración: 99 minutos. Estados Unidos. Nickelodeon.

 

XXXXX-TIPICO PRODUCTO DE TEVE

“Jugando con fuego” nos muestra, en sus primeras secuencias, la tragedia de los incendios forestales en California. Sin decir “agua va”, se transforma en una comedia infanto-juvenil donde brigadistas aéreos toman el protagonismo: Jake Carson (John Cena) y su equipo rescatan a una adolescente y sus dos hermanos menores de una casa prácticamente destruida por el fuego. De ahí en más, deben hacerse cargo de los niños. Es en el desarrollo de la historia, donde se producen otras batallas: en vez de fuego, los avezados bomberos rescatistas deberán vérselas con niños insufribles.

Travesuras de todo tipo jalonan la breve estadía de los chicos, entre las que se mezclan las infaltables secuencias escatológicas. Es donde el humor pierde toda su calidad transformándose en burdo y desagradable.

De la tragedia a la comedia sin aviso y finalmente al melodrama con buen mensaje familiero: se puede criticar lo que está fuera de lugar o la broma pesada innecesaria pero no el objetivo del film que es la unión de la familia, los tuyos, los míos y los nuestros. Esto salva a la película de ser un desastre. La ondulante propuesta que va pasando por diversos géneros, escatología agregada, es un típico producto de Nickelodeon para las tardes tórridas de diciembre. Claro, hablamos de televisión.

Elsa Bragato

 

  Otros estrenos previstos:

1.  Frozen II, de Chris buck, y Jennifer Lee. Animación. Estados Unidos

”Canciones pegadizas, una continuidad sin ofrecer lo mismo al espectador, y una factura de la animación virtuosa. Una digna heredera del trono del nuevo y más moderno emporio Disney”, de Marta Medina, El Confidencial.

“Una narración sorprendentemente confusa. Ni se toma la molestia de pretender que su existencia misma responde a nada más que la voluntad de hacer caja”, de Nando Salvá, Diario El Periódico.

 

2.-La luz del fin del mundo, guion y dirección de Casey Affleck. Con Casey Affleck y la pequeña Anna Pniowsky, entre otros. Estados Unidos. (Recordar “La carretera” con Viggo Mortensen).

“Un sensible retrato en un mundo abandonado de ese momento clave del paso a la adolescencia. Preciosa historia entre padre e hija”, Irene Crespo. Cinemanía.

“Un delicado y profundo estudio sobre la relación padre e hija. Sin embargo, y pese al largo capítulo de aciertos, cuesta reponerse a la sensación de lo ya visto”, de Luis Martínez, Diario El Mundo.

3.- Entre navajas y secretos, de Rian Johnson. Con Chris Evans, Jamie Lee Curtis, Daniel Craig. Estados Unidos. (Daniel Craig está nominado a los Globos de Oro por esta performance)

“”En la tradición de los relatos de intriga de Agatha Christie y sin nada que ver con lo que el director Rian Johnson ha hecho antes, el filme se revela como un sofisticado divertimento menor”, de Quim Casas, Diario El Periódico.

“Un largometraje sorprendentemente gustoso de ver que cuenta con un gran elenco de protagonistas y que está repleto de giros, sorpresas y revelaciones inesperadas”, de Antonio Weinrichter, Diario ABC.

JUEVES 5 DE DICIEMBRE DEL 2019.-

LAST CHRISTMAS, LA ÚLTIMA NAVIDAD

De Paul Feig. Guion de Kimmings y Emma Thompson. Música de Theodore Shapiro. Fotografía de John Scwartzman. Con Emilia Clarke, Henry Golding, Michelle Yeoh, Emma Thompson, Lydia Leonard, entre otros. Duración: 102 minutos. Reino Unido- Estados Unidos.

XXXXX- AGRADABLE MELODRAMA NAVIDEÑO

Una de las novedades que aporta “La última navidad”, historia romántica convencional, es mostrar la ciudad de Londres engalanada para las fiestas de fin de año. Una jovencita, “Kate” (Emilia Clarke) está enfrentada a su madre (Emma Thompson, también productora y coguionista del film) y prefiere vivir como “homeless”. Así conoce a “Tom” (Henry Golding) con quien vivirá una hermosa amistad con un final bien del siglo XIX pero aceptable. La película tiene diálogos picantes, simpáticos, muy actuales, que incluyen desde el “brexit” hasta cierta xenofobia europea. La simpatía de Emilia Clarke también suple el exceso de melodrama u rol de “Elfo” de una tienda de accesorios navideños mientras que Henry Golding compone a un voluntario de indigentes que recorre la noche londinense en bicicleta y se topa con la extraña y simpática “Kate”.

El film puede fracasar en algunos aspectos a raíz del repentino melodrama, pero tiene a su favor actuaciones ágiles con muy buenos diálogos y elementos de la actualidad sociopolítica dentro de una propuesta romántica convencional por su desenlace. Agrada el clima navideño, los equívocos, la picardía de “Kate”, la nobleza de “Tom”, y la sucesión de hechos un tanto insólitos pero agradables. Por ahí recordamos a “Ghost”, pero solo una pizca. La hilación narrativa la dejamos en suspenso… Resulta forzada. Película agradable a pesar de su convencionalismo.

Elsa Bragato

EL BUEN MENTIROSO

De Bill Condon. Guion de Jeffrey Hatcher sobre la novela de Nicholas Searle. Con Helen Mirren, Ian McKellen, Russell Tovey, Kim Carter, entre otros. Fotografía de Tobías A. Schliessler. Música de Carter Burwell. Duración: 109 minutos. Estados Unidos.

XXXXX- INVEROSÍMIL THRILLER PSICOLÓGICO

Solo Helen Mirren y Ian McKellen pudieron sostener un guion tan falible e inverosímil como el de “El buen mentiroso”. Sin duda, la novela de Nicholas Searle debe tener una solidez que el traspaso a otro género artístico como el cine ha desvirtuado. Si no, no se comprende cómo personas que rozan los 75 u 80 años pudieron vivir en calidad de adolescentes situaciones tremendas en la Segunda Guerra Mundial. El tiempo de vida no da para situaciones adultas.

Es el caso del “Cazador cazado”: un estafador serial llamado Roy Courtnay (Ian McKellen) que vive en un pequeño pueblo inglés y sobrevive estafando a troche y moche, encontrará la horma de su zapato. Tiene cita con una dama, “Betty McLeish” (Helen Mirren), incluso vivirá en su casa, bajo la vigilancia de uno de sus “nietos”. En realidad, hay más de un buen mentiroso: son el director y el guionista. Nada de lo que se ve se ajusta a una realidad que saltará ante los ojos del espectador en un viraje de guion inverosímil. Ambos personajes esconden pasados que no se comprenden establecidos en un duelo actoral entre Mirren y McKellen. Los protagonistas superan la inconsistencia de la propuesta por su enorme versatilidad actoral. Llama la atención que hayan aceptado roles tan poco creíbles por sus historias respectivas.

Elsa Bragato

LAS BUENAS INTENCIONES

Guion y dirección: Ana García Blaya. Con Javier Drolas, Amanda Minujín, Ezequiel Fontenla, Carmela Minujín, Jazmín Stuart, Sebastián Arzeno, Juan Minujín, entre otros. Dirección de Fotografía: Soledad Rodríguez. Música: Ripe Banana Skins. Edición: Rosario Suárez, Joaquín Elizalde. Duración: 85 minutos.

XXXXX-EMOTIVO HOMENAJE EN PROMETEDORA OPERA PRIMA

Ópera prima de Ana García Blaya, supo volcar con nostalgia la relación con su padre, ser entrañable pero disociado de compromiso social, con profunda vocación musical, caótica, trasnochada, porros, y un viejo Torino (década de los 90).

Esta historia cinematográfica es el espejo cabal de la realidad vivida con sus padres separados: Gustavo (Javier Drolas) y Ceci (Jazmín Stuart) son los padres, ella misma como Amanda (Amanda Minujín), confrontativa pero apegada a su padre. Sus hermanitos, Lala (Carmela Minujín) y Manu (Ezequiel Fontela), no tuvieron la misma actitud decidida. Según el relato, Ceci y su novio, Guille (Juan Minujin) tienen la buena intención de llevarlos al Paraguay, a fin de pasar un mejor momento económico. Pero la vida de la familia se desmadrará porque Amanda se resiste a ir, quiere permanecer al lado de su padre y su mundo, la música, la atención de la disquería de Néstor (Sebastián Arzeno), el fútbol y la pileta, un papá que no sienta cabeza, bohemio y de gran bonhomía.

Esta película fue estrenada en Toronto y en el Festival de San Sebastián, teniendo muy buena repercusión. En el ámbito local, está la inaugural actuación de las hijas de Juan Minujín, la evocación de una banda de culto como Sorry, donde una Ana García Blaya muy joven participaba junto a su papá.

El film, más allá de ser un retrato o autobiografía de una niñez-adolescencia determinada, tiene una referencia directa a las relaciones filiales, a las consecuencias de la separación de los padres en los hijos, a las afinidades y el respeto que hay que tener de ellas, y a la relación intrafamiliar y entre familias ensambladas que hoy en día se producen. En este caso, más con amor que con dolor, dentro de un clima de bohemia y realidad que produce una gran empatía.

Pequeña como una primorosa cajita de alhajas, “Las buenas intenciones” es una más que prometedora ópera prima que aúna el debut de jóvenes actrices, mantiene recuerdos de otras décadas, logra escenas no convencionales, algunas del recordado VHS, además del aporte de una inteligente fotografía. Evocativa, profunda, deja una estela afectiva en un sentido homenaje a los padres que ya no están.

Carlos Pierre

LA BOTERA

Guion y dirección de Sabrina Blanco. Con Nicole Rivadero, Alan Gómez, Sergio Prina, Gabriela Saidon. Música de Rita Zart. Arte de Diana Orduna, Vestuario de Lucía Gasconi. Fotografía de Constanza Sandoval. Edición de Valeria Racioppi. Duración: 75 minutos.

XXXXX- LOS QUE NO QUEREMOS VER

A la manera del mejor cine independiente francobelga, Sabrina Blanco encara con estilo personal este retrato de adolescencia marginal, con la presencia en cámara de manera absoluta de “Tati”, la protagonista de 13 años que vive en la Isla Maciel con su padre. La pobreza, la falta de formación más allá de la asistencia forzada a la escuela, los amigos del barrio, el despertar sexual, conforman una historia que duele, real que muestra lo que no se quiere ver.

Sabrina Blanco entra de lleno en la relación fallida de un padre con su hija, la responsabilidad del hombre ante la educación de una hija mujer, temores contenidos, cariño no expresado sino modos hoscos y brutales. Y un mundo masculino más cordial con Tati que el femenino, que la somete a discriminación. No hay asombro frente a la historia planteada sino estupor por su subsistencia en sociedades presuntamente evolucionadas en algunos aspectos. Tati se mueve en un mundo de carencias, desde las económicas hasta las afectivas y su ambición es ser botera, es decir, trasladar a la gente de la isla a la ciudad en un bote precario. Un objetivo corto pero seguro.

El personaje de Tati así como la narración se desarrollan a través de una fotografía sincera, siguiendo a la protagonista. Esa cámara es, aunque concreta, también subjetiva: no solo aparecen Tati sino la gestualidad cargada de emociones de una excelente actriz. “La botera” es una muy buena película nacional, que habla más allá de las imágenes, con una narración precisa, honesta, no pretenciosa sino detallista contándonos una historia cotidiana pero invisible para la mayoría de nosotros. Las “Tati” existen. Y Blanco leS da presencia concreta.

Elsa Bragato

Otros estrenos previstos:

1.- Los dos Papas, de Fernando Meirelles. Estados Unidos. (Ver en Netflix a partir del 20 de diciembre. Comentaremos en el momento del estreno oficial).

2.- El patalarga, de Mercedes Moreira. Animación. Argentina.

3.- La Reina de las Nieves, de Robert Lence y Aleksey Tsitsilin, Animación. Rusia.

4.- Raúl, la democracia desde adentro. Documental de Cine Tren.

 

JUEVES 28 DE NOVIEMBRE DEL 2019.-

 

LECTURA SEGÚN JUSTINO

Guion y dirección: Arnaldo André. Con Julieta Cardinali, Mike Amigorena, Diego González, María Laura Cali, Edgardo Moreira, Loren Acuña, Jesús Pérez, Ramón Del Río, entre otros. Dirección de Fotografía: Hugo Colace. Música: Derlis González. Duración: 95 minutos. Paraguay-Argentina.

 

XXXXX- ENTRE GUARANIAS Y ÑANDUTÍ

Basada en hechos reales, la historia se ubica en San Bernardino, Paraguay, entre los años 1955 y 1956: toma un año de vida del reconocido actor paraguayo Arnaldo André, en especial, la experiencia durante el último año de la primaria en calidad de becario de una escuela alemana. Los recuerdos de André tienen el peso de lo vivido, de lo real, y esa pizca de fantasía que va proveyendo el tiempo. El es Justino, el protagonista (Diego González), quien encarna esa etapa de la vida del muy querido galán, actor, guionista y director.

Son muchos los aciertos del guion y de la realización: desde la elección del trío protagónico hasta el amor platónico, muy secreto, entre la maestra de escuela (Julieta Cardinali) y un refugiado alemán (Mike Amigorena): Justino fue el mensajero de los poemas que el alemán enviaba a la maestra, no suyos sino los poemas de Friedich Schiller. La temprana muerte del papá de Justino obliga al niño a transformarse en el hombre de la familia para ayudar a sus hermanas y su madre. Fue improvisado cartero con solo 11 años. Mientras tanto, tejía el amor secreto de su maestra y el alemán llevando las cartas de uno y otro. A partir de este personaje, alter ego de Arnaldo André, se sabe que el pueblo de San Bernardino, a orillas del famoso lago de Ypacarí, fue fundado por alemanes, una colonia muy importante en el país hermano, que incluyó hasta la presencia del cuñado del filósofo Nietzche. André logra una clara ubicación en el tiempo a través del costumbrismo con el que retrata la década del 50. incluyendo referencias al gobierno del general Stroessner – después sanguinario dictador- así como a la ayuda que los pobladores recibían de Eva Perón (juguetes y alimentos), y a la visita de la Virgen de Caacupé, que conmocionaba a todo el pueblo. El fluir narrativo, a través de recuerdos de infancia, hace, de este primer largometraje de Arnaldo André, una película evocativa y emotiva, romántica y veraz.  La lectura de Justino es, por cierto, la lectura de André de su propia vida. Una muy buena dirección actoral, la fotografía de Hugo Colace y la música incidental de Derlis González, cierran este círculo virtuoso que coronan al galán-actor como realizador de largo aliento en el mundo del cine.

                                                                                 Carlos Pierre

 

EL SECRETO DE JULIA

Guion, dirección, producción y música incidental: Ernesto Aguilar. Con Natalia D’Alena, Daryna Butryk, Santiago Schefer, Luciana Grasso, Emiliano Díaz, Germán Rade, Lucas Pose, entre otros. Duración: 106 minutos. Dirección de fotografía y cámara: Marcela Suppicich. Duración: 106 minutos.

 

XXXXX-SECRETOS SIN SUTILEZA ALGUNA

La realización de Ernesto Aguilar, titulada “El secreto de Julia”, apunta a movilizar al espectador con propuestas que, si bien son de oportuna actualidad, están en el conocimiento de todos e, incluso, condenadas por la Justicia. La violación reiterada de un padre a su hija que es una adolescente de 16 años, el lesbianismo y el sexo despiadado y brutal, conforman este “secreto” con el que se intenta atraer al público.

Julia (Natalia D’Alena) vuelve a la casa de la infancia, en las afueras de un pequeño pueblo del interior en compañía de Ana (Daryna Butryk), con quien mantiene una relación intensa. Ambas se instalan en la casa de familia esperando concretar su venta. Es la casa donde Julia padeció la violación de su padre, recientemente fallecido. Mientras se aguarda la operación inmobiliaria, aparece el vecino José (Santiago Schefer), violador reiterado de su hija Belén (Luciana Grasso), historia que se reitera y que devuelve fantasmas agobiantes para la protagonista.

Violación, lesbianismo a través de escenas explícitas, secuencias de violencia y terror, intranquilizan, inquietan, perturban. El film tiene una linealidad exacerbante, previsible, que la torna monótona porque tampoco los diálogos son brillantes sino esquemáticos. Aguilar se transformó en un realizador artesano que trabajó un tema de rabiosa actualidad sin sutilezas ni creatividad.

Carlos Pierre

 

EL CUIDADO DE LOS OTROS

De Mariano González. Con Sofía Gala Castiglione, Mariano González, Jeremías Antún, Laura Paredes y Edgardo Castro. Fotografía de Manuel Rebella. Edición de Delfina Castagnino y Susana Leunda. Arte de Marina Raggio. Sonido de Emiliano Bain y Marcos Zopi. Música de Las Ex. Duración: 72 minutos.

 

XXXXX-SOFÍA GALA, DE MARAVILLAS

La vida cambia en un segundo. El infortunio o la suerte determinan el futuro de manera repentina. Es el caso de Luisa (Sofía Castiglione) quien trabaja en una fábrica de estatuillas y gana pesos extras como babysitter. Cuida al pequeño Felipe, con quien tiene mucha familiaridad y cariño. Un inesperado suceso produce un conflicto que desencadenará la culpa en Luisa, el alejamiento del pequeño que debe ser internado, y el rechazo de los padres del niño a ella y su novio. La culpa está presente en este drama intenso en el que los culpables no están. Es el dedo que señala, o que no asume la responsabilidad: es más fácil culpar a un tercero y someterlo a la furia que reconocer la propia falta. Sofía Gala está omnipresente frente a cámaras, su rostro traduce el dolor, la angustia, el llanto, el sufrimiento, que un hecho fortuito causa en su vida.  Y la pregunta surge inevitable: cuál es el principio que nos rige para ser responsables o erigirnos en jueces, o dónde están los principios éticos que nos dejan dormir tranquilos. Gran trabajo de Sofía Castiglione, uno más, en un drama muy al estilo de los “hermanos Dardenne”, intenso, parco, real. Hay segundos fatales, imprevistos, que tuercen, aunque sea un poco, nuestros destinos.

Elsa Bragato

 

LOS ANGELES DE CHARLIE

Guion y dirección de Elizabeth Banks. Con Kristen Stewart, Naomí Scott, Ella Balinska, Elizabeth Banks, Patrick Stewart, Djimon Hounsou, Sam Claflin, Noah Centineo, Jonathan Tucker y Nat Faxon. Fotografía de Bill Pope. Música de Brian Tyler. Duración : 118 minutos.

 

XXXXX-LOS EXCESOS HACEN DAÑO

El “reboot” de “Los ángeles de Charlie” (recordemos la película que en el 2000 encabezó Cameron Díaz, sobre la serie del mismo nombre dr 1976) llega con caras muy pocos conocidas a excepción de la de Kristen Stewart, alejada de los vampiros y cerca del cine “indie”. A falta de superproducciones, llegó la propuesta de la actriz y directora Elizabeth Banks quien pergeñó un guion con muchos efectos especiales y poca hilación narrativa. La inclusión de actrices desconocidas como el caso de la altísima afroinglesa Ella Balinska (antes del film, era vendedora de zapatos masculinos en una gran tienda de Londres) y de la ya actriz Naomí Scott, habla más del empoderamiento femenino a ultranza que de la saga en sí, mítica, de Los Angeles de Charlie. Las chicas aquí no dejan hombre en pie, yendo mucho más allá que un simple trompazo: los “empalan” los “trituran”, transformándose en asesinas seriales con el único objetivo de una pretendida justicia que no es tal.

Tanta agresión, tanta insensibilidad, muestra a las mujeres en roles extremos que entran a alguna categoría psiquiátrica severa: no sienten remordimiento alguno por tantas matanzas. A veces, innecesarias incluso en la propuesta de Banks. Y son tantas las luchas que, en varias oportunidades, la trama resulta confusa. La película es adrenalínica, es decir, si no nos detenemos a pensar en la sinrazón de tanto golpe y muerte, la película funciona como entretenimiento para descargar malas energías. Hollywood apoya con sus múltiples recursos técnicos bien como siempre. Pero nada más.

Elsa Bragato

 

BODA SANGRIENTA

De  Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett. Guion de Guy Busick y R. C. Murphy. Con Samara Weaving, Adam Brody, Mark O Brien, Henry Czemy y Andie McDowell. Fotografía de Brett Jutkiewicz, Edición de Terei Gibson, Vestuario de Avery Plewes, Diseño de producción de Andrew M Steam. Música de Brian Tyler. Duración: 95 minutos.

 

XXXXX- ESCONDIDAS NADA RECOMENDABLES

Encontrarle una vueltita a los gags de los films de terror es un logro descomunal. “Boda sangrienta” o, en inglés, “Ready or not” (lista o no) tiene ingredientes que la hacen única en su género: gore al máximo y humor negro, porque, de otra manera, no se puede “colorear” a la ironía que campea en los diálogos en medio de muertes y una boda cuyo fin no es una noche de placer sino un juego macabro. Para los productores, es haber encontrado el “crowd pleasing” o sea el placer de la mayoría en este género donde, por lo general, no hay creatividad alguna porque todo se hizo ya.

