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COMENTARIOS DE CINE
 


ELSA BRAGATO Y CARLOS PIERRE

 

*Colaboración del crítico y productor Carlos Pierre

http://www.elsabragato.blogspot.com  El site de Elsa Bragato

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JUEVES 14 DE FEBRERO DEL 2019.-

De a cuentagotas nos van llegando los films oscarizados. En este caso, “Green book”, con “nuestro” Viggo Mortensen, film nominado como mejor película entre otras distinciones que puede ganar. Claro está, pelea cara a cara con “Roma” y con “La favorita”. Entre los estrenos de este jueves incluimos “Hora,día, mes”, película nacional de Diego Bliffeld, con el protagónico de un actor muy querido, Manuel Vicente y, entre otros integrantes del elenco, la presencia de Iván Steinhardt. Y “Tampoco tan grandes”, sólida comedia de Federico Sosa con Paula Reca y Miguel Angel Solá, entre otros. Es una road movie que encara el amor y el desamor entre treinteañeros y el amor adulto a partir de una historia diferente en tono de comedia.

 

GREEN BOOK

De Peter Farrelly. Guion: Nick Vallelonga, Brian Hayes Currie y Peter Farrelly. Con Viggo Mortensen, Mahershala Ali, Linda Cardellini, Dimeter Marinov, Mike Hatton, Igbal Theba, entre otros. Fotografía: Sean Porter. Montaje: Patrick J. Don Vito. Música: Kris Bowers. Duración: 130 minutos.

XXXXX- MIRADA SOCIOPOLÍTICA DE LOS 60

Luego de sonados éxitos junto a su hermano en la comedia, Peter Farrelly se involucró con entusiasmo en esta road movie basada en la historia real de Tony Lip Vallelonga, forzudo ítaloamericano del Bronx que, en la década del 60, asistió como chofer a Don Shirley, pianista de música clásica afroamericano. Ambos recorrieron los lugares indicados en el llamado “Green book”, sitios amigables para blancos y negros en plena época de segregación racial.

La base del guion es la historia que relató Nick Vallelonga, hijo de Tony Lip, quien fuera portero del afamado Copacabana durante 12 años. Incluso probó fortuna como actor haciendo un cameo en El Padrino , la obra de Coppola de 1972. Con los retoques propios para convertir un libro en un guion cinematográfico, la película de Peter Farrelly es una muestra fiel del “ser” norteamericano de los sesenta, con virtudes y defectos manejados en tono de comedia dramática, sin caer en el melodrama.

 Viggo Mortensen encarna a Tony Lip Vallelonga, mientras que el pianista Don Shirley recae en Mahershala Alí, actor a quien también vemos en otro estreno, “Battle Angel, la última guerrera”. Se establece un estupendo duelo actoral entre Mortensen (aumentó 20 kilos para este personaje) con el sobrenombre de “Lip” o labio por su charla sinfín, y Mahershala Alí, circunspecto músico devenido en compinche de “Tony”, un “oso hablador”.                                                          

Esta amistad nada convencional para aquella década de segregación y revueltas sociales en los Estados Unidos suscita empatía, se disfruta a través de dos consagratorias actuaciones y del entorno que Farrelly lleva a la historia: el desigual paisaje del sur algodonero mostrado sin vueltas, mientras un afroamericano como Shirley se esfuerza en demostrar a través de su arte la capacidad artística que no conoce de colores de piel. Esta especie de “road movie” permite a Mahershala Alí dotar a su rol de una gama de sentimientos desde el dolor por el rechazo a su persona y, en cambio, el aplauso a su notable arte, hasta la reverencia por ser un gran artista con la prohibición de comer un solo bocado en un lugar destinado a los blancos. En este juego actoral no está solo: su chofer y, de alguna manera, guardaespaldas “Tony” comparte las alegrías y tristezas de su compañero de viaje. La película es absolutamente disfrutable y merece ser tenida en cuenta en la elección final de los Oscar porque trata un tema esencialmente norteamericano desde lo artístico hasta lo social. Muy bien actuada, muy bien realizada, es un punto a favor para Peter Farrelly en esta incursión en otro género. Sin caer en la sensiblería, se muestra una realidad sociopolítica de la manera menos opresiva y más amable. No se la pierda.

Carlos Pierre

 

FELIZ DÍA DE TU MUERTE 2

De Christopher Landon. Fotografía de Toby O[liver. Música de Bear McCreary. Con Jessica Rothe, Israel Broussard, Suraj  Sharma, entre otros. Duración: 100 minutos.

XXXXX-TRAMPAS TEMPORALES QUE ABURREN

El “bucle” temporal, ése que incluye a una persona en un segmento de tiempo y le hace vivir siempre lo mismo, incluyendo su propia muerte, se vuelve tan reiterativo en esta secuela de “Feliz día de tu muerte” que se termina confundiendo las dimensiones de espacio y tiempo y en cuál se terminó filmando la historia.

Pasaron dos años desde el primer film en el que Tree, que encarna la actriz Jessica Rothe, había caído en el “bucle” temporal. Luego de ese tiempo, la jovencita vive la misma trampa de tiempo y espacio, repitiendo día a día su muerte en diversas circunstancias. Son tantas que las dimensiones se confunden.

Se intenta darle visos de seriedad con un complicado instrumento que hace saltar la luz del vecindario pero que logra cambiar los círculos temporales de quien así lo desee. En esta reiteración de los hechos el guion pierde su rumbo y comienza a inquietar porque termina por no comprenderse cabalmente en qué “salto temporal” están la protagonista y sus compañeros de la High School. Con tono de comedia más que de thriller, resulta una historia cansadora tanto como el primer film. Solo para fans.

Elsa Bragato

 

BATTLE ANGEL LA ÚLTIMA GUERRERA

De Robert Rodríguez. Guion de James Cameron, Laeta Kalogridis, Robert Rodríguez. Fotografía de Bill Pope. Música de Junkie XL. Con Rosa Salazar, Christoph Waltz, Jennifer Connelly, Jackie Earle Haley, Ed Skrein, entre otros. Duración: 121 minutos.

XXXXX-MÁS DE LO MISMO

Un “dejá vú” importante provoca “Battle Angel…” al enfocarse en una ciudad distópica y lo que resta de la Humanidad superando el 2500 y luego de una brutal “caída”. Sobre buena parte del planeta, quedan los restos de algo parecido a una nave espacial que cumple otras funciones. Estamos en un mundo donde conviven los seres humanos y los cyberborg. El médico Ido, a cargo de Christopher Waltz, encuentra en un basural los restos del cuerpo de una bella niña a la que, en su quirófano le devuelve la vida reemplazándole brazos y piernas por elementos cibernéticos. La jovencita no recuerda su pasado, donde fue una notable guerrera, y en sus paseos por la extraña ciudad llamada Iron City hace amistad con “Hugo” (carilindo Keean Johnson) quien pretende llevarla al camino de la lucha nuevamente.

Robert Rodríguez y James Cameron unieron sus poderosas imaginaciones en esta remake del film animé “Alita, ángel del combate” de 1993, basada en las historias de Yukito Kishiro. Tras un período de oscurantismo, el escritor japonés elaboró nueve volúmenes sobre esta protagonista que enfrentará a terribles hombres-máquinas o robots gigantescos. Nada que no hayamos visto en “Transformers”. Y en alguna otra película en la que los humanos se convierten en robots (cabezas unidas por músculos de acero a cuerpos monstruosamente grandes). Es aquí donde la historia de “Alita” y su mentor “Ido” pierde fuerza: se torna en un “dejá vú”  insoportable de decapitaciones, gritos, mutilaciones y “gore” que no aportan nada a la historia de la jovencita que redescubre el mundo.

Ciertamente hay algo de “Frankestein” en “Ido”, la búsqueda de cabezas a la noche o de cuerpos descartados para su laboratorio donde una asistente afroamericana lo ayuda sin emitir una sola palabra durante las dos horas de narración. En definitiva, hay derroche de tecnología computarizada, luchas a todo o nada y una idea de guion que quedó en eso, idea más que desarrollo de la misma.

Elsa Bragato

 

ANTONIO GIL

Documental de Lía Dansker. Duración: 83 minutos.

XXXXX-MITO QUE SE RENUEVA

Lía Lansker toma la veneración del Gauchito Gil –Antonio Gil Núñez- para realizar un documental atípico: se vale de las voces en off de los lugareños que recuerdan datos de la tradición sobre cómo murió. “Lo colgaron de un árbol como a un animal”, dice alguien, o “era un gurí inquieto”. Sobre él hay varias historias que la gente no toma en cuenta: que era un cuatrero que robaba a los ricos, que fue desertor del ejército por lo que fue degollado o bien que una tal Anahí, hija de un poderoso estanciero, se enamoró de él provocando la venganza de otros hombres del lugar. Como fuere, se recuerda que su verdugo rezó al gauchito y su hijo se sanó. Fue asesinado el 8 de enero de 1878, está enterrado en el cementerio de Mercedes, Corrientes, donde había nacido.

La forma del documental es diferente: la cámara está en un travelling que va hacia adelante o hacia atrás, tomando paisajes agrestes de extrema pobreza hasta llegar a otros civilizados, enfocando la cuadrilla de gauchos sobre caballos que van hacia el altar del Gauchito, o bien recorriendo los rostros de quienes van a rendirle culto.

Sin muchos datos, el documental de Lía Dansker reflota un mito que tiene millones de seguidores en el país, en Chile, en el Uruguay, gente que concurre cada mes de enero a rendirle tributo al Santo no canonizado que les cumple sus pedidos. Interesante propuesta sin ser profunda o exhaustiva con atrapante manejo de cámara.

Elsa Bragato

 

JUEVES 7 DE FEBRERO DEL 2019.-

Llegan estrenos varios que incluyen a La Favorita, la gran competidora de �Roma� en los premios Oscar, este primer jueves de febrero a los cines nacionales.

 

1.- ESCAPE ROOM, SIN SALIDA, de Adam Robitel. Seis personas son convocadas a participar de�un escape y quien lo logre ganara un millon de dolares.

 

�Tiene detalles de �Tales from the Crypt� y de otras mas antiguas y mejores, el problema es que nunca alcanza el nivel de estas, y su parte final es aburrida y demasiado formal�, de Glenn Kenny, The New York Time.

 

�Veras peliculas peores este 2019. Lo mejor que se puede decir de ella es que no pasas las dos horas buscando la salida�, de David Fear, The Rolling Stones.

 

 

2.- LA GRAN AVENTURA LEGO 2, de Mitchell y Gum. Emmet, Lucy y Batman enfrentan a enemigos del exterior. La lucha los llevara a mundos muy lejanos donde todo es musical.

 

�Una tormenta incesante de gags, tremendamente original y que no deja ni un segundo de sorprendernos�, de Peter Bradshaw, The Guardian.

 

�Pese a lo entretenida que resulta, hay algo que echamos de menos: la loca creatividad de la original. Todo sigue siendo impresionante, solo que un poco menos�, de Chris Nashawaty, Entertainment Weekly.

 

Tambien se estrenan 3.-La nostalgia del centauro, documental de Nicolas Torchinsky sobre un matrimonio de ancianos provenientes de los cerros tucumanos, y 4.-El tio”, film de Maria Eugenia Sueiro, que fuese anunciado a mitad del 2018, oportunidad en la que se lo comento.

 

LA FAVORITA

 

De Yorgos Lanthimos. Con Olivia Colman, Emma Stone, Rachel Weisz, Nicholas Hoult, Joe Alwyn, James Smith, entre otros. Música del Renacimiento y barroco, desde Bach hasta Vivaldi, con la inclusión en el final de Elton John y su versión para clavecín de “Skyline pidgeon”. Fotografía de Robbie Tyan. Duración: 121 minutos.

 

XXXXX- HISTORIA OSCURA DE UNA REINA

“La favorita”, nuevo film del destacado griego Yorgos Lanthimos, el mismo de “El sacrificio del ciervo sagrado” y “Langosta”, es profundamente retorcido y extravagante, aunque tiene aciertos destacados en la trilogía protagónica y en la fotografía. Es decir, hay una forma que atrapa, tomas americanas oblicuas y ojo de pescado que se reiteran como esquema a lo largo de 8 capítulos, junto a una subyugante reconstrucción de época que incluye una estupenda banda sonora.

El fondo es traer a la pantalla la historia de Anna Reina de Inglaterra, Irlanda y Escocia, la última de los Estuardo, que tuvo 17 hijos, ninguno de los que llegó a adulto. En plena guerra con Francia, enfrenta la soledad del trono porque su marido está en combate. La secundan lady Sara Churchill, esposa del duque de Marlborough, y la joven Abigail, que dice ser su prima pero caída en desgracia, por lo que pretende reconquistar su status aristocrático: tres mujeres, 17 conejos que reemplazan a los 17 hijos fallecidos, y una reina que come descontroladamente encontrando solaz sexual en su confidente Sara (Emma Stone, irreconocible) y en la novata Abigail (Rachel Weisz).

Con un matiz de burla desacralizante, Yorgos Lanthimos profundiza en las relaciones procaces de la reina Anna, enferma crónica de gota, que encarna la laureada actriz Olivia Colman. Desgreñada, grosera, Anna es un esperpento que solo seduce por su poder omnímodo. El trío de actrices se mueve a la perfección, como piezas de un reloj que encajan en el preciso momento. Y en esto reside el mayor logro del realizador griego que ha recibido 10 nominaciones por esta película. Colman asombra por la ductilidad de su cara mientras que Emma Stone seduce desde la prepotencia y Rachel Weisz asombra por su hierática belleza.

A estas alturas hay que plantearse si al público le puede atraer la biografía parcial de una reina británica enmarcada en una narración con especulación visual, matanza de animales, y groserías puntillosas, aunque las califiquemos de “sarcasmos”.

De lo que no quedan dudas es de la inteligencia de Lanthimos para manipular, retorcer, exprimir, una historia: luego de esta “favorita” no habrá quién se le atreva a Anna Estuardo con su decadente reinado. Manejándose con arquetipos de “story board” conforma una apuesta que entra por los ojos y no por su historia desangelada. Advertido el espectador, llama la atención que en Hollywood seduzca más la biopic de un monarca europeo que las surgidas de su propia tierra.

Elsa Bragato

 

LADRILLOS CAPITALES

TRAILER

https://youtu.be/XzlefL3xZY8

 

Documental de Gustavo Laskier sobre la villa Rodrigo Bueno. Duración: 71 minutos.

XXXXX-BARRIOS DE PIE

Gustavo Laskier rescata con este documental la lucha de los vecinos de la villa Rodrigo Bueno, que surgió en los 80 al lado de la Reserva Ecológica de la Costanera Sur. Allí hay más de 1000 familias que tuvieron en su vocero, el vecino peruano Luis Espinosa, al delegado que los convocó y permitió que se accedieran a reuniones con diferentes representantes incluso del gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Las familias, muchas provenientes del Paraguay y del Perú, enfrentaban hace 13 años, tal vez un poco más, el desalojo por estar ocupando una de las zonas más costosas de Buenos Aires. Alzaron la voz durante mucho tiempo hasta que las autoridades cambiaron de actitud y comenzó a hablarse de “urbanización”, incluyendo créditos blandos a los que se supone que los vecinos podrán acceder.

Las obras comenzaron, las máquinas alisaron vastos terrenos donde se colocarán los pilotes, los fundamentos de los futuros edificios que albergarán a más de 600 familias.

Se trata de un documental interesante que muestra una circunstancia diferente entre los habitantes porteños, desde los que pueden acceder a viviendas dignas en diferentes barrios hasta los que hoy deben vivir en asentamientos carentes de los servicios elementales. El documento de Laskier muestra cómo se puede cambiar una realidad distópica con legisladores que escuchan los reclamos de los ciudadanos a los que representan.

Elsa Bragato

 

MOCHA

TRAILER

https://youtu.be/TX4PMIIPoqY

 

Documental colectivo realizado por los alumnos del bachillerato trans “Mocha Celis”, ubicado en el barrio de Chacarita. Lo dirigieron Francisco Quiñones Cuartas y el franco libanés Rayan Hindi. Duración: 71 minutos.

XXXXX- NO A LA EXCLUSIÓN

A través de diversos alumnos-alumnas que asisten al bachillerato trans “Mocha”, del barrio de Chacarita, se logra este documental colectivo sobre la integración. Los travestis cuentan sus historias y el enorme beneficio de estudiar el bachillerato en un lugar donde no son mal vistos ni excluidos y obtener el título que les abre puertas.

Mocha Celis fue una travesti tucumana asesinada en los 90 por la policía. Desde entonces, la lucha se acrecentó incluyendo las marchas que se realizan una vez por año y los reclamos insistentes a las autoridades sobre los derechos que los asisten.

La Argentina es, en verdad, una abanderada en materia de derechos para los trans, incluyendo la creación de este bachillerato que es único en el mundo. Un gran paso de nuestra sociedad hacia la integración absoluta que aún no se da. El documental se estrena en el Malba, fuera del circuito considerado comercial.

Elsa Bragato

 

FIESTA NIBIRU

TRAILER

https://youtu.be/FMrW_pJ6vu4

 

De Manuel Facal. Con Carla Quevedo y Verónica Dobrich entre otros. Fotografía de Benjamín Silva. Duración: 89 minutos. Coproducción Argentina-Uruguay.

 

XXXXX-BURDA PIJAMADA

Como el título lo indica, deberíamos estar frente a una “fiesta”. En cambio, asistimos a una historia que intenta ser “Her”, memorable film, para terminar siendo un ensayo tonto y burdo que no debería llegar a las salas. Dos jóvenes se comunican via internet con amigos lejanos, Austria, Estados Unidos, hablan en inglés y sueñan con la gran pijamada. De a poco, irán llegando invitados cada vez más extraños y la ingenuidad prepotente inicial se transformará en una mueca.

La búsqueda de lo “noir” sin tener suficientes recursos queda en la nada. La falta de generación de climas y los diálogos paupérrimos hacen de esta “fiesta nibiru” un fracaso absurdo. Los ensayos hay que dejarlos para la hora del videojuego en el living de casa.

Elsa Bragato

 

JUEVES 31 DE ENERO DEL 2019.-

Producciones internacionales y nacionales llegan a las pantallas de nuestros cines. Terror, amistad, animación, vidas ejemplares, distintos tópicos en diversos formatos.

1.-“Como entrenar a tu dragón 3” es la tercera entrega de este dibujo animado de Dreamworks, con más aventuras de este animalito al que hay que salvar del malvado de turno. “Hipo” y “Chimuelo” son los protagónicos de la saga animada, versión libre de los libros de la inglesa Cressida Cowell. Jay Baruchel, como en el 2010, sigue siendo la voz de Hipo, manteniéndose uno de los dos directores originales (Dean Debois) y el compositor de la banda sonora, John Powell.

2.-“Anoche”, de Paula Manzone y Nicanor Loreti. Con Gimena Accardi, Benjamín Rojas, Valeria Lois. Comedia romántica juvenil.

3.- “Un cine en concreto”, documental de Luz Ruciello. Valioso retrato de vida del albañil Omar José Bonard, entrerriano, quien encuentra en el cine una poderosa tabla de salvación y comparte este sentimiento con los habitantes de su pueblo a través de su propia “sala”, construida durante cuatro años por sus propias manos. Promueve el cine a través de su programa radial y hasta selecciona las películas a exhibir. Un héroe cotidiano que ayuda a soñar. Algo así como el “cinema paradiso” argentino.

 

AMIGOS POR SIEMPRE

Dirección: Neil Burger. Con Bryan Cranston, Kevin Hart, Nicole Kidman, entre otros. Fotografía: Stuart Dryburgh. Música: Rob Simonson. Duración: 126 minutos.

XXXXX-TERCERA VERSIÓN DE UN ÉXITO

Versión norteamericana basada en una historia verdadera, la del aristócrata Philippe Pozzo di Borgo quien, en un grave accidente de parapente ocurrido en 1993 quedó tetrapléjico. Cuenta la entrañable amistad que mantuvo con un inmigrante con antecedentes penales que trabajara como su asistente personal.

Se trata de la segunda remake del film francés “Intocable”, de 2011 interpretada por Francois Cluzet y Omar Sy (fue la segunda película francesa más exitosa de todos los tiempos con 19 millones espectadores). A ésta la siguió la película nacional, que protagonizaron Oscar Martínez y Rodríguez De la Serna, en una excelente versión que también logró buena taquilla.

Finalmente, llega este film norteamericano con las actuaciones de Bryan Cranston, Kevin Hart y Nicole Kidman. Tiene una marcada impronta hollywoodense, potente y explosiva, grandilocuente, filmada en una Nueva York deslumbrante. Todo está magnificado, contado desde el lugar de la opulencia. Se establece un duelo actoral estupendo entre Cranston, que solo se expresa con gestos, y Hart, aclamado comediante actual. Nicole Kidman cierra esta trilogía protagónica de notables, sobria, dueña de una subyugante presencia. Destacamos la secuencia del “parapente”, revancha del destino para Philippe Pozzo di Borgo, donde juegan el vértigo panorámico y la belleza de la locación. Sin duda alguna, hubo excelente presupuesto, muy bien aprovechado. Gratifica!

Carlos Pierre

 

BEAUTIFUL BOY

Dirección: Felix van Groeningen. Con Steve Carell, Timothée Chalamet, Maura Tierney , Amy Ryan, Timothy Hutton, entre otros. Cinematografía: Ruben Impens. Duración: 120 minutos.

XXXXX-DRAMA CON MENSAJE SANADOR

El realizador belga Felix van Groeningen se conmovió con las memorias de David y Nick Sheff, quienes escribieron sendos libros sobre el derrotero dramático que padre e hijo, respectivamente, tuvieron para superar la drogadicción. En la vida real, como en esta ficción, David (Steve Carell) jamás abandonó a su hijo, quien comenzó con drogas blandas hasta caer en las duras. Se trató de un afamado escritor norteamericano de la revista Rolling Stone y del diario New York Times, quien supo relacionarse con John Lennon y Yojo Ono, Steve Jobs, Tom Hanks, Carl Sagan, entre otros artistas, logrando una excelente posición económica y mucho prestigio. El caso de su hijo, Nick, le permitió desarrollar el problema endémico de la drogadicción en el mundo en artículos que fueron muy resonantes. Vivió su odisea emocional, paternal, interiorizándose de las motivaciones y características de la drogadicción y de las diversas circunstancias que llevan a este flagelo.

Es un profundo duelo actoral que atraviesa diversos sentimientos, desde el afecto hasta el dolor, entre padre e hijo a través de los años. Steve Carell y Timothée Chalamet (la revelación de “Llámame por tu nombre”) logran una comunicación actoral que conmueve aunque pueda llegar a lo previsible y lo ramplón en alguna secuencia. Es un alegato valiente que puede ayudar, mostrando el camino de muerte que un joven inicia a partir de la droga y la aflicción de una familia, o de un padre como en este caso, para sacarlo de ese oscuro pozo terminal.

                                                                    Carlos Pierre

 

SUSPIRIA

Dirección: Luca Guadagnino. Con Dakota Johnson, Tilda Swinton, Cloé Grace Moretz, Mia Goth, Jessica Harper, Sylvie Testud, entre otros. Fotografía: Sayambhu Mukdeeprom. Música: Thom Yorke. Duración: 152 minutos. Italia-Estados Unidos.

XXXXX-CUANDO “MÁS” ES “MENOS”

Remake de la película italiana del mismo nombre, dirigida por Darío Argento en 1977, a su vez parcialmente basada en el ensayo de Thomas De Quincey de 1845, Suspiria de Profundis (Suspiros desde las profundidades). Es la primera de la trilogía que Argento denomina Las tres madres, que comprendió Inferno (1980) y The Mother of Tears (2007). De las tres, Suspiria se convirtió en un film de culto por su propuesta visual y el estilo cinematográfico que Argento le otorgó. En este caso, Luca Guadagnino realizó la versión contando con el avance tecnológico que logró el cine en las últimas décadas. Elaboró una atmósfera de alucinación, muy provocativa, impregnada de brujería, con referencias a la fe y a la política en mayor medida que el original. La fotografía de Sayambhu Mukdeeprom es escalofriante e impactante al lograr una cohesión de las escenas de terror de gran potencia gore. Con respecto al film original, hay algunos cambios, como el nombre de la protagonista, a cargo de Dakota Johnson (la joven actriz forma parte de propuestas innovadoras que no siempre tienen aceptación), quien viaja a Berlín para cursar danzas en una afamada escuela que dirige Madame Blanc (Tilda Swinton). El asesinato de una ex alumna la lleva a dudar del entorno y de la escuela misma, poniendo en tela de juicio lo que ve y vive. Es un típico “giallo” de Dario Argento quien, sin embargo, no quedó conforme con esta remake al considerar que el espíritu narrativo no fue el mismo que tuvo su film. Para los jóvenes es un acercamiento inmediato al nombre de un director como Argento y el conocimiento de otro como Guadagnino, quien viene de realizar la exitosa “Llámame por tu nombre” (a su protagonista lo tenemos en el film “Beattiful boy”). Audacia y calidad cinematográfica resumen este producto del italiano. Varios minutos menos le habrían venido muy bien. Recomendada para fans del terror.

                                                                        Carlos Pierre

 

LOS ÚLTIMOS ROMÁNTICOS

Guion y dirección: Gabriel Drak. Fotografía: Raúl Etcheverry. Música: Gustavo Pomeranec. Duración:100 minutos. Con Juan Minujín, Néstor Guzzini, Vanesa González, Adrián Navarro, Ricardo Couto, Ernesto Liotti, entre otros. Coproducción Argentina-Uruguay.

XXXXX-BUEN GUION, ESCASA PRODUCCIÓN

Dos grandes amigos que viven en una pequeña ciudad costera, en el departamento de Canelones, Uruguay, son poco afectos al trabajo, una especie de “últimos románticos” o bohemios que, en verdad, no tienen relación alguna con el Romanticismo y sí, en cambio, con el de las “avivadas rioplatenses”. En una pequeña localidad con escasos habitantes encuentran un hotel deshabitado que ponen a disposición de ancianos europeos cuyo sueño es pasar la vejez rodeados de hermosos paisajes. La llegada del comisario lugareño los pondrá en situaciones difíciles. Juan Minujin encarna al protagonista, un vago de aquéllos quien, junto a un amigo, ven cómo sus sueños se van desmoronando como fichas de dominó. El guion es ingenioso, así como de gran solvencia la actuación de Juan Minujin, logrando una superlativa composición de un indolente. La producción es demasiado escasa de recursos y en esto radican los aciertos y desaciertos narrativos, sumándose la inclusión de una música incidental estridente.

                                                                     Carlos Pierre

 

JUEVES 24 DE ENERO DEL 2019.-

Buenas películas llegan esta semana a los cines. Se incluyen curiosidades como los cómics “La muerte de Superman” y “El reino de los Supermanes”, producciones de Warner Bros, que se exhibirán hasta el martes 29 próximo. También se reestrena “La lista de Schindler”, de Steven Spielberg, con Liam Neeson, a 25 años de su estreno, una obra maestra en blanco y negro sobre el industrial alemán Oskar Schindler, quien salvó a miles de judíos del Holocausto.  “No mires”, de Assaf Bernstein, es el film de terror de la semana, sobre una adolescente que encuentra en su imagen en el reflejo a su “alter ego” malvado.

