ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES
(PUEDE HABER CAMBIOS IMPREVISTOS AJENOS A ESTA SECCIÒN)
1.- INTENSAMENTE 2 . animación de Kelsey Man,
Sin críticas hasta jueves-viernes
2.- EL ÙLTIMO ESCAPE, con Glenda Kackson y Michael aine.
“Un digno final para dos leyendas británicas del cine”, James Mottran, Radio Times.
“Glenda Jackson es fascinante en su última película. La fallecida actriz es una fuerza de la naturaleza hasta el final”, de Peter Bradshaw, The Guardian.

3.- LA INOCENCIA
Del gran Kore-edu-
Hay crìtica

4. HERENCIA SINIESTRA
“Una modesta pero eficaz apuesta por el terror. Incluso cuando el film parece más ordinario en su conclusion, la deslumbrante interpretacion de Cota le da un toque especial”, de J. Kim Murphy, Variety
 
5.- WINNIE THE POOH MIEL Y SANGRE DOS
Animaciòn, saga.

6. MIRANDA DE VIERNES A LUNES, de Marìa Victoria Menis
Con Inès Estèvez.
Jay crìtica

7.- ANIMAL, de Sofìa Earchou.
Hay Crìtica.

8. MARÌA, de Gabriel Greco. Con Sofìa Gala
Sin crítica hasta jueves/viernes

8.- LOS JINETES DE ROCA
Hay critica

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CRÌTICAS

ANIMAL
Direcciòn y guion de Sofìa Exarchu. Fotografìa de Monika Lenczewska. Ediciòn de Dragos Apetri, música de Sofa Surfers. Con Dimitra Vlakopoulou, Flomaria Papadaki, Ahilleas Hariskos, entre otros. Duraaciòn: 116 minutos.



XXXX – LA MAQUINARIA TURÌSTICA QUE TRITURA ALMAS

Muy inquietante es este film titulado “Animal” de la realizadora Sofìa Exarchu, joven griega que conoce a la perfección la industria turística de su país tanto como su lado oscuro que los visitantes no ven, no descubren. Exarchu, que viene de la producción de dos películas que lograron buena repercusiòn, se ocupó en especial del elenco de un reconocido hotel, es decir, no de los meseros o encargados de la limpieza sino de ese grupo de hombres y mujeres que tienen la obligación de organizar eventos, shows, bailar, cantar, y entretener a los turistas de todas las edades con fiestas comunes a todos y otras nocturnas para adultos. Siempre deben estar dispuestos a trabajar con el cuerpo, saltar, cantar, bailar. El alcohol los sostiene, pero también los destruye.

Exarchu pone en primer plano a la líder del elenco, Kalia, encarnado por la actriz Dimitra Vlakopoulou. Es la guía de sus compañeros de elenco y lo es tambièn para el espectador. A través de ella se conoce ese lado oscuro, miserable, de los tours cobrando vida en esta película a la manera de un documental. Indudablemente, es una narración que perturba, que remueve por dentro porque todo lo que se ve es precario, miserable. El objetivo es que esos turistas tengan la distracción suficiente que los haga retornar a esa isla griega. Kalia y su gente son los nuevos clowns del capitalismo, los que divierten con sus cuerpos para que las monedas caigan en bolsillos ajenos.

Hay varios hallazgos narrativos: uno de ellos es el “Louvre de los pobres”, refirièndonos la secuencia donde aparece una laguna donde muchas obras de arte griegas están semihundidas, asì como es imposible no reaccionar con dolor cuando Kalia cuenta a un turista, en una noche que será fogosa aunque sin sentido, lo que siente que no es justamente aquello que el turismo ve.

Es una película que parece, en principio, transitar por caminos comunes porque no hay nada que llame la atención visual: su secreto está en estos personajes que, bajo agobio, siguen la rutina para sobrevivir. La cámara de Exarchu sigue rostros y cuerpos, se detiene poco en el paisaje, buscando captar en las gestualidades el sentimiento de amor o rechazo de Kalia (subyugante actuación) y sus compañeros ante lo que viven como trabajadores de turismo. En verdad, no dan ganas de visitar esa isla griega a fin de no convertirse en parte de esta maquinaria de triturar almas (casi todo el patrimonio cultural de Grecia está en manos de los ingleses en el British Museum, poco queda para admirar en ese país salvo la belleza del contraste entre el mar azul y las playas de arena blanca)

Elsa Bragato

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JINETES DE ROCA
De Sebastiàn Dìaz. Documental.



XXXX – LA MENTIRA QUE NOS CUENTAN COMO HISTORIA ARGENTINA

Luego de ver este documental, se toma conciencia de que el “relato” existió siempre y que doblegar a los supuestamente débiles es una práctica común hasta hoy en dìa. El realizador Dìaz habla de la investigación que iniciara el historiador Osvaldo Bayer sobre los verdaderos objetivos del general Julio Argentino Roca para llevar adelante lo que llamó “la conquista del desierto”, de 1879. A través de palabras autorizadas como las de los estudiosos Adriàn Moyano, Carlos Masotta, Dana Fiore, Marcelo Valko, Marta Penhos, entre otros, se narra la verdadera historia de Roca y la cantidad de monumentos suyos que existen, en número superior a los del general Josè de San Martìn. Roca forma parte de la imposición de una ideología: la dominación y el exterminio de opositores. El impulsor del enorme monumento que tenemos en el centro fue el hijo de Roca y su realizador, gran amigo del citado, el escultor Zorrilla de San Martìn.

La síntesis que puede ayudar a comprender este estupendo documental es que se repite la historia, que nada cambió bajo el sol: en el siglo XIX se invadió el sur de la misma manera que los españoles hicieron en nuestras tierras siglos antes, se esclavizó a los aborígenes que están allí desde hace màs de 10 mil años, y se los obligò a vivir en la capital, o bien se los exterminó en la isla Martín García cremándolos en un gigantesco horno similar al de los nazis de Auschwitz, o los campos de tortura de la última dictadura cívico militar. Desde aquellos años hubo apropiación de bebés, violación de mujeres (un caso emblemático es el de “La cautiva” que llegó a la literatura y a las artes plásticas), torturas, exterminio en crematorios. Y una fecha que se recuerda de diferentes maneras: 1492, o la llegada de Cristóbal Colón al Caribe, clave para justificar “invasión” en lugar de “civilización”. Bien vale recordar algunos nombres citados: Zorrilla de San Martín, los Roca, el fotógrafo personal del general Antonio Pozo, el cuadro de Juan Manuel Blanes de 1896, los malones del pintor Angel Della Valle, los casos emblemáticos de los indios traídos a esta ciudad como el de Inacayal o la aborigen Margarita, la colección de cráneos de Estanislao Ceballos (decía “la barbarie está maldita”, murió en Londres, centro de las logias) que fue el ideólogo del general Roca. Visitar el Museo de La Plata es también encontrarnos con muestras de horror: cráneos y esqueletos de los dueños de la Patagonia, los aborígenes. Hasta el billete de 100 pesos de 1992 reconfirma el relato con el rostro de Roca y en el reverso su tropa tomada del cuadro de Blanes.

Es que nadie puede dudar, a estas alturas del siglo XXI, que hay un poder dominante en el mundo que sigue intacto, que renueva su espíritu de sangre y espanto contra los pueblos. Las guerras actuales así lo indican, brutales como la invasión española o el genocidio de Roca en el Sur o los crímenes de lesa humanidad de la dictadura del 76. Es éste uno de los documentales más completos y claros que hemos visto sobre el tema rindiéndole homenaje a la gesta del historiador Osvaldo Bayer, iniciador de la “desmonumentación” de Roca que, por suerte, ocurrió ya en 30 ciudades de nuestro país. Es un documental con un excelente material de investigación, desde entrevistados especializados hasta datos, fechas, fotos de época, postales de entonces, que fundamentan el “proyecto Bayer”: no más Roca ensalzado en pedestales mirándonos desde arriba.

Elsa Bragato

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LA INOCENCIA

Dirección y guion de H. Kore-eda
Fotografía de Ryuto Kondo. Música de Ryuichi Sakamoto. Con Soya Kurosawa, Eita y Sakura Ando en los roles principales. Duración: 126 minutos.



XXXX. PEQUEÑAS DOSIS COTIDIANAS DE MALDAD

En inglés, el film de H. Koreeda se titula “Monstruo”. En esta propuesta, no lo vemos con los ojos pero lo sentimos en el alma: es esa dosis de maldad que no somos capaces de combatir dejándonos ganar por la hipocresía social y, para no ser menos, la sacamos a relucir. No medimos las consecuencias.
El maestro Kore-eda pone su objetivo en el bullying, que se manifiesta en distintas personas de diferentes edades, aunque localiza la acción en una escuela y en dos hogares. Suficiente para que pueda desarrollar lo que es capaz de hacer la mentira, la omisión, el miedo a hablar, es decir, un arco amplísimo de sentimientos que nos embargan cuando la agresión exterior nos llega ya sea en palabras como en acciones directas. Y esto vale tanto para los chicos como para loa adultos.

“Minato Mugino” (encarnado por Soya Jurosawa) perdió a su padre, vive con su madre que se preocupa por su tristeza y su comportamiento. De pronto el niño culpa a un maestro, Hori (el actor Eita), de pegarle. A partir de allí, la historia va teniendo diferentes pivots narrativos: madre e hijo, el profesor y la escuela, la directora y su hijo encarcelado, los dos amigos en la escuela, las burlas en la escuela, y finalmente los dos niños solos sintiéndose libres por sobre las problemáticas generadas por los adultos, con razón o no. Superan las malas actitudes de los adultos, la exageración del drama familiar, la mentira, las amenazas, reconstruyen el cariño de la pura amistad. Kore-eda se da el lujo de explotar al máximo el potencial de las historias particulares para mostrar en imágenes y en actuaciones superlativas los sentimientos que conforman las pequeñas maldades de todos los días . Mientras que la inocencia de los chicos arrasa con la problemática de los adultos, aùn con la ausencia de un padre o el maltrato de otro. La familia y el entorno son, esta vez, el objetivo de Kore-eda que, aun con reiteraciones temáticas, logra siempre tocar el corazón del espectador. Sus historias son verosímiles, creíbles, de todos los días.

Elsa Bragato

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MIRANDA DE VIERNES A LUNES

Dirección y Guion de María Victoria Menis. Con Inés Estévez, Elvira Onetto, Laura Grandinetti, entre otros. Y grupos de rock. Fotografía de Daniel Andrade. Música de Loli Medina y, como se indicó, varios grupos musicales, asì como la voz de la protagonista. Duración: 87 minutos.



XXX – NUEVO CINE POPULAR SOBRE LA CLASE MEDIA PORTEÑO

La realizadora María Victoria Menis, de muy buena mano para la narración cinematográfica, encara la vida de una profesora de 48 años en el año 2016 que enfrenta un serio problema en su escuela pero, llegado el fin de semana, se dedica al hogar: el cumpleaños de una de sus hijas, traer a sus padres que están separados, convocar a su ex marido con quien mantiene buena relación. En la reunión familiar, realizada en un jardín interior de una casa cómoda, ubicada fuera de la ciudad capital, se producen las alegrías, las discusiones, las reacciones intempestivas de algunas de las hijas, y las charlas íntimas y cordiales con su ex, mientras el papà tiene Alzheimer y debe recostarse y la madre ostenta su dinero ganado en loterías, haciendo valer su condición de divorciada. Nada fuera de lo que hoy en día cierto sector de la clase media vive: casa propia, jardín, automóvil, padres separados, hijas que viven con la madre, rebeldías adolescentes, es decir, lo común, lo cotidiano, reflejado con autenticidad por Menis y, en especial, la actuación de Inés Estévez sobre quien recae el peso del relato a la manera de un unipersonal, aunque interactúe con el elenco. Entre ese viernes y ese lunes, Miranda (Estévez) se da cuenta de que la música, que abandonó por la docencia, puede más que el persistir en un puesto donde el lunes le exigirán disculpas por un hecho que apenas se menciona en todo el filme.

Menis hace un hábil recorte de la realidad de la clase media porteña centrando la historia en Miranda y la compleja toma de decisiones que suele darse a esa edad, cuando la vida llega al medio siglo.
Desde el punto de vista narrativo, la historia transcurre fluidamente, es como ver reflejado un fin de semana de cualquiera que tenga casa fuera de la capital y coche, y un mediano pasar económico. Por eso hablamos de un cine popular que refleja el estilo de vida porteño clase media. Por supuesto, Inés Estévez le da a su personaje una impronta muy interesante, de sólida presencia escénica con ese toque autobiográfica que es el canto, otra de las vetas artísticas de la protagonista. Sin este condimento -que va surgiendo de a poco a lo largo de la historia- la propuesta hubiese sido menos amena pero más acertada en relación a la vida de una profesora que rechaza imposiciones desatinadas.

Elsa Bragato

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MIXTAPE LA PAMPA

Dirección y guion de Andrés Di Tella. Documental con fotografía de Daniel Schvarzstein. Duración: 104 minutos.



XXX – TRAS LOS PASOS DEL ANGLOARGENTINO HUDSON

Este nuevo trabajo del cineasta Andrés Di Tella busca encontrar las huellas en la vastedad pampeana de Guillermo Enrique Hudson, nacido en Quilmes el 4 de agosto de 1841, si bien falleció en Inglaterra el 18 de agosto de 1922. La cámara de Di Tella, quien también vivió en Londres, se adentra en lo que queda de la estancia de Hudson, nacido de un matrimonio norteamericano (Daniel Hudson y Carolina Kimble) que decidió emigrar de su país buscando un destino económico mejor. La descripción fílmica nos muestra una casa que se mantiene como museo, según algunas escasas secuencias, asì como el arroyo cercano a la casona donde solía jugar Hudson. Primero fue gaucho, luego estudió las aves del lugar, esquiló ovejas hasta que, según se indica, por una dolencia cardíaca, viajó a Inglaterra para no volver nunca más al país. Algunos dicen que temía encontrarse con cambios en costumbres y que optó por transformarse en un verdadero inglés, nunca más habló castellano y se dedicó a escribir una enciclopedia sobre diferentes aspectos de la naturaleza que conoció. Al punto que fue si no el primero uno de los más importantes ornitólogos argentinos, cofundó la sociedad de ornitología de Inglaterra, teniendo un lugar emérito en la sociedad similar de nuestro país.

Llama la atención cómo pudo escribir, 17 años después de irse del país, sobre las diferentes aves que conoció y la explicación de sus cantos con los elementos técnicos rudimentarios de entonces. Sus descripciones son perfectas, como si tuviese a cada ave entre sus manos. En todo caso, tiene relación directa con su sueño: ser naturalista. Creyó que no lo era y, sin embargo, sus conocimientos sobre la vida de la naturaleza pampeana parecieran ratificar lo contrario. Por lo que vemos, fue un naturalista hecho y derecho que se fascinó con las aves.

La narración de Andrés Di Tella es zigzagueante: nos lleva por caminos de tierra para luego dar paso al presente y a la búsqueda de los ejemplares que tanto amó Hudson, mientras hay datos autobiográficos que nos remiten, una y otra vez, a la vida del angloargentino. Es un mix extraño y atrapante a la vez que se enriquece con una fotografía generosa, con inserts de películas antiguas, cartas recuperadas, y la primera foto, de las pocas que hay, de Guillermo Enrique Hudson que se tomó ni bien llegó a Inglaterra.
Podríamos preguntarnos, aunque no sea tema del documental, por qué se radicó en Gran Bretaña y no en la tierra norteamericana de sus ancestros. Como fuera, Andrés Di Tella nos trae un documental muy rico en datos redescubriendo una personalidad notable como la de Hudson. “Mixtape La Pampa” tiene mucho del alma de Andrés Di Tella como de la realidad que vivió su protagonista, William Henry Hudson.

Elsa Bragato
 

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CRÍTICAS

MAESTRO (s)

De Bruno Chiche. Con Pierre Arditi, Ivan Attal, Miou Miou, Pascale Arbillot, Nils Othenin Girar, Caroline Anglade. Fotografía de Denis Ronden, Música de Florencia Di Concilio (elección musical de obras de Mozart, Beethoven, Rachmaninov, entre otros).Duración: 96 minutos.



XXXX – FAMILIAS DE MÚSICOS SOBRE EL TAPETE

Pocas cinematografías dedican filmes o los relacionan con la música y sus intérpretes como la francesa. Es una característica del pueblo de Francia darle a la música clásica un lugar preponderante y eso se traduce en películas sobre directores e intérpretes, siempre un piano a mano, en géneros que van desde la comedia hasta el terror. En este caso, el realizador Bruno Chiche se basa en el film "Pie de página", del norteamericano Joseph Cedar del 2011 para analizar desde un lugar agradable la relación padre e hijo de dos consagrados directores de orquesta.

La difícil convivencia de varios artistas en una familia con la misma profesión también está abordada aquí con elegancia y sin melodrama. Francois (Arditi) es un afamado director de orquesta que sigue unido a su gran amor, Helene (la siempre vigente Miou Miou, reencuentro en pantalla con una gran estrella) sin casarse y cuyo hijo, Denis, también sigue las huellas paternas logrando importantísimos premios. Entre ambos músicos existe poca cordialidad, el padre no está conforme con su hijo, y el hijo siente que su padre no lo acompañó en su carrera aunque fuese la misma. A su vez, Denis es padre de un adolescente a quien intenta ayudar pero lo hace con la misma displicencia que su padre hacia él.

En verdad, Chiche pone acento en el respeto entre ambos profesionales, especialmente cuando surge una inesperada competencia: quién de los dos dirigirá en la Scala de Milán. Para Francois es la oportunidad esperada durante cuatro décadas, para Denis es un problema de conciencia: respeta a su padre más allá de las distancias afectivas. He aquí el "quid", como nos gusta decir, de la trama, Y la que enfrentará en un diálogo profundo y respetuoso a padre e hijo, sin duda el momento de mayor intensidad emocional de la película.

Porque convengamos que, por sobre las carreras profesionales, por sobre cualquier circunstancia de la vida, la relación padres-hijos tiene una estructura inflexible en cuanto al respeto partiendo de que aquellos mayores dieron la vida a los más jóvenes. El realizador Bruno Chiche se para allí, la música es un entorno majestuoso para Francois y Denis, pero por sobre cualquier aspecto o circunstancia, son padre e hijo.

Tocante, intimista, con actuaciones excelentes (la dirección orquestal de ambos actores es perfecta), con música de grandes autores como Mozart, Beethoven, Rachmaninov, entre otros, "Maestro (s)" tiene una narración impecable que fluye armoniosamente. Son 96 minutos de emoción y buen gusto, propios de una cinematografía que reconoce al arte musical como parte de la vida y no como costo empresarial. Para ver.

Elsa Bragato

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EL CAMBIO DE GUARDIA

FILM GANADOR DE LA COMPETENCIA ARGENTINA DE LARGOMETRAJE EN EL 25 BAFICI
de Martín Farina. Con Juan José Chiarello, Héctor Luconi, Norberto Farina, Juan Carlos Gnemmi, Omar Figuera, Jorge Dos Santos Russo, Bernardo Fitzsimons. Montaje y Fotografía de Martín Farina, Banda Sonora original de Juanito El Cantor, Orquestación banda militar de Jorge Barilari. Duración de 72 minutos.



XXX – AMIGOS POR SOBRE LAS DIFERENCIAS

El realizador Martín Farina aborda el tema de la amistad por sobre las diferencias ideológicas a partir de siete amigos que compartieron la "colimba" en el Regimiento de Infantería I Patricios en épocas de la dictadura cívico militar. Primero es la emoción de volverse a ver cuando se está por producir un cambio de guardia, luego es notar la ausencia de uno de los amigos de entonces, y luego es participar de reuniones en las casas de lso amigos, asados, piscinas, y charlas.

Y es en estas charlas donde Farina hace hincapié porque no todos los ex conscriptos piensan igual: para uno en especial, el Peronismo es el salvador de la población, mientras que varios le hacen frente apoyando la política económica liberal de Macri.

Pocas veces el cine argentino puso una cámara en este tipo de situaciones tan comunes entre amigos y familiares al punto que, en muchos hogares, se "prohíbe" amigablemente hablar de religión y política a fin de que los enojos no pasen a mayores.

En el caso de "El cambio de guardia" es diferente: todos opinan con mayor o menor énfasis y terminan brindando, comiendo juntos y abrazándose también.

Para la rigidez de los diálogos que existe entre políticos en nuestro país, el cineasta Farina hace un aporte valioso. Es decir, se puede mantener la amistad aunque se piense distinto, como ocurre en muchos países del mundo. Entretenido, agradable documental, con excelente planteo de locaciones y realización de las secuencias.

Elsa Bragato

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LAS CORREDORAS

Dirección y Guion de Néstor Montalbano. Coguionista: Marcela Potente. Fotografía de Sebastián Pereyra Jofré. Música de Renzo Montalbano. Con Diego Capusotto, Carola Reyna, Norman Briski, Alejandra Flechner, Alejandro Muller, entre otros. Duración:



XXXX- DE LA COMEDIA ROMÁNTICA AL POLICIAL SANGRIENTO

El director Néstor Montalbano viende tener varios éxitos en cine con Diego Capusotto y en televisión también, destacándose "Todo por dos pesos". Es dueño de un humor muy especial, entre simplón y burlón, y lo traslada a esta historia ubicada en 1959, en la que hay desde un guion trabajado hasta una notable postproducción.

En principio, estamos frente a un capo lavoro de Carola Reyna quien, desde el comienzo hasta el final, lleva sobre sus hombros el hilo narrativo de la historia. Compone a Mabel, una empleada ministerial que debe hacerle firmar a un hacendado de un lejano pueblo la donación de parte de sus tierras al Estado. Desde su llegada a la solitaria estancia, vivirá situaciones muy extrañas: desde la "señora" del hacendado (rol que encarna Diego Capusotto, dueño a su vez de varios personajes más) que tiene su retrato como corredora, como la llegada a medianoche del estanciero Antonovich (Capusotto), el encuentro con una amiga de la casa a cargo de Alejandra Flechner, también corredora, y, a partir de allí, una serie de hechos enlazados con el descarado lance amoroso del dueño a Mabel, la huida de ésta, y la insólita aparición del personaje de Alejandro Muller que tiende a explicar tantos desaguisados.

En verdad, la narración es una escalada de situaciones insólitas, de travestismos inesperados, con personajes entre estrambóticos y absurdos, y atisbos de musicales, desde cantar juntos Mabel y el estanciero la melodía del filme "Angustia del querer" hasta generar una creciente intriga a lo Hitchcock para rematar en un remedo de "Thelma and Louise". El guion de Montalbano y Potente lo tiene todo: lo edulcorado, lo musical, lo intrigante, lo policial, lo gore, lo sentimental.

Montalbano maneja el artificio de la historia con sabiduría y por momentos nos lleva a situaciones edulcoradas y, en otros, nos introduce en el policial sangriento. A estas peculiaridades reconocidas en el realizador le añadimos la excelente banda sonora de Renzo Montalbano, inusual por su calidad. Desde la actuación inicial con la participación especial de Norman Briski, "Las corredoras" es un arcón de sorpresas hilarantes, estrambóticas, un filme diferente que enriquece el acervo cinematográfico nacional. Sin duda, es una tragicomedia muy inteligente.

Elsa Bragato

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AMOR Y CINE

Documental de Victoria Carreras. Participación especial de Mercedes Carreras. Duración: 64 minutos.



XXXX – HOMENAJE A UN GRANDE: ENRIQUE CARRERAS

Familia de artistas debería ser el título que resumiera este comentario. Victoria Carreras, una de las hijas del matrimonio conformado por el director de cine Enrique Carreras y la actriz Mercedes Carreras, dirigió este documental donde sintetiza con la ayuda de sus hermanas y de su madre, en colaboración especial, la extraordinaria carrera cinematográfica de su papá, don Enrique (nacido en Lima en 1925 y fallecido en Buenos Aires en 1995). Fue el director de cine argentino más prolífico: desde 1951 hasta 1991 filmó 95 películas, lanzó las carreras de grandes actrices y actores como Lolita Torres, colaboró con el cine "culto" y el cine popular, incluyendo a Niní Marshall, a Palito Ortega, al gran Luis Sandrini, entre tantos otros artistas; además fundó con sus hermanos Luis y Nicolás la Productora General Belgrano y fue uno de los creadores de DAC, la entidad que reúne, desde 1958, a los directores argentinos de cine.

Nos quedamos cortos al resumir su intensa actividad, que le valió muchos premios, entre ellos dos Cóndor de Plata por Los evadidos y La valija respectivamente, premios internacionales, y un reconocimiento a nivel popular único.

Sus hijas, encabezadas por Victoria (actriz y directora), y el aporte invalorable de Mercedes Carreras, actriz, esposa y madre de sus hijos, reconstruyen los momentos esenciales de la vida y obra de Enrique Carreras, sus comienzos, ese "romance largo con Amelita Vargas" antes de conocer a Mercedes, la unión fraternal y artística con sus hermanos, el amor y respeto por sus artistas y su equipo (trabajó siempre con los mismos técnicos), y la larguísima serie de películas que tuvieron un denominador común: aceptación popular que es sinónimo de éxito rotundo.

Es un documental rico en datos, en material fílmico, en aportes de recuerdos, de anécdotas, tiene el calor familiar afín a nuestra forma de ser. Y es un homenaje que tiene ciento por ciento ese sentimiento que nos define: la argentinidad que don Enrique Carreras supo traducir en imágenes inolvidables.

Elsa Bragato

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ESTRENOS NACIONALES PREVISTOS

1.- CORRESPONSAL, de Emilia Serra
Hay crítica.

2.- LA MUJER HORMIGA, de Betiana Cappato

3.- CIUDAD OCULTA, de Francisco Bouzas.
Hay crítica

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CRÍTICAS

LO MEJOR ESTÁ POR VENIR

Dirección de Nanni Moretti. Guion de Francesa Marciano, Nanni Moretti, Federica Pontremoli, Valia Santella. Fotografía de Michele D¨Attanasio. Música de Franco Piersanti. Con Nanni Moretti, Margherita Buy, Silvio Orlando, Mathieu Amalric, entre otros. Producción de Nanni Moretti y Domenico Procacci. Duración: 95 minutos.



XXX – ENREDOS DE AMOR EN UNA COMEDIA "ALLA ITALIANA"

Ganador de la Palma de Oro en Cannes hace unos años, Nanni Moretti es uno de los directores italianos que conservan su ideología política como bandera que los identifica. Moretti es decididamente comunista y desde hace unos 30 años, si no más, encaró en sus filmes su postura en oposición a la de Silvio Berlusconi, generando proyectos múltiples como salas de cine, espacios de debate ideológico, entre otros. Algunos de sus títulos más consagratorios han sido Caro Diario y L'unico paese al mondo", donde hace gala de su ideología.

No escapa "Lo mejor está por venir" a su modo de encarar la vida y la profesión. A esta parte del mundo puede llamarle la atención que aún hoy se hable de "comunismo". Sin embargo, al menos en Italia, desde siempre el Partido Comunista tuvo su lugar así como el Fascismo, si bien hoy en día este último se ha mimetizado en otras demostraciones ideológicas.

Moretti encara al protagonista de "Lo mejor está por venir", llamado "Giovanni", un director de cine que enfrenta una situación personal difícil: su esposa Sylvia (coincide con el nombre de su esposa en la vida real), encarnada por la muy bella Margherita Buy, decide dejarlo en pleno rodaje, mientras que la relación con su hija tampoco es la mejor. La filmación de "Giovanni" trae el mundo del circo de los 50, caro a los sentimientos peninsulares, la vida trashumante (inolvidable La strada, de Fellini), y a los protagonistas de esta película que, lejos de encarnar la pareja que el director pide, sienten que los une la pasión para desesperación del realizador. El dilema está en que se trata de reivindicar al Partido Comunista de Italia en su independencia de la Unión Soviética y en darle una mano a los húngaros refugiados en 1956 ante la invasión de los soviéticos. Parece difícil congeniar lo político con la inmigración forzosa y la vida real del director: mal que le pese, el amor se cuela por todas partes, por lo que la supuesta esencia política que "Giovanni" planificó, está teñida más por romance que por ideología.

La narración resulta por momentos demasiado fragmentada, con toques de expresionismo, y manifestaciones grandilocuentes de "Giovanni" a cámara, enamorado de su idea sobre la sociedad más que de su propia realidad. El tono es desparpajado, un tanto alocado, extrovertido, mostrándonos a un hombre que se debate entre su ideología, la realidad, y sus afectos. En verdad, se tiene la sensación de que Nanni Moretti tejió una urdimbre narrativa perfecta para demostrar que, por sobre cualquier posición intelectual, el amor hacia el otro es más importante que un espacio político o un set de filmación. Por sobre las consideraciones generales de que lo romántico puede ser "cursi", apostamos plenamente a este tipo de historias que nos aleja de la brutal realidad que se vive en el mundo.

Elsa Bragato

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CIUDAD OCULTA

Dirección de Francisco Bouzas. Guion de Bouzas y Salerno. Fotografía de Julián Babino. Arte de Joaquín Maito. Música de Juan Ibarlucía. Con César Languidey, Ezequiel Martino Dosantos, Belén Ramírez, Nelson Pereira, Liz Lovers y Fernando González. Duración: 96 minutos.



XXXX- LA VIDA QUE NO VEMOS

Para Francisco Bouzas, su película Ciudad Oculta retrata mucho más que un barrio de los considerados marginales en la ciudad de Buenos Aires: es un mundo de fantasías y de frustraciones, de alegrías sencillas y de profundas tristezas, de vida y de muerte. Parte de una premisa que se encarga de explicar: el estado mata, a través de sus representantes armados, a una persona cada 20 horas. Esta estadística escalofriante surge de su propuesta ante la muerte de Ika Disantos, y de cómo su ausencia se siente en sus amigos, en especial, en Jonás, el protagonista. La historia, a partir de Jonás, se diversifica, nos muestra los prolegómenos de la murga del lugar, mientras está el velatorio del joven, la vida que continúa, la comisaría de un solo policía que tiene al vecindario bajo su mirada que es asedio y no prevención, sumado al poder de su arma.

Es decir, Bouzas trabaja con material complejo que une diversidad de personajes e historias. Hay una búsqueda de los sentimientos más profundos de los habitantes de Ciudad Oculta donde se padece discriminación según se sea del país o no, donde la muerte acecha bajo el poder del estado por ser pobres, por no ser nativos o por algún "porque sí" perverso.

Sobrevuelan las historias, a veces fundidas en colores chillones y otras en tenues atardeceres azulados, la condición humana que no se respeta, el temor a la muerte, el dolor por la pérdida, la impotencia que determina una condición social no buscada. Está lo existencial, inasible pero tangible en el rostro de Jonás, que nos atraviesa a todos por igual, se viva en Ciudad Oculta o en Barrio Norte. Solo cambia el ropaje, ese "pelo prestado" que, por lo visto, supedita la vida misma. Bouzas realiza un trabajo sociológico en busca del derecho de ser y de vivir, en donde la amistad o el compañerismo por compartir la misma herida gratuita en el alma está por sobre lo material, en esta realidad o en otro plano: los sentimientos son inalterables. Se vive una imposición social a regañadientes porque no se la pidió ni se la buscó y esto suele costar la vida misma. Intensa, profunda, Ciudad Oculta nos enfrenta al dolor de la pérdida y, al mismo tiempo, a la extraña existencialidad que llega a doler por la incomprensión de terceros. Es decir, sucede que la vida de algunos molesta a "los prójimos".

Elsa Bragato

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CENIZAS Y DIAMANTES

De Ricky Piterburg. Elenco formado por los integrantes de la banda Don Cornelio y la Zona y amigos, con el recuerdo intacto de Roberto "Palo" Pandolfo y sus temas. Montaje de Norberto Ludín, Arte de Alejandra Fenochio, Fotografía de Juan Costamagna, Sonido de Mariana Delgado, Música y Archivo: Don Cornelio y La Zona, Duración: 89 minutos.



XXX – DOCUMENTAL SOBRE UN REENCUENTRO MUSICAL

En 1988 Juan Alberto Badía presentaba a la banda Don Cornelio y La Zona en "Badía y Cía", por Canal 13. Habían conseguido un gran éxito con "Ella vendrá" convirtiéndose, en medio de un sinnúmero de artistas roqueros, en un "hit". Piterburg cuenta la historia del reencuentro, tan siglo XXI, de aquellos soñadores músicos de los 80. Entre videos de sus actuaciones y el volver a verse, ahora con canas, transcurre una historia de música y de afectos entrañable, agradable de ver, un documental que se hace ficción cada vez que los jóvenes ochentosos aparecen en escena, aunque más no sea en un viejo VHS.

Hay mucho para contar sobre lo que ocurría con los músicos, con las bandas, de todos los géneros musicales. Muy pocos grababan. Charly Garcia, Spinetta, Nebbia (tras un largo período en el Brasil), pero no era lo común. Baste recordar que el mismísimo Astor Piazzolla solo pudo grabar su primer longplay en Uruguay con su Octeto Buenos Aires. Aquí estaba la "nueva ola" que perduraba en el tiempo y muy pocos artistas más que pudieran "interesar" a las discográficas (hoy desaparecidas). Sin embargo Don Cornelio y La Zona llegó a registrar dos longplays antes de disolverse en 1989. Es destacable la formación de la banda: había "vientos", o sea saxofón y trompeta, además de la base rítmica, y si bien esto no se subraya en el documental, sabemos que el éxito también les llegó por la calidad del rock y de los temas como "Ella vendrá" y el que le da título al documental, "Cenizas y diamantes" (título icónico además en el cine por el film de Andrzej Wajda, de 1958).

Es un documental de y sobre músicos, entonces se habla de sueños, de ensayos, se recita, se canta, se brinda mucho pero mucho. La bohemia de entonces, con una democracia recién alcanzada, generó grupos como Don Cornelio (extraño homenaje a don Cornelio Saavedra) y La Zona. La libertad estallaba por los poros, había ganas de decir, gritar y cantar, por lo que músicos y poetas tuvieron mucho trabajo. El festejo cobra sentido tanto como los recuerdos: la música no conoce de tiempos ni fronteras, y los sonidos de hace cuarenta años son tan válidos hoy como en aquellos años. Razón más que suficiente para celebrar a Don Cornelio y La Zona con un documental que les devuelve visibilidad. Para disfrutar.

Elsa Bragato

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CORRESPONSAL

Dirección de Emiliano Serra. Guion de Emiliano Serra y Santiago Hadida, Música de Lucas Fridman, Fotografía de Manuel Rebella, Arte de Marina Raggio. Elenco: Gabriel Rosas, Edgardo Moreira, Ximena Banús, Gaby Pastor, Agustín Rittano, Jorge Prado, Diego Starosta, María Eugenia Spago, Luciana Dulitzky, Gabriela Saidón, Axel Benítez, Nayla Posse, Jorge Sesán, Fernando Javier Margenet, Facundo Aquino, Alfredo Staffolani y Uma Bahía Vega. Duración: 75 minutos. Distribución de Cinetren.



XXX – AUSTERO PERO INTENSO THRILLER SOBRE LAS DICTADURAS LATINOAMERICANAS

Está muy claro que las dictaduras que asolaron América Latina en los 70 no solo tuvieron origen militar sino también muchos civiles colaboraron incluyéndose a los medios de comunicación como principales aliados de los dictadores. El realizador Emiliano Serra toma el caso de los corresponsales, o sea los periodistas que informan sobre los sucesos a su editorial desde otro país, y lo personifica en "Eduardo Ulrich", hombre gris de aspecto y de alma, que debe controlar a un profesor y a su esposa, presuntamente relacionados con los movimientos revolucionarios. La historia tiene cierta ambigüedad en su localización: puede ser Buenos Aires como Asunción, capital del Paraguay. No así en el tiempo: transcurre en 1978, en los prolegómenos del mundial de fútbol y en 1992, cuando se encontraron los "archivos del terror" en la localidad de Lambaré, Paraguay.

La construcción narrativa que nos ofrece Serra es lineal: la cámara sigue a este personaje, encarnado por Gabriel Rosas, que cumple con un mandato de su editor periodístico y se convierte en informante de los dictadores, situación que lo va enajenando. Este hecho es trabajado con esmero por Serra y Rosas a base de mucha expresividad y el arrullo de las palomas.

Serra demuestra su capacidad para manejarse con austeridad y generar un thriller policial que va creciendo en intensidad hasta lograr una serie de secuencias muy impactantes. La música de Lucas Fridman, un piano insistente cuyo sonido aumenta en momentos claves hasta provocar rechazo, es un elemento clave en el armado de las secuencias.

"Corresponsal" es una película valiente al permitirse describir a cierto periodismo cuya actividad ayudó a consolidar las sangrientas dictaduras latinoamericanas (en los 70, actuó la llamada "escuela de Chicago" para imponer economías liberales). Serra pone sobre el tapete aspectos de ese período tan oscuro a través de un policial de pocos personajes, escasos diálogos, sólida fotografía, y creciente tensión. Ciertamente, con poco se puede hacer y decir mucho.

Elsa Bragato

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CRÍTICAS

EL PLACER ES MÍO

Ganadora del premio 2024 de la Sección Internacional
Del BAFICI de este año.
Dirección de Sacha Amaral. Fotografía de Pedro knoli, Arte de Sol González, Música de José Vicente Orozco.Con Max Suen, Katja Alemann, Vladimir Durán, Sofía Palomino, Paco Onainty, Anabella Bacigalupo, Julián Larquier Tellarini, Luciano Suardi, entre otros. Producción de Gentil Cine, entre otras.



XXX- FUERTE RETRATO SOBRE LA ADOLESCENCIA A PARTIR DE HOGARES DISRUPTIVOS

"El placer es mío" es una ganadora de tema no convencional del último BAFICI, el festival de cine independiente de esta ciudad. El tema es la vida de un adolescente que sufre un drama familiar, un hogar donde es destratado, echado una y mil veces por su conducta. Se transforma en dealer, vende droga a gente muy diversa con la que suele mantener relaciones sexuales, y, cuando se descuidan, les roba.

En una buena parte del film, la narración se centra en sus relaciones sexuales, desde hombres mayores hasta jóvenes como él, y señoras que pueden ser su madre. Es un sinfín de relaciones, de consumo de estupefacientes, a fin de ganar algún dinero para el futuro. Hasta que un día su madre descubre dónde lo guarda y lo toma. Y ese hecho se transforma en un escándalo brutal. Es ahí donde la película cobra una gran fuerza y donde la narración hace pie, siendo la razón de la desazón interior del joven. Es decir, Sacha Amaral no juzga a su protagonista, lo muestra en su desesperación por construir un camino de vida, a pesar de humillaciones y vejaciones y del maltrato familiar.

Es un cine de honestidad absoluta, con una cámara inquieta que filma hasta momentos muy íntimos del protagonista, destacándose en esto una buena dirección actoral. A nivel conceptual hay cierto desaprovechamiento del drama familiar cuando es la razón de la difícil disyuntiva sobre cómo construir un camino de vida. Es un cine actual, de diálogos escasos, con secuencias de honestidad brutal y un "hipérbaton" narrativo que pudo evitarse.

Elsa Bragato

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POR EL PARANÁ, LA DISPUTA POR EL RÍO

De Alejo Di Risio y Franco González. Duración: 62 minutos.



XXX- DOCUMENTAL SOBRE LA DESTRUCCIÓN DEL RIO PARANÁ POR SOBRE SU UTILIZACIÓN

"Por el Paraná" debiera ser un documental de exhibición obligatoria en los secundarios del país y en las carreras de geografía. Alejo Di Risio y Franco González cargan al hombro cámaras y el tema para buscar las raíces de lo que se dice: que el río Paraná, el de los camalotes y los islotes, hoy en día está en manos extranjeras o bien de intereses de multinacionales.

Los realizadores entrevistan a un sinnúmero de habitantes, desde especialistas en temas de ambientación hasta pescadores ribereños, familias afincadas en alguno de los márgenes del Paraná que se van destruyendo por el paso de las gigantescas factorías extranjeras que lo surcan. Hoy se habla de "Hidrovía" una palabra que no existe y que reúne los intereses de un grupo de empresarios de soja y otros productos que pueden vender al exterior concentrando el poder en la Bolsa de Comercio de Rosario. Para que los buques de gran calado puedan pasar y cargar en alguno de los más de 30 puertos que rodean la ciudad de Rosario, se dragó el río hasta más de 35 pies, es más que río un profundo "canal", dicen los expertos.

El ingreso de estos buques de carga que no respetan la velocidad (8 km) provoca la destrucción de las orillas (las van "comiendo") y de las barrancas, así como ciertos lugares del "antiguo" Paraná donde muchos peces tenían sus crías.

Por sobre la situación anímica de quienes están sufriendo la pérdida de su hábitat – nada menos-, está la soberanía del país que no existe en los hechos desde que el ex presidente Menem otorgada la concesión por 20 años a estas empresas en 1994. Y está el planteo, hasta con lágrimas, de los lugareños que piden el regreso del Estado nacional para evitar una mayor extranjerización de lo nuestro porque ni las ganancias quedan en el país dado que todo es "sin aranceles" así como tampoco se declaran las cargas. Hablan de 115 buques de gran calado transportando 100 millones de toneladas de soja. Y "cargas" desconocidas... A buen entendedor...

Es un documental revelador y desolador, que indigna a la vez por la codicia de empresarios que destruyen todo a su paso. Nada les importa. Pero la concesión se termina este año, y a lo mejor algún funcionario toma cuenta de que la Argentina todavía es un país soberano. Un documental revelador y perturbador sobre el futuro del país.

Elsa Bragato

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LAS PUERTAS DE TAQUIMILÁN

De Eduardo Spagnuolo. Con Mariano Panello, Darío Altomaro, Alejandra Rincón, A. de Fátima. Fotografía de Mathieu Orcel. Arte de Valentina Dariomerlo. Música original Mapuche. Canción "Mimí mi sol", de Gustavo Gregorio. Duración: 65 minutos.



XXX – VALIOSO RESCATE DE UNA VERDAD HISTÓRICA

El realizador Eduardo Spagnuolo, de quien hace poco hemos visto otro trabajo, rescata en "Las puertas de Taquimilán" el misticismo mapuche. Se vale de pocos personajes (elenco neuquino): Martín (Mariano Panello) regresa al sur llamado por Ceferino (Darío Altomaro), viaja en su automóvil a través de una oscura noche, y el GPS lo lleva hasta el hospital zonal donde encontrará a su amigo. Sin recurrir a ningún artilugio técnico, Spagnuolo hace un paralelo a la manera de flashback entre Martín y Ceferino 13 años antes y el viaje actual de Martín en busca de Ceferino. En aquel momento, era un chico de Buenos Aires que quería demostrar cómo el general Roca había incluido a los mapuches al país. Ceferino, entonces chofer de una empresa de remises, le habla de la historia de su raza, contrarrestando la posición porteña.

"Algo" llamó a Martín luego de más de 10 años y regresa al lugar para encontrarse con Ceferino internado por su propia hija, Ailín (Alejandra Rincón), médica, a fin de someterlo a una arriesgada operación. Pero Ceferino preferirá la sabiduría de su pueblo anhelando irse a la ciudad virtual de Taquimilán, donde están los ancestros. Metáfora de morir para vivir en otro plano.

El filme nos muestra el choque generacional que se produce entre la cultura porteña y la del sur encarnada por los mapuches, así como el encontronazo interno de éstos, en este caso la hija médica de Ceferino y su propio padre que solo acepta las premisas de sus creencias, ese espacio virtual que la Fe genera. La ciudad de Taquimilán es el espacio traspersonal que Spagnuolo logra materializar con una buena fotografía (a cargo del realizador francés Mathieu Orcel), delineada sutilmente sobre los paisajes.

Resulta una película sencilla y al mismo tiempo con una propuesta conceptualmente muy rica, trabajada con la complejidad de manejar narrativa y técnicamente dos épocas de la amistad surgida entre el capitalino Martín y el mapuche Ceferino. Buena fotografía, interesante temática, buenas actuaciones, una película nacional que rescata la historia mapuche genuina, enmarcada en la música original de los pueblos de la Patagonia.

Elsa Bragato

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LEYENDA FEROZ

De Denise Urfeig y Mariano Frigerio. Guion de Mariano Frigerio. Fotografía de Aylén L+ópez, Montaje de Karina Expósito, Música de Adrián Guzmán, Animaciones de Julieta Roccoasa Productora Salamanca. Con Marcelo Piñeyro, Fernán Mirás, Cecilia Dopazo, Imanol Arias, entre otros. Cine.Duración: 77 minutos.



XXXX – LUCES Y SOMBRAS DE UN FILM ICÓNICO

Resulta atrapante "Leyenda Feroz" como documental por su agilidad narrativa y la investigación de producción para "rearmar", desde el detrás de escena, la realización de la película Tango Feroz, estrenada el 3 de junio de 1993. Es la historia de un héroe del rock nacional apodado Tanguito, sobrenombre de José Alberto Iglesias, fallecido en extrañas circunstancias a los 26 años en 1972. Para los directores del documental, Urfeig y Frigerio, aquel film que realizó Marcelo Piñeyro en un contexto económico opuesto (el menemismo donde "todo se compraba y vendía"), proponía el amor como fuerza de la vida ("El amor es más fuerte"; notable tema de Barrientos y Martín), y le develó a los jóvenes de hace 30 años las raíces del rock nacional, y la realidad que se vivía tan opuesta a los sueños: dictaduras que sometieron a nuestra sociedad, persecuciones de los jóvenes de pelo largo, una juventud haciendo música en espacios pequeños, poco visibles pero plagados de proyectos, de sueños.

Es muy interesante la charla con el director Piñeyro, "hacedor" de este éxito que hoy es leyenda, que habla de las tantas dificultades que tuvieron, desde iniciar su primera película, luego de trabajar muchos años con Luis Puenzo, hasta la elección de un elenco de incipientes actores como Fernán Mirás y Cecilia Dopazo, Leonardo Sbaraglia, Imanol Arias, entre tantos otros. Así como la súbita falta de financiamiento oponiéndose al fantástico apoyo incondicional de la escritora Aída Bornik para guionar. Fernán Mirás reconoce que fue el lanzamiento de su carrera, como lo fue para Dopazo y el resto del elenco, hoy reconocidos artistas de la escena nacional e internacional.
Uno a uno van desfilando frente a las cámaras de Urfeig y Frigerio con el asombro aún hoy, a tres décadas, en el rostro: el éxito de "Tango feroz" fue rotundo y superó con creces los muchos obstáculos que mencionábamos debiendo agregarse el rechazo de Litto Nebbia a autorizar el uso de "La balsa", pieza fundamental para la historia, al mismo tiempo que surgieron los detractores considerando que fue una gran ficción con pocos elementos reales de la vida de Tanguito.

El éxito se mantiene, la canción "El amor es más fuerte" es un himno de entonces y de ahora, nos reconocemos en esa melodía roquera que marcó al film y le dio sentido a esta biografía ficcionada de este personaje especial del rock nacional. Teniéndose en cuenta siempre el valor sociopolítico de nuestro rock tan ligado a la democracia y contrarios a las dictaduras desde siempre.

En fotografía, material periodístico, este documental es uno de los mejores de este año incluyéndose su fluidez narrativa basada en la alternancia de personajes frente a cámara, la melodía sustancial, los inserts del film "Tango feroz" y un guion bien estructurado. Aquel "Tango feroz", como Bornik denominó al rock, merece esta "Leyenda feroz", suceso sin fecha de vencimiento.

Elsa Bragato

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OTROS TÍTULOS ARGENTINOS PREVISTOS
2.- LA ESTRELLA QUE PERDÍ, de Luz Orlando Brennan.
Película que toma el caso de una actriz que retoma su carrera con una obra muy mediocre, sufriendo el abandono afectivo y efectivo de su hija. Es un camino difícil donde se mezclan la profesión y la familia. Con Mirtha Busnelli en el protagónico.

ESTRENOS INTERNACIONALES PREVISTOS

1.- EL PLANETA DE LOS SIMIOS, NUEVO REINO, de Wes Ball
Son críticas hasta el viernes.

2.-HCHIKO 2: SIEMPRE A TU LADO de Ang Zu.
Continuación de la historia de este perrito, que conmueve profundamente a diferentes públicos de diferentes edades. Producción de China.

3.- EL GRAN CAMBIO, de Brock Heasley
"Un fárrago notablemente incoherente de temas de ciencia ficción y proselitismo cristiano", de Noah Berlastky, Chicago Reader
"Tiene efectos visuales e interpretaciones decentes, pero este drama de ciencia ficción basado en la fe tiene problemas con un guion irregular"; de Jeffrey Anderson, Common Sense Media.
"La película intenta desesperadamente asustarnos con la idea de un mundo sin creencias, pero no tiene ni la acción ni los diálogos necesarios para lograr tal hazaña", de Nadir Samara, Screen Rant.

3.- LA GARRA DE HIERRO, de Sean Durkin.
"Se deja llevar por los imperativos de la tragedia de un modo muy sugerente", de Sergi Sánchez, Diario La Razón.
"Sean Durkin filma con aplicada corrección... expone los conflictos dramáticos alternando cuadrilátero y hogar, de manera muy verosímil", de Jordi Batle Caminal, Diario La Vanguardia.

4.- BOONIE BEARS, CÓDIGO GUARDIÁN
Animación de origen chino.

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Estrenos previstos para este jueves (pueden producirse cambios de último momento)

1.- GARFIELD, FUERA DE CASA, de Mark Dindal. Animación
2.-PROFESIÓN PELIGRO, de David Leitch, con Ryan Goslin.
Llega al cine la famosa serie Profesión Peligro cuyo detectiva, Colt, está encarnado por el laureado Ryan Goslin. Es un doble acción y su actividad lo lleva a tener consecuencias alocadas. Para entretener.
3.-LA HABANA DE FITO, documental
Hay crítica.
4.- AMOR, MENTIRAS Y SANGRE, de Rose Glass, Kristen Stewart, Katy O'Brian, Ed Harris, Dave Franco, entre otros.
Sin críticas hasta el viernes.
5.- LITERAL, de Alberto MAsliah.
Sin críticas hasta el viernes.

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CRÍTICAS
(Aclaramos que algunas de estas películas cuyas críticas presentamos fueron vistas en grupo de críticos de cine dado que los links de los films no se pueden reenviar. Es una forma de cumplir con las exigencias de las distribuidoras)

UN HOMBRE QUE ESCRIBE

De Liliana Paolinelli. Con Abelardo Castillo, María Moreno, Mayna Leciñana. Fotografía de Paula Grandio y Alejandro Ortigueira, Soledad Rodríguez. Edición de Lorena Moriconi, Sonido de Leandro de Loredo y Luciana Braga. Duración: 61 minutos.

XXX – REPORTAJE A UN GRAN LITERATO

Hace dos años partió a otro plano el notable escritor Abelardo Castillo, que dejó una vasta producción literaria que honra nuestro acervo cultural. Fue fundador y director de las revistas El Grillo de papel, El Escarabajo de Oro y El Ornitorrinco. Su obra se divide en novelas, teatros, cuentos.
En este documental, habla de los 70, de la concepción de escritor, de los talleres que ofreció, de su oficio y sobre su esposa. La cámara nunca se mueve. Es Abelardo Castillo de costado casi aunque frente a cámara, respondiendo preguntas y explayándose en los temas que conoce desde una seguridad personal y sin falsa humildad. Aunque sabe, reconoce, el trabajo de escribir, el éxito de todo lo que ha hecho. Sin reconocerse "un escritor".
Como documental, ofrece muy poco material. La narración apenas se enriquece con algunas tapas de sus libros, con capítulos abiertos frente a cámaras, con el paso de las páginas en forma rápida. Pero nada más. Es decir, es un documento literario para un target determinado de público más que un documental, dado que no hay una investigación periodística: todo se basa en la figura del escritor Abelardo Castillo respondiendo preguntas. Un reportaje valioso pero nada cinematográfico.

Elsa Bragato

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LA NOCHE ADENTRO

De Carina Piazza y Alejandro Alonso. Con Mónica Lairana, Valeria Luz Aoaricio y Chicho Vargas. Guion de Carina Piazza. Fotografía de Mariano Donoso, Arte de Alejandra Mascareño y Selva Tulián, Duración: 93 minutos.

XXX – INTENSO THRILLER SOBRE LAS LIBERTADES INDIVIDUALES

Desde Mendoza llega la película "La noche adentro", filmada en el departamento de Lavalle, sobre el caso de un padre y una hija que viven en un lugar desolado e inhóspito a cuya choza llega una joven revolucionaria malherida, hecho que ocurre en 1978. Es decir, plena dictadura cívico militar de aquellos trágicos años.Todo aquel que era sospechoso corría la misma suerte: la muerte, dentro de un régimen nazi que, a décadas de la caída de Hitler, cobró vida en nuestro país hasta 1983. La joven que llega herida es rápidamente socorrida por María y su padre, un hombre hosco, que sabe accionar más que dialogar. Su hija está sometida a ese destino rutinario sin salida y encuentra en la joven revolucionaria un cambio sustancial. Pocas horas bastan para que María se enamore de la chica. Mientras, el padre está atento al cada vez más cercano patrullaje militar por sus terrenos. Es decir, salvar la vida de la joven, presa de pánico, está convirtiendo su hábitat en una cárcel para sobrevivir. Casi un contrasentido.
Los directores trabajaron con colores opacos, así como los escasos diálogos obligan a esforzar la atención en los gestos de los tres habitantes: el rostro de la joven presa del terror, el de María cargada de desesperanza, el del padre con una pertinaz hosquedad. El policial surge de golpe, la muerte acecha, y la vigilancia sobre tres personas aisladas del mundo es mayor.
En verdad, hay un planteo sobre los alcances de la libertad y su relatividad, sociedades sujetas desde tiempos inmemoriales a los designios de poderosos, encierros que no son cárceles pero que actúan de la misma manera en la vida de las personas.
En lo formal, hay una buena narrativa basada en una excelente fotografía con variedad de planos y tomas conformando una historia atractiva de principio a fin. La pasión de María por la joven es lo menos interesante como aporte de conflicto: ésta es una historia de libertades condicionadas por diferentes motivos, desde lo político hasta la pobreza. Es la noche dentro de uno, la falta de luz espiritual que lleva al precipicio. Para pensar.

Elsa Bragato

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LA HABANA DE FITO

Dirección y guion de Juan Vin Vilar. Fotografía de Raúl Prado Rodríguez, Banda Sonora de Velia Díaz de Villalvilla. Duración: 62 minutos.

XXXX – EL OTRO FITO

El documental "La Habana de Fito" de origen cubano rescata la figura del cantautor Fito Páez desconocida para la mayoría: el Fito músico habanero. Llegó en 1986 a la isla de Cuba luego de sufrir la tragedia que cubrió las noticias policiales de ese entonces: el asesinato de su abuela, su tía y de la señora que ayudaba, hecho ocurrido en su ciudad natal, Rosario. Encontrar a Pablo Milanés en la capital de Cuba y conocer a la trova cubana fue la salvación de su vida porque, luego de semejante desguace familiar, solo le quedaba el suicidio.
Fito se ubica en una terraza de un hotel que quiere mucho en La Habana y con su interlocutor va repasando su vida en Cuba; fue un visitante asiduo aun desconociendo, como bien dice, cualquier cuestión política de fondo. Se enamoró de su gente, de su acervo cultural, se sintió allí inmensamente feliz, felicidad que transmite este documental muy bien narrado con inclusión de videos de la época: fragmentos de los conciertos de Fito de 1987, 1988, su regreso en 1996 (un largo período en el que lo acompañó quien era su pareja, la actriz Cecilia Roth), 2012, 2014 y 2016.
La amistad con Milanés (filmación anterior al 2022 dado que el artista falleció ese año en España, donde estaba radicado) fue un camino de vida para Fito Páez, voz a la que se suman las de Carlos Alfonso, Eve Valdés, Santiago Feliú, la Van Van Orquesta, el ministro Roberto Robaina, Luis Alberto García, Cecilia Roth, entre tantos otros, que fueron dando su testimonio sobre lo que significó Fito Páez para los cubanos: nuestro artista fue otra revolución para Cuba por su música y su desparpajo.
Admiración mutua, recuerdos de borracheras, de noches y días de música y ron, y la presencia inesperada del comandante Fidel Castro, quien le habló de cualquier tema menos de política, jalonan esta charla imperdible, que va recorriendo años, décadas, con un artista entusiasmado por lo vivido y con la emoción a flor de piel.
Para Fito Páez, La Habana debe conservarse así, con sus construcciones antiguas porque en ellas está su espíritu, la alegría, la risa, la buena música, y el saber vivir. Quizás sea cuestión del clima del Caribe, Fito no lo sabe, pero está seguro de que La Habana y su gente son únicas.
Buena narración, buena documentación que incluye fragmentos de noticieros de la época, una fotografía que alterna la charla de Fito Páez con los inserts fílmicos, y que redondea la idea inicial: Fito Páez no pudo sustraerse a la fascinación que La Habana produce en todos quienes la visitan. O quizás se pueda decir que así como Páez tuvo su "flash" con La Habana, los cubanos tuvieron el suyo con nuestro Fito.

