(4/08/2014)

 

Entrevista de Gonzalo Alonso al director:

Acabás de estrenar en teatro El corazón del incauto, un melodrama rural con un triángulo amoroso muy especial. ¿Qué te llevó a querer dirigir este texto de Franzen – Suárez?

Creo que lo decisivo fue recuperar el paisaje de mi infancia. Aunque nací en Capital, más precisamente en Recoleta, me crié en un humilde pueblo de la provincia de Santiago del Estero, donde se conocieron mis padres. No tenía nombre, incluso creo que ya no existe porque la ruta 9 se corrió y lo dejo aislado. Le decían “El 49” porque era la cantidad de kilómetros que mediaba hasta la única ciudad próxima, en el límite entre el sur de la provincia y el norte de Córdoba. Papá era el peón de una estancia situada en ese lugar. Se conocieron cuando mamá se inició en la docencia, precisamente en la única escuela donde luego cursé la primaria. Lo que sucedía es que como mi madre no tenía con quien dejarme, me llevaba a las clases y eso hizo, tal vez, que aprendiera a leer cuando apenas tenía tres años. Ella era una muy buena lectora y sus hermanas mayores le hacían llegar encomiendas con libros. Por eso, mis primeros textos abarcaron todo tipo de género.

Esto lo menciono porque significó un enorme contraste existencial desde el inicio y marcó mi vida: en la literatura el mundo era amplio, fascinante, colorido, exuberante; en cambio, aquel entorno, todo lo contrario.

Cerca estaban las salinas y había un arbusto espinoso, las jarillas, que no crecía más de dos metros, pero sí de manera abundante, lo cual entorpecía la visión del horizonte, el clima era demasiado seco, casi desértico, y todo el año hacía mucho calor durante el día e intenso frío a la noche. La única comunicación con los ámbitos urbanos de sendas provincias, Santiago o Córdoba, era la ruta.

Mi padre fue hijo natural de un italiano y mi bisabuela paterna, la menor de trece hermanos, hija de un vasco y una india, a quien llegué a conocer y que vivió hasta casi los 100 años. De modo que en el pueblo casi todos llevaban el apellido Ullúa y, por un lado u otro, éramos parientes.

Sin embargo, se aunaban en un estilo de vida austero, parco, riguroso. Había vestigios ancestrales en sus costumbres, por ejemplo, mi madre me contó que tuvo que lidiar con la familia de mi padre porque en su casamiento pretendían que los hombres comieran primero y luego, sobre la mismas mesas, sin limpiar, las mujeres y niños.

Cuando llegó a mis manos “El corazón del incauto” esa atmosfera volvió a revivir intacta en mi memoria. Las casas aisladas unas de otras, los perros durmiendo afuera y en estado de alerta, el corral con los animales, las huertas, el trato limitado de palabras, etc.

Pero también un mundo prohibido: el de la chica que había parido, a escondidas, entre las gallinas; los amores entre parientes; la homosexualidad masculina latente en los juegos corporales; los deseos reprimidos; la violencia de género.



¿Cómo fue el casting de El corazón … conocías ya a alguno de los actores? ¿Habías trabajado con ellos previamente? ¿Sos de esos directores que se manejan con su grupo de actores y a ellos recurren cuando arman nuevos proyectos?

No hice ningún casting, más bien uno pero mental. Además de conocerlos desde hace muchos años como personas, tanto a Georgina Rey, Mariano Mazzei y Martín Urbaneja, los admiraba como actores, sin reservas. Vi muchos de sus trabajos y siempre me conmovían porque tienen la habilidad de crear personajes y no hacer fotocopias de uno estereotipado que deambula de obra en obra. Sencillamente, me pregunte ¿quiénes me gustaría que hicieran esta obra?, pensé en ellos, los llame, leyeron el material y para mi alegría aceptaron. Y no sólo participar sino asumir el compromiso de optar por un estilo interpretativo que exige enorme convicción interna y al mismo tiempo tiene aristas riesgosas si no lo haces honestamente, como es caso del melodrama.