La boda de Grace con Alex se realiza en la mansión de este último, familia adinerada que permite el ingreso de la novia, de origen muy humilde. Sin embargo, la aceptación va más allá del “sí”: hay que jugar a la medianoche según la tradición familiar. Nadie avisa de qué se trata y Grace cae en la trampa de “las escondidas”: cada integrante de la familia carga un arpón o bien fusil o revólver y empiezan a buscar a Grace. A la novia hay que matarla para evitar morir al amanecer, según el “cuento” que un antepasado les legó. Un personaje que parece salido de “Los locos Addams” anda a los tumbos con su feroz arco y flecha mientras la novia empieza a correr con desesperación y, junto con ella, los espectadores. Es el juego del ratón y del gato, tiros al aire, escondites que se pueden vigilar con cámaras, errores fatales. ¿Quién se puede salvar de tan cruenta noche? Aún así, es imposible no reírse porque el absurdo está en diálogos y situaciones, transformando un film de horror en uno de los mejores exponentes de los últimos tiempos. Es cierto que “se matan” sin piedad, pero no es menos cierto que hay tanto humor que hasta la muerte se transforma en un “gag” de explosiva risa coronada por un borbotón de sangre.

Elsa Bragato

 

GOLEM LA LEYENDA

De Doron y Yoav Paz. Guion de Ariel Cohen. Fotografía de Rotem Yaron. Música de Tal Yardeni. Con Hani Furstenberg. Ishai Golan, Kirill Cernyakov, Brynie Furstenberg, entre otros. Duración: 95 minutos.

 

XXXXX- LEYENDA QUE METE MIEDO

Basada en una leyenda judía, Golem está narrada con sinceridad no queriendo ser más que aquello que la tradición indica. Una joven, Hannah (Hani Furstenberg), a raíz de la enfermedad de una adolescente de otro pueblo por la que son amenazados de muerte, invoca a “Golem”, figura mítica de la tradición judía. Es un niño (Kirill Cernyakov) que resiste balas, golpes y mata a los enemigos de Hannah. La muerte de un hijo y la imposibilidad de quedar embarazada hacen que la joven mujer deposite en la criatura todo su amor hasta que descubre los horrores que es capaz de realizar. En sí, el guion es una adaptación de la historia del Golem de Praga: el Rabino de esa ciudad creó una figura de barro del suelo, utilizando la sabiduría del Cabalá. En vez de centrar la historia en un hombre, los directores pensaron en una protagonista femenina, acorde a estos tiempos.

El espíritu del film está basado en el terror generando una película de género con visos de realidad a través de una conocida leyenda. Además hay una reconstrucción de época muy puntual a partir de una concepción específica del diseño de arte. El siglo XVI y sus villorrios están reconstruidos de manera tal que se ingresa a una narración épica que atrapa de principio a fin.

Factura y elenco adecuados generan el clima de suspenso necesario dejándonos también una serie de subtemas interesantes: empatía psicofísica de madres e hijos, el respeto a las tradiciones y sus consecuencias, el exorcismo por la oración y la música frente al poder del amor materno.  Se trata de un producto atractivo, diferente por el marco histórico, en el que se presentan varios conflictos y, en consecuencia, sus resoluciones. Impera lo imprevisto, el miedo, por sobre la leyenda en sí. El terror se reinventa sin apelar a sus tradicionales gags. Ahora se llama “terror judío”.

Elsa Bragato

 

Otros estrenos previstos para este jueves:

1.- Midway, ataque en altamar, de Roland Emmerick, Estados Unidos

2.- Frankie, de Ira Sachs, Portugal-Francia

3.- En buenas manos, de Jeanne Herry, Francia

4.- La noche de las nerds, de Olivia Wilde, Estados Unidos.

 

JUEVES 21 DE NOVIEMBRE DEL 2019-

 

LOS SONÁMBULOS

Guion y dirección: Paula Hernández. Con Érica Rivas, Marilú Marini, Ornella D’Elia, Luis Ziembrowski, Daniel Hendler, Rafael Federman, Valeria Lois, entre otros. Director de Fotografía:Iván Gierasinchuk. Música: Pedro Onetto. Duración: 107 minutos. Argentina-Uruguay.

XXXXX-BUEN ELENCO PARA ZOZOBRAS VARIAS

La realizadora Paula Hernández pergeñó la reunión de una familia en ocasión de fin de año, en una casona ubicada en medio de un bosque. Reune muchos elementos inquietantes si bien el mayor pecado del film es su previsibilidad. La abuela Meme (Marilú Marini), sus hijos Sergio (Daniel Hendler), Emilio (Luis Ziembrowski) e Inés (Valeria Lois), deciden estar juntos, viviendo encuentros y desencuentros bajo el tórrido verano argentino. El foco narrativo rápidamente se traslada a Luisa, rol a cargo de la notable Erica Rivas, que compone a la esposa de Emilio. Tienen una hija, Ana (Ornella D´Elía), una relación matrimonial muy desgastada, debiendo asumir el sonambulismo de la adolescente que provoca el conflicto necesario desencadenante de otras secuencias. Alejo (Rafael Federman) será la mecha que encienda la definitiva discordia familiar.

Paula Hernández tiene varios elementos que sostienen su largometraje: el elenco de fuste y su forma de narrar a través de enriquecedores planos secuencias, una cámara subjetiva inquieta, y buena banda sonora de Pedro Onetto unida a la exquisita fotografía de Iván Gierasinchuk. Con su reconocida habilidad, Hernández construye un inquietante núcleo familiar que tiene, a raíz del sonambulismo, un duermevela existencial que subyace como verdadero gestor de infortunios varios. Muy atractiva propuesta a pesar de su previsibilidad.

Carlos Pierre

 

DOWNTON ABBEY, LA PELÍCULA

De Michael Engler. Con Maggie Smith, Hugh Bonneville, Michelle Dockery, Joanne Froggart, Kate Phillips, Allen Leech, entre otros. Guión de Julian Fellowes basada en la serie británica homónima. Fotografía de Ben Smithard. Música de John Lunn. Duración: 122 minutos.

XXXXX- ESPLENDOR VISUAL SIN CONSECUENCIAS INTELECTUALES

Si no viste Downton Abbey, no te preocupés. Esta película basada en la famosa serie televisiva homónima. que cuenta las vicisitudes de la familia Crawley en la segunda década del siglo XX. funciona como un capítulo doble donde cada personaje queda bien definido, dejando la sensación de haber compartido una jornada fuera de la común junto a gente de la nobleza europea.

Nos muestra un día de fantástica organización de menúes y habitaciones para recibir a la Reina y el rey de Inglaterra solo por una noche. Y con tan elemental guion, la película resulta fascinante por su esplendor visual, los diálogos picantes, breves y cargados de humor inglés tajante, que lucen de manera especial en Maggie Smith (una de las grandes actrices británicas junto con otra mítica, Judi Dench). Preparativos, la servidumbre real que enfrenta a la de la mansión de los Crawley, las zancadillas de algunos para no dejar de estar junto a los reyes, y una orquesta de cuerdas tocando los valses de Strauss, completan un menú destinado al placer del espectador. Se disfruta del buen gusto, de personajes bien definidos, de buena música, de bailes fantásticos, de amores consolidados, y nada más. Y nada menos: no siempre llega al cine un film destinado a congraciar al espectador por el simple hecho de hacerlo. Si quiere un momento de paz y belleza audiovisuales, vaya a ver este film.

Elsa Bragato

 

EL IRLANDES, DE MARTÍN SCORSESE.

Esta película de más de tres horas es la última obra maestra del realizador norteamericano que fue producida por Netflix. La empresa y las cadenas comerciales de cine tienen el acuerdo de proyectar durante poco menos de una semana el film en las salas tradicionales para luego integrarlo definitivamente a Netflix. Esto ocurrirá el jueves 28 de noviembre, oportunidad en la que sí comentaremos la película de Scorsese.

 

HUÉRFANOS DE BROOKLYN

Guion y dirección de Edward Norton. Fotografía de Dick Pow. Música de Daniel Pemberton. Con Edward Norton, Bruce Willis, Willem Dafoe, Alec Baldwin, Gugu Mbatha.Raw, Josh Pais, entre otros. Duración: 144 minutos.

XXXXX- FANTÁSTICA RECREACIÓN DEL NEW YORK DE 1950

Edward Norton cumplió el sueño de realizar su segundo largometraje, titulado “Motherless Brooklyn” o bien “Huérfanos de Brooklyn”, literal traducción, basado en la novela homónima de Jonathan Lethem, uno de los escritores contemporáneos clásicos más valorados en el género detectivesco.

La fotografía y el jazz-soul de la banda sonora son dos grandes hallazgos de Norton unido a un guion muy complejo, de acción y diálogo en el que descuellan luminarias como Bruce Willis y Alec Baldwin como jefes de uno y otro “bando”, mientras William Defoe es un segundón a igual que “Lionel Essrog” (Norton en una performance inolvidable), personaje con el Síndrome de Tourette. El y dos amigos salidos del St Vincent’s Home For Boys viven bajo la tutela de Frank Minna, hombre acaudalado que se enfrenta a la mafia comandada por Moses Randolph (Baldwin), a quien secundan en sus negocios e investigaciones.

El entramado del film es complejo, bastante arduo, compensado por la fotografía sepia, la búsqueda de tomas, y la banda sonora. La reconstrucción de Nueva York en 1950 es perfecta. Por suerte, Hollywood tiene comprados varios barrios de Brooklyn que dan sobre el Océano Atlántico, donde es posible filmar en medio de callejones y construcciones de comienzos del siglo XX, con ladrillos a la vista y portones oscuros metálicos roídos.

El eje del guion es el poder en sí, el enriquecimiento ilícito de los poderosos que compran inmuebles, tierras, a través de testaferros. “Essrog” es detective privado que queda desamparado junto a sus amigos luego de la desaparición de Minna, iniciando una investigación policial para saber detrás de qué estaba. Hay un parlamento de Alec BAldwin que pone al descubierto un concepto repetido por los políticos en la intimidad: el poder permite el acceso a todo de cualquier manera, y no se lo puede abandonar. Por eso se mata. El resto de la población es “huérfana”, carece de protectores, sirve –servimos- a estos oscuros patrones que manejan los hilos de las sociedades. Siniestro mensaje y real. Con sus idas y vueltas, una gran película.

Elsa Bragato

 

¿DÓNDE ESTÁ ELLA?

De Guillaume Senez. Con Romain Duris, Lucie Debay, Basile Grunberger, Lena Girard Voss, Laetitia Dosch, entre otros. Fotografía de Elin Kirschfink. Duración: 98 minutos. Bélgica.

XXXXX- RETRATO DE FAMILIA

Tema recurrente en la filmografía franco-belga es el análisis socioeconómico y político que se vive en fábricas y en empresas de todo tipo. Guillaume Senez, en su segundo largometraje, sigue la vida de Olivier (Romain Duris), jefe de una sección fabril, que está casado con Laura y tiene dos hijos, Elliot y Rose, pequeños aún.

Los trabajadores europeos tienen regímenes laborales extremos; la precariedad laboral es la norma cotidiana, contra ella luchan, muchas veces resintiendo el tiempo que dedican al hogar. Desde lo particular hasta lo social, pasando por la actividad sindical, Senez ubica a Olivier en un estrato laboral envidiable para cualquier trabajador argentino. Sin embargo, en Europa no alcanza un sueldo mediano para pagar hipoteca, mantener el auto –no es lujo, es indispensable-, escuela para los chicos, vestimenta. La repentina ausencia de su esposa Laura (exquisita Lucie Debay) obliga a un replanteo profundo de las situaciones laborales y familiares.

Es allí donde el film de Senez gana en profundidad y emotividad genuina. Los pequeños Basile Grunberger como “Elliot” y Lena Girard Voss como “Rose” asumen con madurez interpretativa sus roles: las vicisitudes familiares recaen con brutalidad en los más pequeños, desprotegidos sociales bajo una supuesta vigilancia de sus derechos. Es en ellos donde las consecuencias del accionar adulto se ve con una claridad que Senez se encarga de puntualizar: Rose no hablará durante un tiempo, los hermanos saldrán a buscar a la madre, oscilarán entre culpar al papá y a ellos mismos por la ausencia de la madre.

Guillaume Senez maneja con ductilidad el conflicto y su colateralidad narrativa, sostén de un drama social inherente a estos tiempos. La resolución está en la capacidad de superar el impacto de lo que no se comprende para rehacer la propia vida. Una gran película social, intimista, real.

Elsa Bragato

 

Otros films previstos para este jueves:

1.- Reflejos siniestros, terror de Rusia.

2.- Te pido un taxi, comedia argentina de Martín Armoya.

3.- El hombre del futuro, de Felipe Ríos Fuentes.Chile.

4.- Instrucciones para la poligamia, de Sebastián Sarquís, Argentina.

5.- Venezia, de Rodrigo Guerrero, Argentina-Italia.

6.- Apurimac, El Dios que habla, documental de Miguel Mato, Argentina.

7.- Cuerpos marcados, documental de Novelli y San Martín. Argentina.

 

JUEVES 14 DE NOVIEMBRE DEL 2019.-

 

LOS ADOPTANTES

Guion y dirección: Daniel Gimelberg, sobre una idea de Cesc Gay. Con Rafael Spregelburd, Diego Gentile, Florencia Peña,Soledad Silveyra, Agustín “Soy Rada” Aristarán, Marina Bellati, Valeria Lois, Juan Otero, Guillermo Arengo, Daniela Pal, Mario Alarcón, entre otros. Dirección de Fotografía: Diego Poleri. Duración: 105 minutos.

 

XXXXX-CON MENOS HUBIESE SIDO MEJOR

Esta comedia de Daniel Gimelberg aborda un tema de actualidad rabiosa como es el de la adopción por parejas cuyos integrantes son del mismo sexo. Lejos de enfrentar un drama, Gimelberg le imprimió una veta de comedia en la que incluyó escenas de fuerte contenido erótico.

La pareja protagónica está formada por Leonardo, a cargo de Rafael Spregelburd, un ingeniero agrónomo 145 años y Martín, encarnado por Diego Gentile (Relatos salvajes), presentador de televisión de 42.Ambos enfrentan un dilema: Martín quiere adoptar ya, y Leonardo, que a su vez fue adoptado, tiene muchas dudas al respecto.

En sí, el tema presentado por Daniel Gimelberg es muy interesante. La cuestión siempre está en el “cómo”. En la narración propuesta se muestran las peripecias que conlleva el trámite de adopción sin caer en el melodrama, algo que se agradece. Cuando Gimelberg intenta desarrollar la psicología de los personajes, cae en escenas de relaciones íntimas que descarrían el nudo de la historia. Se presume que se intentó desnudar el entramado de la adopción y no de cómo dos personas del mismo sexo se llevan entre las sábanas.

Tratándose de una historia argentina, los “soundtracks” en inglés son elementos desfavorables porque están fuera de contexto, resultan chocantes si bien el realizador pudo buscar esa dicotomía. En principio, no fue lo más adecuado. En líneas generales, hay un esmero en la producción y en el casting, integrado por un elenco de fuste. Estas performances, muy bien logradas, permiten que el producto final sea entretenido, en medio de escenas espinosas que bien pudieron evitarse. Se ha puesto de moda la frase “Menos es más” y le cabe perfectamente a esta película.

Carlos Pierew

 

 

EL VALOR DE UNA MUJER

De Marco Tullio Giordana. Guion del mismo Giordana en colaboración con Cristiana Mainardi. Con Cristiana Capotondi, Valerio Binasco, Valerio Binasco, Stefano Scandaletti, Michela Cescon, Bebo Storti, Laura Marinoni, entre otros. Fotografía de Vincenzo Carpineta. Música de Hani Adai. Duración: 90 minutos. Italia.

XXXXX-CON LA VERDAD EN LOS PUÑOS

“El valor de una mujer”, o “Nome di donna” en italiano, cuenta la historia del abuso de poder e intento de violación que sufre “Nina” en un geriátrico de la Lombardía donde es camarera. El director del lugar tiene la complicidad de sacerdotes inmorales y de funcionarios relacionados con la institución por lo que Nina deberá apelar a su valor para enfrentar a la fuerte trama masculina. Madre soltera, su pareja es un joven hombre que la sostiene en momentos muy difíciles manteniendo una hermosa relación con Caterina, la pequeña hija de Nina.

Simple, llana, honesta, resulta la historia que funciona como autoayuda para las mujeres. Esta calificación no le resta valor sino todo lo contrario: la fábula en sí hubiese sido una más, insípida, de no estar trabajada con esmero desde lo visual con una fotografía que supera lo básico así como hay convencimiento en la dirección actoral que surge con fluidez.

¿Cómo se puede superar el intento de abuso? ¿Cómo se mantiene el trabajo cuando el abusador es quien ostenta el poder? Estas preguntas y muchas más encuentran respuestas coherentes a lo largo del devenir de Nina y su historia, que incluye el juicio a los denunciados. Hay un “in crescendo” en la tensión dramática bien trabajada por Giordano, sin exageración, aunque se saca sin vueltas a Caterina, la pequeña, de la historia, yerro imperdonable e incoherente. Resulta interesante ver el juicio en sí y el accionar de jueces y abogados buscando la salvación de sus representados, en un mano a mano donde solo se salvará quien tenga la verdad en sus puños.

Elsa Bragato

 

 

 

EL PLAN DIVINO

De Víctor Laplace. Guion de Leonel D’Agostino. Con Gastón Pauls, Víctor Laplace, Javier Lester, Paula Sartor, entre otros. Fotografía y cámara de Agustín Tedy Alvarez. Arte de Adriana Maestri. Vestuario de Jimena Peta Acevedo. Maquillaje de Mónica Acuña. Sonido de Javier Stavropulos. Edición de Alberto Ponce. Música de Damián Laplace. Duración: 78 minutos.

XXXXX-LAPLACE CON UNA HISTORIA MÁS QUE DISFRUTABLE

Sencilla, simpática, atractiva, es esta nueva entrega de Víctor Laplace en calidad de director /recordemos sus otros títulos como “Puerta de Hierro”; “La mina” y “El mar de Lucas”) y, a su vez, uno de los protagonistas. Dentro de las selecta tradición cinematográfica nacional y, en especial, nuestro costumbrismo, desarrolló la historia de un sacerdote (compone al Padre Roberto) a punto de retirarse y al frente de una pequeña iglesia ubicada en la selva misionera. Lo acompañan dos estudiantes eclesiásticos, luciendo vestimenta de monaguillos, que están por ordenarse como sacerdotes. Son Eustaquio, en la piel de Gastón Pauls, y Heriberto, encarnado por Javier Lester. Ambos fueron abandonados, el padre los guió en su crecimiento y pisan fuertemente los 40. Cansados de atender hasta los mínimos caprichos del anciano párroco, un día uno de ellos dice recibir un “plan” del Señor que se irá complicando a través de secuencias hilarantes y otras más tiernas. El “señor” está ahí, sienten la mirada de Dios y temen pecar (en el cine hay algunos antecedentes como “Marcelino, pan y vino”, de 1955, si bien se trató de un niño que logró hablar con Jesús crucificado).

La coherencia narrativa de Laplace permite disfrutar de una historia sin complejidades, simpática, agradable, mostrándonos, con pocos personajes bien marcados, que los planes divinos no llegan porque sí. Por otra parte, tanto Gastón Pauls como Javier Lester son convincentes, queribles en sus personajes, hasta imprimiéndoles un dejo de la vieja gran escuela de comicidad italiana. Se suma una angelical Paula Sartor que hará valer su femineidad.  Buen ritmo, buena banda sonora de Damián Laplace, fotografía que no esconde el verdor y el rojo misioneros, en un film nacional para disfrutar. No se la pierda.

Elsa Bragato

 

 

CONTRA LO IMPOSIBLE

De James Mangold. Con Matt Damon, Christian Bale, John Bernthal, Caitrona Balfe, Noah Jupe,Tracy Letts, entre otros. Guion de Butteerworth y Jason Keller. Edición de Michael McCusker y Andres Buckland. Fotografía de Phedon Papamichael. Música de Marco Beltrami y Buck Sanders. Duración: 152 minutos.

 

XXXXX- UNA DE LAS MEJORES PELÍCULAS DEL AÑO

En 1966, Ford yFerrari iniciaron una lucha por obtener, respectivamente, un auto de carrera que le ganara a la otra. Ferrari venía obteniendo los premios de las 24 horas de Le Mans desde 1960 al 65. Ford perdía. Basada en estos hechos reales, James MAngold (el mismo de la inolvidable “Walk the line” con Joaquín Phoenix y Reese Whiterspoon) relata con fruición (casi tres horas de film) el encuentro entre el ex corredor y ahora constructor de automóviles de carrera Carroll Shelby (Matt Damond) y su piloto de pruebas, Ken Miles (Christian Bale). Ambos son llamados por Henry Ford II, luego de que fracasara su deseo de comprarle a don Agnelli la empresa Ferrari. La idea fue construir un auto de carrera muy especial y el indicado en probarlo, aún a riesgo de su vida, fue Ken Miles, un notable corredor fallecido a temprana edad.

La narración de Mangold es detallista, se va construyendo paso a paso como si fuese una novela, dentro del más puro estilo clásico. Ni balaceras ni persecuciones, solo la historia de Henry Ford II junto a Miles y Shelby, dueño de la empresa que llevó su nombre. El film tiene una primera hora de información para el espectador, quién fue uno y otro, hasta que irrumpe en la escena la fórmula 1, o F1, y sus “drivers”. Los circuitos son probados por Miles (Bale) con una cámara adosada al automóvil o bien con efecto de computación permitiendo que el espectador esté junto a él en viajes adrenalínicos filmados con pasión y rigor, inolvidables.