Elsa Bragato

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CRÍTICAS

ANIMU

Documental de Miguel Cohan, BAFICI 2924.

Música de Wara Calpanchay. Fotografía de Federico Bracken. Compañías Vertiente Cine, La Pluma Producciones, Duración 61 minutos.

XXX – SENSIBLE RELATO SOBRE EL CRECIMIENTO ESPIRITUAL DE UNA ADOLESCENTE

Miguel Cohan le da protagonismo a Wara, una adolescente de la Puna que decide vivir fuera de la ciudad de Jujuy. Toca el Violín, de hecho la música del film le pertenece, y tiene gran cercanía con su abuela. Cuando esta muere, empieza un crecimiento involuntario que le resulta doloroso. De eso se trata esta historia contada en blanco y negro.

Si bien esta la supuesta "tía" Delia, la ausencia definitiva de la abuela es diferente: va unida a la música y reconoce que solo le ha quedado esto último. Ahora se da cuenta de que es tanta su necesidad de afecto que es capaz de abrazar a un desconocido o a un animal, a los que de niña les temía. Pero falta mucho para su crecimiento, porque nada sabe de las costumbres de su pueblo, aunque comparta algunas. El mundo se convirtió un lugar desconocido al que debe desandar y descubrir.

El tratamiento que Cohan le da al guion es metafísico, tal como se entiende hoy, basado en esas preguntas que no tienen respuestas especialmente cuando alguien cercano muere. Dónde está, cómo reencontrarlo, dejamos realmente que su alma vuele o lo atamos a la tierra con nuestros deseos. Ni la ciencia aun las ha podido desentrañar. Para Wara todo es comienzo o tal vez volver a las raíces y encontrar alguna respuesta desde su nombre hasta el presente, con tíos y primos que no sabe si son de su sangre o no, y buscar un camino dentro del arte como salida. Tiene a la música como compañera inseparable del recuerdo ahora de su abuela, el camino tal vez esté en las artes audiovisuales...

En esta película se habla de los sueños, de la música, del reencuentro con los seres que no están, marcando notable diferencia con las películas donde se trata el crecimiento de una adolescente. Es, en definitiva, un sentido documental, con muy buenos rubros técnicos una historia de adolescencia diferente contada desde el lugar del alma y del pensamiento.

Elsa Bragato

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XXX- CINE-PASIÓN EN UN BUEN DOCUMENTAL

Hacer cine en Buenos Aires tiene diferencias de medios respecto del mismo trabajo en las provincias de nuestro país. Es la vivencia del director Eduardo Spagnuolo quien viajó al pueblo Zonda, a 20 km de la ciudad de San Juan, para entrevistar a Fabián Arévalo, fotógrafo, entre otros menesteres, transformado en director de cine. Un cine a pulmón para el que se hacen rifas a fin de financiarlo, un crowdfounding casero. La idea de Fabián fue filmar la vida de la montonera Martina Chapanay, reconocida como la vengadora de la muerte del Chacho Peñaloza, que nació en la comunidad de los huerpes en 1800 aproximadamente y falleció en 1887. La actriz elegida fue la lugareña Nilda Oyola, a quien convenció su hermana de tomar el papel por el valor histórico del personaje. Todo en familia.

Spagnuolo se encontró con un grupo de amantes del cine, sin experiencia profesional que, sin embargo, estaban registrando increíbles escenas de acción. Allí advirtió capacidad e ingenio, y pasión por filmar. Los trajes de época estuvieron a cargo de una vecina, mientras que cada integrante del elenco llevó su propio caballo porque "son más protagonistas que nadie".

Por sobre lo que nos cuenta en forma fluida y animada este documental, está la tremenda oposición entre los medios con los que se cuentan en nuestra ciudad y los que faltan en el interior profundo. Claro que tener medios no es ni gratis ni fácil porque se suceden las presiones de los sindicatos, de organizaciones ligadas al cine, y de los elencos profesionales, que enloquecen con exigencias al productor y al director.

Para Spagnuolo ha sido un hallazgo que lo entusiasmó por lo que terminó de organizar este documental: se topó con gente con pasión que lograba lo que aquí se hacía con inversiones importantes. El resultado es una especie de western criollo interesante, una propuesta que hace bien ver: argentinos con amor por lo que hace, que tiene ingenio y voluntad por sobre las carencias. Un film valioso que pone sobre el tapete el ingenio y la voluntad por sobre una realidad difícil pero nunca insalvable.

Elsa Bragato

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UN GATO CON SUERTE

Animación dirigida por Christopher Jenkins. Voces de Mo Gilligan, Simone Ashley, Sophie Okonedo, entre otros. Duración: 78 minutos. Distribuye BF París.

XXX – UN GATO CON UN KARMA ESPECIAL

Esta animación, que fuese presentada en el festival Sundance, viene alcanzando buenos niveles de público por su temática: un gato al que las 7 vidas le alcanzan para llegar al cielo y volver con varias más. Se trata de "Beckett", gato muy mimado que, de casualidad, cae en la casa de una investigadora científica quien busca salvar a las abejas. Por uno u otro motivo, va perdiendo sus vidas hasta que, al llegar a la última, el único camino que le queda es el del Cielo. Allí hay una encargada de recibirlo que le irá solucionando sus ansias de vivir pero en el cuerpo de otros animales.

Es curioso cómo uno de los enunciados metafísicos indican que, al pasar a la otra vida, la reencarnación sobreviene en el cuerpo de otro ser humano. Para algunos, también en animales o insectos, si bien esta última es la teoría más rechazada. En el gato Beckett resulta muy simpática esta reencarnación para regresar a la tierra convertido en laucha, en zorrino, en abeja, en caballo, entre otros animales, siempre cumpliendo con una tarea de ayuda a su dueña que llora por él.

El tema se torna muy simpático por el personaje, Beckett empatiza rápidamente con el público y la narración resulta atractiva de principio a fin si bien el pobre gatito sufre las mil y una. En verdad, una animación con mucha alma y sentido ecológico.

Elsa Bragato

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ASTOLFO

Dirección y guion de Gianni Di Gregorio. Con Gianni Di Gregorio, Stefanía Sandrelli, Gigio Morra, Alfonso Santagata, Mauro Lamantia, Alberto Testone, Agnese Nano, Simone Colombari, Biagio Forestieri, Mariagrazia ompei, entre otros, Fotografia de Maurizio Calvesi, Mu´sica de Ratchev and Carratello. Duración: 97 minutos. Bibi Film y Le Pacte.

XXX- COMEDIA SOBRE EL AMOR AÑOSO

Las sociedades actuales miran con recelo el amor y la sexualidad en la llamada "tercera edad". Está asumido que los "añosos" no pueden tener las mismas habilidades amatorias que los de 20, 30, 40 o 50. Gianni Di Gregorio, que peina sus canas, enfoca su película sobre este aspecto cuando, por diversas razones, debe dejar su departamento romano y vivir en un viejo palacio familiar. Algunas cosas cambiaron, el párroco del lugar tomó parte del edificio, y, en la zona liberada, viven un pordiosero, un chef y un joven, todos sin techo ni trabajo.

"Astolfo", que encarna Di Gregorio, tiene una infinita paciencia por lo que acepta vivir con los tres, mientras intenta recuperar la propiedad. Al margen de las diversas circunstancias que enfrenta al respecto, su primo se empecina en presentarle a una viuda, Stefanía (la siempre bella Stefanía Sandrelli, aquélla inolvidable de "Nos habíamos amado tanto", film de Ettore Scola, 1974), quien, a su vez, ha dejado de vivir su propia vida para atender los reclamos de su hijo y nietos. La llegada de Astolfo cambia su rutina diaria no sin inconvenientes.

Por sobre los personajes bien delimitados, surge el planteo de Astolfo, hombre sesentón, quien se pregunta si tiene derecho a volver a amar, si puede ser aceptado y si no hará el ridículo. Otro tanto le ocurre a Stefania.

Es, más allá de los protagonistas, una problemática social que determina la soledad de gente mayor con enormes valores intelectuales aun cuando mantienen capacidad para trabajar y rehacer sus vidas. De allí el valor de esta comedia que no cae en el melodrama y en los rebuscamientos conceptuales. Di Gregorio logra una comedia cálida, de planteos sociales sutiles, enmarcados en este nuevo amor al que se anima a darle cauce. Es una película honesta, que divierte, hace bien y hace pensar subliminalmente.

Elsa Bragato

AMOR SIN TIEMPO

Dirección y guion de Bertrand Bonello, basado en un cuento de Henry James, La Bete. Con Léa Seydoux y George Mackay, enre otros. Fotografía de Josée Deshaies, Música de Bertrand Bonello y Anna Bonello. Duración: 146 minutos.

XXX – HISTORIA DE UN AMOR Y ALGO MÁS

El cuento "La bestia" de Henry James, considerado el padre de la Psicología Norteamericana, llega por segunda vez al cine esta vez de la mano de Bertrand Bonello con "Amor sin tiempo" en castellano, quien logra un film demasiado extenso, pero sin poder de síntesis.

La protagonista es Gabrielle, una joven y bella mujer (Lea Seydoux), quien no quiere sufrir más y se somete a la Inteligencia Artificial que ha logrado "comprender los sentimientos para tenerlos sin sufrir". Bonello empieza su narración en el 2044 para llevarla a 1910 y 2014, a través de un extraño proceso que, para la paciente, es un abrir y cerrar de ojos. En todos estos momentos, Gabrielle ha sentido el temor de que su vida corre peligro, si bien se encuentra con su amor de adolescencia. Está casada con un hombre que, repentinamente, se dedicó al negocio de muñecas de plástico, hasta que decide separarse.

La "bestia" del título en francés está presente en donde menos se espera. Y, como todo buen cuentista, James lo descubre en el final, algo que Bertrand Bonello respeta. Mientras tanto, el realizador nos pasea por diferentes sentimientos y sensaciones: desde el miedo a morir al miedo a un desastre, el miedo al entorno, el miedo a la soledad, hasta dejar de manera tácita por sobre todos estos miedos la esencia de lo existencial, este permiso de estar con vida por un ratito nomás.

Nada es muy explícito en el film de Bertrand Bonello salvo la aparición del amor de adolescencia de Gabrielle en cada período, pero el director no logra fusionar estas etapas que vive la protagonista en un todo sino que quedan como secuencias, o paréntesis que pueden eliminarse sin que la propuesta pierda sentido.

Es innegable que hay una búsqueda del amor como salvación, planteo incuestionable de la protagonista. Pero se diluye en una narrativa laberíntica. Si el cuento de Henry James está pleno de pesimismo sobre la condición humana, el film de Bonello toma sus ideas literarias de manera parcializada, dándole tinte policial. Ideal para festivales más que para todo tipo de audiencias.

Elsa Bragato

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XX – PELÍCULA CATÁSTROFE QUE DECEPCIONA

Repentinamente se produce un tremendo terremoto de 9,5 grados en la ciudad de Chengsung, donde existe un Parque Industrial. Si bien el cuerpo de bomberos tiene entrenamientos en este tipo de catástrofes, este terremoto los superará y transformará una próspera ciudad en una villa apocalíptica.

La película es una sucesión de desastres para los que se cree estar preparado hasta que se desata el feroz sismo de 9.5 que produce la explosión de las tuberías de la planta química. Solo hay una pareja que pone la cuota de amor: él es bombero y ella una experta en situaciones límites que se pone a disposición para recorrer la planta a fin de determinar los elementos químicos y trabajar entonces con los mejores medios de protección. El melodrama romántica está en que ella no acepta casarse con su novio bombero y, sin embargo, la vida los enfrentará a una situación tan dramática que ambos deberán analizar si tienen o no futuro.

Hay escenas de sensiblería máxima aunque se ajusten a alguna realidad vivida: los bomberos que se declaran hijos del padre de un compañero, un anciano que está por desmayarse por el llanto, que ha fallecido en el desastre telúrico o el pendrive que, bajo tierra, un bombero atrapado logra grabar y enviar a la maestra de quien está enamorado para despedirse. No es una película buena, es una sucesión de desastres de computación que no aportan nada nuevo. Mucho apocalipsis técnico, llantos forzados y carencia de auténtica sensibilidad.

Elsa Bragato

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LAS DOS MARIETTE

Dirección y guion de Poli Martínez Kaplun, fotografía de Hernán Menéndez, Música de Cesar Lerner. Con Mariette Diamant, amigas y familia. Duración: 80 minutos.

XXXX – LAS DOS ALMAS DE MARIETTE

La realizadora Poli Martínez Kaplun logra una larga y sentida entrevista con Mariette Diamant, nacida en Austria que vivió en París con sus padres y fue educada en los mejores colegios católicos. Cuando los alemanes ocuparon Francia, sus padres decidieron emigrar a la Argentina. Mariette recuerda a su madre por su glamour y su voluntad férrea mientras que su padre, bastante mayor que la mamá, se ocupó del mantenimiento del hogar. Por un hecho fortuito, su madre le confesó que su papá era judío y que ella no tenía acta de nacimiento porque se había incendiado la oficina estatal.

MAriette empezó a vivir un quiebre profundo: si su padre era judío, ella lo era también, pero su madre había ocultado todo posible judaísmo siendo educada en la fe contraria. Judía pero católica profunda. Junto a un grupo de amigas, luego a sus tres hijas, Mariette comprende que su sufrimiento por esta dualidad tuvo un por qué: su madre quiso cuidarla. De decir que era judía, tal vez no habría vivido. Mientras que para MAriette es muy importante aún hoy esta situación dual, así como para sus hijas mujeres no hay ningún problema y para su hijo varón la situación lo tiene sin cuidado. Mucho menos importa a sus nietos para quienes la situación hasta es divertida.

De esta biopic resultan muy interesante las charlas de las amistades judías de Mariette y las diferentes hipótesis que hilvanan sobre el caso. Pero nadie la culpa, solo hay que lamentar que Mariette sufra aún hoy imaginándose si pudo ser discriminada por antisemitismo, o si no cumplió con su fe. Que sienta, en definitiva, una culpa por algo que no le pertenece.

Bien podemos afirmar que en este film de Poli Martínez Kaplun es esencial lo conceptual: el secreto de "Las dos Mariette" está en lo que se habla en las reuniones con familiares y amigos. No obstante, la realizadora cumple con los elementos del documental al poner frente a cámaras a Mariete Diamant así como se entrevista con diferentes integrantes de su entorno. Historia conmovedora que habla de las consecuencias de las guerras, de la lucha por la supervivencia, de la discriminación por fe, y la resiliencia cuando es posible. Para Mariette, protagonista empática, es un dilema, eje de su vida, aunque se comprende y acepte su profunda conmoción espiritual. Un documental pleno de emoción.

Elsa Bragato

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SIEMPRE HAY UN MAÑANA

De Paola Cortellesi. Guion de Paola Cortellesi, Furio Andreotti y Giulia Calenda. Fotografía de Davide Leone, Música de Lele Marchitelli. Con Paola Cortellesi, Valerio Mastandrea, Vinicio Maarchioni, entre otros. Duración: 118 minutos.

XXXX- UNA HEROÍNA SURGIDA EN EL NEORREALISMO

La directora, guionista y protagonista de Siempre hay un mañana presenta una película sobre el empoderamiento de las mujeres ubicando la historia en 1946, plena postguerra, con la utilización del blanco y negro.

Es la misma directora y coguionista quien personifica a Delia, una hermosa mujer casada con un hombre violento, madre de tres hijos, la mayor a punto de comprometerse, que creyó en el matrimonio pero ahora con la carga de sus sueños hechos trizas mientras cumple a rajatabla con sus obligaciones de ama de casa, esposa y madre.

La historia se asemeja a muchas otras, salvo que en esta oportunidad Delia es la esencial protagonista, la cámara (la propia cámara de Paola Cortellesi) la sigue haciéndonos sentir su quiebre interior mientras la vida familiar continúa sin variantes. Sin embargo, se produce un atisbo de salida que es más que individual, social. En principio, surge como un pellizco en el camino narrativo por lo que aquello que parece como determinación de libertad no sea personal sino social.

Es decir, Delia y su historia conforman una gran alegoría sobre las libertades sociales femeninas. Trasciende los estereotipos al no quedarse en una agónica idea de irse. El tratamiento que le da Paola Cortelessi a su heroína es de universalidad a partir de la individualidad, trabajando el lenguaje básico del neorrealismo con secuencias que caen en el surrealismo por su extrema teatralidad, resultando insólitas y desparpajadas. Una película sobre la condición femenina atrapante, muy bien realizada, con una heroína fascinante. Estupenda, para ver.

Elsa Bragato

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ALEMANIA

Dirección y guion de María Zanetti. Con Maite Aguilar, Andy Pruss, Vicky Peña, entre otros. Fotografía de de Agustín Burrutia, Música de Sergio de la Puente, Duración: 87 minutos.

XXXX- HALLAZGO CINEMATOGRÁFICO EN UNA HISTORIA COTIDIANA

Es el primer largometraje de María Zanetti y el debut de su protagonista, Maite Aguilar, moviéndose en un medio en el que parecen haber nacido: el cine. Se cuenta la historia de una adolescente de 16 años, Lola, que logra una beca para Alemania a fin de culminar su secundario en Europa. Se enfrenta a las vicisitudes de su hogar, donde su hermana mayor es el centro de preocupación de los padres, mientras que el hermano menor aporta inquietud y alegría. Lola queda siempre relegada, pero está convencida de lograr su sueño a costa de lo que fuere.

María Zanetti trabaja con el medio plano, produciendo cercanía, familiaridad. Nada de lo que ocurre en la historia resulta desconocido, uno se integra a esa familia de clase media baja. Mérito sin duda de Zanetti que mantiene en un mismo nivel la narración: no hay tiempos muertos o que resulten excesivos. En todo caso, la realizadora tiene manejo de la historia para ir dosificando las tensiones intrafamiliares, agregándose la calidez de la abuela (la reconocida española Vicky Peña). El conflicto estalla sin caer en el melodrama, es una circunstancia difícil más que enfrenta un matrimonio con una hija enferma, otra con un viaje al exterior y un pequeño al que hay que criar. Ningún personaje sobra o está fuera de contexto. Lola crece abruptamente a partir de las pequeñas y cotidianas frustraciones, mientras no abandona su sueño. Fluye la historia como la vida misma, solo es necesario abrir los caminos de la conciencia para que los hechos se encaucen.

Se trata de una película redonda, bien realizada en todos sus aspectos, los actorales y los técnicos. Asombra la calidad interpretativa de la novel Maite Aguilar, así como el conocimiento y manejo de la esencia de lo cinematográfico que tiene María Zanetti. Un pequeño gran hallazgo.

Elsa Bragato

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VLADIMIR

Dirección y guion de Martin Riwnyj. Fotografía de Joaquín Silvatici, Arte de Victoria Cachán, Edición de Leo López y Esteban Rivero, Música de Pablo Trilnik, Eduardo Gómez Bidondo. Con Daniel Aráoz, Enrique Dumont, Marcelo Melingo, Mimí Ardú, Alma Bagnato, María Eugenia Rigón, Mariela Pizzo, Germán Baudino, Carlos Belloso, Stefanía Koessl, entre otros. Duración: 72 minutos.

XXXX- PROTAGÓNICO POTENTE Y OSCURO PARA UN NOTABLE DANIEL ARÁOZ

Tener a Daniel Aráoz como protagonista de una obra, en este caso, cinematográfica es lograr un altísimo porcentual de calidad desde el vamos. El director Martín Riwnyj, artista plástico y realizador al mismo tiempo, lo convoco para un personaje muy especial, Vladimir, ideal para la personalidad escénica de Aráoz. Vladimir es un artista a quien, como primera circunstancia, la muerte trágica de su mejor amigo, Raulito (Enrique Dumont) le provoca un cambio psicológico profundo iniciando una carrera pictórica a base de oscuros actos. Su contracara es "Pereda", a cargo de Carlos Belloso, policía corrupto que intenta no serlo. El resto de los personajes tienen que ver con el mundo del arte, galeristas, expertos, a quienes poco les importa la vida del artista sino lo que sus productos generan. La segunda circunstancia que quiebra el espíritu de Vladimir es la aparición de una joven mujer que lo obliga a un replanteo de su vida y de su propia muerte.

Es una película diferente, donde hay planteos sobre distintos aspectos desde la moral hasta la fe y la vida en el más allá. Riwnyj logra climas envolventes, con una cámara por momentos subjetiva, en cuyas tomas hay ocultas respuestas, tan secretas como la inspiración de Vladimir.

En definitiva, estamos frente a un intenso policial, donde la perversión y el absurdo se fusionan en el protagonista, quien logra su obra maestra de manera sorprendente al punto tal de que deja sin aliento. Muy buen filme.

Elsa Bragato

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CRÍTICAS

TOKYO SHAKING

Dirección y guion de Olivier Peyon, coguionista: Cyril Brody. Fotografía de Alexis Ravirchine, Música de Manuel Rolank y el Coro de Abricot. Con Karin Viard, Stephane Bak, entre otros. Duración: 101 minutos. Mirada Distribution

XXX –UNA MIRADA DIFERENTE SOBRE EL DESASTRE DE FUKUYIMA

Olivier Peyon, principal guionista de esta realización que dirigió, centra la historia en "Alexandre" (Karin Viard), francesa trasladada a Tokyo cumpliendo con un ascenso, y en el empleado "Amani" (Stephane Bak) de origen congoleño. En esa dupla protagónica se generan una serie de temas que Peyon no desarrolla sino que puntualiza, he aquí la cuestión narrativa, enmarcando la historia en la explosión nuclear de Fukuyima y sus consecuencias inmediatas.

"Alexandre", francesa en Tokyo, permite analizar el caso de la migración, por necesidad en su caso o por voluntad como fue la elección de "Amani", así como la presión sobre una mujer que ocupa un importante cargo. Sin embargo, está sojuzgada por su marido, por su superior, y por las circunstancias: es migrante, mujer, y tiene un cargo gerencial. En verdad, hay numerosos subtemas interesantes que no se profundizan pero se señalan claramente porque el drama no está en Fukuyima sino en la vida cotidiana, centrándose en "Alexandre" y su capacidad para surfear una situación límite mientras la aquejan diferentes factores individuales y sociales.

Dentro de la estructura de una comedia dramática clásica, Peyon vira la narración surgido de un hecho límite para desgranar, puntualizar, la reacción individual desde lo cotidiano y los valores que se ponen en juego. Deja un claro mensaje sobre los pro y contra de sociedades avanzadas donde la discriminación por sexo y raza siguen vigentes como hace siglos. Para pensar.

Elsa Bragato

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HEMSHEJ

Dirección y guion de Julieta Lande. Camara de Lande y Pablo Linietsky. Anmaciones de Tomás Lerer. Idiomas: castellano, polaco e inglés. Duración: 71 minutos. Producción Argentina- Polonia.

XXX – LA BÚSQUEDA DE LOS ORÍGENES

La directora Julieta Lande reconstruye el origen de su familia a partir de lo que no se dijo, de lo que no se habló en familia. Sus abuelos fueron "sobrevivientes", lo único que supo, y vinieron de Polonia en 1939. Mucho más no se habló, actitud que fue muy común en los inmigrantes del siglo XX por diferentes motivos.

Viaja a Polonia, busca la calle donde vivieron sus antepasados, visita cementerios judíos, viaja a Israel, se encuentra con sus primos. Una parte de la familia está interesada en los orígenes mientras que otra considera que son actitudes "nostálgicas". Resulta diferente su posición respecto de Israel y Palestina, los árboles que se plantaron en tierras ocupadas que le obligan a decir que una historia de vida tapa otra. Casi como cuestionamiento o bien una pregunta para esa disyuntiva.

Es atractivo el primer plano casi constante de Lande, busca en los rostros de su tío y de su padre respuestas que, a veces, dan más los gestos que las palabras. Su voz en off va explicando desde las fotos iniciales de Joel y Jana, los abuelos a quienes dedica el documental, así como el por qué de su viaje a Polonia, un país que les suena como "cementerio de judíos". La ayuda de su tío y su padre resulta determinante: "la vida era normal hasta que dejó de serlo", afirma su padre, mientras que señala que "Hemshef" significa recuerdo, iniciar ese recuerdo y darle continuidad. Siendo entonces una actitud de vida para todos los judíos. Hay un trasvasamiento generacional del dolor infringido.

El documental resulta muy atractivo en lo conceptual por la riqueza en la búsqueda, que encuentra desde el bosque de los mártires de Stok hasta la diferencia entre los nativos de Israel y los judíos nacidos en otros países, enriqueciendo además la fotografía con paisajes poloneses e israelíes. Diferente, con un pensamiento claro y sin cortapisas sobre lo que es ser judío: hay una carga histórica que se debe afrontar siempre.

Elsa Bragato

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CLARA SE PIERDE EN EL BOSQUE

Dirección y Guion de Camila Fabbri. Fotografía de Victora pereda, Montaje de Josefina Llobel, Arte de Iara Ohanian,Con Camila Peralta, Agustín Gagliardi, Julián Larquier Tellarini, Florencia Gómez García, Maitina de Marco, Martina Chamorro y Pedro García Narbaitz- Duración. 86 minutos.

XXX – RECUERDOS QUE NO SE SUPERAN

Es el primer largometraje de la escritora Camila Fabbri y, en verdad, logra un filme diferente, un tanto complejo conceptualmente, pero que despierta interés especialmente en los más jóvenes.

Nos cuenta un momento especial en la vida de Clara (Camila Peralta) que desea ser madre y su viaje hacia un paraje campestre con su pareja, un encuentro familiar bucólico, amable, simple, con un bosque enfrente de la casa y la libertad de descansar cuando se quiere. Pero Clara mantiene charlas vía celular con su amiga de siepre, Martina, quien ya está embarazada y es quien la ayudó a salvarse en la masacre ocurrida el 30 de diciembre del 2004 en Cromañón, el lugar bailable de la zona de ONCE que se cobró más de 195 vidas en cuando las bengalas lanzadas por los chicos rozaron las telas que cubrían el techo. Era una presentación de Callejeros, que terminó en una tragedia social.

El trabajo de Camila Fabbri es interesante: los recuerdos que Clara y Martina sienten, que las movilizan, se cuentan vía telefónica, mientras lo que se ve, las imágenes, nos muestran la vida familiar, la alegría de los chicos, los perros corriéndose, y la visita al bosque, paseo obligado que, por momentos, asusta porque cualquiera puede perderse.

Es decir, hay una oposición concreta: lo que se ve no es lo que voces en off nos cuentan. Hay una exclusión adrede de lo que se vive (sentarnos, escuchar a otros, tomar mate) con lo que la mente de Clara acepta y, en este caso, es lo que Martina le recuerda sobre la tragedia de Cromañón, ese hecho traumático que las unió. La narración transcurre a partir de un claro sentido de lo "no empático" porque no se logra fusionar el sentimiento de Clara, en medio del bosque de sus pensamientos y traumas, con la vida cotidiana de la que parece participar.

Camila Fabbri logra plantear una dicotomía profunda en la protagonista, basándose en lo que más conoce que es la literatura: lo que sucede es literario, se habla, está en diálogos o monólogos, pero no en las imágenes que muestran un grupo familiar que disfruta de una casona en el campo. En definitiva, la película transcurre en una voz en off.

Elsa Bragato

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CRÍTICAS

CONVERSACIONES CON SÁBATO

Documental de 1983. Dirección de Pablo César. Idea y producción de Ana María Novick. Música de Guido Sábato. Edición de Liliana Nadal. Postproducción de sonido de Emiliano Monsegur. Postproducción de imagen de Gorky Films. Proceso de escaneo digital del film Super8 de Sebastián Tolosa. Diseño gráfico de Gabriel Real.

XXXX – RECUPERACIÓN DEL PENSAMIENTO DE UN GRAN ESCRITOR

El realizador Pablo César, de vasta trayectoria, logró ubicar en Tailandia a Ana María Novick, quien fuera la ideóloga de este documental con el escritor y físico Ernesto Sábato como protagonista antes de que terminara la dictadura cívicomilitar, en 1983. Hubo un proceso de digitalización y de renovación tecnológica del material inicial y se pudo llegar a este mediometraje de gran interés. Se ve a Ernesto Sábato paseando por Parque Lezama, el lugar de sus personajes de Sobre Héroes y Tumbas, y también en su casa de Santos Lugares. Tiene un pensamiento lúcido, preciso, que le permitió definir al movimiento Peronista, desentrañar el caso de Eva Perón, figura a la que admiró siempre, distinguir entre el arte en sí mismo del arte propagandístico a través de Beethoven y de Picasso como ejemplos, y hablar de la vida y de la muerte, riéndose porque a la segunda "solo me llevarán con la fuerza pública". Es una figura adusta y amable a la vez que nos habla del por qué de la pintura, la diferencia entre sueño y creación, su problema de visión, las pasiones entre pintura y literatura, y un sentimiento especial de empatía con la naturaleza. Es de gran interés cultural ver este documental que se ofrecerá los días 3 y 10 de abril a las 19 horas en el CCK con entrada libre y gratuita. Escuchar a un pensador nacional es lo más conveniente que nos puede pasar en estos días.

Elsa Bragato

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EL LIBRO DE LAS SOLUCIONES

Dirección y guion de Michael Gondry. Con Pierre Niney, Blance Gardin, Frankis Wallach, Francoise Lebruri, ente otros. Fotografía de Laurent Brunet, edición de Elise Flevet, Música de Etienne Charry, sonido de Le Braz, Iven y Gaborieau, Diseño de producción de Pierre pell, Duración: 102 minutos. Distribuye Zeta Films.

XXX – RELATO SOBRE LA CREACIÓN Y SUS CONTRATIEMPOS

Michael Gondry regresa a la pantalla grande (Premio Oscar por Eterno resplandor de una mente sin recuerdos) tras varios años de ausencia aunque dedicado a los videos musicales, siendo como es, baterista.

En "El libro de las soluciones" nos presenta a Marc, cineasta excéntrico cuya última filmación es rechazada pero se empecina y va a la casa de una tía suya, en las afueras de París, decidido a terminarla. Tiene un fiel equipo que lo sigue y una tía que lo comprende más allá de lo habitual.

Hay ideas espontáneas y brillantes mientras Marc (Pierre Niney)se descontrola en forma constante por lo que su película queda detenida más de lo aconsejable. Hay varias secuencias interesantes aunque insólitas dentro de un contexto por momentos caótico: de pronto, Marc dirige un ensemble musical así como por causalidad se transforma en alcalde del lugar, mientras logra que el mismísimo Sting grabe la música para una película de la que poco y nada se sabe, adempas de preocuparse por la salud de su tía. Mucho al mismo tiempo.

La narración explota en ideas, el protagonista las va escribiendo en su "libro de las soluciones", y, dentro de la incomprensión que se genera por la yuxtaposición de situaciones, surge el costado humano que le devuelve al film y al protagonista la cordura que está faltando. Digamos que un poco de rareza está bien pero cuando la historia se desarticula a cada instante a partir de un personaje excéntrico, se pierde ese costado de comedia innato y puede aburrir o cansar. Cine dentro del cine con el desparpajo creativo de Michael Gondry.

Elsa Bragato

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DETRÁS DE LA VERDAD

Dirección de Miles Joris Peyrafitte. Guion de Madison Hassiron y Miles Joris Peyrafitte. Con Hilary Swank, Olivia Cooke, Jack Reynor, entre otros. Duración: 90 minutos. Distribución de Digicine.

XXX – INTENSO DRAMA SOBRE EL SUBMUNDO DE LAS DROGAS

La notable actriz Hilary Swank protagoniza a una periodista, Marissa Bennings, quien sufre el asesinato de uno de sus hijos y se ve envuelta en una investigación de enorme crueldad.

El supuesto paraíso de las drogas está aquí expuesto con crudeza, sin exageración, como si tanto drama fuese lo habitual aún en las familias supuestamente bien conformadas. Lo curioso del tratamiento narrativo de Miles Joris Peyrafitte es la contención de la intensidad dramática, dosificándola sobre el personaje de Marissa Bennings, eje del drama.

El rostro de Hillary Swank se transforma en la base de la fotografía siendo la razón de esta propuesta que trasciende la anécdota (un hijo asesinado por el submundo de la droga) para ser referente de un drama social que, lejos de disminuir, crece diariamente.

Densidad dramática en una historia que recurre al drama personal, exento de balaceras y persecuciones, a través de un personaje, buscando en su mirada, en sus expresiones, el dolor de la pérdida ante el absurdo de la autoaniquilación.

Elsa Bragato

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ESTRENOS PREVISTOS

1.- Ghostbusters: Apocalipsis Fantasma, de Gil Kenan.

(Sin críticas hasta el viernes)

2.- LUCA, de Enrico Casarosa, animación

"Nostálgico capricho italiano de Pixar. La propia concepción de la cinta implica una suerte de vacaciones en Italia. De Federico Marín Bellón, Diario ABC.

"Una película menor, un título de fondo de armario, un himno a la tolerancia hacia lo diferente", de Sergi Sánchez, Diario La Razón.

3.-RECUERDOS DE PARÍS, de Alice Winocour.

(Hay crítica)

4.-CABRINI, de Alejandro Monteverde

(Hay crítica)

5.- LOVE LIFE, de Kodi Fukada.

"Fukada no va de Haneke ni de Von Trier por la vida, sino que se mira en Rohmer, en Erice y en Kurosawa que le dio clases en la universidad", de Yago García, Cinemanía.

"La película no tarda en propinarle al espectador tan magno bofetón que éste no entiende de dónde le havenido ni por qué", Phillip Engel, Diario La Vanguardia.

6.-NO ESPERES DEMASIADO DEL FIN DEL MUNDO, Rumania.

(Hay crítica)

7.-CROSS DREAMERS, de Soledad Velasco (Argentina)

8) EL VIENTO QUE ARRASA, de Paula Hernández, (Argentina)

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CRÍTICAS

NO ESPERES DEMASIADO DEL FIN DEL MUNDO

Direccion y guion de Radu Jude. Con Ilinca Manolache, Nina Hass, Ovidiu Piryan, entre otros. Fotografía de Marius Panduru. Duración: 163 minutos. Distribuye Zeta Films.

XXXX – INESTIMABLE DESCRIPCIÓN SOCIAL

El regreso del rumano Radu Jude con "No esperes demasiado del fin de mundo" nos mete de lleno y sin permiso en una realidad caótica e impiadosa donde lo humano tiene muy poco espacio (se recuerda que obtuvo el León de Oro de la Berlinale con su película Sexo desafortunado o Porno Loco). Protagonizada por una reconocida Iliaca Manulache, nos muestra la vida de "Angela" que trabaja en la producción de un film para una multinacional con sede en Austria. Su tarea es filmar a los trabajadores que hayan sufrido accidentes a fin de que las aseguradoras actúen en consecuencia. Todo bajo un ojo al estilo de Gran Hermano que los fiscaliza desde un zoom a pantalla plena.

Es, en sí, un film incómodo por su extensión narrativa, por su lenguaje, por sus escenas sin cortapisas, y angustiante por el destino de la protagonista: Angela vive agobiada por su día a día manejando su automóvil para ubicar a los "accidentados", tiene más de 15 horas de trabajo, por lo que su furia contenida la expresa a través de un "alter ego" racista y marginal como es "Bobita" que irrumpe en la pantalla para manifestar procazmente los sentimientos de repulsión que siente.

En la forma, en lo que vemos, el film es significativo por la cámara como plano secuencia sobre Angela en blanco y negro y momentos en color del pasado, muy pocos, con sonido ambiente y una narración audiovisual de casi 3 horas. En el fondo, en lo que nos va dejando en el alma, encontramos varios elementos.

Por empezar, de la incomodidad que nos invade por la extensión narrativa, por algunas escenas que solo buscan provocar, podemos extraer subtemas: en principio nos puede atraer el desenfado del rumano Jude para explorar los sentimientos de Angela como trabajadora y, a través de su alter ego, el desagradable Bobita, podemos reírnos de esta tragicomedia cotidiana, o podemos pensar si se superó el sistema de sociedad feudal. Da la impresión de que no, de que bajo el peso indubitable de las artes, no logran ocultar una extrema rusticidad en sus interrelaciones. "No esperes demasiado del fin del mundo " es un grotesco feroz de la vida en una ciudad impiadosa, símbolo de las del resto del mundo. Película nada fácil aunque inestimable descripción social. Jude disruptivo y desparpajado.

Elsa Bragato

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RECUERDOS DE PARÍS

Direccion y guion de Alice Vinocout, coguionistas: Jean Stephane Bron y Marcia Romano. Con Virgine Efira, Gregory Colin, Benoit Magimel, entre otros. Fotografía de Stephane Fontaine. Música de Anna Von Hausswolff. Duración: 105 minutos.

XXXX – DE LA TRAGEDIA A LA VIDA POR EL CAMINO DE LA RESILIENCIA

"Recuerdos de París" es un producto esencialmente femenino, desde la protagonista, insigne Virgine Efira, hasta la música de Von Hausswolff. Reconstruyen el ataque terrorista a un céntrico restó parisino donde "Mia" (Virgine Efira) se refugia de la lluvia antes de regresar a su casa, motoquera, bella, enamorada de su pareja, el médico Vincent (Gregoire Colin).

Pero se produce el ataque terrorista: Mia recién reiniciará su vida normal tres meses después pero sin recordar lo que pasó. Es aquí donde la historia hace un quiebre definitivo: deja el thriller inicial para adentrarse en la búsqueda de la protagonista de su propia memoria, de la razón de su subsistencia, que es la razón de ser de la película. Los grupos de autoayuda, los sobrevivientes, aquél que la reconoce, otra que la confunde, y ese encuentro de almas entre Mia y Thomás (Benoit Magimel) que buscan la razón de estar vivos acariciándose las cicatrices, siendo ésta la escena de amor más impresionante del film.

Es cierto también que hay varias escenas de intensa ternura, de emocionalidad profunda, con la sensación de que siempre es la mirada de Mia, que la cámara se ha instalado en ella para sentir sus sentimientos y para mirar lo que está mirando. Aquí hay un hallazgo narrativo de Alice Winocour (cineasta francesa de reconocida y activa producción también en televisión) que habla de su sensibilidad para elaborar una historia en la que uno va de la mano de la protagonista. Logra fundir la técnica con el significado, la forma con el fondo, en un relato clásico.

Las actuaciones son notables: fluye de ellas sensibilidad pura, generándose un clima de intensa emotividad que debe encontrar su cauce, fluir, a través de Mia en el reconocimiento del otro, es decir, la recuperación del camino del dolor para comprender la supervivencia inesperada. Tiempos muy complejos donde solo la conciencia emotiva puede desatar nudos gordianos de odio y resentimiento.

Elsa Bragato

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CABRINI

Dirección de Alejandro Monteverde, sobre una historia del propio Monteverde y Rod Barr, guionista. Con Cristiana Della )Anna, John Lighgow, Giancarlo Giannini, entre otros. Fotografía de Gorka Gómez Andreu. Música de Gene Back. Duración: 145 minutos. Distribuye BF Films.

XXX – BUENA BIOPIC SOBRE LA PRIMERA SANTA NORTEAMERICANA

Con cierta teatralidad, exceso de clasicismo y momentos melodramáticos, "Cabrini" resulta ser una buena biopic de la primera santa norteamericana y Patrona de los Inmigrantes, la italiana Francesca Cabrini, canonizada el 7 de julio de 1946 por Pío XII luego de reconocérsele la curación milagrosa de la vista de un niño.

La historia nos cuenta cómo esta monja italiana tenía la ambición de difundir la fe y ayudar a los chicos pero en Oriente. Una visita al Papa la llevó a New York, a fines del siglo XIX, donde los pequeños inmigrantes morían de hambre por sus calles y los trabajadores eran brutalmente discriminados.

La Monja Cabrini luchó contra sus propios superiores, contra las autoridades norteamericanas que optaban descaradamente por los irlandeses considerando a los italianos poco inteligentes, contra una burocracia que también la desestimó por ser mujer.

El recorrido narrativo va paso a paso en una historia donde la figura de esta mujer, venida de un pueblo italiano y con convicciones de acero, se empodera al punto tal que, antes de morir (estaba muy enferma desde su juventud pero sobrevivió hasta los 67 años), se transforma en una poderosa empresaria que logró abrir hospitales, orfanatos y escuelas a lo largo y ancho de los Estados Unidos y también en Oriente, como había sido su sueño inicial.

Hay una interesante fotografía y sólidas actuaciones, en especial de su protagonista, Cristiana Dell"Anna, con una banda sonora en algún momento excesiva. Es una película que honra a una gran mujer, sólida, clásica, estructurada, pero convincente con el melodrama de la vida misma.

Elsa Bragato

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CRÍTICAS

DOBLES DE ACCIÓN

De Larry Yang, incluyendo el guion. Con Jackie Chan, Liiu Haogun, Qilin Guo, entre otros. Fotografía de Ming Sun, Duración: 136 minutos.

XXX –JACKIE CHAN PARA TODA LA FAMILIA

Sin más pretensiones que entretener con un producto para la familia, la relación padre e hija, y la relación del padre con un bellísimo caballo al que el protagonista Lou (Jackie Chan) salvó de la muerte en cuanto nació, son los pivots sobre los que Larry Yang, guionista y director, mueve los hilos de su narración.

Para algunos puede ser un melodrama pequeño, para otros es una película que nos devuelve el ámbito de lo familiar, lo emotivo, las relaciones entre padres e hijos, la resolución de los problemas, desde una simplicidad en el guion contrapuesta a la complejidad en su filmación dados los numerosos encontronazos de "Lou", personaje del afamado Jackie Chan, con enemigos, así como cumpliendo con su rol de doble de acción junto a su caballo en el cine.

Este tipo de guiones sencillos y lineales hoy en día deben agradecerse porque tienen mensajes movilizadores a tener en cuenta: las relaciones familiares que deben afrontarse y resolverse. Es éste el punto más fuerte del film que corresponde a la vida misma. Hay toques de ternura, una pizca de melodrama y mucha veracidad en el relato porque a nadie escapa que entre padres e hijos surgen muchos problemas generacionales. Es decir que la problemática de la vida misma surge en estos personajes con emoción genuina. Con buenos rubros técnicos, baqueteados en el cine, clishés, pero siempre atractivos. Aquí no se sigue ninguna otra filosofía o enigma metafísico que aquél que nos impone la vida misma. Por eso nos encantó.

Elsa Bragato

EL BASTARDO (THE PROMISED LAND)

Dirección y guion de Nikolai Arcel. Coguionistas: Anders Thomas Jensen. Con Mads Mikkelsen, Amanda Collin, Simon Bennedijerz, entre otros. Fotografía de Rasmus Videbaek, Música de Dan Romer. Duración: 127 minutos.

XXXX - SOBERBIA EPOPEYA NÓRDICA

Inmensidad, crueldad, dignidad, son sustantivos que, en buena medida, definen esta historia, ubicada en el siglo XVIII (excelente diseño de arte) y centrada en la vida del capitán Ludvig Kahlen, servidor del ejército, que se dispone a conquistar las desoladas tierras nórdicas a fin de transformarlas en suelos fértiles para su rey. A cambio solo quiere un título de noble. Es en verdad una cruzada desigual la que emprende Kahlen, encarnado por Mads Mikkelson con una gallardía y presencia escénica apabullantes. El es el pivot de esta historia, el que genera el odio del joven y cruel noble Frederik de Schinkel, quien vive en una mansión cercana. Es una mente enferme que somete a sirvientes, los martiriza, los afrenta, pero frente a él se empodera el capitán Kahlen, rival inmutable e inquebrantable.

Echadas las cartas, el director Nikolai Arcel despliega un arsenal de acontecimientos en una sucesión sinfín que van desde el asentamiento de Kahlen ayudado por una pareja de forajidos, una niña morena proveniente de una tribu, y un sacerdote. La tarea es colosal, el clima adverso no perdona, mientras Kahlen hace frente tanto a la irracional maldad del joven noble como a las supercherías ignorantes. Es él frente el mundo.

De esta manera, la narración pasea por una amplia gama de sensaciones y sentimientos, provocando horror ante una tortura, la impiedad con los animales, los brutales enfrentamientos con gente de toda rale, hasta llegar a Kahlen decidido a hacer parir la tierra y a matar o morir.

Como en el viejo Oeste, en "El bastardo" el protagonista gana terreno con sangre y sudor, nada fuera de lo conocido pero atrapante por la enorme figura de Mads Mikkilson que se adueña de una epopeya fascinante. Es en sí misma una historia clásica, aunque no convencional, que fascina por su trasfondo humano y que tiene en su protagonista a un hombre subyugante, imponente, que hace suya toda la propuesta. Gigante, soberbia epopeya nórdica.

Elsa Bragato

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LA HISTORIA DE MI MUJER

De Ildiko Enyedi. Guion de la directora sobre la novela de Milán Fust. Con Lea Seydoux, Gijs Naber, Louis Garrel, entre otros. Fotografía de Marcell Rev, Música de Adam Balazs. Duración: 168 minutos. Coproducción de Hungría, Alemania, Italia y Francia.

XXXX – PASIÓN SIN LÍMITES

La pasión entre el elegante y apuesto Jacob, capitán de barco, y la sensual Lizzy, surge con tal frenesí que genera una historia de amor bella y trágica a la vez, cargada de erotismo enmarcado por una fotografía exquisita. La historia se ubica en la década del 20, en medio de la explosión por la vida luego de la Gran Guerra; Lizzy y Jacob disfrutan de las reuniones sociales, el alcohol, la diversión máxima. Se aman con intensidad, y se acicatean: quién es capaz de engañar al otro. Esta duda que Lizzy (una increíblemente sensual Lea Seydoux, nueva promoción francesa) se encarga de generar despierta en Jacob un inusitado desenfreno. Será éste el nuevo rumbo narrativo, que desploma sin vueltas una historia de amor muy bella. Es cuando la pasión se descontrola, se torna violenta, lastima. Los protagonistas pasan por una amplia gama de sentimientos, desde fundirse uno en el otro hasta el rechazo. Y entonces se alcanza un climax de belleza y erotismo en medio de un "tempo" sensual por momentos extremo. La vida se encarga de poner límites a los desafíos de Jacob y Lizzy.

Hay un gran sentido de lo cinematográfico en la directora Ildiko Enyedi: la escena de sexo entre Jacob y Lizzy tomada con cámara fija desde un cuarto aledaño explota el contraste entre los cuerpos blancos y los acolchados oscuros. Es decir, la fotografía y la recreación de época son pilares que acompañan dos actuaciones plenas de pasión, como nacidos uno para el otro, de tal magnitud es la química entre Jacob (Naber) y Lizzy (Seydoux). En pleno siglo XXI, una película que nos habla del amor, la pasión, el sexo, con todos sus vaivenes. Por momentos, fascinante.

Elsa Bragato

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TORMENTA DE FUEGO

INCENDIOS EN LA PATAGONIA

Documental de Luciano Nacci y Axel Emilien. Fotografía de Luciano Nacci y cámara. Sonido de Luciano Nacci. Microfonista: Axel Emilien. Montaje de Luciano Nacci, FX de Lali Rizza. Grafica de Hernán Altamiranda.

XXX – RELATO DE UNA FEROZ TORMENTA DE INTERESES

Desde CABA se ve en los noticieros las filmaciones de los desastrosos incendios en la Patagonia como en diferentes puntos del país, se siente impotencia, dolor. Y falta de respuestas: Lo curioso es que a esa sensación que tenemos se le añade el hecho de que a ningún habitante de esos lugares se les ocurre pensar que la naturaleza porque sí enfureció, a pesar del cambio climático Las cámaras de Nacci y Emilien recorren los parajes de la provincia de Chubut que el 9 de marzo del 2021 sufrieron atroces incendios. Los vecinos que perdieron todo dan la cara, ninguno estuvo convencido de que fue por obra y gracia de algo inasible. Para todos hay demasiados intereses políticos y económicos siendo muy clara la intencionalidad: extranjeros que van ocupando las tierras dadas generosamente por el Estado bajo la consigna de que ya no hay árboles autóctonos. O bien se pueden "regalar" para megaminería, para hotelería, etc. Ahí están los vecinos de toda la vida y los pueblos originarios, que perdieron todo así como hubo que lamentar vidas humanas y no humanas, como fiel reflejo del dolor y del desastre que padecieron. Hasta las autoridades de esos parques naturales saben que "alguna mano" bien humana provocó la feroz tormenta de fuego que tardaba un solo minuto en arrasar 50 metros, lenguas de fuego gigantes, pavorosas. Un vecino indica que vio a ambos lados de la carretera "siete fuegos pequeños, curiosamente encendidos a la misma hora", un dato inobjetable.

Excelente fotografía por cielo y por tierra, testimonios lacerantes frente a cámara, música incidental sutil: Tormenta de fuego une fondo y forma en una denuncia absoluta y cabal de la tormenta de intereses mezquinos que se padece en Chubut.

Elsa Bragato

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ESTRENOS INTERNACIONALES

1.- KUNG FU PANDA 4, ANIMACIÓN, de Mike Michell, Voces de Jack Black, Angelina Jolie, Jackie Chan, Dustin Hoffman, entre otros.

(Sin críticas hasta el viernes)

2.- IMAGINARIO, JUGUETE DIABÓLICO, de Jeff Wadlow

(Sin críticas hasta el viernes)

3.- TODOS SOMOS EXTRAÑOS, de Andre Haigh

"Es posible que después de verla se quedan a vivir en ella por la sencilla razón de que la amarán como solo se ama al propio amor", de Luis Martínez, Diario El Mundo.

"La idea de la película es preciosa. Haigh es un maestro de lo que se dice entre líneas, y las mejores escenas de la cinta son las que trabajan la intimidad", Sergi Sánchez, Diario La Razón.

4.- LA HISTORIA DE MI MUJER, de Ildiko Enyedi. Hungría.

"La directora posee sentido visual y vocación lírica, aunque no logra implicarme demasiado en la fiebre que sienten sus personajes", de Carlos Boyero, Diario El País.

"Cansina... adopta las formas de un melodrama decimonónico, con aspiraciones viscontinianas para hundirse en las aguas del europudding catatónico", de Sergi Sánchez, Diario La Razón.

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ESTRENOS NACIONALES

LA RENGA, TOTALMENTE POESÍDOS, de Gustavo Napoli
Documental sobre música y músicos

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CRÍTICAS

ELDA Y LOS MONSTRUOS

Guion y dirección de Nicolás Herzog. Con Diego Detona, Natalia Curcho, Calypso Summer, Anul Oribe y Fran Dacunda. Edición de Nicol{as Herzog, Leandro Aste y Guillermo Saredo. Arte de Claudina Roda. Sonido de Emiliano Biai{, Sergio Cabrera y Marcos Zoppi. Fotografía de Fernanda Montiliengo y Fernando Lorenzale. Música de Matías Sorokin, Diego Detona, Lautaro Osorio, Juan C. Federik, Santiago Butto y Alan Anderson. Duración: 73 minutos.

XXX – RETRATO DE UNA TRANSFORMACIÓN EXISTENCIAL

Nicolás Herzog vuelve a lo suyo: a dejar crecer al protagonista a medida que avanza la narración. El espectador participa de un crecimiento especial, de una conversión, de una confirmación de personalidad. En este caso, Diego Detona, de Concordia, Entre Ríos, es el joven de muy buena voz, entre pop y rock, que descubre su lado trans como parte de su verdadero ser. De a ´poco, a partir de un grupo de fieles amigos y de un viaje trascendental, va logrando ser quien quiere ser.

Diego es Elda, Diego en la vida y Elda en los escenarios, cantando estupendamente bien, con algo del recordado Freddy Mercury en sus movimientos. Pero es Diego también. La aceptación de lo que siente ser la va logrando a través de un viaje superador y trascendental, peligroso porque incluye zonas selváticas y cruces de anchos ríos, hasta llegar a la tumba de La Muda, un travesti asesinado en uno de esos parajes y, sin que sea el lugar exacto, tiene un monumento funerario popular. Por casualidad o causalidad surge el nombre de La Muda y la convicción de rendirle tributo. Para Diego-Elba y sus amigos es un objetivo a cumplir, a pesar de que incluya una ardua travesía que es, en definitiva, la de la vida misma, es la que los va a reconstruir por dentro sin que ellos mismos se den cuenta.

Herzog logra que su personaje se asuma, lo muestra de entrecasa y con las luces de un escenario, le da todas las posibilidades para que se exprese. Y es, en definitiva, una descripción de estos tiempos, en los que las búsquedas personales, el saber quién se quiere ser más que quién se es, es un modo de vida. Las transformaciones, las adaptaciones, las transiciones, son los caminos que todos enfrentamos en todos los aspectos de nuestras vidas, los personales, los sociales y los profesionales.

La película tiene logros en todos los rubros técnicos, locaciones diurnas y nocturnas, trabajos de fotografía muy interesantes, y un elenco que ayuda con su espontaneidad y honestidad histriónica. Herzog vuelve, entonces, a regalar un film redondo, sin fisuras, esta vez descubriéndonos a un joven trans dueño de una maravillosa voz: la consigna es que Elba tenga mayor presencia que Diego para que éste sea lo que desea ser.

Elsa Bragato

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ME GUSTA CUANDO HABLAS

Dirección de Silvina Estévez y Marlene Grinberg. Guion de Bonelli, Howlin, Grinberg y Estéves. Con Rosa Rodríguez, Fabiele Rodrígues Bomfim, Violeta Osorio, Montserrat Olave, Carolina Rodríguez y Cecilia Giordano. Fotografía de Florencia Mamberti. Sonido de Pepa Santa María. Música de Maximiliano Padin. Duración: 70 minutos.

XXX – CINCO MUJERES COMO EJEMPLO DEL FEMINISMO

La lucha por los derechos de las mujeres viene tomando fuerza a través de diversas manifestaciones. Un día antes del Día de la Mujer, el 8 de marzo, se ofrece este documental que nos muestra, con buena cámara, o sea buena fotografía, la vida de una poetisa erótica, una Ceo, una madre de familia, una influencer, un grupo de mujeres bolivianas y sus rituales, entre otras. Es curioso que no se haya incluido a una estudiante universitaria o personas abocadas a otras especialidades culturales.

El comienzo del documental es bastante chocante, la poetisa erótica en pleno acto de autoplacer, para luego enterarnos de que es madre de varios hijos, tiene nietos y bisnietos, y que optó por los juguetes eróticos y las compañías virtuales para satisfacer su sexualidad. Está la joven influencer brasileña para quien la brisa sobre el rostro significa la libertad, el ama de casa con sus críos y la obligación constante de ocuparse de cada uno de ellos, hasta la CEO, tal vez la mujer menos retratada dentro del contexto narrativo propuesto.