Hoy me siento un privilegiado, ya en los ensayos me costaba tomar una distancia objetiva de sus trabajos porque me dejaba llevar por el deleite de ver esa capacidad camaleónica en escena. Y eso que cada uno tiene abordajes y miradas sobre como cincelar al personaje, de manera muy distinta entre sí. Sin embargo, se aúnan en la visceralidad, el salto al abismo y una entrega brutal. De verdad, siento que ellos hacen que el arte de actuar se transforme en poesía. Llegan a lugares emotivos y proponen tantos matices que esperaba cada encuentro como si fuera el espectador de un concierto de talentos. O como si vieran animales heridos desangrarse en escena.

No soy de armar un grupo de actores, creo que cada material implica repensar muy bien a quienes corresponde los roles adecuados. Trabaje en teatro dos veces con Alejo Ortiz y volvería hacerlo cuantas veces pudiera. En este momento, si me dicen que están o puedo insertarlos, no dudo un instante en volver a llamar y trabajar con Georgina, Mariano y Martín, así fuera teatro leído o semimontado. Son la sangre nueva que lleva la impronta de los grandes intérpretes de la escena nacional que vamos perdiendo, cualquier colega se sentiría halago de reunir este elenco. Ahora me toca en suerte a mí y estoy muy feliz y agradecido.



Escribiste, ideaste y dirigiste Judy un musical que llegó al Off Broadway. ¿Cómo fue esa experiencia para vos? Digo, siendo argentino llevarles a los norteamericanos a Judy Garland nada menos, no debe de haber sido fácil.

En principio, sentí que era como vender café a Colombia o algo por estilo. Pero el productor Juan Chemes a cargo de Tilt Corporation que produjo la obra allá y en Dublín, me ayudo muchísimo, fue extremadamente generoso en todo sentido y no tengo más que gratitud por su accionar. También contaba con el argentino Gustavo Wons que vive la mitad del año allá y la otra acá, quien montó las coreografías de la versión porteña y el recreó en NY.

Lo concreto es que allá nada está atravesado por el sentimentalismo ni la susceptibilidad, se trabaja y cobra por eso. La gente está muy formada (todos leían música) y acostumbrada a seguir las directivas que se le exigen sin cuestionarlas. Eso sí, después nada de ir a tomar algo o cenar juntos, ni ahondar demasiado en la vida privada de nadie. Los terrenos no se mezclan ni confunden.

Esa distancia no está mal, es un estilo diferente que uno debe saber aceptar y respetar. Cuando allá le decís a alguien “eso no me convence” o “lo hiciste mal” o “probá cualquier otra cosa”, no brotan quejas, ves enojos, oís la amenaza de la denuncia en actores por maltrato, o irrumpe el llamado para tomar un café y hablar. Los roles están definidos y aceptados de entrada y nadie se involucrada en contiendas. Es trabajo, punto.

De todos modos, cuando con ese mismo elenco convivimos 12 días en Dublin, parecíamos una familia argentina de vacaciones, desde el desayuno, las funciones, las excursiones, hasta los tragos posteriores a la cena, estábamos juntos todo el tiempo. Y fueron muy protectores conmigo. Imaginate que no pude decir una sola palabra en español rodeado de norteamericanos e irlandeses, y tanto el equipo americano como los huéspedes me mimaron como a un chico.

New York fue fascinante por estar durante un mes y medio habitando y trabajando en esa ciudad maravillosa, una de las más vibrantes del planeta. En otro forma, Dublin me sedujo por su desbordante cultura y la cordialidad de la gente. Estoy seguro que volveré a ambas.


Estás dirigiendo también una obra que debe de tener mucho peso sentimental para tu vida, Nosotros, los amantes. En la obra imaginás una nueva historia para tus padres fallecidos. ¿Te gusta mucho el melodrama? Contanos algo de la obra.

El melodrama forma parte de nuestra vida cotidiana. Podras ser bastardeado pero la ferocidad en la que vivimos y lo que sucede en todo el mundo nos revela que el hombre apenas tiene un barniz de cultura. Basta una provocación para que emerjan nuestros instintos más salvajes y primarios.