De esta conjunción de amistades surgió el Shelby Mustang, que tendría algunos derivados. En principio fue el Ford GT40 que compitió en las 24 horas de Le Mans con Miles al volante impuesto por su “dueño” Shelby. Mangold no solo nos introduce en las carreras en sí de manera fantástica sino que bucea en la psicología de los personajes y de sus familias respectivas. Es decir, no solo hay circuitos y F1 sino también historias de vida que conmueven, enternecen. Es, dentro de su género, un film épico inobjetable, atrapante de principio a fin, de los mejores que hemos visto con un dejo a lo Clint Eastwood (Gran Torino, Flasg of our Fathers, Invictus, The Mule, entre otras) que se agradece.

Elsa Bragato

 

 

SINÓNIMOS: UN ISRAELÍ EN PARÍS

De Nadav Lapid. Guion de Nadav y Haim Lapid. Fotografía de Shai Goldman. Con Tom Mercier, Quentin Dolmaire, Louise Chevillone, entre otros. Coproducción Francia-Israel. Premio Oso de Oro del Festival de Berlín 2019, entre otros.

 

XXXXX- ENCENDIDO HOMENAJE A LA PAZ

Excéntrica y desatada. Así se vive esta experiencia cinematográfica de Nadav Lapid quien nos cuenta la historia de Yoav, un joven israelí que llega a París dispuesto a renegar de su origen, dejar de hablar su idioma natal, odiando las fronteras y los límites de cualquier índole por lo que ha vivido en su país.

De sabor muy francés, este film de Lapid, que dedicó a su madre, tiene que ver con su propia historia sumándole las experiencias de un inmigrante en París. Nada será fácil, aunque lo parezca, para Yoav, asaltado ni bien pisa suelo parisino, y amigo por circunstancias insólitas de una pareja francesa. En el camino, hay trampas. Desde la amistad de otro israelí que añora los campos de batalla hasta su nacionalidad francesa hecha a los apurones, decidida sobre un puente del Sena. Desde su trabajo como modelo que termina en una experiencia erótica hasta su caminar solitario por las calles de París.

Es un film a todo o nada, raro, fuerte, encendido. Cuando se piensa que caerá en la monotonía, ahí está Yoav enfrentando un nuevo desafío. Frente a un conjunto de cuerdas a los gritos o en la embajada de su país levantando las barreras que impiden el ingreso.

Encendido homenaje, en el fondo, a la libertad de los pueblos y a la vida sin guerras que ningún habitante de la Tierra merece.

Elsa Bragato

Otros estrenos previstos para este jueves:

1.- Proyecto Géminis, del premiado Ang Lee. Estados Unidos.

2.- Reporte Clasificado, de Scott Z. Burns. Estados Unidos.

3.- Soy tóxico, de Pablo Parés y Daniel de la Vega. Argentina.

 

JUEVES 7 DE OCTUBRE DE 2019.-

 

UN DÍA LLUVIOSO EN NUEVA YORK

Guion y dirección: Woody Allen. Con Timothée Chalamet, Elle Fanning, Selena Gómez, Jude Law, Liev Schreiber, Diego Luna, entre otros. Cinematografía de Vittorio Storaro. Duración: 92 minutos.                  

XXXXX-INFATIGABLE ALLEN A SUS 83

Woody Allen vuelve a sorprendernos con su película número 50 por su inagotable talento desafiando su propia y unívoca temática sobre su New York. Los imprevistos enredos de una joven pareja de adolescentes, Gatsby (Timothée Chalamet) y Asleigh (Elle Fanning), plantean el severo tema de ser y no ser durante un fin de semana romántico en Manhattan. En tan solo un día que pretendía ser de ensueño, los dos adolescentes se extravían en medio de una lluvia pertinaz; surgen personajes imprevistos y tanto Gatsby como Asleigh se avecinan a una crisis involuntaria. Asleigh tiene una nota con un  afamado artista (Liev Schreiber) que se interrumpe para aparecer fotografiada junto al actor de moda (Diego Luna) mientras que Gatsby queda enredado con Chan (Selena Gómez), en medio de un ardiente fuego latino. Metidas de pata constantes le dan gran agilidad al film que, en esta oportunidad, dirige Woody Allen haciendo una suerte de traslación de su verborragia quasi tartamuda a la pareja protagónica.

Ellen Fanning y Thimothée Chalamet son jóvenes pero consagrados en el cine, ideales en esta pareja que elige Allen para esta película que, por razones judiciales, no se pudo estrenar en los Estados Unidos. Fanning es la hermana menor de Dakota, y actúa desde muy pequeña habiendo recibido premios internacionales por sus performance. Es también la Bella Durmiente de “Maleficent 1 y 2” que acabamos de ver. En el caso de Chalamet, ha sido consagrado como actor revelación por la academia de Hollywood. Su actuación en “Llámame por mi nombre”, película antológica, lo consagró definitivamente. Para Woody Allen, la elección de esta pareja protagónica significó una suerte de “alter ego” y de confesión de sus confusiones –las tuvo y muchas- con el sexo opuesto. Como siempre, la música incidental es el jazz, que se une al amor del realizador por su ciudad, una Nueva York que resulta impactante por sus 12 avenidas, por el Broadway de los musicales, y por el Central Park, que, en este caso, es el marco indispensable para una escena memorable. Nada de esto se podría visualizar en su esplendor sin la participación de Vittorio Storaro, fotógrafo italiano de larguísima carrera hollywoodense, hacedor de Apocalypse Now y Reds, entre tantos otros films. Es el número 50 para Woddy Allen de 83, infatigable cineasta que encontró en Buenos Aires el aplauso a su creatividad ingeniosa, divertida y profunda, con un tufillo inquietante que hace pensar. 

Carlos Pierre

 

AMOR DE PELÍCULA

Dirección: Sebastián Mega Díaz. Fotografía: Mariano Suárez. Con Natalie Pérez, Nicolás Furtado, Guillermo Pfening, entre otros. Fotografía: Mariano Suárez. Música: Tomás Putruele. Duración: 90 minutos.

XXXXX- GENTE COMO UNO

Natalie Pérez y Nicolás Furtado forman la pareja protagónica de esta comedia romántica, agradable, disfrutable, sin exigir nada más que la buena presencia de los jóvenes actores y una narración coherente. Natalie Pérez debutó en cine en el 2003 en ¡Ay Juancito”  mientras que Nicolás Furtado lo hizo en el 2008 en “Masangeles”, si bien el rol que lo lanzó al máximo reconocimiento fue en “Educando a Nina”. Luego vino “El marginal” donde su “Diosito” lo consagró no solo aquí sino a nivel internacional. Ambos enfrentaron el desafío de este singular “Amor de película”, apuesta en el medio local de la productora DK Group.

Vera (Natalie Pérez) y Martín (Nicolás Furtado) se unieron desde que se vieron, esa primera impresión fue un fuego instantáneo. el “coup de foudre” ocurrido hace 7 años los llevó a unirse, si bien el tiempo hizo de las suyas. Vera llevó la mejor parte al convertirse en una actriz famosa, mientras que Martín no alcanzó tanta notoriedad como director. No hay mucho más en esta trama que apostó a aquello que sucede en el día a día, que no se apoyó en rebuscamientos de guion ni en presuntuosas disquisiciones pseudo intelectuales. Es que la vida diaria es sencilla y brutal, viene de frente, como el amor y la muerte, y nadie puede detenerla. La historia de Vera y Martín responde a esta premisa que no admite vueltas de tuerca. Es lo que es y lo que hay. A partir de esta concepción, la comedia propuesta por Sebastián Mega Díaz llega al corazón, se trata de gente como uno que vive el amor y el desamor, las dos caras de una misma moneda que se dan en cualquier lugar, en el cine, la televisión, en la calle o en el barrio. El amor, como el sol, siempre está. Y su contracara tambi

Carlos Pierre

 

DOCTOR SUEÑO

De Mike Flanagan. Sobre el libro de Stephen King. Con Ewan McGregor, Kyliegh Curran, Rebecca Ferguson, Zahn McClarnon, Carl Lumbly, entre otros. Fotografía de Michael Fimognari. Música de The Newton Brothers. Duración: 151 minutos.

XXXXX- PERSIGUIENDO A KUBRICK

El film de culto “El resplandor” de Stanley Kubrick con el notable Jack Nicholson (1980) en el rol de Jack se basó en el libro homónimo de Stephen King. Pasaron muchos años hasta que el máximo autor actual del terror escribió su secuela: en el 2013 editó “Doctor Sleep”, título de esta película en traducción literal al castellano. Aquel niño que tenía relación con seres paranormales, Danny Torrance, hoy es un adulto drogadicto y alcohólico, que encarna Ewan McGregor. Su poder psíquico se renueva, especialmente cuando intenta recuperarse de sus adicciones (hay varias secuencias copiadas literalmente del film de Kubrick, buen guiño), estableciendo contacto con una niña afroamericana de 12 años llamada Abra. Es ella quien lo guiará en la persecución de una secta que quiere atraparla para absorber su “resplandor”, esa aura especial de todo ser humano con desarrollo intuitivo.

El film es visualmente siniestro, tenebroso, que solo acude a la claridad en los momentos del desenlace. El personaje de Danny es el hilo conductor de un viaje por el horror que exaspera y que no siempre se justifica. La violación y asesinato de menores es repudiable desde todo punto de vista pero Flanagan no ahorra estas escenas que están relacionadas con el “resplandor” de esas criaturas, necesarias para la vida del perverso clan que sigue a Rose, bruja de intensos poderes. Por momentos hay una acumulación de hechos sobrecogedores que llevan al film común de género. Solo en algunas secuencias Flanagan recupera su identidad como realizador al reeditar planos del film original de 1980: el protagonista es Ewan MacGregor, se marca esta diferencia, por lo que la dramática habitación 257 del Overlook Hotel y los pasillos de alfombras coloridas que el pequeño Ewan recorría con su triciclo, se agradecen tanto como el laberinto de árboles podados en medio de una feroz nevada. Se está en ese camino de Kubrick por lo que se logra superar el impacto de secuencias espeluznantes. En este sentido, el “gore” está menos en pantalla que el thriller psicológico.

La película puede atraer a los fans del terror, más que a los seguidores de Kubrick, a quien se homenajea en varias secuencias. Pero sin genialidad. De alguna manera, es más de lo mismo, aunque nos esforcemos por salvar a Flanagan del trillado “film de género”. Es que lo es, nada más que viene con un “background” icónico.

Elsa Bragato

 

UN GAUCHITO GIL

Guion y dirección de Joaquín Pedretti. Celso Franco, Jorge Román, Cristian Salguero, entre otros. Fotografía de Guillermo Rovira. Música de Iñaki Zubieta. Duración: 72 minutos.

XXXXX- VIAJE MÍSTICO POR IBERÁ

Un peón rural atravesará los icónicos Esteros de Iberá para recuperar a su hijo, que le fue arrebatado luego de un accidente. Joaquín Pedretti se mete en un tema muy difícil como es el de la ensoñación, la mitología de los rituales y la desesperación humana en sí, tal como “Héctor Soto” (Celso Franco), el padre que busca a su hijo, siente. Sus suspiros, sus jadeos. forman parte de las primeras secuencias en las que el director recurrió a pasajes lumínicos, fuera de focos, colores entre sepia, blanco y negro y rojizos. Ganado que cruza un río, ruidos de movimientos, sangre en el agua.

Este trabajo fotográfico de excelente nivel se ve a lo largo de la película en la que la figura del Gauchito Gil sirve de base para el personaje principal: Soto no es cuatrero, no es delincuente, quiere encontrar a su hijo. La ayuda de un lugareño (Jorge Román), la persecución de otros, y la llegada a una suerte de tribu donde las mujeres apenas responden con monosílabos, es el infierno de “Soto” o su viaje místico y fatal: Soto deberá ser el propio Gauchito Gil para que se lo devuelvan. El film nace en Misiones y Corrientes. Tiene mucha mística, lenguaje guaraní, chamamé, tan solo elementos que lo reubican en la zona mientras “Soto” atraviesa su vía crucis.

Que llegue cine regional a la capital es un excelente augurio. A diferencia de otros, el cine misionero y correntino tiene mucha magia, mucha mística, enraizada en creencias guaraníes y en la imaginación popular. Joaquín Pedretti recoge el legado en un film muy sugerente por su fotografía, si bien el guion adolece de claridad teniendo un final abrupto.

Elsa Bragato

 

MUJER MEDICINA

Documental de la realizadora Daiana Rosenfeld.Sonido de Jorge Miranda y Gaspar Scheur, sonido directo de Francisco Pellerano, producción de Aníbal Garisto de Lumen Cine.

XXXXX-CURACIONES ANCESTRALES EN EL AMAZONAS PERUANO

La directora Daiana Rosenfeld se interna en la profunda búsqueda espiritual de la argentina Fedra Abahan, radicada en Mar del Plata, quien debe superar la muerte reciente de su padre. En verdad, el documental solo nos cuenta el caso de Fedra, quien asiste a la ceremonia del Ayahuasca. Se une al grupo que comandan los chamanes Mateo Arévalo y Yatí Cohaila, quienes reciben tours con el mismo objetivo de Fedra.

Las condiciones de vida son paupérrimas. Casuchas, falta de todo, y mucho calor, rodean a Fedra cuya enfermedad principal, la celiaquía, desapareció luego de estas prácticas ancestrales. Vomitivos y el hongo alucinógeno son la base de estos tratamientos que supuestamente van limpiando el alma y el cuerpo de los asistentes.

Fedra siente que, a lo largo de 7 años, pudo superar la muerte de su madre y su padre y ayudarlos a morir dignamente gracias a estas sesiones que realiza una vez por año: el regreso a lo ancestral le permitió recuperarse a sí misma. Claro está, es una visión personal de un hecho tribal que funciona en forma diferente en cada uno de nosotros. El valor del documental es también relativo debido a que es autorreferencial: es solo el caso de Fedra Abrahan y no una investigación que documenta los viajes turísticos a esta parte del mundo en busca de rituales con ayahuasca y sus benéficas consecuencias en el espíritu y cuerpo humanos.

Elsa Bragato

 

LA FORMA DE LAS HORAS

Guion y dirección: Paula de Luque. Con Julieta Díaz, Jean Pierre Noher, y la participación de Paula Robles. Dirección de Fotografía y cámara: Hugo Colace. Música: Leo Sujatovich. Duración: 75 minutos.

xxxxx-CINE DE ALTO VUELO

Una pareja enfrenta su derrumbe amoroso y decide reencontrarse en el departamento donde convivieron durante 24 horas. Hay pocos elementos en el lugar y deben entregar las llaves en forma inmediata. Jean Pierre Noher y Julieta Díaz encarnan a esta mujer en medio de dimensiones de un devenir del tiempo que los acorrala. Ella es quien está en la piscina, quien se recuesta al lado de su marido. Es todas esas mujeres y es ésta, en medio de una inquietante espiral de futuro y pasado, un agónico presente y el inexorable olvido. Ambos vuelven al pasado en un ir y venir continuo en ese día que los contiene mientras van huyendo. Profundos acentos cinematográficos logra la morosa cámara de Paula de Luque, a los que se suma el soporte coreográfico de Paula Robles.

Julieta Díaz y Jean Pierre Noher tienen altísimas performances, adultas y sensibles: Noher trabajando la sensualidad de su voz y Díaz, su soberbia femineidad. Se suma a este peculiar conjunto la música incidental de Leo Sujatovich interpretada por el cuarteto de cuerdas de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires. Intimista, inquietante, Paula de Luque consigue un trabajo propio de excepción reuniendo a una pareja protagónica que tiene estilo y conlleva arte.

Se verá, en principio, todos los viernes de noviembre en el Malba Cine. El film participará de diversos festivales internacionales.

Carlos Pierre

 

Otros estrenos previstos:

1.-Midsommar, de Ari Aster, Estados Unidos.

2.- Los Knacks, déjame en el pasado, documental de Gabriel y Mariana Nasci. Argentina.

3.- Cartero, de Emiliano Serra, Argentina.

4.- Una banda de chicas, documental de Marilina Giménez. Argentina.

5.- Piedra, Papel y Tijera, de Macarena García L. y Martín Blousson, Argentina.

6.- La vida en común, de Ezquien Yanco, Argentina.

 

JUEVES 31 DE OCTUBRE DEL 2019.-

 

TERMINATOR, DESTINO OCULTO

De Tim Miller. Con Linda Hamilton, Arnold Schwarzenegger, Mackenzie Davis, Natalia Reyes, Diego Boneta, Gabriel Luna. Guion de Games Cameron, Tim Miller y Davis Ellison, Música de Junkie XL, Montaje de Julian Clarke, Vestuario de Ngila Dickson. Duraciónn: 122 minutos.

XXXXX-TRILOGÍA FEMENINA ENFRENTA A TERMINATOR

Que Arnold Schwarzenegger regresara al cine como Terminator a sus más de 70 años fue impensado. Sin embargo, la magia de un personaje y su afición por la inteligencia artificial, en comunión con el director James Cameron, “hacedor” de Terminator 1 y 2 en la década del 80, permitió esta vuelta. Tras casi tres décadas, Cameron volvió a los sets con su investigación sobre los seres cibernéticos, teniendo como “cómplice” al exitoso realizador de Deadpool, Tim Miller. Y requirió la presencia de su musa y ex esposa, Linda Hamilton, para el papel de Sarah Connor. Para Cameron, a pesar de que hubieron seis Terminator en el cine en total, esta película es continuación de Terminator 2.

Sarah regresa cuando se produce una invasión de “endoesqueletos” cibernéticos para destruir a la raza humana. Una lucha que ya había realizado con éxito. Ahora, con la ayuda de Grace (la canadiense ultradelgada Mackenzie Davis), otro ser “cyberhumaho”, protege a Dani Ramos (Natalia Reyes). La jovencita vivía en una zona tranquila de México (¿y el presidente Trump?) junto a su hermano (Diego Boneta, el ex Luismi de la serie de Netflix), hasta que el inesperado ataque de los endoesqueletos comenzó a perseguirla.

Hay dos secuencias fundamentales: el primer encuentro de Terminator con Sarah en el pasado (recreado magníficamente) y el “cara a cara” actual. Hay cuentas pendientes trágicas entre ambos que Terminator se encarga de reflotar, reconociendo su humanización y sensibilización por vivir en la tierra.

En medio de estas dos escenas, está la narración plagada de persecuciones fatales, estruendosas, con finales brutales, y una tecnología de punta que asombra dado que las filmaciones se realizaron sin escenarios ni vestuarios ni armas especiales. El mérito visual es de la postproducción y del equipo técnico de James Cameron, una vez más. La banda sonora de Junkie XL es la adecuada para este tipo de películas: sonidos cósmicos, fuertes, aturdidores.

Como anécdota, señalamos que Linda Hamilton fue la heroína de una serie televisiva de los 80 diferente: La Bella y la Bestia, junto a Ron Perlman, un cuento de hadas que duró alrededor de tres años en el aire.

Finalmente, la película rescata personajes icónicos y refresca una historia de más de 30 años de la mano de su creador, James Cameron, en un no creíble “detrás de cámaras”. Será Tim Miller el director pero estamos seguros de que James Cameron gritó “acción” de principio a fin.

Elsa Bragato

 

LOS LOCOS ADDAMS, Animación

De Conrad Vernon y Greg Tiernan. Música de Jeff Danna y Mychael Danna. Basada en los originales de Charles Addams.

XXXXX-REFLOTE PASTERIZADO DE UN CLÁSICO

Inolvidable la serie de los 60 de Los Locos Addams, basada en los personajes que, en la década del 30, creó Charles Addams, tienen ahora su animación. Aquella macabra ironía sobre la sociedad norteamericana de los años post y pre guerra, con elementos del expresionismo alemán, se transformó en una “abuenada” historia para todo público.

La animación tiene el encanto de los personajes conocidos (incluye el largometraje de 1991) pero es evidente que se suavizaron o aniñaron las costumbres sádicas y oscuras del original. Homero y Morticia, sus vástagos Merlina y Pericles (se prepara su iniciación siguiendo la “mazurca con sable”), la mano Dedos, el sirviente Largo, tienen una vecina muy normal que los sacará de eje. Se trata de Margaux Needler quien quiere construir un barrio muy especial hasta que descubre el lúgubre castillo de los Addams. La relación de la hija de Margaux con Merlina producirá cambios familiares que Morticia no acepta.

Como decíamos, esta versión animada es light: la mala conducta tiene su reverso a manera de moraleja o consecuencia. Todos podemos ser raros para los demás pero, ojo, la rareza no debe sobrepasar ciertos límites.

Acercar personajes tan valiosos de la gráfica, la televisión y el cine a través de una animación, es valorable aunque sea una versión pasterizada del humor macabro.

Elsa Bragato

 

AMANDA

De Mikhael Hers. Con Vincent Lacoste, Isaure Multrier, Stacy Martin, Ophelia Kolb, Isaure Multrier, entre otros. Fotografía de Sebastien Buchman. Música de Anton Sako y Matthieu Sibony. Edición de Marion Monnier. Duración: 107 minutos.

XXXXX-LA RESILIENCIA O LA VIDA MISMA

La resiliencia es el aspecto psicológico que define al nuevo siglo: la mochila del dolor pasado y la carga emotiva de frustraciones y pérdidas, en contraposición a la vida misma que está y que fluye y que se nos viene encima y que es imparable.