El documental es un documento justamente de determinados casos que plantean situaciones personales sin fijar posición. Tiene buena fotografía, buenos planos, buenas tomas, por lo que, por instantes, es una ficción sobre diferentes mujeres y sus quehaceres. No complace a esta sección el inicio de la propuesta porque resulta chocante. Podemos tener mucha libertad intelectual y de pensamiento pero también existen el pudor y el buen gusto. Y nos parece que a la poetisa erótica se la descuidó en su aspecto: lo natural está bien pero no lo desprolijo. Es tan solo una opinión.

Elsa Bragato

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FIN DE PERÍODO DE RECESO HASTA MARZO

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INICIO DE PERÍODO DE RECESO HASTA MARZO

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CRÍTICA DE UN REESTRENO INELUDIBLE: CARLAS ILMUMINADAS

CARTAS ILUMINADAS

Dirección y Guion de Cinthia Rajschmir. Con Manuel Antín,Ponchi Morpurgo, Graciela Borges, Dora Baret, entre otros. Fotografía de Pedro Romero, música de Strauer. Duración: 66 minutos. 1962

XXXX. UNA AMISTAD ILUMINADA POR LA INTELEGENCIA

REESTRENO

El intercambio epistolar y esencialmente intelectual entre el director Manuel Antin y el escritor Julio Cortázar refleja una de las amistades más singulares que se dio en el medio artístico del cine y la literatura. Manuel Antín, quien en 1983 fue director del INCAA y suprimió la censura, llevó al largometraje tres cuentos de Cortázar, logrando un intercambio epistolar con el ya afamado escritor que honrosamente llegó a la pantalla grande a través de Cinthia Rajschmir, fina cineasta que plasma ese algo más que sobrevuelan las cartas de Cortázar y los recuerdos de Antín.

La cifra impar de 1962, Circe de 1964 e Intimidad en los parques de 1965, son tres producciones que, surgiendo en suelo argentino, representan peculiarmente la famosa Nouvelle Vague francesa. Ese espíritu, entre sigiloso y trágico común en Jean Luc Godard o Francois Truffaut, está presente en Antín, en la voz de Cortázar explicando su dificultad para escribir algunos diálogos, y en la interpretación de artistas del calibre de Graciela Borges, Alberto Arbigay, Fernanda Mistral, Dora Baret, Lautaro Muría, Walter Vidarte, o Sergio Renán. Ese lento y sinuoso mirar a cámara de la Borges, la calidez de Argibay, la intransigencia de Murúa, trasuntan el clima entre opresivo y premonitorio de tres historias donde se entrelazan la capacidad cinematográfica de Antín y la concepción de lo literario de Cortázar.

El documental pasea por los protagonistas con la inclusión de Ponchi Morpurgo, esposa de Antín, de Graciela Borges y Dora Baret, los recuerdos del director para quien su sueño hubiese sido "ser Cortázar, autor de Rayuela" y para el mismo Julio Cortázar que soñó con imaginar secuencias a la manera de su flamante amigo Manuel Antín.

En ese ida y vuelta de ambos, a través de cartas manuscritas y de fonocartas entre París, Berlín, y Buenos Aires, transcurre una narración infrecuente en la que el intercambio de lo esencialmente intelectual se vuelve el núcleo de una amistad, diríamos propia de los 50 y 60 entre grandes del cine, la música y la literatura. Fue esa bohemia creativa que no necesitó de trasnochadas ni elementos extraños para concretar maravillosas creaciones, tiempos de prepotencia intelectual que se extrañan y que deberían volver.

Elsa Bragato

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ESTRENOS INTERNACIONALES

1.- ARGYLLE: AGENTE SECRETO. DE Matthew Vaughn

Sin críticas hasta el viernes.

2.- CHICAS MALAS, de Samantha Jayne

"Es una versión descafeinada y precocinada de su predecesora. Toda la frescura, la naturalidad, la picardía, ha quedado sepultada en una remake nada original", de Marta Medina, El Confidencial.

"Demuestra que la cultura de las chicas malas sigue mereciendo la pena", de Owen Gleiberman, Variety

3.- JACK EN LA CAJA MALDITA 3, de Laurence Fowler

Sin críticas hasta el viernes

4.- EL HOMBRE DE LOS SUEÑOS, de Kristoffer Borgli

"Nos ofrece un personaje de Cage que no habíamos visto antes, en modo víctima quejumbrosa", de Michael Rechtshaffen, The Hollywood Reporter.

"Borgli esboza con destreza una cultura insensible que cultiva, digiere y se deshace de sus novedades a la velocidad vertiginosa de una buena comedia", de Charles Bramesco, The Guardian.

5.- SETTEMBRE, de Michal Vinik.

6.- SLEPP EL MAL NO DUERME, de Jason Yu.

"Este suspenso mantendrá despierto al espectador, ya que aporta cambios imaginativos y pícaros a una sencilla premisa de sonambulismo", de Jonathan Rourney, Screendaily.

"La dirección, el diseño de sonido y los actores principales, siguen haciendo de ella una recomendación fácil, pero el último acto flaquea mucho", de Jose Lipsett, Bloody Disgusting.

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CRÍTICAS

VALERIA

Dirección y guion de Michal Vinik. Con Lena Fraifeld, Dasha Tvoronovich, Yakov Zada Daniel, Avraham Shalom Levi. Fotografía de Guy Raz. Música de Dafhna Keenan. Duración: 76 minutos. Idiomas: Hebrero, ruso, inglés. Israel y Ucrania.

XXXX – DE UCRANIA, SIN AMOR

Michal Vinik toma el caso de dos hermanas ucranianas que, por diversos motivos que no se explicitan, deciden contraer matrimonio con israelíes. La mayor, Valeria, alienta a su hermana menor Cristina a hacer lo mismo, para lograr tener hogar y una vida dignas. Pero surgen inconvenientes, Cristina no es tan dócil como Valeria y no acepta las imposiciones del hombre elegido para ella. La "transacción" amorosa la hizo su cuñado a través de una agencia supuestamente legal para conseguir parejas cobrando 5000 dólares por cada caso.

El relato es ágil, por momentos hilarante, pleno de un atractivo suspenso a la manera de thriller amoroso que se va complicando. El realizador desnuda con habilidad sin caer en el melodrama de un machismo acendrado en culturas orientales que, en verdad, inaceptables.

Es una narración dinámica, fresca, con muchos matices, que enfrenta la libertad de la mujer para vivir con la opresión masculina. Atractivo relato que no pierde nunca el timing, sosteniendo el aire de comedia dentro del formato del drama cotidiano.

Elsa Bragato

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SETTEMBRE

Dirección y guion de Giulia Steigerwalt. Fotografía de Vladan Radovic, Música de Michele Braga. Con Tesa Litvan, Farizio Bentivoglia, Barbara Ronchi, etcétera. Duración: 110 minutos. Italia.

XXXX – LAS FORMAS DEL AMOR

Todas las formas de amar son posibles. Surgen, son inevitables, es algo que nos atre hacia el otro u otra de manera determinante. Así Giulia Steigerwalt desarrolla la idea de su guion, una narración ágil y simpática.

Pasado el verano, Settembre es el mes del comienzo de las tareas cotidianas en Europa y la vuelta a las aulas. María, de 14 años, se siente atraída por Cristian, pero no sabe cómo acercársele por lo que acepta recibir "clases" de iniciación de un amigo en común. Hay algo que une a todos: el pequeño "profesor" de artes amorosas es el hijo de Francesca (Barbara Ronchi), que está harta de soledad marital y entabla amistad con la esposa de uno de los amigos de su marido, convirtiéndose en uno de los pivots de la historia. Por otra parte está María, bella pelirroja, que va a misa para lavar sus pecados por ejercer la prostitución.

Este variopinto panorama de mujeres, que buscan un cambio de vida a través del amor en cualquier manifestación, es la hábil propuesta de Steigerwaltd cuya cámara va de un caso a otro sin perder el hilo conductor: las relaciones entre seres humanos. Maneja además el humor blanco, gracias a la ductilidad actoral del elenco que dirige, logrando una comedia profunda en clave de comedia romántica. Pero Settembre es mucho más: hace cosquillas al corazón... y a la cabeza.

Elsa Bragato

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ESTRENOS INTERNACIONALES


MUTI, RITUALES MORTALES, DE George Gallo

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ANATOMÍA DE UNA CAÍDA, de Justine Triet
"La directora disecciona de forma bastante asombrosa una relación matrimonial a través del juicio a la esposa después de una caída mortal del marido... un rompecabezas afectivo urdido con enorme originalidad", de Elsa Fernández Santos, Diario El País.

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MASHA Y EL OSO, EL DOBLO DE DIVERSIÓN
Animación rusa. Se elaboraron cinco episodios especiales para la pantalla grande. Diversión para grandes y chicos desde Rusia.

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BARBIE, de Greta Gerwig.
"Es tan divertida y empoderadora como prometía pero mucho más musical y profunda de lo que esperabas... es una apuesta inteligente y valiente"... de Janire Zurbano, Cinemanía.

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CON TODOS MENOS CONTIGO, de Wll Gluck
(Film anunciado reiteradas veces)

"Ni la química cinematográfica ni las risas pueden ser manufacturadas, especialmente con la clase de guion vulgar de Anyone But you, que no hace nada por reanimar el moribundo género de la comedia romántica"... de David Rooney, The Hollywood Reporter.

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JAQUE MATE, de Jorge Nisco (Argentina, Adrián Suar
Las críticas de esta última película de Adrián Suar se encuentran en los principales diarios de nuestro país. Es una coproducción prometedora.

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CRÍTICAS

OPPENHEIMER

Dirección y guion de Christopher Nolan. Basado en el libro editado en 2005 Kai Bird, de Martin Sherwin. Con Cillian Murphy, Emily Blunt, Matt Damond, Robert Downey Jr., Gary Oldman, entre otros. Fotografía de Hoyte Van Hoytema. Música de Ludwig Goransson. UIP

XXX – UNA BUENA IDEA EN ENREDADO GUION

 

La idea de llevar a la pantalla grande la vida de Julius Robert Oppenheimer ( el “creador” de la bomba atómica) es inobjetable, para cine, para streaming, para miniserie. Aun basándose en la biografía Prometeo Americano, o Kay Bird, de Martin Sherwin del 2005. Hay datos allí como para una serie de varias temporadas. Christopher Nolan, notable realizador, logró condensarlos en tres horas.

Los efectos digitales ayudaron en la primera parte de la película que, si bien tiene una duración de tres horas, logra atraer sin aburrir, aunque no deja de aturdir. Veamos por qué: la vida del científico norteamericano está elaborada en mojones, en boyas, como en el teatro, haciendo hincapié en el proceso que Lewis Strauss (Robert Downey Jr) le inició a J. R Oppenheimer por considerarlo espía de los rusos.

Sin mayores novedades formales, Nolan introduce el plano y contraplano y el blanco y negro como máximos recursos fotográficos que aligeran los diálogos complejos entre los protagonistas. El tema es arduo, árido, y el film no tiene elementos, salvo algunos digitales supuestamente del cosmos, como para morigerar la exigencia de máxima atención, así como tampoco hay lucimiento de figuras femeninas.
Es decir, es una especie de Memento, inolvidable realización de Nolan, que obliga a retener datos que se mezclan, que se diluyen, que reaparecen, mientras Oppenheimer está al frente del Proyecto Manhattan en Los Alamos y es asediado por quienes lo enjuician, a través de la intervención de Strauss.

Se puede decir que es una magnífica clase de cómo hacer cine utilizando algunos elementos básicos de la fotografía, manejando un grupo de excelsos actores, y atiborrando al espectador de palabras que no dejan en claro muchos aspectos del proceso contra Oppenheimer así como fechas claves de su vida. Sobre el final, cuando la narración avanzó más de dos horas, Oppenheimer se entera del resultado de su descubrimiento, surgiendo su desesperanza por dejar como legado un monstruo asesino. Es ahí donde asoma, donde se cuela, algo de sensibilidad: un Robert Downey Jr delgado y empoderado frente a un Cillian Murphy que se sume en un pánico anímico del que no podrá salir. Son gotas de sensibilidad que Nolan se permite en ésta, su interpretación de la biografía de Oppenheimer: árida, verborrágica, con un guion que va y viene, es un logro cinematográfico en sí pero no conmueve.

Elsa Bragato

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RITUALES MORTALES

De Geroge Gallo. Fotografía de Andrezej Sekula.- Música de Tom Russbueldt. Con Morgan Freeman, entre otros. Duración: 92 minutos.

XXX – UN MORGAN FREEMAN QUE SE LAS TRAE

La propuesta de George Gallo y su pool de guionistas, entre los que está él también, no sale de los clishés de un policial, en este caso con particular énfasis en secuencias gore. No abundan pero resultan suficientes y, en alguna oportunidad, hasta repugnantes. Para los amantes del género verán que esta película los satisface aunque la propuesta no salga de lo conocido, tal como dijimos: balaceras, asesinos escurridizos, rituales desconocidos en Occidente, jovencitas en peligro, en fin, una serie de “bondades” que complacerá a los fans.

Morgan freeman es el “gancho”, buena actuación, sólida, de este octogenario que tiene pasta para rato. Compone a un profesor de culturas africanas cuya ayuda, y algo más a descubrir por el espectador, es esencial para un detective que necesita localizar a un asesino singular y feroz. De esta manera se plantea el brutal rito “Muti”, tema que el profesor Mackles (Freeman) conoce bien. Entre él y Lucas Boyd (Cold Hauser), el inspector empeñado en encontrar al asesino, se establece una relación profunda que tendrá beneficios para ambas partes.

El público asiste a un policial tenso, atrapante y desagradable a la vez, con un Morgan Freeman en buena performance y un elenco bien dirigido, sin particularidades especiales, salvo las que surgen del Muti y sus consecuencias. Es para salir gritando de la sala porque hasta el último segundo hay motivo para el horror dosificado a lo largo de la narración, sin evitar una arcada… Sobre gustos…

Elsa Bragato

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XXXXX – CUANDO UNA PELÍCULA ES CINE

El realizador iraní Jafar Panahi, en un raro momento de su vida en libertad (fue encarcelado, tiene prohibido salir de su país), regresa con una pequeña joya de cine. Porque hacer películas no siempre significa hacer cine.

Formalmente Panahi hace cine puro, manejándose en este caso a distancia, desde un pueblo limítrofe con Turquía donde están sus actores: los dirige mediante una computadora portátil, lejos de la frontera porque allí están "los osos" (se los supone salvajes y hambrientos), y tiene un alquiler de palabra de una más que rudimentaria casa. Conceptualmente, Panahi encara muchos temas como al pasar, profundos, desnudando la educación elemental de quienes viven sometidos, los temores religiosos que los acechan, y el nihilismo como forma de vida: nada por esperar, solo el momento. Panahi no necesita muchos actores ni una inversión millonaria: solo su talento y su cámara, su automóvil y los habitantes del lugar en su medioambiente, o sea en "su salsa".

Hay algunas secuencias muy "nouvelle vague" como tomar a dos de sus compañeros de aventura de espaldas mientras dialogan. Nos recordó "Vivir su vida" de Jean Luc Godard, film de avanzada estética de 1962.

Es decir, la historia propuesta por el realizador iraní es él mismo en situaciones incómodas, espiado, rodeado por pobladores que lo conocen y admiran pero que están cargados de terror religioso y político.

Hacer cine es una cuestión de creatividad y Panahi lo demuestra: una película árida por el entorno, sin recursos, como otras suyas, se transforma en el más puro quehacer cinematográfico, el que se aplaude, el que nos conmovió porque, vaya uno a saber con qué resortes, Panahi maneja el thriller sutil, el que nos lleva a situaciones límites, y el que nos descubre alguna salida no fácil para seguir viviendo. Cámara fija sobre un soporte, personajes que se debaten entre el saludo cordial y el deseo de que Panahi se vaya cuanto antes, peleas callejeras, la abuela que le ofrece el té para limpiarse por dentro, los jóvenes violentos, los adultos silenciosos, el dueño de casa aterrado por su inquilino, es decir, un entorno que no necesita de guionistas más que al propio Panahi filmando. "No hay osos" es una auténtica alegoría de las mentiras de los poderosos para someter a los pueblos. Por eso, esta película de Panahi es un hecho cinematográfico de esencia, o sea cine puro, un hecho cultural para festejar.

Elsa Bragato

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CRÍTICAS

GALASSO, PENSAR EN NACIONAL

Dirección y guion de Federico Sosa. Con Norberto Galasso. Fotografía de Pablo Parra Aylen López. Sonido de Pablo Orzeszko. Música de Santiago Pedroncini. Duración: 83 minutos. Barbarie Cine.

XXXX – MAGISTRAL CLASE DE HISTORIA CONTEMPORÁNEA

La voz calma y monocorde del historiador Norberto Galasso nos permite conocer en una extensa conferencia detalles de las idas y venidas de la política nacional que, en tiempos de la filmación (período del macrismo) eran tan espeluznantes como las actuales en materia de educación, de formación, de tergiversación de valores.

Galasso tiene honorables 87 años y cuenta su largo camino en la izquierda nacional, algunas de sus decepciones, su lucha ideológica, su profundo conocimiento del pensamiento de Jauretche y de Aguirre, detalles poco conocidos del general Perón y lo que pudo hacer y lo que no hizo o porque no quiso o porque no pudo. Para Galasso solo hay dos salidas hasta ahora: el Este o el Norte. Y así se está en un país con fuerte dependencia de la agricultura por razones naturales (una pampa envidiable, acotamos nosotros). Hay estructuras que debieron superarse pero se continua igual.

La larga charla de Galasso no aburre, es una conferencia filmada en diferentes locaciones, un estudio atestado de libros y apuntes, un aula, no mucho más. Su propuesta es profunda y atrapante aún para quienes no adhieran a su ideología: recuerda cómo Perón adoptó las leyes socialistas del diputado Alfredo Palacios, cómo ese socialismo teñido de "peronismo" alegró a más del 50 por ciento de los trabajadores del país, proporción superior a la de la "casta" de entonces – de alrededor de un 40 por ciento.- Pero esa diferencia se fue perdiendo y hay que volver a lograr que los trabajadores sean más que los que viven de ellos. Tan simple como eso.-

Se esté o no de acuerdo, esta clase de historia es muy rica. Galasso es casi un único representante de varias décadas de historia nacional, pleno de vivencias que puede transmitir. Buena fotografía, un documental de narración fluida que se acerca a una clase universitaria que a todos nos viene muy bien porque, si se coincide, se aprende un poco más, y si no se coincide, se tienen los datos necesarios para oponérsele.

Elsa Bragato

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ROSE

De Aurelie Saada. Guion de Saada y Yael Langmann. Fotografía de Martín De Chabaneix. Música de Aurelie Saada. Con Francoise Fabian,Pascal Elbé,Aure Atika,Gregory Montel,entre otros. Duración:102 minutos.

XXX – LA DECISIÓN DE VIVIR LA VIDA

De atrás para adelante: empezar por la muerte para celebrar la vida es poco habitual,. La diectora Aurelie Saada encara una suerte de hipérbaton existencial en "Rose" cuya protagonista va ganando la atención y el corazón. "Rose" queda viuda a los 78 años, tiene varios hijos adultos, alguno viva con ella, es la típica "idishe mame" que los complace, que asiste a los ritos religiosos, que guardó que, además de madre y esposa, tenía sentimientos y gustos personales. Por suerte, anida en ella una llama de vida que se resiste a entregarse, a vestir un batón y ver la tele desde la cama.

Rose avanza en sus ganas de vivir al principio a tientas. Sus hijos no aceptan amablemente tantos cambios en la madre, desde el lápiz labial hasta que quiera bailar, desde que les ponga un tope a las exigencias, hasta que los ubique en lo que son, adultos que siguen prendidos a la falda de la madre asfixiándola.

Si bien el tema es más que conocido, en estos casos sobresale la habilidad de la puesta en escena y del clima logrado tanto por la directora como por la protagonista Francoise Fabian, la "Rose" del título, quien hace tan suyo el personaje que emociona, que inquieta, que obliga a repensar en los vínculos cotidianos de cada uno de nosotros.

Se destacan algunas secuencias de extrema ternura como el encuentro en el bar de Laurent, la charla, la mirada entre Rose y Laurent, y ese dejarse llevar por la pasión tratada con tanta sutileza y respeto por la directora.

Si bien nada sorprende, todo encanta, deja una sonrisa, Rose hace bien.

Elsa Bragato

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ALICIA EN EL PAÍS DE LAS PESADILLAS

Dirección y guion de Richard John Taylor. Con Lizzy Willis,Rula Lenska, Jon Paul Gates, entre otros. Fotografía de Harry Tali Cord, Música de CraigGannon. Duración; 77 minutos. Inglaterra. Distribuye High Fliers Films

XX – APENAS UNA ILUSIÓN DE TERROR

Dicen que los extractos de perfumes y los venenos vienen en dosis chicas. Bien puede aplicarse este axioma a esta versión de "Alicia en el país de las pesadillas", narrativa retorcida de "Alicia en el país de las maravillas", de Lewis Carroll. Pocos personajes, la abuela y Alicia como protagonistas, dos gatos, y un puñado de actores en medio de un bosque, intentan asustar con una historia a la que le falta convicción.

Veamos: Alicia asiste a extraños sucesos que la obligan a vivir con su abuela quien reside en una vieja casona en medio de un bosque, clishés de un film de género.

Los personajes que rodean a Alicia (una angelical Lizzy Willis) aparecen como caídos del cielo, sin ninguna razón argumental. Y se tiene la impresión de que las escenas escabrosas son una mera justificación del título porque tampoco tienen una clara relación con Alicia y su mundo. Tienen que estar sin más porque es una película de terror.

Se sabe que los bosques esconden secretos y que es mejor no ir a buscarlos, así como siempre aparece un personaje curioso que se mete en líos porque no pudo con su genio. Es el caso de "Alicia" a quien ni siquiera la música incidental le resulta una advertencia. Rara sensación para el espectador: la fotografía muestra un arroyo de aguas límpidas rodeadas de una bella vegetación mientras la música intenta crispar los nervios de la protagonista y del espectador. En definitiva, "Alicia..." es un oxímoron visual del que surge el rostro angelical de Lizzy Willis, no hay médula sino efectismo dentro de una realidad ficcional sin coherencia.

Elsa Bragato

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XXX- CONJETURAS QUE SOLO RESUELVE LA VIDA

Que las Matemáticas parecen no estar en contacto con los sentimientos es un pensamiento generalizado: son números, fríos, así solemos definirla. Sin embargo, en esta película de Anna Novion, El Teorema de Margherite, si bien se parte de lo estrictamente racional, demuestra que las ciencias suelen desencadenar pasiones que van más allá de sus dogmas fundacionales.

Marguerite es una investigadora que debe entregar una tesis basada en la resolución de notables enigmas matemáticos como la "conjetura de Goldbach", entre otros. Un pequeño error de cálculo destruye su trabajo de años por lo que decide abandonar los estudios, tratando de vivir de otra cosa. Sus conocimientos son tan notables que el destino la lleva a hacer cálculos y ganar en un difícil juego oriental. De universitaria a jugadora clandestina. Pero no está dicha la última palabra: el regreso de un colega, el compartir el departamento con una joven entregada a la vida y lejos de las aulas, determinan un cambio: fuera de los claustros, está el amor, y un compañero de estudios puede ser, repentinamente, la fuente inagotable de resoluciones matemáticas y sexuales a la vez.

La narración es muy pausada pero inexorable: un comienzo distante, aulas austeras, silencios quebrados por el correr de una tiza sobre el pizarrón, van dando paso a una joven que necesita vivir para resolver varios problemas personales: desde las perspectivas de una conjetura matemática del siglo XVIII hasta su propia vida.

La realizadora Novion recurre al in crescendo: de la simpleza inicial a la cada vez más rica vida de la protagonista y, por ende, de las secuencias en fotografía y diálogos, con el aporte de exteriores muy determinados y personajes que se tornan esenciales.

El resultado es un film muy diferente en su propuesta, muy francés también (una cultura signada por pensadores matemáticos y el existencialismo, los grandes músicos y los más encumbrados modistos, etcétera), que no sale del planteo clásico en lo formal pero que se da el lujo de exponer una profunda intelectualidad que se doblega ante la vida misma. Nada más real.

Elsa Bragato

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ESTRENOS INTERNACIONALES

1.- PRISCILLA, de Sofía Coppola.

2.- LA SECTA DEL HIMALAYA, Tahilandia.

ESTRENOS NACIONALES

NO VA MÁS, EL DIABLO NO JUEGA A LOS DADOS, de Alñex Tossenberger.

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CRÍTICAS

MAESTRO

De Bradley Cooper. Con Bradley Cooper, Carey Mulligan, entre otros. Guion de Cooper y Josh Singer basada en la biografía Leonard Bernstein. Fotografía de Matthew Libtique. Música de Leonard Bernestein y autores clásicos. NETFLIX

XXXXX – SOBERBIA BIOPIC CON UN DESLUMBRANTE COOPER

Bradley Cooper se supera a sí mismo: la personificación del genial Leonard Bernstein - el hombre que revivió los musicales de Broadway, y que fue, en sí mismo, una leyenda sintetizando las luces y sombras del mundo artístico de su época- es una obra maestra. Es una soberbia e irrepetible composición de un personaje icónico.

Cooper logró un protagónico que parece habérsele metido en su ADN. Por momentos, es el mismo Bernstein quien dirige en la ficción (tuvo al maestro Gustavo Dudamel como "coach"), es el mismo "Lenny" que padece su bisexualidad, es el mismo Leonard que se enamora perdidamente de una joven y linda actriz, Felicia Montealegre (nacida en Chile), encarnada por Carey Mullygan.

A partir de un blanco y negro furioso, asistimos al debut como director de orquesta en 1943 de Bernstein, pura casualidad, que le permitió desarrollar una de las carreras más brillantes de la música en todas sus expresiones, la de la dirección y la de la composición al mismo tiempo. También participamos de su pasión por su mujer, de su paternidad de tres hijos, y de su incontrolable homosexualidad.

Lejos de ser un melodrama, es una potente versión de la vida personal de Bernstein, en detrimento de una carrera profesional brillante. No obstante, los cabildeos por sus tentaciones sexuales ante su mujer y sus hijos muestran a un Cooper que maneja a la perfección esos sentires profundos, que no siempre se muestran. Cooper logra encontrar esa cuerda expresiva. También es apabullante en la dirección orquestal, a diferencia del personaje fallido como directora orquestal de Cate Blanchett en Tar (separamos esos momentos frente a una orquesta de la actuación en sí de la actriz australiana que fue un gran trabajo de composición actoral). Leonard Bernstein, tal como se lo vio en tantos videos que hoy se encuentra en la web y que, hace unos 30 años, circulaban en VHS entre los músicos del mundo, fue un apasionado y brutal director, exagerado hasta el paroxismo, y Cooper supo captarle esa impronta que, en el trabajo de un actor, es una sutileza expresiva surgid a de un fuerte trabajo de introspección. Se trata de gestos que duran milésimas de segundos, logrando Cooper "ser", más que intepretar", el mismísimo Bernstein.

La utilización de una fotografía en blanco y negro para luego pasar al color es un recurso técnico que ubicó en el tiempo los hechos que se narran. Pudo evitarse pero, en todo caso, lo sumamos como un acierto. No en vano, Bradley Cooper logró la producción de Martin Scorsese con el plus de la producción de Steven Spielgberg. Imposible ignorar a un Cooper entregado con alma y vida a la reconstrucción de un personaje exuberante y controvertido: una decisión profesional que enaltece al actor y director, que lo eleva al podio de los grandes de Hollywood. Para nosotros, una obra maestra que, hay que reconocerlo, gustará a quienes amen los musicales y, en especial, la obra del autor musical de "Amor sin barreras".

Elsa Bragato

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NO VA MÁS, EL DIABLO NO JUEGA A LOS DADOS

De Alex Tossenberger. Guion de alex Tossenberger y Julio Ordano. Fotografía de Mariano Cúneo. Música de Sergio Vainikoff. Con Carlos Portaluppi, Carlos Kaspar y Marcos Montes. Duración: 90 minutos.

XXX TRES PERSONAJES EN BUSCA DEL TERROR

Resulta apabullante la actuación de Carlos Portaluppi como uno de los dos secuestradores de "Samuel" (Marcos Montes), supuesto empresario millonario: junto con Carlos Kaspar, que encarna a su compinche, logra un papel de una intensidad dramática apoteótica salvando muchos tramos demasiado oscuros y teatrales de esta propuesta de Alex Tossenberger.

"Eduardo" y su compañero (Portaluppi y Kaspar) secuestran a quien creen que es un millonario (Marcos Montes). Se enfrentarán a un hombre sagaz que, manejando el miedo de los dos delincuentes y el propio, va transformando la escena inicial (ronroneo de gato negro incluido) en un consultorio freudiano mientras se preanuncia que las cosas así no quedarán.

Esta película no es la primera donde Carlos Portaluppi muestra su enorme capacidad actoral. Pero en esta oportunidad la dirección actoral dio una vuelta de tuerca más sobre la personalidad artística del actor logrando momentos de profundo y arrasador dramatismo. Es sin duda "su" película por sobre el guion, muy teatral, y por sobre la resolución que resulta un tanto "flacucha" por cierta previsibilidad. Una propuesta diferente dentro del policial nacional, con solo tres personajes y una cámara malabarista que capta a través de close-up y planos medios y largos un texto poco novedoso aunque con personajes que sí marcan la diferencia. El "quid" está en la interrelación de tres hombres que alternan sus lugares de poder según las circunstancias.

Elsa Bragato

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2.- LOS TRES MOSQUETEROS, MILADY, de James Wan

"Si usted amó a D'Artagnan no será defraudado por esta película. Si usted, en cambio, no fue fan de este personaje, está listo para disfrutar del filme", de Dan John, Empire.

"Tremendo show de los 4 mosqueteros con sus muy atractivos personajes, especialmente el noble D'Artagnan", de Peter Bradshaw, The Guardian.

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3.-NO LO ABRAS, de Bishal Dutta.

"Lo que realmente salva a esta película está en los cientos de filmes de horror que le han dado especificidad al monstruo", de Jen Yamato, Los Angeles Times.

"Una de las actrices, Megan Suri, tiene ojos profundamente expresivos, no obstante a lo largo de la narración raramente se nos da un sentido de aquello que está por detrás de los personajes", de Derek Smith, Slant.

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4. UN SINIESTRO CUENTO DE NAVIDAD, de Steven LaMorte.

"Esta película es una especie de asesina bastante inepta que gasta la figura de El Grinch haciéndolo pasar por un (vil) villano gracias a algunos de los peores efectos de computadora que uno pueda encontrar en el género", de Matt Donato, IGN.

"Este film tiene varios logros, mientras que la producción y la edición así como la fotografía están en el promedio de lo muy bueno", de Richard Roeper, Chicago Sun Times.
 

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5.- EL REY DE LA COMEDIA, de Mario Martone.

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CRÍTICAS

ADENTRO MÍO ESTOY BAILANDO

Dirección y Guion de Leandro Koch y Paloma Schachmann. Con Leandro Koch, Paloma Schachmann, Perla Sneh Rebeca Yanover, César Lerner, entre otros. Fotografía de Leandro Koch y Román Kasseroller. Sonido de Nauel Palenque. Duración: 117 minutos. Coproducción Argentina-Austria.

XXX – BÚSQUEDA DE LOS ORÍGENES DEL FOLKLORE JUDÍO ENTRE ROAD MOVIE Y DOCUFICCIÓN

Recuperar la historia de los antepasados es misión de los hijos de inmigrantes: se busca sanar la herida de la migración, o sea ese estar divididos entre la tierra de los padres y la propia. En el caso de "Adentro mío estoy bailando", se cumple este objetivo a través de sus protagonistas que son el cineasta Leandro Koch y la clarinetista especializada en música Klezmer Paloma Schachmann o simplemente Leandro y Paloma.

El docuficción se nutre de diversas capas narrativas: la voz en off (Perla Sneh) que cuenta la historia de Yankel y Taibele ocurrida a comienzos del siglo XX, mientras en imágenes transcurre la road movie del 2021 de Koch y Schachmann siguiendo las huellas de una música y una cultura en extinción: la klezmer y el idish. Viejas fotos son el puntapié inicial de una búsqueda épica transformada en documental.

La pareja viaja desde Buenos Aires a Ucrania, pasando por otras tierras como Rumania y Moldavia, rastreando en la campiña retazos de un folklore quasi extinto. Para algunos, luego del Holocausto se perdió la mayoría de la cultura musical judía, permaneciendo en forma individual o apareciendo en fiestas de casamiento o reuniones familiares. Europa del Este es el archivo viviente de estos retazos musicales que funcionan como núcleos culturales.

En la película la narración ostenta buen ritmo aunque la profusión de datos y la superposición constante de planos -el que marca la voz en off y la realidad que el documental muestra- puede confundir. Sin embargo, se impone el mensaje que surge en secuencias donde los trabajadores rurales cantan o tocan el violín a la usanza de los antepasados. Aquello que sobrevive queda recuperado por Koch y Schachmann quienes determinan dónde está el material genético de esta tradición cultural musical. Y esto hace posible su rescate.

(Música Klezmer: género musical étnico originado en la tradición askenazi de Europa del Este, y que surgió antes de las dos guerras mundiales del siglo XX entre las comunidades judías. Era música para bailes o casamientos).

Elsa Bragato

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VILLA OLÍMPICA

Documental de Sebastián Kohan Esquenazi. Con Pablo Gershanik, Alejandra Sáez, Rodrigo Sáez, Soledad Gaspar, Fernando Gaspar, Luas Krotch, Florencia Calcagno, Paula Sepúlveda. Fotografía de Arnaldo Rodríguez. Edición de Ricardo Vergara y Galut Alarcón. Música de Federico Bronasso. Duración: 82 minutos.

XXXX – EL REVERSO DEL EXILIO

Muy interesante resulta este documental de Sebastián Kohan Esquenazi sobre el regreso de los argentinos y chilenos que debieron exiliarse en México por el avance de las dictaduras en nuestros países. Habitaron la llamada "Villa Olímpica" que se había construido en la ciudad capital del país centroamericano en 1968 a propósito de los Juegos Olímpicos, cerca de la ciudad universitaria. Los datos son precisos: 30 edificios, 904 departamentos, 3000 exiliados.

A partir de la construcción de una gran maqueta, base del esquema fotográfico del documental (si bien hay inserts de filmes familiares que grafican la vida en la villa) los hijos de los exiliados que regresaron a sus respectivos países cuentan la experiencia de ser "hijos de", de crecer en un país diferente, y el desarraigo que significó el volver al lugar de origen de sus padres.

Esta ruptura de raíces es profunda y los moviliza aún hoy, a 40 años de la llegada de la Democracia: nacieron en Chile o Argentina pero se criaron en México. He aquí donde el documental de Kohen Esquenazi se torna conmovedor tocando nuestras fibras más sensibles: aquellos niños que crecieron en esa comunidad argentino-chilena en un entorno cultural mexicano no sienten igual que sus padres. Para éstos, el exilio les devolvió la vida pero nunca dejaron de extrañar sus raíces. Para esos niños hoy adultos esas raíces crecieron en México por lo que Chile o Argentina son el recuerdo de los mayores pero no los propios.

Regresar a nuestros países significó el verdadero desarraigo para ellos. Y ésta es la visión que da Sebastián Kohan Esquenazi: la de los hijos de los exiliados arrancados de sus comunidades infantiles y adolescentes para volver a países que son el verdadero exilio para ellos. Pocas veces se piensa en este "boomerang", consecuencia directa de la migración de adultos por razones políticas.

El ritmo pausado de la narración, la música incidental que acompaña de principio a fin, los testimonios teñidos de profunda tristeza, conforman un relato profundo, que fluye en fotografías, recuerdos y filmes de época. Son historias de vida que nos devuelven la cara del exilio, esta vez su reverso.

Elsa Bragato

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EL REY DE LA COMEDIA

De Mario Martone. Guion de Mario Martone e Ippolita di Majo. Con Toni Servillo, Antonia Truppo, María Nazionale, Roerto De Francesco, entre otros. Edición de Japoco Quadri. Fotografía de Renata Berta. Duración: 133 minutos.

XXX – HISTORIA DE UN GRANDE LA ESCENA ITALIANA

Mario Martone se ha consagrado en la cinematografía italiana con títulos contundentes, incluso con biografías impactantes como "Leopardi, el joven fabuloso". Nacido en Nápoles, siente y transmite como nadie ese espíritu especial que oscila entre la tragedia y la bufonada, ciudad de contrastes y de pasiones paroxísticas. Este ADN especial le permitió reconstruir el ambiente de fines del siglo XIX y comienzos del siglo XX que tuvo a Eduardo Scarpetta (encarnado por el notable Toni Servillo) como el actor sinequanon del teatro de la época de esa ciudad en especial.

Martone reconstruye, ficciona, la vida escénica de Scarpetta, lo planta frente a auditorios que lo vitorean, pero lo devuelve a la vida luego de cada función donde el actor cumple con su propia representación: su esposa, sus hijos reconocidos, los ilegales, sus dos amantes, una promiscuidad familiar que logra dirigir con severa batuta paternal. He aquí el rol de su vida para Scarpetta que, un buen día de 1904, se enfrenta nada menos que al "Vate", el poeta de Italia, Gabriele D'Annunzio, a quien se considera la inspiración para el fascismo de Benito Mussolini. Lo acusa de plagiar su última obra teatral titulada "La hija de Iorio". Se enfrentan en los estrados judiciales que, para Scarpetta, constituyen escenarios donde su histrionismo cargado de exagerado sarcasmo jugará un papel fundamental.

La reconstrucción de época de Qui Rido Io (mejor título en italiano que la traducción al castellano. Aquí río yo) es fantástica. Innegable la mano de Martone y de su equipo para llevarnos a una Nápoles fastuosa, recargada, oprimente, marco ideal para un capocómico bufonesco, carismático, y dictador al mismo tiempo.

La narración se estanca por momentos en representaciones teatrales que resultan muy tediosas, sobre todo porque es un humor muy lejano a la idiosincrasia de este siglo XXI. La calidad interpretativa del protagonista y de todo el elenco no está en discusión. En síntesis, el tema puede interesar especialmente a los estudiosos de la historia del teatro o a los amantes de un cine italiano clásico, recargado y, aún así, vital.

Elsa Bragato

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2.- VENGANZA SILENCIOSA, de John Woo.

"La carnicería que Woo ofrece no combate el tedio que provocan los clishés de esta filme", Kristy Puchko, Mashable.

"Es una película que solo muestra una muy vulgar tensión, la de ver "algo" que se siente anónimo y salvaje al mismo tiempo", de David Ehrlich, Indie Wire.

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3.- LA MALDICIÓN DEL QUEEN MARY, de Gary Shore.

"Es suficiente para erizar piel y huesos como si se sintiera una briza fuerte del océano a medianoche", de Matt Donato, Bloody Disgusting.

"La duración apaga la efectividad de esta película, así como varias secuencias espeluznantes no surten efecto y más valdría haberlas tirado por la borda", de Leslie Felperin, The Guardian.

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4.- UN SINIESTRO CUENTO DE NAVIDAD (una versión de un Grinch muy malo. Aún no hay mayor información sobre esta película).

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5.- JOURNEY TO BETHELEHEM., de Adam Anders. Musical.

"Si se tiene necesidad de una película sobre la Fe, se pued elegir otra película porque ésta en particular es un tratamiento musical de la Natividad a la manera de una versión cristiana de un film de Disney", de Catherine Bray, Guardian.

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ESTRENOS NACIONALES

CRÍTICAS

Aclaración: México 71 estaba previsto para el jueves pasado. Sin previo aviso, se estrenaría este jueves. Repetimos la crítica ya publicada hace una semana.

MÉXICO 71

Documental de Carolina Gil Solari y Carolina Fernández. Música de Francisco Seoane. Cinematografía de Aylén López. Duración: 64 minutos.

XXX – TRIBUTO A UNA OLVIDADA EPOPEYA DE "FALDAS"

Las realizadoras Gil Solari y Fernández rescatan tras más de 50 años de olvido a la primera selección femenina de Fútbol que compitió en México, en el segundo mundial femenino, a pulmón. Buscaron a las míticas integrantes de aquel equipo que se jugó entera sin director técnico, sin entrenador, sin vestimenta adecuada ni botines y tuvo su bautismo en lejanas tierras logrando un enorme reconocimiento y popularidad, menos aquí, en su país.

Aparecen Elsa Irena Bruccoli, Lucía Sandoval, María Esther Ponce, María Fiorelli, entre otras, que tuvieron en el fútbol su gran pasión. Se destaca la goleadora Elba Selva quien le hizo cuatro goles a la selección de Inglaterra, derrotada ante nuestras mujeres. Fue el 21 de agosto de 1971 y ése fue consagrado como el día de la futbolista argentina.

Contribuyen con sus testimonios, además de las nombradas, Angela Lerena y Virginia Andrada, en este documental que se erige como un justo reconocimiento a las pioneras del fútbol femenino en el país, antes de su profesionalización y de ser tenidas en cuenta por el público y el periodismo especializado. Estas mujeres, invitadas a aquel mundial, enfrentaron a la sociedad de entonces, desde sus familias hasta el desprecio de los hinchas masculinos. Sin embargo, hoy en día, gracias a aquella epopeya de "faldas", y aún con diferencias salariales, están las profesionales del fútbol siendo Macarena Sánchez la primera mujer profesional, luego de que en el 2019 la AFA se decidiera a crear la Liga Profesional de Fútbol femenino. Sin dudar: las mujeres vienen marchando a paso firme e inexorable por sus derechos, sin ánimo de confrontar con los varones pero sí conseguir igualdad.

Elsa Bragato

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CHAU BUENOS AIRES

De Germán Kral. Guion de S. Puchner, F. Castets y Germán Kral. Con Diego Cremonesi, Mario Alarcón, Carlos Pörtaluppi, Marina Bellati, Manuel Vicente, Ragfael Spregelburd, Luis Ziembrowski, David Masajnik, entre otros. Música original de Gerd Baumann. Fotografía de Christian Cottet y Daniel Ortega, Arte de Matías Martínez y Paula Beltrami. Duración: 93 minutos.

XXX – ESA CUESTIÓN LLAMADA PORTEÑIDAD...

Desde hace 20 años el realizador Germán Kral, radicado en Munich, Alemania, fue escribiendo el guion de Chau Buenos Aires, mezcla seguramente de sus propias nostalgias por una ciudad que es síntesis de un estilo de vida siendo la música ciudadana su mejor alter ego. Kral regala una comedia social, bien narrada, melodrama perfecto de un porteño de comienzos del siglo XXI que padece el corralito económico, que encuentra una salida en el exterior, y para quien el bandoneón y el tango –el cuarteto que integra- son sus ejes. Padre de una hija, sueña con reiniciar su vida fuera de esta ciudad. Pero nada es tan fácil como uno lo planea. De pronto, surge una joven mujer, de pronto la añoranza carcome el corazón, y la partida es demasiado cuesta arriba como para soportarla.

Se destaca el trabajo de producción y postproducción, el ensamblado de imágenes que hacen que Carlos Portaluppi sea un eximio pianista y que Cremonesi haga sonar el bandoneón como discípulo de Pichuco. Más aún, Mario Alarcón emociona con sus interpretaciones y nos queda la duda de quién cantó, si fue él o alguno de los artistas mencionados en los créditos finales. Como fuere, un cuarteto de ases que emociona.

Pasional melodrama, narración sin altibajos, personajes bien delineados, Germán Kral encontró elenco y staff técnico de excepción para esta película que regala pura porteñidad. Para disfrutar.

Elsa Bragato

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DOS MANZANAS

De Eduardo Raspo. Con Martín Slipak, Diego Cremonesi, Luis Ziembrowski, Pepe Monje, Osqui Guzmán y Pïlar Boyle. Guion de Enrique Cortes. Fotografía de Hugo Colace. Arte de Rodolfo Pagliere. Montaje de Alberto Ponce. Sonido de Martín Galimany. Música de L.Piluso. Duración: 90 minutos.

XXX – RELATO HISTÓRICO SOBRE EL ENCUENTRO DARWIN VS ROSAS

El realizador Eduardo Raspo se entusiasmó con el encuentro entre Charles Darwin, naturalista británico, y el brigadier Juan Manuel de Rosas, ocurrido entre 1832 y 1834. El hecho está consignado por Darwin en su diario, y, si bien se desconoce el tenor de lo charlado en ese campamento desde donde Rosas dirigía sus tropas contra los indios, la ficción pudo más que lo esencialmente verídico para recomponer un diálogo falaz pero sustancioso.

La realización es un tanto teatral con buen clima de suspenso que la convierte en una película interesante. Un complot supuesto contra Rosas, la discreción de Darwin, la compañía de la británica Donovan rescatada de las tribus, y la compañía de su ilustrador (Ziembrowsky), conforman el entorno de este encuentro.

Por sobre todo, es la confrontación de la civilización encarnada por Darwin y la barbarie hecha piel en Rosas, uno es representante de un imperio que dominaba solapadamente nuestras tierras a través de sus logias y de sus incursiones armadas (pelea ancestral entre Gran Bretaña y España, países piratas) y el otro, hombre acostumbrado a la "limpieza" étnica y al poder absoluto.

El diálogo entre Darwin y Rosas tiene varios ejes temáticos: desde la influencia de Inglaterra hasta el poder, pasando por la lealtad, la lucha armada, los descubrimientos del naturista, o sea los conocimientos de los dos hombres en sus dos diferentes terrenos de vida. Es, por lo tanto, un material atractivo de ver y escuchar. Además, esta película de Raspo pone en pantalla, en imágenes, un hecho histórico nuestro, y es poco común: estamos más avezados en la historia del Oeste de los Estados Unidos que en las campañas de nuestros héroes contra los Realistas.

Buena elección de Raspo, buena realización, buen elenco, para una película histórica que, aún con austeridad, logra la ambientación necesaria para enmarcar el encuentro de dos personajes históricos de absoluta relevancia.

Elsa Bragato

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ESTRENOS INTERNACIONALES

1.- WONKA, de Paul King.

(sin críticas hasta el viernes)

2.- VIERNES NEGRO, de Eli Roth.

"Podría gustar para uno o dos mordiscos. Pero, en verdad, no para una cena", de Katie Walsh, Los Angeles Times.

"Esta película es un verdadero festín de horror y sangre para los fans del género", de Jeremy Mathai, Slashfilm.

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ESTRENOS NACIONALES

1.- ELIJO CREER, Homenaje a la Selección Nacionial de Fútbol, voz de Ricardo Darín.

2.- MUCHACHOS, LA PELÍCULA DE LA GENTE, de Jesús Braceras. Basado en videos realizados por miles de argentinos a través de diversos métodos, incluyendo drones.

3.- NO SON 30 PESOS, de Fernando Krichmar. Sobre la trayectoria del llamado Frente Patriótico Manuel Rodríguez, guerrilla creada por el Partido Comunista chileno.

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CRÍTICAS

EL VILLANO

Docuficción de Luis Ziembrowski y Gabriel Reches. Con familia Dziembrowski en el documental y con Gabriel Puma Goity, Dady Brieva, Gabo Correa, Pablo Echarri, Alejandra Flechner, Sergio Boris, Flor Dyszel. Fotografía y cámara de Armin Marchesini W.. Sonido de Martin Grignaschi. Arte de Valetina Llorens. Duración: 75 minutos.

XXXX- LA HERENCIA QUE NO SE BUSCA

A través de un proceso muy profundo, el reconocido actor Luis Ziembrowski decide buscar a su padre en Mar del Plata, un hombre que abandonó el hogar cuando el actor no llegaba a los 2 años, que hizo sufrir a su madre intensamente, y que un buen día se codeó con la delincuencia para no salir más del hampa. Elsa, la madre del actor (con muchos puntos en común con el gran Ulises Dumont en sus performances, de las que se hace una síntesis breve muy intensa a raíz de fuertes personajes que encarnó), está fallecida y Ziembrowski es el encargado de retirar sus huesos para depositarlos en un osario común. Fuerte escena inicial.

A lo largo del documental tanto Ziembrowski como el realizador Gabriel Reches (consustanciado con el drama personal del actor y amigo) alternan ficción con testimonios de familiares, mientras el encuentro con Santiago o Israel, el padre, se hace esperar.

Hay momentos conmovedores como el reproche de las hermanas del actor a la madre, que ya no está, por soportar tanto desamparo y destrato, así como la opinión de las nietas que tienen bien en claro que se está buscando al padre de su padre pero no al abuelo porque no lo sienten así. Finalmente, el encuentro entre padre e hijo tiene diálogos sentidos, llantos contenidos, con una cámara que deja el medio plano para trabajar en el close up más rabioso, meterse en los ojos de Santiago o Israel Ziembrowski, escrudiñar desde la piel hasta el movimiento de los labios al hablar o comer o beber. Como una necesidad de aprehender el alma de alguien que vivió escondiéndose de sus hijos, que esquivó el hogar, aunque siempre regresara a él.

Este docuficción es una pieza dramática de muy buena factura: profundiza en una familia en especial, la que se hereda sin que uno pida o sepa, ese atavismo que da la sangre o pertenencia no buscada manifestándose tantas veces impiedad sobre los herederos. La sanación está en darle luz al quebranto para alejar los fantasmas generados por las suposiciones. Y el filme lo logra, así como Ziembrowski cierra una larga y dolorosa etapa de su vida. Recomendamos quedarse a ver los créditos porque hay una sorpresa que toca el corazón.

Elsa Bragato

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JULES (NETFLIX)

De Marc Turtleaub. Guion de Gavin Steckler. Con Ben Kingsley, Harriet Sansom HJarris, Jane Curtis, entre otros. Duración: 83 minutos.

XXX- MENSAJE PARA TENER EN CUENTA

Muchas películas se recomiendan por su factura, por sus protagonistas, pero hay otros filmes que merecen ser tenidos en cuenta por el mensaje. Pueden resultar muy sencillas, sin complejidades intelectuales; sin embargo, están alertando sobre injusticias y crueldades cotidianas.

El gran Ben Kingsley (Gandhi entre otros filmes) compone a un viudo, Milton, con dos hijos que poco apunte le llevan. Ocurre un hecho inusual: un OVNi cae en su jardín del fondo (el famoso backyard norteamericano) y sus reclamos sobre la destrucción de esa parte de la casa así como la denuncia del extraño visitante no son tenidas en cuenta, salvo para considerarlo un estorbo social, un hombre de más de 70 años que tiene un Alzheimer avanzado.

Tomar conciencia de su realidad –convive con un ET-, aceptarla y no dar crédito al desprecio social, que incluye el de su hija, le permiten sobrevivir con alegría interior, sumando a dos amigas del pueblo al gran secreto. Los tres adultos mayores logran una compañía que rompe la soledad en la que viven, mientras el mundo exterior los acusa de locos y el FBI inicia la búsqueda de "algo extraño" del exterior en la zona.

La película Jules –nombre que una de las amigas de Milton le da al visitante- deja una sonrisa en el rostro: tiene sencillez y verdad, trabaja desde un lugar simpático y emotivo la consabida discriminación social hacia el adulto mayor para quien, en general, solo hay geriátricos y abandono familiar. Por eso, Jules es una película reconfortante: no todo está perdido cuando se recupera la fe en uno mismo a pesar de la incomprensión social.

Elsa Bragato

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EL RAPTO (Paramount +)

De Daniela Goggi. Guion de Andrea Garrote y Daniela Goggi. Basado en la novela "El salto de papá", de Martín Sivak (2017). Con Rodrigo De la Serna, Julieta Zylberberg, Jorge Marrale, Germán Palacios, Andrea Garrote, entre otros. Cinematografía de Fernando Lockett, Música de Pablo Borghi. Duración: 95 minutos. Estrenada en el último festival de Venecia y en la Plataforma Paramounto Más.

XXXX – VISIÓN REALISTA DE LA POSTDICTADURA ARGENTINA

La tragedia de la familia Sivak quedó retratada en el libro de uno de los herederos de Jorge Sivak, quien se suicidó en 1990 tras la quiebra de la empresa y el asesinato de uno de sus hijos. El secuestro y muerte de "Osvaldo" (Germán Palacios) ocurrió en 1985 en una Argentina aún convulsionada por los delitos de lesa humanidad de la última dictadura. Su hermano "Julio" (Rodrigo de la Serna) fue el encargado de llevar adelante la negociación con los secuestradores. Acababa de regresar al país tras un exilio forzoso y tuvo que enfrentarse a lo que creía que no existía o que había desaparecido: los grupos parapoliciales enquistados en el gobierno democrático que seguían secuestrando y matando.

La película de Daniela Goggi centra la acción en Rodrigo de la Serna quien asumió el relevante compromiso actoral al que dotó de todos los matices requeridos, desde la desesperación hasta el desconsuelo, en una performance soberbia. Lo secundan con suma eficacia Germán Palacios (gran actor al que se lo ve muy poco), Julieta Zylberberg y Jorge Marrale como el patriarca (retrato de Jorge Sivak a cargo de su hijo Martín en "El salto de papá") que definirá con su suicidio la vida de su familia.

La película transitó por momentos muy difíciles cuando el compositor Gabriel Sivak, radicado en Francia, y otros miembros de la familia, se opusieron judicialmente al guion y, en especial, a que se revelara el doloroso trance del padre final del padre.

Desde el punto de vista cinematográfico, el film de Goggi tiene un fuerte tono de austeridad formal, mientras que conceptualmente está muy lejos de ser complaciente por lo que perturba profundamente generando una indescriptible sensación de ahogo ante el sufrimiento de los personajes. Sin duda alguna, ateniéndose a hechos reales, Goggi y su elenco alcanzan una excelente realización sobre uno de los tantos casos de desapariciones forzosas que nuestra sociedad vivió. Un horror que marcó para siempre el inconsciente colectivo argentino.

Elsa Bragato

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XXX – EXTRAÑO CASO POLICIAL

"En vos confío" es un docuficción diferente, basado en el amor entre dos mujeres que se conocieron en un noviciado entre la provincia de Tucumán natal y la provincia de Córdoba, acusadas del asesinato de una amiga en común: desde un trío amoroso hasta envidia entre las mujeres se barajan como causales. Frente a cámaras hablan los abogados defensores y los acusadores y, aún con indicios que parecieran ser claros, el caso resulta mucho más que confuso.

Susana Acosta y Nélida Fernández, que con el tiempo se transformó en Diego, son las dos mujeres que se aman hasta "la eternidad" y que resultaron condenadas. Ni de las palabras de ellas ni de los otros entrevistados se sabe bien qué paso salvo que la cárcel la purgan las dos ex novicias.

Fuera del tema en sí, el documental ofrece un tratamiento diferente: el inicio donde los diálogos son cantados y la utilización de pantalla dividida, así como un "negro" que marca el paso de una secuencia a otra en algunos casos otorgan un toque diferente.

La banda sonora de Bruno Masino es de las mejores que hemos escuchado, tiene fuerza, es dramática, acompaña con intensidad el relato de las condenadas a 20 años, con una hija adoptada que les fue arrebatada, violada, y que hoy, con casi 25 años, continúa siendo leal a sus madres.

El tema es espinoso y triste a la vez. Estamos o ante dos personas con rasgos psicopáticos incapaces de reconocer lo hecho, o bien ante un caso de injusticia de la Justicia que merece ser revisado. Como fuere, deja una sensación de perplejidad e impunidad a la vez de una y otra parte dentro de un marco cinematográfico muy bien logrado.

Elsa Bragato

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MUJER PERSEVERANTE

Dirección y guion de Soledad San Julián. Fotografía de Charly Alloggio. Música de Marilina Calós y Pablo Mauri. Duración: 68 minutos.

Documental

XXX - REVOLUCIÓN FEMENINA EN LA PUNA

La creatividad puesta al servicio de la supervivencia da como frutos el trabajo de doña Rosario Quispe, mujer kolla que, ante el cierre de las minas en 1994 en La Puna, generó otra fuente de ingreso: con la esquila de la lana de llamas inició un emprendimiento de tejidos en Abra Pampa que hoy en día ocupa a 6000 familias de 80 comunidades indígenas y una universidad para los más jóvenes. No en vano Quispe fue nominada a los Premios Nobel de la Paz en el 2005.