 

EL REGRESO DE MARY POPPINS

Dirigida por Rob Marshall. Guion de David Magee. Historia para la pantalla de Magee, Marshall y John Deluca, basada en las historias de Mary Poppins de P. L. Travers. Con Emily Blunt, Lin-Manuel Miranda, Ben Whishaw, Emily Mortimer, Julie Walters, Pixie Davies, Nathanael Saleh, Colin Firth, Meryl Streep, entre otros. Música original de Marc Shaiman y canciones nuevas con música de Shaiman y letra de Scott Wittman y Shaiman. Duración:130 minutos.

XXXXX-RESPETUOSA SECUELA

Los Estudios Disney lograron dar una vuelta de tuerca a la tradicional historia de Mary Poppins logrando esta nueva historia, Mary Poppins regresa: el tiempo pasó para los personajes y Mary Poppins se apresta a ayudar a la nueva generación de la familia Banks a fin de que recupere la alegría. Plena  década del 30, Londres está en plena Gran Depresión, el dinero es escaso y el futuro se presenta incierto. El hermano mayor, Michael (Ben Whishaw), toma las riendas de la casa, mantiene a la familia trabajando en el mismo banco que lo hicieron su abuelo y su padre, bajo la directiva de William Weatherall (Colin Firth), quien esconde sus objetivos. Quedó viudo con tres pequeños hijos, bulliciosos e inquietos. La hermana mayor, Jane (Emily Mortimer), se ocupa de los derechos de los trabajadores continuando el camino de su madre. Ellen (Julie Walters) es el ama de llaves que no perdió su bien intencionada ineficiencia.

La llegada de Mary Poppins (Emily Blunt), la niñera con habilidades mágicas, cambiará la situación con su capacidad para convertir las tareas rutinarias en aventuras singulares: no envejeció y quiere ayudar a la nueva generación de los Banks. Su viejo amigo Jack (Lin-Manuel Miranda), el encantador y optimista farolero, la secundará en sus aventuras con los pequeños de la casa.

Excéntrica y con un acento difícil de rastrear, Topsy (Meryl Streep) ilumina de excelencia la única escena en la que interviene: es la prima de Mary Poppins, dirige una tienda de reparaciones que, curiosamente, queda patas para arriba el “segundo miércoles” de cada mes.

En esta superproducción, el rol de Dawes Jr, que interpretó Dick Van Dyke (hoy de gloriosos y lúcidos 91 años), tiene escasa relevancia, prácticamente no interactúa. Como corresponde a Hollywood, los efectos especiales tienen una notable realización: desde el fondo del mar hasta los vuelos, el film deslumbra con su fotografía. La música y canciones son, en cambio, el punto débil en relación con la primera entrega. Las instrumentaciones tienen excelente factura, la música incidental es perfecta como tal, pero no hay canciones nuevas que atrapen, salvo “The place where lost things go”, nominada a los Oscars. Con sus más y sus menos, esta secuela de “Mary Poppins” (1964) es una producción digna, disfrutable, con más tecnología y menos emoción.

Carlos Pierre

 

 

EL VICEPRESIDENTE

Dirección: Adam McKay. Con Christian Bale, Steve Carell, Amy Adams, Sam Rockwell, entre otros. Director de fotografía: Greig Fraser. Maquillaje: Greg Cannom. Música: Nicholas Britell. Duración: 132 minutos.        

XXXXX-EL “BRUJO” NORTEAMERICANO

“El vicepresidente”, del realizador Adam McKay, es un retrato audaz e irónico de Dick Cheney, el vicepresidente de George H. W. Bush. En tono de comedia, el film desnuda el otro lado del retrato de Cheney (Christian Bale), un hombre oscuro y calculador, un real “monje negro”, que manejó los destinos del país más poderoso del planeta. Nacido en Wyoming, comenzó una travesía siniestra y silenciosa hasta convertirse en el vicepresidente de Bush Jr; tenía una ilimitada sed de poder y cumplió con su propio plan de empoderamiento sagaz y sigiloso a lo largo de 50 años y a través de diversas administraciones políticas del país del Norte.

Con detalles minuciosos, se asiste al desarrollo de un hombre temible que tuvo en Donald Rumsfeld (Steve Carell) a su mentor y en su mujer (Amy Adams) a una influyente y bella compañera que lo alentó en su ambición. Curiosamente, su salud no lo ayudó, sufriendo varias dolencias cardíacas que no lo apartaron del camino trazado en su juventud. El presidente entonces George Bush está encarnado por Sam Rockwell, dubitativo y débil, en las garras de su “vice”. Son cuatro personajes interrelacionados fuertemente en un período político de los Estados Unidos que influyó en los últimos 30 años de la historia del mundo.

Por detrás de esta atrapante narración está el cómo se realizó: en tan solo 54 días de filmación tuvieron que mostrarse cinco décadas de historia y numerosas locaciones. Fue un motivo desesperanzador para Adam McKay que lo resolvió con la inclusión de archivos fílmicos y la filmación en el Sur de California, donde logró ubicar a un reparto de 150 personajes en diferentes secuencias. Las tareas de maquillaje y de edición fueron titánicas. Basta con verse el cambio físico de Christian Bale, quien viene arrasando con los premios al mejor actor 2018. Gran comedia política que revela una vida oscura y poderosa en cuyas manos no solo estuvo el ex presidente Bush sino el mundo entero. Y enorme audacia de Hollywood donde la libertad de expresión en materia de historias es un hecho incontrastable.

Carlos Pierre

 

 

SOMOS UNA FAMILIA

De Hirokazu Koreeda. Con Kirin Kiki, Sosuke Ikematsu, Lily Franky, Moemí Katayama, entre otros. Guión de Hirokazu Koree.eda, Música de Haruomi Hosono, Fotografía de Ryuto Kondó. Duración: 121 minutos. Nominada a los premios Oscar 2019 como Mejor Película Extranjera.

XXXXX-CONMOVEDOR RELATO SOCIAL

A través de una familia ensamblada de oscuro nacimiento, Hirokazu Koreeda resume muchos de sus postulados fílmicos (recientemente vimos “Nuestra hermana menor”): la marginalidad que su país esconde, la profunda necesidad de amar y ser amado, la pobreza, la miserabilidad, la prostitución infantil. Se valió de una de sus actrices fetiches, la memorable Kirin Kiki fallecida hace más de un año, como la abuela que asume ese rol dentro de una rara pareja, a cargo de su nieta y de dos pequeños. Uno de ellos es el hijastro de Osamu, quien le enseña lo único que sabe: robar en los shoppings.

La otra es una pequeña que puede morir de frío en las noches niponas, echada a la calle por su madre. Osamu la lleva a su casucha donde, entre rezongos, la pequeña es admitida como un miembro más, escondiéndose el hallazgo a las autoridades.

El relato de Koreeda es profundamente escabroso por las historias que sus personajes esconden y que solo serán descubiertas en un apretado desenlace con un final inesperado y puntual. La delincuencia responde a la pobreza, a la falta de educación y de trabajo, por los que los hechos se “abuenan” ante nuestros ojos. Koreeda demuestra que el profundo amor supera la muerte, el asesinato, el robo, la persecución. Un atinado colega español llamó a la sensación que produce este film como “una sonrisa helada”: todo nos perturba y nos conmueve sin enojarnos, desde el erotismo pueril de la nieta mayor en una casa de citas hasta el robo cotidiano “hormiga” para sobrevivir.Al parecer, es la ceremoniosa sociedad japonesa la que oculta esta otra cara de miserabilidad. Allá tanto como acá. Sin juzgar, ofreciéndoles una redención aceptable, tal vez lo único convencional de esta obra maestra de Hirozaku Koreeda.

Elsa Bragato

 

 

LA JERUSALEM ARGENTINA

De Iván Cherjovsky y Melina Serber. Participan los colonos de Moisés Ville. Investigación de Iván Cherjovsky. Fotografía y cámaras de Sol Miraglia y Camila López Pozner. Editor: Emiliano Serra. Sonido: Andrés Radulovich. Duración: 59 minutos.

XXXXX- RESCATE HISTÓRICO

El documental de Iván Cherjovsky y Melina Serber cumple con el propósito de ambos: rescatar la historia del pueblo Moisés Ville, en la provincia de Santa Fe, tal como lo hacen sus escasos 150 descendientes de los míticos gauchos judíos que arribaron en 1889 provenientes de Ucrania, la entonces Rusia zarista. Fueron más de 800 inmigrantes judíos. Posteriormente se sumaron unos 30.000 más, que pidieron tener un lote para cultivar la tierra y criar ganado. Perseguidos en la Europa Oriental, vinieron a la Argentina que abría sus brazos a todos los hombres de buena voluntad del mundo a partir de su flamante constitución nacional.

Con el tiempo, los jóvenes partieron. Se radicaron en diferentes ciudades de la Argentina e incluso muchos fueron a Israel donde se radicaron. Hoy el 8 por ciento de la población inicial sobrevive en las típicas casas bajas de los pueblos argentinos.

El documental está dedicado  a “Ingue”, sobrenombre de uno de los primeros participantes de esta producción. Otros pobladores que contribuyeron con sus anécdotas son Moisés y Elka Gutman, Claudia Baer, Luis Liebenbuk, Eva Guilbert, David Indelman, entre otros. Son la historia viviente de sus bisabuelos-

Pausado relato que cobra animación a partir de los 40 minutos, donde la cámara recorre las sinagogas, el almacén con productos judaicos como el leicaj, la lectura de la biblia, y las festividades compartidas, hacen de Moisés Ville un pueblo muy singular en sus 125 años de fundación. Fue la primera colonia judía del país, tuvo el primer rabino argentino y la primera sinagoga argentina, surgiendo los primeros gauchos judíos. El documental se cierra con viejas fotografías que ilustran la historia propuesta, sencilla y cansina.

Elsa Bragato

 

JUEVES 17 DE ENERO DEL 2019.-          

Entre los estrenos de esta semana llegan dos figuras que son “celebrities”: nuevamente Nicole Kidmann en un personaje complejo, y el regreso de Sylvester Stallone, con su mítico Rocky Balboa.

 

1.      AMOR SOBRE RUEDAS, Franc Dubosc. Con Franc Dubosc, Alwxandra Demy. Un nato donjuán le hace creer a una bella chica que es lisiado. La realidad trastocará sus planes.

“Tener un personaje tan sinvergüenza y a la vez querible… es un manantial de situaciones con potencial cómico. El guion casi nunca logra esquivar la categoría de previsible”, de Federico Marín Bellón, Diario ABC, España.

 ANÍBAL, JUSTO UNA MUERTE, de Meko  Pura. Documental sobre la vida del ex boxeador Aníbal Disanti, que peleó con Gatica terminando su carrera profesional cuando murió Storti, su contrincante. Ficciones, documentos de época, jalonan esta narración que rescata del olvido a un hombre común que enfrentó a glorias en un ring.

 

 

DESCUBRIENDO A MI HIJO

De Savi Gabizon. Con Shai Avivi, Neta Riskin, Assi Levy, entre otros.  Fotografía de Asaf Sudri. Guión de Savi Gabizon. Duración: 100 minutos.

XXXXX-CONMOVEDOR RELATO DE FAMILIA

Tras varios meses de postergaciones, llega a los cines esta comedia negra sobre una familia disfuncional: la historia de un hombre adinerado que, de pronto, se reencuentra con su novia de la Universidad y descubre que fue padre hace más de 20 años. Planteado este nudo dramático, la narración toma un giro inesperado que lleva a la comedia semipolicial, debiendo enfrentar el protagonista situaciones que lo involucran como “padre ausente” pero, en definitiva, padre.

Surgen así varias ideas sobre la relación padre e hijo que son sabias y conmovedoras, con un tinte dramático que el guionista resuelve por el camino de la comedia grata, la que no pide lágrimas sino sensibilidad. Entretiene y atrapa desde un lugar fuera de lo común. Para ver.

Elsa Bragato

 

 

CREED II

De Steven Caple Jr. Con Michel B. Jordan, Sylvester Stallone, Juel Taylor, Florian Munteanu, Dolph Lundgren. Guion de Sylvester Stallone. Fotografía de Kramer Mirgenthau. Música de Ludwig Goransson. Duración. 130 minutos.

XXXXX-EL REGRESO MÁS ESPERADO

Rocky Balboa regresó con otra historia sólida, luego de “Creed” del 2015: en “Creed II” Sylvester Stallone vuelve a calzarse el traje de uno de sus personajes más queridos, el del entrenador de un joven boxeador, Adonis Johnson, quien ahora deberá enfrentar al hijo del asesino de su padre. Como en los viejos tiempos, hay un pícaro mensaje político: rusos versus norteamericanos. El “challenger” del campeón mundial Johnson es ruso, gigantón torpe, matón en el ring y fuera de él, Viktor Drago. Y un guiño a su propia vida con la inclusión en el rol de “Lumilla”, la malvada madre de su eterno enemigo Drago, de su ex mujer Brigitte Nielsen, tan fantásticamente bella como hace más de 30 años.

En dos partes previsibles pero atrapantes el director Steven Caple Jr encara el guion de Stallone, sin que esto haga mella en la historia propuesta. Rocky continúa con sus conflictos familiares mientras colabora con su ex pupilo en su recuperación dado que Adonis enfrentará una batalla definitoria para su vida.

Caple Jr se toma su tiempo para presentar a Adonis en esta etapa de vida y de relación con Balboa, llegando al climax con las “batallas” en el ring, filmadas con alto vuelo creativo. El tratamiento clásico y la efectiva fotografía se dan la mano para devolvernos a Don Stallone como en sus mejores tiempos. El trabajo del sonido en una excelente postproducción hace saltar de la butaca mientras que la banda sonora de Goransson subraya las secuencias con notable vehemencia devolviendo, en otro guiño, la melodía que hiciera famosa a esta serie con pocos compases que bastan para emocionar. Es la película imperdible de la semana.

(Recordamos que el personaje de Rocky Balboa estuvo presente a lo largo de seis películas: la primera fue “Rocky” en 1976 (ganadora del Oscar), cerrando la serie en el 2006. Recién en el 2015 regresó el personaje con la inolvidable “Creed”).

Elsa Bragato

 

 

DESTRUCCIÓN

De  Karyn Kusama. Guion: Phil Hay, Matt Manfredi. Fotografía: Julie Kirkwood. Con Nicole Kidman, Sebastian Stan, Tatiana Maslany, Toby Kebbell, Scoot McNairy, Bradley Whitford, James Jordan, entre otros. Música: Theodore Shapiro. Duración: 123 minutos.

XXXXX-IMPERDIBLE ACTUACIÓN DE NICOLE KIDMAN

Erin Bell (Nicole Kidman) supo ser policía encubierta dentro de una banda peligrosa del desierto californiano. No fue gratuito: le cobró un precio muy alto con consecuencias fatales en su entorno familiar. Cuando el líder oculto de la banda vuelve a dar señales de vida, Bell – que cree haberse recuperado de aquella tragedia- emprende una cacería y regresa al sucio mundo de la mafia, a pesar de la cicatriz profunda que le dejó. Esta vuelta a la pandilla en un ámbito tan duro puede ser su propia destrucción lastimándola aún más en cuerpo y alma.

Nicole Kidman encara una composición de personaje muy difícil y extrema, que además desfigura su gran belleza: aparece muy delgada, desgreñada, robotizada hacia un objetivo determinado. El guion utiliza estas aptitudes histriónicas de la australiana para oscilar entre el drama personal y el presente. Eric quiere redimir su pasado, eliminar al brutal delincuente aunque en ello pueda perder su propia integridad.

La directora Karyn Kusama reconstruye pasado y presente de Eric, uniéndolos mediante numerosos flashbacks, con importantes destaques de los ojos celestes de Kidman-Eric en los que anida una profunda desesperación por cumplir su objetivo.  Estamos frente a un intenso thriller en el que Nicole Kidman hace gala de estupendas coreografías de lucha y del uso de todo tipo de armas. Jeans, desgarbada, ensimismada, la actriz logra un superlativo trabajo muy lejos de la heroína de extrema belleza. Brilla en el barro, en el paisaje deprimente, distópico, agresivo, en el que su personaje se mueve, méritos más que suficientes para estar nominada a todos los premios de Hollywood. La actuación de esta “celebrity” produce admiración. Otro film imperdible entre los estrenos de esta semana.

                                                                      Carlos Pierre

 

 

FLORIANÓPOLIS

Dirección: Ana Katz. Guion: Ana Katz y Daniel Katz. Con Mercedes Morán, Gustavo Garzón, Marco Ricca, Andrea Beltrao, Joaquín Garzón, Manuela Martínez, entre otros. Duración: 106 minutos. Música: Maximiliano Silveira, Beto Villares, Erico Theobaldo, Arthur de Faría. Coproducción Argentina-Brasil. Idiomas: Español y Portugués.

XXXXX-RETRATO DE LA ARGENTINA PREPOTENTE

Un matrimonio de psicólogos, Lucrecia (Mercedes Morán) y Pedro (Gustavo Garzón), están “técnicamente separados”, así lo definen ellos, desde algunos meses, luego de una relación de años; no obstante, deciden vacacionar juntos en Florianópolis, Brasil, junto a sus hijos adolescentes, Flor y Julián. Es una especie de última aventura o reconciliación, donde deberán enfrentar sus sentimientos y sus pasados.

Por sobre las anécdotas está el humor de la narración con el que Ana Katz retrata las miserias del típico argentino, el de los equívocos idiomáticos que cree salvar con autosuficiencia, aire sobrador y petulante, bien de los 90. Rodea a los personajes de una atmósfera embriagadora, cálida, que les permite aventurarse al máximo.

En la filmografía de Ana Katz hay trazo fino, el que indaga en los sentimientos de los personajes, sin lastimarlos. Muestra también una mirada perspicaz sobre nuestra sociedad en cuyas hendijas están los resortes del temperamento social. Sus historias siempre son convincentes (destacamos en especial “Una novia errante”, enigmática y sólida), aunque en ésta, su quinta película, haya cierta rutina narrativa. Mercedes Morán logró coronarse, sin embargo, como la actriz del cine nacional 2018 mientras que la propia Katz obtuvo un merecido premio de Fipresci. No siempre los espejos nos devuelven la imagen que queremos.

                                                                               Carlos Pierre

 

 

GLASS

Escrita y dirigida por M. Night Shyamalan. Con Bruce Willis, Samuel L. Jackson, James McAvoy, Anya Taylor-Joy, Spencer Treat Clark, Charlayne Woodard, Sara Paulson, entre otros. Música: West Dylan Thordson. Duración: 128 minutos.

XXXXX-TRAVESURA DE RECOPILACIONES

M.Night Shyamalan termina su trilogía de héroes sobrenaturales con “Glass”, este nuevo thriller de terror en el que retoma “El protegido”, del 2000, y “Fragmentado”, del 2016. Bruce Willis regresa como David Dunn y Samuel J. Jackson como Elijah Price o Mr Glass del primer film, mientras que James McAvoy retoma el rol de Kevin Wendell Crumb del segundo. La única sobreviviente de la segunda película que integra el reparto es Anya Taylor- Joy, como Casey Cooke así como se suma Sarah Paulson.

El planteo de Shyamalan parte de la psiquiatría: ¿realmente estos personajes tienen poderes de verdad o bien todo es fruto de sus mentes, deseosas de ser sobrenaturales? Por lo que es posible pensar que los superhéroes podrían existir en la realidad. Es, en definitiva, una arriesgada apuesta del realizador que se atreve a una trilogía oscura y densa, con personajes extraños que dejan muchos interrogantes. Por otra parte, el riesgo de Shyamalan tiene un segundo factor: el paso del tiempo. Desde la primera película hasta la actual pasaron casi dos décadas, que están indicando el surgimiento de nuevas generaciones que pueden no estar al tanto de estos personajes y sus tribulaciones.

El sortilegio de los actores, la superproducción desplegada y el tratamiento narrativo del cómic, sin utilizarlo en forma directa, sacan a flote esta travesura de recopilaciones, cubriendo el objetivo del thriller de terror. De las tres películas de la saga, “Glass” no es lo mejor. Sin embargo, levantamos nuestro pulgar para este realizador que mantiene intacto su pulso creativo.

                                                                        Carlos Pierre

 

JUEVES 10 DE ENERO DEL 2019.-

Solo cuatro estrenos confirmados llegan a las salas de cine de este flamante año. Se destacan dos animaciones.

DRAGON BALL SUPER, BROLY AKA

Fox presenta esta animación japonesa, de Tatsuya Nagamine, que dura 100 minutos. El guión pertenece a Akira Toriyama. Para expertos en “animé”.

“Parece ser la introducción a algo mucho más grande. Es un retrato profundo y significativo sobre un hombre roto por un pasado repleto de abusos”, de Richard Eisenbeis, Anime News Network.

 

SPIDER-MAN, UN NUEVO UNIVERSO

De Bob Persichetti, Peter Ramsey y Rodney Rothman. Guión de Phil Lord y Rodney Rothman. Música de Daniel Pemberton. Edición de Robert Fisher Jr. Con las voces de Nicolas Cage, Shameik Moor, Jake Johnson, entre otras. Duración: 117 minutos.

XXXXX-EXCELENCIA VISUAL EN UN REBOOT SIN GRACIA

Reciente ganadora del Globo de Oro en el rubro Mejor Animación, “Spider-Man, Un nuevo universo” es un dechado de tecnología y una versión que introduce de lleno en el “Spiderverse”), un mundo donde los “spider-man” existen como reales justicieros sociales en varias realidades que, obligan a reboots constantes de la historia.

En este “Spider-verse” están los personajes que acompañan al nuevo Spider-man, un niño afrolatino de 13 años llamado Miles Morales, padre policía “afro”, tío policía y de tenebroso pasado, madre latina: Spider-man Noir, Spider-Cerdo, y múltiples guiños a personajes como los “Minions”, entre otros, que forman parte de la nueva cultura pop. Estos reboots nos alejan del eje de la historia: el malvado mafioso “Wilsin Fisk” es el dueño del “supercolisionador” que destruirá los “mundos”.

La técnica es realmente asombrosa. Los directores toman elementos del cómic como los “globos de texto” transformándolos en rectángulos con textos en castellano. Hay desenfoques muy estudiados o “motion-blur”, así como una utilización de la pantalla con varios wipers o subdivisiones, y un tratamiento especial en el nuevo Spidey, Miles Morales, con un framerate de 12 fotogramas y movimientos por segundo a diferencia del resto de los personajes, según los datos proporcionados por Sony. No dudamos de que esta versión animada del “niño araña” tiene una importancia cinematográfica extrema dado que establece un nuevo mojón en la depuración de la técnica de la animación. Pero, solo la podemos recomendar para quienes sean expertos en el universo de estos personajes y para quienes tengan mucha pero mucha paciencia… De allí nuestra calificación. La técnica no lo es todo.

Elsa Bragato

 

MÁQUINAS MORTALES

De Christian Rivers. Con Hugo Weaving, Hera Hilmar, Robert Sheehan, Jihae, Ronan Raftery, Leila George, Stephen Lang, Sarah Peirse, entre otros. Guión de Peter Jackson, Philippa Boyens, Fran Walsh. Fotografía de Simon Raby. Música de Junkie XL. Duración: 128 minutos. Nueva Zelanda.

XXXXX- DESORDEN DISTÓPICO ATRONADOR

Ensordecedora: así es esta versión del futuro del ser humano según la visión del escritor inglés Philip Reeve en su novela “Máquinas mortales”, que Peter Jackson, ganador del Oscar por la memorable trilogía “El señor de los anillos”, adaptó junto a un pool de guionistas. La banda sonora pergeñada por el eficiente Junkle XL no deja de escucharse en las más de dos horas de narración. batifondo que en nada ayuda a una historia sin emoción alguna, basada en persecuciones, venganzas, traiciones, que se sintetizan en la horrorosa secuencia donde una hija mata a su padre.

La historia se ubica miles de años después de la destrucción de la Humanidad, un período en el que las ciudades se trasladan sobre cintas metálicas a la manera de los “Panzer” alemanes por tierras arrasadas. El malvado de turno es Taddeus (Hugo Weaving), hombre de la elite de Londres, ciudad ahora sobre ruedas, quien tiene un pasado atroz, y una hija muy bella, a cargo de la actriz Leila George, enamorada de un joven universitario de clase muy pobre, Tom (Robert Sheehan). Taddeus, como “comandante” de estos restos de Londres, quiere arrasar a una ciudad más pequeña. Allí está “Hester Shaw”, una muy bella Hera Hilmar, que odia con fundamento a Taddeus.

Una manera de abordar estos relatos es ubicándose en la corriente que les da marco: la Steam-punk. Esto permite que el diseño de arte sea una mezcla extraña de restos de ruedas, puertas, chapas, chimeneas, que forman ciudades sobre ruedas o cintas metálicas a la manera de tanques.

Previsible, el bien triunfa sobre el mal como debe ser, la propuesta es mecánica, sin vuelo, atada a un esquema formal más que a una idea de subsistencia aceptable. Ruidosa, esquemática, con mucha acción, deja gran cansancio auditivo.

(Philip Reeve escribió varias sagas. “Máquinas mortales” es la primera de una tetralogía que continúa con “Predator’s gold”, “Infernal Devices” y “A darkling plain”).

Elsa Bragato

 

A OSCURAS

De Victoria Maya Miranda. Con Esther Goris, Arturo Bonín, Guadalupe Docampo, Alberto Ajaka, entre otros. Guion de Carla Scatarelli. Fotografía de Pablo Parra. Música de Lula Bertoldi. Duración: 83 minutos.

XXXXX- INCOMPRENSIBLE RELATO

“A oscuras” es un título sugestivo que se transforma en la primera película argentina del año en llegar a las salas. Tiene buen elenco, primerísimas figuras como Goris, Bonín, y el joven Ajaka, entre otros. Pero son incomprensibles tanto su guion como el planteo narrativo de la realizadora Victoria Maya Miranda.

Retratar la vida mediocre de varios personajes, con la redención establecida en la secuencia final, no basta para dar la idea de negritud que estos seres enfrentan porque sí, por la vida, o porque son incapaces de planificarse un futuro, se sea joven o mayor de edad.

No sentimos, no vimos, unidad alguna en el clima de oscuridad espiritual que lleva a unos y otros a la droga, la prostitución o el alcohol. Ni tampoco una dirección actoral que contenga la enorme capacidad de figuras como Esther Goris o Arturo Bonín. Frustrante experiencia.

Elsa Bragato

 

Agregamos que también se estrena “50 Chuseck”, de Tamae Garateguy, sin mayor difusión entre los críticos.

 

JUEVES 3 DE ENERO DEL 2019.-

Pocos estrenos en este primer jueves del nuevo año. Hay dos grandes films, por suerte: “Wifi Ralfh” en animación y la última entrega del gran Clint Eastwood, “La mula”. A diferencia de otros años, no hay ningún film nacional.


LA MULA
De Clint Eastwood. Con Clint Eastwood, Bradley Cooper, Alison Eastwood, Michael Peña, Andy García, entre otros. Fotografía de Ives Belanger. Música de Arturo Sandoval. Duración: 116 minutos.