En “Nosotros...los amantes”, la trama muestra a un maduro autor y director teatral (yo) que decide darles una nueva vida ficcional a sus padres recientemente fallecidos: una maestra rural y un obrero santiagueños, pero a través del lenguaje del teatro musical. Para lo cual no duda en corporizarlos sobre el escenario, recuperar fragmentos del anecdotario íntimo de su infancia, materializar la imagen de la muerte, el amor, la pasión y la música, así como también situarse a sí mismo como relator. En pos de lograrlo, rescata y agrupa un repertorio de canciones populares románticas de diversos orígenes. Cantadas en sus idiomas originales, abarcan desde las décadas del ’20 al ’70 del siglo pasado, con melodías de Brel, Manzi, Poulenc, Vinicius, Aznavour, Gardel, etc. y el tema inagotable que las une es el amor. Volcadas en versiones solistas, a dúo, corales e instrumentales, se enmarcan en un continuo dispositivo coreográfico, con una trama que apela a un universo onírico, vibrante y emotivo.

La propuesta está protagonizada por reconocidos interpretes del musical vernáculo: los ya consagrados Christian Giménez, Magali Sánchez Alleno, Sebastián Holz y Daniela Pantano, acompañados por jóvenes exponentes como Natalia Volonnino, Marcos Rauch, Julieta Gonçalves, Santiago Ibarra, Fernanda Vallejo, entre otros. Asimismo, reúne un experimentado y premiado equipo creativo y de producción conformado por la escenógrafa Magali Acha, el músico, arreglador, preparador vocal y pianista en vivo Hernán Matorra, el coreógrafo Alejandro Ibarra y el productor ejecutivo Roni Isola, creador de Siete Colores Producciones.

Lo enunciado se traduce en elocuentes arreglos musicales y vocales, múltiples e imaginativas variantes de la danza, el entrañable soporte argumental y cuidado estético. Ofrecerá una breve temporada de doce únicas funciones, durante los fines de semana del mes de agosto, en el bello teatro 25 de Mayo de Villa Urquiza.

¿Te sentís más cómodo dirigiendo textos de otros o de tu propia autoría?

Me siento cómodo dirigiendo. Cuando decidí ser director teatral, recién a los 29 años, y abandonar la carrera de Letras en la UBA, pensé que lo mejor era antes formarme en lo que luego iba a demandar en los intérpretes. Tuve grandes maestras en actuación como Laura Yusem y Alejandra Boero, y en dirección a Jaime Kogan.

En verdad las creaciones propias están ligadas al teatro musical donde aflora mis costados más íntimos y en las obras de texto de contemporáneos a clásicos, Gorostiza, Zangaro, Tantanian, Suárez, Giacometto hasta Euripides o Racine, siempre hay algo personal en juego.

Lo único que me cuesta retomar es la energía diplomática para reinsentarme en el ambiente lirico, donde creo haber hechos muy buenas puestas de óperas de Bellini, Haendel, Haydn o Charpentier, pero eso demanda mas relaciones publicas que otra cosa y mi foco está en otro lado.

Pero no me quejo, cumplí 50 años y pude dirigir aquí y afuera, en el circuito comercial, oficial y alternativo, la única deuda pendiente es el Colón. Ya llegará.


Ficha técnico artística
Autoría:Sandra Franzen, Patricia Suárez
Actúan:Mariano Mazzei, Georgina Rey, Martín Urbaneja
Diseño de vestuario:Marina Apolonio
Diseño de escenografía:Magali Acha
Diseño de luces:Magali Acha
Música original:Mauro Garcia Barbe
Banda de sonido:Mauro Garcia Barbe
Diseño gráfico:Lucila Gejtman
Asistencia de escenografía:Sol Soto
Asistente de producción:Estanislao Otero Valdez
Asistencia de dirección:Moises Delgado
Producción ejecutiva:Alan Gejtman, Roni Isola, Alejandra Oroño
Puesta en escena:Alejandro Ullua
Dirección:Alejandro Ullua
Duración: 75 minutos

TEATRO HASTA TRILCE
Maza 177 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas: 4862-1758
Web: https://www.hastatrilce.com.ar
Entrada: $ 100,00 - Martes - 20:30 hs - Hasta el 25/11/2014


(Gonzalo Alonso para Actoresonline.com)