Una localidad condenada a desaparecer floreció por la voluntad de esta mujer que supo ver otra forma de ganarse la vida. Son casi 30 años de un trabajo que fue creciendo al punto de ser modelo en el mundo en su tipo y de tener hoy relaciones comerciales en el país y en el exterior.El guion toma como excusa la premiación a Rosario Quispe por su comunidad para mostrar todo el proceso que fue capaz de encabezar, desde la esquila hasta las fábricas generadoras de madejas y telas. La fotografía de Charly Allocco enriquece la propuesta al mostrar los paisajes montañosos envueltos en el polvo de la aridez y las vastas soledades de las planicies apenas salpicadas por casas pequeñas de una sola ventana mientras que la banda sonora de Calós y Mauri subraya con delicadeza momentos especiales. Los datos en números en los créditos finales fundamentando este fenómeno peculiar de trabajo y esperanza son un aporte genuino del valor socioeconómico de Quispe y su creación.

Muy buena fotografía, un armado narrativo atractivo que intercala la generación de un proyecto con una premiación bajo el implacable sol del altiplano nos dejan una película de gran riqueza visual y un efectivo mensaje de resiliencia.

Elsa Bragato

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ESTRENOS NACIONALES

3.-PARTIDA, de Diego Suárez.

4.- UN PÁJARO AZUL, de Ariel Rotter.

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CRÍTICAS

EL ESPACIO QUE OCUPO

Documental de Agostina Gianini.



XXX – DOCUMENTAL AUTOREFERENCIAL

Las historias personales parecen ser un material cómodo y efectivo para el cine documental nacional. Sin desmerecer el trabajo cinematográfico en sí, o sea la factura de la película, la vida de la propia familia conforma como propuesta a muchos realizadores. El resultado definitivo, no inmediato, se ve en las boleterías, si el público compra la entrada o no.

En el caso de Agostina Gianini, decidió filmar a las mujeres de su familia, desde su abuela pasando por su madre hasta su hermana, y ver cómo pudieron realizarse en la vida, si acorde a lo que soñaron o siguieron las pautas impuestas por las generaciones anteriores.

A pesar de la resistencia, o timidez, a ser filmadas, la realizadora Gianini logra su objetivo a través de varios años a partir del 2017, valiéndose de una bella casa ubicada en Adrogué, localidad de la provincia de Buenos Aires, hasta de los álbumes familiares cargados de recuerdos.

Se esté de acuerdo o no con este recorrido de vida autorreferencial, el hecho está en que las mujeres retratadas fueron y son conscientes de que, de haberlo querido, hubiesen roto con algunas imposiciones atávicas a partir de un hecho que las rebeló íntimamente: la abuela que se transformaba en sirvienta, poco menos, del abuelo quien no se levantaba ni para alcanzarse la servilleta caída (por decir). No obstante, hay que decir que las mujeres han dado muestras desde tiempos inmemoriales de que, si querían, siempre pudieron enfrentar al machismo y ser ellas mismas. Por supuesto, con más esfuerzo que los varones, comandantes sociales. Pero no por eso impedidas de hacerlo.

La realización de Gianini es muy correcta, tiene una buena musicalización y animación (música de Julián Cohen Rúa y animación de Olivia Ramos Mira) aunque abusa de la división de la pantalla con secuencias que resultan cansadoras porque no es un contraste entre una acción y otra sino que es lisa y llanamente repetición: una pantalla en tres con la misma película casera.

Otro entripado familiar llevado al cine, y un tema, el del sometimiento de las mujeres a determinada educación, que no aporta nada nuevo a sabiendas de que ya sea hombre o mujer si quieren siempre pueden romper las cadenas que los condenan a un determinado destino..

Elsa Bragato

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STREAMING

LA LUZ QUE NO PODEMOS VER

Miniserie de 4 capítulos.

De Steven Knight y Shawm Levy. Con Aria Mia Loberti. Louis Hofmann, Lars Eidinger, Hugh Laurie, Mark Ruffalo, entre otros. Fotografía de Tobías A. Schliessler. Música de James Newton Howard. Duración: varía en cada capítulom rohda en total unos 120 minutos aproximadamente.



XXXX- ENTRE LA GUERRA Y EL DESPERTAR DEL AMOR

"La luz que no podemos ver" es una miniserie de cuatro capítulos basada en la novela homónima de Anthony Doerr ganadora del premio Pulitzer 2014. Su trasposición al cine no es traumática dado que respeta el planteo argumental del escritor. Esto ha permitido a algunos críticos considerarla como simplista y poco innovadoras. Creemos que, si se puede respetar linealmente el hecho literario, un film gana en coherencia si bien depende de factores técnicos, es decir, de su realización.

Esta miniserie nos cuenta la historia de una joven ciega, que transmite ilegalmente mensajes a la resistencia francesa, y un joven alemán, considerado un genio de las radiotransmisiones. Marie y Werner (Marie está encarnada por Aria Mia Loberti, quien debuta en la miniserie, joven actriz que padece de acromatopsia o sea la imposibilidad de ver los colores) son los protagonistas de esta historia que tiene sostenes actorales muy importantes como Mark Ruffalo en el papel del papá de Marie y Hugh Laurie en el rol de su tío.

Basándose en el final de la Segunda Guerra Mundial, no ahorra en momentos que impresionan y duelen y en un suspenso bien dosificado de principio a fin. Atrapa, entretiene, impresiona y tiene una pizca de melodrama romántico que, lejos de perjudicarla, le agrega una cuota de humanidad ante tanto horror. Para ver sin dudar.

Elsa Bragato

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LAS FORMAS DE LA NOCHE

De Marcelo Goyeneche. Documental. 104 minutos.

XXXXX – TRIBUTO CONMOVEDOR A ROBERTO GOYENECHE

"Las formas de la noche", documental del sobrino nieto del notable cantor Roberto Goyeneche, es un grito de amor conmovedor. A través del testimonio de los hijos de Goyeneche, de quien fuera su esposa, de algunos amigos, e innumerables recopilaciones de reportajes radiales y actuaciones del Polaco (sobrenombre que le pusiera el manager de Horacio Salgán por ser rubio y de ojos claros cuando los cantores de entonces eran todos morochos), elabora un homenaje pleno de emotividad, de sensibilidad, y reconstruye una época dorada, la segunda, para el tango: los setenta, con Caño 14, con Atilio Stampone, Enrique Mario Francini, José Bragato, Aníbal Troilo, y la bohemia de la amistad y la música, la vida de noche que caracterizó a la porteña Buenos Aires.

Hombre bonachón, Roberto Goyeneche fue colectivero y cantor, hasta que un día llegó Salgán y luego Troilo, y luego Atilio Stampone, y la carrera de solista que le impuso el Gordo Pichuco. Las llegadas tardes al hogar, la espera noble de su esposa, los "pecados" nocturnos desde el amor efímero hasta la droga, fueron condimentos de aquella vida que tenía como eje la música ciudadana.

Imposible no emocionarse hasta las lágrimas a través de este recorrido de una vida que sintetiza la vida misma de la porteñidad. Excelencia que se alcanza cuando se pone el corazón en la tarea, como hizo Marcelo Goyeneche.

Elsa Bragato

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XXX - ROMANCE A LA PORTEÑA

En su segundo film, Lautaro García Candela retrata el nerviosismo del centro porteño, concretamente la peatonal Florida, y la relación que surge entre dos jóvenes, Pablo y Flor. "Cambio cambio" alude a esa otra vida comercial que habita la peatonal: lso "arbolitos" y la venta y compra de dólares, los no oficiales, el "blue". Un mercado paralelo que forma parte de la esencia porteña-

Es una historia compleja y agradable a la vez: por un lado, la vida personal de Flor y Pablo que se quieren aún con caminos un tanto diferentes y, por otra parte, la subsistencia de los dos alejados de sus familias. Para Flor, es vivir fuera del rechazo de sus padres y para Pablo, lejos de su pueblo natal, Olavarría. Dos concepciones de la "ciudad grande" diferentes pero con un punto en común: el amor que los une.

Esta historia protagónica se matiza con una excelente fotografía de la ciudad, sus cúpulas, sus rascacielos, que deslumbran a Pablo y que tienen una resignificación para Flor.

Nada es fácil: sobrevivir es una necesidad imperiosa por lo que los dos jóvenes, sin perder de vista sus sueños, pelean el día a día, corriendo además los riesgos propios de una ciudad y sus submundos, en este caso, el de las llamadas "cuevas".

Linda historia, bien contada, buena fotografía con dos jóvenes protagonistas con mucho futuro, creíbles en sus roles. Se cuela cierto romanticismo entre tanto cemento, dólares y pasión. Para ver.

Elsa Bragato

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EL OTRO HIJO

Dirección y guion de Juan Sebastián Quebrada. Con Miguel González, Ilona Almansa, Jenny Navarrete, Simón Trujillo, entre otros. Fotografía de Michael Caprono, Música de Carlos Quebrada. Duración: 90 minutos. Coproducción Chile, Argentina y Francia.

XXX – RELATO DE UN DUELO Y SU SUPERACIÓN

La resignación tarda en llegar ante la pérdida de un ser querido. El director Juan Sebastián Quebrada parte de la buena relación entre dos hermanos adolescentes, Federico y Simón, que hacen la vida de los chicos de clase media: reuniones con amigos, baile, tragos, sexo, y consumo social de droga. En una ocasión Federico tiene, a raíz del consumo, un accidente fatal. Y queda Simón solo, ante el dolor de sus padres, de los abuelos, aunque dentro del mismo círculo que compartía con su hermano. ¿Cuál es su lugar en el mundo ahora, el de su hermano o él tiene también un espacio propio? He aquí la pregunta crucial.

La narración de Quebrada propone un recorrido sincero por la elaboración del duelo, el darse cuenta, en principio, que el ser querido no va a estar más, en saber que no se puede suplantar y sí en cambio vivir la propia vida cargando ahora con la elaboración de una situación muy doloroso.

Al ser un guion sencillo pero intelectualmente honesto, se asiste a la evolución de Simón que parte de búsquedas personales, desde iniciar la comprensión de que Federico no está en este plano hasta que la novia de su hermano no es la suya, que no se hereda la vida de Federico y que, en todo caso, se requiere de un sincero trabajo de introspección para reacomodarse ante justamente la vida. Solo así se logra recuperar el propio lugar dentro de un mismo medioambiente familiar y de amigos. De eso se trata esta película, que viene ganando premios en diferentes festivales: del duelo, de alcanzar la resiliencia, de volver al principio asumiendo que todo cambió y que se puede seguir por el atajo hasta convertirlo en un auténtico camino principal.

Elsa Bragato

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EL PORTAL

Dirección y guion de Andrés Perugini. Participación dez Margarita Malla, Margarita Beliza, Néstor Herrera, Nancy Alvarez, Daniel González, entre otros. Fotografía de Florencia Labat. Música de Agostina Yacosa. Duración: 65 minutos.



XXX- CREENCIAS Y PERSONAJES DEL NOROESTE BONAERENSE

El realizador Andrés Perugini lanza su segundo largometraje que es el documental "El portal", donde describe el ambiente social de los pueblos donde nació, Iriarte y Germania, ubicados en el Noroeste de la provincia de Buenos Aires. Centra la historia en el llamado "Hermano Rufino Tibaldi", ya fallecido, que le dio una fisonomía mística a la zona con sus curaciones a enfermos y su capacidad de establecer relaciones con los espíritus de los muertos. Frente a cámaras, Perugini tiene a vecinos que lo conocieron y dan su testimonio favorable, mientras que otros guardan una mirada despectiva sobre los poderes del Rufino considerándolo un "manochanta".

Como fuere, Perugini se pregunta si esa historia que vivió y que le daba miedo o no llegó a comprender no fue acaso un condicionamiento cultural, considerando que los jóvenes de hoy (a los que interroga en la última parte de la película) no llevan esa carga.

Bien se puede decir que las historias y sus personajes no solo pueden condicionar porque forman parte de un bagaje cultural sino que, a la vez, nutren. No hay pueblos ni personas sin historia, solo basta continuarlas o superarlas.

Mientras por un lado Perugini logra diversas entrevistas con vecinos transformados en protagonistas, su cámara presenta al otro actor fundamental: el campo, su horizonte, los caminos oscuros, los vientos y los animales, que representan al espíritu de ese curandero que ya no está en este plano y que, sin embargo, condicionó con su peculiar sabiduría popular y los dones que decía poseer a toda una amplia zona de la provincia de buenos Aires.

El documental logra un clima de misterio y de realismo entre el paisaje y los vecinos, dos formas de contarnos una historia donde lo fantasmal y lo místico son el centro.

Elsa Bragato

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ESTRENOS INTERNACIONALES


1,. THE MARVELS, de Nia Da Costa.

(Sin críticas hasta el viernes)

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2.- ATENTADO EN EL AIRE, de Timo Vuorensola. Con Alec Baldwin.

"El último giro es quizás demasiado brusco, ya que aniqula el giro anterior. Pero si se deja pasar, se trata de un entretenimiento pulp bastante fluido, elaborado con eficacia por el director", de Leslie Felperin, The Guardian.

"Esta es una cinta clase B después de todo y no hay que pedirle peras al olmo. Sin embargo, Baldwin y Meyers han tenido tiempos mejores y esta cinta no da cuenta del talento", de André Didyme.Dome, Rolling Stones Colombia.

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3.-CÓMO TENER SEXO, de Molly Manning Walker.

"Molly Manning Walker sale con confianza por la puerta grande", de Rafaela Sales Ross, The Playlist.

"Inteligente y provocador, este drama británico ofrece una visión delicada del sexo y el consentimiento", de Anna Smith, Time Out.

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4.- LO QUE NO VEMOS, de Ayse Polat.

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CRÍTICAS

LO QUE NO VEMOS

(Esta crítica fue publicada el jueves 26 de octubre pasado, cuando estaba previsto su estreno que, finalmente y sin aviso, no se realizó. Se anuncia para este jueves)

De Ayse Polat. Coproducción Alemana-Turquía. Duración: 11 minutos

XXX – AGOBIANTE THRILLER

A través de capítulos sin título, se asiste a un filme extraño, cuanto menos, que mistura el thriller, el policial político, el misterio, y lo paranormal.

La historia parte de un grupo de cineastas alemanes que se ubican en un pueblo kurdo del norte de Turquía para entrevistar a una anciana, Hatice, que recuerda a su hijo Baren todos los días. El joven desapareció a manos de los turcos. El equipo de filmación culmina esa entrevista y, en plena carretera, el automóvil con el que se traslada recibe un piedrazo. Nadie hay en el camino que lo justifique. Funciona como una suerte de premonición de que las cosas no serán fáciles. Entre los allegados al equipo está la pequeña Melek, de 7 años, que acompaña a su institutriz, una joven kurda. Es hija de un hombre ligado a los servicios ultrasecretos turcos, acostumbrado a torturar y matar. Pero en Melek, Zafer (el padre) tiene un tope a su oscura vida: la pequeña manifiesta una serie de fenómenos paranormales que lo alarman. Es, en todo caso, la mirada de esta niña la que da fuerza al título: "Lo que no vemos".

La película tiene altibajos narrativos al no ser clara desde el comienzo: algún elemento falta para que las secuencias posteriores, algunas muy estremecedoras y sangrientas, tengan plena conexión. Esta surge con el correr de la filmación teniendo en su desarrollo el sentido cabal de la denuncia: los kurdos son sometidos brutalmente por los turcos, desaparecen sin vueltas, tengan que ver con la política o no, sean terroristas o no.

Al planteo de la realidad, la joven realizadora turcca Ayse Polat le agrega el fenómeno fantástico que hace de la pequeña protagonista un ser especial desde el comienzo hasta el final. De todas maneras, es un thriller interesante, por momentos agobiante y angustiante, con una resolución imprevista que incluye a una niña como pivot de las conductas de los mayores.

Elsa Bragato

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ATENTADO EN EL AIRE

de Timo Vuorensola, Con Alec Baldwin. Jonathan Rhys Meyers, Jo Martin, Myanna Buring, entre otros. Fotografía de Konstantin Freyer. Música de Yan Livingstone. Duración: 93 minutos.

XXX – EXPLOSIÓN ADRENALÍNICA EN EL AIRE

Sin la espectacularidad de aquellos peliculones setentistas "Aeropuerto", sin la banda sonora pegadiza de entonces pero con mano firme y eficaz utilización de los recursos de clase B que tiene, el director Timo Vuorensola logra un film de suspenso que mantiene la atención de principio a fin. Por momentos, hay que aferrarse a la butaca para no saltar de susto. Que son varios y seguidos.

Así es "Atentado en el aire" que tiene como protagonista a Alec Baldwin, siempre dueño de su rol, quien perdió a su hija a manos de árabes, decapitada. Por si fuera poco, en el avión Oceanic 767, que une Londres con New York, cinco secuestradores se adueñan de la nave y sus pasajeros con la idea de estrellarlo y provocar una matanza fenomenal, dado que llevan a bordo un arma nuclear. Solo tienen 97 minutos de combustible. Suficiente motivo para que haya de todo un poco como para que nadie se sienta defraudado dado que los efectos son los elementales y el elenco no es de superestrellas, con excepción de Baldwin: aviones caza están dispuestos a derribar al avión para evitar una catástrofe, entre los secuestradores surgen peleas fenomenales, hay matanzas, heridos, trompadas, mientras en tierra las autoridades intentan controlar una situación desmadrada en pleno vuelo.

Claro que la bajada de línea es bien hollywoodense: antes los malvados eran los rusos, ahora se mezclan con los árabes y las secuelas de sus múltiples atentados en Occidente. Es decir, la misma base ideológica –los malos siempre son los de afuera- pero con otra fachada. Un touch de melodrama en Baldwin y en el principal secuestrador, unidos por una desgracia personal, ponen esa gota de sensiblería propia de un guion mediocre. Sin embargo, todo funciona para apaciguar los nervios ante la explosión adrenalínica que provoca esta película. Puro entretenimiento. Y está bien.

Elsa Bragato

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ESTRENOS INTERNACIONALES

Reestreno de animaciones por el centenario de Disney

1.- TROLLS 3: SE ARMÓ LA BANDA, animación

2.- COCO, de Lee Unkrich, animación

3.- MOANA, de Ron Clements, animación

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OTROS ESTRENOS INTERNACIONALES

4.- FIVE NIGHTS AT FREDDY"S, de Emma Tammi

(sin críticas hasta el viernes)

5.- EL ASESINO, de David Fincher

"Ofrece un tipo de entretenimiento escabroso que no habíamos visto desde los años 60, un tipo de savoir faire suave de sangre fría pero muy divertido", de Damon Wise, Deadline.

"Fincher en modo divertido y Fassbender arrasando. Da en el clavo", de Jane Crowther, Total Film.

6.- LA MONTAÑA, de Thomas Salvador

7- SIN AIRE (The Dive)

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ESTRENOS NACIONALES

1.- LOS DELINCUENTES, de Rodrigo Moreno

2.- LA PANTALLA ANDINA, de Carmina Balaguer

3.- PIBAS SUPERPODEROSAS, de Leonora Kievsky

4.- LAS DELICIAS, de Eduardo Crespo

5.- EL DUELO, de Augusto Tejada

6.- LA CALMA, de Mariano Cócolo

7.- NORMA, de Santiago Giralt

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CRÍTICAS

LA MONTAÑA

Guion y dirección de Thomas Salvador. Fotografía de Alexis Kavyrchine. Música de Chloé Thevenin. Con Thomas Salvador, Louise Bourgoin, Martine Chevalier, entre otros. Duración: 113 minutos. Francia.

XXX – THRILLER ENTRE FANTÁSTICO Y ECOLÓGICO

Poco se habla de Thomas Salvador aunque se le reconoce una enorme capacidad para crear historias que conmueven. Tiene una notable carrera como cortometrajista, ha sido galardonado varias veces e incluso se realizaron muestras retrospectivas de su obra cinematográfica. Llegó al largometraje hace 10 años, con "Vincent n'a pas d"ecailler", regresando ahora con "La montaña". Une así sus múltiples actividades: cineasta, ecologista, alpinista, actor al protagonizar a Pierre, quien se cansa de la vida en la ciudad y preocupado por el cambio climático, decide adentrarse en los secretos del Mont Blanc, en Los Alpes.

En esa soledad, que conoce porque no es la primera vez que escala, Pierre encuentra sosiego. Solitario y solo a la vez, conoce a una mesera en un restorante alpino, la bella Lea, quien lo ayudará con provisiones y con una atención especial.

Hay detalles fotográficos novedosos e inquietantes a la vez de luces extrañas en medio de las rocas. Entre la soledad y sus principios ecológicos, Pierre se consubstancia con esos destellos que serán definitorios en su vida de ahí en más.

Conceptualmente, para Thomas Salvador lo fantástico está siempre, solo hay que reconocerlo en medio de la realidad. Formalmente, el film regala una fotografía muy bella de la montaña y algunos de sus rincones, bañados de hielo, otros la piedra desnuda al sol, o las grietas que tachonan las rocas.

Película diferente, atractiva, que apunta tanto al cuidado de la naturaleza como a la inquietud espiritual que nos permita reconocer algo más que lo meramente pragmático y al alcance de los ojos. Interesante propuesta.

Elsa Bragato

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LO QUE NO VEMOS

De Ayse Polat. Coproducción Alemana-Turquía. Duración: 11 minutos

XXX – AGOBIANTE THRILLER

A través de capítulos sin título, se asiste a un filme extraño, cuanto menos, que mistura el thriller, el policial político, el misterio, y lo paranormal.

La historia parte de un grupo de cineastas alemanes que se ubican en un pueblo kurdo del norte de Turquía para entrevistar a una anciana, Hatice, que recuerda a su hijo Baren todos los días. El joven desapareció a manos de los turcos. El equipo de filmación culmina esa entrevista y, en plena carretera, el automóvil con el que se traslada recibe un piedrazo. Nadie hay en el camino que lo justifique. Funciona como una suerte de premonición de que las cosas no serán fáciles. Entre los allegados al equipo está la pequeña Melek, de 7 años, que acompaña a su institutriz, una joven kurda. Es hija de un hombre ligado a los servicios ultrasecretos turcos, acostumbrado a torturar y matar. Pero en Melek, Zafer (el padre) tiene un tope a su oscura vida: la pequeña manifiesta una serie de fenómenos paranormales que lo alarman. Es, en todo caso, la mirada de esta niña la que da fuerza al título: "Lo que no vemos".

La película tiene altibajos narrativos al no ser clara desde el comienzo: algún elemento falta para que las secuencias posteriores, algunas muy estremecedoras y sangrientas, tengan plena conexión. Esta surge con el correr de la filmación teniendo en su desarrollo el sentido cabal de la denuncia: los kurdos son sometidos brutalmente por los turcos, desaparecen sin vueltas, tengan que ver con la política o no, sean terroristas o no.

Al planteo de la realidad, la joven realizadora turca Ayse Polat le agrega el fenómeno fantástico que hace de la pequeña protagonista un ser especial desde el comienzo hasta el final. De todas maneras, es un thriller interesante, por momentos agobiante y angustiante, con una resolución imprevista que incluye a una niña como pivot de las conductas de los mayores.

Elsa Bragato

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LAS DELICIAS (se estrena en la sala Leopoldo Lugones)

Dirección y guion de Eduardo Crespo. Montaje de Lorena Moriconi, Sonido de Andrés Perugini, Fotografía de Eduardo Crespo. Duración: 65 minutos. Documental.

XXX – RELATO SOBRE LA VIDA EN UN INTERNADO

Oriundo de Crespo, el director Eduardo Crespo decidió regresar a ese lugar de la provincia de Entre Ríos para filmar en el internado agrotécnico "Las delicias", donde más de 100 alumnos de diferentes edades transcurren su niñez y su adolescencia. Es éste el cuarto largometraje de Crespo, quien confiesa haber sentido cierto resquemor para filmar en ese internado que, durante su niñez, tenía cierta mala fama. Era un fuerte castigo que los padres amenazaran con "te meto en Las Delicias" frente a cualquier problema de conducta de sus hijos. Sin embargo, estar allí con su cámara lo hizo repensar sobre esos chicos y sus aprendizajes tanto personales como grupales y la conducta también de los adultos a cargo: la vida en comunidad les permite tener perfecta noción del otro, del semejante, así como se especializan en el trabajo de las huertas, de la zona de árboles frutales, y el trato correcto con los animales. Cada año hay una camada de chicos que cumplen el ciclo de estudios mientras otro grupo se prepara para ingresar abrazados aún a sus mamás, con temor a lo nuevo, iniciando la aventura de aprender en comunidad.

Es un documental realista, un docuficción que permite conocer la vida dentro de una escuela con preparación especial para el futuro en esa zona del país. Crespo pasea su cámara en los dormitorios, en la enfermería, en las zonas rurales, durante el almuerzo, apunta el close up en el rostro de los chicos, la mirada de temor, la risa cómplice, la timidez, hasta llegar al ingreso de los "nuevos" que, lejos de ser traumática, se produce de la misma manera que en cualquier escuela de ciudad, mirando al futuro. Sin pretensiones pero con gran honestidad intelectual, "Las delicias" es una propuesta cinematográfica sencilla y enriquecedora a la vez.

Elsa Bragato

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ESTRENOS INTERNACIONALES

1.- LOS ASESINOS DE LA LUNA, de Martín Scorsese, con Leo Di Caprio.

"Monumental... la película se impone a sí misma un ritmo que de entrada puede parecer lento, pero que, en verdad, es grave de gravedad, de pesado, de duro, de inolvidable...", de Luis Martínez, Diario El Mundo.

"Magnífica. Una película cuya envergadura recuerda a los monumentos del Nuevo Hollywood de El Padrino a La puerta del cielo... Di Caprio, en el papel de su vida". De Manu Yáñez, Fotogramas

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2.- LA MALDICIÓN DE DAVID, de John McPhail

"Es contenido de marca, sin inspiración y hueco hasta la saciedad, y quizá eso sea aún más inquietante que una historia de fantasmas"... de Mónica Castillo, rogerebert.com

"Una aburrida película de fantasmas, batiburrillo de temas tomados de películas como "The Ring" y un pobre remedo de sus influencias", de Katie Walsh, Los Angeles Times.

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3.- SU ÚNICO HIJO, de David Helling

(Sin críticas hasta el viernes)
 

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REESTRENOS

Dumbo (1941)

A.- DUMBO, animación, Disney.

B.- FROZEN, animación, Disney.

ESTRENOS NACIONALES

1.- NORMA, de Santiago Giralt, con Mercedes Morán.

2.- RECUERDOS DEL MAL, de Gabriel Musco.

3.- AUXILIO, de Tamae Garateguy, con Gerardo Romano.

4.- PIBAS SUPERPODEROSAS, de Leonora Kievsky.

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CRÍTICA DE STREAMING

NADA (STAR PLUS)

Guion y dirección de Mariano Cohen y Gastón Duprat. Con Luis Brandone, Robert De Niro, María Rosa Fugazot, Enrique piñeyro, Majo Cabrera, Guillermo francella, entre otros. Fotografía de Alejo Maglio. Música de Ignacio Gabriel y Alejandro Kauderer. Cinco capítulos entre 28 y 33 minutos cada uno.

XXXX – AMENA HISTORIA CON UN PROTAGONISTA DE LUJO: BRANDONI

Los realizadores de éxitos como El hombre de al lado, El ciudadano ilustre, o Mi obra maestra, entre otros filmes, regresan con esta serie de 5 capítulos que protagoniza Luis Brandoni y coprotagoniza, oficiando a su vez de presentador, el notable actor Robert De Niro.

Es la historia de un dandy, un hombre que vive solo (la casona fue prestada por el chef Francis Mallman) desde hace 40 años teniendo como mano derecha a su mucama, Celsa (María Rosa Fugazot). A partir de su pérdida, se inicia otra etapa en la vida de Manuel, prestigioso "visitador" de restoranes capitalinos, degustador a ultranza de exquisiteces y escritor-crítico culinario. El ingreso de una joven paraguaya para ayudarlo con la casa, la exigencia de su editorial de que escriba algo, y la falta de dinero, obligan a Manuel a enfrentarse con lo cotidiano, o sea aquello que antes resolvía Celsa. Es la vida misma con sus pro y contra la que transita por este guion que no tiene ninguna pretensión más que la de regalarnos un protagonista de lujo: Luis Brandoni, enorme actor que transita estos cinco capítulos a partir de una gama de sentimientos que solo él puede hacer con tanta prestancia actoral. En la apertura y cierre de cada secuencia está Robert de Niro con su interpretación de dichos coloquiales porteños manejando su castellano a manera de simpáticas presentaciones. Participa del último capítulo dándole un cierre inmejorable a la propuesta.

Es una historia sencilla que tiene un protagonista de lujo, secundado por un elenco esencial y especial porque ningún actor está fuera de contexto, desde Guillermo Francella con sus exigencias para adquirirle el automóvil a Manuel, Enrique Piñeyro (sí, el aviador) como íntimo amigo que lo salva económicamente comprándole cuadros, hasta Silvia Kutika, en un rol donde puede lucir tanto prestancia como interpretación. Quien resulta una sorpresa es Majo Cabrera, como "Antonia", joven actriz paraguaya que resultó una revelación por ductilidad y carisma. Es decir que Prat y Cohn escrudiñan la vida de este crítico culinario y la relación con la mucama Antonia, contrastando su estilo de porteño de "antes", ciudadano de Buenos Aires a ultranza, con el de su amigo Vincent (Robert De Niro), escritor que habita el mundo aunque vive en New York.

Se puede agregar que Prat y Cohn rescatan la relación de un hombre de edad con los jóvenes y su adaptación generosa a otras conductas si bien no cambia las suyas. A su vez, nos habla de la amistad profunda, de los gestos amables y de la vida posible aún con diferencias de toda índole, incluyendo las idiomáticas.

"Nada" es una joyita dentro de las miniseries del streaming, que permite disfrutar a actores de primerísimo nivel: Brandoni, De Niro y elenco de notables, además de permitir la incorporación de una joven actriz que es toda una revelación. Y aún más: una pléyade del norte y sur de las Américas de excelencia escénica bajo la batuta de dos finos y sagaces directores.

Elsa Bragato

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PIBAS SUPERPODEROSAS

Documental de Leonora Kievsky. Duración: 70 minutos.

XXX – ASOMANDO A LA ADULTEZ

Interesante propuesta para alumnos y padres sobre la vida en el colegio Carlos Pellegrini, centro de numerosos movimientos estudiantiles. Leonora Kievsky pone su cámara a disposición de las chicas del colegio tanto de las que forman parte del Centro de Estudiantes como de diferentes alumnas que representan distintos intereses.

La vida estudiantil se nutre de la creatividad de las chicas, con la energía a flor de piel, las radios estudiantiles (hay dos en este caso), los temas de vida que aprenden, el camino a la adultez con sus altibajos, las performances, la música, los encuentros. Asi como la presencia de algunos de los profesores, un pincelazo indicando que los mayores están como guías.

Es decir, nos metemos de llenos en una comunidad de estudiantes para revivir el espíritu, en este caso, de las jóvenes mujeres, sus ilusiones, sus luchas, sus inquietudes, sus propuestas de vida. Destinado a un target definido. Buena realización logrando más un docuficción que un documental clásico.

Elsa Bragato

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XXX – OLIGARCAS EN LA PICOTA – EL CASO ETCHEVEHERE

Hasta lo que uno recuerda, el despojo de una herencia fue siempre producto de la corrupción de la justicia y de la presión de poderosos sobre la misma. Ni es habitual ni siempre alcanza los medios de comunicación. Salvo en este caso, el de Dolores Etchevehere, perteneciente a una de las familias más poderosas de terratenientes del país. Sus hermanos y su madre la desheredaron de los campos que, a igual que al resto, le correspondían en forma proporcional.

Repasando su historia, es nada menos que la hermana de Luis Miguel Etchevehere, ex Ministro de Agroindustria del ex presidente Mauricio Macri en el 2017 y a su vez ex presidente la Sociedad Rural desde el 2012 hasta el 2017. El, junto a sus hermanos Sebastián y Juan Diego y su madre, despojaron a Dolores de la herencia paterna. El hecho tuvo dramáticos ribetes policiales que llegaron a todos los noticieros de la televisión: Dolores ingresando a la casa paterna, acompañada por el socio de Juan Grabois y un grupo de gente del Proyecto Artigas, luego la presencia policial y de productores de sus hermanos exigiéndole que se fuera por ser "usurpadora", provocaciones, amenazas. Además, viendo las secuencias, sigue llamando la atención semejante despliegue policial en una estancia de Entre Ríos, cuando los uniformados son necesarios para cuidar a la ciudadanía.

Un fiscal que se entromete sin orden judicial en la casa de Dolores, una tensa calma junto a empleados hambreados por los Etchevehere, y la encarcelación de Dolores durante más de cuatro horas: es una sucesión de hechos que dan vergüenza. Finalmente, luego de más de una década, Dolores logró su parte de la herencia familiar mientras su madre y hermanos (el ex ministro incluido) fueron imputados por administración fraudulenta de El Diario, de Entre Ríos, propiedad familiar.

El documento del abogado y realizador Matías Scarvaci muestra el otro lado de la cara de la oligarquía nacional, caracterizada por la codicia ilimitada. Al mismo tiempo, la actitud valiente de Dolores Etchevehere de defender sus derechos se transformó en una clara muestra de la desigualdad social entre hombres y mujeres que subsiste, especialmente entre quienes tienen acceso al poder corrupto. No quedó más remedio que bajar al llano y luchar mano a mano con la gente común para recuperar el lugar social que le correspondía. Entendemos que este documental, de ágil narración, tiene su propia línea argumental, separándose así del material expuesto en la televisión nacional. Entonces, cobra valor de documento contra las prácticas feudales de la oligarquía nacional y conlleva el coraje de la denuncia pública expuesta en pantalla grande.

Elsa Bragato

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SIMONE UNA MUJER DEL SIGLO

Dirección y guion de Olivier Dahau. Fotografía de Manuel Dacosse. Música de Olvon Jacog. Con Elsa Zylberstein, Rebecca Marder, Olivier Gourmet, Mathieu Spinosi, entre otros. Duración: 140 minutos.

XXX – RETRATO DE UNA GRAN FEMINISTA DEL SIGLO XX

Extensa vida jalonada de hechos trágicos y felices en esta biopic de la filósofa y política francesa Simone Veil, sobreviviente del Holocausto. Olivier Dahau encara un proyecto muy ambicioso al tener en cuenta todas las etapas de vida de Simone, nacida en 1927 y fallecida a los 89 años. Luchadora incansable, se enfrentó al horror nazi por ser judía, pasó por los temibles campos de concentración, el hambre, el frío, la muerte de los seres queridos. De una vida burguesa y apacible pasó a las mayores humillaciones. Esto se tradujo en una personalidad potente que el realizador Duhau transmite en la secuencia inicial: el fuerte discurso de Simone en el parlamento francés para defender su ley sobre el aborto, frente a los insultos de la bancada masculina. En noviembre de 1974, siendo ya ministra de Salud del gobierno francés logró la aprobación de esa ley mientras comenzó a apoyar la creación de la Unión Europea, que presidió pocos años después.

La narración que propone Duhau transita el pasado y el presente con alternancia. Se la ve feliz junto a sus padres y hermanos, se la ve ultrajada en los campos de concentración. Es este contraste entre los positivo y lo negativo se basa la mayor parte de esta biopic. En algún momento, la alternancia resulta confusa, en otros aporta la luz necesaria para quebrar la angustia que generan algunas escenas.

Por sobre cualquier otra consideración, llevar al cine la vida de esta mujer que cambió el destino de todas las mujeres del mundo, es un aporte didáctico más que interesante. Por cierto, son pantallazos, momentos puntuales que, con un hilo argumental que lucha por ser coherente, se transforma en una ficción biográfica de buen nivel.

Elsa Bragato

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MILAGRO

Dirección, guion y edición de Bogdan George Apetri. Con Ioana Bugarin, Emanuel Parva, Cezar Antal, Ovidiu Crisan y Valeriu Andriuta. Fotografía de Oleg Mutu. Duración: 118 minutos. Rumania-Rep.Checa-Letonia.

XXX – THRILLER INTERESANTE Y DESCONCERTANTE

Los filmes rumanos tienen su "no sé qué". A lo mejor nos atrapan, otras veces nos pueden aburrir. Son historias contadas desde otro lado al conocido. Situaciones comunes a todos pero vistas con un cristal diferente.

En este caso, asistimos al tercer filme de Bogdan George Apetri: "Milagro" es un policial intenso y violento que desconcierta, confunde, y deja, aunque el título indique "milagro", un final abierto donde es difícil reconocer lo místico.

La historia comienza cuando una novicia, Cristina (Ioana Bugarin), decide irse del convento para consultar a un médico a escondidas, un oncólogo y una ginecóloga. Intenta regresar tomando un taxi (Valeriu Andriuta) pero la espera la tragedia. El caso lo toma un impetuoso policía, Marius (Emanuel Parva), quien lleva adelante el vertiginoso ritmo que Apetri imprime a su relato.

Decimos que la película es "desconcertante" porque, si bien es un thriller violento y hasta despiadado en algunas secuencias, el "milagro" del título no se ve. Hay una serie de ingredientes narrativos que confunden, y esto no es azaroso sino que el realizador buscó esa indefinición: con planos largos asistimos a un brutal ataque de un hombre a Cristina, y poco después tanto el atacante, como el inspector Marius y el taxista, usan anteojos parecidos y visten con los mismos colores. Esto obliga a repensar una y otra vez en quién es inocente y quién es culpable.

No obstante, la persecución del inspector Marius, Cristina en el hospital hablándole al oído, el brutal interrogatorio al taxista, no precisan la resolución sino que permiten que la interpretación de quién es quién en este argumento sea personal. No hay milagro, el desenlace es impensado, pero se vivieron casi dos horas de un thriller despiadado. En esto sí que Apreti tiene buen puntaje a su favor.

Elsa Bragato

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XXXX – TRAGEDIA EN LOS MONTES GALLEGOS

Casi 500 kilómetros separan el barrio madrileño de Orcasitas de la localidad gallega de Santoalla do Monte, en Petín

Como el tango del maestro Horacio Salgán, la violencia y el crimen en "As bestas" se cuecen a fuego lento. Pero inexorables. Rodrigo Sorogoyen logra un policial intenso en su sexto largometraje, de tensión creciente, intensamente perturbador, que no deja respirar ni aun cuando lo previsible está en escena: se basa en un hecho real acaecido en el 2010 en Santoalla do Monte, en Galicia. Se trató del llamado "Crimen de Verfondern". Martín Verfondern era holandés de origen alemán y decidió vivir en ese lugar junto a su esposa Margo Pool. Sus vecinos fueron los hermanos Juan Pablo y Julio Rodríguez quienes, por una disputa, lo mataron a balazos, escondiendo el cuerpo. Recién en el 2014 los restos de Verfondern fueron encontrado.

La oposición "civilización vs barbarie" es la base de la que parte Sorogoyen para ofrecer una versión libre de los hechos: su historia cinematográfica contiene la misma insoportable violencia que determinó el crimen real. Para el filme, los protagonistas son franceses: Olga y Antoine (Marina Fois y Denis Menochet) se radican en esa localidad de los montes gallegos con nuevas ideas de producción si bien, en un principio, tienen sus propias siembras. Los vecinos son los hermanos Xan y Lorenzo, hombres de vida elemental que tienen un cuerpo a cuerpo con los animales a la hora de la yerra. Es este hecho el que da título al filme abriendo el abanico de las interpretaciones: son "bestias" como sus animales pero también lo son por la ignorancia y la elementalidad supina que padecen.

En el bar del pueblo siempre se encuentran Antoine y los hermanos para pasar el tiempo. Sin embargo, para estos hermanos esos encuentros son suficientes para ejercitar la burla y la provocación, únicos recursos que tienen para divertirse.

El chispazo de bestialidad no tardará en aparecer porque, para Xan y Antoine, la presencia de Antoine, con su cultura universitaria, les resulta insoportable. Pequeños hechos de violencia indirecta van tachonando un camino que solo llevará al crimen, aún con conocimiento de la Guardia Civil que no quiere ver lo que está por pasar.

Para no spoilear un atrapante guion, comentaremos algunos aspectos que hacen imprescindible esta película por su realización y sus actuaciones. En principio, como dijéramos, hay una conexión directa entre el título y la vida en esos montes. A partir de allí, la confrontación entre la ignorancia y la formación intelectual será constante. Así como la corrupción de las autoridades y la discriminación, la no aceptación del otro por cualquier diferencia mínima que se le encuentre.

El drama que propone Sorogoyen tiene la solidez que la realidad le confiere y que el realizador logra transformar en cine. Es una narración perfecta, sin excesos. Es lo justo y necesario para que la barbarie logre sus objetivos. Hablada en gallego y castellano, As Bestas es otra demostración de la muy buena producción cinematográfica de España.

Elsa Bragato

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HEDY CRILLA MAESTRA DE MAESTROS

De Luciana Murujosa. Con la participación de Augusto Fernandes, Agustín Alezzo, Pepe Novoa, Edgardo Moreira, Mónica Villa, Luisa Kuliok, entre otros. Música de Lucio Bruno – Videla. Duración: 90 minutos.

XXXX – VIDA Y OBRA DE UNA GRAN DOCENTE Y ACTRIZ

Más que oportuno resulta este documental de Luciana Murujosa sobre la vida y la obra de la austríaca Hedy Crilla, nacida en Viena en 1989 como Hedwig Schlichter, quien falleciera en nuestra ciudad en 1984. La escena nacional le debe muchísimo a esta notable mujer que se enfrentara a su padre para decirle que quería ser actriz (sus tres hermanos fueron músicos). Estudió en los grandes conservatorios de su país y, cuando sobrevino el Nazismo, en 1933, enfrentó sus consecuencias, por lo que debió divorciarse del italiano Anton Crilla, y sobreponerse a la pérdida de su único embarazo. Sola, viajó de Viena a Alemania, logró salir hacia París y finalmente abordó un carguero que venía a Buenos Aires, la ciudad que le daría la oportunidad de ser quien soñaba. Su pasión por el teatro (dicen que en sus últimos años a la medianoche hacía encender las luces del departamento para recitar a viva voz el soliloquio de Margarita del Fausto de Goethe) le permitió abrirse camino rápidamente entre los artistas de Buenos Aires, uniéndose a los futuros grandes maestros como Augusto Fernándes, Agustín Alezzo, o Carlos Gandolfo, siendo además quien iniciara el teatro infantil en nuestro país. Amiga de Bertold Brecht y su esposa en su juventud, Hedy fue uno de los impulsos profundos que tuvo la escena nacional incorporando técnicas conocidas y las suyas propias.

Testimonios importantísimos tiene este documental, tanto de los maestros mencionados como el del sobrino de Hedy Crilla y algunas de sus colaboradoras, así como inserts de fragmentos de filmes de Crilla en Alemania de la década del 30. La fotografía se enriquece también con paisajes donde las montañas están presentes mientras una voz de soprano en off canta en alemán.

Es importante destacar la banda sonora a cargo de un interesante conjunto de cámara con música de Lucio Bruno- Videla, así como el concepto de documental con, aunque parezca redundante, documentos, entrevistas a cámara, y películas de época que redescubren la vida de una de las mujeres más influyentes en el teatro, maestra de actores y maestra de maestros. La importancia de esta película radica en el rescate cultural que hace de una gran figura artística. Además, todos sabemos que a los artistas no hay que olvidarlos porque dejan huella en la intelectualidad colectiva. Y la escena de estos jóvenes años del siglo XXI requiere de estos antecedentes. Para ver.

Elsa Bragato

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UNICORNIO

Guion y dirección de Natural Arpajou. Con Nancy Duplaa, Carolina Ramírez, Sofía Dieguez, Camila Azul Sosa, entre otros. Fotografía de Pablo Parra. Edición de Andrés Tambornino. Música de Julieta Venegaas y Lucy Patané. Duración: 115 minutos.

XXX – CORAZÓN DE MUJER HECHO CINE

En su tercer largometraje, la directora marplatense Natural Arpajou apela a su femineidad para poner en imágenes la historia de cuatro jóvenes mujeres, aunque de distintas edades, que enfrentan disímiles momentos de vida. Cada una busca su "unicornio" como llave para la felicidad que lleva el nombre del amor.

Ubicadas las historias en el barrio de Constitución de esta ciudad de Buenos Aires, Arpajou describe puntillosamente la vida de un barrio porteño donde la generosidad entre vecinos es proverbial. Grace (Nancy Duplaa) es la manicura del barrio y mantiene relaciones con un hombre casado, es quizás el personaje que más demuestra su perturbación espiritual al no concretar una pareja estable. Diana (Sofía Diéguez) es una mujer trans cuyo novio no quiere presentarla junto a él, mientras que Amanda (Carolina Ramírez) enfrenta la desazón de no concretar un verdadero amor, quedando la más pequeña, Lila (Camila Azul Sosa), de este grupo como la representante del maltrato físico frente al espiritual del resto. Las cuatro conforman un elenco coral que, en algún momento, se reúnen para hablar justamente del amor, de los sueños, o bien para poner sobre el tapete las ilusiones que unas tienen y otras han perdido.

La narración de Arpajou es detallista, maneja la voz en off para relacionar las historias al comienzo y al final. Y va presentando a cada protagonista en su mundo cotidiano. Es, al mismo tiempo y por esta última razón, una descripción puntillosa del quehacer diario de cada una de ellas en sus trabajos, en sus tareas, en sus relaciones. La parsimonia del relato le permite minuciosidad en el trabajo de la cámara, primeros planos, planos medios, diversidad que enriquece la propuesta.

Es notable también la amalgama en el elenco de actrices argentinas y actores latinoamericanos que le imprimen un acento especial al habla dándole universalidad al relato: pasa aquí, pero también puede pasar en cualquier otra parte de nuestro continente o del mundo. Hay que señalar que hay un clima pesimista durante casi toda la película y que, como por arte de magia, llega a quebrarse para dar paso a un cierre optimista, alegre, muy similar a ese final tan colorido de algunas películas de la India.

Nos parece una película interesante aunque resulta agobiante el clima de pesadumbre: las cuatro actrices representan cuatro formas de sufrir el hecho de ser mujer. He aquí el exceso que no nos gustó.

Elsa Bragato

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OTROS ESTRENOS PREVISTOS

Hay varios títulos en danza que pueden llegar a la pantalla o ser pospuestos, a saber:

1.- Mi gran boda griega 3, de Nia Vardalos

2.-Lennons, de José M. Cicala, Con Gastón Pauls.

3.-La puerta cerrada, de Jeffrey Walker

4.- Puan, de Alche-Naishtat. Con Leonardo Sbaraglia. Premios recientes en San Sebastián. Film elegido para representar al país en los premios Goya 2024

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ESTRENOS INTERNACIONALES

1.- LOS INDESTRUCTIBLES, de Scott Waugh, con Sylvester Stallone.

Continuación de la saga sobre el grupo de mercenarios que se embarca en una misión muy pelibrosa.

(sin críticas hasta el viernes)

2.- VAMPIRO AL RESCATE, de Roman Artemyev.

"Un producto algo más modesto que el original pero para nada exento de gracia y humor", de Philipp Engel, Diario La Vanguardia.

"Más allá de esa peculiar mescolanza de personajes e influencias, su hándicap radica en su técnica y muy especialmente en el uso del 3D que resta agilidad al trazo", de Paula Arantzazu Ruiz, Cinemanía.

3.- EXTRAÑA FORMA DE VIDA, de Pedro Almodóvar.

"Una emotiva y tierna historia de deseo y amor, erotismo y sensualidad, todas esas sugerentes y evocadoras secuencias nos llevan a cada uno de nosotros a alargar el cortometraje", de Irene Crespo, Cinemanía,

"Un western más y no precisamente distinguido, Almodóvar nada aquí en aguas que le son muy ajenas y en las que no acaba de encontrarse a sí mismo", de Carlos F. Heredero, Caimán.

4.-A PUNTO DE EXPLOTAR, de Daniel Goldhaber.

"Casi como contrapunto al triste pesimismo de la Night Moves de Kelly Reichardt, adopta un enfoque más optimista del movimiento climático", de Jourdain Scarles, The Playlist.

"Simultáneamente emocionante y desconcertante, Ho to Blow Up a Pipeline se aleja de la desesperanza, y su aguda actualidad cautiva", de Carlos Aguilar, Los Angeles Times.

5.- NEFARIOUS, de Chuck Konzelman.

(Sin crítica hasta el viernes)

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ESTRENOS NACIONALES

1.- HACE MUCHO QUE NO DUERMO

2.- CASI TODO SUCEDE EN LOS SUEÑOS

3.- NO ME ROMPAN, de Azul Lombardia.

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CRÍTICA CINE NACIONAL

LEJOS DE LOS HOMBRES

Documental de Mathieu Orcel, a cargo del montaje y de la imagen. Sonido ambiente y música de Lucy Patané, Segunda unidad de cámara de Mauricio Asial, Producción de Agustín Muñiz, Duración: 73 minutos.

XXXX – HISTORIA DE UN ARGENTINO MUY ESPECIAL

El director francés Mathieu Orcel, radicado en nuestro país desde el 2001, logró entrevistar durante varios días a un compatriota singular: don Pedro quien, al momento de la filmación, tenía 85 años. Desde hace más de 40 años, vive en una cueva de la zona montañosa de la provincia de Tucumán. Sobrevive con la caza, con su rebaño, manteniendo el lugar alejado de los pumas a puro balazo. Es éste el aspecto que más nos impresiona de esta bella historia.

A raíz de la pandemia, el equipo técnico de Orcel quedó varado en distintas partes del país, pero logró comunicarse con sus colegas enviando a un grupo de vanguardia que comenzó el rodaje. Luego llegó él con el resto del equipo, munido de la última tecnología: los drones.

De esta manera, obtuvo un retrato auténtico, sin pinceladas superpuestas, sobre un tucumano que eligió vivir alejado de los hombres por seguridad, para no caer en la trampa de palabras poco fiables y comprobables. Pedro desconfía del resto de los hombres, es de suponer que del ciudadano común, el de ciudad. Lo vemos bajando del monte o subiendo a su cueva, metiéndose en los montes con un rifle, cazando para comer. En medio de una montaña, al borde de un peligroso desnivel, con frío o calor, Pedro mantiene su salud con el atávico conocimiento de los yuyos y plantas que lo rodean. Así como su propia higiene con las aguas puras de los arroyos cercanos sin abandonar una linterna, su luz para combatir las sombras.

Es una historia dura y emotiva a la vez de una persona muy especial: Pedro nos obliga a pensar sobre la vida en la ciudad y la trampa cotidiana de la falsedad, o el ser ciudadanos ermitaños en cuevas de cemento. Orcel y Pedro además nos enfrentan a una verdad incontrastable: la vida requiere ser vivida sin tanto artificio. Y la pregunta surge espontánea: sin caer en extremos, tanta civilización ¿será el estilo de vida que nuestra especie necesita?

"Lejos de los hombres" es un documental diferente, existencial, con un guion de interés creciente que va desde un departamento porteño a la naturaleza viva de los montes tucumanos. Orcel logra una narración que evoluciona hasta dejarnos absolutamente involucrados en ese agujero de la tierra donde un hombre, Pedro, vive la vida que eligió vivir. El realizador francés dota a su trabajo de profunda honestidad intelectual, sumándole un gran esfuerzo de producción, con la seguridad de quien posee una aguda concepción del oficio de documentar con imágenes. Para ver!

Elsa Bragato

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CRÍTICA DE CINE INTERNACIONAL

BLUE JEAN

Guion y dirección de Georgia Oakley. Con Rosy McEwen, Kerrie Hayes, Lainey Shaw, entre otros. Fotografía de Víctor Seguín. Edición de Izabella Curry. Música de Chris Roe. Duración: 98 minutos. Reino Unido.

XXXX – INQUISICIÓN A LO TATCHER

La proverbial "dictadura" de Margaret Tatcher no solo se sufrió en esta parte del mundo sino que tuvo consecuencias directas en la propia sociedad inglesa. Ser homosexual o lesbiana fue severamente castigado en aquellos tiempos no tan lejanos, una suerte de inquisición inglesa de la que poco se tenía noticias. "Blue Jeans" aclara el espinoso asunto, partiendo del caso de una profesora de gimnasia en una escuela secundaria quien, al ver frustrado su matrimonio hetero, siente atracción por una mujer, conformando una sólida pareja. Cuando una de las alumnas descubre esa otra vida de su profesora, la calma que había logrado colapsa en su totalidad.

La realizadora Oakland logra un fiel retrato de ese momento social: la protagonista no siente que deba explicar a nadie qué hace cuando se va de la escuela pero, sin embargo, es la sociedad a través de terceros quien la interpela duramente.

La película tiene una ambientación de la vida social inglesa de los 80 muy verosímil, sus bares, los encuentros entre personas de la misma orientación sexual, las reuniones familiares y, en especial, la pátina conservadora de una sociedad que no es todo lo libre que pregona ser. Ni siquiera en la Europa continental se logra la apertura mental y aceptación, aún con excesos y errores, que tenemos en nuestro país.

La realización cuenta con diálogos profundos y verosímiles de Jean con su pareja, su frustración íntima por no permitirse la autoaceptación, la necesidad de olvidar su heterosexualidad, y el estupor ante el rechazo de los más cercanos. Si buscamos el por qué, si hincamos el diente, es una intencional bajada de línea muy cuestionable porque las elecciones deben ser espontáneas y no inducidas. Por otro lado, hay un sesgo dramático interesante dado que excede lo meramente romántico y pasional. Es, tal como se muestra, una cuestión social con direccionamiento político. Para ver.

Elsa Bragato

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ESTRENOS NACIONALES

1.- CIELO ROJO, de Christian Petzold

2.- TEMAS PROPIOS, de Guillermo Rocamora

3.- CAMINEMOS VALENTINA, de Alberto Lecchi

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OTRAS PELÍCULAS ARGENTINAS QUE SE ESTRENAN

EL VASCO

De Jabi Elortegi. Coproducción de España y Argentina. Guion de Xabi Zavaleta y Arantxa Cuesta. Con Joseba Usabiaga, Eduardo Blanco, Inés Efron, Laura Oliva, Itzler Aizpuru, e Itlar Ituño. Fotografía de Jon Sangroniz, Arte de Alejandra Isier, Sonido de Hernán Conen. Duración: 98 minutos.

XXX – EN TOCAS PARTES SE CUECEN HABAS

A través de una narración sencilla y sin altibajos, el español Jabi Elortegi logra una comedia sentimental familiar muy cálida. La presencia de Eduardo Blanco como nexo entre los parientes vascos y la familia argentina es siempre bienvenida por su calidad actoral: dueño de una impronta espontánea y verosímil, Blanco en el rol de Chelo es quien recibe a su sobrino Mikel, a cargo del español Joseba Usabiaga. El joven quiere escapar de todo lo vasco, una serie de decepciones profundas lo llevan a dejarlo todo aún frente a la recriminación de un familiar directo que no entiende cómo se viene a la Argentina que está peor que donde viven. Mikel deja su país en medio de una feroz tormenta de lluvia y viento y, al llegar a Ezeiza, Buenos Aires lo recibe de la misma manera. Deberá entonces sopesar si escapando de una determinada realidad en verdad logra superarla dado que, según parece, en todas partes se cuecen habas.

El director Elortegi maneja dúctilmente una narración bilingüe: en España, se habla en vasco y hay subtítulos, pero no será muy diferente para el joven pues aquí, en una familia de ese origen, también se habla vasco, y los inmigrantes mantienen viva las tradiciones y el espíritu del que Mikel quiere escapar.