XXXXX- REGRESO DEL GRAN MAESTRO

Pasaron 10 años desde “Gran Torino” donde Clint Eastwood, hoy de 88 años, dirigió y actuó su propio film. Regresa con esa misma postura, la de un hombre al final de su vida que desea enmendar lo que pueda, sin mirar hacia atrás, pero siendo conciente de que hay seres queridos que lo extrañan, que lo necesitan y por los que todavía puede hacer algo.

En “La mula” compone a Earl Stone, basado en el caso real de Leo Sharp, un ex combatiente de Corea que cultivaba lirios y a comienzos del siglo XXI perdió todo por lo que se unió al cartel de Sinaloa para transformarse en el “Abuelo” o “El tata” que traía droga. Su aspecto no permitía dudar de que se trataba solo de un anciano que iba de un lado a otro por razones muy lejanas al narcotráfico. Algo llamó la atención de la DEA que se puso en campaña hasta que lo apresó a los 87 años.

En la película, Earl Stone es ese personaje. Llega tarde al casamiento de su nieta, que es quien lo perdona por sus ausencias y quien lo ama, siendo rechazado por su hija (su propia hija Alison Eastwood en el papel). Su ex mujer no cree en que el viejo Earl. Es allí donde hace contacto con un vendedor de droga que lo conecta directamente con el cartel. Es que el anciano Earl se había “distraído” durante su vida en los lirios, dejando un poco de lado la manutención de la familia. Quiere enmendar tanto abandono y se une al narcotráfico.

Esos largos viajes le sirven para algún desvío emotivo: ver a determinados amigos, saludar a gente que conoce y que ha dejado de ver. Va recomponiendo su urdimbre social al saber que la muerte, por una razón de edad, le pisa los talones.

Los subtemas surgen sin perturbar el hilo central de la narración. No obstante, cobran importancia superlativa en la vida del personaje porque su nuevo “trabajo” quiere reparar los sentimientos de su ex mujer, su hija y su nieta. En planos narrativos que no se superponen sino que suman el gran maestro Eastwood nos cuenta esta historia de manera fluida pero sin sobresaltos. Aún cuando se incluye a la oficina de la DEA que busca a la “mula” conectada con Sinaloa.

Es una de las grandes películas de Clint Eastwood y una de sus mejores actuaciones, plena de sensibilidad. Los elogios quedan cortos ante esta nueva demostración de talento y emotividad del gran actor norteamericano. Eastwood tiene una conciencia muy clara de su edad, de la finitud –tema que campea en el film-, mostrándose como es, un anciano alto y un tanto encorvado, con enorme capacidad para tocarnos el corazón con historias reales narradas desde un profundo sentido existencial.

Elsa Bragato

Agregamos que ésta es la octava película en la que dirige y actúa. Las anteriores fueron Obsesión mortal, El fugitivo Josey Wales, La venganza del muerto, Cazador blanco-corazón negro, Los imperdonables, Los puentes de Madison, Gran Torino y La mula.



1) JEFA POR ACCIDENTE de Peter Segal. Con Jennifer López-

“Las escenas no tienen continuidad (…) Casi todas las crisis se solucionan a través de un montaje con música pop (…) Si hay por ahí algún cinéfilo dadoista, puede que vea en esta película una obra maestra de la ilógica”, de Keith Uhlich, The Hollywood Reporter.

“Tanto la película como López recobran su espíritu cómico cuando permiten que el argumento explore su lado más escapista. Y si te empiezan a aburrir, siempre puedes centrarte en J-Lo”, de Peter Travers, Rolling Stone.



WIFI RALPH

Dirección de Rich Moore y Phil Johnston. Guion de Phil Johnston y Pamela Ribon. Voces de John C. Reilly, Sarah Silverman, Gal Godot, entre otros. Música: Duración:

XXXXX-HERMOSA HISTORIA DE AMISTAD E INFORMÁTICA

Con este film se continúa la historia de Ralph El Demoledor, de 2012, siendo la primera secuela de cine de Walt Disney Animation Studios, a su vez creada por el mismo equipo de guion y dirección de la película original. Luego del ataque de los “Cybugs”, de la venganza de “Turbo”, surge esta historia. Ralph, el chico torpe de los videojuegos, y su mejor amiga Vanellope von Schweetz dejan las comodidades del Arcade (salón de videojuegos) de Litwak para salvar el videojuego de Vanellope, al que se le ha roto una pieza. Esta búsqueda los lleva al nuevo, inexplorado y expansivo mundo de Internet, incluyendo el uso del “wifi”, sitios virtuales que Vanellope adopta, en tanto que Ralph teme perder a su única amiga.

La imperiosa necesidad de este nuevo mundo, la actualización de programas, están tratados con gran acierto del guion a través de personajes como Ralph y Vanellope que son imperfectos, pero muy queribles a pesar de sus fallas. En cuanto a la animación en sí, la historia resulta muy simpática aun cuando nos enfrenta a situaciones complicadas derivadas de internet y su infinita capacidad de información.

Como animación es soberbia incluyendo además un gran mensaje: no solo “Wi Fi Ralph” nos habla del mundo virtual sino que, por sobre ese hilo argumental, subraya el valor de la amistad de dos niños de pueblo que van a la gran ciudad en busca de una solución. Y, a pesar de tantos contratiempos por la informática, se mantendrán unidos. Muy grata historia que divierte y asombra a la vez a chicos y grandes.

Carlos Pierre

PLAZA PARÍS
De Lucía Murat. Con Grace Fasso, el argentino Marco Antonnio Caponi, Joana de Verona, entre otros. Fotografía de Guillermo Nieto. Música de André Abujarra. Duración: 110 minutos.

XXXXX- INTENSO THRILLER SOBRE LA VIOLENCIA

Densa e intensa a la vez, el título “Plaza París” alude a un proyecto mesiánico de transformar Río de Janeiro en una especie de ciudad europea. Lo que queda del mismo, dado que nunca se concretó, se ubica cerca de la ex capital del Brasil.

Lucía Murat, realizadora brasileña de fuste, encara el tema de la violencia social, retratando desde la violencia a la mujer hasta la intraviolencia, desde la violación hasta el crimen. Toma la historia de “Gloria”, encarnada por la dramaturga y actriz Grace Passo, quien vive en una típica favela; a raíz de su brutal pasado, concurre a una psicóloga extranjera, Camila, a cargo de Joana de Verona. Jovencita, la profesional comienza a sentir pánico a medida de que las sesiones avanzan: saber que el hermano de Gloria está en la cárcel por narcotraficante, y que Gloria se debate en una sumisión que no comprende, alteran su personalidad sintiéndose perseguida por los afrobrasileños. Su pánico provoca una represión desmedida de la policía que, ante un hombre de color que se le acerca, tira a matar.

Según Murat, se produce lo que en psicología se denomina “contratransferencia”. Cuando Camila se da cuenta de que Gloria es capaz de reaccionar ante los mandatos de su hermano, quien maneja desde la cárcel a los narcos de la villa, y que sobrelleva con entereza su pasado haciéndole frente a un presente muy duro, entra en pánico Las diferencias de clase se acentúan en este relato tan actual de Lucía Murat, que tiene como eje a dos mujeres, cada una con su propio bagaje de violencia sufrida o transferida. Una es universitaria, la otra una trabajadora. El punto en común son las sesiones hasta que Camila muestra su terror ante una sociedad que no comprende.

Es un film imperdible, un retrato social minucioso que tiene el atractivo de las actuaciones y de la narración que pasa de ser un drama a un acuciante thriller. La acción se va desenvolviendo pausadamente pero en forma inexorable. Como muchos films brasileños, es fuerte y sin cortapisas. Para ver.

Elsa Bragato

JUEVES 27 DE DICIEMBRE DEL 2018.-

 

Llegamos al fin del 2018 sin grandes títulos pero con tres propuestas que sobresalen del resto, y se dejan ver con ganas. Son “Terremoto”, la iraní “Tres rostros” y la francesa “Enamorado de mi mujer”. Los demás estrenos son nacionales, sin mayor difusión entre la crítica especializada, y la tierna “Bumblebee” de la saga Transformers.

 

1)       ONE SHOT, de Sergio Mazza, con Esther Goris.  Drama sobre una mujer transexual de Entre Ríos.

2)       RÍO MEKONG, de Leonel D’Agostino y Laura Ortego. Documental. Sobre la vida de Vanit quien cruzó a nado el río Mekong, escapando de Laos, y está afincado en Chascomús.

 

TRAILER

https://youtu.be/VWdRe5qGDVQ

3)CUANDO BRILLAN LAS ESTRELLAS, de Natalia Hernández, con Gastón Pauls, ficción nacional sobre un amor de la niñez que deja su huella en el espíritu de Lucas.

4)        

5)  BUMBLEBEE, de Travis Knight. Sexta entrega de Transformers.

TRAILER

https://youtu.be/gdKKUFGPySo

“Lo vulgar ha sido reemplazado por una ternura que recuerda a Spielberg”, de Phil Hoad, The Guardian.

“(…) Es realmente buena”, de David Fear. Rolling Stones.

 

TERREMOTO

Dirigido por John Andreas Andersen. Guion de John Kare Raake y Harald Rosenlow-Eeg. Fotografía de John Christian Rosenlund. Con Kristoffer Joner, Ane Dahl Torp, Hang Tran, entre otros. Duración: 106 minutos.

XXXXX-SUSPENSO A LA NORUEGA

Kristoffer Joner vuelve a interpretar al geólogo Kristian Eikjord, personaje de la película “La última ola” que fuera dirigida por Roar Uthaug en 2015, donde había tenido que rescatar a su propia familia.

En esta secuela ha transformado su vida, se ha distanciado de su esposa, de sus dos hijos ya grandes. Aquel suceso le dejó muchas huellas que complicaron su propia vida. Y observa que otro gran terremoto se acerca a la ciudad. La idea de salvar vidas, de la solidaridad social, aflora. La película avanza hacia el thriller, el suspenso de los supertanques: el “héroe” se internará en túneles entre los fiordos, empinados, de picos agudos. Las autoridades no lo escuchan y el peligro se acrecienta. Tiene un objetivo claro: rescatar a sus hijos del macabro dominó que la naturaleza comienza a ejecutar con el derrumbe de los rascacielos como piezas de plástico. Podemos distinguir dos partes bien claras en el film: la primera mitad muestra el intento del geólogo por convencer a su ex mujer y a las autoridades de lo que está por pasar. En la segunda, hay que aferrarse a la butaca porque los altos edificios de Oslo se nos vienen encima. Bien a la noruega, con un tinte gélido pero muy eficaz.

Carlos Pierre

 

ENAMORADO DE MI MUJER

TRAILER

https://youtu.be/626q32iI0ns

Dirigido por Daniel Auteuil. Con Gérard Depardieu, Sandrine Kiberlain, Daniel Auteuil, Adriana Ugarte, entre otros. Guion Florian Zeller (obra: Florian Zeller). Fotografía: Jean-Francois Robin. Música: Thomas Dutronc. Duración: 84 minutos.

XXXXX-MÁS TEATRO QUE CINE

Actor y director de su cuarta película, Daniel Auteuil es el protagonista de esta historia basada en una obra de Florian Zeller, guionista a su vez de la narración. Ambos, Auteuil y Zeller, trabajan juntos en el teatro donde se estrenó la obra del escritor. Como fue un éxito, decidieron trasladarla al cine. El resultado es esta comedia teatral, con pocos personajes y muy previsible. Daniel (Daniel Auteuil) compone a un soñador que, luego de 20 años de casado con la estilizada “Isabelle” (Sandrine Kiberlain), decide organizar una cena de parejas con su amigo Patrick (el macizo y creíble Gérard Depardieu) para que le presente a su novia “Emma” (Adriana Ugarte). Como puede suponerse, “Isabelle” se indigna ante el arrobamiento de su marido por la novia de su amigo.

El quid de esta película pasa por sus planos narrativos: se transforman en dos, uno es el plano real en el que ocurren los hechos, y el otro es el “virtual”, el de los sueños de “Daniel”, donde corretea tras la bella novia de su amigo. Estos dos planos se alternan: pasamos de la reunión de los amigos a la mente febril de “Daniel”, y el resultado no es bueno. Este recurso aletarga la narración. La imaginación del personaje es frondosa, pero no resulta así en la propuesta. Los cuatro actores salvan, en gran medida, por sus respectivas solvencias artísticas al cuarto film de Auteuil del fracaso rotundo.

                                                                     Carlos Pierre

TRES ROSTROS

TRAILER

https://youtu.be/OJ-MXnF8qz0

De Jafar Panahi. Fotografía de Amin Jafari. Con Behnaz Jafari, Jafa Panahi y Marziyeh Rezaei. Duración: 100 minutos.

XXXXX-IMPERDIBLE RETRATO DEL IRÁN PROFUNDO

Jafar Panahi, quien tiene prohibido filmar y está “encarcelado” en Irán desde hace varios años, volvió a ingeniárselas para armar un film que revela, a manera de docu-ficción, la condición de la mujer en la sociedad de su país. Lo acompaña en esta suerte de road movie la actriz Behnaz Jafari. Todos enfrentan las cámaras con sus verdaderos nombres. Panahi, discípulo y asistente de dirección del gran Abbas Kiarostami, opta por un segundo lugar aún siendo el centro de la narración: una joven le hace llegar un video en el que filma con su celular su suicidio porque su familia le prohíbe estudiar actuación. La actriz Jafari y el director Panahi deciden recorrer varias aldeas para encontrar la cueva donde la joven se habría suicidado. Y es en este recorrido por las áridas montañas de Irán donde van encontrándose los tres rostros que se indican en el título: en primer lugar, está la propia actriz Jafari, el presente exitoso de la actuación. Luego está el rostro de la jovencita que dice suicidarse, Marziyeh Rezaei, y el pasado actoral se resume en Shahrzad, madura artista que solo deja filmar su sombra (ningún actor o actriz nacido antes de 1979 puede volver a trabajar). Es en este momento donde Panahi alcanza las secuencias más poéticas: la noche cerrada sobre las áridas montañas y la luz de la casa de la actriz filmada desde la ruta describen el lugar donde la anciana actriz vive.

Cómo pudo filmar Jafar Panahi cuando tiene prohibición de hacerlo durante 20 años (se consideró que una de sus películas era una crítica al gobierno iraní anterior al 2010)? Logró la complicidad de tres pueblos en los que tiene familiares y amigos formalizando un sutil armado narrativo que se constituyó en el mejor guion en el último festival de Cannes. No obstante, Pahani no tomó la cámara, no tuvo personajes ficticios o sea un guion que condicionara la participación de las actrices, y prácticamente no habló, miró lo que ocurría.

Destacamos varios momentos de mucho suspenso por la búsqueda de la cueva donde la joven actriz se habría suicidado, la visita a su familia en medio de un caos familiar y la ausencia de la joven que nadie se explica. La resolución aparece sorpresivamente, como ocurre en los mejores cuentos, en secuencias tragicómicas que muestran el genio de Panahi. Las tres últimas realizaciones son fruto de una creatividad enorme, habida cuenta la cárcel domiciliaria que el director iraní padece: “Esto no es una película” y “Taxi Teherán”; que ganó el Oso de Oro del Festival de Berlín. Vale la pena recordarlas a ambas; una, filmada totalmente en su departamento iraní, y la otra, manejando un taxi en la capital de Irán. Ahora recorre tres pueblos mostrándonos el maltrato a las mujeres a través de un retrato costumbrista en la que Panahi es tan solo… el “chofer” de una camioneta. Imperdible para todo aquel que ame el cine.

Elsa Bragato

 

JUEVES 20 DE DICIEMBRE DEL 2018.-

Varios estrenos nacionales llegan al cine este jueves, penúltimo de este año. Aún nos faltan conocer las películas postuladas para los Oscars, si bien los elegidos se sabrán el próximo 24 de enero del 2019. Este jueves no hay “superestrenos”. Las distribuidoras lanzan el material que les ha quedado en el estante al circuito comercial.

 

NO TE PREOCUPES, NO IRÁ LEJOS

Escrita y dirigida por Gus Van Sant. Con Joaquín Phoenix, Rooney Mara, Jonah Hill, Jack Black, Beth Ditto, Kim Gordon, entre otros. Dirección de fotografía: Christopher Blauvelt. Montaje: David Marks y Gus Van Sant. Música: Danny Elfman. Duración: 113 minutos.

XXXXX- BUEN TRÍO: VAN SANT-PHOENIX-MARA

Basado en la historia real de John Callahan, el realizador Gus Van Sant hizo una adaptación de la biografía de este caricaturista famoso fallecido a temprana edad en el 2010 luego de una cirugía. Para Van Sant fue un desafío, luego de varios años de no aparecer en la pantalla grande, el tomar una historia que camina por la comedia con sarcasmo, habilidad y toques de cierto dramatismo encubierto. Es una historia de redención, de intento de superación, de conmiseración, y de arte a partir de los dibujos del protagonista. Tuvo en Joaquín Phoenix al enorme protagonista que salvó al guion de cualquier altibajo profundo. Rooney Mara, pareja del actor en la vida real, lo acompaña en este film (lo hizo en otros como “María Magdalena”) con su encantadora figura en contadas escenas.

Magnético Joaquín Phoenix en su rol de Callahan: con notable performance da vida a este alcohólico quien, en una noche etílica junto a su compinche de juerga (Jonah Hill), sufre un terrible accidente automovilístico que lo deja cuadripléjico en una silla de ruedas. El alcoholismo lo lleva a rehabilitación, de la que sale con el propósito de no beber más muy a regañadientes. Así conoce a una bella azafata que interpreta Rooney Mara. Cuando los vuelos de ésta se lo permiten, viven una linda amistad, un amor intermitente. Estando aún en la clínica, John descubre su don de dibujar caricaturas corrosivas que le permiten comunicarse con el entorno, y esa virtud nacida allí, en una cama de hospital, le abre inesperadamente una fama internacional, teniendo una segunda oportunidad en la vida. Esta historia de vida y la calidad de los protagonistas le devuelven a Gus Van Sant la posibilidad de trabajar un guion interesante jugado por dos notables intérpretes en los roles protagónicos. Aunque Joaquín Phoenix quiso dejar la actuación, ésta pudo más que su temperamento “off Hollywood” para suerte de los cinéfilos.

Carlos Pierre

 

 

CHACO

De Juan Fernández Gebauer, Ignacio Ragone, Ulises de la Orden. Documental sobre El Gran Chaco. Argentina.

XXXXX-MÁS DE CIEN AÑOS DE HUMILLACIONES

Que se ocupen de los aborígenes que pueblan la Argentina es uno de los fines más loables que todo documentalista nacional puede tener. En este caso, Fernández Gebauer, Ragone y De la Orden, un trío que interpreta de la mejor manera posible el hostigamiento, la vejación y la violación de los derechos humanos a los que siguen sometidos las comunidades wichi, qom, napalquí y noqoí además de castellano A través de los más ancianos de cada comunidad (Israel Alegre, chamán buscador de justicia; Valentín Suárez, cazador, docente y cacique de ocho comunidades, en moto recorre el territorio de sus hermanos; Juan Chico y Laureano Segovia, historiadores, graban relatos de los ancianos; Félix Díaz, referente mundial de la defensa de los derechos indígenas), incluyendo a don Pedro Balquinta de 104 años, un noqoí que logró sobrevivir a la brutal represión de 1924 junto a su madre, se reconstruye parcialmente la historia no escrita de estas comunidades que viven en casas de madera, con pisos de tierra, de la caza y de la pesca, sin agua, sin luz corriente, sin medicina salvo la natural que conocen ancestralmente. Tienen estrecha relación con la naturaleza, a la que respetan porque de ella viven, de sus peces, de sus animales. La cuidan, la protegen, le rezan.

Desde la llegada del hombre blanco, ignorados y vejados. Hasta prácticamente nuestros días. Los gendarmes policiales hacen “razias” que dejan brutales secuelas. Por la muerte de un uniformado, avanzaron sobre los rancheríos, vejando a las mujeres, destruyendo todo a su paso. La última gran refriega fue el 16 de agosto del 2002, cuando mataron a 90 indígenas, sin distinción de edad ni sexo. El buen trato solo ocurre en tiempos electorales. Luego vienen las represiones y los delitos que son de lesa humanidad, por lo que no prescriben. Sin embargo, nadie ha tomado debida cuenta de ello.

La narración es muy interesante por el valor de los testimonios, de los que surge la ausencia del estado nacional en los cuidados mínimos de sus habitantes. Aun así, sin papeles ni documentos, están sus cementerios donde descansan los antepasados, los abuelos, los padres, que muestran que allí vivieron y viven estas comunidades. El surgimiento de los líderes, la decisión de un grupo de indígenas preparados para enfrentar a la burocracia “blanca”, les otorga una dimensión social que ya no se puede desoír. Son nuestros aborígenes, esperando ser integrados a la sociedad argentina que, por constitución nacional, ha determinado el respeto de todos aquellos que habiten nuestro suelo. En la realidad, no se da. Y van casi dos siglos.

Elsa Bragato

 

 

1.- LA SIRENA, film ruso. De Svyntoslav Podyaevskiy.

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https://youtu.be/1uBWA1PVyEo

“Si eres fanático de las películas de terror, no te pierdas La Sirena, un estreno que llega directamente desde Rusia”, de Lya Rosén, www.finde.latercera.com , Chile.

“Trae una propuesta diferente de cine de terror porque se preocupa mucho de que la historia sea razonablemente verosímil y que los personajes sean medianamente coherentes”, de Adriana Villamizar, www.hojasmágicas.cl, Chile.

 

 

2.- 5ta A FONDO (TAXI 5), de Franck Gustambide. Francia.

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https://youtu.be/Itlc7gR7vuA

“El director no sabe cómo hacer una película… Comparada con ésta, las otras películas parecen hechas por Billy Wilder en la cumbre de su carrera”, de Jordan Mintzer, The Hollywood Reporter.

 

 

3.-HISTORIAS BREVES 16, narraciones breves de notables directores argentinos como Lucrecia Martel, Israel Caetano, Santiago Loza, entre muchos otros.

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https://youtu.be/krP-mM5siVk

 

 

4.-LA MEMORIA Y DESPUÉS

Documental de Eduardo Fellner sobre los sobrevivientes de la Shoá y la desaparición de dos hijos durante el proceso militar.

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https://youtu.be/5eJkbk_5RJA

 

NIÑAS ARAÑA

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https://youtu.be/H3KUZ-fapRc

De Guillermo Nelo. Con Michelle Mella, Javiera Orellana, Dominique Silva, Francisca Gavilán, Pablo Macaya y la participación especial de Patricio Contreras. Dirección de arte de Sebastián Muñoz, Director de fotografía de Mauro Veloso, Música de Angelo Pierattini, Montaje de Juan Carlos Macías y Javier Estévez. Duración: 94 minutos. Argentina-Chile.

XXXXX- DESNIVELES NARRATIVOS EN BUENA HISTORIA

En la comunidad indigente de Peñalolén, en Santiago de Chile, teniendo como uno de sus límites al barrio de Las Condes, considerado de clase alta del país hermano, la miseria la iguala a todas las villas tercermundistas. La historia ubica a tres adolescentes de diferentes familias que habitan ese barrio marginal, quienes se reúnen para delinquir: saben cómo engañar a los custodios e ingresar a los edificios de Las Condes, escurrirse por los balcones, hacer equilibrio, y escaparse de la policía. De allí el título: son como las arañas. Son las niñas-araña. Sueñan con una vida digna.

Patricio Contreras, actor nacido en Chile pero muy nuestro, es quien asume el rol de “vocero” de esa comunidad indigente para reclamarle al estado la escritura de esas tierras y poder construir viviendas propias. Años luz su performance respecto del resto dado que el elenco adulto resulta muy estereotipado con diálogos esforzados. El elenco joven es más dinámico y creíble. Hay sí problemas narrativos porque la historia no avanza, no fluye, reiterándose en las charlas de las tres jóvenes. La fotografía y el diseño de arte ocupan lugares destacados porque grafica claramente cómo se vive en los barrios marginales chilenos, haciendo hincapié en la historia de estas tres adolescentes que buscan salir de tantas carencias. El desenlace es inesperado y, en esto, hay un logro importante del realizador chileno. Un guion interesante con desniveles.

Elsa Bragato

 

 

VERGARA

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https://youtu.be/mnTwJU11SYY

Guion y dirección de Sergio Mazza. Con Jorge Sesán, María Celia Ferrero, entre otros. Fotografía de Daniel Auñiga, Edición de Sergio Mazza y Federico Molentino. Duración: 73 minutos.

XXXXX-BUCÁNDOLE SENTIDO A LA VIDA

Resulta muy controvertida la idea de Sergio Mazza en este nuevo film (recordemos que participó del Festival de Berlín con “Natal”) dado que no la desarrolla sino que la plantea y la deja relegada: se centra en “Vergara”, ex locutor que encuentra trabajo en el puerto y que tiene un solo objetivo de vida: ser padre a los 40 años, a pesar de no llevarse bien con su pareja. La narración transita por diversos estadíos espirituales de Vergara, encarnado por Jorge Sesán, cun atronador saxo tenor de fondo: el nihilismo campea por esta vida común, He aquí lo curioso: prácticamente nunca más se hablará de esta necesidad acuciante de Vergara de ser padre. Recorreremos sus rostros a través de su trabajo, de su relación amorosa con su novia, de su parquedad y su tozudez a la hora de pedir un “cortado” por lo que el film no desarrolla con profundidad el planteo inicial. Paseamos con “Vergara” por su vida desde su coche, o en un bar. A pesar del desenlace y el final, no nos convenció el relato existencialista que resulta más una compilación de secuencias que un desarrollo narrativo correlativo.

Elsa Bragato

 

JUEVES 13 DE DICIEMBRE DEL 2018.-

Varios estrenos con un tanque “Aquaman” y un film galardonado “Roma”, de Alfonso Cuarón, producción de Netflix, además de los nacionales y latinoamericanos. En el caso de “Roma”, se podrá ver recién este viernes en la plataforma de Netflix. Cuarón puede hacerle ganar a Netflix un Oscar!

 

LA VIDA QUE TE AGENCIASTE

Documental dirigido y escrito por Mario Varela. Duración: 85 minutos. Argentina-España.

XXXXX-BÚSQUEDA DE LA POESÍA DE LOS 90

A raíz de la publicación de la revista literaria ‘18 whiskys’, un grupo de jóvenes de la década del noventa establecieron lazos de amistad conformando una generación especial. Fueron díscolos escritores que reaccionaron contra la chatura de la época menemista.

El escritor rosarino Mario Varela, de vasta trayectoria en el cine documental, 25 años después de aquella estentórea cofradía, tomando como base su propio documental realizado en 1993, titulado “Rally París Dakar”( competencia etílica por bares de Buenos Aires) retoma la cámara para ver qué vida se “agenciaron”, llevaron, los amigos de esa década, cuya formación se disgregó prontamente. La narración es una suerte de road movie que nos lleva desde las montañas de la Patagonia hasta las Filipinas, pasando por Tokyo, Buenos Aires, y Rosario, su ciudad natal.  En verdad, se puede hablar de un aquelarre de poesía y pasión que se perdió en el tiempo y que Mario Varela rescata. El gran valor es el rescate de la poesía de los noventa, de sus hacedores, y la necesidad de que el tiempo haga una decantación que la valore.