El director Mikhael Hers relata la historia de David, un joven de 24 años que vive en París, tiene una hermana llamada Sandrine con una hija de 7 años, Amanda (notable la pequeña Isaure Multrier así como los primeros planos de alegría y llanto que Hers logra de ella). A raíz de un atentado terrorista, Sandrine muere quedando Amanda al cuidado de su tío. Una madre abandónica en Londres, un padre fallecido, y una abuela paterna, son los únicos familiares de David, para quien la vida presentaba otro proyecto a través de su relación con su vecina, la pianista Léna (Stacy Martin) y el alquiler de departamentos a los turistas.

David oculta su llanto, Amanda le exige presencia. Ambos están llenos de ausencias maternas a partir de ahora. Confusión y dolor van uniendo a sobrina y tío transformándolos en resilientes aunque no lo sepan y mucho menos se lo hayan propuesto.

Mikhael Hers apela a una fluida narración, sin altibajos, sin explosiones dramáticas, sin cursilería, y la elección de dos protagonistas de lujo: el joven Vincent Lacoste (junto a Timothée Chalamet, uno de los grandes actores jóvenes actuales) y la niña Isaure Multrier. La vida no cesa, continua, con horror y con alegría, hay que enfrentarla, hay que aceptarla, hay que seguir.

Del rock de Elvis Presley se pasa a la sinrazón de la pérdida seguida por la inevitable reconstrucción del día a día. El gran mérito del realizador Mikhael Hers y de sus protagonistas está en el tono medio empleado. Sucede la alegría como sucede el horror. Honestidad narrativa a partir de una mirada realista sobre la sociedad actual.

Elsa Bragato

 

ESTAFADORAS DE WALT STREET

Dirección: Lorena Scafaria. Guion: Jessica Pressler, Lorena Scafaria. Con Jennifer López, Constance Wu, Lili Reinhart, Julia Stiles, entre otros. Fotografía: Todd Banhazl. Duración: 110 minutos.

XXXXX-CUANDO LAS MUJERES VIENEN MARCHANDO…

La mujer empoderada es el símbolo claro de los estrenos de las últimas semanas siendo también el caso de Estafadoras de Wall Street: mujeres que luchan por sobrevivir económicamente en el centro financiero del mundo. Basada en una historia real que ocurrió entre 2007 y 2008, fue convertida en guion por Lorene Scafaria quien luego lo dirigió. Total y contundente relato sobre las mujeres y su fortaleza.

En 2007 un grupo de cuatro bailarinas lideradas por “Ramona” (Jennifer López en su mejor interpretación), chicas del “streaptease”, se confabulan para atrapar a los incautos del mundo financiero. La actividad les proporcionará buena fortuna a estas hermosas mujeres que usufructuaron el desenfreno de aquellos ricos que creyeron someterlas (recordemos que una de las traducciones del inglés “hustle” es prostituta). El negocio de estas bellas mujeres peligra cuando una periodista del New York Magazine empieza a investigarlas. En el 2008, explota la llamada “burbuja financiera”, haciendo caer a todos. Los magnates dejan en ruina a las bailarinas, que habían aprendido a usar las tarjetas de crédito con sucios malabares, mientras les bailaban.

Sexo y dólares por el aire se unen en esta narración divertida y dramática a la vez, un thriller que transita por la aparente convención de la comedia para sorprender con una historia de perversión y despilfarro que generó una de las peores crisis económicas del milenio. Las mujeres vuelven a ser protagonistas de hechos históricos que, de no ser por el movimiento de empoderamiento, habrían pasado por alto, sucumbiendo ante las historias masculinas de poder y dinero. Jennifer López, una vez más, notable, cautivante, seductora y excelente actriz.

Carlos Pierre

 

DESERTOR

Guion y dirección de Pablo Russa. Con Daniel Fanego, Santiago Racca, Marcelo Melingo, Pablo Tolosa, Ignacio Tamagno.Fotografía de Gio Croatto. Música de Claudio Vittore. Duración: 88 minutos.

XXXXX- FANEGO A LO “GARY COOPER”

El polo cinematográfico cordobés se une, en esta oportunidad, al mendocino para la realización de este western místico extraño y atrapante titulado “Desertor”. Pablo Russo, autor del guion y director, realizó una historia poco común sobre la desaparición de un soldado del Regimiento de Montaña Nro 12, que reside en un lugar sin definir pero que se reconoce como un paraje de la provincia de Mendoza. El marco imponente de la cordillera colaboró en la fotografía de Gio Croatto que alcanza una belleza visual inusual.

El cabo Rafael Márquez ingresa al mencionado regimiento; allí encuentra la mochila de su padre al que califican de “desertor” y, ante la aparente apatía de sus superiores, inicia su búsqueda por valles y caminos peligrosos. Una extraña indígena, un soldado herido, la caída en un pozo entre peñascos (recuerda al film “127 horas”), y el encuentro con un ermitaño (Daniel Fanego) a la vera del “camino del inca”, tuercen el camino de Rafael. Y, al mismo tiempo, le imprimen a la narración un vértigo que estaba necesitando a gritos. Es que el comienzo lineal con diálogos teatrales requería del quiebre que el personaje de Daniel Fanego le imprime. Del western cansino pasamos al thriller violento, inesperado, que permite un final a toda orquesta, entiéndase, con balacera propia de “A la hora señalada”, antológica película de cowboys.

En medio de la fábula, el joven cabo Rafael vivencia hechos que su padre vivió, comprendiendo por qué fue un desertor y quién fue el culpable de los hechos que descubre. Estas secuencias le dan el marco “místico” a esta interesante propuesta, que crece a medida que el paisaje se enseñorea en la pantalla, curiosa y original conjunción.

NR: el llamado “Camino del Inca” tuvo en Cusco a su capital, conformando una red de caminos y valles que llegaron a tener unos 60.000 de los que se conservan 40.000. Comprendieron zonas de Colombia, Ecuador, Perú, Bolivia, Chile y Argentina. Fue una ingeniería similar a la de los romanos: caminos y acueductos. 

 

Elsa Bragato

Otros estrenos previstos para este jueves son:

1.- Crímenes imposibles, de Hernán Findling, con Federico Bal. Argentina.

2.- En buenas manos, de Jeanne Herry, Francia.

3.- Te pido un taxi, de Martín Armoya, con Nico Riera. Argentina.

 

JUEVES 24 DE OCTUBRE DEL 2019.-


¿YO TE GUSTO? NO PERDONARÁS
De Edgardo González Amer. Con Leticia Bredice, Daniel Loisi, Martina Krasinsky, Daniel Aráoz, Marco Antonio Caponi, Sebastián Chávez, Jonathan Toledo. Fotografía de Sebastián Gallo, Sonido de Maxi Gorriti, Arte de Jimena Soldo. Vestuario de Jimena Labraña. Música de Mariano Barrella. Duración: 78 minutos.


XXXXX- ACUARELA TRÁGICA DE LA MARGINALIDAD
Bien narrado, Yo te gusto? Es un policial intenso con actuaciones que apuntalan la fábula aunque previsible. No obstante esta previsibilidad, las secuencias tienen una tensión en aumento bien dosificada. En este cuarto largometraje de Edgardo González Amer el balance entre realismo y ficción es seco, honesto y hasta brutal.
Nos cuenta el caso de dos hermanos, Nati y Seba que viven en la marginalidad. Su madre (Leticia Bredice) y su padre (Daniel Loisi) han contraído una deuda y los hijos intentarán ayudarlos robando. El “matón” (Daniel Aráoz) que comanda al grupo de ladronzuelos no le perdonará a Nati cierta deslealtad, generándose la tragedia.
Destacamos las actuaciones por sobre el guion, absolutamente profesionales. En verdad, la marginalidad y sus consecuencias sobre los jóvenes no es un tema nuevo ni en el cine ni en nuestra tele. Por momentos, uno puede preguntarse si realmente tantos retratos audiovisuales no son perjudiciales porque nadie debe ser un marginal. Por otro lado, es una suerte de acuarela trágica que nos estampa en la cara la dureza de muchas vidas que merecen algo más que visibilidad, un cambio fáctico de las políticas socio-económicas.
La conjunción actoral de Bredice-Loisi-Araoz y Caponi conforma un cuarteto firme que sostiene los trabajos de los más jóvenes, también impecables como la protagonista Martina Krasinsky. A sangre y fuego es la venganza de la joven que conoce las consecuencias de su accionar pero que opta por su dignidad. Será ella misma con su destino a cuestas.
Rescatamos la fluidez narrativa y el trabajo de postproducción para lograr una historia dentro de un marco conocido realizada a partir de la honestidad intelectual.
Elsa Bragato


EXILIO EN ÁFRICA
Documental. Guion y dirección de Ernesto Aguilar, codirección de Marcela Suppicich. Fotografía de Marcela Suppicich, Montaje de Martín Senderowicz. Música de Marcelo Ruiz. Duración: 73 minutos.


XXXXX-ARGENTINOS EN MOZAMBIQUE
A través de testimonios descubrimos diversos aspectos de quienes se exiliaron en tiempos de la última dictadura militar. Diferentes destinos, algunos inimaginados como Mozambique. Este documental de Ernesto Aguilar cuenta lo sucedido a un grupo de 60 argentinos que abandonaron tanto los países europeos donde estaban hasta este país para instalarse en Mozambique, ex colonia portuguesa, que sufría una sangrienta guerra civil. Fueron convocados como “cooperantes” por el gobierno del líder africano Samora Machel para la construcción de un estado “socialista”.
Gente de diferente oficio y profesión se radicó con sus parejas e hijos en tierras tan lejanas como desconocidas, de independencia flamante, destruidas por el avasallamiento de Portugal en este caso. Se lograron los testimonios de Carmen Báez, Rodolfo Báez, Rosana Colombo, Ana Gutreiman, Marta Lucas, Martín Rall, Domingo Suppa, Oscar Viñas y Miguel Yanson. Estuvieron lejos del oscuro período dictatorial de nuestro país pero enfrentaron otros males como una guerra civil, caminos minados, y el “apartheid”, o sea el blanco con primacía sobre el negro. Uno de los entrevistados repitió las palabras de un afroamericano: “Señalándose la piel dijo: esta piel no sirve”. Para un argentino, esta diferencia resulta inexistente y fuera de lugar. Tuvieron que adaptarse.
Como en pocos documentales, los testimonios resultan muy interesantes. Son diferentes y hablan de exilios muy personales: fuera del país, se fueron a Africa para construir una sociedad abandonada. Al final, cada uno pudo olvidar el por qué de su exilio de la Argentina al ayudar a otros. La novedad de este largometraje está en su contenido.
Elsa Bragato


STAND UP VILLERO
Documental. Guion y dirección de Jorge Croce. Testimonios de Damián Quilici, Sebastián Ruiz Tagle y Germán Matías. Fotografía de Alejo Rébora. Sonido de Luciana Migliano. Duración:82 minutos.


XXXXX-LA VARITA MÁGICA DEL ARTE
Lo marginal es centro de este docuficción en el que la cámara de Jorge Croce rescata a tres standauperos de diferentes villas del conurbano. Gente trabajadora, sencilla, que encuentra en el humor autorreferencial la mejor forma de exorcizar las tremendas diferencias sociales con las que tienen que sobrevivir.
Se trata de Damian Quilici, Seba Ruiz Tagle y Germán Matías, quienes viven en villas y hacen humor de noche en diferentes lugares, tanto del conurbano como de esta capital. Se ríen de lo que viven, de lo que sufren, de lo que les toca ver. Con altura pero sin cortapisas. El que tiene que hablar del aborto como una “manera de vida” de una de sus hermanas lo hace sin advertir las consecuencias de sus dichos. En otra secuencia de la que participan Héctor Díaz como el “censor” y Seba Ruiz Tagle, el primero indica que recibió quejas por los chistes; la palabra “negro” desata una pequeña controversia que el standapero resuelve diciéndole que su piel es negra, así que el problema no existe: después de la General Paz, la “negritud” es algo común.
Hay, entonces, humor y sarcasmo sobre realidades que no vivimos en el centro porteño. Duelen las diferencias que no podemos revertir y asombra la visión que cada uno de estos jóvenes artistas tienen sobre sí mismos. De dónde vienen, la educación, la adolescencia sin escolaridad, son tópicos que abordan con la honestidad de quienes saben de qué hablan. Es muy interesante el recorrido cinematográfico propuesto por el director Jorge Greco permitiéndonos conocer a los representantes del “stand up” villero o marginal a través de una narración reveladora de personalidades inquietas, ricas, valiosas. Por suerte, el arte toca con su varita mágica en cualquier lugar. Dios no siempre atiende en la capital.
Elsa Bragato


EL ROCÍO
De Emiliano Grieco. Con Daina Provenzano, Tomas Fonzi, Olivia Olmedo, Eva Bianco y Lorena Vega. Fotografía de Alejandro B. Torcasso. Edición de Leandro Aste y Emiliano Grieco (coautor del guion junto con Barbara Sarasola Day). Música de Juan Nacio. Duración: 78 minutos.


XXXXX- THRILLER ECOLÓGICO
La apertura de la película de Grieco nos enfrenta a la resolución del título: el rocío mortal para que las plantaciones de soja, en este caso en Entre Ríos, crezcan sin plagas. Hombres con mamelucos y escafandras rocían las plantaciones. Los vecinos empiezan a tener problemas de salud. La historia se centra en Sara (Daiana Provenzano), joven madre de una beba. La visita al hospital de la zona la relaciona con el joven médico, encarnado por Tomás Fonzi, en forma circunstancial, hasta que los problemas de salud de la pequeña la obligan a trasladarse a Buenos Aires.
La narración de Emiliano Grieco logra momentos de tensión interesantes junto con la actuación de Provenzano y la pequeña, una relación madre-hija que enternece. Sin embargo, abre muchos frentes: la relación de Sara con el médico, la relación de su madre con un amante, la venta de droga, la represión de uniformados en un extranjero, hasta que intempestivamente se llega a un crimen. Estas secuencias provocan una innegable tensión. Pero perturban el planteo del guion porque no tienen evolución. Es decir, son mojones de tensión sin aporte evolutivo.
Hay dos elementos que se utilizan excesivamente en el cine nacional: las secuencias de sexo explícito y los celulares. Emiliano Grieco tiene un bagaje técnico muy interesante, supo crear climas, por lo que opinamos que no debió recurrir a ellos.
Elsa Bragato


Otros estrenos previstos son:
1.- La carrera de Brittany, de Paul Downs Colaizzo, con Jillian Bell. “Es una película sobre cómo aprender a quererse uno mismo. Puede ser que ya nos amemos sin ver esta película”, de Amanda Greever, de The Daily Times.
2.- Zombieland 2, de Ruben Fleischer. Con Woody Harrelson, Emma Stone, Abigail Breslin, entre otros. Estados Unidos.
“Es muy entretenida para aquéllos de nosotros que vemos a los zombies como algo reconfortante en una época oscura”, de John DeFore, The Hollywood Reporter.
“Es una de las mejores comedias del año, con toneladas de gore, ofrece exactamente lo que prometía”, de Simon Thompson, IGN.
3.- El Rocío, de Emiliano Grieco. Con Tomás Fonzi, entre otros. Argentina.
 

JUEVES 17 DE OCTUBRE DEL 2019

MALÉFICA 2

Dirección: Joachim Ronning. Fotografía: Henry Braham. Guion: Micah Fitzerman-Blue, Noah Harpster(Charles Perrault-Hermanos Grimm). Con Angelina Jolie, Michelle Pfeiffer, Elle Fanning, Ed Skrein, entre otros. Música: Geoff Zanelli. Duración: 118 minutos.

XXXXX-JOLIE-PFEIFFER-FANNING: FUERTE TRILOGÍA FEMENINA

Llega Maléfica 2, continuación del primer film homónimo del 2014, versión en carne y hueso de la famosa animación de Walt Disney “La Bella Durmiente”, 1954, basada en los relatos de Charles Perrault y los Hermanos Grimm. El correr del tiempo y las circunstancias cinematográficas obraron a favor de la técnica manteniendo la historia indemne a través de los años.

Este film, que protagoniza nuevamente Angelina Jolie, se ubica varios años después del primero. Muestra la relación entre Maléfica (Angelina Jolie) y la princesa Aurora (Elle Fanning) así como las alianzas que se forman para sobrevivir a las amenazas de la reina Ingrith del Reino de los Humanos (Michelle Pfeiffer). Dos reinos estarán en pugna, el de Maléfica y su Reino de los Pantanos y de las Hadas y el de los Humanos.

La primera escena es deslumbrante: en la sombra del bosque, miles de luciérnagas destellan huyendo de los humanos. Una introducción cinematográfica impactante.

Maléfica mantiene su rol de heroína-villana, esta vez unida a la bella princesa Aurora para oponerse a las ambiciones de la reina de los humanos. Hay que destacar a la trilogía femenina que protagoniza esta saga, que pasa por distintos avatares con una narración vivaz, ágil, visualmente bella, entre palacios, guerreros y hadas. El nudo del guion reside en el casamiento de Aurora con Philip, hijo del Reino de los Humanos. Este conflicto permite desarrollar intrigas que hacen fluir la historia a través de guerras entre los bandos. Y es aquí donde la fotografía resulta excelsa, con tomas panorámicas muy logradas. La música de Geoff Braham también es otro componente interesante que aporta brillo así como pomposidad en las secuencias desarrolladas en castillos.

Se logró una vuelta de tuerca muy interesante al guion partiendo del dato inicial: Maléfica le había lanzado un hechizo a Aurora cuando nació: a sus 16 años se iba a pinchar un dedo con el huso de la rueca y moriría. Las cosas cambiaron en el reino y ahora ambas deben unirse para salvarlo.

Si queremos ahondar en los subtemas, sobresale el de la crítica hacia los otros: se suele poner calificar a otros simplemente porque algo de sus conductas “aparente” no nos cae bien. Sin embargo, cuando tratamos a la persona en cuestión, nos damos cuenta de que nos equivocamos. Sucede con Maléfica cuya maldad se basa en un grave error que deberá asumir para lograr la paz y la felicidad. Además, la película de Ronning también muestra las relaciones intrafamiliares entre madres e Agregamos estos datos: el cuento inicial se llamó “Sol, Luna y Talía” y corresponde a una recopilación que realizó Giambattista Basile en 1634 a la manera de “Los cuentos de Canterbury” y del “Decamerón”, tomándolos de la tradición oral. Poco después Charles Perrault publicó “La belle au bois dormant” en 1697”. En ninguno de los dos casos fueron cuentos para chicos. Los hermanos Grimm hicieron su propia recopilación pensando en los niños que publicaron en 1812. Maléfica 1 fue una remake de la animación de los 50 basada en el cuento de los hermanos Grimm mientras que ésta, Maléfica 2, buscó elementos en el original de Giambattista Basile.

Este género de films son para disfrutar escenas impactantes por la magia de la técnica fabulosa. Los rubros técnicos “copan” la parada.

Carlos Pierre

 

SOLO UNA MUJER

De Sherry Hormann. Con Almila Gabriacik, Ozgur Karadeniz, Jacob Matschenz. Fotografía de Judith Kaufmann. Música de Fabián Romer. Duración: 93 minutos.

XXXXX-DESTINO FATAL POR OSCURANTISMO RELIGIOSO

El oscurantismo religioso, desde el punto de vista occidental, que se ve en religiones orientales sigue conmoviéndonos aunque no podemos detener la lapidación de mujeres supuestamente infieles o la muerte de cualquier otra que quiera decidir sobre su propia vida. Tampoco es la primera vez que el cine se encarga de denunciar esto, En este caso, una directora –Sherry Hormann (Desert Flower)- y una actriz turco alemana – Almila Bagriacik- se pusieron al hombro la historia de “Hatun Ayhrun Surucu” en “Solo una mujer”, quien se divorcia de su marido estando embarazada por las golpizas que recibe. Ni sus varios hermanos ni su padre aceptan tal decisión: debe quedarse al lado de su marido aunque la pueda matar porque es su destino.

Ayhrun se escapa del hogar paterno con su hijo y comienza a vivir como cualquier joven occidental. Pero su familia está al acecho. Y el drama que intuye también.

El tema es árido, difícil, tratado como un thriller de principio a fin por Hermann por lo que el interés no decae a pesar de cierta previsibilidad. Sobresale la protagonista, Almila Bagriacik, cuyo origen turco-germano le permite componer el rol a la perfección al conocer los límites de las mujeres en Turquía: trasvasa sus  características personales otorgándole profundidad a su rol con una gestualidad imponente donde el dolor y el temor se unen. Fluye su personaje con ella misma, no hay trabas que dificulten la comprensión de sus miedos y de su destino sellado. Ayhrun (sobrenombre en la ficción) duele más que la historia en sí. Representa el sufrimiento de miles de mujeres sujetas a atavismos religiosos que no deben admitirse. Película demoledora aunque con lenguaje honesto, sencillo y efectivo, para mostrar la fatalidad que algunas culturas insisten en imponer a las mujeres. Basta ya.

Elsa Bragato

 

ROSITA

Guion y dirección de Verónica Chen. Con Sofía Brito, Marcos Montes, Javier Drolas, Luciano Cáceres, Noemí Frenkel, entre otros. Fotografía de Gustavo Biazzi. Montaje de Delfina Castagnino. Arte de Augusto Latorraca. Sonido de Federico Esquerro. Música de Juan Sorrentino. Duración: 96 minutos.