Es una tierna comedia familiar, que muestra los resabios sociales en los inmigrantes del siglo XX y la necesidad de mantener focos culturales activos como si se estuviese en el país de origen. He aquí el nudo de la historia que, de alguna manera, tiene mucho del ritmo de "El hijo de la novia" y de "Luna de Avellaneda". El barrio, el club, el bar, se repiten dentro de parámetros muy nuestros, muy argentinos, pero que, en este caso, conllevan la cultura vasca.

Sentimentalismo, melancolía, atavismos culturales, son elementos constantes dentro de una historia de inmigrantes de ambos lados del Atlántico, unos a la fuerza, otros por decisión, quienes deberán comprender la necesidad de vivir con el corazón partido en dos.

Elsa Bragato

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EL HOMBRE MÁS FUERTE DEL MUNDO

Documental de Fernando Arditi. Con Darío Villarroel, Mirta González, Luis Ramírez, Matías Bernatene. Duración: 75 minutos.

XXX –RESILIENCIA, MOTOR DE LA ESPERANZA

La vida del físicoculturista Darío Villarroel, de apenas 1,24 metros de estatura, es un grito de esperanza de principio a fin. Para el director Fernando Arditi, contar las vicisitudes de Darío era el material perfecto para su tercer largometraje, por lo que no dudó en viajar a Palpalá, Jujuy, y entrevistar durante días al pequeño gran hombre.

A lo largo de 75 minutos, vemos los esfuerzos de Villarroel por lograr el cuerpo que tiene aún siendo un hombre de pequeña estatura. Largas jornadas de ejercicios físicos, una perseverancia a prueba de todo, fueron elementos sustanciales para que hoy en día Darío sea un ejemplo a seguir. Tiene un torso espectacular, un físico que asombra. No obstante, sus manos pequeñas que, por lo que se muestra, en nada afectan sus ejercicios, fueron el objeto de discriminación en los juegos paraolímpicos, donde no debiera existir la más mínima objeción sobre el físico de sus participantes. Pero se dio y la sufrió Darío Villarroel que, aun con mucho dolor, no se abatió ni se deprimió sino que demostró su fuerza. No solo es una fuerza física sino, como se ve y se siente, es una fuerza espiritual que contagia, que se debe emular, que es ejemplificadora. Darío Villarroel llega a la pantalla grande dejando una clase de superación física y espiritual. Para ver.

Elsa Bragato

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ELAN IMPULSO VITAL

Documental de Dina Spivak. Con 40 expositores frente a cámara, entre ellos, Boy Olmi, cuerpo de baile, melodía "Ambient# de Diego Monk y F. Martínez, y melodía "El círculo", de Telma Crisanti. Duración: 70 minutos.

XXX – EL IMPULSO VITAL EN IMÁGENES

Muy difícil resulta describir la idea sustancial de Dina Spivak en este documental sobre lo inasible, o sea, el impulso vital, Elan, el título del trabajo. Es un concepto que pertenece al filósofo francés del siglo XX Henry Bergson, refiriéndose a "eso" que nos hace vivir, esa energía que nos permite levantarnos todos los días y reiniciar la vida. Más aún, superar dificultades de toda índole y ser sobrevivientes.

A través de más de 30 personas de todas las edades, culturas, orígenes, razas, entrevistadas frente a cámaras, Spivak va construyendo el ciclo vital: la relación con los padres biológicos o adoptivos, la presencia o la ausencia por distintos motivos de los progenitores, los miedos, las frustraciones, las alegrías, las preferencias, la soledad frente al final inexorable. A estas manifestaciones la realizadora las alterna con coreografías de torsos desnudos, espejos, tules envolventes, gestualidad, movimientos sinuosos, para expresar lo inasible y a la vez inmanente, lo que no vemos y nos hace estar vivos.

El clima es altamente poético y la utilización de las técnicas actuales como el scanner en cuerpos y rostros resulta visualmente atractiva, así como la inclusión de dos melodías específicas que acentúan la magia de la propuesta. Es que con lo tangible, como son los cuerpos humanos, Dina Spivak logra traducir en imágenes lo que no vemos. Es innegable este acierto transformando un documental de base absolutamente existencialista en un producto conmovedor: todos tenemos que ver con Elan, es nuestra razón de ser. Muy interesante.

Elsa Bragato

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JUEVES 7 DE SETIEMBRE DEL 2023.-

Este jueves 7 de septiembre se estrenan en el Cine Gaumont los largometrajes La uruguaya, de Ana García Blaya –ganador de los premios a Mejor dirección en el 37° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y Mejor película en el Festival de Cine Iberoamericano de Miami, entre otros–; El fantasma, un thriller policial de Martín Duplaquet; Todos mis amores, una comedia de Jorge Filippis; Nuestros días más felices, un drama de corte fantástico dirigido por Sol Berruezo Pichon-Rivière; y el documental Las ventanas, de Eduardo de la Serna.

También se suma a la programación del Cine Gaumont el documental Miguel Littin, clandestino en Chile, realizado en 1985 por Francisco Fasano; un registro del retorno a su país del cineasta chileno Miguel Littin, quien ingresa con una identidad falsa junto a Fasano, en medio del estado de sitio impuesto por la dictadura militar de Augusto Pinochet. El documental se proyectará en programa doble junto a cuatro episodios de la serie Una historia necesaria: cortometrajes de ficción dirigidos por Hernán Caffiero, basados en relatos sobre lo ocurrido en Chile durante la dictadura. La función será con entrada libre el lunes 11 a las 20 horas.

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ESTRENOS INTERNACIONALES

1.-LA MONJA 2, de Michael Chaves.

(Sin críticas hasta mañana viernes)

2.- GUARDIANES DEL MUSEO, de Vasiliy Rovenskiy

Animación rusa sobre un gato solitario, Vincent que, con Maurice, una rata, entran al Museo del Hermitage en Rusia.

En líneas generales, la crítica internacional consideró que esta animación rusa tiene muy buena factura, que su protagonista, el gato solitario, tiene mucha empatía con los más pequeños y que, si hay que criticar algo, son las voces de los doblajes para cada idioma. Además se visita uno de los museos más importantes del mundo ubicado en histórica San Petesburgo. Entonces, animación de por medio, es una película agradable también para los adultos. EB

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ESTRENOS NACIONALES

A.-OLIVA, de Luciano Leyrado

B.- OPERACIÓN TRAVESTI, de Rodrigo Ottaviano

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MATERIAL DE PLATAFORMAS - NETFLIX

EMBOSCADA FINAL

De Joyn Lee Hancock. Con Kevin Costner, Woody Harrelson, Kathy Bates, entre otros. Fotografía de John Schwartzman. Música de Thomas Newman. Duración: 125 minutos. Por Netflix. 2019.

XXXX – LA CAÍDA DE BONNIE & CLYDE

Tener a Kevin Costner como protagonista es un cheque al portador. En este caso, junto a Woody Harrelson, otro enorme actor. Un dúo protagónico que se pone en la piel de los dos Rangers de Texas que capturaron a la pareja Bonny y Clyde que azotaba a la sociedad norteamericana. Al principio, como supuestos "Robin Hood", luego peligrosos asesinos. Costner y Harrelson componen a Frank Hamer y Manny Gault, los dos detectives que lograron detenerlos a tiros en una polvorienta ruta de ese estado..

El film de Hancock tiene un guion puntilloso, por momentos hasta bucólico. Desarrolla con pinceladas certeras la personalidad de Hamer y de Gault, el primero muy decidido, el segundo muy sufrido. Pero buena dupla policíaca. Y ubica la acción como si fuese un western. Costner es, repentinamente, el Gary Cooper de la década del 30.

El ritmo narrativo parsimonioso introduce en un clima apenas respirable, en tensión constante para la que colabora la música de Thomas Newman (cómo no habría de hacerlo quien pertenece a una de las familias de compositores más notables de Hollywood).

La historia de la pareja de delincuentes tuvo varias propuestas cinematográficas, algunas muy edulcoradas porque se puso en primer plano el amor entre Bonny y Clyde dejando de lado sus terribles tropelías. Es que eran vistos como "celebrities" y considerados estrellas de cine por la sociedad a la que ellos mismos maltrataban con asaltos y muertes. En este caso, Hancock se pone de la vereda de enfrente y desarrolla con minuciosidad la preparación policial de la detención logrando una rara mezcla de policial y western que atrapa de principio a fin.

Elsa Bragato

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ESTRENOS INTERNACIONALES

1.- CONTRARRELOJ, de Nimrod Antal.

"Poco impactante... Es triste decir que el actor se está haciendo un poco mayor para este tipo de cosas", Frank Scheck, The Hollywood Reporter.

"Neeson se desenvuelve con una cierta dignidad simpática, y Nimrod Antal ejecuta la premisa casi en tiempo real con suficiente habilidad", de AA Dowd, JGN.

2.- SONIDO DE LIBERTAD, de Alejandro Monteverde.

"Saber que miles de adultos verán la película para después creerse mejor informados sobre una crisis que se pretende esconder... bueno, es profundamente deprimente", de Miles Klee, Rolling Stone

"No se trata de un examen reflexivo ni de un meditabundo estudio de carácter: es una llamada directa a las armas", de Adam Graham, Detroit News.

3.-KANDISHA, INVOCANDO AL DEMONIO

(sin críticas hasta el viernes)

4.- CORSAGE, de Marie Kreutzer

"Un cuadro duro, seco, frío, y con una protagonista, Vicky Krieps, angulosa en todos los sentidos, una gran actriz. La lástima es que se le quede aún más encorsetado el personaje"... de Oti Rodríguez Marchante, Diario ABC

(Se anuncian otros estrenos como Kandahar, la película, sujetos a la disponibilidad de las salas comerciales )

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PODERES OCULTOS

Dirección y guion de Eskit Vogt. Con Rakel Flottum, Alva Brynsmo Ramstad, Mina Asheim, Sam Ashraf, entre otros. Fotografía de Sturla B. Grovlen. Música de Pessi Levanto. Duración: 117 minutos. Suecia.

XXXX – ELECTRIZANTE RELATO SOBRE NIÑOS CON PODERES

Este filme de Eskit Vogt tiene la particularidad de electrizar a través del horror a medida que avanza el relato. Cuatro chicos que van a la escuela, concurren a la plaza vecinal, obedientes y callados, se las traen.

En esta historia, Ida, Anna, Aisha y Ben, en sus juegos infantiles, descubren que uno de ellos tiene gran fuerza mental: Ben, al concentrarse, puede quebrar las ramas más gruesas de los árboles. Anna, la hermana autista de la bella y pequeña Ida, a su vez logra conectar con sus amiguitos mentalmente: si la otra amiga, Aisha, piensa una palabra, Anna logra repetirla ante el asombro de sus padres. Sin embargo, este poder mental empieza a tener un lado oscuro, terrible, horrendo, cuando Ben lo practica sobre una de las chicas.

Aquí empieza otra película, la que pensó Eskit Vogt: con una narración detallista y precisa sin dejar lugar a la especulación y al sentimentalismo, el clima se torna sangriento y lúgubre. Los juegos mentales pueden tener un lado B inesperado porque los chicos reaccionan brutalmente ante un brutal acicate externo, siendo capaces de venganzas atroces. El realizador logra que se produzca un in crescendo en el clima sobrenatural del film: de la cotidianeidad aburrida, se pasa a hechos que horrorizan sin alterar la atmósfera parsimoniosa que estos cuatro pequeños actores logran. Las secuencias resultan escalofriantes por lo que el objetivo de Vogt está cumplido: terror gore a cargo de niños. Para comerse las uñas...

Elsa Bragato

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CORSAGE, LA EMPERATRIZ REBELDE

Direccion y guion de Marie Kreutzer. Con Vicky Krieps, Colin Morgan, Ivana Urgan, Florian Teichtmeister, entre otros. Fotografía de Judith Kaufmann, Música de Camille. Duracion: 113 minutos.

XXXX – IRREVERENTE BIOGRAFÍA DE UNA EMPERATRIZ

Con la actuación de la notable Vicky Krieps, a quien recordamos en el memorable film "El hilo fantasma", la austríaca María Kreutzer da vida a la emperatriz "Sissi" (Elisabeth Amelie Eugenie Herzogin in Bayern), que interpretara Romy Schneider (fallecida trágicamente como el personaje histórico). Kreutzer se basa en los datos biográficos elementales de la bella "Sissí" para mantener el hilo argumental, pero se toma todas las licencias posibles tanto de la vida de Sissí como del momento histórico ((1877/1878). Y echa mano a la música incidental que considera oportuna, por momentos la banda sonora y, en otras oportunidades, el tema "She was", conformando un estilo mixto que se escuchara por primera vez en "Corazón de caballero", con el fallecido Head Ledter en el protagónico (luego Sofía Coppola tomaría esta descontracturada forma de musicalizar).

La "Sissi" de Kreutzer muestra a una descomunal actuación de Vicky Krieps con la que muestra el sentimiento de una mujer que no nació para ser emperatriz, que se esforzó por cumplir parte del protocolo, que sufrió el paso de los años y hasta el desprecio de una corte imperial basada en reglamentos inhumanos. Ni corsés apretados ni pelucas ni encierros. "Sissi" quiso vivir su vida y lo hizo. Madre de varios hijos, sufrió la pérdida de dos de ellos, y no se conformó con el enamoramiento de su marido el emperador Francisco José preocupado por guerras y asuntos de Estado. Necesitó de la mirada de otros hombres jóvenes para sentirse una mujer apetecible, querible, a quien los 40 años cumplidos no le habían restado belleza sino que le habían aportado otro tipo de atributos.

Es decir: la austríaca Marie Kreutzer apunta al espíritu y al corazón de la emperatriz a través de una mirada femenina y feminista sin excesos. Es aquí donde la actuación de Kriest alcanza excelencia, convence, provoca empatía.

Y, además de un personaje rico para una actriz capaz de sentirlo en sí misma, Kreutzer logra una fotografía que, en algunas secuencias, se transforma en cuadros. Por supuesto, el rostro de Vicky Kriest es muy especial así como su figura permitiendo que la realizadora se luzca más allá de la perspectiva histórica que asumió en el guion.

Con licencias de todo tipo, Kreutzer encuentra en Kriest a la emperatriz de su biografía: entre ambas logran un revisión de la mujer del siglo XIX y su necesidad de huir de la esclavitud que imponía e impone las sociedades. Gran película, de rara perfección cinematográfica.

Elsa Bragato

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ESTRENOS INTERNACIONALES

1.-GRAN TURISMO, de Neil Blomkamp, con Orlando Bloom.

"Una historia disfrutable también para espectadores ajenos a su versión en consola, historia de superación", de Laura Pérez, Fotograma.

"Enamorará a los amantes de la adrenalina y las carreras gracias a sus secuencias intensas y sus interpretaciones más que decentes", de Xavi Mogrovejo, Vandal.

2.- DRÁCULA, MAR DE SANGRE, de André Ovredal. Con Liam Cunningham.

"La nueva versión de Drácula no logra captar qué es lo que da miedo", de Tony Sokol, Den of Geek.

"Es cierto que es Alien en un velero, pero esta nueva entrega del Príncipe de las Tinieblas merece la pena, a pesar de la agitación de sus mares", de Matthew Jackson, AV Club.

3.- ESCAPE BAJO FUEGO, de Ric. Roman Waugh. Con Gerard Butler.

"Trepidante trhiller... estimable thriller de acción donde las persecuciones, explosiones y disparos no son lo más importante", de Blai Morell, Fotogramas.

""Hay exceso de explicación. Tanta que en una película de estas características puede ser un problema para quien solo busque tiroteos, explosiones y sangre", de Ekaitz Ortega, Hobby Consolar.

4.- TOC TOC TOC, de Samuel Bodín.

"El guion de Chris Thomas Devlin tiene suficientes ideas enfermizas e ingeniosas para que los temibles sucesos parezcan frescos e inmediatos", de Bob Strauss, San Francisco Chronicle.

"Bodin se adentra en el reino de los cuentos de hadas con un relato de terror que parece un cuento para dormir", De Meagan Navarro, Bloody Disgusting.

5.-TE QUIERO PAPÁ, de James Morosini

"I Love you dad" tiene el corazón en su sitio... Oswalt consigue otro buen papel al que hincarle el diente, y Morosini demuestra ser un nuevo guionista director interesante al que seguir", de Ross Bonaime, Collider.

"Esta película se siente a la deriva tonalmente, atascada en una zona muerta de comedia/drama hasta su acto final, cuando Oswalt se vuelca seriamente en su personaje", de Brian Tallerico, rogerebert.com

6.- JULIO, FELICES POR SIEMPRE, De Juan Manuel Sole Lorenzelli, Uruguay.

"Hay varias cosas notables. Está muy bien actuada y funciona en forma sobresaliente en lo más esencial de una comedia romántica", de Guilherme de Alencar Piinto, Diario La Diaria.

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ESTRENO NACIONAL

ALMAMULA

Dirección y guion de Juan Sebastián Torales. Con Nicolás Díaz, María Soldi, Adrián Ramallo, Melina García, Geremías A. Montenegro, entre otros. Fotografía de Ezequiel Salinas, Efectos Especiales de Vitali-Fava y equipo, Música de Mateo Tondinelli. Duración: 96 minutos.

XXX – ENTRE SIMBOLOGÍAS ANCESTRALES Y EL DESPERTAR SEXUAL ADOLESCENTE

La historia de Alamula se ubica en las localidades de Santiago del Estero y Tulumba: en ellas, el realizador y guionista Juan Sebastián Torales emprende un complicado desarrollo narrativo cuyo protagonista es Nino (Nicolás Díaz), un adolescente para quien su despertar sexual resulta conflictivo, siendo motivo de "bullying" en su barrio capitalino. Con su familia, va a vivir el monte donde existen otros códigos y muchos secretos ancestrales. Como el de "Almamula", la mujer que tuvo relaciones carnales con su padre y fue convertida en un monstruo, hoy habitante de los montes. Pero es aún más que eso: en ese lugar desaparecen los chicos, como sucedió con Panchito (Geremías A. Montenegro). Nino intenta cumplir con los mandatos familiares, aunque el monte lo tienta, y asiste a la iglesia del lugar donde el Padre César los prepara para la Confirmación.

Dentro de este marco, Torales apunta a la represión de los deseos a través de la educación católica: el párroco lugareño define los cuerpos de los chicos como centros de pecados. Nino entonces se debate entre su devoción a Dios, encarnado por una gigantesca cruz, y sus deseos. Tampoco en su casa genera preocupación el silencio y la pesadumbre de Nino.

Torales logra un rompecabezas narrativo: juegos de adolescentes mientras los adultos trabajan, el caluroso verano que despierta un natural erotismo (tocarse los cuerpos semidesnudos en una piscina), y la tenebrosidad del monte donde un alma en pena lo recorre con un insoportable chirriar de cadenas. He aquí otro elemento del director: la utilización de los opuestos: a escenas casi silentes con iluminación tenue les suceden el ensordecedor ruido de las motosierras talando árboles. O a la oscuridad por la cerrazón del monte se le abre abruptamente en la secuencia continua un cielo celeste.

Muy buen trabajo fotográfico, rubros técnicos muy cuidados, si bien resulta algo confuso el planteo narrativo. Nino, encarnado por Nicolás Díaz, es el protagonista por excelencia rodeado por demasiadas secuencias que intentan explicar su entorno. Un poco menos hubiese bastado para terminar de comprender al Almamula y su ancestral secreto.

Elsa Bragato

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ESTRENOS NACIONALES

EL SILENCIO DE LOS HOMBRES

Dirección y guion de Lucía Lubarsky. Con Marcelo Lubarsky, Valentín Lubarsky, Andrés Beil, Gabriel Camacho, Emanuel Valentino Fernández. Fotografía de Lucas Palacios. Montaje de Ignacio Fagone. Sonido de Paula Ramírez y Joaquín Rajadel. Música de Alan Alaska. Duración: 73 minutos.

XXXX – CÁLIDO DOCUMENTO SOBRE EL UNIVERSO MASCULINO

Indagar en el universo masculino, en la educación que los hombres reciben, en los mandatos ancestrales de cómo deben ser, es el tema que la realizadora y poetisa Lucía Lubarsky desarrolla a partir de los hombres de su propia familia, su padre y su hermano, en "El silencio de los hombres". En este segundo largometraje (el primero fue "Nosotras", se estrenó en la TV Pública y en Cont.ar), aporta los videos familiares y pone en off la charla que mantuvo con su hermano Valentín para que aceptara enfrentar la cámara.

A través de diálogos, de entrevistas, de husmear con la cámara los espontáneos comentarios de los hombres sobre las mujeres, va aportando valiosos mensajes sobre la masculinidad impuesta, los mandatos familiares, y los miedos que genera el machismo en quienes deben ostentarlo.

Son confesiones preciosas sobre lo que no se habla en las familias y lo que sí se sabe, instintivamente, que debe cumplirse: el varón es el que manda, el varón es el que debe mantener la casa, el varón debuta sexualmente en un prostíbulo, es el que continúa el apellido, órdenes sin palabras. Sin embargo, encuentra en las nuevas generaciones la renovación cultural, la ruptura con lo ancestral: tener la sexualidad que se siente, des-cosificar a la mujer, quebrar el silencio de una educación milenaria.

Bien narrado, con aporte de videos familiares, voces en off, una fotografía cálida, utilizando una amplia gama de los recursos del documental (filmación de grupos de varones en charlas de sobremesa, diálogos padre-hijo, entrevistas frente a cámara) cumple el objetivo propuesto: el silencio de los varones encierra atavismos inaceptables por lo que este documental se transforma en necesario permitiendo el replanteo del trasvasamiento cultural; ni dioses fálicos ni geishas multiuso.

Elsa Bragato

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LOS MÉDICOS DE NIETZSCHE

Documental con dirección y guion de Jorge Leandro Colás. Con Esteban Rubinstein, Valeria Grossi, Paco Siquiot, Julio Gavagnin. Fotografía de Aylén López, Música de Selma Mutal. Duración: 78 minutos. Coproducción Argentina-Francia, Salamanca Cine-. Vrai Vri Films.

XXX – EL ARTE DE CURAR PENSANDO

Puede ser un documental clásico: interpelar a diferentes personas sobre un tema determinado. En este sentido, la mayor parte del metraje de "Los médicos de Nietzsche" de Jprge Leandro Colás cumple con esa premisa. Pero el aporte está en su contenido: el médico Esteban Rubinstein es un ávido lector de la filosofía de Friedich Nietzsche, unido por sus ríspidos y geniales pensamientos a la medicina, desde la concepción del hombre como una versión deficiente del animal, hasta generar el concepto causa-culpa o bien hablar del hombre como "algo malsano" a superar. Si bien estos conceptos no se explicitan, el doctor Rubinstein, munido de "El crepúsculo de los dioses" y de "La gaya ciencia" (compendio de las ideas de Nietzsche(librepensador), entabla con sus pacientes y con su grupo de médicos una suerte de "mayeútica", o técnica de diáléctica atribuida al filósofo Sócrates, para que se autoanalicen a fin de que intenten conocer la verdad de por qué están atravesando esa falta de salud. A su vez, los médicos a su cargo reconocen plantearse cuestiones éticas profundas cuando atienden o bien cuando dan un diagnóstico, algunos lo atribuyen a la "culpa" inherente a la fe judeo-cristiana, es decir, ese "por algo que se hizo" se originó un determinado estado de salud, o su carencia.

Colás aporta otros momentos interesantes que se suman a los diálogos como las secuencias donde se ve al doctor Rubinstein en soledad con un cronómetro en sus manos o bien realizando una serie de movimientos al ritmo de una música incidental muy precisa y por momentos punzante. El significado de estas secuencias es muy subjetivo: los pensamientos sobre la vida y la muerte o la vida como un subibaja sinfín.

Dentro de un planteo clásico, por momentos estático y hasta claustrofóbico (se quiebra con los exteriores del final), el documental de Colás es un material interesante sobre la unión inequívoca de medicina y filosofía, revalorizando textos icónicos del genial Friedich Nietzsche.

Elsa Bragato

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ESTRENOS INTERNACIONALES

LA NIÑA QUIETA

De Colm Bairead en guion y dirección. Sobre la h historia de Claire Keegan. Fotografía de Kate McCullough, Música de Stephen Rennicks, Con Catherine Clinch, Carrie Crowley, Andrew Bennett, entre otros. Duración: 95 minutos. Irlanda.

XXXXX – SENSIBILIDAD DEMOLEDORA EN UNA HISTORIA DE LA IRLANDA RURAL

La Irlanda rural de 1981 es el entorno de esta historia de una niña, su familia y un matrimonio solitario que el escritor y director Colm Baired debuta en el largometraje de su país, aunque tiene un muy interesante derrotero como cortometrajista y documentalista. No pudo ser mejor. "La niña quieta" es un dechado de sensibilidad y buen gusto, contando la historia de la hija de un matrimonio joven, Cait, de 9 años, que se transforma en un ocasional estorbo para sus padres y, en especial, para su madre, que está esperando otro hijo. La decisión de ambos es dejarla al cuidado de un matrimonio amigo, que vive a un par de kilómetros, para quienes la niña será una bendición.

El título del film de Baired responde a la cualidad del temperamento de "Cait", interpretado magistralmente por la niña Catherine Clinch (otra vez, asombrosa interpretación de una niña), quien acepta su destino temporal o no sin decir una sola palabra. La hostilidad de sus padres es tan evidente que Cait parece haberse acostumbrado a no hablar para no recibir castigo.

El ingreso al hogar del matrimonio amigo muestra el contraste entre los padres atiborrados de hijos que no buscaron y la pareja que ansía desde las entrañas con tener un hijo, además de esconder un drama. Cait nada sabe pero es el regalo del cielo para esa mujer y ese hombre que se desviven por quererla.

Nada más se puede contar porque sería spoilear. Sí, en cambio, podemos señalar que pocas veces se asiste a un guion tan inteligente y profundo sobre la infancia y sus necesidades afectivas, muy por encima de lo material. Es también una propuesta que requiere paciencia narrativa y precisión para que las especulaciones queden de lado: se siente, se comprende, lo que se ve en pantalla. Y aunque exista una pizca de previsibilidad, pedida a gritos desde la butaca, ésta sea la que la vida misma necesita para que su maquinaria de alegría y tristezas funcione aceitadamente.

Conmueve la pequeña Cait, conmueve ese matrimonio mayor (Carrie Crowley como Eibhlin Cinnsealach y Andrew Bennett como Sean Cinnsealach) que esconde su tristeza en la rutina rural hasta la llegada de Cait, conmueve ese hilo conductor de emotividad que no cae en el melodrama porque el realizador Colm Bairead dota a su personaje y su historia de un equilibrio milagroso de ternura y respeto. "La niña callada" estuvo nominada al premio Oscar en el rubro de Mejor Película Extranjera, que no ganó injustamente. Es una película de visión obligatoria.

Elsa Bragato

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EL COLIBRÍ

De Francesca Archibugi. Guion de Archibugi junto a Laura Paolucci y Francesco Piccolo sobre una novela de Sandro Veronesi. Fotografía de Luca Bigazzi, Núsica de Battista Lena. Duración: 126 minutos. Distribuye Impacto Cine.

XXX- MÁS TELENOVELA QUE PELÍCULA

Por lo general, la trasposición de una novela, o sea narración, a imágenes suele ser difícil, contradictoria, quedan personajes fuera, hechos que no se cuentan, siempre falta "algo". En el caso de "El colibrí" que se basa en el éxito editorial del mismo nombre de Sandro Veronesi (su novela es considerada digna de todos los premios literarios por el tema del amor y la resiliencia ante las adversidades, es decir, un verdadero curso de vida).

El protagonista es Marcos Carrera, apodado "El colibrí", quien enfrenta un sinnúmero de conflictos familiares: desde la atención a sus padres, hasta la relación platónica con una amiga de juventud, pasando por su esposa que ha descubierto ese "amor prohibido", la relación con sus familiares, con su hija, y la nieta, de quien deberá hacerse cargo por diferentes motivos. Nada la resultará fácil, ni siquiera su decisión.

La directora Archibugi privilegió la forma sobre el fondo, sobre la historia en sí, por lo que utiliza frecuentes saltos en el tiempo: Marcos canoso, Marcos muy joven, Marcos adolescente y sus respectivos entornos temporales y espaciales. Esta fluctuación, interesante como juego cinematográfico, va en desmedro del clima de la historia.

La novela de Veronesi tiene un argumento complejo por lo que transformarla en narración audiovisual implicó enfrentar esa enorme dificultad: plasmar el cuento sin olvidar su espíritu. Pero no ocurrió. Lo interesante, el mensaje de resiliencia y de amor, se vuelve tedioso, arduo.

Elsa Bragato

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OTROS ESTRENOS INTERNACIONALES

1) BLUE BEETLE, de Angel Manuel Soto. USA

Sin críticas hasta el viernes


2) TORTUGAS NINJA: CAOS MUTANTE, animación, de Jeff Rowe y Kyler Spears.

"El poder de las tortugas ha vuelto, gracias a una potente combinación de humor y animación", de Matt Maytum, Total Film.

"Es la experiencia adolescente la que hace que esta última entrega resulta más viva y atractiva de lo que se espera", de John Nugent, Empire.

OTRO ESTRENO NACIONAL
Se prevé el estreno de "La uruguaya"; de Ana M. Baya, producción de Buena Vista-Disney, Aargentina.

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ESTRENOS NACIONALES

INVISIBLES

Documental de Ana Paula Rosillo.

XXX – EL SALVAJISMO EN NUESTRA ALIMENTACIÓN Y CÓMO COMBATIRLO

La realizadora Rosillo debuta en el largometraje poniendo sobre el tapete a grupos de jóvenes activistas que han tomado conciencia sobre comer carne animal, en especial, y luego de una mera información, cada uno buscó base científica nacional e internacional.

El tema hubiese dado para exponer escenas salvajes por lo que se agradece la prudencia de la realizadora Rosillo (Santa Fe), que solo tomó en FFoward antes del título el origen de la carne y de los huevos, por ejemplo. Y no hincó la cámara en una narración sobre esos temas invisibles, como lo indica el título, a quienes dan su vida para que nos alimentemos. Dicho con nuestras palabras, bastaría con ver un matadero para que todos dejásemos de comer carne, por ejemplo, de vaca y de pollo, o paté de foie, o huevos. La crianza y matanza de animales que se resuelve cotidianamente con un "te invito a comer un asadito" o bien "en la fiesta habrá un chivito a las brasas" no debe existir más. Detrás de cada una de las palabras hay un ser vivo que será sacrificado sin vueltas. Y solo estaremos comiendo un músculo muerto. La narración se resuelve con charlas de las que participan el cardiólogo Ariel Kraselnik, las nutricionistas Rocío Hernández y María Angélica Miotti, con participación del actor y activista Santiago Magariños. Los relatos surgen a partir de la experiencia personal pero, sin lugar a dudas, son universales. La generación de grupos de activistas en pos de la vida, de la forestación, del respeto por la naturaleza en todas sus expresiones es lo único que puede salvar a la civilización de este planeta. Con una estructura cinematográfica sencilla, Ana Paula Rosillo hace un relato contundente y necesario.

Elsa Bragato

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EL KÁISER DE LA ATLÁNTICA

Dirección y guion de Sebastián Alfie.Fotografía de Pablo Hernández,Angel Amorós, Braño Pazitka, Benito Strangio. Montaje de Alejo Santos. Música original de Alex Nante. Duración: 77 minutos.

Perturbador, lacerante, es este documental que guionó y dirigió Sebastián Alfie sobre la puesta en escena de la ópera "EL Kaiser de la Atlántida", de Víktor Ullmann con letras del poeta Peter Kein. Este y Ullmann la escribieron en 1944 en el campo de concentración de Terezin.

Toma momentos de la puesta en escena que hiciera el argentino Gustavo Tambascio Levin, sobreviviente de la última dictadura cívico militar de nuestro país, exiliado en Madrid. Políglota, profundo conocedor de la música y de las letras, Tambascio hizo suyo el espíritu de esta ópera y que recién en estos tiempos empieza a tener difusión como para que los teatros del mundo se interesen en su representación.

Ullmann compuso una alegoría de Hitler utilizando frases del dictador así como frases musicales muy distintivas de otros autores incluidas para parodiar, burlar, al dictador genocida alemán. El Tambor como el "parlante", la Vida y Arlequin que dialogan sobre la conveniencia de vivir o de morir, y La Muerte que se niega a matar, dan vida a personajes que llevan al paroxismo la criminalidad de Hitler.

Cuando las temibles SS intuyeron que el músico Víktor Ullman (ex soldado de la primera Guerra Mundial y discípulo del gran Arnold Schonberg) estaba escribiendo una ópera, se interesaron en el material descubriendo la parodia a Hitler pero, sin prohibirla (según testimonios de sobrevivientes), enviaron a la cámara de gas al compositor y toda su familia; intuyendo su final, el Ullman dio su ópera a su amigo Ernest Utitz y éste la llevó a Londres dejándola en poder de Adler quien finalmente la pasó a Kerry Woodward, músico e investigador.

En verdad,"El Káiser de la Atlántica" vio la luz luego de 30 años a raíz del trabajo del músico y antroposofista Woodward y la médium y música Rosemary Brown, de quien existen testimonios grabados sobre su comunicación directa con el músico y las indicaciones para la puesta en escena de la ópera.

Por sobre este contenido tan inquietante, apasionante, fantástico, que acapara la atención desde el principio, está la realización que calificamos de impecable: las animaciones iniciales y en varias secuencias así como la inclusión de filmes de propaganda nazi, además de los videos donde Tambascio va explicando la puesta de la ópera, así como los testimonios de Kerry Woodward que tomó esta tarea como un "pedido del más allá", nos conducen a un axioma, para nosotros, que solemos utilizar muchas veces: la redención por el arte, la resiliencia a través del arte en cualquiera de sus formas. O, en otras palabras, el arte como salvación en una vida plagada de incertidumbres que las mujeres y hombres comunes no generamos. Este documental es de visión obligatoria y un homenaje al argentino Gustavo Tambascio, sobreviviente como dijéramos de los campos de concentración de nuestro país, quien falleció poco después del estreno. Chapeau a la vida y al arte.

(El film tiene origen en España pero lo ubicamos entre los estrenos nacionales como homenaje a Gustavo Tambascio, argentino generador de este proyecto teatral, que falleció en Madrid en febrero del 2018).

Elsa Bragato

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ESTRENOS INTERNACIONALES

1.- ASTEROID CITY, de Wes Anderson.

"... Chorreo de información verbal y visual que, literalmente, uno sale del cine agotado", de Nando Salvá, Diario El Periódico.

"De una forma sofistica y brillantísima, el cineaste convierte este conflicto de egos en un tapiz insólito de personajes y relaciones humanas ambientado en la ciudad e Asteroid City", de Desirée de Fez, El periódico de España.

2.- EL COLIBRÍ, de Francesca Archibugi.

"... Da mucha importancia a su construcción no lineal y ese método narrativo acaba resultando más problemático que ventajoso", de Nando Salvá, Diario El Periódico.

"No levanta el vuelo este melodrama y se queda en culebrón", de Salvador Llopart, Diario La Vanguardia.

3.- HÁBLAME, de Danny Philippou.

"Un concepto bien ejecutado que te agarrará fuerte de la mano", de Andrew Gaudion, Metro.

"...Ofrece una serie de sobresaltos que duran mucho más de 90 segundos"... de Barry Hertz, The Globe and Mail.

4. KANDISHA, INVOCANDO AL DEMONIO, de Julien Maury, Alexandre Bustillo.

"Tiene algunas escenas de asesinato salvajes... pero de alguna manera no resultó tan aterradora"; de Karina Adelgaard, Heaven of Horror.

"Introduce una desagradable nueva villana que llega con un estilo visual bien ejecutado"; de Jake Dee, JoBlo.

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ESTRENOS INTERNACIONALES

1.- MEGALODÓN 2, EL GRAN ABISMO, de Ben Whathley. Con Jason Statham.

Sin críticas hasta el viernes 4 de agosto.

2.-HAZME EL FAVOR, de Gene Stupnitsky, con Jennifer Lawrence.

"Una de las más placenteras sorpresas del año", de Kip Mooney, College Movie Review.

3.-TERROR EN LA ÓPERA, de Darío Argento. Reestreno (film 1867)

4.-THE FIRST SLAM DUNK, animé, Japón.

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STREAMING (NETFLIX)

LAS COMBATIENTES, miniserie

De Alexandre Laurent. Guion de Camile trainer y Cecile Lorne, además su creadora. Con Juelie de Bona, Camille Lou, Audrey Fleurto, Sofía Essaide, Sandrine Bonnairem entre otros. Duración: 8 capítulos de aproximadamente 40 minutos de duración cada uno.

XXXX - EXCELENTE COMBINACIÓN DE DRAMA HISTÓRICO Y MELODRAMA

La Gran Guerra es motivo de central de esta miniserie que parte de la vida de cuatro mujeres, indicándose en los créditos que se rinde tributo a todas aquéllas anónimas que colaboraron en la brutal conflagración.

"Margueritte" es una de estas mujeres, madre soltera de un hijo que busca en el frente de guerra, que ejerce la prostitución como medio de vida. Em el burdel del pueblo, Saint Poulin, encuentra techo si bien sus intenciones políticas son otras. Es muy amiga de Caroline (Sofia Essaidi), con quien tuvo alguna relación, hoy casada con Dewitt que muere en el frente. La necesidad de enfermeras del hospital del lugar, que atiende el doctor Joseph, a cargo de Tom Leeb, permite que Margheritte y Caroline sumen sus voluntades junto a la Madre Superiora Anges, así como otras mujeres que vienen escapando del pasado como Susanne (Camille Lou).

Son excelentes las secuencias de batallas, muy fuertes y vívidas los heridos, las operaciones de urgencia, el horror de los gases de mostaza, las muertes. A pesar de estas terribles circunstancias que cambiarán para siempre la vida de las protagonistas, cada una tiene una vida personal por lo que deberán atravesar un sinfín de problemas y tristezas. Desde encontrar al hijo en el frente, hasta la novicia abusada por el párroco y el enfrentamiento de la Madre Agnés con la iglesia, la lucha de Caroline por su hijita y el mantenimiento de la fábrica de su marido, el amor entre Susanne y el director del hospital, la férrea actitud del general a cargo de las tropas, padre del doctor Joseph... Historias que se suman en el día a día con las desesperantes vida privadas de cada uno de los protagonistas.

Siendo una historia coral, las cuatro mujeres no pierden su lugar y son las que llevan adelante la historia aunque se les sumen otras colaterales.

No hay una bajada de línea sino una descripción realista de lo que una guerra deja, la sinrazón de las muertes, el dolor de familias desmembradas por la pérdida de seres queridos, la resiliencia que no parece llegar rápido.

Esta fusión de relato bélico con melodrama es de los mejores que hemos visto en la pantalla chica. Con una interesante inversión en la producción y una fotografía que tanto apunta a imágenes panorámicas como a tremendos close up de cuerpos mutilados.

Son ocho capítulos que valen la pena. Mujeres empoderándose, a comienzos del siglo XX, en medio de los albores de la llamada Gran Guerra de 1914, que curaría cuatro trágicos años más. No se la pierdan. Para maratonear con ganas.

Elsa Bragato

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SOLTERA CODICIADA 2 (Coproducción de Perú y Argentina)

De Joanna Lombardi. Guion de Maria José Osorio. Con Gisela Ponce de León, Karina Jordán, K. Reategui, entre otros. Fotografía de Fernando Cobián Grayson, Arte de Mario Frías. Duración: 102 minutos.

XXX – DE MUJERES Y DE LIBROS

Joanna Lombardi es una de las directoras peruanas más consagradas, con importantes trabajos para productoras de diversos países latinoamericanos, incluyendo la Argentina. En este caso, se centra en la vida de "María", una mujer empoderada que, por circunstancias económicas y la pandemia, regresa a vivir a sus 32 años a la casa de los padres. El fallecimiento del papá trastoca todos sus planes: el segundo libro queda en ascuas, disuelve su pareja, empieza a transitar un camino nuevo de hija sin padre, de mujer sola, rodeada por amigas. Hasta que algo positivo vuelve a su alma y empieza a concretar sueños, dedicándoselos a su padre.

El elemento clave son las reuniones de mujeres en bares, confiterías, casas, dialogando coloquialmente sobre lo que les pasa, lo que sienten. En este sentido, el film de Lombardi es interesante, los parlamentos están bien escritos, bien actuados, hay buena fotografía con buena iluminación, aunque un tanto oscura (como dijimos, muchos interiores).

Es decir, el film "Soltera codiciada 2" resulta un película amable, especialmente para mujeres de mediana edad, inocua, pasatista, que se deja ver, con personajes femeninos empáticos. No hay mucho más para decir.

Elsa Bragato

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LOS HIJOS DE LOS OTROS

Dirección y guion de Rebecca Zlotowski. Con Virginie Efira, Roschdy Zem, Chiara Mastroianni, Mireille Perrier, Callie Ferreira Goncalves, entre otros. Fotografía de George Lechaptois. Montaje de Geraldine Mangenot. Música de ROB. Duración: 104 minutos.

XXXX- LA MATERNIDAD Y LOS LÍMITES

Pocas películas logran tomarnos el alma por una puntita y llevarla a la rastra por un subibaja de sentimientos, ésos que sus personajes sienten, asumen o rechazan. Es el caso de "Los hijos de los otros", y, en especial, de su maravillosa protagonista "Raquel" (Virginie Efira), separada, sin hijos, cuarentona bella, de religión judía, que se enamora de un árabe, Ali (Roschdy Zem), separado a su vez y papá de Leila, una niña de 4 años y medio.

El amor une a Raquel y Ali y, por momentos, a la pequeña Leila (Callie Ferreira Goncalves), quien acepta a su nueva "mamá" aunque en algún momento extrañará compulsivamente a la verdadera (Chiara Mastroianni).

La realizadora Rebecca Zlotowski logra un film conmovedor, a través de una narrativa elegante, muy francesa (Vivaldi, música clásica por doquier), que emociona, conmueve profundamente. Logra una entrega absoluta de la protagonista Efira, su rostro sin make up, el desorden de su cabello semilargo, la sonrisa dulce en su rostro, y la finura de su gestos, que seducen desde el principio, como le ocurre a Ali, el árabe que se enamora perdidamente aunque está condicionado por el amor a su hija. Raquel ama a la pequeña Leila, Ali ama a Raquel, Raquel ama a Ali, pero lo imponderable, el "deber de los sentimientos" por sobre los sentimientos en sí mismos, se cuela, lastima. Y reubica a cada personaje con sus respectivas cargas. He aquí un manejo narrativo peculiar porque, si bien los protagonistas son varios fuera de la pareja central, cada uno se distingue claramente con su problemática sentimental, enredada o no, y la búsqueda de una solución personal.

Surgen muchas preguntas. Hasta qué punto una mujer puede amar al hijo de otra mujer, hasta qué punto los hijos de los otros aceptan a una nueva mamá, hasta qué punto la mamá de una criatura permite que otra mujer la reemplace. Hasta qué punto el amor de una pareja sin rispideces de ningún tipo está terminado definitivamente. Es aquí donde surge Raquel con la fuerza de su encanto y de sus ilusiones. Y es en este sutil y delicado manejo de la cámara sobre el rostro y los gestos de la protagonista donde se trasunta lo inasible, aquello que anida en el alma y que suele verse en la mirada. La realizadora logra captarlo: es el plus de esta película que conmueve por su realismo y ese toque de romanticismo entre dos que se quieren.

Calidad, fineza, profundidad, inteligencia, emoción genuina, caracterizan esta película de la singular Rebecca Zlotowski, directora que bucea desde un lugar diferente e inteligente las mil y una formas del amor. Imperdible.

Elsa Bragato

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FRAGMENTADA

Guion y Dirección de Facundo Escudero Salinas. Con Jazmín Stuart, César Bordón, Beatriz Spelzini, Juana Bosco, entre otros. Edición de Damián Tetelbaum, Música de Pablo Benjamín. Arte de libertad [Eyzaguirre, Fotografía de Fernando Lorenzale. Duración: 103 minutos.



XXX – THRILLER INTENSO, BIEN TRABAJADO

Esta película coproducida por Uruguay y Argentina es un policial hecho y derecho, realizado con esmero y precisión que cabalga entre el drama personal y el deber policial, entre la realidad de la propia vida y la realidad laboral. Jazmín Stuart en el rol de "Irina" es la protagonista de una historia que no deja aristas sin tocar: la vida de una mujer policía que viaja al sur a atender a su madre, acompañada por su hija, y las obligaciones profesionales que surgen cuando desaparece la hija de una amiga. Está, como bien indica el título, fragmentada, dividida en un sinnúmero de acciones, tiene que resolver, enfrentar, mil y una dificultades.

Facundo Escudero Salcedo maneja hábilmente la previsibilidad propia del género policial. Siempre creeremos saber quién irá a la cárcel o quién es el malo de la historia. Pero siempre aparecerá un pellizco en el guion para provocar un vuelco en la trama.

El valor de este film está en la creciente tensión, aun transitando por carriles conocidos: poco a poco lo personal y lo profesional de la vida de Irina se van enlazando en secuencias densas, oscuras, decididamente atrapantes. Es un "in crescendo" inevitable. Entre paisajes maravillosos (fotografías aéreas muy logradas), la búsqueda del asesino, simbologías extrañas, una vida personal plagada de conflictos, se hilvana una narración de impecables rubros técnicos con postproducción minuciosa y un elenco que responde con creces. Esto indica a su vez una dirección actoral concebida con solidez que se suma a una fluida narración porque no tropieza nunca logrando resolver con coherencia la complejidad de la historia. Para ver.

Elsa Bragato

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AMIGAS EN UN CAMINO DE CAMPO

De Santiago Loza. Guion de Lionel Braverman y Santiago Loza. Con Eva Bianco, Anabella Bacigalupo, Jazmín Carballo y Carolina Saade. Poemás de Roberto Iannamico, música de Santiago Motorizado, Fotografía de Eduardo Crespo, Edición de Josefina Llobet. Duración: 75 minutos.

(película rodada en la zona de Vila Ventana, Sierra de la Ventana y Saldungaray).

XXXX – MINIMALISMO POÉTICO MUY BIEN RESUELTO

Santiago Loza regala un film intimista que, desde su sencillez, resulta fascinante. En algún lugar de la provincia de Buenos Aires, en medio de campos abiertos, vive Sandra (Eva Bianco), sola, madre de una hija, que elabora panes para sus vecinos. El silencio es su compañía. Repentinamente llega su hija Nora (Jazmín Carballo), planteándose los conflictos comunes entre madres e hijas sin estridencias, diferencias bien descriptas. Para Sandra el alivio está en un paseo junto a su amiga Tere (Anabella Bacigalupo: ambas iniciarán un largo camino en medio del campo en busca del meteorito que acaba de caer en las cercanías. Buena excusa para que ambas mujeres se planteen diversas situaciones: desde el recuerdo de la amiga fallecida hasta las rispideces que podrían alejarlas. A su vez su hija recibe la visita de una compañerita de estudios estableciéndose un paralelismo entre la amistad de las mujeres adultas y la de las adolescentes. Son secuencias muy interesantes porque se quiebra la monotonía narrativa: cuatro mujeres de diferentes edades con diferencias de criterios pero sentimientos en común. Sin duda, las charlas de unas y otras sirven de catarsis de situaciones calladas.

Es una película que trasunta poesía de principio a fin: desde cómo se encararon las actuaciones y cómo se plasmaron en imágenes hasta la música incidental original, secuencias acompañadas por la voz en off que va describiendo sensaciones y sentimientos de manera rítmica. La austeridad temática y el planteo de una fotografía generosa en campos y horizontes son empáticos. Es como dejarse llevar por un "arrorró" cálido que abraza: Loza logró una película diferente en la que naturaleza y protagonistas se fusionan para contarnos una bella historia de relaciones familiares y amistades. Minimalismo cinematográfico muy bien resuelto en sus aspectos formales y conceptuales.

Elsa Bragato

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INFORMACIÓN DEL INCAA

Este jueves 27 en el Cine Gaumont se estrena el largometraje Alma, dirigido por Juan Pablo Martínez; y los documentales Reformadores, de Marina Zeising –premio al Mejor guion en el Festival Internacional de Cine Religioso–, y Nuestra venganza es ser felices, realizado por Malena Villarino –Mención honorífica en Largometraje documental y Mención al Mejor montaje en el Festival Cine en Grande de Tierra del Fuego–.

El corto de la semana es Rosa azul, de Axel Contrera, que se proyectará en programa doble junto al documental Nuestra venganza es ser felices.

El documental Reformadores, de Marina Zeising, forma parte del Programa de Estreno de Documentales Digitales, por lo tanto, además de su estreno en el Cine Gaumont, el jueves 27 podrá verse en la señal CINE.AR TV a las 20 horas, y estará disponible en la plataforma CINE.AR PLAY desde el viernes 28 por una semana y en forma gratuita. También será exhibido en la Red de Espacios INCAA (consultar salas en la cartelera de Espacios INCAA).

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ESTRENOS NACIONALES


REFORMADORES

Guion y Dirección de Marina Zeising. Adaptación del guion original "El buen pastor", de Fernando Mazas. Testimonios de Rubén Yennerich. René Kruger, Sabino Ayala Orquesta ASE, Martín Elsesser, Arturo Blatesky, Leonardo Schindler, entre otros. Documental. Duración: 67 minutos.



XXX- DESDE ALEMANIA A BUENOS AIRES

Partiendo de la rebeldía del monje Martín Lutero en 1517 contra la compra-venta de indulgencias de la iglesia católica, sus famosas 95 frases y la conmoción que terminó provocando su expulsión del Vaticano, la directora Marina Zeising da un pantallazo bastante profundo de la Iglesia Protestante Luterana de origen alemán, alejada de las "electrónicas" surgidas en los Estados Unidos y Brasil (éstas invaden nuestra televisión a la medianoche con mensajes alejados de la idiosincrasia de nuestro país), que tienen un mensaje político conservador.

Esta congregación que surge en Europa y que rápidamente tiene su filial argentina, se nutre de la teoría de la liberación, de las nuevas leyes inclusivas que hay en la Argentina, se niega a discriminar y tiene en su propio seno pastores homosexuales que además han contraído matrimonio. Se aceptan las diferencias de todo tipo, teniendo como base que nada exterior puede cambiar el pensamiento religioso que los une, y que les permite estar al frente de una congregación.

Este documental está elaborado sobre una narración clásica, tiene la misión de aclarar su posición dentro de la amplísima gama de propuestas religiosas que existen. Sus pastores fueron perseguidos durante la dictadura cívico militar de los 70, muchos de sus feligreses desaparecieron, vidas por las que se pide justicia hasta hoy en día incluso en estrados internacionales.

En el caso de Reformadores, son Luteranos, así como otros grupos so decididamente cristianos y otros católicos, pero la base de todos está tanto en el antiguo como el nuevo Testamento y una posición tomada respecto a milagros, santos, homosexualidad, casamiento, etcétera, que los separa. Convengamos que las divisiones las creó y crea el hombre. El pensamiento religioso que los nutre es uno solo: la palabra de Jesús.

La directora Zeising hace un aporte valioso al conocimiento de grupos religiosos que surgieron en Europa y tienen historia en nuestro país. Con lenguaje sencillo y directo, con testimonios muy valiosos, conforma un documento de gran interés.

Elsa Bragato

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NUESTRA VENGANZA ES SER FELICES

Dirección, guion, montaje, música, de Malena Villarino. Con Sonia Sánchez. Cinematografía de Juan Barney. Duración: 75 minutos. Documental.



XXXX- DENUNCIA DESGARRADORA SOBRE PROSTITUCIÓN Y TRATA

Debe ser la primera vez en tantos años de frecuentar privadas y cines variopintos que uno se enfrenta a un testimonio desgarrador y abrumador como el que aquí realiza Sonia Sánchez, nacida en Villa Angela, Chaco.

Su voz en off y luego frente a cámaras, su llanto entre sollozos y ahogos, narran su propia vida desde que viajó a Buenos Aires a los 17 años para tener un futuro mejor hasta la obligada prostitución en las calles de la ciudad, el viaje al prostíbulo de Río Gallegos, su búsqueda de libertad, siendo hoy una referente esencial e indiscutible de estos "campos de concentración a cielo abierto" como bien define a los burdeles.

Lastimada en cuerpo y alma durante años, violada, golpeada, define al cuerpo de la mujer, a su propio cuerpo, como un "cambo de batalla" que hombres de todas las edades utilizaron descarnada y brutalmente.

No es un documental cuyas secuencias narrativas se puedan comentar desde un punto de vista técnico. Aquí, por sobre los sonidos de instrumentos en una antimelodía, surgen la voz y la historia desgarradoras de Sonia que hoy levanta las banderas sociopolíticas de una lucha que parece no tener fin: terminar con los prostíbulos.

La voz de Sonia está por encima de la formalidad cinematográfica. Cada palabra y cada sollozo son cachetadas a la indiferencia de quienes tienen en sus manos el poder de terminar con este flagelo de la masculinidad vergonzante.

Poco queda por decir porque Sonia Sánchez nos arrastra en su dolor: por sobre los rubros técnicos (la mayoría a cargo de la realizadora, bien realizados, dándole aire a la historia a través de la inclusión de fragmentos de películas, o bien con paseos en lagos, quebrando lo claustrofóbico con la belleza de la naturaleza), está la tragedia vivida como pan cotidiano de miles de niñas y niños, mujeres de todas las edades vejados sin piedad. Sonia enfrenta auditorios, cámaras, denunciando que todo sigue igual, que hay que clamar fuertemente por el respeto a los derechos humanos. Demás está decir que no se sale de la sala con una sonrisa sino con una llaga en el corazón cargado de rabia. El "nunca más" tiene esta arista, la que denuncia Sonia Sánchez, la venta de seres humanos.

Elsa Bragato

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ALMA

Dirección y guion de Juan Pablo Martínez. Con Florencia Otero, Carolina Kopelioff, Guillermo Pfening, entre otros. Fotografía de Adrián Lorenzo, Montaje de Javier Favot y Juan Pablo Martínez. Sonido de Germán Suracce, Cámara bajo el mar de Uriel Sokolowicz, Música de Jazmín Esquivel. Duración. 64 minutos.



XXX- A LA BÚSQUEDA DE UNA HISTORIA

"Alma" completa la trilogía conformada por "Emma" y "Lucía", todas protagonistas con dificultad en alguno de los sentidos, de Juan Pablo Martínez. En el caso de "Alma" (una siempre eficiente Florencia Otero), es sorda. Su mundo es bucear y su identidad es la lengua de señas. Hay en "Alma" una búsqueda personal y es saber quién fue su padre y si efectivamente pertenece a ese núcleo familiar donde crio y vive.

Prima facie, observamos una muy buena postproducción, un excelente trabajo en el sonido (muchas secuencias se realizaron buceando). E incluso la musicalización es adecuada.

El quid pasa por el hilo narrativo: si bien la protagonista debía ser el único camino sólido para la historia, ésta se diversifica en secuencias innecesarias, desde la explicación de un testamento hasta otras realizadas en grupos de sordomudos. Faltó poder de síntesis en imágenes, es decir, comprimir las subhistorias para reforzar a Alma y su problemática personal y familiar.

Hay un recurrente estilo del cine actual nacional que es lineal, es decir, la historia se va armando sumando secuencias sin que exista un concepto cinematográfico que, desde el comienzo, le dé el clima necesario a la propuesta. Si bien todos los aspectos técnicos están bien elaborados, falla la trasposición del guion a la pantalla. No dudamos en que lo mejor hubiese sido ceñirse a "Alma", ahondar en sus inquietudes como hija y como mujer. No sucedió, por lo que no nos conformó.