Carlos Pierre

 

 

ALGO CELOSA

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https://youtu.be/BhokhHdhnjA

Guion y dirección de David Foenkinos y Stéphane Foenkinos. Con Karin Viard, Dara Tombroff, Anne Dorval, Thibault de Montalembert. Fotografía de Guillaume Deffontaines. Música de Paul-Marie Barbier y Julien Grunberg. Duración: 102 minutos.

XXXXX-CELOS BIEN RETRATADOS

El tema de la competencia femenina entre madre e hijas tiene vastos estudios psicológicos. Existe, se da, y, con buen tino, David y Stephane Foenkinos armaron un guion cuya protagonista es Karin Viard, notable actriz de televisión y cine francesa, galardonada muchas veces por sus excelentes actuaciones. En esta película, “Algo celosa” (traducción bastante pobre de “Jalouse”) compone a Nathalie Pecheus, una mujer divorciada, agraciada, madre de Mathilde (Dara Tombroff), bella joven de 18 años que es bailarina clásica. Repentinamente, Nathalie comienza a sentir celos de su hija, de su edad, de sus éxitos, de su crecimiento personal y profesional, de su entorno, de todo. Intenta ocultarlos pero no puede muy a su pesar. El punto máximo de esta enfermedad llamada “celos” se produce cuando lleva a su hija a vivir con su padre, personaje a cargo de Thibault de Montalembert.

La comedia ha ganado al público francés merecidamente: los realizadores no se quedan en los celos y los gags que éstos pueden provocar cotidianamente sino que indagan en la psicología de esta madre bella que no puede con ella misma, mostrando que, a pesar de los celos, su instinto está intacto y cuando su hija necesita protección, allí estará la mamá diciendo “presente”. En verdad, es una comedia muy atractiva que parte de la trayectoria y creatividad –fundamental- de sus realizadores: Stephane trabajó con Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Francois Ozon, mientras que David es un renombrado escritor de novelas. Encuentran en Karin Viard a una intérprete colosal: no solo da el physique du rol porque es una bella cincuentona sino que dota a su rol de profunda humanidad, haciéndolo creíble. Es decir, llega al espectador en forma inmediata, Viard no hace estereotipo sino que internaliza el personaje. Comedia inteligente, ágil, que se suma a los éxitos franceses en este género, donde aplican el sarcasmo y la sutileza el mismo tiempo. Para ver.

Carlos Pierre

 

 

1.- VOLVER A BOEDO, documental de Sergio Criscolo. Sobre el regreso al barrio del tango y la literatura luego de cuatro décadas, tomado como fue por la última dictadura para sus empresas inmobiliarias.

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https://youtu.be/AQBmJoXfqIc

2.- LAS HEREDERAS, de Marcelo Martinessi. Con Ana Brun, Margarita Irún, Ana Ivanova, entre otros. El film narra la vida de dos herederas de la alta alcurnia del Paraguay que viven juntas desde hace 30 años en calidad de pareja lésbica. Una de ellas, por problemas financieros, va a parar a la cárcel y es la otra quien queda sola y debe descubrir, a los 60 años, que es capaz de enfrentar la vida sin ayuda de nadie. Recibió esta película tres premios en el último Festival de Berlín. Su protagonista, Ana Brun obtuvo el Oso de Plata a la mejor actriz. En el Paraguay, un gran sector conservador retrógrado se opuso al film mientras que otro grupo, incluyendo senadores, premiaron al director y sus actrices.

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https://youtu.be/5Bw6oJPywF0

 

 

LINO: UNA AVENTURA DE SIETE VIDAS

Animación del Brasil de Rafael Ribas. Cuenta la historia de un joven animador de fiestas llamado Lino quien se viste de gato para sus presentaciones. Va a un mago y éste lo convierte en un gato. Las peripecias del protagonista hacen la diversión de chicos y grandes.

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https://youtu.be/JoiIRFrz9Ew

 

 

AQUAMAN

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https://youtu.be/zn316C9fz88

De James Wan. Con Jason Momoa, Amber Heard, Nicole Kidman, Willem Davore, Patrick Wilsin, entre otros. Guión de Will Beall. Fotografía de Don Gurgess. Música de Rupert Gregson-Williams y diversos soundtracks. Duración: 143 minutos.

XXXXX-DESBORDE DE EFECTOS ESPECIALES

James Wan, el ya mítico y notable director de “El conjuro”, se mete en aguas profundas con toda la tecnología que hoy en día se tiene para recrear el mundo marino y la tierra de Atlantis, con efectos atronadores visual y auditivamente. Sin embargo, le falta coherencia al extenso guion que da vueltas sobre su héroe, Arthur Curry, fruto de la unión de la reina de Atlantis, Atlanna (Nicole Kidmann), y el cuidador de un faro Tom Curry (Temuera Morrison) que la rescata de una tormenta marina. Con la llegada de Arthur, Atlanna se allana a las costumbres humanas hasta que seres “galácticos” marinos (muy rara mezcla) con voces de “autotun” se la llevan para que continue su reinado en el fondo del mar. Su otro hijo, Orm, es el nuevo rey de Atlantis. Arthur deberá reconquistar el trono peleando a muerte con su hermano.

Hay detalles de producción ridículos como la llegada de Atlanna al hogar de Tom y, luego de tragarse un pez pequeño de una pecera, se toma un té a la inglesa. Tampoco es admisible el vestuario de estos extraños humanos con bronquios y branquias: lejos de tener una piel que resista las profundidades, lucen vestimentas al estilo de los gladiadores y, en el caso de Nicole Kidman, un “mono” muy actual.

Desde el comienzo de la larguísima narración, asistimos a batalles submarinas interminables, atronadoras, que duran más tiempo que las secuencias destinadas a explicarnos de qué se trata lo que vemos. La tecnología submarina es increíble: “bolsones” habitables, o bien una suerte de coliseo romano con un pueblo que, en cantidad, supera a los peces de todos los océanos. Si se tiene paciencia, el film atrapa desde lo visual, no falta nada, ningún color. James Wan hace honor a la tradición acuarelista de Oriente por lo que, a manera del impresionismo, hay pinceladas de color con medusas, peces grandes, chicos, tiburones mansos y malvados, y animales fantasiosos colorados con aletas rojiverdes. Lo que te imagines, acá está.

Si querés ver acción por computación, ésta es tu película. Si querés disfrutar de un grandote carilindo, ahí está Jason Momoa, uno de los héroes de la tira “Game of Thrones”. Disfrutá de los colores y sonidos y olvídate del guion. Recordamos que Aquaman fue creado en 1941 y apareció el mismísimo Jason Mamoa en “Batman y Superman, Liga de la Justicia”, 2016, y “Liga de la Justicia” en 2017.

Elsa Bragato

 

 

EL SILBÓN: ORÍGENES

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https://youtu.be/cvdRFbV4nPk

Dirección y guion de Gisberg Bermúdez. Con Daniela Bueno, Eliane Chipia, Yon Henao Caldrón, Vladimir García, Fernando Gaviria. Fotografía de Gerard Uscategui. Música de Nascuy Linares. Duración: 83 minutos. Venezuela.

XXXXX-LEYENDA AMERICANA SOBRE UN ESPÍRITU EN PENA

Llega un film venezolano basado en una leyenda de este continente: la de El Silbón, similar al de La Llorona. Se trata de un alma en pena cuyo silbido preanuncia la muerte de alguien que lo escuche.

El guion de Gisberg Bermúdez trabaja distintos aspectos de un grupo rural venezolano: desde el nacimiento de Angel, traumático y lleno de brujerías, que será El Silbón, hasta violaciones, maltrato a la mujer, destripamientos y otros “gags” desagradables que hacen al género.

El clima creado por la narración es interesante: en ningún momento decae la tensión, organizado con una fotografía especial, oscura, virando a sepia, con pocos momentos de plena luz del día.

El Silbón dará cuenta de quiénes son víctimas de todo tipo de abuso y morirán de manera trágica. Es un film dirigido para los amantes del género, con una buena fotografía, trucos “gore”, y actuaciones meritorias dentro del contexto coral según el planteo argumental.

Elsa Bragato

 

JUEVES 6 DE DICIEMBRE DEL 2018.-

Este jueves la cantidad de estrenos es altamente exagerada. Muchos de ellos se estrenan en DVD y en cines del interior del país donde también existen avezados críticos en la materia. Son interesantes “La boya”, del premiado director Fernando Spiner, como “Mochila de plomo” y la romántica “Eso que nos enamora”.

 

LA PRINCESA ENCANTADA

 

Animación proveniente de Ucrania.

Un joven, Ruslan, se enamora de una bella mujer, “la princesa”, desconociendo su origen real. Enamorados, el mal los acecha cuando el “malvado hechicero” rapta a Mila. La crítica internacional ha considerado a esta animación como muy buena, permitiendo descubrir otros estudios de compleja computación alejado de Hollywood. En este caso, the Japan’s Studio Ghibli reemplaza en Oriente a los costosos Pixar-Disney hollywoodenses. El resultado es un relato sólido, nada novedoso, para toda la familia. EB

 

 

LA VIDA MISMA

 

Guion y Dirección de Dan Fogelman. Música del argentino Federico Jusid. Historia de amor de personajes que se entrecruzan en el tiempo. Filmada en New York y en Madrid.

 

“Debería venir con un aviso para diabéticos… Es esquemática y vanidosa… Es artificial en todo momento y tan charlatana como una película francesa”, de David Rooney, The Hollywood Reporter.

 

“El problema es que te das cuenta de que el director está haciendo todo lo posible para hacerte llorar. Está bien que “Life Itself” sea empalagosa, pero es imperdonable que sean tan chapucera”, de Gwilym Mumford, The Guardian.

 

 

RULETA RUSA

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https://youtu.be/zNQwJH2QKeM

 

De Eduardo Meneghelli. Argentina

Es el caso de un intendente en la época de plomo, Parra, que se quedó con tierras de gente abatida en los 70. Rudy es hijo de un ex militante y regresa al pueblo a ver a una tía con la esperanza de justicia. Trabajan Enrique Liporace, Patricio Contreras, entre otros grandes actores. La producción es de Canal 9. Las actuaciones son sólidas dentro de un guion que, por momentos, resulta confuso por la inclusión de elementos narrativos que están por fuera del hilo conductor argumental. EB

 

 

MOCHILA DE PLOMO

TRAILER

https://youtu.be/V83brAldf5s

 

De Darío Mascambroni

Presentada en la Berlinale, es la segunda película del director cordobés Darío Mascambroni, quien trabaja con una narración clásica a través de la que puede presentar una historia sobre el abandono de la niñez y la cotidianeidad rural, en este caso, la ciudad de Villa María. El pequeño Tomás, de 14 años recorre su ciudad con un arma en su mochila, sabe que el asesino de su padre acaba de salir de la cárcel, y vive dentro de un clima de hermetismo familiar sobre lo sucedido aunque, dentro de sí, busca hacer justicia. Asombra la solvencia de los jóvenes actores así como la solidez de la narración de Mascambroni, sin aspavientos y caminando sobre seguro. Buen relato. EB

 

 

NUESTRA HERMANA MENOR

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https://youtu.be/sh7zZXscUCU

 

 

De Hirokazu Koreeda. Japón. Tres hermanas asisten al funeral de su padre que las abandonó de chicas, rehízo su vida y allí las pequeñas conocerán a su hermanastra de 13 años.

 

“Una obra generosamente vivaz, impecablemente filmada y, francamento, un poco aburrida, que solo sirve para demostrar que las familias felices son un anatema para el buen drama”, de Leslie Felperin, The Hollywood Reporter.

 

“”Our Little Sister”, está tan meticulosamente filmada y elegantemente orquestada que se puede considerar una digna sucesora contemporánea de la obra maestra de Kon Ichikawa “Las hermanas Makioka”, de Maggie Lee, Variety.

 

 

ESO QUE NOS ENAMORA

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https://youtu.be/V6iq1417hCI

 

De Federico Mordkowicz. Con Benjamín Rojas, Paula Cancio, Liliana Siciliani. Argentina.

Se trata de una comedia romántica dentro de los cánones argentinos. Dos jóvenes, cada uno con un pasado amoroso y el corazón quebrado, se conocen e intentan recomponerse uno con el otro de a poco. Todo está en manos del azar, de la causalidad o de la casualidad: “Ariel”, encarnado por Benjamín Rojas, y “Noemí”, a cargo de la bella y estupenda Paula Cancio, van encontrándose por el destino. Sin pretender resolver qué es “eso que nos enamora”, Mordkowics apuesta por un relato que emociona, agrada, toca el corazón. La banda sonora tiene la peculiaridad de que sus soundtracks pertenecen a Benjamín Rojas e incluso hay un tema del director. Edulcorada sin hacer daño. EB

 

 

UNA ENTREVISTA CON DIOS

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https://youtu.be/pA-ghAky1Pk

De Perry Lang. Con David Strathairn, Brenton  Thwaiter, entre otros.

 

El tema del encuentro con Dios o con la Muerte no es novedoso en cuanto a idea en sí. Sin embargo, en este caso, por la calidad actoral de los dos protagonistas, resulta más que atractivo el encuentro de un periodista que regresa de la guerra con un hombre que se presenta como si fuese “dios”. La desesperación por su separación y la búsqueda inconciente de una buena nota, ya lejos de la guerra de Afganistán, lo llevan a los encuentros con “El hombre” con quien mantiene charlas sobre la fe, la culpa, las obligaciones, los derechos, la sanación, la oración. Si bien puede parecer una película esencialmente religiosa, supera este género transformándose en una profunda reflexión sobre la condición humana y los conflictos espirituales propios, autogenerados o no.

Desde este punto de vista, las actuaciones de Strathairn y del joven australiano Thwaiter, así como la flexibilidad de la narración que encaró Lang, aportan fluidez a un film que, de a poco, se transforma en muy interesante. Reconocemos que no es para todos los gustos pero, no por eso, es malo. EB

 

 

5ta A FONDO

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https://youtu.be/Itlc7gR7vuA

 

De Franck Gastambide. Quinta entrega. Producción de Luc Besson. Francia.

“El director no sabe cómo hacer una película… Comparada con ésta, las obras películas parecen hechas por Billy Wilder en la cumbre de su carrera”, de Jordan Mintz, The Hollywood Reporter.

 

 

LA BOYA

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https://youtu.be/Zsy5d4mcW-M

De Fernando Spiner. Realizar multipremiado en cine y televisión (Zona de Riesgo, Poliladron, entre otros éxitos). Nada mejor que las palabras del propio realizador sobre el significado profundo de este film en su vida: “Pocas veces en mi vida he tenido entre mis manos una verdad tan potente como me ha sucedido con "La Boya". Esta es mi propia historia. La de mis antepasados y su épico escape de Ucrania, la inmortal presencia de mi padre que se transformó en poeta siendo un hombre mayor, y la de mi gran amigo que se quedó en el pueblo de nuestra adolescencia sobre el mar. Todo esto me ha atravesado con una potencia conmovedora que me ha empujado a ahondar en este universo tan especial. Haber tenido el privilegio de hacer esta película fue para mí un acto sanador. Pocas veces en mi vida he tenido entre mis manos una verdad tan potente como me ha sucedido con "La Boya"”.

 

 

COLETTE

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https://youtu.be/hkAefEB1wbo

De Wash Westmoreland. Con Keira Knightley, Dominic West, Denise Gough, Fiona Shaw, Robert Pugh, Rebecca Root, Eleanor Tomlinson, Aiysha Hart, entre otros. Guion de Richard Glatzer, Wash Westmoreland y Rebecca Lenkiewicz. Fotografía de Giles Nuttgens. Música de Thomas Ades. Reino Unido-Francia-Hungría.

XXXXX-BIOPIC DE UNA GRAN LIBERTARIA

Sidonie-Gabrielle Colette (Keira Knightley) es una joven campesina de 18 años devenida en escritora cuando se casa con el autor Henry Gautheir-Villas “Willy” (Dominic West), 14 años mayor, dueño de una personalidad excéntrica y carismática, se transforma en 1920, durante la Belle Époque, en  una celebridad literaria con la serie de novelas Claudine. Detrás de este éxito había un pool de escribas a su servicio e incluso su bella y joven esposa. El machismo acendrado de la época choca con la liberación que muchas mujeres vanguardistas inician, entre ellas, Colette, quien se anima a publicar su propia novela, a liberarse de la sexualidad conyugal y acercarse al lesbianismo, especialmente con Missy, encarnada por Denise Gough. Se da una batalla de sexos que cambia a la burguesía francesa. Colette cuenta sus propias aventuras y desventuras en la serie Claudine, primero con candidez y luego escandalosamente y, si bien convivió muchos años con su marido, luchó contra su villanía. Fue independiente “a pesar de”, logrando ser marca de perfumes, maquillajes y jabones.

Keira Knightly realiza una interpretación deslumbrante, ilumina la frivolidad de Colette otorgándole valor superlativo al coraje del personaje. Son 120 minutos de una narración apasionada y apasionante, que rescata a una brillante mujer del olvido. Nos remite al caso de Walter Keane y su mujer Margaret, quien pintaba niños con ojos grandes cargados de lágrimas que se adjudicaba su marido, biopic realizada por Tim Burton. “Colette” es una película que no nos deja indiferentes y agrega un plus a las mujeres luchadoras de este siglo XXI.

Carlos Pierre

 

 

EL JARDÍN DE LA CLASE MEDIA

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https://youtu.be/vuv8dVw1IJY

Guion y dirección de Ezequiel César Inzaghi. Con Luciano Cáceres, Eugenia Tobal, Leonor Manso, Claudio Sayago, Enrique Liporace, Esteban Meloni, Roly Serrano, Ludovico Di Santo, Lalo Mir, Jorge Martínez, entre otros. Duración: 100 minutos.

XXXXX- DESNIVELADO CUENTO SOBRE EL PODER Y LA POLÍTICA

“El jardín de la clase media” es un film basado en la novela homónima de Julio Pirrera Quiroga , siendo un típico exponente del thriller político que, en este caso, está centrado en las pretensiones de ciudadanos de la clase media, ansiosos por obtener cargos y ascender a toda costa.

La historia comienza en un período de elecciones legislativas en el país y las listas con los candidatos están por cerrarse. La acción comienza en la flamante casa de un aspirante a diputado nacional (Luciano Cáceres) cuando aparece el cadáver de una joven mujer decapitada en el jardín. Su pareja (Eugenia Tobal), una funcionaria médica, queda aterrorizada al comprobar que la víctima era una empleada a su cargo. Con la ayuda del fiscal de la causa, intentará desentrañar el macabro mensaje extorsivo. Es aquí donde el guion busca adentrarse en la psicología social, hurgando en una trama mafiosa teñida de impunidad en la que podrían estar involucrados hombres poderosos. Leonor Manso y Enrique Liporace encarnan roles de fuerte impacto mientras que Roly Serrano está a cargo de un personaje sinuoso, ambiguo, de ésos que se mueven reptando por las oficinas gubernamentales. El cargo de presidente está en manos de Jorge Martínez, un actor que regresa a las grandes lides con justicia.

He aquí donde hay que desbrozar lo que se ve en pantalla: en primer lugar, un elenco de consagradas figuras en los protagónicos que guían al segundo elenco, formado por jóvenes actores y actrices. El guion fluctúa entre el abordaje a la política desde un lugar poco amable como son la corrupción y la impunidad y la disparidad actoral que resulta notoria. Sin embargo, hay valores intrínsecos en la propuesta porque tiene la gran virtud de investigar, aún con sus “menos”, a los ciudadanos que buscan cargos en el Congreso.

Marcamos la disparidad notoria entre los consagrados y los no, la fluctuación de climas que se generan, y está claro que el soporte técnico no alcanza para nivelar los diferentes planos narrativos. Los lugares comunes saltan a la vista y la resolución de la historia queda a mitad de camino.

                                                                             Carlos Pierre

 

 

POR AMOR AL ARTE

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https://youtu.be/oNRIvEvz81s

Documental de Bernardo Arias y otro de Marcelo Goyeneche. Producción de Ana Cutuli y Lorena González Lahuerta. Fotografía de Osvaldo Ponce, Montaje de Iair Michell Attias y Eliana Blausztein. Sonido directo de Horacio Almada, Edición de diálogos y mezcla de Diego Martínez, Títulos y animaciones de Matías Mango y Fernando Kabusacki. Cámaras de Marcelo Goyeneche, Osvaldo Ponce y Sebastián Farfalla. Asistente de cámara: Lisandro Negromanti, Sergio Lapalma, Luciano Nacci y Hugo Meyer. Duración. 84 minutos.

 

XXXXX-DOS GRANDES EN EMOTIVO DOCUMENTAL

Bernardo Arias fue uno de los primeros directores de cine de Lumiton, con variada suerte, no mucha, que le permitió obtener un premio en Moscú por la película Allpakalla que, a su vez, fue prohibida en el país. En el momento de la filmación tenía 90 años y hacía más de sesenta años que estaba casado con Lucía, quien había sido enfermera de Eva Perón y, por lo tanto, había tenido varias notas en diversos medios. Su idea era filmar “Por amor al arte” y, por esas cosas de la vida, se encuentra con Marcelo Goyeneche quien le propone el guion de este documental y, por fuerza, termina de hacerlo. A lo largo de charlas, de momentos como la fiesta familiar por sus 90 años, Marcelo descubre a un anciano de mirada pura y profunda, que vibra con la filmación del quehacer artístico de Antonio Pujía, otro maestro del arte al que ubican en una conferencia.

Es inevitable no emocionarse con don Bernardo, su pudor por aparecer en un documental, su enorme lucidez para discutir mano a mano con Marcelo Goyeneche sus planes como director, sus recuerdos como tal en Lumiton, las fotos que busca y que solo al final encuentra, la mirada pícara y hasta sobradora de su compañera Lucía, quien lo critica en todo pero es el único director de cine que admira. Pujía surge por la fuerza de sus esculturas, bajo la atenta mirada del director Bernardo Arias: cuando Arias dice “Corten” lo hace con la fuerza de sus comienzos, midiendo con las manos los encuadres, olvidándose de que, en el set, está Marcelo y hay otros camarógrafos. Es un director de cine nato. El mensaje que deja Arias va más allá de lo filmado y narrado: “Por amor al arte” es literalmente eso, amar al arte fuera del documental en sí que debe ser solo un primer paso… dentro de ese amor tan especial. Emotivo, ágil, didáctico. Para ver porque, para muchos de nosotros, el arte es redención, es salvación. Y allí están Arias y Pujía demostrándolo desde la pantalla.

Elsa Bragato

 

 

CADÁVER

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https://youtu.be/HEI5iUEL844

 

De Diederik Van Rooijen. Guion de Brian Sieve. Fotografía de John Frizzsell. Fotografía de Lennert Hillege. Con Shay Mitchell, Stana Katic, Grey Damon, entre otros. Duración: 85 minutos.

 

XXXXX-UNA NOCHE EN LA MORGUE

Desde el título, desde el vamos, sabemos que lo que veremos no será algo muy gratificante sino todo lo contrario: espeluznante aunque se trate de los gags superconocidos y silencios con sonido escalofriantes.

Es el caso de una joven que debe ser exorcizada, Hannah, a quien su padre asfixia para que no mate más sacerdotes. Por otro lado, en la bella Boston, Megan Reed (la morocha Shay Mitchell) deja el oficio de policía por un error que comete y acepta ser una suerte de sereno de la morgue del hospital de la ciudad. Curiosamente, el cadáver de Hannah le llega tres meses después de su muerte y, a los pocos días, su padre quiere llevarla al crematorio por ser una semilla de maldad. Las escenas son extensas, nada fáciles de digerir, y a pura tensión. Los sustos son varios, se abrirán las puertas de los nichos congelantes de la morgue, dedos retorcidos, moscas, cuchilladas varias, en los cuerpos que van llegando. Y Megan tendrá dos bautismos terroríficos que ponen los pelos de punta aunque los gags se vean venir. En las películas de género los chirridos, los golpes, los silencios no tan silenciosos, obran maravillas sobre los temores de cada uno de nosotros. Así es que le ponemos un “bueno” porque la película mantiene en vilo al más guapo. Y no hacemos spoiler así la ven completita! A ver quién tiene coraje!!!!

Elsa Bragato

 

JUEVES 29 DE NOVIEMBRE DEL 2018.-

Variedad de géneros este último jueves de noviembre. Nuestras recomendadas son “Robin Hood”, “El asesinato de la familia Borden” y “El primer hombre en la luna”.

 

1.-FAMILIA AL INSTANTE, de Sean Anders.

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https://youtu.be/ZEo88y-muEM

“Podrás decir que es sensiblera, simplista y que se ha hecho de forma mecánica, y tendrías razón, pero a su manera obvia y poco original este menjunje tiene algo de humanidad”, de Owen Gleiberman, Variety.

“Torpe pero sincera, exasperante pero adorable. “Familia al instante” es el equivalente cinematográfico a un cachorro lamiendo tu cara. Un mix engorroso de lo cómico y lo sentimental”, de John Frosch, The Hollywood Reporter.

 

2.- DEMONIO DE MEDIANOCHE, de Travis Zariwny.

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https://youtu.be/jJE50FeTp_o

En verdad, estamos ante un film de género que no aporta nada. Que Alex y Miles, una de ellas a cargo de su abuela, por jugar con una extraña caja hagan salir a un espíritu maligno no nos aporta nada más que ruidos, crujidos, sustos, gags más que conocidos que no merecen una crítica pormenorizada. Al respecto ya se ha dicho todo. Y reconocemos que hay películas que cuestan mucho terminar de verlas. Para los fans que toleren ver siempre lo mismo. EB

 

3.- EL MAYOR REGALO, de Juan Manuel Cotelo.

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https://youtu.be/-dT14yGj5bI

A manera de documental, Cotelo hace un muy interesante mix entre ficción y realidad, en el que una película –cine dentro del cine- no puede terminarse si será a los tiros, por pura venganza. Cotelo apela al perdón en todos los niveles e incluye testimonios muy impactantes como el de Irene Villa quien, en 1991, perdió piernas y brazos por una bomba y supieron perdonar. También están los testimonios de hombres que ponían bombas en los países sajones y, ya en la cárcel, piden perdón tomando conciencia de los horrores cometidos. Hay un testimonio latinoamericano muy tremendo: el de un asesino que reconoce haber matado con sus manos a unas 300 personas. Es un documental que conmueve por su mensaje. La modalidad para realizarlo fue la del “crowdfunding”. EB

 

EL ASESINATO DE LA FAMILIA BORDEN

Dirección: Craig William Macneill. Guion: Bryce Kass. Con Chloë Sevigny, Kristen Stewart, Jamey Sheridan, Fiona Shaw, Kim Dickens, Jay Huguley, entre otros. Edición: Abbi Jutkowitz. Dirección de fotografía: Noah Greenberg. Diseño de producción: Elizabeth Jones. Música: Jeff Russo. Duración: 105 minutos.

XXXXX-PSICOLOGISMO FEMINISTA DE UN BRUTAL CRIMEN

El famoso caso de “La asesina del hacha” regresa a escena como un intenso thriller que intenta mostrarnos las dos caras del asesinato de la familia Borden, ocurrido en Fall River, Massachusetts, en 1892. Por un lado se muestran gradualmente los matices psicológicos del brutal hecho y, por el otro, la falta de certezas que existieron a la hora de condenar a la supuesta asesina, Lizzie Borden. El realizador Craig William Macneill encaró el caso, que forma parte de las leyendas urbanas norteamericanas aunque fue real, desde un punto de vista diferente, dado que una serie de televisión e incluso una ópera rock abordaron el asesinato con diferentes énfasis en los personajes. Vale recordar que el impactante hecho terminó por convertir la casa de los Borden en un museo al que visitan miles de turistas todos los años y hasta alquilan cuartos para pasar una noche “con miedo”.