XXXXX-EFECTIVO THRILLER PSICOLÓGICO

Las relaciones intrafamiliares, el amor y el desamor, los parientes cercanos, la maternidad, son el centro de esta película de Verónica Chen que tiene en Sofía Brito a una protagonista de lujo (la recordamos en la notable “La omisión” que no tuvo la repercusión que merecía). Compone a “Lola”, una madre soltera con tres hijos, que trabaja en un “spa” y aceptó vivir en la casa de su padre, Omar (Marcos Montes), con quien se produce un equívoco que atraviesa toda la historia a través de diferentes niveles de tensión.

El film se inicia con una fuerte escena de sexo explícito que no tiene razón de ser. Marcar que Lola tiene una pareja fuera del hogar, que sus hijos son fruto de otras relaciones, no requiere de esta larga escena sexual. Recién a mitad del film, se logra un ritmo interesante entre el rol de Brito y la propuesta del guion: la desesperación de una madre porque el abuelo no regresó con la hija menor, el descubrimiento de un pasado bastante tenebroso del progenitor, en una relación padre-hija que no transita por los carriles más comunes.

En general, la historia de Rosita, la pequeña, es efectiva porque Sofía Brito tiene presencia escénica que maneja muy bien frente a cámaras. Luciano Cáceres hace una participación especial así como el rol de Omar que encarna Marcos Montes, o sea el padre y abuelo, resulta poco creible no por el actor sino por cómo fue encarado por la dirección actoral. Hay situaciones extremas que se desarrollan prácticamente en silencio cuando el dolor debió estallar con desmesura.

El cine nacional es, por momentos, lineal, secuencial, con cámaras fijas y detalles de resolución narrativa muy elementales como charlas con celulares para indicarnos lo que pasa o pasará. El cine, como el teatro y la televisión, se caracteriza por la acción. Los hechos se actúan, no se cuentan. Pero, todo es una cuestión subjetiva porque, en definitiva, Sofía Brito nos cautivó otra vez más.

Elsa Bragato

 

OTROS ESTRENOS PREVISTOS:

1.- Los hipócritas, ficción nacional.

2.- Construcciones, documental nacional.

3. “El resplandor”, reestreno, film USA

4- Friends 25 años, tres días en homenaje a la famosa serie norteamericana, a través de un maratón de 12 capítulos.

 

JUEVES 10 DE OCTUBRE DEL 2019.-

 

PAVAROTTI

Dirección: Ron Howard. Guion: Cassidy Hartmann, Mark Monroe. Fotografía: Michael Dwyer. Duración: 114 minutos. Reino Unido.

XXXXX- EL TENOR DEL PUEBLO, EXCELENTE DOCUMENTAL

Ron Howard, notable director dueño de un Oscar (Una mente brillante) deja de lado el mundo de ficción para dedicarse a la vida y carrera de Luciano Pavarotti, el mítico tenor nacido en Módena, Italia, en plena Segunda Guerra Mundial, a través de un documental rico en datos e imágenes.

Los comienzos, la carrera, la vida, los amores, desfilan en una narración ágil, honesta, con vuelo artístico. Desde aquella casa paterna, con papá panadero también dueño de una voz hermosa, hasta la fama internacional que Pavarotti supo ganarse: para Luciano, su padre fue un cantante excepcional, tenaz y estudioso, que podía dar el famoso “do de pecho” o “do sobrenatural”. A medida que fue creciendo, Luciano se esforzó por darle color y profundidad a la potente voz que había heredado. Decía que “La voce” era como una novia a la que no podía dejar de amar (curiosamente “voz” es un vocablo femenino en las lenguas italiana, francesa y español). Tuvo en la notable soprano Joan Shuterland a una maestra inigualable que le enseñó a manejar con firmeza el diafragma (fundamental para la apoyatura de la voz).

Con los años, la carrera de Luciano Pavarotti creció al máximo nivel y su vida personal sufrió los embates de la fama y de su enorme carisma. Era encantador, travieso, inquieto, padre de tres hijas, habitante de todos los teatros del mundo, incluso los más insólitos como el del Amazonas o bien el teatro de la ópera de China. Enamoradizo, su secretaria Nicoletta Mantovani, 30 años menor que él, se convirtió en su segunda esposa, con quien tuvo otra hija. Su destino fue estar rodeado por mujeres, su primera esposa y las primeras tres hijas, la segunda mujer y una hija más, y la amistad con la princesa Diana unidos por una cálida admiración mutua.

Junto a dos voces maravillosas como las de los tenores Plácido Domingo y José Carreras, formaron el trío más famoso del siglo XX. Por su parte, Pavarotti se emparentó con las voces del pop y del rock, desde Bono hasta Sting, entre tantos otros. Con Bono tuvo una relación especial porque ambos participaron de muchas funciones solidarias en Bosnia, siendo emocionante la canción “Miss Sarajevo”. Es de destacar la sencillez del gran tenor de Módena al rescatar siempre los nombres de sus maestros y guías, como el caso de la soprano Shuterland y la del reconocido tenor Enrico Caruso.

De pura cepa italiana, aunque de la “media Italia”, Pavarotti tuvo una vida plena siendo este documental abarcativo de las principales etapas de su vida. Bien se puede decir que Pavarotti fue el hombre que llevó la lírica al pueblo, sin menoscabar su calidad. Ron Howard mostró una mano diestra para un relato poco convencional en su carrera cinematográfica. No deje de verlo.

Carlos Pierre

 

EL PASADO QUE NOS UNE

Guion Y dirección: Bart Freundlich (Guion original: Susanne Bier). Con Julianne Moore, Michelle Williams, Billy Crudup, Eisa Davis, Doris McCarthy, entre otros. Fotografía: Julio Macat. Música: Mychael Danna. Duración: 110 minutos.

XXXXX-MELODRAMA CON NOTABLES ACTUACIONES

“El pasado que nos une” es una remake de la película danesa “After the Wedding” (2006) de Susanne Bier, drama conmovedor que se desata cuando la directora de un orfanato hindú, Isabel (Michelle Williams), a punto de la bancarrota, recibe, desde Nueva York, la noticia salvadora de que la empresaria Theresa (Julianne Moore) le hará una importante donación si viaja a Nueva York, coincidiendo con el casamiento de su hija. Una intrincada sucesión de hechos surgen del pasado cuando Isabel se encuentra con el marido de Theresa. Quedan todos involucrados en un drama inesperado que sale a la luz de la manera menos esperada.

El realizador Bart Freundlich tuvo la perspicacia de convocar a dos notables actrices como Julianne Moore y Michelle Williams quienes, con sus performances, esquivan el trazo grueso que campea en la trama. Por momentos, es inevitable pero hace a la historia y a los sentimientos de los personajes, expuestos a través de composiciones carismáticas y elegantes. Son 110 minutos conmovedores, honestos y sinceros, porque no temen caer en la calificación de sensibleros. Los sentimientos no se ocultan por lo que el melodrama, sin tonos espesos, roza el alma.

Carlos Pierre

 

 

PISTOLERO

Guion y dirección: Nicolás Galvagno. Con Lautaro Delgado Tymruk, Sergio “Maravilla” Martínez, Diego Cremonesi, Juan Palomino, María Abadi. Fotografía: Leonel Pazos Scioli. Música: Mariano Castro. Duración: 108 minutos.

XXXXX- UN CURIOSO EXISTENCIALISMO

Con el diseño del raid del pistolero Isidoro Mendoza (Lautaro Delgado Tymruk) y su hermano Claudio (Sergio “Maravilla” Martínez), surge esta narración que, lejos de convertir a la violencia que se desata en eje de la historia, es la excusa del cuestionamiento existencial del protagonista, su accionar en la sociedad durante la dictadura de Onganía.

El guion del realizador Galvagno despierta curiosidad al avanzar sobre el cuestionamiento intelectual de “Isidoro Mendoza” quien no deja de lado la violencia pero está atrapado en una actitud reflexiva sobre su destino. Conforma un extrañamiento sobre una manera de ser no común: en la forma, pistoleros. En el fondo, la profundidad del existencialismo.

A los hermanos se les suman algunos personajes más como el comisario que los busca (Juan Palomino) y una maestra que llega de Buenos Aires (María Abadi), conformándose un western atípico, reflexivo, en el que el pasado tan solo se esboza dando solidez al presente y futuro de Isidoro y su hermano.

El departamento de Lavalle, en Mendoza, es el marco adecuado, visualmente perfecto, cabal, para esta historia de villanos, hipocresía social, y dualidades, que nos deja Nicolás Galvagno. Sin duda, es un film novedoso, inusual, con dosis de violencia pero que se sustenta en la reflexión más humana: el hombre “extranjero” en el mundo, alguien que muere al saber que debe morir.

Carlos Pierre

 

RETRATO DE PROPIETARIOS

Idea y Dirección: Joaquín Maito. Montaje: Tatiana Mazú – Manuel Embalse. Duración: 80 minutos.

XXXXX-ALEGORÍA SOBRE LA LIBERTAD

El realizador Joaquín Maito se consagra con su primer largo a través de esta fábula sobre la libertad en formato de documental. De una elaboración compleja, la película toma una firme dirección hacia la ciencia ficción. En verdad, es una propuesta a contrapelo del “status quo” social: la propiedad privada es la misma en la isla de los Gatos del Japón como en el pueblo más pequeño de la Argentina. Desde los animales domésticos hasta los automóviles, lavarropas o las casas. Todo tiene dueño.

En esta fábula fílmica deambulan los gatos de la “Isla de los Gatos” que mencionamos, así como los pueblos abandonados, basurales, los animales que escapan de sus casas y los propietarios que salen a buscarlos. Mientras las antenas propagan en el mundo el mensaje gatuno, obreros pierden la vida en una fábrica. Y una atmósfera asfixiante se apodera del planeta. Todos somos dueños del otro, de algo, pero todos necesitamos de la libertad para vivir y “ser”. Joaquín Maito es quien se hizo cargo de la cámara, de la fotografía, por lo que lo visual adquiere mucha importancia en este documental que cruza varios límites dentro del género. No es de fácil interpretación, resulta atípico porque los datos que nos proporciona son crípticos oscilando entre el surrealismo y el expresionismo a  lo largo de los 80 minutos, Argentina, Japón, España, desfilan a través de personajes inusuales que nos plantean la necesidad de la libertad, de correr ciertos límites que asfixian la vida misma.

Carlos Pierre

 

Otros estrenos previstos:

1)  Rambo, Last Blood, de Adrian Grunberg. Con Sylvester Stallone y Paz Vega, entre otros.

 

“Retrata México como un país habitado únicamente por explotadores sexuales, violadores y asesinos. Es la encarnación perfecta del discurso racista de Trump”, de Nando Salvá, Diario El Periódico.

 

“Es escueta, muy básica, incluso simple, pero también efectiva. Es complicado calibrar subtexto alguno, aparte del espectáculo de la ferocidad, y esquiva bien posibles acusaciones (aunque las habrá) de xenofobia con los mexicanos”, de Javier Ocaña, Diario El País.

 

2)  Monos, de Alejandro Landes. Colombia.

 

“Una multicoproducción internacional que tiene algo de metarrelato sobre la violencia guerrillera en Latinoamérica. Hay una tendencia al exhibicionismo que podría decantar la carrera de Landes como la del nuevo Iñárritu. Y no, no lo digo como elogio”, de Jaime Pena, Caimán.

 

“Una saga elaborada de forma sublime sobre niños soldados que descubren sus propios corazones en la oscuridad de la naturaleza desconocida y salvaje de Latinoamérica”, de Jessica Kiang, Variety.

 

3)  Dónde estás Bernadette?, de Richard Linklater, con Cate Blanchett. Estados Unidos.

“Tan errática como su protagonista. Aunque se torna cautivadora en su acto final, antes de llegar a él no se decide en cuanto a su tono ni en lo que se refiere a su parte dramática”, de Todd McCarthy, The Hollywood Reporter.

“Un estudio de la ambición femenina y de la maternidad tan apasionado como ambivalente”, de An Hornaday, The Washington Post.

4)  Playmóbil, de Lino DiSalvo. Estados Unidos Alemania. Animación.

 

JUEVES 3 DE OCTUBRE DEL 2017.-

 

JOKER-GUASÓN

De Todd Phillips. Con Joa1uín Phoenix, Robert de Niro, Frances Conroy, Zazie Beetz, Grett Cullen, Brian Tyree Henry, Marc Maron, Sharon Whasington, Dante Pereira Olson, Douglas Hodge. Guion de Todd Phillips y Scott Silver. Fotografía de Lawrence Sher. Edición de Jeff Groth. Música de Hildur Gudmadottir. Duración; 122 minutos.

XXXXX- PHOENIX, EN LA CUMBRE DE UNA GENIAL LOCURA

Si el Guasón de Heith Ledger rompió todos los moldes aventurándose a una creación personal, el Guasón de Joaquín Phoenix ingresa en una categoría aún superior, virtual, ¿un don del cielo acaso?

Fuera de todos los cánones de los cómics, dándole absoluto protagonismo a Phoenix y su trabajosa composición (le significó 23 kilos menos) de Joker, Todd Phillips se lanzó a la construcción de una historia profundamente conmovedora que no buscó lo fácil sino la complejidad existencial. El secreto radicó en el protagonista, en darle algunas pautas y dejarlo ser. Desde lo más profundo de su sensibilidad, Joaquín Phoenix consiguió darle vida a un Joker-Guasón lastimado por la sociedad, bullying físico, espiritual, cuidando de una madre enloquecida y mentirosa, bajo las órdenes de un infame patrón de variedades “Carnival”, y la ayuda circunstancial de una psiquiatra afroamericana: siete medicinas diarias, órdenes de compra que van mermando, y la enfermedad de la risa que lo va carcomiendo.

No es política la propuesta. El Guasón se encarga de repetir la frase. Pero sí es profundamente social. A Guasón no solo lo mortifican el hambre y la miseria, la falta de trabajo y el abrupto corte de la ayuda estatal en su tratamiento, sino la angustia social colectiva, la ofensa de los candidatos políticos, sino también su propia angustia existencial, la que reconoce falta de identidad, una madre que le miente, un patrón que lo culpa sin preguntar. Le duele su propio destino que se suma a aquélla calificación dada por los candidatos políticos de Ciudad Gótica: ciudadanos “payasos”. Guasones multitudinarios que replican una y mil veces la pintarrajeada cara de Joker-Guasón, enfermo de carcajadas que lo atacan cuando sufre. Y que desencadenan una tragedia si enfrente está la burla.

Cabe la pregunta: ¿es la configuración de un psicópata? ¿Nació así o la sociedad de los poderosos determinó su irracionalidad momentánea? Si se defiende de quienes lo patean en el piso hasta darlo por muerto, ¿es por ser un psicópata asesino o porque enfrenta la violencia de un “afuera” que vive a costa de la mayoría?

Cuando Joker asume su accionar, su brutalidad puntual con quienes se burlan de él, Joaquín Phoenix viste su propio clown o ensaya una danza clásica bajando escaleras. Algo le quebró el alma: no siente compasión por los que pisotean a los débiles. Tiene piedad con los buenos, asesina a los petulantes con poder.

Se dijo que, por la violencia de la película, debía prohibirse en algunos países. Hubiese sido un manotazo a la libertad inaceptable. Si es por la violencia hay que descartar primero los videojuegos, artífices de matanzas fundamentalistas, o las sagas con adolescentes que se pierden en un bosque para ser asesinados a machazos, mientras que en “Joker” la violencia es la respuesta a una agresión exterior. O, como lo sentimos, una obra maestra de la desesperación y del abandono, de la angustia existencial de “ser” en sociedades de “otros”.

Por suerte, en el cine universal hay algunos ejemplos notables como “Ultimo tango en París”, canto a la desesperación existencial resumida cínicamente en una escena de sexo, o en el tercer “Batman” de la trilogía extraordinaria de Christopher Nolan, alegoría del dolor de las sociedades masacradas por bombas del primer mundo. “Joker-Guasón” no tiene raigrambre DC, nadie puede pensar que es un personaje de un “cómic”. Es la representación más clara de los marginales y de la locura a la que lleva la expulsión de las sociedades como las nuestras. Obra maestra del director Todd Phillips y de Joaquín Phoenix, en la cumbre de su performance artística.

Elsa Bragato

 

 

PUNTO MUERTO

Guion y dirección: Daniel de la Vega. Con Osmar Núñez, Luciano Cáceres, Rodrigo Guirao Díaz, Natalia Lobo, Daniel Miglioranza, Enrique Liporace, entre otros. Fotografía: Alejandro Giuliani. Música: Luciano Onetti. Vestuario: La Polilla. Duración: 77 minutos.

XXXXX- TERROR DIABÓLICO CON BUENA DIRECCIÓN Y BUEN ELENCO 

Daniel de la Vega es uno de los más importantes referentes del cine de género argentino. Su producción es considerada de “culto” en el país y en el exterior, cosechando premios y elogios de la crítica. Cine fantástico, de terror y de horror lo caracterizan, con gran repercusión en San Francisco, México, Chile, Rumania, Grecia, y Rosario, Mar del Plata, Mendoza y Buenos Aires, en nuestro país.

Inquieto, en Punto Muerto le da un giro a las temáticas habituales narrando un thriller diabólico que filmó en blanco y negro, donde se destacan la ambientación, el espacio cuasi teatral y el planteo discursivo.

El elenco está formado por notables actores como Osmar Núñez y Luciano Cáceres, junto a Natalia Lobo -por demás convincente-, y Rodrigo Guirao Díaz, en ascendente carrera. El diseño de arte es diferente con un buen ensemble de fotografía y vestuario dentro de un cuarto poblado de enigmas en un viejo hotel.

Luis Peñafiel (Osmar Núñez) es escritor y acaba de finalizar una novela donde plantea el crimen perfecto en una habitación cerrada. Un asesinato siguiendo el mismo patrón de su historia pone a Peñafiel en el centro de la pesquisa policial, además de sufrir el cuestionamiento de un colega (Luciano Cáceres).

A tan prolija realización se le objeta la música incidental demasiado estentórea así como la inclusión del frente de la casona del hotel en varias secuencias con tomas de excesiva quietud, muy artificiales. Estos detalles que se apuntan no menoscaban el siempre firme pulso de Daniel de La Vega para contar historias de terror con un sesgo nacional distintivo.

Carlos Pierre

 

 

EL REINO DE LA CORRUPCIÓN

De Rodrigo Sorogoyen. Guión de Sorogoyen e Isabel Peña. Fotografía de Alex de Pablo. Música de Olivier Arson. Duración: 131 minutos.

XXXXX-CORRUPCION Y CONSECUENCIAS

La corrupción endémica de la política corrompe tanto en nuestro país como en todo el mundo. En Europa, un caso muy emblemático, entre otros países, es el de España. El film de Rodrigo Sorogoyen retrata el caso de un encumbrado vicesecretario de un partido político al que la prensa le descubre ciertos manejos espúreos y su vida empieza a derrumbarse en un mar de sospechas, investigaciones, acusaciones en la justicia y despidos del partido, que mantiene la estructura corrupta pero se deshace de los que cobraron notoriedad por ese motivo. La cuestión es que nada cambie. 

Nada que desconozcamos. El valor de este film está en el manejo narrativo de Rodrigo Sorogoyen, una cámara inquieta que busca las reacciones físicas y psicológicas de “Manuel” (Antonio de la Torre) más que centrar la acción en los eventos que comienzan a ocurrir y que sirven de gran tejido contenedor de esta historia personal. Las tomas secuencias son varias y de excelente factura.

El ritmo es ágil aunque cae en lo discursivo con acción gestual, va creciendo hasta llegar a la conducción alocada –climax de thriller sorpresivo- de “Manuel” por una ruta de madrugada, donde la magia de la noche y la cámara de Sorogoyen se unen en magníficas secuencias. Aunque inquieto, rabioso y sin cortapisas, el retrato propuesto de “Manuel” y su corruptela es eso, un retrato que no modifica la realidad ni de allá ni de acá. Vale como espejo de lo que no hay que ser ni hacer.

Elsa Bragato

 

 

MURALLA

De Gory Patiño. Guion de Rodrigo Patiño, Fernanda Rossi y Camila Urioste. Con Fernando Arze, Pablo Echarri, Juan Carlos Aduviri, Luis Aduviri, Freddy Chipana. Fotografía de Gustavo Soto. Música de Juan Carlos Auza. Duración: 110 minutos. Bolivia.

XXXXX-CUANDO LA VIDA ES SOLO PENDIENTE

Notable actuación despliega el actor boliviano Fernando Arze como “Coco Muralla Rivera”, ex arquero que tuvo una actuación destacada en los 90. En esta ópera prima de Gory Patiño hay mucho profesionalismo y un manejo narrativo fuera de lo común para quien recién se pone los “largos” en el cine mayor. No es algo que veamos nosotros solamente sino que el film fue elegido para representar a Bolivia en los próximos premios Oscar.

Surge de una miniserie de televisión de diez capítulos que dirigió el mismo Patiño, que se llamó “La entrega”. Este “spin-off” valió la pena por la historia y porque Patiño logró una realización de altísimo vuelo y actuaciones superlativas. Gran logro es la performance de Fernando Arze como el “Muralla”, que cae en la indigencia y, para salvar a su pequeño hijo internado, se vale de la más atroz delincuencia. Separado de su esposa, su vida es una real cuesta abajo.

El trabajo de la cámara durante la noche es muy interesante: Patiño se aventuró a secuencias de difícil resolución, incluyendo las que filmó nuestro Pablo Echarri en el rol del poderoso narcotraficante que apela a cualquier recurso bajo para enviar drogas, incluyendo las más inhumanas y abyectas.