Elsa Bragato

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STREAMING

"DE QUIÉN HUIMOS MAMÁ" (NETFLIX)

Miniserie turca. Con Melisa Sozen y Eylul Tumbar como la hija (debut de la joven actriz)



XXXX – INTELIGENTE INTRIGA

Siete capítulos bastan para regalarnos una historia entre una madre y una hija a pura tensión: es un thriller hecho y derecho cuya factura está muy lejos, afortunadamente, de las telenovelas que vemos por Telefé. En el caso de "De quién..." hay un trabajo cinematográfico muy inteligente. Pocos personajes, mucha intriga, elementos que quedan en suspenso hasta el capítulo siguiente, y una historia que avanza. A partir del tercer capítulo, la soledad de madre e hija que escapan de distintos hoteles en cuanto alguien las mira como reconociendo a alguna de ellas, o tal vez tan solo por la suposición de la madre, va sumando aspectos del policial muy interesantes.

Al mismo tiempo, la relación entre madre e hija es un punto importante además de hechos que generan una creciente persecución: de comenzar con motivos silentes e invisibles, las situaciones se transformando en algo concreto. Retomando la relación de las dos mujeres, la madre sobreprotectora y obsesiva es duramente expuesta en "De quién huimos, mamá", aunque la vida se cuele y la obligue a aceptar la transformación de su hija, apodada "Bambi", de niña a mujer.

Resulta atrapante el cambio de ambas mujeres y lo que una de ellas genera, provocando la sumatoria de géneros: de intrigante, a policial. Generar suspenso sin caer en el terror explícito sino en ese detalle, ése que tanto amaba Alfred Hitchcock para sus películas, no es asunto fácil.

Elsa Bragato

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ESTRENOS INTERNACIONALES


1.- MANSIÓN EMBRUJADA, Con Jared Leto, Owen Wilson, entre otros.
Sin críticas hasta el viernes.

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2.- LOCAS EN APUROS, de Adele Lim

"A veces tienes que ser muy inteligente para ser realmente estúpido y Joy Ride ensarta esa aguya con aplomo", de Matthey Monagle, The Playlist.

"Equilibra su humor irreverente con la emotividad...Su sentido del humor está potenciado por la energética dirección de Lim", de Lovin Gyarkye, The Hollywood Reporter.

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3.- PODERES OCULTOS, de Eskil Vogt. Film noruego.

"Las excepcionales actuaciones de los niños y su atmósfera asombrosamente escalofriante y cruda distinguen a esta película de terror satisfactoria", de Jessica Kiang, Variety.

"Tal y como está, la película es tan cínica e implacablemente oscura que en gran parte consigue transmitir una indiferencia casi total hacia las complejidades de la experiencia de la infancia", de Wes Greene, Slant.

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JUEVES 20 DE JULIO DEL 2023.-

INFORMACIÓN DEL INCAA

Este jueves 13 en el Cine Gaumont se estrenan los largometrajes La Mujer de Vidrio, realizado por Javier Canale –ganador del Premio Mejor Actriz Protagónica en Película (Camila Murias) en el Golden FEMI Film Festival (Sofia, Bulgaria, 2023)–; La crecida, comedia dramática dirigida por Ezequiel Erriquez –ganadora del Premio a la posproducción de sonido en la sección WIP MAFIZ del Festival de Málaga–; y El Fortín, más allá de la frontera, documental del realizador Nicasio Fernández. El corto de la semana es Los gritos, de Colectivo Audiovisual Silbando Bembas, que se proyectará en programa doble junto a La Mujer de Vidrio, de Javier Canale. Los días 20, 21, 22 y 23 de julio, a las 19:15 horas, se podrá disfrutar del ciclo Camino al Festival (ver programación en Cartelera del Gaumont).

El documental El Fortín, más allá de la frontera, de Nicasio Fernández, forma parte del Programa de Estreno de Documentales Digitales, por lo tanto, además de su estreno en el Cine Gaumont, el jueves 20 podrá verse en la señal CINE.AR TV a las 20 horas, y estará disponible en la plataforma CINE.AR PLAY desde el viernes 21 por una semana y en forma gratuita. También será exhibido en la Red de Espacios INCAA (consultar salas en la cartelera de Espacios INCAA).

Además, el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales está presente en la 12ª edición de Tecnópolis, que este año tiene como lema "La Potencia de lo Colectivo", un homenaje a los 40 años de la recuperación de la democracia en Argentina. La muestra de arte, ciencia y tecnología más grande de Latinoamérica puede visitarse, de manera gratuita, de miércoles a domingos de 12 a 19 horas, hasta el 27 de agosto. Este año el INCAA cuenta con el espacio Cine en Democracia. La propuesta ofrece una experiencia audiovisual e interactiva a través de las diferentes producciones del cine nacional de los últimos 40 años. Se trata de un compilado de escenas emblemáticas de películas que marcaron la historia de nuestra cinematografía y que constituyen una parte fundamental de nuestra identidad y acervo cultural.

Además, las y los asistentes tienen la posibilidad de conocer de cerca el mundo de la realización cinematográfica y los efectos especiales en el cine a través de una vivencia lúdica con la técnica del croma, que permite sustituir un área de color en la imagen por otro registro fotográfico o por un video. Por su lado, los más pequeños podrán colorear con crayones diversos afiches cinematográficos.
 

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ESTRENOS INTERNACIONALES

BARBIE, de Greta Gerwig. Con Ryan Gosling, entre otros.
OPPENHEIMER, de Christpher Nolan. Con Cillian Murphy, entre otros.

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PELÍCULAS NACIONALES YA ESTRENADAS

BLONDI

Guion y Dirección de Dolores Fonzi, coguionista: Laura Paredes. Con Dolores Fonzi, Rita Cortese, Carla Peterson, Tptp Rovito, Leonardo Sbaraglia, entre otros. Fotografia de Javier Juliá. Música de Pedro Osuna. Duración: 87 minutos.



XXXX-UNA PELÍCULA DE HOY

Grata sorpresa es esta película de Dolores Fonzi que ha tenido un recorrido diverso, desde salas comerciales hasta streaming.

Fonzi logra transmitirnos las vivencias de hoy, una rabiosa cotidianeidad en las relaciones familiares que parten, en este caso, de tres mujeres: una madre, Pepa (Rita Cortese) y sus dos hijas: Blondi (Fonzi) y Martina (Carla Peterson). Blondi tiene un hijo adolescente, Mirko (Toto Rovito), con quien mantiene una relación de amistad y complicidad muy actual mientras que su hermana se debate en la perfección, o imperfección, de su hogar, constituido sobre bases muy conservadoras con un marido (Leonardo Sbaraglia) que no termina de hacerla feliz. Hermanas que son el agua y el aceite, con una madre que las comprende pero que no deja de vivir su vida.

Es decir, tres mujeres empoderadas de diversa manera.

La narración de Fonzi es muy fluida, atrapante en ese ir y venir de la vida de su personaje Blondi junto a su hijo y su madre. El clima resulta muy contemporáneo, muy actual, con personajes que nos hablan desde un lugar que empatiza con cada uno de nosotros. Es ficción, ciertamente, pero por momentos se tiene la sensación de que se ha vivido o vive vivir la secuencia que se está mirando.

Estas sensaciones tan vívidas tienen estrecha relación con los diálogos que son absolutamente simples y reales, hablan de lo que cada personaje siente, padece o goza. Nada es trivial: lo que pasa allí nos pasa en algún momento de la vida. Desde la necesidad de libertad de acción hasta poner límites a hijos y entenados.

Un gran logro de Dolores Fonzi: nos acerca una historia que está sacada de la vida misma, sin remilgos ni presunciones. Encantadora historia de mujeres.

Elsa Bragato

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JUEVES 6 DE JULIO DEL 2023.-

Este jueves 6 en el Cine Gaumont se estrenan los largometrajes Trenque Lauquen, un drama de suspenso dirigido por Laura Citarella, ganadora del Primer Premio del Fondo Nacional de las Artes al Mejor Guion en 2018; Me encontrarás en lo profundo del abismo, largometraje de ciencia ficción y suspenso dirigido por Matías Rispau; y los documentales Noh, coproducción realizada entre Argentina, Japón y Alemania dirigida por Marco Canale, Juan Fernández Gebauer e Ignacio Ragone, sobre una obra de teatro escrita por Marco Canale, protagonizada por un elenco japonés (Mención Especial del Jurado a Mejor Largometraje de la Competencia Argentina del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, 2021); y El vaivén de las escuelas, realizado por Martín Ferrari.

El corto programado para esta semana es Escuela rural, realizado, escrito y producido por Joaquín Lucesoli, que será exhibido en programa doble junto al documental El vaivén de las escuelas.

El corto fue el ganador del Premio a la Mejor Animación en el XXXI Concurso Nacional de Cine Independiente de Cipoletti, Rio Negro, 2015; y del Premio INCAA TV en el 12º Festival Cortos Penca, San Juan, 2017.

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CINE.AR PLAY

Desde el martes pasado, 4 de julio, la plataforma de video a demanda renueva la sección de Novedades con los largometrajes Hijas de la comedia (Argentina – 2022 – 63 min – ATP), de Victoria Carreras; La vida dormida (Argentina – 2021 – 75 min – ATP), de Natalia Labaké; Ojos de arena (Argentina – 2021 – 92 min – SAM 13), de Alejandra Marino; El fulgor (Argentina – 2022 – 65 min – SAM 13), de Martín Farina; y los cortometrajes Emma (Argentina) de Claudia Alba Bracco y La vida en vida (Argentina), de Fernando Guerrero.

Este jueves 6, CINE.AR PLAY estrena los largometrajes Herbaria (Argentina – 2022 – 83 min – ATP), de Leandro Listorti; y Bajo la corteza (Argentina – 2022 – 82 min – SAM 13), de Martín Heredia Troncoso.

7 de julio: CORTOS ENERC

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CINE.AR PLAY y CINE.AR TV exhibirán en su programación de ese día una selección de cortometrajes compuesta por las tesis realizadas por alumnos y alumnas de la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC). En la señal de cable, a las 22 horas; y en la plataforma, disponible todo el día.

Una receta familiar, de Lucía Paz

Siesta, de David Chacón

Apnea, de Inés Puente Iturralde

1002, de Esteban Wolfenson

El hijo del pueblo, de Jacinta Bonaiuto

Esta herida cuando no cicatriza se vuelve piedra, de Nicolás Turjanski

Isabel, de Lisa Mena

Imilla, de Mayra Arasy Nieva

ESTRENOS INTERNACIONALES

1.-LA NOCHE DEL DEMONIO, LA PUERTA ROJA. De Patrick Wilson. Continuación de la saga.

2.-KARAOKE,

ESTRENOS NACIONALES

3.- CASI MUERTA, de Fernán Mirás. Con Natalia Oreiro.

4.- ME ENCONTRÁS

4.-ME ENCONTRARÁS EN LO PROFUNDO DEL ABISMO, de Matías Riuspan.

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CRÍTICAS DE ALGUNOS ESTRENOS

EXTRAÑEZA

De Roberto Andó. Coguionada por el director también. Arte de Mariangela Caggiani, Música de Emanuele Bossi y Michele Braga. Fotografía de Maurizio Calvesi. Con Toni Servillo, Salvo Ficarra, Valentino Picone, Renato Carpentieri, Giulia Andó, Rosario Lisma, Donatella Pinicchiaro, entre otros. Duración:103 minutos.

XXX- INTERESANTE FICCIÓN SOBRE EL ESCRITOR PIRANDELLO

Con formato clásico, retomando muchos elementos del cine italiano de todos los tiempos, el director Roberto Andó tomó la figura del escritor Luigi Pirandello en un viaje a su Sicilia Natal en 1920. Valiéndose de una portentosa imaginación, ficciona el momento previo a escribir la famosa obra "Seis personajes en busca de un autor", retratándolo como un hombre sufriendo por la enfermedad mental de su esposa y asolado por fantasmas de su infancia y sus propios personajes.

Roberto Andó logra superar el delgado límite que lo separa de la ciencia ficción al incorporar una fotografía cálida y trasladar las inquietudes teatrales de Pirandello a dos personajea pintorescos sicilianos: dos funebreros que actúan sus propias obras y que no lo reconocen. Lo acompaña una buena banda sonora que en algún momento descubre la influente de un Nino Rota o de un Ennio Morricone.

Entre las cualidades del realizador surge la capacidad de tocar temas muy profundos sin caer en el melodrama socarrón: desde el entierro de la nodriza de Pirandello hasta sus propias cavilaciones deambulan dentro de un clima fantasioso de comedia que no desestima pero tampoco dramatiza. En la búsqueda de una síntesis argumental, la agilidad narrativa se empantana bastante en la mitad. Por momentos hay más presencia de los personajes ficcionados que del propio Pirandello.

Como fuere, es un film agradable, simpático, que mezcla sabiamente la ficción con la realidad para dar vida al trascendental momento de la gestación de una obra maestra de Luigi Pirandello.

Elsa Bragato

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NUESTROS DÍAS MÁS FELICES

Guion y dirección de Sol Verruezo Pichon Riviere. Coguionista: Laura Mara Tablón. Fotografía de Gustavo Schiaffini. Arte de Angeles Frinchaboy. Música de Leo Ghernetti, canciones Slow Down de Mum&Happiness de Molly Drake. Con Claudio Martínez Bel, Lide Uranga, Matilde Creimer Chiabrando, Christian Jensen, Antonella Saldicco. Duración: 100 minutos.

XXX – FÁBULA NO CONVENCIONAL SOBRE LA RELACIÓN INTERFAMILIAR

Cuando la realidad se torna adversa, la extrema imaginación puede ayudar a superar el shock emocional inicial como transitar el período posterior. Sol Verruezo Pichon-Riviere adopta este criterio para contarnos lo que sucede en el seno de una familia cuando la madre, de 74 años, tiene un diagnóstico de salud desfavorable. Agatha (Lide Uranga) hace frente a un duro momento personal, acompañada por su hijo menor, Leónidas (Christian Jensen), quien vive reprimiendo su homosexualidad. Repentinamente Agatha, que sigue a un gurú de la tele, un chanta absoluto que encarna Claudio Martínez Bel, tiene una transformación física y su espíritu ingresa en el cuerpo de una niña de 8 años (papel encarnado por Matilde Creimer Chiabrando). Entonces aparece la hija mayor, Elisa (Antonella Saldicco), mujer independiente, para ayudar.

En esta transformación la realizadora encuentra la manera de contar cómo un núcleo familiar puede reintegrarse: la comprensión del otro, el amor hacia el prójimo, el respeto por las necesidades de otro, son los sentimientos que rápidamente afloran en Elisa hacia su "niña madre", mientras Leónidas encuentra libertad de acción.

Hacia la mitad del film, la narración cobra unidad, se comprende claramente la relación madre e hija e hija- madre, aceptándose esa suerte de "dadaísmo" inicial donde Leónidas recorta fotografías ubicando a sus personajes de manera distinta, reorganizando grupo familiares, armando collage de palabras. Del melodrama de Agatha pasamos a una historia de fantasía donde un personaje cambió su forma pero ninguno cambió su rol. Es un juego de imágenes, metáforas visuales, que la directora Verruezo Pichon-Riviere concreta en actores de carne y hueso.

El hecho de que todos los personajes hayan mantenido los vínculos iniciales da una respuesta muy clara sobre lo indestructible de los vínculos familiares y lo imperioso que resulta el recuperarlos a través de la sanación y, esencialmente de la aceptación del otro.

Es un film diferente en su estructura que propone un tema común a todos: el amor, el respeto al otro. Interesante aunque no convencional.

Elsa Bragato

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ESTRENOS INTERNACIONALES

1.-INDIANA JONES Y EL DIAL DEL DESTINO, de James Mangold. Con Harrison Ford.

"Una orgía de nostalgia con varios problemas.... Se debate entre la duda de apelar a la nostalgia del espectador viejo o llamar la atención del nuevo público de superhéroes. Entre la espectacularidad y la pérdida del alma... se le perdona todo por su más que brillante desenlace", de Luis Martínez, Diario El Mundo.

"Se ve lastrada por un puñado de secuencias de acción aparatosas pero no especialmente inspiradas, personajes secundarios nada memorables y un exceso de efectos digitales que la priva de la fisicidad y la inmediatez que un día definieron la saga", de Nando Salvá, Diario El Periódico.

2.-KRAKENS Y SIRENAS: CONOCÉ A LOS GILLMAN, de Kirk De Micco y Faryn Pearl. Animación.

"Los realizadores saben dotar de personalidad al resto de su elenco. Las secuencias espectaculares distraen de la lucha personal de Ruby, impidiendo que esta historia de Kraken profundice tanto como podría haberlo hecho", de Peter Debruge, Variey.

"Una película tierna, divertida y muy agradable... El filme tiene una estética estupenda, con su paleta de colores y su seductora opulencia submarina", de Wendy Ide, Screendaily.

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ESTRENO NACIONAL

DESTINO PASIONAL

De Juan Romero. Guion de Francisco D'intino. Con Andrea Torres, Marcelo Melingo y Miguel Faustmann. Fotografía de Gio Croatto, Arte de Florencia Nogue y Robert Villaco, Música original de Mingui Ingaramo. Duración: 118 minutos.

XXX- MELODRAMA CON INTENSO REALISMO

La propuesta de Juan Romero es un melodramón que solemos ver en las telenovelas aunque justo es reconocer que contiene, entre la bella fotografía y la buena banda sonora, un intenso realismo. La línea argumental es elemental: dos que se encuentran de casualidad, una atracción fatal, paseos por parajes de enorme belleza visual, uno que ama a morir y el otro que se despide amando. Nada nuevo bajo el sol pero, sin embargo, no exento de verosimilitud. A veces, aquello que nos hace ruido por merodear lo cursi es lo que más se acerca a situaciones de la vida real. Parece que diera escozor verlo en una pantalla chica o grande. Sin embargo, nadie puede negar que estas cosas ocurren.

Se destaca que es la primera producción entre Argentina y Filipinas, contando con la actuación protagónica de la primera actriz filipina Andrea Torres y del argentino Marcelo Milingo, reconocido actor a cargo de un muy interesante complejo cultural (Caras y Caretas). "Norberto" (Melingo) se despide en Ezeiza de su pareja para emprender un vuelo que hace un aterrizaje de emergencia. Su compañera de asiento es "Mahalia" (Torres). Y Filipinas es el destino en el que, por diversos motivos, van a descubrir una pasión impensada.

Buenas actuaciones, ductilidad gestual de Andrea Torres, compenetración de Marcelo Melingo, bellezas naturales atrapantes, confluyen para que esta narración elemental resulte atractiva.

Elsa Bragato

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CINE.AR PLAY

Desde el martes pasado, 20 de junio, la plataforma CINE.AR PLAY, ha renovado la sección de Novedades con los largometrajes La Organización Negra (Documental – Argentina – 2017 – 72 min – SAM 13), de Julieta Rocco; Una cita, una fiesta y un gato negro (Ficción – Argentina – 2012 – 89 min – ATP), de Ana Halabe; y los cortometrajes Mutar la piel (Argentina – 2020 – 9 min) de Giuliana Nocelli; Antonio (Argentina – 2013), de Julián de Luca y Juan Cruz Sorrón.

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ESTRENOS INTERNACIONALES

1.-EL EXORCISMO DEL DEMONIO, de Keith Thomas.



"Con reflejos de El exorcista, Thomas dispone una puesta en escena casi teatral en la que todo funciona. Desde su banda sonora hasta la forma en la que plantea el uso de la tecnologia", de Santiago Alvero, Cinemania.



"Lo mejor de todo es cómo Thomas transforma la cultura ortodoxa para hacer una película de terror sangrienta y satisfactoria", de Jordan Mintzer, The Hollywood Reporter.

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UNA FEMMINA

De Francesco Contabile. Con Lirio Abbate, Serena Brugnolo, entre otros. Fotografía de Giuseppe Maio. Música de Valerio Camporini Faggioni. Con Lina Siciliani entre otros. Guion basado en el libro de Lirio Abbate bajo el título "Fimmine Ribelli, come le donne salveranno il paese dalla Ndrangheta". Duración: 120 minutos.

XXX – RETRATO DE LA MAFIA CALABRESA, LA NDRANGHETA

El realizador Francesco Contabile nació en Calabria y conoció por dentro la mafia de esa región italiana. La dominación del varón, la sumisión de la mujer, las desapariciones de personas (especialmente mujeres), la venta de droga y la relación con los grandes dealers. A través de "Rosa", encarnada por lina Siciliano, sugerente actriz, se desarrolla este drama que pasa por distintos estadíos: desde el thriller dramático inicial hasta el melodrama para terminar en escenas muy potentes: coros de mujeres vestidas de luto clamando por libertad.

En verdad, la realización tiene elementos muy distintivos basados en la fotografía y los climax logrados en diversas secuencias a través del trabajo del color y del sonido. Es, ciertamente, un film que complace a los exigentes jurados de los festivales y muestras internacionales. No obstante esta calidad fílmica, no es justamente un film comercial porque le falta dinamismo, que se logra en el final. La densidad narrativa deja de conmover.

"Rosa" es un personaje conocido dentro de la cinematografía mundial: es la joven oprimida que tiene espantosos recuerdos de la desaparición de su madre, que está criada por la "familia" y que intentará tener su propio destino. En la mayoría de películas conocidas, la muerte es el final. Para "Rosa", la heroína del film de Costabile, hay una secreta esperanza de vida.

Atractiva propuesta que sucumbe por una exagerada parsimonia en el relato.

Elsa Bragato

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ESTRENOS NACIONALES

JUEGO DE BRUJAS

De Fabián Forte. Con Ezequiel Rodríguez, Lourdes Mansilla, Denise Bárbara, Virginia Lombardo, Natalia Grinberg, entre otros. Arte de Juan Valle. Fotografía de Nicolás Gorla. Música de Eric Kuschevatzky. Duración: 85 minutos.

XXX – EL DEMONIO NOS ACECHA

El cineasta Fabián Forte logra con este film sumergirnos en un mundo diabólico donde se desdibujan los límites entre realidad y ficción. La joven Mara (Lourdes Mansilla) mantiene mala relación con sus padres y con su ocasional novio, Marcos. Su hermana, Sofía, en cambio intenta ganarse el favor de los padres que no entienden la extraña conducta de Mara. Es que ésta ha logrado ingresar a un mundo virtual donde los brujos se corporizan y la incitan a enfrentar a los demonios. Tiene un arduo aprendizaje mientras, en la vida real, sus padres esperan que deje el dormitorio para apagar las velitas por su cumpleaños número 18.

Forte, que tiene buena experiencia en largometrajes, logra un film de género potente, atrapante, con muy buenos efectos especiales, donde el mundo digital-virtual cobra también vida. De pronto el espectador se ve sumergido en una atmósfera sanguinolenta, un climax asfixiante, con una música incidental excitante que atemoriza.

Ficción y realidad se vuelcan en una narración impecable, aunque previsible. Es el mundo irreal que descoloca a Mara atrapándole la mente y el alma en la oscuridad satánica.

Muy interesante, especial para los amantes del género. Este film nacional no los decepcionará.

Elsa Bragato

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OH, POR LENIN, CRISTIANISMO Y REVOLUCIÓN

Dirección y guion de Lucho Corti. Fotografía de Patricia Batlle. Sonido de Lucho Corti. Montaje de Omar Neri y Mónica Simoncini. Música de Mauro Aquino. Documental.

XXX – HOMENAJE A UN SACERDOTE FRANCISCANO

El sacerdote Antonio Puigjané recibe un justo homenaje a través de este documental de Lucho Corti, en el que se muestra, con la excusa de un cumpleaños, parte de su vida y de su lucha siempre al lado de los pobres manteniendo en alto las consignas de un revolucionario. De esto, a lo largo del documental, no quedan dudas.

El subtítulo del documental lo indica claramente: cristianismo y revolución, y hay menciones al respecto, cómo ser un buen cristiano como paso previo a ser un revolucionario.

Las secuencias están cargadas de emotividad, tienen un corte casero que acentúa el valor espiritual de este trabajo, es decir, no se buscó el aspecto comercial en sí mismo, sin más objetivo que no sea el de honrar a Fray Puigjané por su tarea como sacerdote y como hombre de principios revolucionarios. Si bien apunta a un público muy determinado, deja también un testimonio de una época signada por principios de fe y de lucha.

Elsa Bragato

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XXXXX- EL EMBRIÓN CRIMINAL QUE NOS ACECHA

"La bruja de Hitler" es, sin duda, una de las películas más sobresalientes del cine nacional de los últimos 20 años. Virna Molina y Ernesto Ardito logran una narración diferente, enmarcada en el cine arte, que bucea en los refugiados nazis radicados en Bariloche y el sur de Chile. La historia se ubica en 1961 en la ciudad de los lagos a la que llega la familia protagonista buscando asilo en casa de los Krauss. Los hijos de éstos así como los descendientes de los recién llegados deberán enfrentar pensamientos y conductas viles de sus mayores, un aprendizaje de vida inesperado. Una de ellas, la bella Frida (Lucía Kaecht), de rostro angelical, es hija de quien fuese llamada "la bruja de Hitler", y encontrará consuelo en un amor lésbico, así como Gretel (Victoria Lombardero Co), hija del jerarca nazi que pide asilo (Heins K Krattiger), se acostumbra a las perversiones paternas mientras Hans (Ulises D'Atri) es el joven que intenta salir de las terribles coordenadas familiares, así como la pequeña Emma (Ema Eraso Villarino) sufre en su cuerpo el oscuro ambiente familiar. Los demás personajes muestran las huellas de una forma de pensar y vivir que los ha trastornado de diversas maneras. Hay locura, posesión, criminalidad aberrante. Por momentos, se produce un deambular narrativo que puede dar la sensación de una historia que se deshilvana cuando, en verdad, son astillas de un mismo tronco.

El trabajo de pre y postproducción es alucinante, concretándose en la fotografía cuidada cuadro por cuadro con riqueza de planos, lográndose texturas visuales muy peculiares. Asimismo cobran importancia el sonido ambiental y la música incidental: el Ave María se transforma en una melodía hiriente, en un grito desolado o en un aviso aterrador. En verdad, asistimos a una disección de un pensamiento único que vigila la vida de sus integrantes, los aterra, los pervierte, los violenta, bajo la orden de aparentar una felicidad que, entre cuatro paredes, es degradación o podredumbre de conciencias y cuerpos.

Molina y Ardito logran una alegoría de una belleza impiadosa sobre las minorías que se autodefinen como supremacías sociales. Es decir, "La bruja de Hitler" funciona como un huevo de serpiente: a través de su membrana vislumbramos al monstruo que late y solo espera nacer: un embrión al acecho.

Elsa Bragato

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LABERINTOS PERSONALES

Dirección y guion de Alejandra Perdomo. Fotografía de Mario Varela y Lucas Martelli. Música de Eruca Sativa, Pedro Aznar.

XXX – EL INFAME COMERCIO DE PERSONAS SOBRE EL TAPETE

Alejandra Perdomo se hace eco de una problemática increíble: en nuestro país hay 3 millones de personas que no saben quiénes son en verdad, tienen una identidad falsa. A esto se suma que, durante la pandemia, muchos hijos fueron separados de sus familias, víctimas del tráfico de personas.

En verdad, este doloroso tema no es reciente. Por eso, Perdomo toma muchos casos de mujeres y hombres de diversas edades que hoy saben que no son quienes dicen ser sus respectivos papeles y buscan su identidad. Y es el caso de la misma directora, Alejandra Perdomo, quien inició la autobúsqueda de identidad en el 2002 y, a más de 20 años, continúa con ella. Frente a cámaras van desfilando Gisela Di Vincenzo, Marice Batistone, Viviana Scalize, María del Carmen Morales, J. Bardaccini, entre mucha otra gente que busca su identidad, que saben que los robaron de sus verdaderas familias y están buscándolas. Incluso aparece la doctora Eva Giberti como conocedora del tema aportando su visión. Desde hace décadas, ha sido una gran consejera privada y televisiva sobre estos casos que involucran a menores.

Es un documental necesario, que pone sobre el tapete una verdad que muchas familias sufren desde hace mucho más que 20 años, nos animamos a decir por conocimiento directo que desde hace más de 70 años es un hecho que asola a las jóvenes madres de nuestro país. Aunque parezca inverosímil, los casos de "bebés fallecidos" abundan en nuestra patria, hijos que buscan a sus familias y padres y madres que buscan a los hijos que les fueron arrebatados. El tráfico de criaturas es alarmante y este documental da cuenta de esta atroz circunstancia además de iniciarse a través de la acción de Perdomo un amparo colectivo e internacional. La lucha continúa como ayer. Décadas de infame comercio.

Elsa Bragato

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ESTRENOS DE CINE EN SALAS

1.- LA SIRENITA, de Rob Marshall.Con Halle Bailey.

"Bailey es lo mejor de esta película pero, a pesar de contar con un equipo repleto de talento, esta remake no puede igualar la magia del clásico de 1989", de Ellen Jones, The Guardian

"En conjunto, hace lo que pasados remakes "live action" no hicieron justificar su existencia más allá de ser una forma descarada de hacer caja", de Maureen Lee Lenker, Entertainment Weekly.


2.- MARIQUITA, MUJER REVOLUCIÓN, de Sabrina Farji.

Sin críticas hasta el viernes.

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ESTRENOS DE CINE NACIONAL EN SALAS

DÚO

Dirección y guion de Meritxell Colell Aparicio. Fotografía de de Sol Lopatin. Montaje de Ana Pfaff, Meritxell Colell Aparicio. Sonido de Verónica Font. Con Mónica García, Gonzalo Cunill, María del Valle Mamani, María Máxima Ramos, Eustacia Soriano, entre otros. Coproducción de Argentina, España, Chile y Francia. Duración: 107 minutos.

XXX- DE LA MANO EL ARTE Y LA VIDA

Dúo en la vida y en el teatro... Mónica regresa a la Argentina desde su España natal y con su pareja viaja hacia el Norte. Son un dúo sobre el escenario, arte, danza, y comunidades indígenas a las que deben tener en cuenta. Pueblo perdidos en las montañas con poblaciones acostumbradas al silencio, como dicen, que se funde con la naturaleza.

El planteo de Colell Aparicio es esencialmente poético: así utiliza la cámara, trabaja los colores, apunta al cielo, al horizonte, se cuela en los rostros de sus protagonistas que, a su vez, quedan envueltos en luces y sombras.

Es un descubrimiento constante de lo que pueden ofrecer desde un tablado hasta lo que ellos sienten en su corazón, en sus mentes. Es un intercambio constante del medio ambiente con sus espíritus. Y eso es lo que trasunta la cámara de la realizadora.

En cierto modo, más que una ficción pura, es un docuficción. Dos artistas, una pareja, un mundo afuera, dos mundos interiores, una búsqueda constante que marca el crecimiento del amor y del arte.

Interesante propuesta, más cercana al cine-arte que a la ficción o al documental lisa y llanamente.

Elsa Bragato

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ESTRENOS EN PLATAFORMAS

LA MADRE (NETFLIX)

De Niki Caro. Con Jennifer López, Gael García Bernal, Joseph Fiennes, Oman Hardwick, entre otros.

XXX- JLÓPEZ CON DEMASIADO MAKE UP

El estreno de "La madre" protagonizada por Jennifer López en Netflix (viene de protagonizar el estreno de una comedia en otra plataforma) resulta más que elemental, pobre, sin crecimiento del protagónico, o sea justamente La Madre que está en la piel de la millonaria cantante-actriz. Nos cuenta la historia de una mujer que da en adopción a su hija y que luego de varios años, en los que ha servido en diferentes guerras a su país, debe encargarse del cuidado de su hija, de 12 años. Le promete a la niña que la hará fuerte como ella.

Pero JLópez no crece en el rol. Está rodeada de fantásticos paisajes y de muchas armas. Mata animales del bosque, se enfrenta a tiros y con los puños con quienes quieren raptar a su hija por una venganza sicaria, es decir, es una y mil JLopez sin que su rostro lo denote.

Maquillada a la perfección, peinada a lo "Alan Ladd" (quienes peinen canas recordarán al mítico actor cuyo jopo aparecía inalterable a pesar de las luchas y balaceras), solo hay destreza física y ninguna emoción. Por otra parte, para que el film continúe hubo que darle una torción bastante fuerte al guion a fin de encontrar otro lugar desde donde "la madre" pudiese seguir defendiendo de balas y extraños a su hija. Distintos parajes para la misma acción.

El mensaje no es el mejor. En todo caso es el que no queremos tener ni los grandes y mucho menos los chicos de este país: Cómo manejar las armas para matar. No, no está bien, es un intento que le debe dejar buenos dividendos a la actriz y cantante pero es un producto que no aporta nada ni al feminismo (se dice que la directora quiso dar un paso adelante sobre el valor de las mujeres capaces de ir a la guerra, empuñar armas y matar a quien fuere) ni a la maternidad misma, punto más que cuestionable de esta propuesta. La hipano norteamericana aparece junto a uno de los dos galanes mexicanos de las últimas décadas: Gael García Bernal quien, junto a Diego Luna, son los dos excelentes actores aztecas actuales. Recordemos que García Bernal es la ex pareja de nuestra Dolorez Fonzi, con quien tuvo dos hijos, hoy pareja del laureado Santiago Mitre (Argentina, 1985).

Nada se puede agregar. Con mucha paciencia se llega al final del film sin que, en su transcurrir, haya ocurrido algo que merezca mención.

Elsa Bragato

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LOS PACIENTES DEL DOCTOR GARCÍA

(MINISERIE, 10 CAPÍTULOS, NETFLIX)

De Juan Noguera. Guion de José Luis Martín, sobre la novela homónima de Almudena Grandes. Con Javier Rey, Verónica Echequi, Tamar Novas.

XXXXX – NOTABLE MINISERIE SOBRE LA GUERRA CIVIL DEL 36 Y SUS CONSECUENCIAS

De una realización fantástica, ambientación perfecta, y uniendo temas entre España y Argentina, es esta miniserie que se basa en una novela de la recientemente fallecida Amparo Grandes. Narra la vida del doctor García quien atiende, como médico, a Manuel (Tamar Novas) cuando es internado malherido proveniente del frente contra las tropas comandadas por el general Franco. A su vez, el doctor García debe darle cristiana sepultura a su tío, un general franquista, y albergue a su prima Amparo, con quien tendrá una gran pasión y un hijo.

Ella es pro Franco, él no es Comunista pero no acepta a los dictadores como Primo de Rivera, que dejó el gobierno, o Franco, que viene arrasando las ciudades españolas con ayuda de Hitler y Mussolini.

Es muy interesante la inclusión de personajes reales como Clara Stauffer, que encarna la actriz Eva Llorach, mano derecha de los jerarcas nazis, encargada de darles asilo y de derivarlos a América Latina, especialmente Argentina. Otro personaje real es Otto Skorzeni, que interpreta Marius Biegai, con la misma tarea que Stauffer.

Por distintos motivos, Manuel, salvado por el doctor García, viaja a Buenos Aires, reencauza su vida, pero en tiempos de la Dictadura Militar de 1976 por lo que decide regresar, luego d e muchos años, a Madrid junto a su mujer y sus hijos argentinos.

A su vez, el doctor García ha cambiado de nombre y de profesión, teniendo además una nueva familia si bien el primer hijo, al que no pudo ver nunca más por decisión de su prima, regresará a su vida.

Gran miniserie, muy interesante desde todo punto de vista. La dirección de Arte, la síntesis del guion a partir del libro de Grandes, las actuaciones, la filmación en sí, nos hablan de un gran producto. No deje de maratonear con esta miniserie. Y siempre debemos tener en cuenta que la adaptación de una obra literaria a otro arte, en este caso el cine, exige algunas modificaciones que nunca alterarán el producto original.

Elsa Bragato

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INFORMACIÓN DEL INCAA

El Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) anuncia la renovación de sus pantallas para la primera semana de mayo. Este jueves 4 en el Cine Gaumont se estrenan Empieza el baile, una comedia dramática de Marina Seresesky, Premio Julio Alejandro de Guión de la Fundación SGAE y Premio Encuentro de Coproducción Festival de Cine de Sevilla; Desperté con un sueño, de Pablo Solarz; Los olvidados: Cicatrices, un thriller de terror dirigido por Nicolás Onetti; y los documentales Cómo decirte que te quiero, de Matilde Michanie; Silencio en la ribera, de Igor Galuk; y Viedma, la capital que no fue, de Jorge Leandro Colás.

El cortometraje seleccionado para esta semana es Pintango, una comedia realizada en animación por Rodolfo Pastor, que cosechó una larga lista de premios, entre los que se encuentran Mejor Corto Internacional en el 15° Baixada Animada 2022 (Brasil), Mejor Animación en Animate 2022 (Australia), Mejor Animación en el 22° FICL 2022 (España) y Mención del Jurado en el 13° FICCS (Argentina). El cortometraje de Rodolfo Pastor será exhibido, en programación doble, junto al largometraje Empieza el baile, de Marina Seresesky.

El documental Silencio en la ribera forma parte del Programa de Estreno de Documentales Digitales, por tanto, además de su estreno en el Cine Gaumont, el jueves 4 podrá verse en la señal CINE.AR TV a las 20 horas y estará disponible por una semana en la plataforma CINE.AR PLAY, desde el viernes 5, en forma gratuita.

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ESTRENOS DE PELÍCULAS NO HABLADAS EN CASTELLANO
EN SALAS (puede haber cambios de último momento)

1.- GUARDIANES DE LA GALAZIA VOLUMEN 3, deJames Gunn. Con Zoe Saldana, entre otros.

2.- CÓMO DECIRTE QUE TE QUIERO, de Matilde Michanie.

3.- PODERES OCULTOS, de Eskil Vogt.

4.- MISÁNTROPO, de Damián Szifron. Con Ben Mendelsohn.
Es el primer filme del argentino Damián Szifron luego de la exitosa “Relatos Salvajes”. Narra las vicisitudes de inspectores federales para “cazar” a un asesino serial que en una noche festiva dejó un saldo de 29 muertos, homicidios. Tiene un estupendo comienzo, pero no llega a la empatía que produjeron los sketches de “Relatos salvajes”. Szifron tiene una técnica excelente, la cuestión suele pasar por las idas y venidas de la narración. EB

5.- VERA, de Tizza Covi y Rainer Frimmel. Con Vera Gemma, Asia Argentino, Daniel De Palma, entre otros. Fotografía de Rainer Frimmel. Música de FLorian Benzar, Michel Pogo Krener. Duración: 115 minutos.

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VERA

Producción austríaca de Tizza Covi y Rainer Frimmel.



XXX- UNA CURIOSIDAD MÁS QUE UNA PELÍCULA

Ser descendiente de grandes personalidades del cine, de la música, de las artes en general, es un regalo de la vida que impone obligaciones más que derechos: labrarse un camino propio tratando de alcanzar el mismo nivel familiar de excelencia y notoriedad. Esto no se consigue casi nunca. Es el caso de Vera Gemma, y seguramente de su hermana, hija del famoso actor y galán italiano Giuliano Gemma, protagonista de los spaghetti western italianos. Fue un hombre apolíneo, de una belleza masculina extrema, que marcó el destino de sus hijas: ser bellas como premisa de vida. Y en este caso, las cirugías fueron aliadas. Al parecer, por el rostro de Vera Gemma, la protagonista absoluta del film, no fue la mejor decisión, Se puede debatir lago relato sobre si se trata de un docuficción o de una ficción. Para nosotros, es un documental que presenta aspectos muy deshilvanados de la vida de Vera Gemma, dividida entre sus amores, un accidente automovílístico, la búsqueda de un personaje en el cine, los recuerdos familiares, algún hecho policial que la compromete y la relación con su chofer, un hombre sesentón con temblequeo en las manos.

Es, como dijimos, una curiosidad que llega a las pantallas grandes: a Vera Gemma, que acabamos de descubrir como hija de un astro del cine italiano, la acompaña la hija de otro grande, Asia Argento, hija de Darío Argento. En ambas está el germen paterno del éxito, la cuestión es alcanzarlo sin quedarse en un papel de segundo. Hacen esfuerzos, Vera Gemma los hace, pero en verdad no está destinada al éxito del famoso papá.

El hecho de que la historia se centre en un personaje de la vida real, con su nombre y apellido verdaderos, acerca la película al documental si bien no trata la vida de Giuliano Gemma sino el presente de una de sus hijas. No dice mucho más esta película, de confusa narración (no sabemos en verdad cómo es la vida de Vera, salvo que presente un lugar glamoroso en un mundo donde está todo dicho).

Elsa Bragato

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SILENCIO EN LA RIBERA

Documental de Igor Galuk, guion y dirección. Fotografía de Ignacio Izurieta, Camarógrafo: Tute Ramos e Igor Galuk. Sonido Juan Moltieni y Diego Acosta, Montaje de Pablo Rabe y Jerónimo Carranza. Música: Preludio 1 de Heitor Villalobos, Norteña, El rancho é la cambicha, Recuerdos de la Alhambra. Con Carlos Girard, Daniel Gómez y flia, Carlos Cánepa, Renzo y Miguel Ruscitti, Altamira Herrera Burgos, Flia Desimone, Flia Bosio de la Quintana. Hermanos Guerra Castro, Pocho Borge. Duración: 72 minutos.



XXXX- AUSENCIAS IRRENUNCIABLES RESCATADAS DEL OLVIDO

Se cumplen 47 años desde aquel mayo de 1976 en el que el escritor y periodista Haroldo Conti fue “chupado” por la dictadura cívicomilitar y desaparecido. El oriundo de Berisso, Igor Galuk, cineasta de sólida formación, se lanza al largometraje con este documental donde rinde homenaje a los hombres silenciosos de la isla Paulino de Berisso y a uno de sus moradores, Haroldo Conti.

Ingente trabajo de pre y postproducción hay en la recuperación del documental inconcluso de Roberto Cuervo, un retrato de Conti que inició en 1975. Galup toma el fílmico de Cuervo donde aparece Haroldo Conti junto a su mujer Marta Scavac (falleció en el 2016) y lo rearma con fílmicos actuales. Pasa del blanco y negro de Cuervo a los cálidos colores actuales logrados con su cámara y un muy buen equipo técnico. La voz en off va uniendo pasado y presente, los close up de tallos de altas plantas, la pesca silenciosa y por momentos brutal, los caballos como únicos amigos de los moradores unidos a sueños de dignidad y trabajo, se conjugan con el entorno natural. Bucólico paisaje de una ribera bañada por el Río de la Plata, marrón sus aguas y marrón la arena, o un sepia intenso, caracterizan este documental de grandes valores artísticos, dividido en capítulos. Ni en verano ni en invierno hay diferencias sustantivas en la vida de los moradores y sus casas de chapas en medio de malezas; la rutina sinfín está descripta con precisión, mientras Galup intercala fragmentos del documental de Cuervo al que le agrega secuencias actuales, o bien 47 años no son nada para el eterno recuerdo. Solo tuvo que unir ese precioso material con su narración virada al sepia intenso. Nada cambió salvo las ausencias de sus moradores.

Además de rescatar una isla que no aparece en ninguna cartografía, Galup toma el último escrito de Conti como base, titulado “Tristezas del vino de la costa o la parva muerte de la isla Paulino”, que vio la luz en la revista Crisol número 36 un mes antes de su desaparición.

Melancolía en una narración preciosista que rescata la figura de un hombre de las letras, Haroldo Conti, uno de las más de 30 mil víctimas de la última feroz dictadura cívico militar.

Elsa Bragato

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CÓMO DECIRTE QUE TE QUIERO

Documental de Matilde Michanie basado en la investigación de Carolina Escudero.Fotografía de Sebastián Ramírez Tejeda. Sonido de Christian Sinclair. Montaje de Hernán Fernández. Duración: 63 minutos.



XXX- LA BÚSQUEDA DE LOS HIJOS ROBADOS

Conmovedores 10 relatos, de 7 mujeres y 3 varones, logró Matilde Michanie gracias al trabajo de investigación de la argentina Carolina Escudero, periodista y licenciada en psicología social, quien se radicó en Barcelona, uno de los centros neurálgicos para la búsqueda de bebés robados durante la dictadura de Franco hasta bien entrado los 90. Para las realizadoras, es un acompañamiento a los integrantes de SOS Bebés Robados Cataluña, al difundir a nivel internacional un clamor que no es actual en la sociedad española, aunque acallada por los diferentes gobiernos incluso los posteriores al franquismo. Recordamos el programa de televisión “Quién sabe dónde” (conducido por Paco Lobatón, 1992-1998, Televisión Española) que buscaba entre otros a los niños robados durante la guerra civil española de 1936, muchos llevados a Rusia, o entonces la URSS.

Este documental, de factura sencilla pero directa, con reclamos a cámara mostrando el dolor a flor de piel de madres que fueron humilladas tanto en hospitales como en la justicia, es un punto de inflexión civil que tiene, desde octubre del 2022, el primer acompañamiento legal: el gobierno actual español declaró el 5 de octubre del año pasado la Ley de Memoria Democrática condenando el golpe de julio de 1936 y la dictadura de Franco, un hecho histórico que hasta este nuevo siglo España no conocía.

Recordemos también que el Juez Baltazar Garzón fue “echado” literalmente de los estrados judiciales hispanos por intentar una búsqueda de niños y desaparecidos en general en esos terribles tiempos de su país, logrando un refugio temporal en nuestro país. Muchos niños fueron dados por muertos cuando aparecían otros intereses, es decir “compradores”, o de niños o de órganos infantiles. El horror aún nos acompaña, está presente. No hay que bajar los brazos nunca y dar batalla legal hasta que los cimientos de nuestros estados republicanos se conmuevan y empiecen a trabajar en favor de sus respectivos pueblos.

Elsa Bragato

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RETRATOS DE EUGENIA

Documental de Juan Manuel Repetto. Guion de Juan Manuel Repetto. Fotografía y cámara: Diego Gachassin. Montaje de Carla Gratti. Sonido de Gino Gelsi y Mariana Gelgadom entre otros. Música de Pablo Casals. Con Eugenia Bekeris, Victoria Bekeris, Julián Smud, entre otros.

XXX- LAS ARTES PLÁSTICAS COMO REDENCIÓN

Ni es la primera vez ni será la última en la que hablemos del arte como redención, es decir, como un camino único para sanar el dolor de cualquier índole. Es el caso de la artista Eugenia Bekeris quien, a diferencia de su hermana Victoria, con quien mantiene diálogos más que interesantes, descubre sus sentimientos de niña, horrorizada por vivir en una casa con "muertos" tanto por lo que se callaba como por las fotografías de familiares que nunca conocería. A través de vívidos diálogos, sintió siempre la tragedia de la Shoá en su piel, en su alma. Intuyó tragedias en lo no dicho por sus padres, sobrevivientes del holocausto, la agonía constante de un dolor físico y espiritual imposible de describir o contar.

Además de su hermana, tiene un interlocutor más que válido: el artista Eduardo Stupía y ocasionalmente algún familiar joven. A través de estos encuentros, Eugenia explica el por qué de sus dibujos donde delinea cientos de formas para resaltar solo algunas de ellas, un árbol, una planta. Está escindida por la Shoa y por la última dictadura cívicomilitar del país. La recurrencia de los trenes "sellados", de los campos de extermino en su mente, la obligan prácticamente a la búsqueda de los antecedentes familiares que le permitan armar su genealogía familiar, la no dicha, la callada tan tenazmente por sus padres. Recorre desde estamentos culturales hasta bibliotecas, redescubre viejos pasaportes, documentos, y empieza a andar un camino de esperanza sanadora.

Dentro de los documentales que nos cuentan historias parecidas, "Retratos de Eugenia" logra transformarse en un docuficción conmovodor. Los dibujos de Eugenia, lo que ella ve y siente desde chica la hacen una artista diferente. Aun más: por sobre sus dotes como dibujante está su sensibilidad, extrema, frágil y profunda a la vez, que recorre esta narración tan sentida.

Es un docuficción conmovedor.

Elsa Bragato

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CUENTOS DE LA TIERRA

Dirección de Pablo Leónidas Nisenson. Guion de Vivi Suárez y Pablo Nisenson. Fotografía de Rodrigo Pulpeiro, Iván Gierasinchuk, Christian Colace. Arte de Ramiro Alvarez, Merlina Molina Castaño y Jorge Sesán. Montaje de Martín Caldeiro. Sonido de Juan Manuel Lascano y Franco Marenco. Música de Anahí Rayen Mariluan. Sonido de Emiliano Biaiñ y Marcos Zoppi. Duración: 85 minutos.

XXXX- LA ANCESTRAL CULTURA DE LOS MAPUCHES

Durante dos años, en Neuquén y Río Negro, concretamente en Wallmapu, o sea el territorio ancestral mapuche, se rodó esta película que echa mano del glorioso blanco y negro y de un guion basado en cinco cuentos mapuches, cargados de una profunda poesía y respeto a la naturaleza. A través de diferentes personajes, retratados en close up, en medios planos y en planos largos, surgen una niña en edad escolar, una anciana a cargo de un rebaño, la radio mapuche donde su locutor regala poesías (rol a cargo de Juan Palomino con su voz plagada de matices), el contrabajista mapuche que llega para ofrecer la música de Vivaldi, el lago Nahuel Huapi como compañero de ruta, unido al pragmático misticismo de una cultura ancestral que encuentra las almas de sus muertos entre las aguas, o entre las nubes de un cielo amenazador.

Nisenson concibe la unión de relatos ancestrales a través del habla y del canto en idioma mapuche, con voces femeninas que calan hondo por su agónico dejo andaluz: en medio de una bruma que se desplaza a voluntad, se unen el "Espíritu del agua", "Mi tierra", "Revelación", "Por el aire" (Palomino), y "Nieve".

Y, en verdad, resulta fascinante la poética construcción narrativa de Pablo Leónidas Nisenson, basada en estos cuentos, por la lúcida unión entre la fotografía, de un gris envolvente, los personajes más bien parcos y las ficciones propuestas. La cosmogonía mapuche logra un sensible relato cinematográfico en "Cuentos de la tierra" que son, en definitiva, un viaje sensorial de obligada visión.

Elsa Bragato

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CINE INTERNACIONAL EXHIBIDO EN SALAS

KOMPROMAT, EL EXPEDIENTE RUSO

De Jerome Salle, Guion del mismo Salle y Caryl Ferey. Fotografía de Mathías Boucard. Música de Guillaume Roussel. Con Gilles Lellouche, Joanna Kulig, Michael Gorevoy, Sasha Piltin, Mikhail Safronov. Duración: 127 minutos.

XXXX- THRILLER POLÍTICO-POLICIAL APASIONANTE

Un caso especial dentro de los policiales con ribetes sociopolíticos es Kompromat, El Expediente ruso, de Jerome Salle, reconocido director francés por su elegancia narrativa. En la película mencionada, demuestra una vez más que la "cuestión cinematográfica" bien puede resolverse con tensión y no con tiros y persecuciones hollywoodenses. Encara un tema difícil y acorde a los tiempos que se viven por la guerra Rusia-Ucrania; el director ficticio de la Alianza Francesa en Moscú es encarcelado por la ex KGB (hoy con nueva sigla) acusado de pervertir a menores, incluyendo a su propia hija. Los ardides que trama la inteligencia rusa incluyen declaraciones falsas de su esposa, además de una bella joven rubia, "Sveta" (la polaca Joanna Kulig) que oficiará de doble agente cuando el destino de "Mathieu Roussel" (Gilles Lellouche) corra peligro de vida.

Mientras "Mathieu" es el bueno de la película, Danil Vordoyov como "Rostov" es el malísimo, actor con muchos recursos incluyendo su rostro, al que le imprime una gestualidad muy especial.

Si bien se trata de un policial sociopolítico donde un inocente o no, está por verse, cae preso de los rusos y tiene que salvarse teniendo el mundo en contra, se hace remarcable el estilo del director Jerome Salle al resolver un conflicto de esta índole sin tiros, sin enfrentamientos estilo Hollywood, sosteniendo el tenso relato esencialmente por la actuación del protagonista, Gilles Lellouche. Nada de lo que vemos es nuevo, pero tiene una pátina de renovación innegable que, a nuestro entender, la hace una de las películas del género más atractivas e inteligentes de los últimos tiempos. No dudamos en afirmar que se trata de una lúcida narrativa que no cae en lugares comunes para resolver una historia conocida. Para ver.

Elsa Bragato

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Poco se habla de este estreno relativamente reciente en Netflix que protagoniza Juan Minujin. Compone a un maestro suplente que, a partir de ese lugar, descubre las necesidades múltiples de sus alumnos, representantes de distintos sectores sociales y, en especial, de uno de ellos. El film tiene en Minujin a su tabla de salvación dado que la narración apunta a diversos aspectos y, por momentos, parece perderse la línea argumental basada en el protagonista y la tarea que le cae en manos. No obstante, tiene algo especial que resulta atrapante aunque sin bajadas de línea ni autoayuda. En definitiva, producto muy bien fotografiado y contado, a pesar de las salvedades que hicimos.

Elsa Bragato

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EL ESTRENO NACIONAL DE LA SEMANA

REPARO

De Lucía Van Gelderen. Guion de Van Gelderen y Salvador Roselli. Fotografía de Alejandro Ortigueira, Núsica de Juan Manuel Ponce de León y Francisco Ponce. Elenco: Florencia Torrente, Luciano Cáceres, Daniel Melingo, María Ucedo, paula Carruega. Coproducción Argentina y Chile. Duración: 90 minutos.

XXX-UN AMOR INOLVIDABLE

Ingenua, con honestidad intelectual, es esta película de Lucía Von Gelderen que cumple con el título y hace honor a una buena tradición nacional del cine basado en historias sinceras. La protagonista de una historia de amor es Florencia Torrente, dotada de solidez actoral y naturalidad asombrosa. Sobre ella recae el peso del film. Encarna a Julieta, una grafóloga que dejó Puerto Pirámide para venir a Buenos Aires y, al parecer, también olvidó la relación con Patricio quien, a duras penas, rearma su vida. Hasta que Julieta decide volver al Sur por un buen tiempo, buscando los recuerdos de su madre en la casa de la tía Amalia, y se reencuentra con Patricio.

El film de Lucía Von Genderer es calmo, bien puede decirse que es un reparo a tanta violencia fílmica que los jueves se vive en los cines comerciales, es también una historia sencilla narrada con amabilidad y sin sofisticación ni en el guion ni en la realización. Se destaca, como dijimos, la actuación de Florencia Torrente, secundada por Luciano Cáceres, más que destacado actor y director. La propuesta se enriquece a través de planos largos que muestran la imponente belleza de la costa atlántica argentina y de sus visitantes más notables: las ballenas francas. Es un film bucólico, sin pretensiones dramáticas ni efectistas, amable, un reparo no solo para la protagonista y sus penas de corazón sino para el espectador. Agradable historia donde el esplendor de la Patagonia, el amor y la naturaleza, se dan la mano.

Elsa Bragato
 

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XXX- MÁS INTRIGA QUE DIABLOS

Un lugar paradisíaco, una joven rubia que practica acrobacia, con una pareja nigeriana y una niña en común: es Vicky (Sally Dramé), muy extraña, que guarda el olor de personas queridas o no en frascos etiquetados. La vida para Joanne (la rubia Adele Exarchopuulos) y su pareja africana no tiene altibajos hasta que llega la tía de Vicky, la hermana del padre y obviamente cuñada de Joanne. Los olores cambian para la pequeña, tiene actitudes raras, mientras intenta conocer los atavismos de su grupo racial a través del olor de algunos frascos.

Buenas actuaciones, una fotografía estupenda de un lugar paradisíaco entre montañas y lagos, y una música incidental pegadiza con ritmos afro y letras en francés, no alcanzan para dilucidar la magia que Vicky pueda tener y especificar claramente dónde están los tantos diablos anunciados en el título. No resulta nada claro.

La intriga es plena de principio a fin pero sin resolución, por lo que se pueden suponer muchos tópicos, desde que la jovencita toma conciencia de su raza por la llegada de su tía nigeriana, o bien que padece de algún atávico ritual que ni ella conoce bien. O que la sociedad francesa alcanzó gran maduración en muchos aspectos, especialmente la aceptación de otras razas y costumbres. Esto sí es notable y muy opuesto a lo que ocurre en otras sociedades como la norteamericana. Hay mucho desconcierto con buena resolución visual y diablos aún por descubrir.