El film, de tono claustrofóbico, atrapa desde el principio. Lizzie Borden está encarnada por Chloe Sevigny, hija de Andrew Borden, quien se vuelve a casar provocando el resentimiento de sus dos hijas. En este caso, Lizzie, soltera de 32 años, se muestra como muy introvertida entablando buena relación con la criada Bridget Sullivan, que encara nuestra muy conocida Kristen Stewart. Entre ambas, de acuerdo a esta versión, se pergeña el asesinato del padre y la madrastra.

Desde el punto de vista técnico, la narración utiliza una morosidad inteligente que lleva, paso a paso, a un final gore atroz. Hay escenas escorzadas que detienen, por segundos, la creciente tensión a través de algunos close up interesantes como artilugio. El diseño de arte y la fotografía son complementos fundamentales en esta película que, aún con clishés, encuentra en sus protagonistas sólidas interpretaciones. En el caso de Chloe Sevigny el manejo de su rol la acerca mucho al público, por lo que se produce un interesante mix de rechazo y empatía con la “asesina del hacha”. Lo mismo puede decirse de Kristen Stewart quien, desde Crepúsculo hasta ahora, ha logrado una madurez interpretativa sorprendente.

                                                                              Carlos Pierre

 

ROBIN HOOD

Dirección: Otto Bathurst. Guion: Joby Harold, Peter Craig y David James Kelly. Con Taron Egerton,Eve Hewson, Jamie Foxx, Ben Mendelsohn, Jamie Dorman, Tim Minchin, Björn Bengysson, entre otros. Música: Joseph Trapanese. Fotografía: George Steel. Duración: 116 minutos. Producción ejecutiva: Leonardo Di Caprio.

XXXXX- “HOOD” CON ESTILO DE COMIC

La leyenda de Robin of Loxley, devenido en Robin Hood, dirigido por Otto Bathurst, junto a la producción de Leonardo Di Caprio, está dentro del marco de la precuela. Después de 4 años, Robin (Taron Egerton) regresa acompañado por un “infiel” que lo adiestrará contra la tiranía del Sheriff de Nottingham (Ben Mendelsohn). Como Robin ha sido dado por muerto, su prometida Marian (Eve Hewson) tiene una relación amorosa con Will Scarlet (Jamie Dornan).

Es, sin duda, una versión al estilo de los cómics de Marvel, donde el protagonista es entrenado al mejor estilo de un “marine”, con un vestuario y diseño de arte en general más actual que de época, sin coincidencias visuales con las versiones clásicas de Kevin Costner y la más reciente de Russel Crowe aunque se tiene la impresión, al final, que don Bathurst tomó un poco de cada “Hood” que encontró en la historia del cine. Esta mixtura de vestuario modernoso con una historia de época muestra el giro pergeñado por la producción que encabeza Leonardo Di Caprio: recordemos que protagonizó una versión actual de “Romeo y Julieta” en 1996, dirigida por Baz Luhrmann por lo que su gusto por la “modernización” de historias tradicionales tiene antecedentes muy sólidos.

Se quiso innovar en la leyenda de Robin Hood de acuerdo a los tiempos que corren y el resultado fue a medias: ni bueno ni malo. Hablamos de precuela porque los hechos contados anteceden a los muy conocidos en el bosque de Sherwood que recién aparece en el final. Esto asegura continuación o, dicho de otra manera, el inicio de una saga. En síntesis, un novato Robin, una bella enamorada, un árabe factótum en el arte de la guerra, un Sheriff tirano, un sacerdote, son el eje de esta historia de lucha de dos horas de duración: un entretenimiento aceptable en una nueva superproducción sobre Robin Hood.

Carlos Pierre

 

 

EL PRIMER HOMBRE EN LA LUNA

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https://youtu.be/Ei6U_eZDgyA

 

de Damien Chazelle. Con Ryan Gosling, Claire Foy, Jason Clarke, Kyle Chandler, Corey Stoll, entre otros. Guión de Josh Singer basada en la novela del mismo nombre de James R. Hansen. Fotografía de Linus Sandgren. Música de Justin Hurwitz. Edición de Tom Cross. Duración: 141 minutos.

XXXXX-BIOPIC DE CONNOTACIÓN ÉPICA

El primer astronauta en pisar la luna fue Neil Armstrong, sobre quien se basa el libro de James Hansen y, en consecuencia, el guión de Josh Singer, bajo la dirección del notable director Damián Chazelle, el mismo de “Whiplash” y el de “La la Land”. En este caso también es productor junto al gran Steven Spielberg quien, además de su maravillosa técnica y creatividad, parece conocer el Cosmos como pocos productores de Hollywood, si bien el mexicano Alfonso Cuarón dio excelente muestra de ello con su film “Gravedad”.

En este caso, las primeras escenas nos muestran a Neil Armstrong como un padre de familia atento al tumor cerebral de su pequeña hija, mientras se somete a estudios y experiencias de la NASA para ser elegido como un ingeniero astronauta en los previstos viajes a la Luna y Marte. La carrera espacial iniciada por Rusia, con sus Sputniks y la perra Laika, apuran los planes de los norteamericanos. Superando la situación familiar como puede (una magnífica Claire Foy compone el rol de su esposa), las primeras pruebas sobre su condición psicofísica que no son excelentes pero muestran una predisposición creciente, y concurriendo a diferentes audiencias, Neil logra ingresar al plan espacial junto a otros colegas. El final lo conocemos todos y ocurrió en 1969. Son muy atractivos los primeros planos de Ryan Gosling sosteniendo a su hija en la ficción, los embates que sufre su físico cuando está con el traje espacial dentro de una verdadera cocktelera metálica, y los intentos fallidos de alcanzar nuestro pequeño planeta luminoso, detalles que no se conocían hasta ahora.

El trabajo en el sonido es de primerísimo nivel porque con una habilidad inusual nos sumerge en un estupendo viaje al espacio. En cuanto al clima logrado por Chazelle, vuelve a ser verídico, asombroso, aunque la narración peca de cierta lentitud. El concepto de cinematografía de Chazelle no es pequeño sino todo lo contrario, va por más, busca la perfección, junto a su equipo desde siempre como el compositor Justin Hurwitz y el editor Tom Cross, fundamental en esta biografía épica. En este caso, Chazelle se aboca a mostrarnos el sacrificio psicofísico de un astronauta enfrentando todas las críticas por su elección. Para nosotros, es un nato triunfador. Eso sí, detrás de sí tiene a un grande, Spielberg.

Elsa Bragato

 

 

NOCHE DE PAZ

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https://youtu.be/f-CEKfZC-cI

Guion y dirección de De Piotr Domalewski. Con Dawid Ogrodnik, Tomasz Zietek, Agnieszka Suchora, entre otros. Fotografía de Piotr Sobocinski Jr. Edición de Leszek Staarzynski. Música de Waclaw Zimpel. Duración: 100 minutos. Polonia.

XXXXX- TRAICIONES EN TORNO A LA NOCHEBUENA

Notable simbiosis de fotografía, narración, actuación, diálogos, logra el debutante Piotr Domalewski en este largometraje: Adam regresa a un pueblo de Polonia luego de varios meses en el exterior, específicamente en Holanda, para pasar la noche de Navidad en familia y reunirse con su novia con quien planea un negocio y una vida en familia. El tiempo, poco o mucho (esto no es muy claro) hizo de las suyas, alejándolo de sus hermanos, de su padre con quien no se lleva bien, tratando de ayudar a su madre que es quien resume en sí la unión de todos. Lejos está de saber Adam, que filma todo con su pequeña cámara, que hay demasiados secretos y traiciones aunque se lea algún pasaje bíblico antes de la trastocada cena, y se controle la bebida blanca del padre y del abuelo. Las ausencias nunca quedan vacías, y eso lo aprenderá duramente en esa inquietante noche navideña.

Hay un gran trabajo actoral: va desde la ligera comicidad hasta el dramatismo intenso, roza el noir a manera de un thriller que explotará en determinado momento para aquietarse luego, llega a climax insospechados logrando calma en la hermana menor, personaje que actúa como “fusible” de tensiones y agresiones. Un film realmente atrapante, donde la mano del debutante Domalewski parece la de un avezado domador de imágenes y climas narrativos.

 

 

4.-JULIA Y EL ZORRO

De Inés María Barrionuevo.

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https://youtu.be/c9zg6C60dG8

 

EL HOMBRE QUE COMPRÓ LA LUNA

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https://youtu.be/qsTgm3oTaW0

 

De Paolo Zucca. Con Jacopo Cullin, Stefano Fresi, Francesco Pannofino, Benito Urgu, Lazar Ristovski y Angela Molina. Fotografía de Ramiro Civita. Música de Andrea Guerra. Edición de Sarah McTeigue. Duración: 102 minutos.

XXXXX- ABSURDO A LA ITALIANA

Con una mano argentina en la producción a través de Daniel Burman, el italiano Paolo Zucca se lanza con su segundo film en el mercado local, “El hombre que compró la luna”, una disparatada comedia basada en el absurdo. La impronta italiana nos remite a otros films peninsulares cómicos por lo que es imposible no reir durante muchas de las secuencias. Desde este punto de vista, es un film logrado, minimalista por los recursos empleados, efectivo, e insólito. Hay que buscar al hombre que se compró la luna y aparece por segunda vez en este jueves el nombre del astronauta Neil Armstrong, cuya biografía está en pantalla, y el absurdo de que sea un hombre de la Cerdeña quien inicie la búsqueda del “dueño”. Sin analizar diferencias, el planteo narrativo de Zucca se corresponde con el espíritu de los films cómicos italianos clásicos. Desde la gestualidad hasta los parlamentos, “El hombre que compró la luna” nos saca una sonrisa. Más que válido para comprar una entrada sin esperar una superproducción.

Elsa Bragato

 

JUEVES 22 DE NOVIEMBRE DEL 2018.-

Como contrapartida de la semana pasada en materia de estrenos, este jueves hay casi mitad de producción nacional y producción extranjera.

 

LA CAMA

De Mónica Lairana. Con Sandra Sandrini y Alejo Mango. Fotografía de Flavio Dragoset. Edición de Eduardo Serrano. Dirección de arte de Mara Toé  Renata Gelosi. Duración: 90 minutos. Se estrena en salas del “off comercial”.

XXXXX- REMINISCENCIAS DE BERGMAN

Que el título no llame a confusión porque no tiene la intención de menoscabar un trabajo impecable de dirección, puesta y actuación. Fue inevitable recordar “Zarabande” de Ingmar Bergman al ver dos cuerpos imperfectos, despidiéndose en la cama, justamente (también en “La lección de piano” Harvey Keitel se mostró como Alejo Mango, imperfecto y fascinante). Casi no median palabras se enfrentan a un hecho definitorio: venden la casa que los albergó toda la vida, ya no tienen más que decirse, queda esa rutina amorosa-sexual que los mantuvo unidos hasta ahora, espasmódica.

Lograr conmover a partir de la incomodidad es todo un acierto que alcanza Mónica Lairana en este largometraje. Es halagüeño el regreso a la actuación “grande” de Sandra Sandrini, y es notable la actuación de Alejo Mango, ambos son “Mabel” y “Jorge”.

Sin variación en planos, apuntando solamente en la acción y reacción de dos personajes, Lairana puede construir un film bergmaniano, sin que esto, insistimos, vaya en desmedro suyo. Es un film para adultos, para aquéllos que han batallado una y otra vez contra la rutina, la cama y la falta de diálogo. Muy buena.

Elsa Bragato

 

 

YO NIÑA

Guion y dirección de Natural Arpajou. Con Andrea Carballo, Huenu Paz Paredes, Esteban Lamothe, Marina Glezer, entre otros. Fotografía de Pablo Parra. Edición de Juan Pablo Docampo. Dirección de arte de Marina Raggio. Duración: 85 minutos.

XXXXX-LA MIRADA QUE NADIE VE

Este film nacional cuenta con gran elenco y está basado en hechos autobiográficos de Natural Arpajou. El gran valor que posee más allá de la narración y de las actuaciones, está en poner sobre el tapete la mirada de una niña sobre los hechos de los adultos, esos “convidados de piedra” que sufren o se alegran según las acciones de sus padres.

Filmada en el Sur, en lugares paradisíacos, cuenta la historia de una pareja que se cansa de la vida urbana y va a vivir a una cabaña que ni luz tiene, que empieza a detestar todo elemento, incluso juguetes, que recuerden el mercantilismo, se pelean, la niña observa, enfrenta a la madre, al padre, cuando aún no han vivido lo peor por lo que deberán comenzar desde cero.

Diferencias familiares sin vuelta, superación de hechos extremos, la pequeña Armonía (Huenu Paz Paredes) construye un personaje admirable, doloroso por momentos, encomiable por su corta edad.

Elsa Bragato

 

 

l.- LA CHICA EN LA TELARAÑA

De Fede Alvarez. Sobre la hacker Lisbeth Salanderm creación del novelista Stieg Larsson (Millennium). Nota de Redacción: luego de Larsson (películas póstumas), aparecieron los films Hollywoodenses con La Chica del dragón tatuado. Fede Alvarez, realizador uruguayo de un gran éxito de suspenso, tomó “Lo que no te mata te hace más fuerte”, de David Lagercrantz, continuación “forzada” de los tres originales del sueco Larsson-

"Acaba saturando por su propia ambición. Al final es Foy la que logra que no perdamos el interés en una obra que ofrece a la mejor Lisbeth que jamás hemos visto." Peter Travers, Rolling Stone.

 

2.- MALICIOUS

De Michael Winnick. Con Bojana Novakovic, Josh Stewart entre otros.

Ninguna crítica extranjera ha favorecido a este film de género. Pasea por todos los clishés conocidos, un profesor y su joven mujer embarazada  van a vivir a una casa grande y oscura. Lo sobrenatural pronto los torturarán de una u otra manera.

3.- EL GRINCH, animación

De Yarrow Cheney y Scott Mosier. Co la voz de Benedict Cumberbatch. El Grinch fue creado por Theodore Seuss Giesel, o simplemente el Dr. Seuss. Se trata de un ser peludo verde de corazón pequeño por lo que no puede querer a muchos. Solo a su perro Max y vive en la cima de una colina. Odia la Navidad y hará lo imposible para quienes habitan a su alrededor no la pasen bien.

“La empatía hace que el Grinch sea menos mezquino que miserable (piensa en el Pato Lucas), pero lo que la producción pudo haber perdido con un personaje malhumorado como protagonista, lo estabiliza con un elenco de voces inspiradoras (lideradas por Benedict Cumberbatch) y una paleta de colores deslumbrantemente alegre y brillante” de Michael Rechtshaffen, The Hollywood Reporter.

 

“Si la mejor animación se siente como alimento para el alma, piensa en esta adaptación del querido cuento del Dr. Seuss como el equivalente espiritual de una doble porción de cereal sabor chocolate para el desayuno, no es exactamente balanceada pero es un irresistible deleite azucarado”. De Robbie Collin, The Telegraph

 

4.- UNIDAD XV

De Martín Desalvo. Con Carlos Belloso, Rafael Spregelburd, entre otros. Martín Desalvo realizada un film de género, un policial, un thriller intenso, sobre la vida carcelaria de cuatro presos políticos. Es un muy inteligente guion porque une la política reciente de nuestro país con la vida de cuatro hombres cuyo destino es trágico. CP

 

 

LEAL

Dirigida por Pietro Scappini y Rodrigo Salomón. Con Luis Aguirre, Andrea Quattrocchi, Silvio Rojas, Gonzalo Vivanco, Andrea Frigerio, Rafael Rojas Doria, entre otros. Director de fotografía: Nicolás Goria. Dirección de sonido: Javier Stavropulos. Música: Juan Blas Caballero, Duración: 107 minutos. Argentina-Paraguay.

XXXXX-MALA COPIA DE CINE ACCIÓN

La idea de rodar un film de acción relacionado con el tráfico de drogas, tema muy poco abordado en nuestro cine, apostando a una masiva llegada, no cumple con su objetivo en “Leal”, esta producción argentino-paraguaya-

La producción ha sido importante, ubicada en Amambay, localidad fronteriza entre Brasil y Paraguay. Se contó con el asesoramiento del SENAD y la historia pergeñada por Andrés Gelós se inspira en hechos reales aunque no se basa en ellos. Se trata de las acciones que emprende un ministro recién designado quien recluta a los mejores comandos para conformar un grupo de Operaciones Especiales. A partir de reportes de los servicios de inteligencia, emprende una serie de golpes precisos, sorpresivos, contra los narcos.

Aunque hay muy buenas intenciones, no se logra un producto sólido, atractivo, que nos mantenga atados a la butaca. Las actuaciones son pobres en relación con los roles que tienen y la narración tiene saltos, falta hilación, con secuencias de acción que distan y mucho de lo que estamos acostumbrados a ver en el cine extranjero. Esta ausencia de superefectos especiales termina en una mala copia.

Carlos Pierre

 

 

WIDOWS

De Steve McQueen. Con Viola Davis, Liam Neeson, Cynthia Erivo, André Holland, Elizabeth Debicki, Colin Farrell, Robert Duvall, entre otros. Fotografía de Sean Bobbitt. Edición de Joe Walker. Música de Hans Zimmer. Duración: 128 minutos.

XXXXX- APASIONANTE POLICIAL

Steve Mc Queen es el afroinglés realizador, escultor, ganador de un Oscar por la memorable “12 años de esclavitud”. Es difícil entonces pensar en un subproducto suyo. En el caso de Widows nos plantea un puzzle policial que atrapa lentamente, que desorienta pero no deja de fascinar Plantea una narración a todo o nada, es decir, escenas de violenta acción, seguida de otras plenas de blanco en cortinas y sábanas y absoluto silencio. Una narración por opuestos que resulta apasionante.

El guion toma el caso de cuatro mujeres, una de ellas afroamericana encarnada por la gran Viola Davis, que desconocían las fechorías de sus maridos, asaltantes relacionados con la política (notables Robert Duvall y Colin Farrell), quienes son muertos en el último atraco. Quedan estas mujeres a manos de los “capos” por lo que una de ellas las organizará para encontrar el millón de dólares que les exigen a cambio de sus vidas.

McQueen vuelve al tema racial, sutilmente desarrollado: Verónica (Viola Davis) está casada con un hombre blanco, Harry Rawlings (Liam Neeson), tuvieron un hijo, “Marcus” (Josiah Sheffie), asesinado por policías en confuso episodio. Este tema subyace siempre y es, en buena medida, el detonante de muchas acciones. Por eso hay que tomarlo como un “detalle” del guion. Es prácticamente el sustento de un guion un tanto controvertido para muchos pero muy eficaz- Además, destacamos la banda sonora de Hans Zimmer, uno de los grandes compositores de este nuevo siglo. Notable!

Steve McQueen es hábil narrador al plantear blanco o negro, sonido furioso o silencio, oscuridad total y luminosidad ardiente, mujer negra y marido blanco. Es, por sobre todo, una búsqueda de los opuestos incluso morales: el valor y la cobardía, el amor y la falsedad. Sin duda, es otra de las películas que no faltarán en los Oscars. Es un drama criminal, oscuro, potente, brutal, fascinante de principio a fin. Nota de Redacción: el guión se basa en la serie “Prime Suspect” de la escritora Lynda La Plate, reconocida escritora de éxitos televisivos británicos.

Elsa Bragato

 

 

SIN DEJAR HUELLAS

Dirigido por Érick Zonca. Guion de Lou de Fanget Signolet. Con Vincent Cassel, Romain Duris, Sandrine Kiberlain, Elodie Bouchez, Charles Berling, entre otros. Fotografía de Paolo Camera. Música: Rémi Boubal. Duración: 113 minutos.

XXXXX- VINCENT CASSEL EN GRAN PAPEL

Clásico policial al mejor estilo noir es “Sin dejar huellas” basado en una novela del escritor criminalista israelí Dror Mishani. Cuenta linealmente la desaparición de un joven y la búsqueda desesperada de su madre.La investigación  está a cargo del comandante Francois Visconti (Vincent Cassel),  un detective con muchos problemas de alcoholismo a raíz de la separación de su esposa y la pésima relación con su hijo adolescente quien se dedica a vender drogas. Hombre desaliñado, agresivo, pero eficiente. La madre está encarnada por la estilizada Sandrine Kiberlain, cuyo marido casi nunca está y ella se hace cargo de la hija menor con discapacidad. El detective Visconti se encuentra frente a una seria encrucijada, que tiene cierta colaboración en cuanto a datos de un profesor del joven desaparecido.

Basándose en la experiencia novelística de Dror Mishani, más que la historia en sí que se basa en todos los clishés habidos y por haber del género policial, hay que tener en cuenta el suspenso generado tanto por el autor como por el realizador, que logra atrapar con escenas lineales, concatenadas, y con diálogos simples y efectivos, sin ahondar en los personajes (teniendo en cuenta que en la literatura siempre se desarrollan los personajes). En este caso, el salvador de todo cuestionamiento es el protagonista, Vincent Cassel, enérgico y violento y, por momentos, patético. Se destaca la fotografía de Paolo Camera, mientras que la dirección de arte resulta impecable. No es la mejor película policial pero es sólida y creíble. Aún con clishés, vale la pena.

Carlos Pierre

 

 

6.- VENDRÁN LLUVIAS SUAVES.

De Iván Fund. Semifantástico, sobre los niños enfrentados a temas adultos. Inspiración de varios autores, entre ellos, Wolf Erlbruch y su famoso cuento “El pato y la muerte”.

7.-  LA IMAGEN PERDIDA, Animación. Francesa. De Rithy Path-Film ganador del Festival de Cannes 2013, Sección Un Certain Regard.

8.- LOS 120. LA BRIGADA DEL CAFÉ, de Maria Laura Vázquez. Documental sobre los jóvenes que, en 1985, viajaron a Nicaragua para la recolección del café a fin de ayudar la economía de ese país, devastada por los Estados Unidos. Luego de tantos años, regresan para reconocer aquellos caminos.

 

 

EL AFFAIRE DE SARAH Y SALEEM

De Muayad Alayan. Con Adeeb Safadi, Saleem Sivane, Kretchner, Sarah Ishai Golan, David Maisa, entre otros. Fotografía de Sebastián Bock. Múcia de Frank Gelat, Charlie Rishmawi y Tarek Abu Salameh. Duración: 127 minutos. Coproducción Palestina, Holanda, Alemania y México.

XXXXX- AMOR EN TIEMPOS POLÍTICOS

El realizador palestino Muayad Alayad regresa con una historia de amor prohibido entre un repartidor de pan palestino y la dueña de una cafetería israelí. La mujer de Saleem está embarazada y Sarah está casada con un militar israelí que forma parte de “razzias” detrás del muro de Jerusalén. Mientras la infidelidad se hace muy difícil para Saleem y Sarah, el hecho condenatorio que los puede llevar a un final trágico es que uno sea palestino y el otro israelí.  Una noche de ambos en Belén en un bar desencadena el drama personal y político para ambos. Sobre cada uno de ellos llueven acusaciones de terrorismo con la consiguiente expulsión de sus respectivas sociedades. Lo que se veía venir irrumpe sorpresivamente en la historia: las diferencias políticas y el machismo entran de lleno masacrando la pasión. El romance se transforma en un policial muy intenso, cuya violencia va creciendo a medida que las parejas de los amantes se enteran del amorío.

Por sobre el relato está la actuación y por sobre el guion y el elenco está la mano de Muayes Alayan, joven realizador que narra sin pausa una pasión enmarañada por la política de israelíes y palestinos aunque el drama familiar los golpea por igual. Estupendo fresco transversal de dos sociedades en pugna.

Elsa Bragato

 

JUEVES 15 DE NOVIEMBRE DEL 2018.-

Número espectacular de estrenos nacionales junto a varios films internacionales de buena factura, atractivos visualmente.

 

EL LIBRO DE IMAGEN

Dirección, guion y edición de Jean Luc Godard. Fotografía de Fabrice Aragno. Diseño de producción de Jean Paul Battaggia. Narración de Jean Luc Godard, Dimitri Basil, Buster Keaton (Archivo).Duración: 88 minutos (Ganador de la Palma de Oro Especial del Festival de Cannes 2918}-

XXXXX-PALIMPSESTO EMOTIVO DE UN GRANDE DEL CINE

Estamos frente al testamento cinematográfico de Jean Luc Godard, enfant terrible, destructor-constructor de la narrativa tradicional cinematográfica, que el próximo mes de diciembre cumplirá 88 años. Echando mano a su personal palimpsesto existencial y político, imprimió El libro de imagen, intelectualmente emotivo a la manera de un discurso a mano abierta, dividido en cinco capítulos, como los dedos de su mágica mano.

Basta recordar sus escritos en La Gazzette du Cinéma y Cahiers du Cinéma en sus primeros ejercicios de crítica cinematográfica, sus films cortos hasta que en 1959 irrumpió con Sin Aliento, un largometraje pleno de romanticismo y pesimismo, aún torpe y desesperado, interpretado por Jean Paul Belmondo y Jean Seberg, y desde allí su meteórica producción, prolífica, siempre efervescente, sin corrección política, a contramano.

Se suceden Infinitas imágenes a lo largo de este libro cinematográfico en menos de una hora y media de duración. Una primera visión como espectador resulta un sobresalto íntimo, que obliga a otras sucesivas funciones, para interpretar y valorar a Godard, lúcido maestro libertario. Parafraseando a Pablo Neruda, Jean-Luc Godard podría decir: “Confieso que he filmado”.

Carlos Pierre

 

MATAR O MORIR

Dirigido por Pierre Morel. Con Jennifer Garner, Richard Cabral, John Ortiz, John Gallagher Jr., Juan Pablo Raba, Method Man, Tyson Ritter, Annie Honzeh, entre otros. Guion de Chad St. John. Fotografía de David Lanzenberg. Música de Simon Franglen. Duración: 102 minutos.

XXXXX- MUJER AL ATAQUE             

Thriller impregnado de magnética acción, con un atractivo más al ser una mujer su protagonista, qioem de biemas a primeras se transforma en una justiciera implacable. El tema no es nuevo: tres matones asesinan a su marido y su pequeña hija en plena fiesta de Fin de Año, en un parque de diversiones.”Riley North” (Jennifer Garner) es una modesta ciudadana de Los Angeles, cuyo marido cometió el error de transar con los narcotraficantes por lo que sufrirá un brutal ajuste de cuentas. También es herida, internada y se entera de que los asesinos quedan en libertad al retirárseles los cargos. He aquí donde “Riley” inicia una venganza sin límites, una caza de todos los implicados en la muerte de sus seres queridos.