En la vida estos personajes existen, van en pendientes sin posibilidad de freno para dejar de caer. Fuerte, sombrío, alegoría cruda de una realidad que existe a la sombra de los que dicen “eliminarlas”.

Elsa Bragato

 

Otros estrenos previstos:

1.- Terror a 47 metros, el segundo ataque, de Johannes Roberts. Estados Unidos.

2.- Por no para principiantes, de Carlos Ameglio, Argentina.

3.- Dolce Fine Giornata, de jace Borcuch. Polonia,Italia.

 

JUEVES 26 DE SETIEMBRE DEL 2019.-

HISTORIAS DE MIEDO PARA CONTAR EN LA OSCURIDAD

Dirección: André Ovredal. Guion basado en el libro de Alvin Schwartz. Con Zoe Margaret Colletti, Michael Garza, Austin Zajur, Gabriel Rush, Kathleen Pollard, entre otros. Fotografía: Roman Osin. Música: Marco Beltrami, Anna Drubich. Producción de Guillermo del Toro. Duración: 111 minutos. Estados Unidos-Canadá.

XXXXX- DOSIS DE TERROR PARA TODAS LAS EDADES

Guillermo del Toro se basó en la serie de tres libros homónimos escrita por Alvin Schwartz para organizar esta producción con criaturas diabólicas y seres extraños. Desde aquel mítico “El laberinto del fauno” hasta la muy reciente “La forma del agua”, Del Toro ha demostrado una sensibilidad especial en su imaginación poderosa. Con la dirección de André Ovredal, se creó este ambiente gótico nostálgico de la década del 80, en Mill Valley, pequeña ciudad de Estados Unidos, durante una fiesta de Halloween. Un grupo de adolescentes deberá resolver el misterio sobrenatural que rodea a una ola de muertes debido a diabólicas y espeluznantes criaturas, en la mansión abandonada de la familia Bellows donde Sarah, una joven con terribles secretos, convirtió sus pesadillas en cuentos reunidos en un cuaderno especial. El tropel de horribles criaturas hará de las suyas y cada adolescente tendrá un enigma doloroso a resolver: para Stella será la superación por la pérdida de su madre en una noche de Halloween, mientras que Román deberá superar la angustia que siente por estar reclutado para Vietnam.

Hay un refinamiento único, propio de Del Toro, muy bien logrado por Ovredal, en el tratamiento del terror, del gore, de las imágenes, que dejarán sin respiro a chicos y grandes. Aunque se piense que es un terror infantil, aquí hay dosis de miedo para todas las edades. La mano de Del Toro, merecido ganador del Oscar, aparece claramente en la creación de estas criaturas únicas, con las que va mezclando distintos aspectos del género. Hay seres horribles de todo tipo que desatan una orgiástica fiesta de sangre y terror, amparados en las sombras. ¡A prepararse para esta fábula de superlativo horror!

Carlos Pierre

 

UN AMIGO ABOMINABLE

Guion y dirección de Jill Culton. Animación. Fotografía de Robert Edward Crawford. Música de Rupert Gregson Williams. Duración: 97 minutos.

XXXXX-DULCE IMAGEN DE UN YETI “PERRUNO”

Dreamworks llega al cine con una animación que no se despega de las narraciones similares pero que tiene un encanto superior que embelesa y subyuga a todos. La realizadora Jill Culton es, desde hace tres décadas, una notable profesional de la animación y, desde hace 10, tenía entre manos el proyecto de un “Yeti” perdido en una gran ciudad. Eligió una urbe muy parecida a “Shanghai” para rendirle homenaje a varios integrantes de la empresa que viven en China, y tomó personajes orientales por la misma razón. Yi es una adolescente rebelde con su madre y su abuela que esconde la cantidad de trabajos que hace (limpiar restoranes, clasificar basura, entre otros). Su sueño es ahorrar para viajar al Everest, sueño que compartía con su papá, ya fallecido. De pronto, una noche se encuentra con un “yeti” en la azotea de su casa. Junto a sus amigos Jing y Peng, Yi se suma a la enorme aventura de llevar al Yeti al Everest, donde todo indica que pertenece.

Yi no es la adolescente “muñeca” que suele verse en las animaciones sino una chica que tiene actitudes fuertes, sin miedo a nada, propia de sus amigos varones. Esto la ayuda a perseguir el sueño del Yeti, un enorme animal que, según la directora, está inspirado en sus perros de gran tamaño.

Hay mucha ternura y buena imaginación en “Un amigo abominable”, calificativo que le daban en el laboratorio a este capturado yeti, donde estaba sujeto a experimentos, y del que se escapa. Además, tiene sonidos especiales que encantan a la naturaleza provocando reacciones mágicas. El canto del Yeti se une al del sonido del violín de Yi con resultados emotivos y fascinantes, y China aparece con el esplendor de su vasto territorio, ciudades magníficas, montañas gigantes, valles repletos de verdor. Aunque todos sepamos cómo va a terminar la historia, tiene valores que superan a la narración animada tales como el respeto a la familia, a los mayores, tanto en Yi como en el yeti. El molde es el mismo pero la historia tiene magia.

Elsa Bragato

 

NUESTROS VERANOS

Guion y dirección de Valeria Bruni Tedeschi. Con Valeria Bruni Tedeschi, Pierre Arditi, Valeria Golino, Noemie Lvovsky, Yolande Moreau, Laurent Stocker, Marysa Borini, entre otros. Fotografía de Jeanne LApoirie. Música de Paolo Buonvino. Duración: 125 minutos.

XXXXX-DECADENCIA BURGUESA QUE ABURRE

Valeria Bruni Tedeschi carga en su espíritu con culpa por pertenecer a la burguesía franco-italiana decadente. Sus films ahondan el tema. En el caso de “Nuestros veranos”, reúne a familiares de toda índole en una casa de la Costa Azul, a la que llega con su hija para pasar unos días. Le escapa al fracaso sentimental, a la no realización. El sesgo autobiográfico está y la realizadora lo asume indicando que es la forma en la que puede conjurar los muchos fantasmas que la asaltan.

Lo que más les molesta es que Valeria los filme en el descanso, en el almuerzo, o durante las confesiones de violación de algunas de las primas en medio de la pesadez que se produce luego de almorzar o la fuerte relación de la maestranza con los dueños en diálogos y actitudes que, sin duda, se dan en la realidad, pero que aquí se muestran como “rarezas”.

Federico Fellini realizó la genial “8 y 1/2” donde, ya en aquella década, la burguesía italiana se mostraba harta de sí misma, tediosa e impune. Algo similar, con las diferencias profundas del caso, le ocurre a Valeria Bruni Tedeschi, hermana nada menos que de Carla Bruni, la esposa del ex presidente de Francia Sarkosy. Dubitativa, sin aceptar la separación de su joven pareja –a cargo del italiano Riccardo Scamarcio-, la bruma y una suerte de ensueño le hacen creer que el reencuentro es posible. Pero nada es seguro, ni para Valeria ni para el público. Es una narración tan pesada como la burguesía decadente y tan débil como el hilo conductor que la sostiene.

Elsa Bragato

 

PÁJAROS DE VERANO

De Ciro Guerra y Cristina Gallego. Con Carmiña Martínez, José Acosta, Natalia Reyes, entre otros. Guion de María Camilia Arias y Jacques Toulemonde. Fotografía de David Gallego.Música de Leonardo Heiblum. Edición de Miguel Schverdfinger. Duración: 125 minutos.

XXXXX-LA MUERTE Y LA DROGA, DE LA MANO

De la calma de la tribu Wayuu en el norte de Colombia, en los 70, al policial neto de los 80: de la dote de cabras para el casamiento de Zaira con Rapayet al baño de sangre de los narcotraficantes. Con excelente mano, Ciro Guerra codirige con Cristina Gallego este largo cuento sobre el inicio del narcotráfico en Colombia, basándose en hechos reales acaecidos en las décadas mencionadas. Una tribu apacible, que lucha por mantener sus ritos ancestrales y sus costumbres familiares, se ve sacudida por la ambición de los hombres más jóvenes que toman contacto con los norteamericanos hippies, consumidores de marihuana. Al enterarse de que algunas plantaciones vecinas dejan buena ganancia, inician las propias constituyéndose en importantes vendedores de droga. La muerte acecha. De manera pausada e inevitable, la comadre de la tribu ve cómo sus descendientes se trenzan en una guerra sin tregua que va aniquilando a la población.

La magia del film reside en ese cansino narrar donde los personajes hablan en idioma nativo e intentan mantener las condiciones tribales a pesar del siniestro empuje monetario que da la droga. Es un tira y afloje constante en personajes que son lineales pero fieles, honestos, a los de carne y hueso por lo que la historia, aunque sobrevuele los hechos, se torna intensa. Buen cine colombiano aunque, justo es decir, en este caso no es para todos los gustos.

Elsa Bragato

 

EL PANELISTA

Documental de Juan Manuel Repetto.

XXXXX-INCOMPLETO RELATO

“El panelista” es el segundo documental de Juan Manuel Repetto, un trabajo más de examen final que profesional. Intenta retratar la vida de Carlos Bianchi, un no vidente que forma parte de un grupo de personas, un equipo, con ceguera que está entrenadas para catar alimentos en un laboratorio de investigación.

La figura del protagonista se desluce por completo, apenas unos pantallazos iniciales para recién tomar cuerpo en el desenlace, contando la historia personal, el reconocimiento de sus aptitudes así como de las imposibilidades físicas. La agudeza de los otros sentidos le permitió salvar a su hijo. En el medio de la historia propuesta, visitamos alternadamente al equipo de ciegos que catan, con alguna que otra intervención directa a cámara de una de las responsables. Si el documental se plantea de nuevo, desde la única perspectiva de Carlos, el protagonista, con su historia, sus superaciones y su trabajo de catador, el resultado será distinto y plausible.

Elsa Bragato

Otros estrenos previstos:

1.- Así habló el cambista, de Federico Veiroj. Uruguay

2.- Mujer en guerra, de Benedikt Erlingsson – Islandia. Francia

3.- Quién mató a mi hermano?, de Ana Fraile. Argentina

 

JUEVES 19 DE SETIEMBRE DEL 2019

 

INICIALES S.G.

Dirección: Rania Attieh y Daniel García. Con Diego Peretti, Julianne Nicholson, Daniel Fanego, Malena Sánchez, entre otros. Música original de Bill Laurence. Maciej Zielinski. Covers de Serge Gainsbourg: Iván Rusansky, Andrés Ortega, Federico Gianotti, Guido Tomei. Duración: 98´minutos.

XXXXX- DIEGO PERETTI ENTRE LA MÚSICA Y EL CRIMEN

La directora libanesa Rania Attieh y Daniel García, oriundo del sur de Texas, han formado una muy interesante sociedad cinematográfica que les permitió coescribir, codirigir y coeditar varias películas dentro del llamado “cine indie”. La consagración de la pareja se refleja en la participación y premiaciones que obtuvieron en diferentes festivales del mundo, entre ellos nuestro BAFICI.

INICIALES S.G. es un claro exponente del cine “a pulmón” que se convierte en cine de culto. En este caso, la coproducción es entre Estados Unidos y Argentina, con postproducción en los afamados estudios Skywalker.

Sergio Garcés (Diego Peretti) tiene 50 años y actúa como si tuviera 25, mostrándose arrollador y seductor, como el cantante Serge Gainsbourg, francés, casado con la actriz Jane Birkin (actriz fetiche de Agnés Vardá). La performance que realiza Diego Peretti está a la altura de las exigencias del guion, siendo secundado por la espigada Julianne Nicholson, solvente, en diálogos donde se entremezclan el inglés y el español.

La soltura narrativa muestra audacia en los giros sorpresivos y la audacia que tiene el cine independiente, no atado a esquemas comerciales. “Sergio” no está en un buen momento profesional, se aferra a su fanatismo futbolero y siente nostalgia por un romance furtivo, mientras es buscado por un crimen que no cometió. A partir de estos diferentes conflictos, Atthieh y García engarzan con habilidad las vivencias de un personaje muy rico, que les ofrece diferentes flancos que supieron aprovechar con diversa destreza. Una vez más, Atthieh y García logran ser fieles referentes de un cine que hace de la búsqueda de situaciones y sentimientos motores de guiones efectivos.

Carlos Pierre

 

VARDA POR AGNÉS

De Anges Vardá. Guion de Didier Rouget y Agnés Vardá. Duración: 115 minutos.

XXXXX-AUTOBIOGRAFÍA ATRAPANTE

Testamento artístico de una de las grandes directoras de cine francés, conmueve Agnes Vardá por la lucidez de sus 90 años. Sentada en un escenario de frente a una platea de jóvenes ávidos de su palabra habla de Inspiración, Realización y Comunicar como la base de su trabajo que comenzó cuando, en los 50, era reportera gráfica y le hacía fotos, por ejemplo, a Gerard Philliphe.

Mechado con otras conferencias y filmaciones donde se la ve trabajando como directora de cine, o bien ofreciendo conferencias, la larga charla de Vardá pone luz sobre una de las mujeres más notables de Francia, nacida en Bruselas en 1918. No deja de mencionar a quien fue su gran amor, Jacques Demy (su segundo esposo), desde 1962 hasta su muerte en 1990, cómo reflejó su vida –El universo de Jacques Demy-, cómo alcanzó la notoriedad por “Cleo, de 5 a 7” (una joven pasea por París mientras espera la confirmación de si tiene o no cáncer), 1961, título y guion que se debieron a una razón presupuestaria (divertido momento de su exposición) y por qué filmó “La felicidad”, tan popular como “Cléo…”, donde trabajó con un elenco no profesional sobre una familia obrera, 1965, film polémico en su época. “Mur murs” sobre los graffiti de Los Angeles, “Jane B.” sobre Jane  Birkin, “Daguerrotipos” sobre una calle de París, son algunos de sus largos más notables. No olvidamos “Visages Villages” que fue su último docuficción estrenado hace pocos meses.

Sin recursos novedosos, Vardá optó por el más convencional documental, atrapante y divertido. Es su última palabra, la que no pudo tener en los tiempos de la vanguardia francesa, opacada por los varones de un movimiento cinematográfico que rompió moldes. Vardá esperó trabajando su momento. Fue éste. El de la despedida.

Carlos Pierre

 

AD ASTRA: HACIA LAS ESTRELLAS

De James Gray. Guion de James Gray y Etham Grposs. Con Brad Pitt, Tommy Lee Jones, Donald Sutherland, entre otros. Fotografía de Hoyte Van Hoytema. Edición de Johan Axelrad y Lee Haugen. Música de Max Richter y Lorne Balfe. Duración: 124 minutos.

XXXXX- BRAD PITT EN OTRO GRAN TRABAJO

La relación con el protagonista es inmediata: el rostro de Brad Pitt y su voz en off surgen repentinamente en la pantalla contando su estado de ánimo y sus expectativas como astronauta. Debe salir al espacio para localizar a su padre, el científico Clifford McBride (Tommy Lee Jones). Se lo considera perdido pero vivo desde hace 16 años, estando a cargo del llamado Proyecto Lima desde donde, por motivos desconocidos, provendrían las descargas eléctricas que ponen en peligro el sistema solar. El film comienza con gran espectacularidad sin distopía para el espectador: desde una antena colosal inicial desde donde Roy se lanza al vacío en una caída terrorífica hasta vestir el traje de astronauta similar al de los 70, nada estrafalario, la historia de Gray y su guionista se narra en el espacio, hacia donde va Roy en su búsqueda profesional y personal.

He aquí dos aspectos bien claros y bien trabajados en el film: el técnico- científico y el afectivo, la relación padre e hijo, y las ausencias de éste, desde su nacimiento hasta este presente cuyo final no puede avizorar. Ni tampoco el espectador tiene pista alguna.

Sombría, agónica, “Ad Astra” es un camino de búsqueda que tiene l formalidad de los cohetes espaciales y un fondo absolutamente humano y sensible. Es aquí donde el director consuma su versatilidad para encarar temas donde el trabajo de unos y otros está en los estudios sin cromas ni electrodos especiales.

Es también un gran trabajo de Brad Pitt quien lleva sobre sí el peso del film. El mirar directamente a cámara sin interposición de elementos extraactorales le permitió una composición profunda y diferente en su larga carrera artística. Jones y Sutherland apuntalan con pocas líneas al protagonista, por cierto, suficientes. Destacamos la ambientación que logran tanto la música “cósmica” así como las locaciones en la Luna, transformado en un planeta “vacacional”, y Marte, con su ciudad subterránea, escenografías reales ubicadas en distintos barrios y cercanías de la ciudad de Los Angeles.  En definitiva, este paseo por el cosmos conociendo el punto de llegada pero no el camino y, por lo tanto, aterrador para cualquier ser humano, resulta atrapante y muy conmovedor porque se trabajaron los sentimientos, quedando como un subtema la actividad de los astronautas, dicho esto con alevosía. En verdad, la relación padre e hijo supera la acción en sí.

Elsa Bragato

 

EL JILGUERO

De John Crowley. Guion de Peter Straughman sobre la novela homónima de Donna Tartt. Con Oakles Fegley, Ansel Elgort, Nicole Kidman, Sarah Paulson, Luke Wilson, entre otros. Fotografía de Roger Denkins. Música de Trevor Gureckis. Duración: 149 minutos.

 

XXXXX-DIFÍCIIL DE DIGERIR

Densa y aburrida es esta película de John Crowley sobre un niño que sufre lo mismo que el autor de “El jilguero”, la obra maestra del discípulo de Rembrant llamado Carol Fabritius, de 1654. La vida del célebre pintor terminó a raíz de una tremenda explosión igual que la madre del protagonista. Visitando el famoso MET de Nueva York, madre y niño, Theodore Decker (Oakles Figles de niño y Ansel Elgort de adolescente), son víctimas de un terrible atentado en el que fallecen cientos de visitantes, entre ellos, la mamá del pequeño.

El guion está basado en la novela de Donna Tartt, que ganó el Pulitzer en el 2014 y que el film de John Crowley sigue linealmente pero sin pasión. Por lo tanto, la larguísima película se hace densa, pesada, insufrible. La trasposición de una historia literaria al cine requiere de la alteración del orden de algunos factores a fin de lograr impacto afectivo y efectivo en la audiencia, de atraer, atrapar. No sucede con esta historia: del atentado solo tendremos referencias en determinados momentos, saltando a la vida del pequeño Theo que es adoptado por una familia adinerada (allí aparece Nicole Kidman) aunque su amistad con el joven Boris lo aleja de ese buen pasar para terminar como un drogadicto sin recuperación. El cuadro “El jilguero” es su única pertenencia, lo robó del museo en medio de las andanadas de polvo y el derrumbe de columnas. Nadie notó que un niño salía con un bolso amarillo.-

El thriller se pierde. Se recorre la drogadicción de Theo, la indiferencia de su padre, su deambular hasta conseguir algún trabajo, los seudotutores que intentan ayudarlo y un viaje a Holanda que podría ser su futuro. En medio de todo este paquete narrativo, lentísimo, El jilguero se pierde. Es apenas un “McGuffin” que está ahí, como elemento forzado de una historia que no atrapa: la drogadicción de un niño huérfano es eje de la historia más que el cuadro y algún significado traído de los pelos. Uno de los fiascos más grandes de este año, sin lugar a dudas.

Elsa Bragato

 

Solo hay un punto en común, que tampoco se menciona: el autor de “El jilguero” falleció en un atentado como la madre del protagonista Theo, tal como indicamos en el comienzo de este comentario. 

 

Otros estrenos previstos son los siguientes:

1.- El desentierro, ficción, de Nacho Ruipérez, España-Argentina

2.- Palestina imágenes robadas, documental de Rodrigo Vázquez, Argentina

3.- Magali, ficción de Juan Pablo Dibitonto, Argentina

4.- La deuda, de Gustavo Fontán, Argentina

5.- Nada que perder 2, ficción, Alexandre Avancini, Brasil

 

JUEVES 12 DE SETIEMBRE DEL 2019.-

 

YESTERDAY

 

De Danny Boyle. Con Himesh Patel, Lily James, Ana de Armas, Kate McKinnon, James Corden, Ed Sheeran. Fotografía de Christopher Ross. Música de Daniel Pemberton y Los Beatles. Duración: 116 minutos.

XXXXX-LOS BEATLES POR SIEMPRE

Un hecho fortuito provoca que todo el mundo olvide quiénes fueron Los Beatles. El director Danny Boyle, el mismo de 127 Horas y Slumdog Millonaire (con Dev Patel), elige a un joven de origen paquistaní como protagonista de una historia mágica. “Jack” fracasa en su intento de ser famoso cantando alguna que otra canción de Los Beatles como “Only you need is love” o “Yesterday”. Ocurre un “milagro” y nadie recuerda de ahí en más quiénes fueron los cantantes de Liverpool. Esto le permite seguir cantando las canciones del grupo, llegar a una discográfica internacional y, cuando le preguntan el origen de tan bellos temas, decir que son suyos.

Entre una historia de amor previsible aunque agradable y la música de los estupendos The Beatles, transcurre esta comedia ligera que produce nostalgia y permite salir con una sonrisa de la sala. La relación del personaje con la discográfica y hasta qué punto el éxito y las exigencias comerciales pueden trastocar una vida tienen un sobrevuelo que rápidamente se corta para devolver el romanticismo. No hay profundidad en los personajes, pero sí buena gestualidad actoral, suficiente en este caso. La ocurrencia de Danny Boyle de producir un “milagro” (a descubrir por el espectador) es un tanto atravesada. Pero útil, al punto de hacer sentir querible la idea. Para pasarla bien, disfrutar, y sentirse un “teenager” durante 116 minutos.