Elsa Bragato

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CRÍTICA DE "ASFIXIADOS" (se estrenó la semana pasada)

De Luciano Podcaminsky. Con Leonardo Sbaraglia, Julieta Díaz, Marco Antonio Caponi, Natalia Oreiro, Zoe Hochbaum, entre otros. Fotografía de Nicolás Trovato. Música de Cachorro López. Duración 98 minutos. Argentina.

XXX- TITANIC MATRIMONIAL

A través de las vivencias de un matrimonio de más de 20 años, Luciano Podcaminsky sus guionistas elaboraron una historia previsible, cotidiana, común a todos los mortales con sus más y sus menos, y absolutamente superable para aquéllos que se quieran. Leonardo Sbaraglia y Julieta Díaz abordan los personajes protagónicos (Nacho y Lucía), que junto a una pareja de amigos abordan el flamante yate familiar. El día apacible se irá transformando poco a poco hasta derivar en una discusión donde afloran las deudas de Nacho, productor de televisión y cine, y el sueño de Lucía que es fotógrafa profesional.

El guion transita muy superficialmente a través de diálogos insulsos, ésos que siempre criticamos en el cine nacional, el conflicto matrimonial, al que mecha con algunas exposiciones vía zoom de Natalia Oreiro como tal. En todo caso, hay falta de matices, tanto en los recitados del elenco como en el film, algunas secuencias muy extensas entre Sbaraglia y Oreiro, y una monotonía subrayada en el sonido en general.

¿Qué tiene a favor "Asfixiados"? Sin lugar a dudas, la fotografía y la convocatoria de primeras figuras. ¿Y en contra? El guion que se mueve dentro de un embalaje prolijo y frío a la vez. El título alude a todo, a lo que sucede y a la asfixia que produce el matrimonio en Nacho y Lucía. El comienzo de la película es demasiado trivial mientras que en el desenlace aparece el nervio, la sustancia, que debió ser el clima desde el inicio para manejar, dentro de esa atmósfera, a los personajes. Secuencias olvidables por lo aburridas y remanidas y otras rescatables. Una historia que conocemos de buena factura en general.

Elsa Bragato
 

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El Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) anuncia la renovación de sus pantallas en la tercera semana de marzo.

Este jueves 16 se estrenan en el Cine Gaumont los largometrajes 1976, dirigido por Manuela Martelli, ganador del Premio Sutherland Mejor Ópera Prima en el BFI Festival de Cine de Londres (2022), Mejor Actriz en el Festival Internacional de Cine de Tokyo (2022), Mejor Ópera Prima en el Festival de Cine de Jerusalén y Mejor Película Chilena en el FICValdivia (2022); Sobre las nubes, de María Aparicio, que obtuvo el Premio a la Mejor Dirección en la competencia de Nuevos Horizontes de la 6a edición del Black Canvas México, Mejor Largometraje de la Competencia Argentina del 37o Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y máximo galardón en la Selección Oficial de Largometrajes del 29 FICValdivia; y el documental Ella va de largo, de Florencia García Long, ganador del Premio al Mejor Proyecto en Desarrollo en el Festival de Cine Latinoamericano de La Plata/LABEX (2017).



El corto elegido para esta semana es Carlos Montaña, una animación realizada por Ita Romero, que obtuvo la Primera Mención en la categoría Escuela Latinoamericana del Festival de Animación CHILEMONOS y la Mención del Jurado Oficial y Primer Premio del Jurado Joven del Festival de Cine entre Glaciares, El Calafate - El Chaltén, entre otros galardones. El corto acompañará, en programa doble, al largometraje 1976 en dos horarios de proyección.



El largometraje Sobre las nubes, de María Aparicio, que formó parte de la Competencia Argentina del 37° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, se proyectará desde este jueves 16 en el Espacio INCAA Cine Unicen, Tandil, provincia de Buenos Aires; y en el Espacio INCAA Cine Teatro Rivadavia, Unquillo, Córdoba. También podrá verse en la señal CINE.AR TV el viernes 17 a las 22 horas y en la plataforma CINE.AR PLAY, donde estará disponible por una semana y en forma gratuita desde el mismo viernes.

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CINE.AR PLAY



Desde el martes 14 de marzo, la plataforma CINE.AR PLAY renovó la sección Novedades con los largometrajes Amasando futuro (Argentina – 2022 – 76 min – ATP), de Marta Delia Valle; Tainha, esperando el viento sur (Argentina – 2021 – 76 min), de Sergio Stocchero; y los cortometrajes HH (2019 – 19 min), de Julián Setton, y Cormorán (2022 – 7 min), de Juan Pablo Brignole.



Desde este jueves, en la plataforma de video a demanda se estrenan los largometrajes La ley del embudo (Argentina – 2022 – 72 min – SAM 13), de Carlos Piwowarski y Daniel Alvaredo; OIANT, música para un futuro ancestral (Argentina – 2022 – 100 min – ATP), de Nacho Garassino y No quiero ser polvo (Argentina/México – 2022 – 86 min – SAM 13), de Iván Löwenberg.

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ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES (PUEDEN SURGIR CAMBIOS IMPREVISTOS)



1) SHAZAM 2, LA FURIA DE LOS DIOSES, de David Sandberg.

Sin críticas todavía.

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2) 65: AL BORDE DE LA EXTINCIÓN, de Scott Beck.

"65 representa un esfuerzo tan poco imgenioso que parece un fósil incluso antes de que comiencen los títulos de crédito", de Brian Lowry, CNN.

"No es lo suficientemente mala como para ser poco mala y nada buena, ni lo suficientemente buena como para tomársela en serio", de David Fear, Rolling Stone.

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3) SINTIÉNDOLO MUCHO, de Fernando León de Aranoa.

"Retrato cercano y muy cálido... Se nota que León de Aranoa es consciente del privilegio de estar tan cerca y el documental es mejor cuanto más consigue acercanors a esa estrella de la música",de Andrea G. Bermejo, Cinemanía.

"Sabina se abre en canal... El documental de Fernando León de Aranoa es un retrato íntimo, casi un testamento vital, del música de Ubeda", de Nando Salvá, Diario El Periódico.

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4) COMUNIÓN CON EL DIABLO, de Víctor García.

"Es una obra con voz propia... No encontraremos en ninguna producción de Wan situaciones tan bien matizadas ni personjes tan bien descritos como los que aquí nos sirve Víctor García", de Jordi Battle Caminal, Diario La Vanguardia.

"Es un eficaz terror patrio que retrata a cierta juventud periférica y que abunda en los clichés y la leyenda urbana", de Sergio F. Pinilla, Cinemanía.

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5) SOBRE LAS NUBES, de María Aparicio.

"Sobre las nueves erige su sintaxis y despliega una discreta meditación sobre el tiempo", de Roger Koza, Diario La Voz del Interior.

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EL FALSIFICADOR (de PASAPORTES)

De Maggie Peren. Con Louis Hoffmann, Jonathan Berlin, entre otros. Fotografía de Crhsitian Stangassinger. Música de Mario Grigorov. Duración: 116 minutos.

XXX- SONREIR PARA SOBREVIVIR

"El falsificador" nos enfrenta a la situación personal de un joven judío en plena Segunda Guerra Mundial: Ciamo Schonhauss, en la Berlín de 1942, decide resistir con el mejor de los espíritus, sonriendo, el embate nazi. Consigue que un alemán le dé trabajo de "falsificador" de pasaportes, dada su enorme capacidad para dibujar y pintar. Además de una corbata para que se ahorque antes de que la temible SS pudiera detenerlo.

A partir de este caso, la directora Maggie Peren construye una historia particular en medio de un hecho universal logrando un matiz diferente dentro de lo conocido. Incluso, a través de la vida de Schonhauss se muestran con sutileza los horrores de aquella monstruosa guerra.

Los valores del filme están dados por su agilidad, por los giros del guion que generan nuevos conflictos y, de esa manera, renuevan el interés, y una puesta en escena muy cuidada con fotografía trabajada más en las penumbras que en la claridad (salir de las casas era exponerse a la muerte por lo que la historia se resuelve prácticamente entre cuatro paredes) y buenas actuaciones. La Segunda Guerra Mundial desde una perspectiva particular: la sonrisa como arma para sobrevivir.

Elsa Bragato

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1976

Guion y Dirección de Manuela Martelli. Con Aline Kuppenheim, Nicolás Sepúlveda, Hugo Medina, entre otros. Fotografía de Soledad Rodríguez. Música de María Portugal. Duración: 96 minutos.

XXX- EL DRAMA DE LAS DICTADURAS LATINOAMERICANAS

Con elegancia y sutileza, Manuela Martelli construye un relato sobre la dictadura de Pinochet en su país, Chile, que transcurre en un tono menor. Sin estridencias, por momentos con silencios, la protagonista perteneciente a una clase media alta tiene que cuidar a un guerrillero herido. Su vida cambiará totalmente dividiéndose entre el cuidado del joven, la remodelación de la casa veraniega y su familia, ajenos al despertar social de uno de sus integrantes.

"Carmen" (una muy distinguida Aline Kuppenheim) acepta el pedido del sacerdote amigo: cuidar a un joven herido en secreto. A partir de este momento, la propuesta ingresa lentamente en el thriller y el drama personal de una mujer que desconocía la lucha de su pueblo tanto como la impunidad de su gobierno militar. De a poco, el conflicto va apareciendo: no le será gratis para Carmen su toma de conciencia.Hay un manejo de géneros muy hábil de parte de Martelli: pasa de la comedia dramática al thriller policial para detenerse en el thriller político, valiéndose de un pivot: Aline Kuppenheim-Carmen quien lleva sobre sí el desarrollo de la trama.La historia personal de la protagonista le permite a Martelli reconstruir el clima de terror de los 70 en el Cono Sur de América Latina sometido a la dictadura económica de la llamada Escuela de Chicago: a sangre y fuego imponer el capitalismo salvaje en nuestros países. Buena reflexión cinematográfica.

Elsa Bragato
 

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TAR

Guion y dirección de Todd Field. Con Cate Blanchett, Nina Hass, Noemie Merlant, Mark strong, entre otros. Fotografía de Florian hoffmeister. Música de Hildur Gudnadóttir. Duración: 158 minutos.

XXX – UN PERSONAJE DE OTRA HISTORIA

Con buen camino hacia los Oscar, Cate Blanchett asumió el rol de una directora de orquesta, Lydia Tar, que vive una estrepitosa caída. El film de Todd Field, director independiente de reciente consagración, se toma un largo metraje para mostrar la decadencia psicológica de la directora Tar, envuelta en el escándalo del suicidio de una joven mujer. Lesbiana, conforma una pareja con la primera violinista Sasha (Nina Hoss) de una orquesta importante, tiene una hija llamada Petra (Mila Bogojevic) a la que lleva al colegio, y una vida conflictiva poco propicia para la tarea que encara: dirigir la Quinta sinfonía de Mahler en Berlín.

Field pasea a su personaje en avión, automóvil, la hace boxear, hacer footing, y hasta intentar componer (escenas penosas para cualquier músico profesional sin relación con la vida de un compositor). No pasamos por alto el insólito comienzo: una entrevista de media hora a la directora Tar donde se hace un compendio "wiki" de compositores y directores. De por sí, este inicio le resta atractivo a una propuesta que mostrará varios "bemoles".

Aquello que sí está bien es esa fantasmal idea que la persigue (corroborada por un diario donde se la acusa de perseguir a jóvenes instrumentistas), esa culpabilidad secreta que la carcome. Al tomar estado público, Tar inicia su descenso a los infiernos sin abandonar su elegante soberbia, y un sentido absoluto de impunidad, aunque en ese tránsito va perdiendo afectos, amistades y trabajo.

Y aquello que no está bien es que Lydia Tar (personaje ficticio) sea directora de orquesta porque allí fallan los conocimientos de esa profesión por parte del guionista: ningún director que enfrente la Quinta de Mahler se pondría a componer o a practicar deportes. Estaría abocado con alma y vida a la obligación de aprender semejante obra para dirigir. Por eso resulta incoherente que Tar componga en lugar de ponerse a estudiar día y noche. Por si fuera poco este dislate, también apunta al terror "inmanente", el que surge de una búsqueda de una joven violoncellista por pasajes sórdidos (recuerdo inconsciente de Venecia Rojo Shocking).

No somos nosotros quienes pondremos en duda la enorme capacidad histriónica de Cate Blanchett, actriz de carisma arrollador. Pero sí la elección de un papel que traspasa todo tipo de situaciones blandiendo una profesión para la que el guion no se adecua. He aquí la cuestión: un rol para otra historia, sin necesidad de perder fuerza dramática y una psiquis sumergida, en este caso, en un derrotero infernal a través de un metraje considerable, dos horas y media largas.

El film está nominado a seis Oscars, viene sonando fuerte el galardón para Cate Blanchett (su rol anterior de lesbiana fue en "Carol", gran película) siendo además una película "épica" por el tenor de los hechos entre diabólicos e incoherentes que debe atravesar Lydia Tar o sea aristas diferentes de una propuesta compleja con un error basal: la elección de la profesión de la protagonista. A partir de esto, solo es dable tener en cuenta las actuaciones.

Elsa Bragato

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EN CUMPLIMIENTO DEL DEBER

Documental de Jorge Gaggero sobre el incendio y destrucción del depósito de Iron Mountain. Narración en off: Cecilia Roth. Guion: Carlos Castro. Investigación: Jorge Gaggero padre. Archivo: Silvia Quiroga. Duración: 68 minutos.

NotaINCAA y Universidad Nacional de Quilmes. Música de Gabriel Herce.

XXXX- PARA MANTENER LA MEMORIA ACTIVA

El documentalista Jorge Gaggero realizó un pormenorizado documental sobre el incendio del depósito de Iron Mountain ubicado en el barrio de Barracas, que ocurrió el 5 de febrero del 2014. La producción tomó datos de la creación de este sistema de almacenamiento en papel que utilizan alrededor de 156 mil empresas de todo el mundo en diversas locaciones. Vale recordar que fue creada en los 50 para ocultar justamente documentación sensible e los Estados Unidos en caso de un ataque nuclear.

El incendio de este tipo de "files" no ocurrió solamente en nuestro país sino que se remonta a casos similares en 1997 en New Jersey, Usa, en el 2006 en Otawa, Canadá, en el 2011 en Aprilia, Italia.

En CABA el incendio devino en tragedia al caerse una vieja pared lateral y matar a 10 bomberos voluntarios, cuyas familias fueron amedrentadas a fin de que abandonaran las querellas basadas en una certera presunción de intencionalidad.

La falta de justicia, los funcionarios involucrados (figuras frecuentes de nuestra televisión) y los hechos ocurridos en todo el mundo sin penalidad alguna, indican que la especulación y la fuga de capitales están avaladas por corporaciones que, sin duda, manejan la economía y las sociedades del mundo.

Desde este punto de vista, este documental de Gaggero pone sobre el tapete aquello de "memoria activa", no olvidar, tener presente que los enemigos de nuestras sociedades tienen nombre y apellido y están entre nosotros. Datos escalofriantes sobre las corporaciones, muy buena realización técnica, valiosas entrevistas, ybuena recopilación de filmaciones de la época, configuran un documental de visión obligatoria. Por aquello de, repetimos, "memoria activa", no olvidar jamás.

Nota de Redacción: en memoria de los Bomberos de la Policía Federal Conesa Eduardo - Day Leonardo - Garnica Anahi - Martinez Maximiliano - Monticelli Juan Matias - Veliz Damia y de los Bomberos Voluntarios Ambrosi Facundo - Campos Sebastian. De los rescatistas Baricola Pedro – Méndez, José. Tiempo después se quitaron la vida los bomberos voluntarios Colantonio Mario y Oneil Diego .

Elsa Bragato

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LAS PREÑADAS

Guion y Dirección de Pedro Wallace. Con Ailín Salas, Marina Merlino, Pedro José, entre otros. Fotografía de Matías Castilo. Coproducción de Argentina y Brasil. Duración: 80 minutos.



XXXX- PASANDO LA GENERAL PAZ

Ni la cara y ostentosa Ciudad Autónoma de Buenos Aires hoy en día está fuera de los avatares que las dos protagonistas de este drama veraz y cruel nos relata: pasando la general Paz las situaciones de inequidad aumentan en gravedad pero no quiere decir que en CABA no se viva la insolidaridad.

Carmela (Marina Merlino) y su vecina Juana (Ailín Salas) están embarazadas. La amistad las une en un momento crucial para Carmela, quien ya tiene tres hijos y un marido déspota que la desatiende. Ambas viven en situación más que precaria, en el límite entre Argentina y Brasil siendo Juana quien acompañe a Carmela a encontrar ayuda para dar a luz.

El camino es a pie, road movie por caminos de tierra colorada que permiten que la cámara de Wallace se detenga en close up de flores o copas de árboles aportando belleza visual a un entorno distópico.

Falta de respeto, desidia, y, por sobre todo, indiferencia ante el dolor físico y la situación de extrema vulnerabilidad de ambas, son el trato que reciben. El relato de Wallace se va construyendo paso a paso, en una simbiosis perfecta de las protagonistas con la naturaleza. Y cobra fuerza hasta conmover en el desenlace, con una fotografía trabajada en colores oscuros, mientras el sonido adquiere inusitada importancia.

Sin dobleces, a través de una narración honesta, bien trabajada en las actuaciones y en los aspectos técnicos, Pedro Wallace logra un fiel retrato de una situación social que no cambia: hostilidad, indiferencia, precariedad, ausencia del Estado. Denuncia potente, sin vueltas.

Elsa Bragato

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OTROS ESTRENOS DE CINE PREVISTOS PARA ESTE JUEVES



1)LOS ESPÍRITUS DE LA ISLA, de Martin McDonagh. Con Colin Farrell.



"Como estudio de la soledad masculina y de la ira contenida es extraordinariamente convincente y generalmente muy divertido", de Peter Bradshay, The Guardian.



"Farrell está fantástico realizando una de sus mejores interpretaciones... El drama puede ser íntimo, pero el telón de fndo es épico", de Dan John, Empire.



2) DRAGONKEEPER, de Salvador Simó Busom. España, Animación.

Sin críticas hasta este momento.



3) KOMPROMAT EL EXPEDIENTE RUSO, Jerome Salle



"#l poder de la película radica en cómo consigue emocionar, a partir de una comprensión detallada de la brutalidad del Estado Ruso y del grado de determinación que se requiere para evitarla", de Kyle Smith, The Wall Street Journal.

"Un drama competente pero frío. Con Kompromat centrarse en la emoción del momento resulta más satisfactorio que preguntarse qué provocó realmente esta intriga", de Michele Nordine, Variety.



4) LA MALDICIÓN DE LA NOVIA, de FRaqncesco Picone Con Jennifer Mischiati.

Película de terror a la italiana. Sín críticas todavía.


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ROCK DOG 3, ROCKEANDO JUNTOS

De Anthony Bell. Animación. Música de Richard Evans y Matthew Gerrard. Duración: 90 minutos.



XXX- GOT TALENT EN ANIMACIÓN

Entre mastines, ovejas y lobos, transcurre esta nueva historia de RockDog (Budi, voz de Graham Hamilton) en un Got Talent para dibujos animados. Por celos, "hacen desaparecer" a "Angus" (voz de Eddie Izzard), uno de los dos jueces por lo que se produce una inesperada vacante. De todas maneras, nuestro héroe, o sea el "perro roquero", no cree en los realities. He aquí el conflicto esencial de este guion.

¿Qué vemos entonces? Una historia diferente pero desangelada. En el comienzo se plantea que ahora todo "es paz y amor" por lo que "Khampa", el mastín guardabosque, no atrapa al lobo que corre a la oveja, "celeste Caperucita", tan solo la quiere abrazar y no comer a dentelladas. Esta premisa se diluye y, si bien se la esboza en alguna secuencia posterior muy breve, el objetivo es el reality y la recuperación de sus figuras musicales. En verdad, hay varios puntos argumentales para seguir hasta que el "got talent" cobre importancia. Es en ese set televisivo donde el elenco se reúne para "rockear" con pasión, siendo el momento más atrapante no solo por la música sino porque uno termina creyéndose que esos muñecotes inventados son artistas de verdad. Las melodías de Evans y Gerrard hacen mover los pies.

En síntesis, hay una idea que sobrevuela el film, la paz, pero, como indicamos, se esfuma. La salvación del guion está en el "rockeo" en conjunto, que entusiasma. Rescatamos la intención: el poder de la música para la paz, pero faltó convicción narrativa para llevarla a su máxima expresión.

Elsa Bragato

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ALCARRÁS (nominada a los premios Goya)

Guion y dirección de Carla Simón (coguionista Arnau Vilaró). Con Jordi Pujol Dolcet, Anna Otín, entre otros. Fotografía de Daniela Cajías. Música de Andrea Koch. Duración: 120 minutos.



XXX- ÉPICA SOBRE EL CAMPO Y SU GENTE

Ganadora del Oso de Oro del último festival de Berlín, la directora catalana Carla Simón es la primera mujer en alcanzar tamaño premio en uno de las competencias más importantes del mundo. Logra el galardón con una película diferente, trabajando la imagen y el elenco con el mismo sentido de un Roberto Rossellini. Parece mucho pero no lo es.

Simón se valió de actores y actrices entre los que hubo profesionales y amateurs, un elenco coral que se adaptó a la perfección a la propuesta del guion. Narra, en Alcarrás, pueblo cercano a la capital de Cataluña, la vida de la familia Solé ligada a la agricultura desde siempre, desde que el abuelo aceptó ser el "dueño" de las tierras de "palabra", sin papeles, mientras vecinos más precavidos compraron con dinero y escrituras los terrenos.

Aunque el hecho es dramático (los Solé se quedarán sin las tierras) nada detiene el trabajo de la familia, formada por los abuelos, padres, hijos y nietos, mientras topadoras extrañas hacen su tarea devastadora. En el retrato de ese quehacer diario de cosechar, de sentarse alrededor de la mesa, en los juegos de los más pequeños, se centra la historia donde nadie detiene su vida a pesar del futuro sin cosecha que espera. Alguna que otra pincelada de los niños que miran al horizonte, mientras se escucha el ruido ensordecedor de las máquinas arrancando las plantaciones, basta para presentar el futuro de los Solé. Notable metáfora de futuro trabajada obviamente con imágenes.

El relato carece de fisuras, tiene la sencillez de la gente de esas tierras contada con un puntillismo narrativo asombroso. Nada queda fuera de la lente de Simón. La catalana logra una obra de solidez contundente, una épica sobre la tierra y sus verdaderos dueños.

No obstante este transcurrir fluido de vida y trabajo y vida, falta algo que llegue al corazón, es un ejercicio cinematográfico sin ángel. En verdad, cuesta emocionarse. Que Carla Simón tiene dominio de cómo hacer cine no caben dudas y que estamos frente a un novedoso neorrealismo catalán, tampoco.

Elsa Bragato
 

"Entretenimiento para adultos, original y con una breve duración, una interpretación de estrella de cine y emociones viscerales. Esta película lo tiene todo", de A. JHunjhunwala, Screen Anarchy



"No hay nada especial en todo esto, pero como máquina de emociones generalistas, esta película sin duda cumple con su cometido", de Soren Andersen, Seattle Times.



3)LABERINTO MORTAL, de Mathieu Turi.



"Una vez que me relajé un poco, aunque la película no me dejaba, me proporcionó algo de entretenimiento", de Glenn Kenny, Rogerebert.com



"Turi quiere usar el viaje de Lisa como alegoría del luto. Esto es efectivo como experiencia, pero no como conjunto narrativo", de Meagan Navarro, Bloody Disgusting.


EL SILENCIO DE LOS HOMBRES

 Documental de Lucía Lubaarsky, de Río Cuarto, que analiza las nuevas masculinidades a partir de un presente feminista.
 

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HOLY SPIDER

Guion y dirección de Ali Abassi. Fotografía de Nadi Crlse. Música de Martín Dirkov, Con Zar Amir Ebrahimi, Mehdi Bajestami, entre otros. Corpoducción Dinamarca, Alemania, Francia, Suecia. Duración: 117 minutos

XXXX - THRILLER QUE DEJA SIN ALIENTO

Tremendo film sobre la impunidad machista y el fanatismo religioso basado en hechos reales construyó el realizador iraní Ali Abassi en "Holy Spider", o "Araña sagrada". La narración de Abassi es tan cruda que resulta por momentos nauseabunda. Nada hay que reprocharle: está basada en hechos reales, en la muerte de 16 mujeres a manos de un asesino serial que azotó las calles de la ciudad santa de Mashhad. Desde Teherán, una periodista decide investigar tan brutales muertes con la ayuda de un colega del lugar.

Pocas películas hay con tanto realismo, primerísimos planos de las mujeres que están siendo ahorcadas por Saeed Azimi, obrero de la construcción, que le prometió a Alá limpiar las calles de mujeres pecadoras. Con enorme fuerza narrativa, Abassi muestra al protagonista en su doble condición de esquizofrénico místico: por un lado, Saeed tiene un hogar estable junto a una bella mujer y sus tres hijos. Por el otro, por sobre el cambio imperceptible de su carácter, solo encuentra calma cuando cumple con su ritual de muerte.

Sin necesidad de extenderse en la duración, el realizador iraní muestra además la implicancia política de las sentencia "aleccionadora" que solo puede servir si hay interés en el partido gobernante o por elecciones o para el ascenso de alguna autoridad. De lo contrario, están las "tretas", que Abassi desarrolla mostrando la hipocresía de quienes cumplen con las oraciones diarias pero son entendidos en los negocios del poder.

Además de los ahorcamientos en "close up", que asombran por el realismo feroz, se plantea otro tema lacerante: la educación de padre a hijos con el trasvasamiento de la idea del crimen como elemento de limpieza social.

"Holy Spider" es una película potente, un policial atrapante, muy duro, que desnuda un machismo descomunal en nombre de Dios: fanatismo, esquizofrenia, pueblos pauperizados cuya redención se encuentra en la eliminación del semejante. El femicidio es una realidad que nos aturde siendo esta película de Abassi una desgarradora y lacerante denuncia social necesaria.

Elsa Bragato
 

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ÁLBUM PARA LA JUVENTUD

Guion y Dirección de Malena Solarz. Con Santiago Canpari, Ariel Rausch, Laura Paredes, entre otros. Fotografía de Fernando Lockett. Arte de Santino Mondini. Duración: 86 minutos.

XXX- ESTAMPAS DE LA ADOLESCENCIA

Malena Solarz encara en "Álbum para la juventud" una narración muy libre sobre el transcurrir de los días de dos adolescentes, los hermanos Pedro y Sol, que acaban de terminar el colegio y comienzan a pensar en el futuro como adultos: ella quiere ser pianista; él un buen literato.

A manera de viñetas o bien de estampas de la cotidianeidad de Pedro y Sol, Solarz arma una ficción muy lineal, simple, del trajinar de los jóvenes con sus allegados y familiares, muy acotados también todos en sus intervenciones. Mientras buscan sus propios caminos.

La idea es interesante e incluso la película resulta atractiva si nos dejamos llevar por la simple acción. Como suele ocurrir en el cine nacional, el problema está en los guiones, especialmente en los diálogos: son muy elementales. Entre la acción cotidiana y los parlamentos insulsos la propuesta cae en la liviandad, carente de un objetivo claro.

Sin embargo, hay buena fotografía, buena cámara. Por cierto, faltó creatividad audiovisual así como, insistimos, contenido sustancioso con metas claras. Tal lo que vemos, es un transcurrir de días de dos jóvenes, algo así como un espionaje de conductas. Para un largometraje con una idea interesante, es muy pero muy poco.

Elsa Bragato

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ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES (esta programación puede variar a último momento sin previo aviso)

1.- M3GAN, de Gerard Johnstone.

"Una película en la que una muñeca deliciosamente amenazante roba cada escena... Puede que sea demasiado divertida para ser aterradora pero nunca es demasiado tont para ofrecer tensión y violentos sobresaltos", de David Rooney, The Hollywood Reporter.

"Una comedia de horror brillantemente realizada que ofrece una electrizant sorpresa de enero", de William Bibbiani, The Wrap.

2.- BABYLON. De Damien Chazelle. Con Brad Pitt.

"Una experiencia salvaje como ninguna otra en el cine reciente... Te garantizo que es una película que se quedará en tu cabeza", Bradshaw, The Guardian.

OTROS ESTRENOS NACIONALES

EL MÉTODO TANGALANGA, de Mateo Bendesky, Con Rafael Ferro entre otros. Rince tributo al humorista argentino llamado Doctor Tangalanga.

NETFLIX

MINISERIE "LA CHICA DEL VATICANO, LA DESAPARICIÓN DE EMANUELA ORLANDI"

A poco de lanzarse "La chica del Vaticano", miniserie de 4 capítulos, por la plataforma Netflix, el Vaticano a través del Papa Francisco reabrió la investigación sobre la desaparición de la joven quinceañera Emanuela Orlandi ocurrida en 1983.

La joven nació en el seno de una de las 100 familias laicas que viven dentro de la ciudad del Vaticano en Roma, afectadas a diferentes tareas cotidianas. Emanuela salió del Vaticano para una clase de música (era una joven flautista) y nunca más regresó.

La coincidencia de la reapertura del caso por el mismo Papa Francisco con el lanzamiento de esta miniserie de origen británico produce un interés especial en esta producción audiovisual que dirigió Mark Lewis, a quien también le corresponde el guion. Es un docuficción por lo que su elenco está conformado por parientes y personas relacionadas con la joven desaparecida.

En verdad, 4 capítulos sobre el tema resultan innecesarios. Con un buen guion, en dos horas se podrían haber sintetizado los testimonios y los hallazgos que tuvo la investigación hasta que fue cerrada por el mismo Vaticano. Hay reiteración de personajes y de temas en cada uno de los capítulos y, luego de dar las únicas pistas que se tienen, no hay nada que justifique tanto alargue.

Es curioso que en una primera filmación, en cuanto asumió el obispo Bergoglio como Su santidad, éste le dijera a los parientes de Emanuela que "Estaba en el cielo" (frase que el recientemente fallecido Papa Benedicto XVI, Ratzinger, había expresado durante un Angelus dominical) para ahora reabrir el caso, acto de justicia para la familia. Los allegados a la jovencita suponen que dentro de la ciudad sacerdotal se conocen detalles que deben salir a la luz a través del juicio y que hasta ahora se han escondido. El abogado Alessandro Diddi, del Vaticano, lleva el caso.

Como síntesis, con una película documental hubiese sido más que suficiente.

Elsa Bragato

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REESTRENO. REPOSICIÓN

ROJO PROFUNDO

De Darío Argento. Guion de Darío Argento y Bernardino Zapponi. Fotografía de Luigi Kuveiller. Música de Goblin. Con David Hemmings, Daría Nicolodi, Glauco Mauri, Macha Meril, Eros Pagni, entre otros. Duración: 100 minutos.

XXXX- ANTOLÓGICO FILM DE TERROR

"Rojo Profundo" fue uno de los sabios productos que dejó el gran Darío Argento, realizado en 1975, y cuya reposición se logra luego de una exhaustiva recuperación que finalizó en 2014. Se trata de una película de género que plantea varios elementos que serán protagonistas del horror en los últimos años tales como gráficos en las paredes o los muñecos.

Por sobre todas las cosas, es un film setentista, es decir, teatral, con muchos diálogos y una acción que recién comienza cuando todas las cartas están echadas. Si bien falta el juego en sí...

Está protagonizada por quien fuese un ícono del novel cine de los 60 y 70: el inglés David Hemmings, descubierto por Michelangelo Antonioni para su film "Blow Up" ("Deseo de una mañana de verano", 1966). Compone a un pianista de jazz (Hemmings fue músico fuera del set, tuvo grupos de jazz y de rock)que al regresar a la medianoche a su departamento ve, desde la calle, cómo una vecina suya –vidente recono cida- es asesinada a cuchilladas. Este es el punto de partida de una larga búsqueda del pianista y una periodista italiana que se mete en la escena del asesinato a pesar del desagrado de los investigadores. Y se transforma en una buena relación para "Marc" (Hemmings).

A partir de este momento se producen otros asesinatos, Marc va descubriendo gráficos en una pared que tienen relación con las muertes, un puzzle difícil de armar pero que lo llevará, a pesar de las amenazas de muerte y pérdidas de vidas humanas, a perseverar en una pesquisa minuciosa y eficaz.

Por sobre la anécdota, hay una mano que conduce con madurez cinematográfica la cámara, incluso con efectos especiales logrados a base de imágenes fijas, entre otros recursos como el make-up truculento.

El ritmo vertiginoso de la trama se inicia sobre la mitad de la narración sin que decaiga hasta el final, siempre con sorpresas, personajes y hechos inesperados, que abonan una historia de terror ícono y vanguardia del cine de género. Más que interesante.

Elsa Bragato
 

XXXX- EL JUEGO DEL AMOR EN UN THRILLER DIFERENTE

Gran dominio de loa sentimientos femeninos tiene la realizadora francesa Claire Denis quien, a sus 76 años, logra una película sobre el amor de gran intensidad dramática y cargada de sensualidad. Hay una mano y una mente muy femeninas en los diálogos que se trasuntan en palabras e imágenes de "Sara", protagonista de esta historia. "Nunca fui libre", grita especificando la ubicación de la mujer aun hoy en día en estas sociedades supuestamente democráticas e igualitarias, por ejemplo.

"Sara" (inconmensurable Juliette Binoche) vive un largo matrimonio con "Jean" (Vincent Lindon, enorme actor), hasta que éste decide retomar amistad y trabajo con el ex marido de su esposa, con "Francois" (Gregoire Colin, excelente). Los sentimientos de Sara por aquel hombre se reavivan, muy a su pesar. Y el drama de esta avasallante madeja de sentimientos cae sobre el matrimonio, sobre los amantes.

El quid está en el "jugar con fuego". Tal vez Jean trajo a su presente a Francois para probar el amor de Sara, o bien quería probarse a sí mismo que Sara lo amaba a él más que a Francois. El mundo del matrimonio se transforma en un infierno complejo. Las discusiones de Sara y Jean, aunque estremecedoras, son de antología, tal el altísimo nivel actoral de Binoche y Lindon.

Claire Denis trabajó este sensible material como un thriller de enamorados. Incluso la banda sonora que acompaña casi todas las secuencias tiene un tono sombrío, premonitorio de la tristeza. O de la confusión. O de tantas almas en pugna por quererse.

Aquí no hay crímenes sino amor. Es lo curioso y lo notable de esta película: mientras esperamos que aparezca un "alien", o un monstruo se coma a dentelladas a los protagonistas, es el amor en sí mismo el que tiene su estilete y hiere, lastima, o se solaza. Recorre los rostros, los cuerpos, de Sara, Jean y Francois, los endulza, los golpea.

Lo inasible, que de eso trata, se cuela en la vida de tres personajes que lograron escapar de la frustración hasta que el pasado y el presente se reúnen para confundirlos, lastimarlos y, en definitiva, para que se den cuenta de que son capaces de la resiliencia.

Magníficas interpretaciones. Un film adulto, pleno de sentimientos que se perturban entre sí, se buscan, se rechazan. No hay edad para que el amor (el del corazón, el físico) no haga de las suyas.

Elsa Bragato

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INFORMACIÓN DEL INCAA

El Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) anuncia la renovación de sus pantallas para la segunda semana de enero. En el Cine Gaumont, desde este jueves 12 de enero, se estrenan Mamá, mamá, mamá, ópera prima de Sol Berruezo Pichon-Rivière; y El vacío es el recipiente de los gordos, de Ernesto Aguilar; también la comedia de terror APPS, una producción colectiva de Sandra Arriagada, Camilo León, José Miguel Zúñiga, Samot Márquez y Lucio Rojas; y los documentales Plan para Buenos Aires, realizado por Gerardo Panero; La tara, de Amparo Aguilar –que se exhibe junto al cortometraje Próximo tren, de Fernando Caruso–; y La última pirueta, de Gabriel Rosas.

Desde el martes 10 de enero, la plataforma CINE.AR PLAY renovó su sección de Novedades con los documentales Fuego en Casabindo (2022 – 61 min – ATP CL), de Miguel Mirra; Apuntes desde el encierro (2022 – 75 min – ATP), de Franca González; Inacayal (2013 – 60 min – ATP), de Guillermo Glass y Myriam Angueira; y los cortometrajes de ficción Mis amigas y yo (2019 – 23 min), de Belén Paladino y Al caer el sol (2018 – 9 min), de Eliana Digiovani. Desde este jueves 12, se estrena la ficción Encintados (2022 – 100 min – SAM 13), de Gianfranco Quattrini.

Además, sigue disponible 15 años de documentales digitales, una selección especial por el 15° aniversario de la creación de la vía digital, a través de la que se producen entre 60 y 70 largometrajes documentales por año, y que desde su creación en 2007 totaliza más de mil films producidos y exhibidos.

ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES 12

1.-UN VECINO GRUÑÓN, DE MARC FOSTER. CON TOM HANKS.

"El marketing de Un vecino gruñón (A man called Otto) promete una historia sobre el hombre más gruñón del mundo pero la película es tan sistemáticamente insípida que su protagonista es, finalmente, tan desagradable como un abrazo cariñoso", de Keith Watson, Slant.-

""A man called Otto" se ha ganado un hueco en la lista de remakes que merecen la pena por su gran corazón y sus interpretaciones cargadas de emoción que no escatiman en comedia", por Lex Briscuso, The Playlist.

2-AGENTE FORTUNE: EL GRAN ENGAÑO, de Guy Ritchie. Con Jason Statham, Hugh Grant, entre otros.

"Una película eficaz y rutinaria que deviene en un vacuo relato de espías matizado por la habitual sorna del director británico", por Javier Ocaña, Diario El País.

"Puro entretenimiento, Ritchie ha encontrado su fórmula y no parece querer transformarla ni alejarse ni un plano de ella", por Irene Crespo, Cinemanía.

3.- TERRIFIER 2, EL PAYASO SINIESTRO, de Damien Leone.

"Es buena cuando hace lo que se espera de ella, mostrarnos grandes y sangrientos asesinatos. Sin embargo, el intento que hace con la trama es simplemente atroz", por Alyse Wax, Collider.

"Toma todo lo que hizo que la primera película fuera increíble y lo mejora. Los fans del terror tienen que verla sí o sí", por David Gelmini, Dread Central.

4.- TRES DESEOS PARA CENICIENTA, de Cecile A. Mosle.

Escasos comentarios. En líneas generales, las críticas encontradas indican que es un film bello visualmente pero carente de encanto, de empatía (Nota de Redacción).-

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PELÍCULAS BÉLICAS, NETFLIX

LA BATALLA OLVIDADA

De Matthijs Van Heijningen Jr. Elenco de Países Bajos. Duración: 124 minutos.

XXXX- EL HORROR DE LO IRRACIONAL

Los Golden Globe determinaron que el film "Sin novedad en el frente", bélico, que ofrece Netflix (tercera remake de la célebre novela alemana de Erich María Remarque) fuese uno de los nominados-ganadores 2023, film que comentaremos oportunamente. No solo está esta película dentro del género bélico sino que hay un par que ostenta excelencia cinematográfica. Por ejemplo, la galardonada "1917" y otra menos mencionada pero con los mismos valores. Se llama "La batalla olvidada", y se centra en la Primera Ejército Canadiense y su extensa batalla en el Estuario del Escalda, Países Bajos (Holanda), y Norte de Bélgica, contra el ejército alemán que, en octubre de 1944, cuando se inició esta misión del Canadá, perdía terreno pero aun mantenía fuerzas en el puerto de Amberes, al que se debía llegar. La razón de los Aliados era simple: los puertos significaban la posibilidad de abastecimiento de las tropas.

La historia que dirigió el holandés Matthijs van Heijningen Jr trabaja en dos planos: el de un poblado tomado por los alemanes (el médico del lugar debía atender a los jerarcas nazis y sus soldados, mientras sus dos hijos ingresaban en la resistencia), un piloto canadiense y su batallón aéreo que debe llegar a tierra en un planeador, y un joven alemán que, luego de recuperarse de graves heridas, es enviado a cumplir tareas administrativas junto al comandante alemán a cargo del lugar.

La narración nos cuenta la vida diaria de cada uno de ellos en medio de las tropas alemanas, la resistencia del pueblo (torturados salvajemente) y la esperanza de que el escuadrón aéreo de Canadá llegue cuanto antes. Por eso, hay diferentes planos muy bien trabajados: la ciudad ocupada, la vida de sus habitantes y el campo bélico. La batalla final fue realizada con tanta crudeza y verosimilitud que es imposible no impresionarse. Las actuaciones van acordes al exigente guion, siendo muy destacables. Es decir, el director abarca varios aspectos para describirlos: el personal, el social, y el de los combates en sí, logrando una cohesión entre los tres. Notable film bélico del 2020 prepandemia, conmovedor, dueño de un crudo realismo avasallante.

Elsa Bragato

UNA SOMBRA EN MI OJO

Guion y dirección de Ole Bornedal. Con Danica Curcic, Alex Hugh Andersen, y un destacado elenco de niños actores daneses. Música de Marco Beltrami, Buch Sanders y Ceiri Torjussen. Fotografía de Lasse Frank Johannessen. Duración: 107 minutos.

XXXX-LO IRRACIONAL E INHUMANO

Este film está basado en una de las batallas consideradas "estratégicas" de la Segunda Guerra Mundial que, como todas, fue otro hecho irracional. Se llamó "bombardeo de shellhuset" o bien "Operación Cartago" y se produjo el 21 de marzo de 1945 a pedido del pueblo de Copenhaghe que desde hacía cinco años padecía la invasión Nazi. Claro está, sin sospechar el llamado "error humano".

El centro de actividades de los alemanes era la Shellhus, donde la Gestapo trabajaba y, en el último piso, tenía a los prisioneros de la resistencia como "escudos humanos" ante cualquier bombardeo.

En el film, se plantea el horror de la guerra desde la mirada de los niños, uno de ellos asiste a un bombardeo inglés que destroza los cuerpos de chicas adolescentes que iban en un taxi; los demás, más de 80 pequeños, padecerán el resto de los errores de la eficaz RAF británica.

Cuando ese aciago día de marzo el escuadrón aéreo inglés inicia la marcha sobre Copenhaghe, se produce otro error y tira su brutal carga sobre la escuela Juana de Arco. Cae una primera bomba muy cerca, obligando a las monjas a llevar a los niños al sótano. Y el resto de la mortífera carga destruirá el edificio, sepultando a los chicos y adultos en el sótano. El rescate es, entonces, dramático, contrarreloj, brutalmente doloroso, impactante.

Se tuvo conocimiento de esta batalla varias décadas después. La sociedad danesa impuso el "silencio" a sus mayores y a sus chicos y los que lograron sobrevivir, ya adultos, a fines de los 70 y de los 80 empezaron a contar el horror vivido. Es el caso de Elizabeth Luneborg, a quien el diario La Nación realizó una entrevista a comienzos del 2022 a raíz del film. Gracias a declaraciones de esta sobreviviente de 83 años y al libro que publicó en los 80, se pudieron conocer los detalles del horroroso error. En medio de la lucha, poco después los británicos lograron dar con la Shellhaus y destruirla, estaba ubicada a solo 1 km de la excuela. Pero la muerte de inocentes era ya un hecho.

La reconstrucción de los hechos es precisa e intensamente dramática. Nada se puede agregar desde un comentario crítico: allí, en imágenes, y con excelentes actuaciones de niños actores, se muestra el horror de la guerra que solo padecen los inocentes. Los que nada tienen que ver con el poder.

Elsa Bragato
 

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CUANDO OSCURECE

Guion y dirección de Néstor Mazzini. Con César Troncoso, Matilde chabrando Creimer y Andrea Carballo en el trío protagónico, y elenco. Fotografía de Guillermo Seposnik, Arte de Lucian a Kohn, Música de Tomás Rodríguez y Mariano Abalo. Producción de Banda Aparte. Duración: 84 minutos.

XXXX-CUANDO LOS HIJOS SON REHENES

Excelente comedia dramática sobre la separación de una pareja que tiene una hija de 9 años. "Pedro" (más que convincente César Troncoso) lleva a pasear a su pequeña hija "Flor" (notable Matilde Chabrando Creimer) luego de decidir con su mujer (Andrea Carballo, de sustanciales apariciones) la separación.

En un primer momento, asistimos a una deliciosa relación padre e hija, a una comprensión de la pequeña Flor de que algo pasa pero que nada impide un largo paseo con papá, y a las reacciones aparentemente apacibles de Pedro que toma caminos insólitos con su automóvil junto a la niña porque solo quiere escapar con ella.

Con una fotografía precisa y una cámara que sabe lo que quiere, Néstor Mazzini (reciente ganador como director y realizador en el último festival de cine de Gramado, Brasil) reconstruye en imágenes los pensamientos de la pequeña, muestra sus caprichos y esa sutil pero tajante extorsión de los pequeños a los adultos cuando se los reta o se les dice el "no" tan cuestionado. Es el motivo que genera el conflicto, y éste estalla de manera descomunal, transformando la comedia dramática en un thriller policial impensado. La transición de un género a otro (aunque el primero contenga al segundo) es cinematográfica, clara, nos sumerge en el mundo de estos dos adultos en pugna y la pequeña hija, rehén de las discusiones de sus padres. Es, en lo conceptual, todo lo que no se debe hacer mientras que, en lo formal, la fábula está contenida por una clara concepción de cine, de pantalla grande, respetándose los silencios, porque los diálogos son los necesarios. Nada está porque sí ni por demás. Mazzini hace cine, no hace televisión, y lo tiene muy claro. Una pequeña joyita que resulta estremecedora.

Nota de Redacción: es la continuación de Autoengaño, conforma parte de la trilogía pensada por Néstor Mazzini a la que hay que agregar "36 horas" y "La mujer del río". Muestra a la familia de "Pedro" que inicia el derrotero de la desintegración, de las discusiones, mientras los hijos, una niña en este caso, resultan el botín de guerra de los adultos.

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NATALIA NATALIA

Guion y Dirección de Juan Bautista Stagnaro. Con Sofía Gala Castiglione, Diego Velázquez, Valentina Bassi, Demián Salomón, Andy Gorostiaga, Tony Lestingi, Carla Pollacchi, entre otros. Fotografía de Diego Poleri, Música de Leo Sujatovich, Duración: 90 minutos.

XXXX- INTENSO POLICIAL FEMENINO CON RESONANTE PROTAGONISTA

Llevar adelante una historia policial como protagonista es una performance que requiere carisma y enamoramiento de la cámara. Lo consigue Sofía Gala Castiglione realizando otro notable trabajo cinematográfico.

Por su parte, el realizador Juan Bautista Stagnaro, en su regreso a la pantalla grande, tuvo la visión del policial femenino: la mujer que se enfrenta a un sinfín de adversidades para echar luz al asesinato de su ex pareja, policía, supuestamente en acción. "Silvia Monteferrante" es el rol que le permite a Sofía G. Castiglione encarar un trabajo personal profundo, donde debió apelar a una amplia gama de sentimientos, desde el dolor por una pérdida sustancial hasta el miedo frente a un "status quo" machista y corrupto a la vez. "Silvia" indaga con perseverancia mientras empieza a vivir la persecución de autoridades policiales. Desde la intromisión en su casa hasta un robo en la calle y la presencia de un consigna con el supuesto fin de "cuidarla" cambian su vida para siempre.

Sin embargo, no está todo dicho. Stagnaro, como bien lo dijo, busca en la resolución de este intenso enigma un giro que derrumbe cualquier hipótesis sobre el desenlace.

El espectador asiste a un policial atrapante, con una protagonista que se adueña de la pantalla a partir de un personaje al que dota de cualidades simples y efectivas. A base de actuación y de una narración en la que Sofía G. Castiglione camina a sus anchas: su personaje "Silvia" se adueña del thriller.

Stagnaro trabaja con un personaje y una historia hechos a medida de una gran actriz que no requiere más que un texto para hacerlo suyo. Entonces, el resultado es el mejor: un gran policial nacional que cumple con el género dándole un matiz diferente, el femenino-

Elsa Bragato

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OTROS ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

1.-UN MUNDO EXTRAÑO, de Don Hall, Animación de Disney.

2.- ELLA DIJO, de María Schrader. Con Carey Mulligan.

"Siguiendo el modelo de "All the presidente's men" y de "Spotlight", es una película tensa, compleja y abosorbente, que se ciñe de forma intrigante a los detalles de la labor de los periodistas", de Owen Gleiberman, Variety.

"Un sutil y brillante drama procedimental que relata cómo dos reporteros expusieron las décadas de abusos y agresiones sexuales de Havery Weinstein... Las emociones de esta película llegan en pequeñas dosis", de Jake Krine.-Schreifelds, The Film Stage.

AFTERSUN

Guion y dirección de Charlotte Wells. Con Paul Mascal, Frankie Cono, Sally Mesham, entre otros. Fotografía de Gregory Oke, Arte de Guzín Erkaymaz, Música de Oliver Coates. Duración: 101 minutos.

XXXX- CONMOVEDOR RELATO SOBRE LA RELACIÓN PADRE E HIJA

En esta semana, "Aftersun" es el segundo film que aborda el tema de la relación padre e hija. El primero es "Cuando oscurece", una comedia dramática sobre la separación de una pareja y la hija como rehén. En el caso de Aftersun, la realizadora Wells muy reconocida en el medio del cine independiente esboza la relación entre Calum (Paul Mescal) y su hija de 11 años Sophie (Frankie Cono). Es notable cómo Wells logra desentrañar ese afecto tan profundo y hasta sensual que toda hija mantiene con su padre. Es un retrato de vida profundo, con una madurez narrativa asombrosa dada por el manejo de la cámara, el empleo del sonido y de la banda sonora. Y los diálogos que concibió también, absolutamente reales. Son vacaciones de un hombre joven con su pequeña en el que la pequeña empieza a advertir que su papá también tiene vida propia. Hay un choque sutil entre el papá conocido y el que empieza a conocer, así como un reconocimiento de la propia madurez física y de sentimientos.

Es una película conmovedora, que se toma su tiempo para desarrollar distintos momentos de las vacaciones de padre e hija, y de los recuerdos que ella tiene ya mayor. Destacamos, por sobre esto último, los momentos de los dos en una piscina, en el cuarto del hotel, en un karaoke, disfrutando del descanso. Bucólicas secuencias. Pero real, vívidas, agradable, que moviliza muchos sentimientos. Es una película que describe vivencias muy personales que se suelen dar en toda relación padre e hija dentro de niveles normales, habituales. No hay jovencita que niegue la fascinación de pasear del brazo con el papá. Son momentos inolvidables que, en este caso, muestran al papá de familia en otros ambientes. Acertada descripción de una relación singular, hermosa, que se extraña cuando se la pierde.

Elsa Bragato
 

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NOSOTRAS

De Filippo Meneghetti. Fotografía de Aurelien Marra. Montaje de Julia Maby y Tonan Tronchot. Con Barbar Sukowa, Martine Chevalier, Lea Drucker, entre otros. Duración: 92 minutos.

XXXX- CUANDO EL AMOR ES MÁS FUERTE

"Nosotras" es un film de enorme intensidad emotiva. Parte de una simple historia de amor lésbico: dos mujeres viudas, vecinas, que viven en el mismo piso aunque en sus respectivos departamentos. Nace entre ellas una hermosa relación para la que tienen un futuro secreto. Sin embargo, Nina y Madeleine tendrán que enfrentar un hecho inesperado, viviendo situaciones límites.

A partir de este hecho que irrumpe entre las amantes, la narración ingresa en un camino de emotividad perturbadora, si bien de gran belleza espiritual E inquietante a la vez. Algo fuera de lo habitual encuentra un resquicio para interponerse poniendo a prueba de manera brutal la relación. He aquí donde Meneghetti apuesta al relato intimista, a los sentimientos entre un grupo pequeño de personas: madre, hijos, amantes, terceros en discordia. Egoísmos, mezquindades de todo tipo interfieren ante el amor que resiste.

Es muy interesante esto último: la resiliencia del afecto verdadero, la necesidad de seguir estando, de seguir siendo, a pesar de que la realidad muestre una cara no empática. El numen de la historia es, entonces, el amor que se recubre, que se resguarda, que espera el momento para seguir siendo. El cómo es el secreto que tiene que descubrirse en esta película noble, a puro sentimiento, sin golpes bajos: el sentimiento está por sobre la elección sexual. Merece verse.

Elsa Bragato

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JUANA BANANA

Guion, edición y dirección de Matías Szulanski. Con Julieta Rapani, Jenni Merla, Franco Sintoff, Matías Szulanski, Fabián Arenillas, Horacio Marassa, Mario Villar, entre otros. Arte de Ailín Kirjner, Música de Carlos Páez, Fotografía de Lourdes Sanz. Duración: 82 minutos.

XXX- VIVIR A PESAR DE TODO

Admirador de los grandes directores de cine, Matías Szulanski, el mismo realizador de "Pendeja, payasa y gorda", del 2017, llega a las salas con "Juana Banana", una historia bien filmada sobre un personaje histérico cuyo entorno se mueve dentro de los cánones habituales y ella, Juana (Julieta Raponi), surge como una "border" que vive lo que quiere, egoísta y autosuficiente. En el fondo está pidiendo a gritos un lugar en el mundo. Pero no sabe por dónde empezar, salvo refugiarse en los porros, las únicas secuencias con seudo existencialismo.

El hallazgo del realizador Szulanski está en la protagonista, en Julieta Raponi, que, lejos de acercarse a la Jean Moreau de Jules et Jim, más allá de la admiración personal del director por la nouvelle vague francesa, interpreta con acierto a una joven que no acepta límites ni quiere darse cuenta de que ya no es una adolescente. Persiste en actitudes cercanas al desorden psicológico o a la depresión, escondida tras una risa enfermiza ante el consentimiento de sus amistades. Escribe, se presenta a castings, vive en un depto prestado mientras espera que su novio regrese al amor o a la compañía efímera. Es extraño cómo el entorno la acepta en este estado de nerviosismo constante, de hablar como con trabalenguas.

"Juana" ("banana" seguramente por la acepción popular que califica a alguien de "goma" o "gomazo") es un personaje para desarrollar dentro de otro contexto narrativo. La actriz Raponi tiene buena pasta actoral. Y, a su vez, Szulanski sabe de qué va una fábula audiovisual. Hay un preciso manejo de cámaras con una fotografía acorde, así como la música incidental de Carlos Páez subraya bien algunas secuencias. Destacamos el "encuentro" en un museo de "Juana" con un Modigliani, un rostro de mujer que la conmueve, o la larga charla con su amigo (el mismo realizador Szulanski) sobre un libro de cuentos fallido.


Faltan los referentes por los que "Juana" es una pieza suelta dentro de un engranaje que no la expulsa pero que tampoco la ayuda a encajar. Juana nos molesta, su hiperkinesis está pidiendo a gritos otro entorno, otros límites, una luz por dónde iniciar el camino.


Elsa Bragato
 

OTROS ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES 10:



Esta semana de noviembre tiene su epicentro en el Festival internacional de Cine de Mar del Plata. No obstante, se producen algunos estrenos en los espacios INCAA y en su web, así como llegan algunos films extranjeros.

1.- PANTERA NEGRA 2: WAKANDA POR SIEMPRE. De Ryan Coogler.

2.- HARRY POTTER Y LA CÁMARA SECRETA, de Chris Columbus. Reestreno.

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RECOMENDACIÓN

LA FAMILIA PERFECTA (NETFLIX)

Comedia española interpretada por José Coronado y Belén Rueda, pareja de consuegros que viven una serie de situaciones tragicómicas a raíz de la boda de sus respetivos hijos, teniendo ellos parejas estables.