Jennifer Garner encarna a una salvaje vengadora, que ha logrado pertrecharse de todo tipo de armas. La actuación es noble y sólida por lo que el experimentado realizador Pierre Morel crea un arquetipo femenino de la venganza (recordemos los films como “Búsqueda Implacable” o “The Gunman”. A nivel técnico, el film fluye narrativamente alcanzando escenas muy explosivas, a todo nada. Sin duda, fue pergeñado para pasar un buen rato a pura adrenalina y volver a casa más tranquilos. Un buen policial-

Carlos Pierre

 

 

PABLO ESCOBAR LA TRAICIÓN

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https://youtu.be/7-KTRWcZaKk

Dirección y guion de Fernando León de Aranoa sobre el libro de Virginia Vallejo.Con Javier Bardem, Penélope Cruz, Peter Sarsgaard, Julieth Restrepo, David Ojalvo, Oscar Jaenada, entre otros. Fotografía de Alex Catalán. Música de Juan Federico Jusid. Producción de Javier Bardem.  Duración: 123 minutos.

XXXXX-EL DESPECHO DE UNA AMANTE

Basada en la autobiografía “Amando a Pablo, odiando a Escobar”, de Virginia Valle, la periodista colombiana que fuera la amante del narcotraficante más poderoso de la historia durante los años 80 (fue pareja también del argentino David STivel), el realizador español Fernando León de Aranoa logra una buena narración cinematográfica, una más como la serie sobre su vida, o bien “Operación escobar” del 2016  o “Barry Seal: Solo en América” del 2017, aunque con su sello distintivo.

El relato de Virginia Valle es potente: entrevistó a Escobar y se quedó a su lado como amante. Obtuvo las mieles del poder, lujo y atenciones que jamás imaginó. Un buen día, dejó de ser la “alhaja” de Escobar Gaviria y llegaron la humillación, el despojo material y el martirio moral. Decidió, en represalia, traicionarlo. La historia es, entonces, explosiva, con acosos y muertes, asesinatos a granel, el vertiginoso ascenso del jefe del Cartel de Cali, el comando del Cartel de Medellín, entreverándose con la política de Colombia y las dictaduras del Caribe, poblando territorios de América Latina con grupos paramilitares terroríficos.

Javier Bardem, productor y protagonista, encarna a Pablo Escobar intentado “mostrar el otro lado, el íntimo”, donde se daban el amor y la muerte, sin cortapisas. Por su parte, Penélope Cruz otorga a su Virginia un poderoso carisma además de su sugerente belleza latina, logrando que la química con su marido en la vida diaria sea real. La producción de Bardem logró el objetivo propuesto: el personaje del actor español logra matizar las dos caras del narcotraficante, el brutal a través de la extorsión y el asesinato y el humano junto a su hija por quien se desvive. Mientras la producción, la narración y las actuaciones tienen buen nivel, hay que reprochar que se haya hablado en inglés. Sobre todo porque Bardem y Cruz son españoles. Un detalle de la dirección de arte del film que no debió pasarse por alto.

Carlos Pierre

 

 

IMPUROS

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https://youtu.be/sT6ke8p44sM

Documental de Florencia Mujiga y Daniel Najenson. Guion de Daniel Najenson y Malena Azzam. Fotografía de Carla Stella. Música de Leandro Drago. Duración: 86 minutos.

XXXXX- DOLOROSO TESTIMONIO SOBRE LA “VARSOVIA” Y LA TRATA DE BLANCAS

Partiendo de los hechos ocurridos a fines del siglo XIX y comienzos del XX, Florencia Mujica y Daniel Najenson documentan la trata de blancas, en este caso, de mujeres judío-polacas para abrir prostíbulos. Entonces, el país recibió 6 millones de inmigrantes, de los cuales cien mil fueron judíos. La gran cantidad de hombres solos fue la justificación de “esta” aberrante necesidad. En 1876, surgió la reglamentación sobre “las casas de tolerancia” o tolerancia a la prostitución. Surgieron traficantes judíos y polacos, verdaderos sátrapas, que fundaron la Asociación de Socorros Mutuos Varsovia, llamada luego Zwi Migdal, en verdad una red de prostíbulos. Una ex prostituta, militantes abolicionistas de la prostitución como Sonia Sánchez, entre otros, dan testimonio de los sometimientos que sufrieron estas mujeres judío-polacas injustamente castigadas por su propia comunidad, habiendo sido enterradas en un sector aparte del cementerio judío, detrás de un paredón, junto a los rufianes. Es indignante escuchar el testimonio de un hombre que justificó aquella inhumana “importación” de seres humanos, indicando que muchas empresas judías prósperas descansan en el trabajo de aquellas prostitutas judías y que decir los nombres de las familias es una ofensa para sus memorias. Los realizadores no se dejaron intimidar poniendo en pantalla los nombres de los malvivientes de “Varsovia”.

La investigación de los documentalistas también los llevó a Israel y al Archivo Central que allí existe, donde recogieron testimonios y documentación de primer nivel. Se recuerda, entre tantos datos interesantes y filmaciones en blanco y negro de la época, que Alfredo Palacios luchó, desde 1913, contra la trata de blancas. El título del film responde al sobrenombre con que la comunidad israelí denominó a los proxenetas. Un documento insoslayable para adultos.

Elsa Bragato

 

 

INFILTRADO DEL KKKlan

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https://youtu.be/CBIXKnKCafc

De Spike Lee. Con John David Washington, Adam Driver, Topher Grace, Corey Hawkins, Laura Harrier, entre otros, incluyendo al propio director. Fotografía de Chayse Irvin. Música de Terence Blanchard. Edición de Barry Brown. Diseño: Curt Beech. Duración: 135 minutos.

XXXXX-REGRESO A LO GRANDE DE SPIKE LEE

El inicio y el epílogo de “El infiltrado del KKKlan” resultan trascendentes para Spike Lee, uno de los grandes realizadores del cine independiente de los Estados Unidos, enrolado en la defensa del afroamericanismo (memorable “Malcom X”). En blanco y negro y formato cuadrado, nos muestra a Alec Baldwin como el profesor Kennebrew Beauregard, arengando a sus compatriotas de manera feroz contra los judíos y la raza negra. A partir de allí, se cuenta cómo el oficial negro Ron Stallworth en 1978 tuvo el apoyo “blanco” de la policía de Colorado Springs (su alter ego fue “Flip”, encarnado por Adam Driver, de religión judía) permitiéndole investigar desde dentro al temible KKKlan.

El film es un policial muy entretenido, que incluye ironías entre los blancos y los negros, mostrándonos el odio de los supuestamente “arios” contra judíos y afroamericanos. Además, es un documental sobre ese momento de la vida de Ron Stallworth, quien escribió el libro “Black Klansman”, en el que se basa la película.

Tiene un diseño de arte setentista tanto como recuerda a “Todos los hombres del presidente” de Alan Pakula o a “JFK” de Oliver Stone en cuanto a la fidelidad en los acontecimientos. En verdad, es una de las mejores películas que Hollywood dio este año por lo interesante y lo brutalmente honesta que es, así como resulta temible la similitud con el relato que el actual presidente de los Estados Unidos mantiene frente al mundo. Spike Lee incluye dos videos muy paradigmáticos: una arenga de David Duke, quien mantiene relación con el KKK contra los judíos y los negros, y el ataque “terrorista interno” que provocó un auto al arrollar a una multitud segregacionista el 12 de agosto del 2017 en la localidad de Charlottesville. No se la pierdan!

Elsa Bragato

 

 

ANIMALES FANTÁSTICOS: LOS CRÍMENES DE GRINDELWALD

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https://youtu.be/tkDFadDulgM

De David Yates. Basado en el guion de JK Rowling, Con Eddie Redmayne, Jude Law, Johnny Deep, Zoe Kraving, Ezra Miller, Katherine Waterston, Callum Turner, Dan Fogler, Alison Sudol, Claudia Kim, Kevin Guthrie. Fotografía de Philippe Rousselot, Montaje de Mark Day. Vestuario de Colleen Atwood. Música de JKames Newton Howard. Duración: 134 minutos.

XXXXX- PARAFERNALIA VISUAL

La primera película “Animales fantásticos” que conocimos hace dos años basada en la nueva saga de JK Rowling, la consagrada escritora de Harry Potter, fue atractiva y simpática. En esta segunda parte, lo oscuro, lo dramático y la confusión, toman por asalto la pantalla regalándonos secuencias visualmente impactantes, artificios notables de una tecnología de punta indiscutibles pero nada más.

El mago que encarna Eddie Redmayne, a quien vimos en New York junto a sus extraños animalitos dentro de un maletín mágico, tiene un inicio bastante claro si bien, rápidamente, se van integrando más personajes, se salta de una secuencia con “Newt Scamander”(Eddie Redmayne) a otra con otro personaje que busca a su hermana, mientras todo indica desde la primera escena que la historia está centrada en el mago Grindelwald. Se trata de un personaje de Harry Potter que Rowling retoma como “spin-off” a fin de generar otra franquicia rentable.

Su traslado al juicio trastorna la narración: se ve que Rowling tuvo una suerte de menjunje mágico en su cabeza escribiendo subhistorias que tienen algún punto en común pero totalmente deshilvanadas en la narración propuesta. Grindelwald aparece en un carruaje en el cielo, tirando por la borda a un contrincante en medio de remolinos lumínicos. Y todo vuelve a fojas cero.

Cuando creemos saber quién es quién, nos damos cuenta de que a duras penas hemos reconocido a Johnny Deep como “Gellert Grindelwald” arengando a los magos y desechando a los “muggles” o no magos, mientras “Newt Scamander” /Eddie Redmayne se ve como espectador de historias y lejos del protagónico inicial hasta que se encuentra con Albus Dumbledore (Jude Law) profesor de “Transformaciones” en Hogwarts, considerado el mejor mago de todos los tiempos, solo superado por Merlín.

A estas alturas es bueno considerar que una cuestión es escribir una saga en literatura y otra muy distinta acometer un guion intentando que cada coma de los libros (cinco en total) quepa en una pantalla. Hay mucha confusión, personajes cuyas historias se cierran a los apurones, y endeblez en el guion cubierta por la tremebunda parafernalia de efectos visuales.

Elsa Bragato

 

 

OTRAS NOVEDADES

l) BTS BURN THE STAGE MOVIE, COREA. Documental sobre la famosa banda coreana.

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https://youtu.be/uwgDg8YnU8U

2) HELL FEST: JUEGOS DIABÓLICOS, ESTADOS UNIDOS

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https://youtu.be/o-JQ9G7xlUA

3) EL SILENCIO ES UN CUERPO QUE CAE, ARGENTINA, documental

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https://youtu.be/WFs1y_bFRhE

4) ESTO NO ES UN GOLPE, ARGENTINA

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https://youtu.be/7u5cOHY_Q28

5) RULETA RUSA, ARGENTINA

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https://youtu.be/zNQwJH2QKeM

 

 

DE DESPOJOS Y COSTILLAS

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https://youtu.be/6h4fajcxMkU

XXXXX- LÁNGUIDO REENCUENTRO DE TRES HERMANAS

De Ernesto Aguilar. Con Florencia Carreras, Florencia Repetto y yanina Romanin. Fotografía de Leandro Díaz del Campo. Sonido de Santiago Pérez. Duración: 78 minutos.

De reconocida labor, Ernesto Aguilar cuenta en “De despojos y costillas” la historia de tres hermanas que regresan a la casa materna luego de la muerte de la progenitora. Una de ellas está embarazada y otra llega de Canadá, alejada de la familia por supuestos que el encuentro irá demoliendo. Cada una se enfrenta a su interior, cada una tiene un hecho del pasado que la asalta, lo onírico se corporiza.

Desde el punto de vista narrativo, la historia fluye, muy a la argentina: silencios, diálogos monocordes. Se habla demasiado por celular en lugar de ejemplificar con acción lo que se dice. La actuación supone acción de algún tipo. En este sentido, Aguilar no escapa al común denominador de la mayoría de nuestros cineastas que tienen una técnica purísima mientras los diálogos son inconsistentes e insustanciales y, en consecuencia, la idea original pierde fuerza, se transforma en un relato agónico. Hay una buena mano para generar cierta tensión aún con gran escasez de recursos. Nada que decir respecto de las jóvenes actrices creíbles en sus personajes.

Elsa Bragato

 

JUEVES 8 DE NOVIEMBRE DEL 2018.-

Un verdadero aluvión de films nacionales, entre ficción y documentales, caracterizan este jueves de estrenos.

 

OPERACIÓN OVERLORD

De Julius Avery. Con Wyatt Russell, Piloyu Asbaek, Bokeem Woodbine, entre otros. Fotografía de Laurie Rose. Música de Jed Kierzel. Duración: 110 minutos.

 

XXXXX- ZOMBIES NAZIES EN UN HÍBRIDO “GORE”

Operación Overlord fue el nombre que se le dio al Día D, o desembarco en Normandía, en clave. Fue el destierro total de las fuerzas nazis de Francia que logró la fuerza aliada. La historia pergeñada por Avery se centra en la noche previa al desembarco de tropas en esas playas (divididas en secciones que iban a ocupar los ejércitos de los diferentes países unidos contra el nazismo), en especial, la llegada de paracaidistas detrás de las líneas enemigas. Hay algunas secuencias muy logradas y escalofriantes (el militar que cae en el océano, por ejemplo) por lo que se destaca la labor de Laurie Rose y de Fabian Wagner (Game of Thrones): lograron captar el terror siniestro de esos jóvenes soldados que tenían que cumplir con una determinada misión antes de iniciarse el Día D.

La originalidad reside en el hallazgo que hacen: seres humanos de un pueblo que tomaron los nazis utilizados por el equipo de Josep Mengele como zombies, muertos renacidos con un determinado serum, monstruosos, y feroces.

Es aquí donde Julius Avery logra que el terror alcance momentos escalofriantes, sangrientos, brutales, revisionando, si se quiere, a “Malditos bastardos”, de Tarantino. Es una masacre de monstruos nazis, lo cual le confiere a este híbrido entre bélico y terror un plus importante: la segunda guerra mundial pudo ser una fuente poderosa para la creación de los monstruos que, años después, retomaría George Romero. Para fans del género, una película con una vuelta de tuerca interesante porque marca una renovación del género aunque los muertos vivos sean eternos.

Elsa Bragato

 

 

CAMINO SINUOSO

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De Juan Pablo Kolodziej. Con Juana Viale, Arturo Puig, Antonio Birabent, Geraldine Chaplin, Hugo Arana, entre otros. Fotografía de Horacio Maira. Música de Fito Páez. Duración: 108 minutos.

XXXXX- DRAMA INTENSO CON ALGUNAS DEBILIDADES

Juana Viale ha sido muy criticada por sus performances en televisión, en miniseries. El compromiso con sus personajes marcan un crecimiento actoral que el realizador Juan Pablo Kolodziej supo aprovechar para este intenso drama familiar y social: nos cuenta la vida de la atleta Mia expulsada de una competencia internacional por consumo de drogas, que le traerán una consecuencia indeseada como es no poder ser madre. Un viaje al sur (film fue rodado casi íntegramente en Villa La Angostura) para solucionar temas de herencia la enfrenta con el pasado. Surgen personajes fuertes, brutales, de manera inesperada. Nada es lo que había sido.

La fuerza dramática recae en Juana Viale y en Arturo Puig, quien vuelve al cine luego de “Tesis para un homicidio” rodada en 2013. Son dos personajes claves para un thriller que va in crescendo hasta llegar a secuencias de enorme potencia. En este sentido hay que rescatar la madurez alcanzada por Viale en interpretación y la calidad conocida en Puig. Geraldine Chaplin en un rol semisecundario aporta la magia de su figura y la solidez de su actuación, junto al resto del elenco. Buena fotografía, una banda sonora de Fito Páez de gran intensidad, colaboran en este drama bien actuado aunque no logra cerrar el círculo virtuoso propuesto desde el comienzo especialmente por los diálogos poco creíbles.

Elsa Bragato

 

 

PAÑUELOS PARA LA HISTORIA

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https://youtu.be/-nnfU4DsD-k

Dirección guion y fotografía de Alejandro Haddad. Documental sobre las Madres de Sábado, de Turquía. Música de José Luis Piccinini. Duración: 72 minutos.

XXXXX-EXCELENTE DOCUMENTAL SOBRE LOS DESAPARECIDOS EN TURQUÍA

Las Madres de Plaza de Mayo hicieron historia por su coraje, por su enfrentamiento con la última dictadura nada más que para buscar a sus hijos, raptados, torturados, asesinados brutalmente. Nora Cortiñas es una de la sintegrantes de ese movimiento que fue convocada por las Madres del Sábado de Turquía, que buscan a sus hijos también desaparecidos.

La historia de estas mujeres, entre las que están las Madres Kurdas, las Madres de Dyarbakir, las Madres de Sábado, se remonta a la década del 90 cuando el gobierno turco arrasó más de 3000 aldeas kurdas haciendo desaparecer a 17.000 jóvenes de ambos sexos.

Nora se preocupa porque estas mujeres logren llevar a la sede de Las Naciones Unidas de Ankara un petitorio sobre sus hijos, por los que claman desde hace décadas. No quiere hacer 2solo un documental”, como bien dice, sino que se concrete en un pedido que trascienda a las autoridades locales. De esta manera, tomamos contacto con una cultura muy diferente a la nuestra que, sin embargo, ha sufrido una violencia atroz: los kurdos fueron divididos en cuatro países luego de la Segunda Guerra Mundial. Están en “tierra de nadie”, castigados por ser quienes son.

Se trata de un gran documento de Alejandro Haddad, que nos muestra a Nora Cortiñas (psicóloga y luchadora por los derechos humanos perteneciente a Madres de Plaza de Mayo línea fundadora, 88 años), toda simpatía, enfrentando un idioma desconocido, costumbres opuestas, con tal de contribuir a que esas desesperadas madres, que llevan las fotos de sus hijos en las manos, comiencen con una búsqueda organizada a nivel mundial de los desaparecidos. Experiencia le sobra. Atrapa la historia porque el tratamiento narrativo de Haddad está más cerca del ficcional que del clásico documental con entrevistas a cámara. No la deje pasar. Véala. Imprescindible. Llega a las salas luego de tres años de haberse exhibido en el festival de cine de Mar del Plata.

Elsa Bragato

 

 

1)       KONSTRUKTION ARGENTINA, de Fernando Molnar.

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https://youtu.be/hRSpiArUtDo

Cuenta las pistas que existen en la construcción argentina del alemán Walter Gropius, fundador de la Bauhaus o Casa de la Construcción Estatal, que fundó hace casi 100 años.

 

2)       GRACIAS GAUCHITO, de Cristian Juré.

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https://youtu.be/6Kxr1vqfDvI

Narra la vida del “Gauchito Gil”, nacido en Mercedes, Corrientes, y la devoción que se generó tras el milagro que anunció antes de ser degollado. Hay varias leyendas sobre quién fue  Antonio Mamerto Gil Núñez.

 

3)       VIVA EL PALÍNDROMO!, de Tomás Lipgot.

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https://youtu.be/rc56bg61SDY

Tomás Lipgot nos cuenta con fruición y amor la vida de los palindromistas, siendo él uno de los aficionados a las frases reversibles como “Dabale arroz a la zorra el abad”. Es una celebración a un hoppy que es pasión.

 

4)       MI MEJOR AMIGO, de Martín Deues.

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https://youtu.be/a4Thr3JRAYU

Es el encuentro entre dos adolescentes y el despertar del deseo sexual. Tema tratado con mucha pulcritud, que nos recuerda a Llámame por tu nombre, que vimos este año.

 

PROGRAMACIÓN DE SALAS FUERA DEL CIRCUITO COMERCIAL

 

MALBA

http://www.malba.org.ar/eventos/de/actividades-cine-programacion/

CENTRO CULTURAL DE LA COOOPERACIÓN

http://www.centrocultural.coop/cine

CULTURAL SAN MARTÍN

http://elculturalsanmartin.org/programacion/2-cine

SALA LEOPOLDO LUGONES

http://www.unica-cartelera.com.ar/ciclos/624-sala-leopoldo-lugones

CENTRO CULTURAL RECOLETA

http://centroculturalrecoleta.org/agenda/ciclos/ciclo-de-cine-derechos-humanos

BAMA CINE

http://www.unica-cartelera.com.ar/cines/microcentro/499-bama

COMOS CINE

http://www.unica-cartelera.com.ar/cines/microcentro/493-cosmos-uba

ESPACIO INCA 0 – CINE.AR

http://www.unica-cartelera.com.ar/cines/microcentro/5-cinear-sala-gaumont

 

Es una semana con estrenos musicales, un género que no suele verse con frecuencia y que, por lo tanto, refresca las pantallas cargadas de thrillers, gore, y dramas de todo tipo.

 

BOHEMIAN RAPSODY

De Bryan Singer. Guión de Anthony McCarten, basada en la historia del mismo McCarten y Peter Morgan) Con Rami Malek, Joseph Mazzello, Ben Hardy, Gwilym Lee, Lucy Boynton Aidan Gillen, entre otros. Fotografía de Newton Thomas Sigel. Música de John Ottman. Coproducción de Estados Unidos y Reino Unido, además de Tribeca Production (Robert De Niro), entre otras productoras. Duración: 134 minutos.

XXXXX-REDESCUBRIENDO A FREDDY MERCURY

Resulta fascinante que, en el siglo XXI, se recree la vida y la obra del cantante de rock Freddy Mercury, líder de la banda inglesa Queen. Compositor, de gran voz, fue uno de los inconformistas más rebeldes de los años 70 y 80 enfrentando con desenfado la moralina existente. El film pasa muy por arriba aspectos fundamentales de su vida, tales como la rebelión por su apellido indio y persi – se llamó Farrokh Bulsara-, la relación con sus padres (aparecen en una breve secuencia), su gran amor por Bárbara Valentin y su último pareja, Jim Hutton, hasta el final de sus días (24 de noviembre de 1991). Las verdades están contadas a medias a manera de sobrevuelo biográfico.

El film nos muestra cómo se unió a Queen, teniendo entonces a tres grandes músicos como el batero Roger Taylor, el guitarrista y astrofísico Brian May, y el bajista John Deacon. La voz de Freddy y su desparpajo escénico los llevó a un triunfo meteórico, impulsando el “rock sinfónico” que había tenido algunas muestras muy significativas a comienzos de los 70. Freddy quería que el rock de la banda sonara como una gran orquesta. De allí surgió la Bohemian Rapsody y muchos otros temas que aún hoy nos asombran por su calidad musical. Es decir que Queen, como banda, tiene la primacía en esta biografía que nos dejó con ganas de más. Hay que destacar la gran actuación de Rami Malek como Freddy Mercury, y la del resto de los actores que encarnaron a los integrantes de la banda: Joseph Mazzello como el bajista John Deacon, Ben Hardy como el batero Roger Taylor, y Gwilym Lee como el guitarrista  y astrofísico Brian May. Por sobre hechos puntuales, está el cimiento musical de una banda diferente a todas las conocidas, con enorme influencia hasta hoy. Aún con detalles biográficos ausentes y con una narración muy convencional, es una película para ver y disfrutar plenamente.

Elsa Bragato

 

 

COLD WAR

Guion y dirección de Pawel Pawlikowski. Con Joanna Kulig, Tomasz Kot, Agata Kulesza, Borys Szic, Cédric Kahn, entre otros. Fotografía de Lucasz Zal. Montaje de Jaroslaw Kaminski. Duración: 88 minutos.

XXXXX-UNA PASIÓN INOLVIDABLE

El realizador polaco Pawel Paulikowski, el mismo de la notable “ Ida” con la que obtuvo el Oscar, repite el glorioso blanco y negro en Cold War, logrando el premio al mejor director en el reciente Festival de Cannes. Largos diez años de elaborada meditación le demandó el guion de esta película basada en hechos reales, la de sus padres, Wiktor y Zula, quienes vivieron juntos durante 40 años, con muchas intermitencias que determinaron un intenso drama amoroso. Murieron antes de la caída del muro de Berlín por lo que la “Guerra Fría” fue el marco de la pasión que los unió. Idas y venidas para encuentros pasionales memorables, huyendo o en forma legal, tironeados por la felicidad del amor o bien por la conflictividad como consecuencia del marco político tan áspero que les tocó sufrir, determinaron décadas de una pasión única.

Tomasz Kot y Joanna Kulig interpretan a Wiktor y Zula, que viven, en medio del folklore polaco o el jazz internacional, un amor arrollador que derrumbó burocracias y paredones. Joanna Kulig encandila la pantalla con su belleza y su candor. En la vida real, Zula-Kulig fue una mujer plena que cantaba en París, madre y amante, de espíritu profundamente libertario. Pawel Pawlikowski retrató con el corazón en su cámara lo que vivió en su hogar, con pulso firme, en un blanco y negro que, en algunas secuencias, se transforma en sublime. Es una historia hecha película difícil de olvidar, más que recomendable, fascinante, algo así como la cara y cruz de una moneda maravillosa, digna de gastarse en la vida.

                                                                       Carlos Pierre

 

 

GON-JI-AM

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https://youtu.be/nZnqr39ODJ8

Guion y dirección de Jeong Beom-Sik. Con Lee Seung-Wook, Mun Ye-Won, Park Ji-Hyun, Park Sung-Hoon, Wi Ha-Joon, entre otros. Duración: 95 minutos. Corea del Sur.

XXXXX-EFECTISMO DE PURA CEPA

Corea del Sur tiene prestigio ganado por sus películas de terror, en las que hay una realización osada que le ha dejado un público ávido cautivo. Sin embargo, en Gon-Ji-Am la narración se deja de lado para dar paso al susto, a la generación del miedo, y esto sí lo logra.. En primer lugar, están los jóvenes actores que remedan un show televisivo, una suerte de “reality” que, por momentos, no asustan mucho. Lo mejor es el sonido, que colabora con el guion aportando sustos interesantes. El elenco es enviado por una empresa de internet a un hospital psiquiátrico abandonado donde las almas de los muertos andan merodeando. Hay un “capitán televisivo” cuyo mandato es conseguir rating para lograr sponsors, y un “dejá vu” constante al tomarse en cuenta un material filmado, un “found footage”. Muchos elementos nos remiten al memorable Proyecto Blair Witch de 1999. Si hay algo que logra el director Jeong Beom Sik es asustar al hacer uso de las “almas en pena” que provocarán lo que uno puede imaginarse. Hay buenas intenciones cinematográficas, relegándose la explicación o narración de muchos hechos para dar paso al efectismo puro. Desde este punto de vista, es un buen producto.

Carlos Pierre

 

 

1)       SOMOS CAMPEONES, de Javier Fesser. España

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https://youtu.be/ZCLK0_JMWyY

 

2)       TODAVÍA, de Tomás Sánchez. Comedia nacional con Betiana Blum.

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https://youtu.be/i9PgTE2bDiI

 

3) 50 CHUSEOK, de Chang Sung King. Documental sobre los 50 años de la colectividad
coreana en la Argentina.

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https://youtu.be/f6MIKTKUmck

 

4)       LAS HIJAS DEL FUEGO, de Albertina Cherri. Género Porno Lésbico. Con Erica Rivas
y Cristina Banegas. Argentina.

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https://youtu.be/qaVTaDoxRiM

 

EL CASCANUECES Y LOS CUATRO REINOS

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https://youtu.be/Pc4gr5U6CSw

Dirigido por Lasse Hallström y Joe Johnston. Guion de Ashleigh Powell (Historia: E.T.A. Hoffman). Con Mackenzie Foy, Keira Knightley, Helen Mirren, Morgan Freeman, Eugenio Derbez, entre otros. Duración: 99 minutos. Música: James Newton Howard.