Elsa Bragato

 

 

PRESIDENTE BAJO FUEGO

Dirección: Ric Roman Waugh. Guion: Creighton Rothenberger, Katrin Benedikt. Con Gerard Butler, Morgan Freeman, Nick Nolte, Piper Perabo, Lance Reddick, Chris Browning, Tim Blake Nelson, entre otros. Fotografía: Jules O´Loughlin. Música: David Buckley. Duración: 120 minutos.

XXXXX- NICK NOLTE SUPERA LA PIROTECNIA

Fallen (Caído) es una serie de acción norteamericana y su protagonista es Gerard Butler en el rol de un agente del servicio secreto de los Estados Unidos llamado Mike Banning. El film “Angel Has Fallen” que se estrena es secuela de “Olympus Has Fallen”, 2013, y de “London Has Fallen”, 2016.

Acción pura, se inicia la historia cuando se produce un ataque con drones al presidente de los Estados Unidos (Morgan Freeman), acto relámpago perpetrado por terroristas. Mike Banning (Butler) es acusado de liderar el intento de asesinato por lo que debe fugarse. Se produce entonces una carrera contrarreloj para encontrar al verdadero gestor del atentado. Los 120 minutos de la narración son de pura violencia y destrucción, siendo Banning perseguidor y perseguido a la vez. Hay una secuencia que destacamos: el encuentro del agente con su padre, un hombre abandónico, encarnado por un carismático y barbado Nick Nolte, actor de un notable carisma.

Nada nuevo bajo el sol, los tiroteos a diestra y siniestra mantienen la atención en vilo, explosiones, persecuciones y la parafernalia hollywoodense de su máquina de efectos especiales. Es decir, cero creatividad que entretiene igual y tiene sus adeptos. No busquemos desarrollo psicológico ni honduras espirituales. Aún con los tiroteos y pobreza casi monosilábica de los diálogos y, en general, de argumento, Nick Nolte salva las papas nada más que con su calidad actoral.

Carlos Pierre


 

BRUJA

Guion Y dirección: Marcelo Páez-Cubells. Con Érica Rivas, Leticia Bredice, Pablo Rago, Rita Cortese, Miranda de la Serna, Juan Grandinetti, entre otros. Fotografía: Pablo Desanzo. Música: Pablo Salas. Duración: 93 minutos.

XXXXX- PLEYADE DE CELEBRIDADES EN UN INTENSO THRILLER NACIONAL

Con estudios en los Estados Unidos, Marcelo Páez-Cubells encaró su tercer largometraje, “Bruja”, thriller en el que hace una fuerte mistura de denuncia social y hechicería. Una red de prostitución rapta a Belén (Miranda de la Serna) hija de Selena (Erica Rivas). Marisa (Leticia Bredice) y Joaquín (Juan Grandinetti) son los mafiosos contra quienes Selena pondrá en práctica sus conocimientos de magia negra para rescatar a su hija, único motivo por el que pondrá manos a la obra en rituales que nunca utilizó.  

En el largometraje de Paez-Cubells, resulta muy interesante el tratamiento visual de la historia, con la fotografía de Pablo Desanzo, apellido ilustre en nuestro cine. Se destacan varias excelentes tomas cenitales. El clima que crean director y fotógrafo es de alta calidad así como la técnica narrativa de Páez Cubells resulta diferente y muy atractiva, aportando novedad y solidez. La historia propuesta permite el destaque de Erica Rivas, una actriz de sensibilidad histriónica diversa, creativa, que tanto pudo componer un rol cómico en la televisión como drama en el teatro y este sombrío personaje en el cine (recordemos su “trastocada” novia en “Relatos salvajes”). El casting tuvo en cuenta calidad actoral y carisma, logrando una pléyade de nombres que, de por sí, tienen un atractivo más que especial. Buen resultado de Páez-Cubells.

Destacamos el caso de los hijos de actrices y actores que, en nuestro mundo del espectáculo, siguen los pasos de sus padres. Está el de Miranda de la Serna, hija de Erica Rivas y Rodrigo de la Serna, como el de Juan Grandinetti hijo de Darío, o bien el de Chino Darín, hijo de Ricardo, o el de Nicolás Francella, hijo de Guillermo. Solo son algunos de los descendientes que hoy están en danza mostrando en televisión, teatro y cine, la cultura escénica que les marcó un camino de vida y arte.

Carlos Pierre


 

TODOS POR EL ASCENSO

De Jorge Piwowarski Roza. Con Tomás Fonzi, Ariel Pérez de María, Fernando Governun, Mirta Wons, entre otros. Arte de Lucia Onofri. Vestuario de Carolina Cichetto. Música de Pablo Sala. Duración: 68 minutos.

XXXXX- TRIVIALIDAD INCONDUCENTE

Fútbol, “mufa”, amigotes. Fórmula invencible de narraciones sin pretensión de universalidad, locales, y, en algunos casos, tan triviales que no merecen llegar al cine. De alguna manera, sin ánimo de destruir las esperanzas de una película muy bien filmada pero elemental por donde se la mire, “Todo por el ascenso” es un retrato banal y simplote de dos amigos que quieren que su equipo de fútbol no se vaya al descenso y deciden ir a la cancha para alentarlo. No tienen en cuenta el regreso de un amigo del barrio, unido a una curvilínea colombiana, al que califican de “mufa”.

No hay nada más a nivel argumental, si bien su elenco cumple satisfactoriamente con los roles, desde Tomás Fonzi como “Rafael”, pasando por Ariel Pérez de María como “Néstor” y Fernando Govergun como “Fabián”, hasta la siempre fantástica Mirta Wons, en un rol secundario.

El mensaje tampoco es valorable: una mujer adulta les vende droga que servirá para hacer caer al “mufa”. Se produce un equívoco y hasta allí llega la creatividad argumental. Muy poco para llegar a la pantalla grande. Se necesitan otro tipo de ideas. El cine requiere de proyectos que digan algo más que un esqueche televisivo.

Elsa Bragato


 

LA INTERNACIONAL DEL FIN DEL MUNDO

Docuficción de Violeta Bruck y Javier Galerno. Entrevistados: Mónica Justo, Susana Fiorito, Alicia Rojo, Andrea D’Atri, Hernán Camarero, Roberto Pittaluga. Fotografía de Lucas Martelli. Música de Matías Gali y Lucas Olarte. Duración:68 minutos.

XXXXX-LUCHAS OBRERAS QUE SIGUEN EN PIE

Violeta Bruck, egresada de Comunicaciones, lanzó un segundo trabajo de investigación que aporta luz sobre muchos aspectos de la vida obrera de nuestra ciudad. Tal como indica un cartel inicial del film, los hechos ocurrieron en Buenos Aires pero pudieron - y pueden- suceder en cualquier parte del mundo. Bruck entrevista a descendientes de Pedro Milesi, Mateo Fossi, Mika Etchebehere y Liborio Justo. Cuatro figuras muy reconocidas pertenecientes a los movimientos de izquierda que levantaron las banderas de entonces, a cosa de la tristemente célebre Semana Trágica, de los fusilamientos en la Patagonia, y de testimonios conmovedores: en cintas se escuchan las voces de Pedro Milesi y Mateo Fossi. Este reconoce que lograron salvarse de los tiros de las policías, represión que contó –entre sus impulsores- a un integrante de la familia Anchorena, saltando los muros del cementerio de la Chacarita. Y que hubo cientos de desaparecidos de los que nunca más supieron nada aunque, durante tres días, los hornos del crematorio de la Chacarita funcionaron sin parar.

Dos casos muy especiales son Mika Etchebehere, la argentina que se transformó en trotskista y viajó a la Guerra Civil española con su marido para luchar contra el brutal “stalinismo”, y Liborio Justo, hijo de Juan B. Justo y nieto de Agustín Justo. A pesar de que su padre fue uno de los que participó del golpe de Estado de 1930, Liborio se volcó a la izquierda. Su hija, Mónica Justo, recuerda con invalorables fotografías, recortes y libros, a su padre y a su abuelo, el golpista. Si analizamos, tan solo si miramos, los movimientos populares actuales solo han diferido en la ferocidad de la lucha –aunque no pudieron calmar a los represores- si bien las banderas son las mismas, menos politizadas en muchos casos: trabajo digno, no a la esclavitud, sueldos suficientes, derecho a la vivienda, a la salud y la educación. Nada cambió bajo el sol. Los poderosos siguen reprimiendo a las masas populares.

Elsa Bragato

1.- SR LINK, animación, de Chris Butler, Estados Unidos.

2.- Claudia, ficción de Sebastián De Caro, Argentina.

 

JUEVES 5 DE SETIEMBRE DEL 2019.-

 

IT, CAPÍTULO 2

Dirección: Andrés Muschietti. Con James McAvoy, Jessica Chastain, Bill Hader, Isaiah Mustafah, Jay Ryan, James Ransone, Andy Bean, Bill Skarsgard, entre otros. Guion: Gary Dauberman y Jefrey Jurgensen, basado en la novela de Stephen King. Fotografía: Checco Varese. Edición: Jason Ballantine. Música: Benjamín Wallfisch. Duración: 169 minutos. Estados Unidos-Canadá.

XXXXX-MUSCHIETTI, EL TERRORÍFICO ARGENTINO

Secuela de la película de 2017, “It, 2” está basada en la novela homónima de Stephen King, esta vez bajo la dirección del argentino Andrés Muschietti. La historia se ubica 27 años después. Los siete niños que padecieron en las vacaciones de verano de 1989, en Derby, Maine, el terror sobrenatural del payaso bailarín, el diabólico Pennywise, ahora son adultos. Dispersos en el Club de Perdedores que habían formado, reciben una llamada telefónica extraña que los convoca a reunirse en Derby. Están dispuestos a matar al payaso diabólico. Tendrán grandes sorpresas porque “Pennywise” hibernó y, tras un ciclo de 27 años, mutó siendo hoy más fuerte que antes. Esta vuelta de tuerca del guion le dio oportunidad al director Muschietti, y a su hermana Bárbara en la producción, de un despliegue fenomenal de recursos y una mayor espectacularidad en las escenas claves, que incluyen un cameo del mismísimo Stephen King y un mate bien argentino.

Muschietti es, hoy por hoy, uno de los realizadores más importantes del género, habiendo logrado escenas de terror espléndidas, muchas de ellas las mejores en lo que va del siglo XXI. Pecó en la duración y en la exposición de este payaso maldito quien, prácticamente, no sale de pantalla. Con esto se perdió el efecto del “susto”, salvado por la factura técnica impecable. A pesar de su larga duración, casi tres horas, y de estos detalles apuntados, hay que reconocer que Muschietti logró un film de género potente que no supera a “It” pero se le equipara desde otros aspectos cinematográficos.

Con muchos guiños a la primera película, a la serie “It” de los 90 y a alguno que otro film de terror que el espectador sabrá reconocer, los 169 minutos de “It, 2” lejos de ser tediosos fortalecen la adrenalina porque el miedo se cuela a cada instante, con un origen diferente al propuesto en la anterior realización. Muschietti logra que el refrán de “segundas partes nunca fueron buenas” quede rezagado al ponerse a la altura de su antecesora. El amigo lector sabrá disculpar que lleguemos hasta aquí con el comentario para no caer en ningún “spoiler”.

Carlos Pierre

 

HIGH LIFE

Dirección: Claire Denis. Guion: Claire Denis, Jean-Pol Fargeau, Geoff Cox. Fotografía: Yorick Le Saux, Tomasz Naumiuk. Con Robert Pattinson, Juliette Binoche, Mia Goth, André Benjamin, Lars Eidinger, Agata Buzek, Claire Tran, Gloria Obianyo, entre otros. Música: Stuart Staples, Tindersticks. Duración: 110 minutos. Coproducción Francia-Alemania-Reino Unido-Polonia-Estados Unidos.

XXXXX-LA COSMOLOGÍA EXISTENCIAL DE CLAIRE DENIS

Por sobre una aventura espacial, la realizadora Claire Denis da su propia versión sobre el destino del ser humano: desde lo científico, a través de los agujeros negros -actores de la cosmología actual que sobresaltan y atemorizan-, y desde lo existencial, o sea el destino del ser humano en medio del caos cósmico-social en el que se vive.

Monte (Robert Pattinson) es un astronauta a bordo de una nave que está en el espacio más profundo y distante de la Tierra, en un tiempo diferente, más lento. Junto a él está su beba, Willow. La nave había partido con una médica genetista (Juliette Binoche) que hizo tremendos experimentos hasta lograr concebir a la pequeña Willow. Pero murió junto al grupo de condenados a muerte que aceptó conmutar sus sentencias por una misión hacia el agujero negro más cercano a la Tierra. Claire Denis apela a cierto expresionismo descarnado para significar que ese lugar estuvo impregnado de violencia y sexo, mientras se acercan a un amenazante agujero negro, según las teorías de los científicos Hawking y Penrose, remolinos de luz polarizada.

El tratamiento visual, sin ser hollywoodense, nos remite al cine ruso de otras décadas, a través de secuencias morosas y detallistas e, incluso, tediosas. Hay aquí buenas actuaciones como la de Juliette Binoche en un rol potente y un Robert Pattinson con una impronta misteriosa que supo tener en sus comienzos. El clima del film es pesadillesco, atrapando al espectador en una cosmogonía incierta y temible. Claire Denis, a esta altura, optó por dar vida a la incertidumbre que el mundo vive a través de una historia desencarnada y pasional.

Carlos Pierre

 

EL AMANTE FIEL

Guion y dirección: Louis Garrel. Con Louis Garrel, Laetitia Casta, Lily Rose Melody Deep, Joseph Engel, Diane Courseille, Vladislav Galard, entre otros. Fotografía: Irina Lubtchansky. Música: Philippe Sarde. Duración: 75 minutos.

XXXXX- LABERINTO DE SECRETAS PASIONES

Sin ser un homenaje a la irrupción de desenfado y de locura de vida de la Nouvelle Vague, Louis Garrel, director y protagonista de “El amante fiel”, tiene un sobrevuelo sobre aquel cine de los 60 porque forma parte de su propia cultura y no por manierismo. “Jules et Jim”, de Francois Truffaut (1961) viene a la memoria por algún dejo de la historia y sus personajes. Marianne (Lily R. Melody Deep) abandona a Abel (Louis Garrel) por Paul, su mejor amigo y padre del hijo que está esperando. Después de ocho años, Paul muere y Abel regresa con Marianne. La comedia se va enredando a través del enamoramiento de unos y otros, dentro de una atmósfera de romanticismo ligero. La voz “en off” le permite a Louis Garrel salir de un laberinto de pasiones secretas que pudo ser un sinfín sin sentido. Sale airoso gracias a un reparto brillante que imprime ritmo a las secuencias. Debemos destacar a la hija de Johnny Deep, la bellísima Lily R. Melody, nominada a Mejor Actriz Revelación por los premios César 2018 por este rol. Para los adultos, será inevitable la nostalgia por un cine libertario y provocador mientras que para los jóvenes el film de Louis Garrel es un logrado atrevimiento.

Carlos Pierre

 

MATAR A UN MUERTO

Guion y dirección de Hugo Giménez. Con Ever Enciso, Aníbal Ortiz, Jorge Román, Silvio Rodas. Fotografía de Hugo Colace. Música de Sergio Cuquejo. Duración: 83 minutos.

XXXXX- FIDEDIGNO RETRATO SOBRE LA INDIGNIDAD

Desde la mítica “Cerro corá” (1978), el cine paraguayo viene obteniendo premios y reconocimientos internacionales por la calidad de sus películas. En el caso de “Matar a un muerto”, el joven realizador Hugo Giménez aborda la temática de la dictadura de Stroessner en un año fatídico para esta región del mundo: 1978. Desde hacía dos décadas atrás (desde el derrocamiento de Perón en el 55) se sabía que aparecían cadáveres flotando en los ríos limítrofes con nuestro país, producto de las brutales torturas a las que los opositores a Stroessner eran sometidos.

Es el caso de “Matar a un muerto”: Hugo Giménez ubica esta siniestra situación dentro del monte paraguayo. Dos pobres diablos, viviendo como menesterosos, están en contacto con la milicia paraguaya a través de un sistema de transmisión. Un “superior” les avisa cuando envían los “paquetes” para que ellos hagan lo que saben, o sea, enterrarlos. Un buen día, llega a la orilla un “paquete” que respira. Y surge el conflicto: si matarlo o no.

El film está hablado en guaraní, lengua indígena aceptada oficialmente en el Paraguay. Las actuaciones de estos enterradores, sometidos a condiciones de vida indignas, logran momentos sublimes, aún dentro de una trama oscura y profundamente patética. Jorge Román, el protagonista de la exitosa miniserie sobre el campeón del mundo en boxeo Carlos Monzón, compone al pobre diablo – Mario - que aún respira. Hay un hálito de humanidad que sobrevuela la penosa vida de los enterradores, aterrados por los perros sedientos de sangre que los persiguen en la noche cerrada del monte desenterrando los cadáveres. Es allí, en esa escondida luz espiritual, donde Hugo Giménez, también guionista, determina el conflicto y desarrolla la solución.

El manejo de los silencios y del medio plano hacen de este film un retrato fidedigno que duele, siendo absolutamente honesto con la realidad histórica del país hermano. Pequeña joya sobre la indignidad humana.

Elsa Bragato

 

EL RETIRO

Guion y dirección: Ricardo Díaz Iacoponi. Con Luis Brandoni, Nancy Dupláa, Gabriel Goity, Soledad Silveyra, entre otros. Duración: 91 minutos.

XXXXX-DUELO ACTORAL ENTRE BRANDONI Y DUPLAA

La jubilación de Rodolfo (Luis Brandoni) es el motor de una historia en la que un niño, por una noche de tormenta, generará un intenso drama familiar. Viudo desde hace un año, su hija (Nancy Duplaá) decide instalarse con su padre para ayudarlo a sobrellevar una insólita situación que vive justo cuando había decidido su retiro. La convivencia traerá no pocas vicisitudes, antiguos rencores, asuntos familiares no resueltos. Padre e hija van sacando muchos trapitos al sol. La brecha generacional está bien sugerida: tres edades distintas, el abuelo, la hija y el niño que ha llegado de manera impensada. Se establece un muy interesante duelo actoral entre Brandoni y Duplaá, tan opuestos en la vida real, enfrentándose en un plano ficcional diferente: el de padre e hija. Secundan a la dupla protagonista Gabriel Goity como un desbocado amigo y Soledad Silveyra, una abogada del entorno: personajes que le dan un tono risueño a los diferentes sobresaltos que vive Rodolfo en su nueva realidad.

Buen guion del realizador Díaz Iacoponi, que logra un film grato, de buena factura técnica, con un elenco que produce inmediata empatía con el público. La jubilación, por lo visto, no siempre conduce a un mundo exento de sobresaltos supuestamente juveniles.

Carlos Pierre

 

PATERNAL

Documental de Eduardo Yedlin. Fotografía y cámara de Pablo Zubizarreta, Diego Poleri e Iván Gierasinchuk. Sonido deVíctor Tendler. Montaje de Barandalla, Felder y Ester. Música de Luz Novili Frenkel. Duración: 77 minutos.

XXXXX- UN ARGENTINO ILUSTRE: ROITMAN

El director Eduardo Yedlin descubrió la figura del erudito Adolfo Roitman, argentino radicado en Israel, curador desde 1994 de los Rollos del Mar Muerto. Nació en el barrio Paternal, de donde hay un dios pragmático: Diego Armando Maradona. Roitman encarna al Dios de la Fe monoteísta, la del Judaísmo y del Cristianismo. Egresado de la UBA, también obtuvo títulos universitarios en Israel hasta ser nombrado curador de los Rollos descubiertos en 1947 en las cuevas del Mar Muerto, dentro de unas vasijas por dos beduinos.

Yedlin recorre con su cámara algunos lugares de Paternal junto a Roitman, quien no perdió nunca su porteñidad, en su redescubrimiento de casas reemplazadas por portones y bares de la zona. Su monoteísmo se enfrenta al dios pagano Maradona que adorna las calles de su barrio con gigantescos graffiti.

El desarrollo narrativo es un tanto desparejo, pero no deja de ser interesante. Las cámaras llegan a Jerusalén, vemos el Muro de los Lamentos y entramos, de la mano de Roitman, al secreto arqueológico mejor guardado: los rollos del Mar Muerto, ubicados en una cámara a prueba de bombas y ultrajes de cualquier índole. Bajo más de siete llaves se encuentran otros papiros esperando reemplazar a los expuestos. También Roitman y su equipo de filmación visitan a los descendientes de quienes compraron los rollos a los beduinos por advertir que eran de extrema importancia. Así surgen los Esenios, la tribu que se separó de los judíos en la que creció Jesús, y se visita la Iglesia de San Marcos donde estaba ubicada la casa en la que Jesús habría mantenido La última cena.

Aún, como decíamos, con falta de linealidad, resulta reconfortante conocer a una personalidad como Adolfo Roitman a cargo de la historia de la Humanidad con más de 2000 años de antigüedad. En verdad, uno se queda con ganas de conocer más sobre tan preciado tesoro arqueológico.

Elsa Bragato

Otros estrenos previstos, sin confirmación:

1.- El silencio de los otros, documental de Carracedo y Bahar. España

2.- Alcanzando un sueño, de Max Minghella. Reino Unido-Estados Unidos.

 

JUEVES 29 DE AGOSTO DEL 2019.-

DORA Y LA CIUDAD PERDIDA

De James Bobin. Guion de Nicholas Stoler. Con Isabela Moner, Eugenio Derbez, Adriana Barraza, Eva Longoria, entre otros. Fotografía de Javier Aguirresarobe. Música de John Debney. Duración: 103 minutos.

XXXXX-EXPLORADORES A LA FUERZA

“Dora” es una serie del año 2000 que se estrenó en la señal Nickelodeon para enseñar castellano a los niños norteamericanos. Dora, la protagonista, tenía entonces 7 años. Surgieron las películas como Dora y la aventura de Navidad, así como La gran aventura de cumpleaños de Dora. Llega al cine esta versión de una Dora adolescente que debe abandonar la jungla donde vive con sus padres, exploradores en busca de una ciudad inca perdida, para vivir en la ciudad con sus tíos y su primo Diego, todo un hombrecito aclimatado a la vida de la ciudad.

Los amigos de Dora subsisten: el Mono Botas, azul, Swiper, el zorro villano, Isa la iguana, entre otros, así como la Mochila de Dora que esconde todos los secretos de sus exploraciones y el Mapa, pieza fundamental de su vida y sus tareas.

Es un guiño muy claro a la comunidad hispanoparlante con padres que hablan en castellano y en inglés. Norteamericanos de pura cepa no aparecen porque es, ante todo, una historia de inmigrantes afincados en California.

Los padres de Dora son raptados: los malvivientes quieren que indiquen dónde está la ciudad inca perdida llena de oro. Rescatarlos es el principal objetivo de la protagonista y sus amigos del “cole”, transformados en exploradores a la fuerza.

La realización tiene logros en la fotografía que es muy colorida mientras que, en las acciones, hay saltos abruptos de edición. Se cumple con el objetivo de distraer y sorprender como sea resultando, en todo caso, un extraño guion que, a pesar de todo, mantiene la atención.

Se cabalga entre la infancia y la adolescencia, está bien para los chicos que terminan la primaria como para los que cursan la secundaria. Mucho color, mucho desparpajo narrativo, rodean a Dora junto a su mono Botas, al que se le nota la costura en el orillo. Se nota pero se perdona porque el color invade la pantalla.

Elsa Bragato

 

LA MÚSICA DE MI VIDA

De Gurinder Chadha. Con Viveik Kaira, Kulvinder Ghir, Meers Ganatra, Hayley Atwell, Aaron Phagura, Nell Williams, entre otros. Fotografía de Ben Smithard. Música de A. R. Rahman. Duración: 117 minutos.

XXXXX-EL VALOR DE LOS SUEÑOS

Gurinder Chadha es una prestigiosa realizadora británica de origen indio que, en este caso, retrata la vida de los paquistaníes en Londres, ciudad que los cobija desde hace décadas, realizando tareas de hotelería y remisería. Basada en las memorias tituladas Greetings from Bury Park, Race, Religion and Rock N Rol, del periodista Sarfas Manzoor, e inspirada en la música de Bruce Springsteen, “the Boss”.

El joven Javed vive bajo la mirada intolerante de su padre paquistaní. Cuando un compañero de clase le acerca la música de Bruce Springteen y, en especial, el tema “Hungry Heart”, Javed entiende que debe cumplir con su sueño: ser escritor. Una profesora lo ayudará en su intento, mientras su padre lo echará de la casa.

Bruce Springsteen es un norteamericano hoy de 69 años que cantó su desazón ante las injusticias de su propia sociedad. Sus letras las describen y Javed se siente identificado porque sufre bullying y tiene que demostrar que vale tanto como un anglosajón aunque no concurra a fiestas o reuniones de sus compañeros.

La música, incluida danzas al son de las canciones de Springsteen, pone ese plus que alegra dando consistencia de musical a una historia de vida que transcurre en 1987, en Luton (pequeña ciudad al norte de Londres), bajo el gobierno de Margaret Thatcher.

Es una historia genuina aunque previsible, rasgo que no le quita emoción, que muestra la relación entre padre e hijo, la necesidad de adecuar las tradiciones sin quebrarlas, la situación de los inmigrantes en el “primer mundo”, y los cruces generacionales en las sociedades que, por razones de religión o raciales, no admiten cambios.

Autenticidad y conocimiento del tema es lo que surge de esta narración de Gurinder Chadha, una historia para la que no hay edad. Sueños por cumplir y música siempre hay.

Elsa Bragato

 

LA VIUDA

Dirección: Neil Jordan. Con Isabelle Huppert, Chloë Grace Moretz, Stephen Rea, Maika Monroe, Colm Feore, entre otros. Música: Javier Navarrete. Duración: 98 minutos. Irlanda-EE.UU.

XXXXX- HUPPERT, INTENSAMENTE VIOLENTA

Intenso thriller psicológico del irlandés Neil Jordan con Isabelle Huppert en el rol de Greta, una psicópata que utiliza un bolso como señuelo para atraer a jóvenes mujeres a las que envuelve con su historia de viudez, un presunto charme francés y el hijo fallecido en París –que no conoce. La víctima protagonista es Chloé Grace Moretz, de angelical belleza, quien conforma, junto a Huppert, una dupla protagonista de gran atractivo a través de una trama plagada de pistas falsas.

Neil Jordan, de gran prestigio en los 80, regala una historia de aparente suspenso a través del que muestra las consecuencias de una sociedad consumista que no tiene en cuenta a las personas y sí a los individuos como engranaje comercial. La “viuda” vive en Manhattan en un refinado lugar, donde atrapa a las jóvenes, dentro de una maraña de enigmas que incluye su pasado poco claro.

Muchas secuencias se destacan por estar fotografiadas con acento misterioso, tanto en Manhattan como en Ontario e Irlanda. La inquietante Huppert y el clima generado por Jordan colaboran en el aumento de la violencia que se percibe siempre. El suspenso hasta llegar al desenlace que sorprende.

Es un thriller no remanido, tiene una dosis importante de análisis psicológico de sus personajes, y cuenta con la estupenda Isabelle Huppert para quien los roles fuertes le caen al dedillo mientras que Moretz aporta su calidad interpretativa y belleza. Interesante propuesta.

Carlos Pierre

 

MARGEN DE ERROR

Guion y dirección de Liliana Paolinelli. Dirección de Arte de Mariela Ripodas y Lorena Rubinstein. Cámara de Alejandro Ortigueira. Vestuario de Valentina Bari. Fotografía de Soledad Rodríguez. Sonido de Leandro de Loredo y José Caldararo. Montaje de Lorena Moriconi. Música de Juan Bouscayrol. Duración: 82 minutos.

XXXXX-MUJERES QUE AMAN

Buena idea, realización técnica impecable (tomas secuencias interesantes, entre otras), buen elenco. El problema de “Margen de error” está en su linealidad, en la falta de eclosión del conflicto, en la resolución previsible y apacible.

Paolinelli explica que, siendo chica, solía frecuentar un grupo de lesbianas de 50 años, jugar con ellas en una casa de la provincia de Córdoba, y aprender el rechazo social en aquellos años de cualquier forma no convencional de pareja. Las mujeres no podían salir tomadas de la mano, besarse en público, vivir bajo el mismo techo, sin generar escándalos de toda índole.

Ahora, con la edad de aquellas amigas, eligió la historia de mujeres lesbianas ubicando en el medio de parejas establecidas a una joven que viene del interior a la capital a tentar suerte. La recibe Iris, amiga de su madre, y le da albergue. Iris también es lesbiana, tiene pareja, y se confunde ante algunas actitudes de Maia. Es su “margen de error”, grave porque deberá enfrentar situaciones inesperadas.

El tema es muy actual, hay mano segura de Paolinelli, buenos tours por Buenos Aires y, en ellos, una pérdida de tiempo narrativo para conocer más a las protagonistas en lugar de ver lo que miran: hace falta una historia que las comunique entre sí mujeres capaces de amar a otras mujeres. El guion se pasea por lo trivial, sin otorgarle profundidad ni carnadura a la propuesta. Absolutamente lineal.

Elsa Bragato

 

Otros estrenos previstos:

1.- Ted Bundy: durmiendo con el asesino, de Joe Berlinger. Estados Unidos.

“Es una historia interesante y Berlinger hace que tenga mucha energía. El director también suma puntos por lograr buenas actuaciones”, de Todd McCarthy, The Hollywood Reporter.

“Una visión honesta, inquietante y auténtica de quien fue Ted Bundy. Efron está excelente, controlado, magnético, audaz, comprometido y adecuadamente extravagante”, de Owen Gleberman, Variety.

2.- Grace A Dieu, de Francois Ozon. Francia.

“Una historia ambiciosa y de actualidad. La película es tan emocionante debido en gran parte a su atrevido y sincero compromiso con los sentimientos confusos e imprecisos de sus personajes”, de Guy Lodge, Variety.

“Es como una versión francesa de “Spotlight”. Una obra atenta, ágil e inmaculadamente interpretada que se desarrolla con la tensión de un trabajo a contrarreloj para un periódico”, de David Ehrlich, Indie Wire.

3.- Cuando los hombres quedan solos, obra póstuma del director boliviano Fernando Martínez, codirigida por Viviana Saavedra. Sobre la feroz dictadura de García Meza y sus consecuencias sociales.

4.- Shalom Taiwán, de Walter Tejblum. Un rabino vive acuciado por la situación financiera de la comunidad judía de su barrio y decide viajar a Taiwán. Comedia nacional.

5.- Te pido un taxi, ópera prima de Martí Armoya, Con Barbie Vélez y Tacho Riera. Comedia romántica.

 

JUEVES 22 DE AGOSTO DEL 2019.-

 

BALDÍO

Dirección: Inés De Oliveira Cézar. Guion: Inés De Oliveira Cézar y Saula Benavente. Con Mónica Galán, Gabriel Corrado, Nicolás Mateo, Rafael Spregelburd, entre otros. Participaciones especiales: Luis Brandoni, Leonor Manso, Ronnie Arias y Cecilia Dopazo. Música original: Gustavo Pomeranec. Duración: 78 minutos. 

XXXXX- NOTABLE TRABAJO PÓSTUMO DE MÓNICA GALÁN

“Baldío” se basa en una historia real, surgida de las charlas entre la actriz recientemente fallecida Mónica Galán y la directora Inés de Oliveira Cézar, sobre la lucha de una madre que intenta salvar a su hijo (Nicolás Mateo) de la adicción. En este combate diario, “Brisa” (Mónica Galán) vive, siente, en medio de una gran impotencia: separada de su esposo desde hace 15 años, solo de ella depende la salvación de su hijo, dado que el padre (Gabriel Corrado) poco interviene.

Es una gran realización filmada en blanco y negro, con una dirección de arte y fotografía de excelencia al servicio de una historia de vida conmovedora, profunda, real, de una mujer que trabaja en el medio artístico. El glamour de su trabajo lo pierde al instante cuando la vida de la calle, invernal y lluviosa, la obliga a salir para recuperar, si puede, a su hijo del maldito “paco”. Con intensidad, De  Oliveira Cézar construye un thriller policial que retrata la odisea de cualquier familia que enfrenta una adicción en sus hijos.

El título “Baldío” explica desde la soledad interior de “Brisa” así como ubica la fábula en un lugar propicio para la delincuencia de cualquier índole, en especial, la venta de drogas. Trabajo póstumo de Mónica Galán, se transforma en el corolario de una gran carrera donde pudo desarrollar su enorme caudal interpretativo. Son legados invalorables de una notable artista a través de “Brisa”, una actuación sobrecogedora. Gran película nacional

Carlos Pierre

 

UN HOMBRE EN APUROS

Dirección: Hervé Mimran. Guion: Hervé Mimran y Helene Fillieres. Con Fabrice Luchini, Leila Bekhti, Rebecca Marder, entre otros. Producción: Sidonie Dumas y Matthieu Tarot. Fotografía: Jérome Alméras. Montaje: Célia Lafitedupont. Música: Balmosthea. Duración: 100 minutos.

XXXXX- GRANDES ACTUACIONES EN UNA EJEMPLIFICADORA BIOPIC

El realizador Hervé Mimran y el productor Matthieu Tarot quedaron impresionados por un artículo aparecido en el diario Le Monde el 7 de febrero de 2013 sobre el CEO de Peugeot Christian Streiff quien, a raíz de un ACV, padeció dificultades de habla y pérdida de la memoria en 2008. La realidad empresarial lo obligó a ocultar su padecimiento para no perder accionistas en la empresa. Entre las circunstancias que llevaron a la realización del film estuvo cierta amistad entre Mimran y Streiff y la aparición de su autobiografía titulada “Un hombre apurado”. A partir del libro, se generó el film contando con Fabrice Lucchini en el rol protagónico, llamado aquí “Alain”, y “Jeanne” (la exquisita actriz Leila Bekhti) como la inseparable fonoaudióloga. La joven mujer logrará con trabajo, paciencia, y desencuentros, el camino de recuperación del CEO.

Al gran trabajo de Fabrice Luchini hay que agregar el dinamismo disfrutable de la narración. En esto influye el juego actoral que se entabla entre paciente y fonoaudióloga  así como resulta muy interesante el reclamo de la hija de Alain, a cargo de la joven actriz Rebecca Marder, quien requiere la atención de su padre por seguir su camino como orador.

Asimismo el caso puntual de la enfermedad tiene un correlato espiritual que enriquece tanto la historia en sí como la fotografía: Alain realiza la travesía a Santiago de Compostela buscando la recuperación total con lo que se aporta al film momentos de gran belleza visual. Destacable labor de Fabrice Luchini, el “homme pressé” que tenía una vida laboral apresurada, impaciente, plagada de urgencias que lo llevó al derrame cerebral. Grandes actuaciones, energía contagiosa y una edición insuperable.

Carlos Pierre

 

HABÍA UNA VEZ… EN HOLLYWOOD

Guion y dirección de Quentin Tarantino. Con Leonardo Di Caprio, Brad Pitt, Margon Robbie, Al Pacino, Dakota Fanning, Bruce Dern, Timothy Olyphant, entre otros. Fotografía de Robert Richardson, Edición de Fred Raskin. Producción de Bárbara Lind. Duración: 165 minutos.

XXXXX- BACANAL DE CINE

La novena película de Quentin Tarantino nos sumerge en un thriller que pasea, en tono de comedia, westerns, comedia, gore, la tradicional “buddy movie” o película de amigos, en torno a una fecha crucial en Hollywood: el 8-9 de agosto de 1969, en 10050 Cielo Drive, barrio selecto del norte de Beverly Hills, en el norte a su vez de Los Angeles. Hssta allí fueron Charles Manson y su grupo de fanáticos diabólicos asesinando a Sharon Tate, la joven actriz esposa de Roman Polanski, en ese momento en Londres filmando, que estaba embarazada de ocho meses y medio. Junto a tres personas más. Antes de ingresar, mataron a Steve Parent. Estos hechos conmocionaron a Hollywood y dieron por terminada la era del LSD y del hippismo. Condenados Charles Manson y sus secuaces (chicas adolescentes) aún hoy el caso tiene oscuras aristas sin resolver.

Tarantino toma el brutal asesinato como referencia pero se centra en la vida de los vecinos de Sharon Tate. Sin embargo, recurre a la nostalgia más profunda rindiéndole un homenaje al cine y a la “La meca del cine”, Hollywood. Se centra en la vida de un actor en decadencia, Rick Dalton, encarnado por Leonardo Di Caprio, y su doble de acción y amigo “Cliff Booth”, a cargo de Brad Pitt. Junto a ellos, asistimos a las series de los 60 de la que Dalton era protagonista, la incursión de un productor de cine (Al Pacino) que lo lleva a Italia para los Spaguetti Western, y la relación que ocasionalmente “Cliff” entabla con una de las chicas del Clan Manson cuando acepta llevarla hasta “Spahn Ranch”, ciudades abandonadas donde se filmaban los western nortemericanos.

Hay críticas solapadas a los hippies, el LSD de aquellos años, las fiestas en la casa de algún magnate, y una reverencia fantástica a los íconos comerciales de entonces como la aerolínea Pan Am, los automóviles Cadillac, y las series de Tv que fascinaban al mundo en blanco y negro. Ese clima de melancolía, nostalgia y cine dentro del cine se mantiene a lo largo de la carrera de Rick Dalton a través de diferentes filmaciones dentro de una narración muy fluida plagada de simpatía y gags de comedia, tachonada con brutales palizas entre Bruce Lee (este personaje trajo muchos problemas a Tarantino por la mala reacción de la familia del afamado actor de origen oriental) y Cliff Booth, y una atención que no puede decaer porque el suspenso y el crimen se huelen cerca desde el comienzo.

En definitiva, hay dos temas que conviven en forma paralela, que no se chocan y sí se cruzan: la carrera de Rick y la vida de Cliff, amigos a ultranza, que dejan en la pantalla dos grandes actuaciones.

Tarantino indicó que Rick Dalton (Di Caprio) es un rol-homenaje a los protagonistas de aquellas series que pasaron al cine sin convertirse en fenómenos estelares como Tab Hunter o Ty Hardin, y, entre los stunts, rindió tributo a Hal Needham en el personaje de Cliff Booth (Pitt),  doble de acción que se transformó en director de cine.

Diferente y fiel a sí mismo, Quentin Tarantino realiza una revisión histórica similar a la de “Inglourious Basterds”: hay un hecho real, la masacre de Tate y sus amigos, pero se las ingenia para que sobreviva lo mejor. Sin “spoilers”. Son tres horas a pura atención, donde Di Caprio vuelve a demostrar su enorme capacidad actoral y Brad Pitt realiza uno de sus mejores trabajos. Es una bacanal de melancolía cinéfila, una pantagruélica sucesión de hechos e íconos conmovedores. Para fans tarantinescos.

Elsa Bragato

 

LA AFINADORA DE ÁRBOLES

Guion y dirección de Natalia Smirnoff. Con Paola Barrientos, Marcelo Subiotto, Diego Cremonesi, Violeta Postolski, Oliverio Acosta, Matías Scarvaci, entre otros. Fotografía de Fernando Lockett. Música de Alejandro Franov. Duración: 191 minutos.

XXXXX- AFINANDO EL ALMA

Natalia Smirnoff tiene un antecedente muy loable en “El cerrajero” con Esteban Lamothe en el protagónico. Regresa con “La afinadora de árboles”, oficio singular a cargo de la estupenda Paola Barrientos, sólida y verosímil en el rol de “Clara”, escritora de obras infantiles que recibe un premio en México y debe responder a las exigencias de una editorial internacional. Junto a su marido y dos hijos se muda a una moderna casona en una localidad bonaerense para estar juntos todo el tiempo posible.

El regreso a un mundo natural, a viejos amigos, a necesidades sociales urgentes, conmocionan a “Clara”. Los árboles y la música, los chicos y la simpleza y generosidad de la gente, harán el resto.

El maravilloso título que une la afinación de un piano con la copa de los árboles, fotografía recurrente en este film de Smirnoff, podría ser “la afinación del alma”, estar en consonancia con el entorno, sim dejar de ser uno.

Smirnoff logra de principio a fin un ritmo envolvente cuyo peso sostiene Paola Barrientos con dominio escénico absoluto. Está bien secundada por un buen elenco que la acompaña en un certero segundo plano. El “close up”, por llamarlo de alguna manera, está en la protagonista. Lo sencillo suele conmovernos mucho más de lo que pensamos.

Elsa Bragato

 

LA SEQUÍA

Guion y dirección de Martín Jáuregui. Con Emilia Attias, Adriana Salonia, entre otros. Fotografía de Diego Gachassin. Dirección de Arte de Santiago Barros. Música de Eric Kutschevatzky. Duración: 68 minutos.

XXXXX-SEQUÍA ESPIRITUAL

La idea de la sequía del alma es buena pero, en verdad, es muy difícil plasmar un pensamiento tan abstracto en secuencias con carnadura. Martín Jáuregui, hombre de notable formación cultural, quiere expresar el dolor del alma de una joven actriz llamada Fran que descubre la infidelidad de su pareja. Luego de una fiesta, se lanza al desierto, tierras rojizas de Catamarca, paisajes desolados, donde es perseguida por voces conocidas.

El film tiene voz en off especialmente al principio y al final: Attias recita, relata, lo que su alma siente, el desgarro interior ante la pérdida de ilusiones sobre su pareja. Al lado de ella surge de la nada misma el personaje de Adriana Salonia como un “alter ego” o una amiga que le dice crudas verdades.

No es creíble esta sequía espiritual. Attias, que camina en la película como si estuviese conduciendo “Resto del mundo”, luce su belleza pero no mucho más. Salonia tiene un rol más jugado. Demasiado teatral por momento, demasiado “deja vu” de corrientes cinematográficas en otros, la fotografía es muy buena, la narración es fluida pero el meollo de esta travesía en un desierto y en un cementerio están exentas de realidad espiritual aunque esto pueda parecer un contrasentido.

Elsa Bragato

 

Otros estrenos previstos:

1.- PAW PATROL, animación, Estados Unidos

2.- ARENAS DE SILENCIO, documentalm de Chelo Alvarez Stehle, España-Estados Unidos

3.- LOS INDALOS, de Santiago Nacif Cabrera,  Gato Martínez Cantó, y Roberto Persano, sobre Aurora Sánchez y su familia, Argentina

4.- LA ESCUELA CONTRA EL MARGEN, de Lisandro González Ursi y Diego Carabelli, documental sobre la escuela Manuel Mujica Láinez de Villa Lugano. Estrenado el año pasado en el CC de la Coooperación.