XXXXX- RENOVADO Y FASCINANTE “CASCANUECES”

Gran deleite produce este reencuentro con el famoso El Cascanueces, del compositor ruso P. Tchaikovsky. Esta película, titulada “El cascanueces y los cuatro reinos”, nos lleva a la historia de E.T.A. Hoffmann: la conjunción de éste con el compositor ruso dio por resultado un ballet estupendo, que deleita los sentidos, fusionando los sueños de la infancia con la adustez de la madurez.

Los Estudios Disney son responsables de esta mágica propuesta, con sus más y sus menos, poniendo al servicio de la historia buen gusto y un gran soporte técnico que mejora la calificación. Aun con reiteraciones, o algunas lagunas narrativas, le da un giro a la historia respetando el vestuario. Es decir, utiliza una pátina moderna: no utiliza los números completos del ballet sino algunas pinceladas de ellos. A la música incidental de James Newton Howard, dirigida por el gran maestro venezolano Gustavo Dudamel, se le agrega la frutilla del postre que es un solo del pianista chino Lang Lang. Excelentes carriles musicales que renuevan una composición inolvidable.

La protagonista es Clara (Mackenzie Foy), quien recibe el regalo de un cofre metálico con cerradura tambor sin  llave como legado de su mamá, ya fallecida. Deberá seguir el camino que traza un largo hilo dorado. De esa manera ingresará al “cuarto reino” o mundo paralelo. Por suerte, cuenta con la ayuda de un soldado “cascanueces”. Varias figuras la acompañan en su viaje: Keira Knightley, Helen Mirren y Morgan Freeman, aportan la calidad indiscutible de sus actuaciones.

El derroche de fantasía e ingenio, junto con la música original (cuando “Clara” abre el cofre, se escuchan las Variaciones del Acto II, correspondiente al Número 12, Pas de Deux) resulta fascinante. No hay detalle técnico omitido, ofreciéndose un prolijo y renovado “Cascanueces” para disfrutar en la familia.

Carlos Pierre

 

TODO EL AÑO ES NAVIDAD

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https://youtu.be/rdMrW4Kka38

Guion, edición y dirección de Néstor Frenkel. Cámara y fotografía de Diego Poleri. Música de Gonzalo Córdoba. Sonido de Fernando Vega y Hernán Gerard. Duración: 76 minutos.

XXXXX- MISTERIO NAVIDEÑO

¿Cómo se llega a ser “Papá Noel” en Navidad, cumpliendo horas de trabajo, saludando a los niños, regalándoles caramelos, en el verano tan caliente porteño? Este documental de Néstor Frenkel nos descubre a varias personas que, por inclinación espiritual por sobre una necesidad laboral, decidieron ser “papá noeles”. Por supuesto que el título, Todo el año es Navidad, nos remonta a los comienzos de la televisión argentina cuando el actor Raúl Rossi hacía esa serie semanal, que fue uno de los grandes éxitos de finales de los 50 y los 60. Por suerte, el espíritu de esas historias no se perdió: quien se pone el traje blanco y rojo siente que está cumpliendo con un deber o una misión que viene del cielo. Desde un ferretero hasta un luchador de lucha greco romana, un “estatua viviente”, un plomero y un maestro pesebrista,  entre otros, van pasando frente a las cámaras para dejar su testimonio como “papá Noel” y cómo, por tener barbas y pelos largos blancos, aceptaron esos roles con enorme espiritualidad. Eso sí, son trabajos que cumplen con esmero.

La narración busca mostrarnos la vida de estos hombres que se sienten tocados por algo especial para llegar a vestir ese traje y aceptar tantas horas de trabajo por el placer de complacer a los chicos, manteniendo la ilusión de que se viene del Polo Norte y de que es posible que exista, o de que el espíritu del hombre bueno de la literatura del hemisferio norte subsista. Es un trabajo pero es fundamentalmente un placer espiritual. Se la recomendamos a los adultos para que los más chicos no descubran de dónde vienen nuestros “papá noeles”. Deliciosa idea.

Elsa Bragato

 

AIRE

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https://youtu.be/up93gJHBDHs

De Arturo Castro Godoy. Con Julieta Zylberberg, María Onetto y Carlos Belloso. Fotografía de Hugo Colace. Música de Pablo Borghi. Edición de Eliane D.Katz. Duración: 69 minutos.

XXXXX-POCO ES MÁS

El realizador venezolano Arturo Castro Godoy, radicado en nuestro país, enfoca la historia de una madre y su hijo con síndrome de Asperger (características comunes al Autismo pero de menor severidad), que sufre un accidente en el colegio siendo trasladado a un hospital, sin aviso previo a la madre dada la urgencia. En verdad, es una road movie desesperante a través de la ciudad de la madre en busca de su hijo en un hospital, enfrentándose a la burocracia laboral y la falta de solidaridad. Desconfianza, modales poco gentiles, caracterizan a una ciudad que resulta más que inhóspita. Con mucho de los hermanos Dardenne, con toques de “Día de furia” y de “Relatos salvajes”, cuatro personajes nos hacen vivir una terrible odisea para llegar al hospital donde el niño será operado de un brazo por quebrárselo. El mejor hallazgo del film de Castro Godoy es apelar a lo poco frente a cámaras y echar mano de la fotografía y la música incidental. Cuenta con la actuación de Julieta Zylberberg que, aún con falta de modulación y hasta cierto estereotipo en las secuencias iniciales, logra un trabajo creíble transmitiendo la desesperación de una madre que debe derribar todo tipo de obstáculos para reencontrarse con su hijo. Con pocos elementos y personajes, Castro Godoy obtuvo un producto redondo con una pátina de “La habitación” aunque los relatos, partiendo de madre-hijo, tengan desarrollos diferentes. Bien se puede decir que lo poco muchas veces es más.

Elsa Bragato

 

JUEVES 25 DE OCTUBRE DEL 2018.-

Estrenos de todo tipo que incluyen la continuación de “Halloween” de 1978 y la nacional “Rojo” que viene con muchos premios del exterior. Hay romanticismo, slasher, historia, drama, comedia. Entre las películas hay varias que se exhiben en salas fuera del circuito comercial, pertenecientes a teatros o bien museos.

SOLO EL AMOR

De Diego Corsini y Andy Caballero. Con Franco Masini, Yamila Saud, Facundo Gambandé, Bautista Lena, Victorio D’Alessandro, Josefina Ramírez, Noel Shajris, Andrea Frigerio, Gerardo Romano, entre otros. Duración: 85 minutos. Música de Luis Cervi. Guion: Diego Corsini, Andy Caballero, Yamila Saud y Luis Cervi. Directora de fotografía: Sol Lopatin. Directora de arte: Coca Odengo. Duración: 96 minutos.

XXXXX-COMEDIA ROMÁNTICA JUVENIL

Los directores Diego Corsini y Andy Caballero (debutante aunque reconocido en el ambiente de la música por dirigir más de 150  videoclips) encaran con mucha versatilidad una comedia romántica para los jóvenes. Es, en sí misma, una propuesta estética innovadora que incluye, a lo largo de la narración, la actividad de las redes sociales. El elenco está apuntalado por dos sólidos artistas como Gerardo Romano y Andrea Frigerio quien, en los últimos años, sorprende en sus incursiones cinematográficas con roles comprometidos.

Música y juventud son los pilares de la historia, sencilla pero agradable, que tiene a Noah (Franco Masini) como líder de una banda de rock que todavía busca su éxito. De pronto conoce a Emma (Yamila Saud), una joven abogada muy estructurada, de quien se enamora perdidamente, a pesar de las muchas trabas que su padre, un abogado alcohólico y viudo (Gerardo Romano) de música y juventud, le impone. Una manager muy especial (Andrea Frigerio) cambia el destino de los jóvenes músicos, aunque el amor de los dos jovencitos deberá pasar a partir de ese momento por una difícil prueba. En realidad, la anécdota sirve para que el público joven disfrute de una pareja carilinda y de la música de onda. La canción del título, Solo el amor, de Noel Schajris es muy disfrutable, machacona, pegadiza. Es una propuesta simple con aire innovador que se pregunta si alcanza solo con el amor para vivir dentro del mundo artístico que se enfrenta a una realidad muy difícil y dura. Linda historia.

Carlos Pierre

 

HALLOWEEN

De David Gordon Green. Con Jamie Lee Curtis, Judy Greer, andi Matichak, Nick Castle, James Jude Cortney, Toby Huss, Virginia Gardner, Haluk Bilginer, Virginia Gardner, entre otros. Fotografía de Michael Simmonds. Montaje de Tim Alverson. Música de John y Cody Carpenter y Daniel Davies. Producción y asesoramiento, entre otros, de John Carpenter. Duración: 109 minutos.

XXXXX-UN CLÁSICO TERRORÍFICO!

Luego de 40 años, el director David Gordon Green, teniendo a John Carpenter como productor (además de otros rubros), se lanzó a la remake del éxito de este último “Halloween”, film de 1978, interpretado también por la notable Jamie Lee Curtis (hija de los recordados Janet Leight y Tony Curtis). Pasó por alto las secuelas, alrededor de 10. Y retomó a aquella protagonista para llevarla al sangriento enfrentamiento con el psicópata Michel Myers, que no murió sino que pasó muchos años en un manicomio.

El comienzo es diferente: una pareja de periodistas quiere conocer e investigar al asesino serial de 1978, siendo conducidos por el doctor Sartain (Haluk Bilginer), discípulo del doctor Samuel Loomis, personaje ficticio de la saga. Por diferentes motivos, que no son convenientes revelar, el psicópata Michel Myers (interpretado por Nick Castle y el “grandote” James Jude Cortney), queda libre el día que se celebra “la noche de las brujas” o Halloween (All Hallows’Eve, celebración de origen celta previa al Día de Todos los Santos). Y las masacres comienzan, hasta llegar al enfrentamiento entre “Laurie Strode” (magnífica Jamie Lee Curtis), única sobreviviente de la matanza de 1978, y el monstruo Myers, quedando involucradas su hija Karen (Judy Greer), su nieta (Andy Matichak) y su yerno (Toby Huss).

El manejo del suspenso que incluyen larguísimos silencios (eternos para el espectador) es la base de esta película que, en su género, resulta soberbia, espeluznante, altamente perturbadora. La fotografía utiliza, para esos momentos cruciales, tomas-secuencias que se cortan con una toma fija para volver a la toma-secuencia, durante muchos minutos, sin banda sonora. Las masacres se suceden sin tapujos: David Gordon Green captó la esencia del film de John Carpenter mostrando sin hesitar desde aplastamientos de cráneos hasta degüellos, quejas guturales de los que son asesinados y gritos escalofriantes.

Si bien la fiesta de Halloween es para los adolescentes, es tan solo un subtema porque el centro es el asesino serial suelto matando “a piacere” en Haddonfield (condado donde nació Debra Hill, en New Jersey, coguionista del primer film, fallecida a temprana edad). John Carpenter surgió como notable director independiente por “Halloween” con la debutante Jamie Lee Curtis, que ahora sume el mismo rol, ya en calidad de abuela que espera enfrentarse al monstruo antes de morir. “Halloween” es el mejor ejemplo de que los íconos logrados del terror, en este caso, subsisten a través del tiempo. Si no, no se explicaría que una sala de espectadores permanezca en absoluto silencio durante quince minutos tapándose la boca para no gritar. Más que recomendable para quienes amen el género y, en especial, el “slasher”, este gore tan preciso y aterrador. Vas a saltar de la butaca!!!!!

Como anécdota, decimos que la máscara que utiliza el asesino Myers es una réplica del rostro del actor canadiense William Shatner, que interpretó el personaje de “Capitán Kirk” en “Star Treck”. Se debió a los moldes que se hicieron entonces de todo el elenco y que empezaron a venderse en los 70. Incluso Shatner había participado de otro film donde debió hacerse una máscara. Su rostro, con algunos cambios (sin patilla, por ejemplo), fue el elegido como máscara para Michael Myers.

Elsa Bragato

 

LOCAMENTE MILLONARIOS

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https://youtu.be/N8Dy33MJumM

De Jon M. Chu. Con Constance Wu, Henry Golding, Michelle Yeoh, Chris Pang, Ken Jeong, entre otros. Guión de Chiarelli y Adele Lim, sobre la novela homónima del escritor Kevin Kwan, nacido en Singapure), Fotografía de Vanja Cernjul, Música de Brian Tyler. Duración: 120 minutos.

XXXXX- SINGAPUR EN EL CENTRO DE UNA HISTORIA DE AMOR

Las bellas historias de amor son una “rara avis” en el cine. De vez en cuando, surge alguna con muchos clishés. El caso de “Locamente millonarios” (Crazy rich asians) es diferente: con un estilo clásico, Jon M Chu instala la historia de dos orientales, “Nick Young” (Henry Golding) y “Rachel” (Constante Wu), que viven en New York. Nick se enamora de Rachel y le propone casamiento con una visita a su familia en Singapur, escondiendo que se trata de un supermillonario oriental. Es que Rachel proviene de una familia muy pobre que migró a los Estados Unidos.

A partir de esta idea, Chu construye una película ágil, simpática, que en ningún momento cae en el melodrama de la “chica pobre” enfrentada a los “ricos” de cualquier tipo de sociedad. El equilibrio entre poder y trabajo es estupendo al punto que las secuencias más complicadas se resuelven como momentos simpáticos. La fotografía contribuye a la solidez de la trama que, aun refiriéndose a las respectivas fiestas de soltero de los novios, las envidias de las chicas porque una “migrante” ha conseguido el corazón del codiciado millonario, o la selección de vestidos para “Rachel”, nunca aburre o cae en lo remanido. Es una reivindicación de la comedia romántica en estos tiempos, que incluye un viaje a una ciudad increíble como Singapur (donde nació y vivió el autor del libro homónimo), acertados diálogos, y la tradicional confrontación suegra-novia no ideal dentro de cánones tradicionales. Para disfrutar de una comedia poco común, entre road movie y romanticismo de primerísimo nivel.

Elsa Bragato

1)       ALFA, de Albert Hughes. Drama histórico, ubicado hace 20.000 años en la última glaciación. Un joven guerrero de una tribu de entonces es malherido, lo dan por muerto, y debe sobrevivir. Lo acompaña un lobo (o especie similar).

“Una historia anticuada de manera agradable pero moderna en técnica, es lo suficientemente atractiva incluso para los que no sienten nada especial por las mascotas”, de John DeFore, The Hollywood Reporter.

“Una historia convencional contada con brillantes. Es fascinante de manera rígica y al gría, “Alpha” es cautivadora sin ser demasiado sorprendente”, de Owen Gleiberman, Variety.

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https://youtu.be/27tBNK-VKAQ

 

2)       UN PEQUEÑO FAVOR, de Paul Feig. Una mamá bloguera busca a una amiga desaparecida.

“Las interpretaciones de Kendrick y Lively son tan estimulantes, tan mordaces y enérgicas. que le dan un toque de buen humor a un guion vacío y carente de sentido”, de Richard Brody, The New Yorker.

“Un thriller inteligente, complicado y esporádicamente sexy. “Un pequeño favor” ofrece a una Kendrick desatada”, de Amy Nicholson, Variety.

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https://youtu.be/kdAatV-SXj4

 

 

TRANSIT

Guion y dirección de Christian Petzold (Novela: Anna Seghers). Con Franz Rogowski, Paula Beer, Godehard Giese, Lilien Batman, Maryam Zaree, Barbara Auer, Matthias Brandt, Sebastian Hülk, entre otros. Fotografía: HanZ Fromm. Música: Stefan Will. Edición: Bettina Böhler. Duración: 104 minutos.

XXXXX-INTELIGENTE METÁFORA SOBRE LO QUE NO CAMBIA

El realizador alemán Christian Petzold, basándose en una novela de Anna Seghers que escribió en la Marsella – Marsilia- fundada por los romanos, juega con una trasposición temporal, atrevida, que permite contrastar y equiparar el fascismo nazi de 1942 con la actitud de los fascistas y nazis actuales respecto de los inmigrantes. Entonces, los europeos huian hacia nuestro continente. Hoy, sin carros de la Gestapo pero ahogados por bombas y hambre, huyen hacia Europa, o se trasladan por América Latina.

Es una barroca metáfora del tiempo que parangona los refugiados de entonces con los actuales. Petzold parte de la historia de amor de un refugiado que utiliza la identidad de un escritor muerto valiéndose de sus documentos para ingresar a México. El actor alemán Franz Rogowski lo encarna, de gran parecido físico con el actor Joaquín Phoenix. Marie (Paula Beer), enigmática y huidiza, es la esposa del escritor fallecido. Los dos buscarán un gran amor que supere la fragilidad de ser refugiados.

Entre el melodrama y el cine clásico, Christian Petzold realiza una creación ingeniosa en éste, su cuarto largometraje, al proponer un gran reto intelectual con este paralelismo entre la Segunda Guerra Mundial y la actual, centrada en la discriminación y el hambre. Incómodo y conmovedor relato sobre una realidad que no abandonó el mundo sino que cambió de año para ser, en definitiva, lo mismo.

Nota de Redacción: el pressbook ofrecido indicó cierto mimetismo con “Casablanca” y la línea de thriller concebida por Alfred Hitchcock.

                                                                         Carlos Pierre

 

 

EL OTRO VERANO

Dirección y guion de Julián Giulianelli. Con Guillermo Phening, Juan Ciancio, Malena Villa, Mara Santucho, entre otros. Fotografía de Gustavo Biazzi, Montaje de Santiago Esteves, Sonido de Federico Esquero. Música de Sebastián Felisiak.  Luciano Gugliesi. Duración: 72 minutos.

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https://youtu.be/YNiTrXy1x18

XXXXX-LOGRADO FRESCO SOBRE LOS SENTIMIENTOS

Julián Giulianelli ubicó su historia en el pueblo San Marcos Sierras de la provincia de Córdoba, creando una atmósfera especial de cansina densidad, en la que el protagonista, “Rodrigo”, un sólido Guillermo Pfening, transita por esos días, ese verano, por la vida, de manera taciturna, casi sombría. No hay gestos suyos que demuestren nada. La llegada de un joven que busca un lugar para estar unos días, una guitarra, un río de montaña rumoroso, una vecina muy jovencita, se van sumando para generar un estallido sordo de deseo, que provoca una reacción inesperada en Rodrigo.

La narración es atrapante: hay clima de thriller. A las escenas puntuales donde todo podría explotar, Giulianelli les da un tratamiento natural, basándose en la actuación de Pfening, a estas alturas, uno de los mejores actores de nuestro cine. Un sepia dorado, intenso por momentos, y un gran trabajo actoral y fotográfico, resultan suficientes para un relato que, con escasos parlamentos, nos habla de las frustraciones y la incomunicación. Apuntamos además que Giulianelli parte de tres personajes para desencadenar una historia que mantiene en vilo sin abandonar la quietud soporífera de los veranos serranos. Se queda un poco corto en el drama. Aún así, muy buen trabajo.

Elsa Bragato

 

 

ROJO

Guion y dirección de Benjamín Naishtat. Con Darío Grandinetti, Andrea Frigerio, Alfredo Castro, Laura Grandinetti, Diego Cremonesi, Rudy Chernicoff, entre otros. Fotografía de Pedro Sotero. Música de Vincent Van Warmerdam con fragmentos de Las Islas Galantes de J.P. Rameau, Camilo Sesto y la canción “El valle y el volcán” de Jairo y María Elena Walsh. Edición de Andrés Quaranta. Arte de Julieta Dolinsky. Sonido de Fernando Ribero y Simón Apostolou. Duración. 109 minutos. Coproducción Argentina, Brasil, Francia, Holanda y Alemania.

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https://youtu.be/KKdTPuCgqkU

XXXXX-TIEMPOS VIOLENTOS

Intensidad de thriller logra Benjamín Naishtat, ganador del premio al mejor director en el último festival de cine de San Sebastián por esta película, con una historia ubicada en setiembre de 1975 en una localidad provincial, en plena vigencia de la Triple A y en las vísperas del último golpe militar. Ese clima de intimidación e impunidad de los 70, que unificó en la persecución a Argentina con Uruguay, Chile, Paraguay y Bolivia, se colaba hacia el interior del país. El rojo del título tiene que ver, esencialmente, con la sangre que tiñó esa larguísima década. Roja la sangre, rojo el eclipse, rojo el entorno, y la impunidad de un destacado abogado, encarnado por Darío Grandinetti, que lleva una vida cómoda con su mujer (muy buena actuación de Andrea Frigerio) y su hija (Laura Grandinetti, hija de Darío también en la vida real). El trabajo de montaje y de sonido le dan los matices necesarios al film: desde secuencias rumorosas, con mucho público hablando, hasta pasar al silencio de una especie de desierte o al sonido del mar en plena Bristol marplatense, marcan las características de aquellos años: el ruido de las construcciones tapaba los gritos de los “chupados” y vejados.

Un personaje cae literalmente del cielo: el periodista y detective que interpreta Alfredo Castro, que llevará al protagonista a un callejón ético sin salida. Los indicios de que los tiempos son violentos están en la silente primera secuencia (vaciamiento de una casa) y algún comentario en la televisión. El logro de Benjamín Naishtat está por encima de lo que muestra y se escucha: está en el clima logrado con excelentes actuaciones, silencios, una lentitud inapropiada para lo que ocurre. Es una gigantesca metáfora: no es lo que se ve sino lo que nos hace sentir por sobre cualquier hecho.

“Rojo” tiene, además, un diseño de arte estupendo. Desde la recreación de época hasta la misma filmación, con planos y contraplanos hasta personajes con manía de fumar en lugares cerrados, van logrando un espejo de los años menos apacibles de la sociedad argentina. Gran dirección, gran trabajo de Grandinetti.

Elsa Bragato

 

JUEVES 18 DE OCTUBRE DEL 2018.-

Es una semana sin tanques pero con comedias algunas muy buenas, otras aceptables, algo de terror fuerte, y biopic. No está mal.

 

AMOR DE VINILO

De Jesse Peretz. Con Rose Brynm, Ethan Hawke, Chris O’Dowd, entre otros. Música de Nathan Larson. Duración: 97 minutos.

XXXXX-ETHAN HAWKE: EL ENCANTO DE UN GRAN ACTOR

Sin ampulosidad, Jesse Peretz logró una comedia de altísimo vuelo romántico pero sin empalagar, basado en el encanto actoral de sus protagonistas: Ethan Hawke, a quien no veíamos en un papel semejante desde el tríptico “Antes de…” de Richard Linkater, y la muy eficiente Rose Brynm. Una pareja en crisis intenta remontar las situaciones adversas como puede, hasta que reaparece en la vida de ella su músico más admirado: el roquero Tucker Crowe, que encarna Ethan Hawke, un actor que pudo ser galán sin tener una “babyface”, a puro encanto personal, carisma. De cómo este pasado que regresa con 20 años más recae en el espíritu de Annie es la clave de esta narración que no aspira nada menos que a contarnos una historia agradable, que nos permite sonreir con la historia, espejo de muchas situaciones cotidianas y otras soñadas.

Son dos vidas que fascinan a través del mágico encuentro que tienen. Mágico por lo impensado y porque responde a un gran sueño de la protagonista. Por otra parte, Hawke y Brynm demuestran una fluidez en la relación actoral atrapante. Las desventuras cotidianas tienen un momento de sosiego ante este pasado que retorna de la manera menos imaginada. Todo tiempo pasado fue mejor? Gran interrogante porque ese pasado ocurre en el presente. Suele suceder que el romanticismo caiga en lo cursi o empalagoso por lo que hacer una película inteligente es más difícil. Jesse Peretz lo logra con convicción, honestidad y la naturalidad notable de los protagonistas quienes se mueven en un mundo propio. Para disfrutar.

Elsa Bragato

 

GAUGUIN, VIAJE A TAHITÍ

De Edouard Deluc. Guión de Etienne Comar, Edouard Deluc, Sara Kaminsky y Thomas Lilti. Con Vincent Cassel, Malik Zidi, Ian McCamy, Pemille Bergendorff, entre otros.Fotografía de Pierre Cottereau. Música de Warren Ellis. Duración: 102 minutos.

XXXXX- EL HOMBRE Y SU CIRCUNSTANCIA

En el año 1891 el pintor Paul Gauguin, de 45 años, deja París y a Mette Sophie Gad, la joven esposa danesa de Copenhague y a sus hijos y camaradas, para viajar al lejano Tahití buscando su propia inspiración, lejos de cánones rígidos, y lograr su coronación como artista.

El 8 de junio de 1891 pisa por primera vez la tierra de Noa Noa. Se instala en la costa del sur de Tahití, en Mataiea, entre el mar y la montaña, junto a una grieta profunda poblada de carnosos y dorados mangos. Maravillado por los colores brillantes del mar, de los arrecifes de coral y, especialmente, por ese ritmo cansino de los tahitianos, cree haber encontrado el antiguo paraíso. Conoce a una joven nativa, Tehura, se enamora y se casa. Pinta al aire libre como los impresionistas, con talento viril y salvaje. Nada es para siempre por lo que la vida le mostrará su cara más dura: deberá ser estibador y pescador para subsistir, mientras cela a su joven esposa con ferocidad y la diabetes lo debilita cada día más.

El paisaje panorámico del fotógrafo Pierre Cattereau es un plus enorme que tiene este film de Edouard Deluc, un protagonista más que enmarca el personaje de Vincent Cassel, en una muy lograda interpretación del famoso pintor. La protagonista femenina es Tuhei Adams, la joven nativa que da vida a “Tehura”, inmortalizada en las telas de Gauguin. En este sentido, lo formal supera a lo conceptual: Deluc apuntala esta parcial biopic en detalles como los colores que usó Gauguin. Desde la predilección por el amarillo, el violeta, el blanco hasta el azul del mar, todos presentes en la apabullante naturaleza que lo rodeó. Es, en verdad, un retrato de un momento especial en la vida del notable artista, en el que lo cotidiano se coló en su ímpetu creativo mucho más de lo que él hubiese querido. Edouard Deluc narra solo ese momento, con ausencia de profundidad psicológica: el hombre y sus pasiones, el hombre y su circunstancia. Para ver.

Carlos Pierre

 

CRIATURAS NOCTURNAS

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https://youtu.be/avUxjq_uulI

De Fritz Bohm. Con Bel Powley, Liy Tyler, Brad Dourif, James Legros, entre otros. Fotografía de Toby Oliver. Música de Martina Eisenreich y Paul Haslinger. Duración: 92 minutos.

XXXXX-TERROR TAQUILLERO

Las historias pueden cambiar con alguna vuelta de tuerca pero las resoluciones son las mismas. El entorno de los bosques, con halos de misterios sepulcrales, personajes jóvenes presas de extraños espíritus o pesadillas, y alguien que aparece como salvador, es el story board básico de estas películas. En este caso, se trata de Anna (Bel Powley), quien pasó su infancia encerrada en la casa de un siniestro hombre que decía ser su papá. Tiene un oído muy especial por haberse acostumbrado a detectar sonidos. Por suerte, la sheriff del lugar la encuentra y la libera. Sin embargo, esa horrible niñez no la dejará en paz.

En líneas generales, el clima opresivo y siniestro está logrado por Fritz Bohm, cineasta nacido en Berlín quien debuta como realizador con este film. Por un lado, plantea una serie de premisas sobre la adolescencia y la niñez, tema más que amplio y complejo, y por otro, se entrega sin titubeos a los clishés que maneja sin sorpresa para los conocedores del género. No obstante, su incursión es loable porque, lejos de lo estrictamente gore, enfoca el terror en la mente y no en la crueldad física. De esta manera, Bohm se suma al terror taquillero a partir de una mezcla de la ingenuidad de los films independientes con el terror clásico del género.

Elsa Bragato

 

LA CASA DEL ECO

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https://youtu.be/hs2cE2q7d3I

De Hugo Curletto. Con Guadalupe Docampo, Rubén Gattino, Gerardo Ottero, Pablo Tolosa, Gina Cacvagna, entre otros. Música de Tomates asesinos. Fotografía de Sebastián Ferrero. Duración: 93 minutos.

XXXXX- COMPLEJO PLANTEO EXISTENCIAL

Hugo Curletto es un reconocido hombre de los medios cordobés. Con “La ciudad del eco”, se lanza al largometraje trabajando un tema complejo, un intenso thriller psicológico que desnuda los vacíos existenciales que padecemos. A partir de una narrativa fragmentada entre el viaje de Alejo y Ana hacia el pinar (la zona de Alpa Corral, Córdoba), una pared que se derrumba (Alejo es arquitecto), la hija gimnasta Helena, el parco baqueano, su oficina, el laboratorio de Ana, Curletto nos enfrenta al cambio abrupto, de un segundo al otro. Dónde está la realidad de Alejo que pareciera ser la nuestra? En el bosque, en la ciudad., en sus insomnios, en su deseo de ser padre, en la repetición humana que significa engendrar, en el mismo eco al que cree dominar? El trabajo narrativo es muy interesante aunque denso: cansino, melancólico, cargado de vacíos, cierta solemnidad en los diálogos, caracterizan esta sólida historia, que perturba. Es un film inquietante que da cabida a la pregunta existencial sobre el tiempo y el espacio, realidad o irrealidad. De una u otra manera, Curletto resignifica  y busca, con imágenes, el sentido de la vida.

Elsa Bragato

 

APÓYATE EN MÍ (LEAN ON PETE)

De Andrew Haigh. Transposición de la novela de Willy Vlautin. Con Charlie Plummer, Steve Buscemi, Amy Seimetz, Chloe Sevigny, Steve Zahn, entre otros. Música: James Edward Barker. Fotografía: Magnus Nordehof Jonck. Duración: 121 minutos. Reino Unido.

XXXXX-CAMINO A LA ADULTEZ

Charley Thompson (encarnado por Charlie Plummer, ganador del premio Marcello Mastroianni como Revelación   de la Muestra de Venecia 2017) es un adolescente de 15 años que convive con su padre en un suburbio de Portland, Oregon. Cuando éste muere, inicia una suerte de road movie hacia el Este en busca de un único familiar que tiene. Su caballo es especial: trabajando para un cuidador de equinos, roba el animal que iba a ser sacrificado por estar muy golpeado. Se llama “Lean on Pete”, el nuevo amigo de cuatro patas. Ambos van por un polvoriento itinerario, a merced del clima, con hambre y sed, sin dinero. Estoicos y tenaces.

Todo un desafío del realizador inglés Andrew Haigh el compenetrarse de la mentalidad norteamericana, ayudado por el magnífico trabajo de Charlie Plummer y el entorno panorámico del oeste que retrató el excelente fotógrafo Magnus Nordenhof. Atiene un plus: el realizador no mostró la miseria humana con demagogia sino con naturalismo, sin sensiblería o golpes bajos  cuando el dolor y la muerte acecharon al hombre y al caballo.  Steve Buschemi y Chloe Sevigny tienen roles secundarios de gran soporte para el arrollador personaje de “Charley” y, aún quedando en desventaja de exposición, son lo suficientemente sólidos como para convertirse en inolvidables. La narración esaustera, fuerte, que muestra la lucha por la supervivencia de un jovencito solo por su espíritu de perseverancia y la amistad encontrada en un fiel animal. Es la iniciación en la adultez a partir del difícil camino heredado: la nada misma. El espíritu de lucha lo salva y lo redime. Fuerte, dura, dramática. Para ver.

Carlos Pierre

 

1)  ALL INCLUSIVE, de Diego y Pablo Levy. Con Mike Amigorena, Julieta Zylberberg, Alan Sabbagh. Come romántica. Argentina

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https://youtu.be/E399uGpbd8Y

 

2)      ARGENTINA ANIMADA, de Sokolowicz y Víctor Leali. Animación argentina.

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https://youtu.be/SjylEhPFo00

 

3)      Mary y la flor de la hechicera, de Yonebayashi. Animación japonesa.

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https://youtu.be/cNfN_37lOeM

 

JUEVES 11 DE OCTUBRE DEL 2018.-

De la variedad de estrenos fílmicos que llegan a nuestras salas, vamos a recomendar cuatro: “Nace una estrella”, “Doblatov”, “Christopher Robin, un encuentro inolvidable”, y la nacional “Familia sumergida”. Se proporcionarán datos de otros filmes o documentales que se estrenen.

 

CHRISTOPHER ROBIN. UN ENCUENTRO INOLVIDABLE

De Marc Forster sobre una historia de Alex Ross Perry. Con Ewan McGregor, Hayley Atwell, Bronte Carmichael, Mark Gatiss, entre otros. Fotografía de Matthias Foenisgweieser. Música de Jon Brion y Georg Zanelli.   Duración: 104 minutos.

XXXXX-LOS MEJORES RECUERDOS EN AGRADABLE COMEDIA

En el 2017 asistimos al estreno de la biografía de AA. Milne, creador del famoso muñeco Winnie-the Pooh- Entonces, la familia de Milne fue el centro de la historia, enfocada a su vez en su pequeño hijo Christopher Robin. En esta oportunidad, el guion se centra en “Chris”, ya adulto, y la aparición de los recuerdos de tantos muñecos que acompañaron su infancia muy especial. La factoría Disney consigue otra historia emotiva, de estructura clásica, que gusta a grandes y chicos porque conmueve y devuelve recuerdos.

Christopher Robin ha perdido su idílica infancia vivida junto a un grupo de animales de peluche en el Bosque de los Cien Acres, que creara su padre. Ahora es un adulto atrapado por un trabajo que lo sobrecarga de responsabilidades y, entre ellas, la de decidir el futuro de la empresa y sus empleados. Su familia, compuesta por una joven esposa y una pequeña hija, lo preocupan en demasía por los apremios laborales que está sufriendo a manos de su jefe, Giles Winslow (Mark Gatiss). El destino le depara dos sorpresas claves que no podemos contar salvo la que está en el título: el reencuentro inolvidable con los peluches de su infancia quienes, a través de mecanismos maravillosos de imaginación y realidad, lo ayudarán.

Por sobre la historia, que, aunque de realización clásica, tiene muchos rasgos de originalidad, está la actuación de Edward McGregor quien tiene una vastísima trayectoria bajo grandes directores, entre ellos, Woody Allen. Con un encanto reiterativo, es una buena opción para toda la familia.

Carlos Pierre

 

NACE UNA ESTRELLA

De Bradley Coopor. Con Bradley Cooper, Lady Gaga, Sam Elliott, Andrew Dice Clay, Bonnie Somerville, William Belli, Steven Ciceron, entre otros.. Basada en la historia escrita por William A. Wellman y Robert Carson. Fotografía de Matthew Libatique. Canciones a cargo de Lady Gaga, Bradley Cooper, Luke Nelson y Mark Ronson. Duración: 135 minutos.

XXXXX-EL HOLLYWOOD QUE ADMIRAMOS

En su carta remake, llega una historia inolvidable de Hollywood: la vida un famoso actor adicto al alcohol que descubre en una camarera una voz notable. Al mismo tiempo que nace el romance entre ellos, va creciendo su compañera. La versión que más recordamos es la de Barbra Streisand y Kris Kristofferson realizada en 1976, versión homónima de la película de 1954, con Judy Garland y James Mason, y, finalmente, basadas todas en la primera versión de 1937, de William A. Wellman, que estelarizó Janet Gaynor junto a Fredich March, con música del gran  maestro alemán Max Steiner.

Lady Gaga es la estrella por excelencia de esta versión, acompañada por un excelente Bradley Cooper, ganador de premios Oscar, enorme actor de gran ductilidad que, al mismo tiempo, dirige. Entre ambos conforman una de las parejas protagónicas más fuertes del Hollywood actual, solventes, atrapantes. Aún cuando se pueda tildar de “romanticona”, es una historia conmovedora de amor, pasión, arte, caída. Lady Gaga es una revelación que no asombra: el compositor argentino Jorge Calandrelli redescubrió a Lady Gaga como émula de Barbra Streisand en versiones que la cantante realizó junto al mítico Tony Bennett. De aquella jovencita que se colgaba con raros arneses en los MTV Music Awards, a esta notable actriz y cantante existió el camino de la perseverancia y estudio por sobre el talento innato que posee. Gran película para los que amen los musicales, actuaciones memorables de Lady Gaga y Bradley Cooper. No se la pierdan aunque al final se les rompa el corazón. La historia la conocemos, si bien estrenaremos lágrimas.

Elsa Bragato

 

DOVLATOV

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https://youtu.be/z0rfXj9nfXE

De Aleksey German Jr. Con Artur Beschastny, Danila Kozlovsky, Milan Maric, Anton Shagin, HJelena Sujecka. Diseño de producción de Elena Okopnaya. Fotografía de Lukasz Zal. Duración: 126 minutos. Coproducción de Rusia, Polonia y Serbia.

XXXXX-UNO DE LOS MEJORES FILMS DEL AÑO

Aleksey German Jr logra un film de antología en esta breve biopic del escritor judío ruso Serguéi Dovlatov. La historia comienza el 1ro de noviembre de 1971, en una de los departamentos de la vieja URSS que obligaba a compartir los cuartos con diferentes familias. Dovlatov es una suerte de guía narrativa, de la misma manera que Owen Wilson lo fue en “Medianoche en París” de Woody Allen. A través de siete días, German Jr retrata la vida intelectual marginal, opositora al régimen, que Dovlatov recorre cumpliendo con su tarea de periodista de un diario insignificante mientras intenta contactarse con alguien poderoso que lo ayude a ingresar a la Unión de Escritores. Si nadie le publica algo en una revista aceptada por el régimen, nunca podrá editar un libro. No pasará del submundo intelectual. Su suerte es la de muchos, como la del poeta Brodsky, que emigró tempranamente a los Estados  Unidos falleciendo en estas tierras. Con el tiempo, Dovlatov seguiría sus pasos.

La fotografía muy sepia, casi siempre en ambientes plagados de humo de cigarrillo o en exteriores con neviscas muy fuertes, es uno de los logros del film, que utiliza la toma-secuencia y el medio plano casi constante para permitir el ingreso y salida de numerosos personajes que habitan la nocturnidad de Leningrado. Beben, charlan, intercambian libros, buscan padrinazgos posibles para ingresar al Sindicato – o unión- de Escritores, requisito sine qua non sin para editar sus libros. Para Dovlatov, arrodillarse ante uno de estos nexos, abominables por lo que se ve (y lo que siempre se supone), resulta inaceptable.

A partir de este lineamiento argumental, el realizador Aleksey German Jr plasma un retrato vívido de la sociedad rusa de esa década, con ciertas humoradas que remiten a las guerras mundiales y a una catarata de los nombres de escritores rusos, algunos muy famosos en Occidente. La subsistencia difícil no lo aleja de su pequeña hija ni de una relación con altibajos con su ex mujer. La presencia del régimen comunista aparece súbitamente, quiebra la narración por un momento, para luego retomarla con el mismo ritmo del comienzo; el jazz, contrabando y algunas bromas recurrentes aligeran la narración que es atrapante a pesar de su densidad.

Elsa Bragato

 

FAMILIA SUMERGIDA

TRAILER

https://youtu.be/JINgtVWtEGk

De María Alché. Con Mercedes Morán. Marcelo Subiotto, Esteban Bigliardi, Diego Velázquez, Laila Maltz, La Artetaq, Federico Sack. Fotografía de Helene Louvart. Música de Luciano Azzigotti. Edición de Livia Serpa. Sonido de Julia Huberman. Dirección de arte de Mariela Ripodas. Duración: 91 minutos.

          xxxxx – LA REALIDAD TAN TEMIDA

Mercedes Morán se ha constituido en pocos meses en la actriz con más presencia en el cine nacional, a través de personajes muy disímiles que demuestran su enorme calidad interpretativa. En este caso, es la protagonista de “Familia sumergida”, título muy sugestivo de la debutante en largometrajes María Alché, premiada en San Sebastián por la dirección. Se trata de una narración muy rica fotográficamente y sin fisuras de guion, no hay altibajos sino fluidez. Ambos aspectos confieren a “Familia sumergida” solidez a través de una historia atrapante a pesar del modo cansino que Alché adoptó. Mercedes, a cargo de Mercedes Morán, acaba de perder a su hermana, debe desalojar el departamento, tiene un marido que viaja mucho y es muy poco afectivo y tres hijos adolescentes con sus incipientes vidas y discusiones rondándola. Mercedes Morán es omnipresente aunque no esté: Alché utiliza un recurso muy inteligente al poner en primer plano las vicisitudes de los personajes que no tienen nada que ver con los problemas que enfrenta Marcela, pero ella está. O pasa frente a cámaras o está por detrás. Está. La presencia de un joven amigo de su hijo será un momento de inesperado rescoldo espiritual, aunque luego la realidad la sumergirá nuevamente en la vida de todos los días.  Destacamos ese “estar” de Mercedes Morán: es un rasgo distintivo de la realizadora, que utiliza flashback inesperados como la presencia de familiares ausentes, un recurso que manejó sabiamente Ingmar Bergman. Es una narración sin fisura, con una pátina fuerte de melancolía.

Elsa Bragato

 

QUÉ PUEDE PASAR

TRAILER

https://youtu.be/vI2yXBBpGUQ

De Andrés Tambornino y Alejandro Cruz. Guion de Pablo Mir, Miguel Gruskoin, Gabriel Sucari y Alejandro Cruz. Con Luciana Salazar, Mirta Busnelli, Osvaldo Santoro, Darío Lopilato, Emilio Disi, Grego Rossello, Luis Ziembrowski, Alejandro Muller, Chang Sung Kim, Magui Bravi, Inés Palombo, entre otros. Fotografía de Iván Grodz. Música de Martín Bianchedi.   Duración: 90 minutos.  

XXxxx-¿¡QUÉ LES PASÓ?!                             

“Qué puede pasar?” es el título de esta película pasatista nacional que cuenta con un elenco de gran nivel. Sin embargo, como cada actriz o actor se constituye en el eje de la secuencia que le tocó en suerte, no resulta un elenco amalgamado. Los personajes parecen insertados a la fuerza armando un collage burdo. Esto nos obliga a pensar que los cuatro guionistas tuvieron ideas muy diferentes sobre el producto final. Si este mix fue lo buscado, ha sido un gran error.

Darío Lopilato como Marito y el ascendente Grego Rosello como Peter quieren hacer una fiesta bien a la americana (pensamos en películas como “Qué pasó ayer?”). El primero queda a cargo de la casa paterna (Osvaldo Santoro y Mirtha Busnelli como papá y mamá en apariciones fugaces) y del negocio de electrodomésticos. Luciana Salazar es una las figuras rutilantes del film, de escasa participación, así como rescatamos la última aparición del querido Emilio Disi, quien compone a un anciano millonario que está en silla de ruedas llamado Hans Miller. La fiesta al estilo yanqui así como la presencia de damiselas en “Qué puede pasar” son todas excusas traídas de los pelos que no arrancan ni una sonrisa. Hay que preguntarse, con justa razón, ¿qué les pasó?

Carlos Pierre

 

OTROS ESTRENOS DE LA SEMANA

1)       HASTA QUE ME DESATES, de Tamae Garateguy. Argentina.

TRAILER; https://youtu.be/S49i3VyGkGQ

2)       MARILYN, de Martín Rodríguez Redondo, Argentina.

TRAILER: https://youtu.be/23r1Nx7QkqM

 

3)       ESCALOFRÍOS 2, de Ari Sandel, Estados Unidos.

TRAILER: https://youtu.be/2FMddAYgorA

 

4)       EN PELIGRO, de Matías Szulansk.

TRAILER: https://youtu.be/d48ueeKpRgA

 

JUEVES 4 DE OCTUBRE DEL 2018.-

“El potro” es el film nacional de la semana, rodeado de buenas producciones internacionales.

 

 

EL POTRO, LO MEJOR DEL AMOR

De Lorena Muñoz. Con Rodrigo Romero, Florencia Peña, Jimena Barón, Fernán Mirás, Daniel Aráoz, Malena Sánchez, Diego Cremonesi, entre otros. Fotografía: Daniel Ortega. Música de Pedro Onetto. Duración: 122 minutos.

XXXXX-EXCELENTE NARRACIÓN DE LORENA MUÑOZ

Faltaban horas para su estreno y se desató alguna que otra polémica. Los espectadores, en su gran mayoría, más que agradecidos por esta versión de la vida de Rodrigo Bueno que realizó Lorena Muñoz, una consagrada directora y documentalista argentina que ya asombró con “Gilda, no me arrepiento de este amor”.

Los comienzos en la música de Rodrigo Bueno, la relación con su padre, sus muchas novias, la presencia de su madre Beatriz Olave, la muerte de su padre, la relación con Patricia que fue la madre de su único hijo, y la vida enloquecida de los músicos que los fines de semana hacían y hacen varios boliches a riesgo de la vida. La vida en sí y los excesos, que también existieron y fueron vistos por miles de personas entre bambalinas. Sexo, algo de droga, mucho alcohol. Es notable la actuación de Rodrigo Romero así como no dio el physique du rol la estupenda Florencia Peña. Comienzos, apoteosis, final, un clásico de las biopics que Lorena Muñoz maneja como muy pocos directores.

Biografía muy lograda, sin fisuras narrativas de ningún tipo, que retrata lo que conocimos públicamente del artista cordobés. Atrapa, subyuga, y conmueve, aún con dos escenas fuertes, de sexo y droga, realizadas con decoro. La secuencia del accidente es una de las mejores que hemos visto en el cine. Lorena Muñoz logró un film estupendo y muy valioso.

Elsa Bragato

 

 

1)       JOHNNY ENGLISH 3, de David Kerr, con Rowan Atkiinson. Regresa el cómico inglés convertido en la única salvación del servicio secreto de su país para terminar con un ciberataque.

https://youtu.be/jtH52I8YmQc

“Es como ver una comedia con una lupa. Esto debería estar en una secuela o en un museo de comedia. Tiene algunas escenas que haen reir”, de Owen Gleiberman, Variety.

 

“Se limita a ofrecer bromas forzadas, una trama estúpida y personajes tan mal diseñados que hacen que Míster Bean parezca obra del mejor Ingmar Bergman”, de Stephen Dalton, The Hollywood Reporter.

 

2)       ANIMALES EN APUROS, de Víctor Azeev, animación rusa. Nos habla de la amistad de un gato y un castor y cómo estrechan fuerzas para salvar a sus amiguitos de los alienígenas.

TRAILER

https://youtu.be/ImxTqkYLclU

 

La animación en sí es una pequeña maravilla del cine ruso, del que casi no se conoce nada al respecto. Si bien, aclaramos, los clásicos para los chicos tienen versiones magníficas en el idioma de Pushkin. La historia en sí tiene muchos personajes que van y vienen alrededor de los dos protagonistas y esto confunde a los más chiquitos, para quienes el film va destinado. Sin embargo, entretiene de principio a fin y muchas veces alcanzar este objetivo vale más que entender los saltos de guion. EB

 

3)       ETERNO PARAÍSO, de Walter Becker. Con Matías Mayer, María Abadi, Guillermo Pfening, entre otros. Pablo y Esperanza se conocen desde chicos. Cuando Esperanza es atacada en la vía pública y entra en estado de coma, Pablo busca en los escritos de su padre una salida que puede ser real o virtual.

 

 Información: se anuncian también los estrenos de “El tiempo compartido”, de Mariano Laguyas, y de “Música para casarse”, de José Militano.

 

 

EL INTÉRPRETE

https://youtu.be/Vi6nfIPOJZE

 

De Martín Sulik. Con Jiri Menzel y Peter Simonischek. Cinematografía de Martin Strba. Música de Vladimir Godar. Duración: 113 minutos. Eslovaquia, República Checa y Austria. Hablada en Eslovaco.

XXXXX-ENCUENTRO CON EL PASADO

Hurgando en el siniestro Holocausto producido por los Nazis, Martin Sulik encuentra un relato potente y emotivo entre dos personajes descendientes de judíos y alemanes, donde sus antagónicas personalidades otorgan la cuota de humor inteligente requerida. “El intérprete” es una intensa comedia dramática que dos grandes actores llevan adelante: Jiri Menzel como Ali Ungár de 80 años, el traductor de religión judía, y Peter Simonischeck como Georg Graubner, de 70 años, hijo de un jerarca nazi que llevó adelante la matanza del pueblo checoslovaco.

Menzel es un descendiente del horror sobrellevando la carga de tristísimos eventos familiares y la dignidad suficiente para sobrevivir sin rencor. Por su parte, el actor Simonischek compone a un Graubner extrovertido quien ve la vida de otra manera. Le gusta beber, fumar, y conquistar a las mujeres. Nada más que fotos de la época de la guerra le recuerdan que su padre fue un feroz asesino.

Ambos hombres emprenden un raro viaje en busca de sus verdades. “Graubner” necesita saber qué hizo su padre mientras que Ungár oficia de traductor intuyendo el horror al que se enfrentará su ocasional compañero de viaje. Y que es el quid de la historia.

Sulik no se propone resolver ninguna grieta sino mostrar cómo funciona la herencia de esa tragedia mundial hoy a través de una road movie que va adentrándose en recuerdos cada vez más trágicos. Sin redención para los hechos ocurridos, la historia de Martin Sulik es un fresco de ese pasado que subsiste en la sociedad europea actual. Conmueve con inteligencia sin caer en demagogias o en dedos acusadores.

 

Elsa Bragato

 

 

ATREVIDAS

https://youtu.be/sxZLVK90mFU

 

De Matías César Tapia y Carlos Piwowarski. Con Sofía Bertolotto, Coral Cabaglio, Azul Fernández, Chucho Fernández, Juan Tupac Soler, Mirta Wons. Fotografía de Jorge Piwowarski-Roza. Arte de Lucía Onofri. Sonido y música de Pablo Sala. Duración: 70 minutos.

XXXXX- GRAN FIASCO

Es difícil comentar un film nacional donde la elementalidad supera cualquier otro parámetro de producción: con buenas actuaciones, destacándose la siempre eficaz Mirta Wons, nos topamos con una historia pobrísima de dos chicas que se las traen.

Una de ellas, “Dolo”, se separa y se va a vivir a la casa de su mejor amiga, “Ana”, desconociendo que entre ésta y su marido hay una relación amorosa. En charlas anodinas conocemos algo más de los personajes protagónicos con la inclusión de un extraño vecino, una vecina insistente y un policía novato.

Inesperadamente, mientras la convivencia de las chicas se hace insoportable, ocurre un hecho que transforma la comedia en un policial (dicho esto con gran eufemismo) incluyéndose un paso de comedia negra propio de un fin de curso.

Hacer cine requiere tener creatividad porque no hay nada nuevo bajo el sol, además de necesitarse de un manejo de cámaras ágil así como de una post producción donde haya inventiva por sobre las carencias.

Elsa Bragato

 

 

EL PROCESO

https://youtu.be/JVP73_3MUO0

Documental de María Augusta Ramos. Fotografía: Alan Schvarsberg, Edición: Karen Akerman. Coproducción entre Brasil, Alemania y Holanda. Duración: 139 minutos.

 

XXXXX-EL CASO “DILMA ROUSSEFF”

A partir de la pura observación, se narra en este documental la destitución de la ex presidenta de Brasil, Dilma Rousseff ocurrida en el 2016. No hay entrevistas ni narración en off, mostrándose la intimidad del equipo de defensa de los senadores de izquierda así como la defensa ejercida por la mismísima presidenta Dilma Rousseff, acusada de crímenes fiscales y cargos de corrupción por el ala derecha de la oposición.

El principal arquitecto de este juicio que terminó con el derrocamiento de Rousseff estuvo a cargo del vice-presidente Michel Temer, quien fuera su aliado. Valiéndose del apoyo de la mayoría de los senadores logró derrotar a Dilma Rousseff. El documental cuenta con una muy buena fotografía que muestra la muy especial arquitectura de la ciudad de Brasilia, construida en una zona desértica convertida en vergel gracias a la ingeniería y la arquitectura que lograron construir un inmenso lago con el desvío de un río amazónico. Es en la casa de los Representantes y en la Senaduría donde se llevó a cabo esta destitución, contada a partir de la realidad misma, sin explicaciones ficcionales. Curiosamente, se estrena tres días antes de las nuevas elecciones presidenciales en Brasil, que ocurrirán el próximo domingo 7 de octubre con la ausencia de Lula Da Silva, quien está preso. La realidad latinoamericana se impone por sobre la ficción.

                                                              Carlos Pierre

 

 

 

 

VENOM

https://youtu.be/bp-EB9Z2GjA

 

 

De Ruben Fleischer. Con Tom Hardy, Michelle Williams, Riz Ahmed, Woody Harrelson, Michelle Lee, entre otros. Fotografía de Matthew Libatique. Música de Ludwig Goransson. Duración: 112 minutos.

XXXXX- “BACTERIÓN” PARA NUEVA SAGA

Venom es otro monstruo del mundo Marvel. Hizo alguna que otra aparición fugaz pero le faltaba su propia saga. He aquí el comienzo con Tom Hardy como el ser humano que “aloja” a esta suerte de bacteria alienígena. Enemigo mortal de Spider-Man, renace en la bellísima San Francisco en un laboratorio ubicado a orillas de la bahía que es cruzada por el famoso Golden Gate, a raíz de una nave espacial humana que se estrella en las inmediaciones. “Alguien” carga con el “bacterión” que, con solo tocar a otra persona, le transmite su brutal fuerza. Se lo llama “simbionte”.

En el laboratorio de Carlton Drake se prueba con animales y seres humanos la simbiosis entre el “simbionte” y el ser humano. Cómo un cuerpo sobrevive dentro de otro-. El superhéroe es un joven periodista, Eddie Brock, que investiga la Fundación Vida. Por distintas circunstancias que generan mucha acción y, por consiguiente, atrapan, el futuro monstruo logra meterse en su cuerpo. De aquí en más, la película gana en agilidad con secuencias muy efectistas: “Venom” no disculpa a nadie, come de un solo bocado a un ser humano. La tarea de “Brock” es educar a este siniestro ser que alberga y, de paso, tratar de vivir su vida. Al estilo “Hulk”, si Brock se enoja mucho que, en verdad, se enoja “Venom”, le salta por los ojos y la boca y no es nada lindo. Es un sustón de aquéllos.

Los efectos especiales son conocidos y eficaces. Entre Deadpool y algún justiciero pendula “Venom” que, de ahora en más, tiene su lugar en el cine. Tom Hardy cuenta con oficio suficiente para componer este doble papel. A los fans de este tipo de terror-cómico les encantará. Digerible!!!!!!

Elsa Bragato