Es una comedia muy divertida con momentos hilarantes que, aunque conocidos en el cine y el teatro y en la vida cotidiana, mueven a risa. Hay incluso un empoderamiento de cierta clase social a través del rol de Belén Rueda por sobre la clase media trabajadora que se esboza, no pasa de eso. Este no ir a fondo aún dentro de la comedia pura termina por dañar el planteo general de "La familia perfecta" que de esto tiene poco y nada aunque sí apariencia elegante y ruda a la vez. No decimos nada más para no descubrir otros hilos narrativos que hacen al mismísimo desenlace de esta propuesta española.

No obstante, el cine español es de muy buena factura.

EB
 

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TERROR FAMILIAR

Dirección y guion de Damián Galateo. Fotografía de Julián Bedino.- Música de Pablo Crespo, Duración: 73 minutos.

XXXX- TERROR EN PRIMERA PERSONA

Conmovedor relato que supera los límites del documental es "Terror familiar" película en la que Damián Galateo exorciza una herida familiar trágica. De apellido ilustre en el mundo del deporte, dado que su abuelo Alberto Galateo fue una notable figura del fútbol santafecino y nacional, desnuda con sabiduría cinematográfica el terror que vivió su familia durante varias décadas. El goleador santafecino Alberto Galateo (concretó la primera traición del fútbol nacional al pasar de las huestes de Colón a las de Unión, hecho inconcebible hoy) era, fuera del estadio, un alcohólico golpeador que llegó a sacarle un ojo a su mujer –la abuela de Damián- de una trompada. La tragedia se maceró día tras día hasta que finalmente ocurrió.

Damián Galateo, realizador de cortos valiosos, pone sobre el tapete un desgarrador drama familiar que, si bien hoy es una desgraciada anécdota, marcó la vida de su padre y de sus tíos: es su pasado directo, es familia de la que él forma parte, fue y es la sangre de su sangre. He aquí su honestidad intelectual para volcar tales hechos en un guion y luego en imágenes. Es en éstas, en su tratamiento narrativo, donde la historia personal crece en profundidad dramática al utilizar el rojo, el negro, la imagen titilante, la alternancia brusca de blanco y negro y rojo, sangre de ficción que tiñó a sus ancestros y que Galateo retrata motivado por la revolución de la mujer en estos tiempos, la lucha por la igualdad de derechos, el castigo a los femicidas.

Su familia y su historia son la base donde se apoyan secuencias filmadas con esmero y pasión a través de encuadres diferentes ya sean del interior de la casa, rostros entre rejas, las fotografías de los álbumes familiares donde se ve a la abuela con anteojos oscuros por obvias razones, como los rostros de sus tíos siendo niños con ojos asombrados y sin sonreir, fotos que hablan y que solo debían ser puestas en valor. La música incidental es un personaje más: hay disonancias estridentes in crescendo que se funden con secuencias donde el realizador expresa la tragedia en cierne. Es decir, hay una postproducción especial, un certero trabajo en sonido y efectos visuales que muestran la ductilidad de un realizador que puede poner en imágenes hechos que le pertenecen por razones de familia, cuestionar a la sangre de su sangre como ejemplo de lo que no se debe admitir más. Para ello recurre a los elementos del thriller y del terror, donde lo subjetivo está traducido en la utilización del color y del blanco y negro, ambos de manera rabiosa. En definitiva, "Terror familiar" es un docuficción furioso, un thriller policial de sinceridad brutal, que alerta sobre los peligros inmanentes al machismo. Como pocas veces, el guion está a la par de la narración audiovisual. Muy buen trabajo.

Elsa Bragato

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OTROS ESTRENOS PREVISTOS (LA GRILLA PUEDE MODIFICARSE A ULTIMO MOMENTO)

1.- LA LEY DEL DIABLO, de Daniel Samm, USA, sin críticas hasta el momento.

2.- LA SEÑORA HARRIS VA A PARÍS, de Anthony Fabian. USA

"Interiormente iluminada por la luminosa disposición de su protagonista, es una oda a la bondad, modesta y adorable", de Tim Grierson, ScreenDaily.

"Es la definición pura y dura de una película reconfortante. Sabe exactamente como presionar nuestros botones", de Richard Roeper, Chicago Sun-Times.

3.- AMENAZA EXPLOSIVA, Corea del Sur. Sin críticas todavía.

4.-LITTLE JOE, EL NEGOCIO DE LA FELICIDAD, de Jessica Hausner, Alemania-Austria.

"La trama está plagada de finura psicológica y de elementos de género que animan la intriga... Tiene cierto recorrido aunque no llega tan lejos como su clínica directora pretende y recalda", de O. Rodríguez Marchante, Diario ABC.

"La invasión de los ultracuerpos en versión de psicofármacos vegetales. La directora abraza de lleno el género en un filme sofisticado e inquietante", de Daniel De Partearroyo. Cinemanía.

5.- NO ODIARÁS, de Maru Mancini, Italia.

"Poderosa y profundamente desafiante... Con cada mirada, el espectador puede sentir la tensión que hay dentro de Simone", de Steve Norton, In the seats.

"Un gran análisis de caracteres y una tensa fábula moral", de Leonardo D Esposito, Revista Noticias.
 

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ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES (LA PROGRAMACIÓN PUEDE CAMBIAR A ÚLTIMO MOMENTO):

EL GERENTE

(ESTRENO EN PARAMOUNT, STREAMING)

De Ariel Winograd. Guion de Patricio Vega basado en el libro El Gerente de Noblex, de Marcelo Romeo y Gastón y Bigio. Con Leonardo Sbaragia, Carla Peterson, Luis Luque, Cecilia Dopazo, Marco Antonio Caponi, Valentín Wein, entre otros. Fotografía de Félix Chango Monti. Música de Lucio Godoy. Edición de Pablo Barbieri. Sonido de Gonzalo Matijas y Matías Vilaro. Arte de Romina del Prete. Duración: 104 minutos.

XXX- ENTRE RUSIA Y QATAR, EL GERENTE

Sencilla, simplota, previsible, así es esta comedia muy "argenta" de Ariel Winograd, el mismo que nos asombrara con "Cara de queso" hace varios años y la reciente "Hoy se arregla el mundo", en la que también protagonizó Leonardo Sbaraglia. En "El gerente", Sbaraglia compone a Alvaro Torres, gerente de Noblex, basándose en el hecho real de quien lo fuera y organizara una campaña de venta de televisores frente al Mundial de Rusia cuanto menos temeraria. Winograd es fiel a esa historia aunque lleva al personaje hacia diferentes situaciones personales, desde las familiares y el conflicto con su ex mujer y su hijo adolescente, hasta las de salud, presión alta, posibles problemas cardiacos, pasando por la gerencia que tiene a su cargo y la relación con su jefe Omar (Luis Luque) y la mala de la película, la gerente Federica, a cargo de Carla Peterson.

En líneas generales, el personaje que pasea por todas las situaciones es el de Leonardo Sbaraglia. El resto del elenco da la impresión de haberse aprendido muy bien la letra pero sin dar carnadura a sus roles. Es Sbaraglia quien enfrenta la cámara y las situaciones, rescatándose algunas secuencias simpáticas como, por ejemplo su visita a un negocio de ropa o los diálogos con su cardiólogo (M.A. Caponi)

Es de lamentar el apuro en el tratamiento narrativo de la relación padre-hijo entre Sbaraglia-Wein, y la exageración cansadora en la presencia del Tano Pasman y sus famosas puteadas viendo partidos de fútbol. Es una presencia innecesaria dentro del elenco que, aunque mecanizado, funciona. En definitiva, la simpleza de una historia se agradece siempre porque nos lleva a lugares que todos conocemos y, por consiguiente, podemos disfrutar. Más allá de cierta pompa y circunstancia para rellenar la pantalla con las reuniones frente al televisor para alentar a la Selección Nacional a la que muy bien no le fue en Rusia. Pero esto es harina de otro costal. Para pasarla bien con una película que tiene a su favor también muy buenos aspectos técnicos.

Elsa Bragato

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CRÓNICA DE UN AFFAIRE

Guion y dirección de Emmanuel Mouret. Con Sandrine Kiberlain, Vincent Macaigne, Georgia Scalliet, Maxence Tual, entre otros. Fotografía de Laurent Desmet. Edición de Martial Salomon, Diseño de Producción de David Faivre. Música de Mozart y Haendel, con algunas canciones de Juliette Greco, entre otros artistas. Duración: 100 minutos.

XXXX- DELICIOSA COMEDIA SOBRE EL AMOR PIRATA

Deliciosa comedia sobre la relación entre una madre soltera y un hombre casado que hace sus primeras armas en las lides de los maridos infieles. "Charlotte" (Kiberlain) y "Simón" (Macaigne) se topan en un evento social siendo ella, una rubia juvenil, quien le propone tener una relación sexual al tímido de Simón, sin ataduras a futuro, solo complacerse mutuamente. El "flechazo" es inmediato e irreversible.

Los temores de "Simón" (no tener experiencia en infidelidad, no enamorarse) chocan con la racionalidad de "Charlotte", ambos se entrelazan en diálogos ágiles plagados de reflexiones filosóficas sobre la realidad, el otro, el ser para uno o ser para los demás. La vida hace de las suyas, los sentimientos planteados en el juego inicial van cambiando sutilmente, mientras el exterior, el entorno, encuentra una fisura donde colarse.

Tiene reminiscencias a la saga de Richard Linklater que se iniciara con "Antes del Atardecer", esos paseos en lugares arbolados, caminos angostos, y charlas sobre la vida, el amor, el compromiso entre ambos, donde uno de los dos es racional y el otro es sentimental. Cuánto durará esta posición depende solo del transcurso de los meses. El amor, el deseo, el compromiso que genera en ellos cada nuevo encuentro, serán elementos determinantes. Resulta fascinante la transformación de Charlotte y Simón en sus actos, en sus miradas, a medida que los encuentros son frecuentes, y que ambos adquieren la seguridad de volver a verse con la excusa del sexo sin ataduras.

La puesta en escena de Emmanuel Mouret es precisa al punto que colabora con los protagonistas, inmersos en una historia que no buscaron pero que los encontró: es la vida que se planta entre dos y genera hechos y sentimientos inesperados, incontrolables. Cómo cada protagonista resuelve sus convicciones es la propuesta subjetiva del filme. Viven un impacto al sentimiento y a la razón inevitable, un germen inesperado para nada inocuo que entrelaza vidas a pesar de ellas mismas.

Historia adulta sobre la infidelidad, sobre la libertad de unos y otros, sobre los compromisos asumidos y sobre lo inesperado. Delicioso encuentro, excelentes actuaciones, Vencent Macaigne es el tímido que puede a pesar de la culpa y Sandrine Kiberlain, la mujer presuntamente liberada. Amor pirata de previsible final, un thriller romántico envolvente.

Elsa Bragato

1.- BLACK ADAM, de Jaume Collet-Serra. Con Dwayne Johnson.

A estrenarse el viernes a nivel internacional. No hay críticas aún. Entretenimiento, acción.

2.- EL FOTÓGRAFO DE MINAMATA,de Andrew Levitas. Con Johnny Depp.

"Pronto el filme abandona todo punto de vista sensato... Lo que sigue vive literalmente en el empeño de embarrar la obviedad con la obviedad, todo es subrayado, todo es relevante, todo es todo", de Luis Martínez, Diario El Mundo.

"Una narración que desvirtúa la dureza de los hechos contados... ha controvertido a uno de los grandes fotoperiodistas de la historia... es una especie de Don Pantuflo, el padre de Zipi y Zoe", de Gregorio Belinchón, Diario El País.

3.- EL ASCENSOR DEL DIABLO, de Peter Mourougaya, Vietnam.

"Nada demasiado original, pero por momentos esta producción modesta sabe aprovechar las herramientas del cine con la suficiente fuerza como para producir miedo", de Leonardo D Espósito, Revista Noticias.

4.- EL SUPLENTE, de Diego Lerman. Con Juan Minujín.

"El cineasta filma la historia con ritmo y honestidad... Un film que funciona, con un mensaje muy actual y defendible, la necesidad de una educación en valores, y un elenco eficaz al frente", de Carlos Loureda, Fotogramas.

"Es convincente y sólida... con un trasfondo filosófico reflexivo y un perspicaz estudio de personajes. Una dirección bien llevada a cabo... y una buena interpretación central de Juan Minujin", de Jonathan Romney, Screendaily.
 

XXXX- ESTREMECEDOR RELATO SOBRE LA DESAPARICIÓN DE PERSONAS

Bien es sabido que la desaparición de chicos y grandes, tanto hombres como mujeres, es una aberrante situación en todo el mundo. El tráfico de personas, el tráfico de órganos a partir del asesinato de inocentes, son comercios repugnantes que existen. "Ruido" nos habla de esta situación en México, tomando el caso de Julia (impresionante actuación de Julieta Egurrola), cuya desapareció hace ya 9 neses en ocasión de un viaje con amigas. El recorrido desesperante de esta mujer es un Via Cruxis que padecen miles de personas en todo el mundo. "Julia" se presenta ante la justicia, la policía, se suma a entidades como la Asociación Voz y Dignidad por los Juestros, la SIPAC y el colectivo de personas buscando a sus seres queridos que recorren los más insólitos lugares buscando rastros, algo que les diga que por allí pasó su ser querido. Aljibes en desuso, viviendas destruidas, son posibles sitios del encuentro de "algo".

Hay dos aspectos muy bien desarrollados por la joven realizadora Natalia Beristain: el conceptual y el formal, el fondo y la forma. En el primero, está el guion que, en esta oportunidad, supera a la realización, pero he aquí que ésta no se queda atrás porque Beristain acude a todo tipo de planos, los close-up, los primeros planos, los planos largos y breves planos secuencias, imágenes todas que, sin caer en el golpe bajo, desnudan la crudeza de una realidad que existe. La inoperancia de los funcionarios judiciales y policiales, la impunidad de los que llevan armas cargadas por los mismos pueblos a los que dicen defender, subrayan el valor del quehacer constante de quienes lloran a seres queridos desaparecidos. No hay explicación alguna para tan siniestros padecimientos, solo de vez en cuando fosas comunes donde hay que rastrear. Situaciones inhumanas muy bien narradas por esta joven realizadora mexicana que cumple algo más que hacer buen cine: denuncia.

Elsa Bragato

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66 PREGUNTAS A LA LUNA

De Jacqueline Lentzou. Con Sofia Kokkali, Lazaros Georgakopoulos, entre otros. Fotografía de K. Koukoulios. Música de D. Malaussena. Duración: 108 minutos. Grecia.

XXXX- EL AMOR Y EL PERDÓN EN UN MAGNÍFICO RETRATO DE FAMILIA

El por qué una hija decide ayudar a su padre que vive una situación límite tiene explicación: el amor filial unido al perdón. Es inasible y casi inexplicable. Sin embargo, la directora griega Jacqueline Lentzou sorprende con un relato intimista sobre el regreso de "Artemis" (Sofía Kokkali) a la casa paterna al enterarse de que "Paris" (L. Georgakopoulos), su padre, vive una situación límite, una esclerosis múltiple. La joven enfrenta a una familia que la hace cargo tácitamente de un deber para el que no estaba preparada. Como ocurre en la vida misma, los esfuerzos por ayudar a un ser querido se vuelven titánicos aun enfrentando momentos límites impensados.

Utilizando las cartas del Tarot como división en capítulos, Lentzou avanza en la interacción de la hija con el padre, el pasado que se reconstruye con viejos VHS, el presente que se centra en compartir una realidad de grandes dificultades psicofísicas. Logran la directora y los protagonistas (padre e hija) secuencias sublimes: desde el recuerdo que Sofía tiene vívidamente de una áspera discusión con su padre hasta comer helados juntos, las sonrisas cómplices, el abrazo inesperado, la gratitud de uno y el perdón del otro.

Lo subjetivo domina la pantalla, la magia de un rostro asombrado tanto como el temblor de brazos y manos son captados por una cámara sensible que se apoya en lo externo para mostrar el alma de sus personajes. Es lo inasible que serpentea en palabras, gestos, acciones, de otros los que van dando la pauta de lo que ocurre en el espíritu de Sofia, hasta lograr que sean o su padre o ella misma quienes lo expresen con claridad. Es en definitiva una demostración de madurez narrativa aunque se trate de un primer largometraje.

Elsa Bragato

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ZEW

Docuficción de Irene Kuten. Duración: 70 minutos. Producción general de Mónica Simoncini. Dirección de fotografía y cámara de Pigu Gómez, Camara de Diego Tomasevic. Cámara en Ferramonti de Marcelo Camiletti. Arte de Cecilia Zuvialde. Sonido de Lucho Corti y Daniel M. Ibarrart, Animación e ilustraciones de Cecilia Ruis, Irene Kuten, Gina Camiletti. Animación de Vanina Bordón, Montaje de Diego Tomawevic. Música original de Federico Mizrahi. Duración: 71 minutos.

XXXX- EMOTIVO RELATO DE INMIGRANTES

Irene Kuten, directora de este docuficción, es hija del protagonista, Zew, transformado en José cuando llegó al país desde su Roda natal, isla que en 1941 pertenecía a Italia y que por guerras hoy es parte de Grecia. En verdad, al nutrirse Kuten de su historia familiar para el guion logra generar un espejo de la historia de miles de inmigrantes llegados al país, una población con el corazón dividido pero a la vez agradecido a las nuevas tierras.

Zew es un padre y un abuelo especial, con mucha experiencia sobre sus hombros, muchos conocimientos ("papá me hablaba en Idish y mamá en alemán, en una escuela en Polonia aprendí algo de polaco, y dos monjas me enseñaron castellano en el barco que nos trajo"), y la voluntad inquebrantable de hacer felices a los suyos: aprende magia para entretener a sus nietos, mantiene viva la amistad con otros refugiados, comparte el álbum de fotos de otro siglo, y recuerda su férrea decisión de lograr el título de psiquiatra.

Es una de sus nietas, Gina, quien decide armar una maqueta para trazar el largo camino de Zew y sus bisabuelos hacia la vida, siendo base de simpáticas animaciones ilustrativas, recurso que se agradece. Mientras que la hija de Zew, mamá de Gina, es quien toma la cámara y organiza el material para lograr este documental.

La sensibilidad recorre de principio a fin la historia. La resiliencia de Zew es el ejemplo que Irene Kuten recibe y transforma en ficción a partir de una condición a la que no escapan las primeras generaciones argentinas: se cuenta, se narra, la vida de los padres con el corazón en las manos, en eterna recuperación. Tan precioso material tiene, finalmente, un tratamiento audiovisual refinado: no hay planos que falten ni secuencias que sobren. Buena fotografía, buena banda sonora, buena edición. Todo a favor con el plus de una historia conmovedora.

Elsa Bragato

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OTROS ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES (ESTA LISTA PUEDE CAMBIAR A ÚLTIMO MOMENTO DE ACUERDO A LA DECISIÓN DE LOS DISTRIBUIDORES)

1.- HALLOWEEN ENDS, de David Gordon Green. Con Jamie Lee Curtis.

El valor de esta saga en este caso en particular es contar con la "reina del terror" como lo fue y es Jamie Lee Curtis, hija del actor y galán Tony Curtis que supo visitar nuestro país.

2.- WHITE BIRD; A WONTER STORY, de Marc Foster. Con Hellen Mirren.

Continúa la historia con la llegada de la abuela, luego de "Wonder".

3.- FUERZA BRUTA, producción de Corea del Sur.

"Una incesante persecución a lo gato y ratón", de Jared Mobarak, The Film Stage.

"La secuela de The Outlaws trae de vuelta al adorable héroe de Ma Dong Seok, y la misma brillante mezcla de risas y emociones", de Dennis Harvey, Variety.

4.- DESASTRE INMINENTE, de Vanya Peirani-Vignes. Francia

"La combinación de thriller, drama familiar y comentario socioplítico logra funcionaar en gran parte debido a una experta dirección, un ritmo bien logrado, una buena fotografía, y un trabajo actoral restringido y, al mismo tiempo, potente", de André Didyme.Dowe, Rolling Stone, Colombia

5.-NO ODIARÁS, de Mauro Mancini. Italia.

"Se ve siempre con interés y Mancini tiene la noble idea de ahuyentar el fácil maniquerísmo entre educaciones buenas y malas sin resquicios", de Javier Ocaña. Diario El País.

"Es un debut prometedor de Mancini a pesar de su simplicidad",

De Davide Abbatescianni, Cineuropa.

6.- A UN PASO DE MÍ, de José Mario Salas Boza.
Sin comentarios hasta ahora, documental sobre la vida de una periodista. Road Movie.

RECOMENDACIONES DE PELÍCULAS EN DIFERENTES STREAMING

RUBIA (BLONDE) de Andrew Dominik, producción de Brad Pitt. Cn Ana de Armas en el rol de Marilyn Monroe. NETFLIX.

Film muy esperado. En líneas generales, escapa a las generales de la ley respecto de las biopics. Resulta muy oscura, muy densa, trabajada excesivamente en medios planos. Por sobre todo esto está la estupenda actuación de Ana de Armas, que como pocas actrices ha sabido encarnar a la inmortal Marilyn Monroe. Finalmente, es imposible negar que este bucear en lo más hondo, supuestamente, de la historia de Monroe resulta agobiante, hartamente doloroso. No está mal, pero pudo estar muy bien porque todo estaba dado para que así fuera. Menos es más, siempre. EB

ASESINO SIN MEMORIA, de Martin Campbell. Con Liam Neeson, Guy Pierce, Monica Bellucci, entre otros. EN AMAZON (PRIME VIDEO)

Liam Neeson encarna un nuevo personaje, o en todo caso un personaje reiterativo en su larga carrera cinematográfica, de asesino "con ", aunque ahora se le agrega la particularidad de "sin memoria". Mata cuando tiene que hacerlo, sin titubear, pero no tiene culpa. La historia tiene mil vericuetos, hay un notable Guy Pierce, que tanto recuerda a la memoria por aquel notable film "Memento", y la bella Monica Bellucci, excedida en make-up, como puntales de una historia que nos remite a una "malvada", a buenos compañeros de trabajo y a un Liam que desborda de acción cuando uno menos se lo espera. Aún con la previsibilidad del caso, distrae y con buenos elementos. EB

EL TELÉFONO DEL SR HARRIGAN, basado en relatos de Stephen King. Con Donald Shutherland.(NETFLIX)

Un Celular se constituye, sin mucho asidero dramático, en un elemento de conexión entre el más allá. Mr. Harrigan es un hombre mayor que contrata a un niño, huérfano, para que le lea. Con los años, cuando fallece, queda una extraña relación paranormal entre ambos que se traducirá en muertes de ocasionales amigos del joven. Si quisieron hacer un film de terror, no lo lograron. Sí, en cambio, un drama cotidiano en el que situaciones paranormales pueden existir. Se deja ver, siempre "tolerando" el estilo Netflix, que es el medio plano obsesivo, la lentitud narrativa y poca inversión en producción en general. EB

UN HOMBRE DE CINE

(Durante el mes de octubre se ofrece en el Malba, domingos, 18 horas)

Documental de Hernán Gaffét, a cargo del guion. Fotografías de Tomás Ridilenik. Animaciones de Gabriel Muro. Locución de Juan Palomino, Darío Guesenzvaig y Hernán Gaffét. Música de Guillermo Romero (pianista), percusión de Horacio Straijer. Producción de Charo Mato y Fernando Molnar para Magoya Films. Duración: 113 minutos.

XXXX-EL CINE COMO RAZÓN DE VIDA

Valioso documental es "Un hombre de cine" sobre la vida y obra de Néstor Gaffet, abogado, guionista, productor y distribuidor de cine. realizado por uno de sus hijos, Hernán, quien se puso al hombro la investigación, el guion, la producción y la dirección. Reconstruye la vida de su padre en forma minuciosa, desde el nacimiento hasta el amor por su prima, con quien terminará casándose, el nacimiento de sus dos hijos, y el enamoramiento por el séptimo arte, siendo a la vez historia argentina sobre la censura cinematográfica.

De formación política radical, Gaffet padre tuvo que enfrentarse a los censores de todos los gobiernos, a ignominiosas leyes sobre la libertad de imagen en el séptimo arte, contubernios varios de los presidentes supuestamente democráticos con los representantes eclesiásticos y las fuerzas armadas, y, en definitiva, a un despótico maniobrar sobre lo que el público argentino podía ver o no.

El gusto por la pantalla grande del público argentino fue más fuerte que la censura misma animando a Nëstor Gaffet a idar rienda suelta a su pasión e invertir para traer los mejores productos: desde la Nouvelle Vague hasta el Neorrealismo italiano, el descubrimiento del maestro Ingmar Bergman con la aplaudida "Juventud, divino tesoro", la estrecha relación con Leopoldo Torre Nilsson como productor de sus películas. Bien se puede afirmar que Gaffet sucumbió al hechizo de la pantalla grande en todos sus aspectos.

Este documental tiene gran valor histórico porque no deja de lado nombres y apellidos ni de presidentes ni de militares ni de civiles ni de instituciones que se creyeron con el poder de censurar, "cortar", secuencias de películas, considerándose dueños de la moral pública. Tiene minuciosidad en la investigación, es preciosista en los detalles, siendo una honesta revelación de la vida de una familia que vibró al son de los films.

Se destaca en todos sus aspectos: desde el guion, con un muy buen trabajo de producción, hasta la postproducción, que incluye la música incidental, apropiada al relato, voces en off, films de época, posters de cientos de películas, aportando información y agilidad narrativa. Es un honesto y rico retrato que se funde con aspectos de la vida sociocultural y política de nuestro país. De visión obligatoria.

Elsa Bragato

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ENNIO, EL MAESTRO

Documental de Giuseppe Tornatore. Testimonios de Clint Eastwood, Quentin Tarantino, Oliver Stone, Darío Argento, Bernardo Bertolucci, Bruce Springteen, Hans Zimmer, John Williams, Vittorio Taviani, Joan Baez, Terrence Malick, Lina Wertmuller, Stanley Kubrick, Barry Levinson, Marco Belocchio, entre otros. Duración: 156 minutos.

XXXXX- CONMOVEDOR RETRATO DE UN GENIO DE LA MÚSICA CONTEMPORÁNEA

Conmovedor documental sobre la vida y obra de Ennio Morricone logró el director italiano Giuseppe Tornatore, transformando al músico romano, fallecido en el 2020, en su propio protagonista, es decir, Morricone es quien actúa, es su propio narrador abriendo las puertas de su hogar, de su estudio y de su álbum familiar.

Hace algunos años, Tornatore registró una extensa nota con un Morricone de avanzada edad, siendo hoy la base de un trabajo cinematográfico exquisito, cuidadoso, integral.

Al maestro Morricone (tardíamente reconocido por los Oscars) se lo conoció por sus más de 500 bandas sonoras para el cine. Pero fue mucho más: fue un músico clásico que escribió desde obras no tonales hasta motetes, sinfonías (una de ellas, en memoria de los fallecidos por el ataque a las Torres Gemelas el 11 de setiembre del 2001), obras corales. Trompetista por orden paterna, llega a la composición atraído por la forma de enseñar del maestro Petrassi. Con profunda rebeldía interior, no solo entonces hizo los deberes convencionales sino que se aventuró a la música no tonal, a los "ruidos", a la experimentación.

El enorme valor de este documental, que recibió tres Donatello este año y varios premios más de otros festivales internacionales, radica en la captación del espíritu de Ennio Morricone, muy lejos de la aparente timidez y fragilidad que denotaban su rostro. Es un retrato estupendo por lo profundo dado que el realizador no abortó ningún pasaje, incluso aquéllos donde el músico tararea la melodía, o cuenta cómo incluyó un "motete" dentro de la banda para "La Misión". Tornatore respetó las palabras de su entrevistado sin excluir explicaciones sobre la complejidad de una orquestación, otorgándole al trabajo final un plus de altísima calidad informativa. Rico esbozo cinematográfico del rostro de un creador, desde la niñez, su casamiento con María –madre de sus dos hijos y su sostén- hasta la última etapa de vida. Es una pintura perfecta de la actividad de un compositor, generador de melodías inolvidables. Un disfrute para quienes aman la música.

Elsa Bragato

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CORTE

Guion y Dirección de Guadalupe Yepes. Con Gilda Scarpetta, Alejandro Catalán, Luis Machín, Cristina Banegas, Matías Bassi, entre otros. Fotografía de Connie Martin. Arte de Rodolfo Pagliere. Montaje de Vanina Millone. Sonido de Martín Galimany. Música de Christian Baso. Duración: 74 minutos.

XXX-EL DESAMOR LUEGO DEL AMOR

Con un buen manejo narrativo, Guadalupe Yepes lanza este largometraje donde expresa muchas de sus vivencias. Los protagonistas son Vanesa y Joaco (Scarpetta y Catalan), una pareja que enfrenta la separación al comprobarse que él fue infiel. Nada es fácil, en principio, porque Vanesa no termina de aceptar los dos hechos: la infidelidad y el no estar más con su pareja. Y, por otro lado, está Joaco, que tiene una mirada fría sobre los hechos y trata de despegarse de Vanesa. Mientras para uno todo es posible remontar, para el otro hay que iniciar un camino nuevo.

Es un planteo real, factible, del desamor después del amor, parafraseando a Fito Páez. Mientras están los sentimientos de uno y otro sobre la mesa, lastimándose con palabras y gestos, por otro lado está el trabajo en común que tienen, un guion de cine. Todo indica que es aquí donde Guadalupe Yepes utiliza a Vanesa como su "alter ego", un personaje que le permite hacer catarsis de sus vivencias.

Hay una alternancia entre secuencias muy bien logradas y otras que resultan clishés por el tema y por los diálogos. En este último aspecto, son altamente valoradas las charlas de la pareja en un bar, en un lugar privado. Vanesa y Joaco, pasando los primeros segundos de saludo, son capaces de manifestarse con sinceridad a través de parlamentos creíbles. Guadalupe Yepes alcanza su climax como guionista en estos encuentros de a dos porque logra reflejar con palabras el dolor inmenso que produce una ruptura, ese quiebre de la confianza mutua que hiere impiadosamente.

La realización se mantiene dentro de lo clásico, no hay despliegue visual sino que se apunta más a lo subjetivo, a lo conceptual que a lo formal. Si bien hay que indicar que no se utilizan los close up sino los planos medios en su mayoría.

Por sobre todo, "Corte" tiene la noble misión de exponer la vulnerabilidad de la mujer frente a la infidelidad, ese desamor inesperado que no siempre se puede perdonar.

Elsa Bragato

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CAMINO AL ÉXITO

Dirección y guion de Sebastián Rodríguez. Con Sergio Prina, Bengamín Otero, Paula Carruega, Mariano Argento, Germán de Silva, Erika de Sautu Riestra, Eugenia Guerty, Antonella Saldicco, Mario Moscoso, entre otros. Fotografía y Cámara de Martín Nico. Sonido de Fernando Ribero. Montaje de Marcela Truglio. Arte de Soledad Guerrero. Maquillaje y peinado de Natacha Zalazar. Duración: 73 minutos.

XXX- ROAD MOVIE A LA ARGENTINA

Sebastián Rodríguez manifestó su atracción por el género de las road movies, donde hemos visto pequeñas joyas como Little Sunshine, entre tantos otros ejemplos. "Camino al éxito" cumple con los requisitos de esta forma de narración que toma una ruta y las vicisitudes de sus personajes como locaciones. En el trayecto hasta la meta a cumplir se vivirán vicisitudes de diversa índole, que constituyen la trama, la fábula a contar.

Hugo (Sergio Prina) recibe la propuesta de llevar a su sobrino Enzo, de 12 años (Benjamín Otero) a un club importante para ser probado. A cambio recibirá un dinero interesante. El camino hasta la meta no será fácil y Hugo deberá apelar a la mentira y a la falta de ética para conseguir dinero y llegar a destino. Dentro del drama semi-costumbrista que se plantea, hay momentos de humor y de mucha emoción, tanto de Hugo como de Enzo, un futuro "Messi".

Soltura en las actuaciones, una narración que avanza generando secuencias interesantes, diferentes entre sí, y una fotografía clásica, son algunos de los elementos técnicos muy bien trabajados por Sebastián Rodríguez y su equipo.

Se agregan varios aspectos sociales, desde la falta de horizontes laborales, la rutina que corroe el espíritu, hasta cualquier excusa para salir del pozo socioeconómico. Es esa terrible situación de un vastísimo sector de la pobación para la cual las chances de una vida mejor están recortadas: la realidad se las escamotea brutalmente. Solo la mal llamada "viveza" puede tenderle trampas al destino oscuro, a una vida sin logros, única propuesta social. De todo esto se trata este buen trabajo de Sebastián Rodríguez, logrando que esta road movie sea un bastión del género dentro de nuestra cinematografía.

Elsa Bragato

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PEQUEÑOS MOMENTOS DE FELICIDAD

De Daniele Lucchetti. Con Pierfrancesco Diliberto, Thony, Renato Carpentieri, Angelica Alleruzzo, Vincenzo Ferrera, Franz Cantalupo. Fotografía de Tomaso Fiorilli. Música de Franco Piersanti. Duración: 89 minutos.

XXX- ENTRE EL CIELO Y LA TIERRA

Daniele Lucchetti se basó en dos cuentos breves de Francesco Piccolo, guionista a su vez de "Pequeños momentos de felicidad", para relatar una fábula cuyo personaje vive entre el cielo y la tierra. El humor negro con el que se inicia el film rápidamente se transforma en una comedia que tiene a su protagonista, Paolo (Pierfrancesco Diliberto), cumpliendo órdenes celestiales luego de haber pasado al más allá por un accidente de tránsito. La vuelta de tuerca de Daniele Lucchetti es evitar lo luctuoso pasando a la comedia que le permite el replanteo de conductas. La esposa, los hijos, las novias de antaño, afloran en un presente rabioso seguido de cerca por su guardián que, lejos de tener alas, luce barba muy contemporánea.

La comedia semimetafísica tiene altibajos narrativos salvados por Pierfrancesco Diliberto quien dota a su rol de mucho carisma. Y el "más allá" planteado de manera diferente es una buena plataforma que Lucchetti tiene para entrelazar personajes y locaciones en un mix un tanto confuso. Por momentos, esta similitud entre cielo y tierra juega a favor de la comedia a través de secuencias melancólicas y tiernas, eludiendo siempre el melodrama. Para entretenerse: film inocuo y positivo a la vez.

Elsa Bragato

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ALGUNOS DE LOS ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES:

1.- NO TE PREOCUPES CARIÑO, de Olivia Wilde.

"Brillante pieza de entretenimiento... Discurre de forma correcta y decidida por buena parte de algunos clásicos y no tanto que, queriendo o no, configuran la memoria del espectador", de Luis Martínez, Diario El Mundo.

"Lustroso cuento de terror... Unas buenas actuaciones se convierten en la mayor virtud de una película que, en su tramo central, está a punto de verse absorbida por su propia premisa, la creación de un universo artificial e insulto", de Manu Yáñez, Fotogramas.

2.- LA HUÉRFANA, EL ORIGEN, de William Brent Bell.

"Es maravillosamente imposible tomarse esta película en serio, lo que significa que es mejor disfrutarla con otras personas". De Lena Wilson, The Wrap.

"Orphan First Kill" es una película aburrida y sin suspenso... Un guion ínfimo y desordenado", de Owen Gleiberman, Variety.

3.- MIRA CÓMO CORREN, de Toma George.

"Es divertida, chispeante y lo suficientemente inteligente como para pasar una hora y media entretenida", de Hoai-Tran Bui, Slashfilm.

"La comedia es una cuestión de sincronización y aquí ésta falla, por lo que las risas son alarmantemente escasas. Es una oportunidad perdida", d eJason Bailey, The Playlist.

4.- CONTAGIO ZERO, de Francesco Giannini.

"Su mezcla entre metáfora, conspiración y una fabulosa ambientación crean una experiencia muy efectiva", de Alix Turner, Ready Steady Cur.

REESTRENO

AVATAR, de James Cameron.

Estrenada en el 2009, luego de más de una década es devuelta a las pantallas grandes como "gancho" a fin de atraer a todo tipo de público. En su momento, fue un film del que se esperó mucho pero dio poco. Los efectos visuales son maravillosos y en ese tiempo Cameron unió las bases técnicas de George Lukas y de Peter Jackson. No obstante, el argumento, un tanto trillado en algunos aspectos, y el enfrentar "avatares" en vez de los rostros de actrices y actores famosos provocaron bastante desilusión. Para muchos, fue un film destinado a la platea infantojuvenil más que al público adulto. EB.

SUPERMAN

Increíblemente, regresa este clásico de todos los tiempos, Superman, en su primerísima versión, la protagonizada por Christopher Reeve, de 1978. En su momento, maravilló al público en general por los "vuelos" virtuales del protagonista. Un extraño regreso a las salas de exhibición.

POSIBLES ESTRENOS:

LITTLE JOE, EL NEGOCIO DE LA FELICIDAD de Jessica Haustner

CONTAGIO ZERO", film canadiense sobre virus mortales.

JUEVES 15 DE SETIEMBRE DEL 2022
 

ESTRENOS INTERNACIONALES PREVISTOS PARA ESTE JUEVES:
 

ESTRENOS NACIONALES, INFORME DEL INCAA 

El próximo jueves 15 de septiembre, en el Complejo Gaumont, estrenan los documentales Reset, volver a empezar, de Alejandro Hartmann y El hemisferio nocturno de la tierra, de Diego Arandojo, junto a los largometrajes de ficción Perros del viento, de Hugo Grosso y Cuando la miro, de Julio Chávez  

Desde el martes 13 de septiembre, la plataforma de video a demanda CINE.AR PLAY sumó a su programación las películas One Shot (Ficción – Argentina – 2018 – 84 min. – SAM 16), de Sergio Mazza; Heroxs del 88 (Documental – Argentina – 2019 – 100 min.), dirigido por Luis Hitoshi Díaz; y El grito en la sangre (Ficción – Argentina – 2014 – 99 min. – SAM 13), una adaptación de la novela Sapucay, de Horacio Guarany, realizada por Fernando Musa; junto a los cortometrajes Melián (Argentina – Ficción – 2019 – 7 min.), de Manuel Ramos; Investigaciones del corazón (Argentina – Ficción – 2021 – 14 min.), de Natasha Gurfinkel y Mariano Blanco; y la serie web Krakatoa (Ficción/Animación – Argentina – 12 capítulos de 13 min.), realizada por Esteban Echeverría. El jueves 15, la plataforma suma los estrenos de Bigli (Ficción – Argentina – 2021 – 79 min. – SAM 13 CR), de Nicolás Tacconi; Chango, la luz descubre (Argentina – 2022 – 85 min. – ATP), de Alejandra Martín y Paola Rizzi; y El gigante egoísta (Ficción/Animación – Argentina – 2021 – 68 min. – ATP), de Liliana Romero y Norman Ruiz. 

PERROS DEL VIENTO 

Guion y dirección de Hugo Grosso. Con Luis Machín, Roberto Suárez, Gilda Scarpetta, Lorenzo Machín, Estrella Zapatero, entre otros. Con participación especial de Carlos Portaluppi y Marta Lubos. Fotografía de Marcos Cartagnoli. Montaje de Verónica Rossi. Sonido de Tomás Grimaldo y Diego Colombo. Arte de Cecilia Correnti. Color de Laura Viviano. Vestuario de Mercedes Colombo. Dirección Musical de Carlos Casazza. Duración: 105 minutos. 

XXX- BUEN RELATO SOBRE LA CONDUCTA HUMANA  

A partir de hechos que ocurren en Rosario, Santa Fe, la ciudad natal del guionista y director Hugo Grosso, se construye un relato sólido sobre la complejidad de los sentimientos humanos. El disparador es el misterioso suicido de perros en Plaza España de esa ciudad santafecina, que provoca el regreso de Ariel (Luis Machín) desde España donde es productor de un ciclo sobre animales, conducido a su vez por otro argentino (Carlos Portaluppi). Estos dos ejes, el suicidio canino y la vuelta al país, son el cara a cara del protagonista con su pasado, sus recuerdos, el amor por Laura (Gilda Scarpetta), casada con su mejor amigo (Roberto Suárez) y el hijo de este matrimonio (Lorenzo Machín), que conlleva los secretos de los adultos. 

En verdad, el suicidio canino (es el caso de Lola, la perra siberiana de su ex novia Laura) es una metáfora de aquello que ocultamos, o bien de lo que no queremos ver en nosotros mismos, o el dolor que provoca cualquier frustración. Grosso se vale de una narración lineal, que fluye encontrando respuestas parciales, que se van sumando, en las reacciones de sus personajes. De esta manera, se revelan los sentimientos secretos, los amores y desamores, manejando con sutileza secuencias determinantes. Nada está librado al azar sino que todo se concatena gracias a un hilo fantasma que une aún los opuestos. Aquello que no se ve y está, ese doble espejo del que hablaba René Magritte, mencionado en el film. Porque todo está a pesar de nosotros mismos.  

La propuesta de Hugo Grosso es diferente dentro de nuestro cine; aporta un ángulo diverso sobre las relaciones humanas, los conflictos externos y los del alma, sumando a ellos a las personas no humanas como los perros. Se destaca el protagónico de Luis Machín, un actor con una sensibilidad dúctil, empática, que traspasa el mero rol, asi como Carlos Portaluppi vuelve a demostrar su valía como sólido soporte: contracara de Ariel y sus conflictos. La dirección actoral resultó determinante para que el resto de los personajes haya sido abordado desde una profunda internalización.  

Se incluye entre los aciertos a la banda incidental de Carlos Casazza, a la que se suma la canción "Asilo" del uruguayo Jorge Drexler. Todo confluye para que "Perros del viento" sea, además de un hermoso título, una película movilizadora.  

Elsa Bragato 

1.- BÁRBARO, de Zach Cregger. 

"Cualquiera que esté dispuesto a aceptar este viaje perverso, quedará totalmente satisfecho con este trabajo retro que recuerda magníficamente las primeras obras de Wes Craven", de Frank Scheck, The Hollywood Reporter. 

"El guion es algo más que astuto: es inteligente y sus personajes, en su mayor parte, tienen más dimensión emocional de lo habitual", de Pat Padua, The Washington Post. 

2.- PASAJE AL PARAÍSO, de Ol Parker, con Julia Roberts, George Clooney, entre otros. 

"Aunque todo resulte un poco rancio y estereotipado, ahí están Julia Roberts y George Clooney para salvar el asunto dispuestos a embaucar al espectador", de Beatriz Martínez, Diario El Periódico. 

"Película deliciosamente intrascendente y adorablemente previsible. No arriesga nada y juega sobre seguro"m de Fausto Fernandez, Fotogramas. 

3.- EMERGENCIA EN EL AIRE, de Jae-Rim Han 

"(Quienes no sean fans de los protagonistas) pueden tomar el rumbo para otro film de catástrofe", de Therese Lacson, Collider. 

"Cuando este largometraje se adenra en el territorio de los dilemas morales, se tiene la sensación de que esta película tiene algo más en mente que emociones y escalofríos (metafóricos)", de David Fear, Rolling Stone. 

3.- SELENE 66 QUESTIONS, de Jacqueline Lentzou. 

"Un estudio difícil, escurridizo, pero al final gratificante, de una hija que lucha por reconectar con su padre", de Peter Bradshaw, The Guardian. 

"Se trata de una sorprendente primera película de Lentzou, que muestra una originalidad que la distingue inmediatamente de sus colegas", de David Katz, The Film Stage. 

4.- LA CONFERENCIA, de Matti Geschonneck. 

"Fría y certera radiografía de la reunión que llevó al Holocausto. Matti Geschonneck asume con buen criterio que no puede hacer nada en su puesta en escena que enturbie la gelidez de las palabras y los planes de aquellos hombres", de Javier Ocaña, Diario El País. 

(Se refiere a la reunión del 20 de enero de 1942 llevada a cabo en una villa de Berlín que pasó a la historia como la Conferencia de Wannsee, en la que se decidió el asesinato de 11 millones de judíos). 

REESTRENO 

POLTERGEIST, De Tobe Hooper. 

Esta película fue estrenada en nuestro país en 1982 y mereció el análisis de parapsicólogos y expertos en "el más allá" para lograr explicar lo más científicamente posible el movimiento autónomo de mesas, sillas, utensillos, en el hogar de un matrimonio joven con sus hijos pequeños. La violencia de los movimientos, por ejemplo, y el peligro de muerte de los habitantes tendrán una explicación que da pánico. Llama la atención los reestrenos que se vienen sucediendo casi todas las semanas, como si no hubiese material suficiente internacional y nacional para renovar las salas todos los jueves. Y llama la atención que los films nacionales solo tengan lugar en los espacios del INCAA y no en los centros comerciales con complejos cinematográficos. (Nota de redacción, EB)

JUEVES 8 DE SETIEMBRE DEL 2022.- 

1.- INVITACIÓN AL INFIERNO, de Jessica M Thompson. 

La crítica internacional considera que la directora  Thompson no supera la calidad media de los films de vampiros. Tiene la atracción de su protagonista, Nathalie Emmanuel, de "Game of Thrones". Pero no resulta mucho más que eso: un nombre rutilante en medio de una historia previsible. EB 

2.- SUEÑOS DE LIBERTAD, de Frank Darabont. Con Morgan Freeman. 

Es uno de los estrenos previstos de este jueves. Se estrenó el 23 de marzo de 1995. Cuenta la historia de un convicto (Morgan Freeman), preso desde hace mucho tiempo por asesinar a su esposa. Dentro de la cárcel ha reconstruido su vida y no desea la libertad como otros prisioneros. Es un reestreno a confirmar. Debemos decir que llama la atención el regreso de films de impacto de hace más de 20 años y la falta de creatividad de Hollywood, volcado como está a la violencia de todo tipo en lo que ofrece. EB. 

3.- PRINCESA POR ACCIDENTE, animación de Julien Fournet, Francia, sobre una pequeña huérfana que vive en las calles. 

La crítica internacional considera que es una animación muy bien realizada, bastante diferente a otras, visualmente atractiva. EB 

MÁS RESPETO QUE SOY TU MADRE,de Marcos Carnevale. Con Florencia Peña, Diego Peretti, entre otros. 

RECOMENDACIÓN PARA VER EN PLATAFORMA FLOW 

NÉBOA, miniserie de 8 capítulos en FLOW. España. 

Sigue el caso de una joven asesinada durante un festejo tradicional en esa isla. La inspección recae en una en el caso de la manera menos previsible. Tiene una fotografía y creación de climas estupendos. Las actuaciones van acorde. En este sentido, las realizaciones españolas logran una calidad superlativa. Puede resulta un poco lenta en algunas secuencias pero esto no le quita méritos porque los tiene a todos. EB 

INFORMACIÓN DEL INCAA, ESTRENOS DE LA SEMANA 

El Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales anuncia las novedades en la programación del Complejo Gaumont, la plataforma CINE.AR PLAY y la Red de Espacios INCAA para la segunda semana de septiembre. 

En el Complejo Gaumont se estrenan Un crimen argentino, largometraje de ficción dirigido por Lucas Combina; el documental El campo luminoso, realizado por Cristian Pauls; y El paraíso, animación policía avezada en el caso que pronto se verá involucrada para adultos realizada por Fernando Sirianni y Federico Moreno Breser. 

En la cartelera continúan Que todo se detenga (Argentina – 2021 – 81 min. – SAM 16), de Juan Baldana; El castigo (Argentina – 2021 – 86 min. – SAM 16), de Matías Bize; Contando ovejas (Argentina – 2022 – 112 min. – SAM 16), de José Corral Llorente; y Bienvenidos al infierno, de Jimena Monteoliva. 

La programación completa del Complejo Gaumont, con los estrenos y las continuidades de la semana, estará disponible desde el martes en la web del INCAA. 

A partir del jueves 8 se estrenan en la plataforma Bahía Blanca (Argentina – 2022 – 83 min. – SAM 13 CR), de Rodrigo Caprotti; La encomienda (Argentina/República Dominicana – 2022 – 101 min. – SAM 13), de Pablo Giorgelli; La otra parte (Argentina – 2022 – 83 min. – ATP), de Felipe Restrepo; y Que todo se detenga (Argentina – 2022 – 81 min. – SAM 16), de Juan Baldana. 

EL PARAÍSO 

De Fernando Sirianni y Federico Breser. Basado en la miniserie Tierra de Rufianes, animación. Con las voces de Norma Aleandro, Nicolás Furtado, Maite Lanata, Jorge Marrale, Alejandro Awada en los roles principales, además de Cesar Bordón, Ernesto Larresse, Elena Roger, Fabio Posca, Juana Viale, Claudio Da Passano, entre otros. Edición de Dante Martínez y Fernando Sirianni. Efectos de Brian Schneider. Animación de Pablo Lorenzo. Música de Santiago Walsh. Duración: 103 minutos. 

XXXX- LOGRADA ANIMACIÓN SOBRE LOS AÑOS 20 EN "LA CHICAGO ARGENTINA" 

Basándose en un trabajo preliminar de animación, titulado "Tierra de Rufianes" con Pablo Rago y gran elenco del director Federico Breser, Sirianni logra en "El paraíso" un elocuente alegato animado de un momento histórico de la ciudad de Rosario en 1926, la "Chicago argentina", por ser centro de delincuencia y prostitución en los comienzos del siglo XX. Vale decir que tanto en el trabajo de Breser como en éste en conjunto con Sirianni, se trabajó con datos de la realidad.  

Tres personajes conforman los pivots de esta lograda narración: Magdalena Scilko a cargo de Norma Aleandro, Ian Abramov encarnado por Nicolás Furtado, y Roco (o Rocco) Falcao protagonizado por Alejandro Awada. En torno a un reportaje que a sus 91 años ofrece "Magdalena Scilko" a un valiente periodista (Ernesto Larresse), se reconstruye la llegada de ésta y su hermana Anna de Polonia a Rosario. La idea de una vida mejor se derrumba cuando son prostituidas brutalmente. El amor y la tragedia se conjugan en medio de un flagrante caso de trata de blancas de ribetes internacionales, el crimen de los Abramov y el grito desesperado de Raquel Liberman, una de las prostitutas que logró denunciar a los proxenetas. 

Se destacan varios rubros: los técnicos en primer lugar que son altísima factura, incluyendo detalles visuales como la hábil utilización del Blanco y Negro y el color, según fuese pasado o presente. Párrafo aparte merece la banda sonora de Santiago Walsh, con la dosis necesaria de dramatismo y poesía en la orquestación que incluye la utilización de instrumentos solistas como el bandoneón y el violoncello.  

Todos los elementos confluyen para que esta animación cobre vida quasi real, atrapando en los vericuetos de una narración fuerte, adulta y cruel que tiene en la voz de Norma Aleandro a su hilo conductor. Sirianni y Breser logran un policial oscuro, intenso, vibrante, esfumándose los límites entre animación y realidad. "El paraíso" es mucho más que un cuento animado adulto para la pantalla grande. 

Elsa Bragato 

JUEVES 1RO DE SETIEMBRE DEL 2022.- 

El Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) anuncia la renovación de sus pantallas a partir del próximo jueves 1° de septiembre. En el Complejo Gaumont estrenan Bienvenidos al infierno, largometraje que aborda el género del terror dirigido por Jimena Monteoliva; Contando ovejas, dirigida por José Corral Llorente; y El castigo, de Matías Bize. En el marco del programa Jueves Estreno, Contando ovejas y El castigo, se exhibirán, en simultáneo en el Complejo Gaumont y en la Red de Salas de Espacios INCAA. Contando ovejas se podrá ver en el Cine Teatro Oberá de Misiones y el Cine Teatro Renzi de La Banda; El castigo, en Espacio 73de La Rioja y en el Centro Cultural Cotesma de San Martín de los Andes. En la señal CINE.AR TV, ambas películas se emitirán el jueves 1 de septiembre, Contando ovejas a las 20 y El castigo a las 22 horas, con repetición el sábado 3 en los mismos horarios. En la plataforma CINE.AR PLAY estarán disponibles en forma gratuita desde el viernes 2 por una semana. 

1.-LA CHICA SALVAJE, de Olivia Newman. 

"Es la clase de tediosa fantasía moral que propulsa el erróneo idealismo de América", de L. Gyarkye, The Hollywood Reporter. 

"Un trabajo melodramático y poco convincente que solo de forma ocasional localiza el corazón doliente de la historia", de Tim Grierson, Screendaily. 

2.- VÉRTIGO, de Scott Mann. 

"Vértigo o "Fall" funciona porque toca el mismo nervio sensible una y otra vez", de Noel Murray, Los Angeles Times. 

"Fácil de olvidar? Sí. Pero lo suficientemente buena como para proporcionar un par de minutos de diversión", de James Berardinelli, ReelViews. 

3. JACK, EN LA CAJA MALDITA 2, de Lawrence Fawler. 

"No da muchas sorpresas... Está en deuda con El Conjuro. Aunque Fowler conoce el terror, no muestra suficiente imaginación para abrir un camino de sangre propio", de Phil Hoad, The Guardian.
 

EL BRINDIS 

Dirección y guion de Laurent Tirard. Con Benjamín Lavernhe, Sara Giraudeau, Julia Platon, Marilou Aussilloux, entre otros. Fotografía de Emmanuel Soyer, Edición de Valerie Deseine, Música de Mathieu Lamboley. Duración: 87 minutos. Zeta Films.

XXX- UN EMBROLLO FAMILIAR CON SABOR FRANCÉS

Divertida, irónica y muy francesa es "El Brindis", sobre los problemas de pareja y ciertas imposiciones familiares, que dirige Laurent Tirard. La historia se centra en Adrien (Benjamín Lavernhe) a quien la pareja deja por un tiempo, mientras debe atender a sus padres, su hermana y su futuro cuñado, empecinado en que diga el discurso el día de la boda. La cena familiar se torna problemática.

Adrien no está maduro ni para una ni otra situación. He aquí donde Tirard acude a la "magia" de la edición: congela la imagen de la cena, sale Adrien de la cabecera ubicándolo como narrador a la cámara. Este juego de edición que, en definitiva, nos indica una manera de hacer puesta en escena, se ve en forma constante a lo largo de los más de 80 minutos del film. Sin lugar a duda, es un recurso técnico que da aire a la propuesta porque el protagonista puede enfrentar otras situaciones más allá del ámbito familiar. Lejos de ser claustrofóbica, Tirard logra secuencias que van abonando la endeble personalidad de Adrien: la exacerbada timidez, los disparates que puede cometer, mientras la fecha del casamiento se acerca y la ausencia de Sonia (Sara Giraudeaux), su pareja, se hace sentir. 

Es una película muy del gusto francés por muchos motivos: en principio, la propuesta cinematográfica no es convencional dado que el protagonista rompe la cuarta pared para hablar de sus emociones. Desde los celos que los amigos de su mujer le generan, recuerdos de encuentros hasta un discurso imaginario en la boda de su hermana. Hay, entonces, que atravesar un proceso de imágenes y diálogos, o sea de historia cinematográfica, con absoluta aceptación para que la verdad de este embrollo que pendula entre lo personal y lo familiar sea revelado. Interesante, divertida, es esta comedia de Laurent Tirard, con una muy buena actuación de Benjamín Lavernhe quien lleva sobre sí el peso del film. 

Elsa Bragato 

LA VERDAD INTERIOR 

Guion y dirección de Sofía Brito. Montaje de Sofía Brito. Sonido de Lucas Larriera. Cámara, sonido directo, animación, gráfica de Sofía Brito. Distribuye Zeta Films. 

XXX- BACKSTAGE DE UN ENCUENTRO SINGULAR 

Sofía Brito lanza su primer largometraje con este documental en el que "documenta" la relación profesional que surgió espontáneamente entre el famoso director James Benning de los Estados Unidos, un estructuralista singular, y la joven Sofía. La diferencia de edad no pareció ser un obstáculo para la convergencia de intereses a la hora de ubicar una cámara. Al punto que ambos filmaron "Telemundo" hace ya un par de años, de cuyo backstage da cuenta ahora Brito. 

Benning habla sobre una línea argumental bien firme, un storyboard. Sin embargo, no resulta muy claro si se cumple o no, lo cierto es que se filman recorridos bellísimos entre bosques muy coloridos, caminos de tierra, el interior de la cabaña. Paisajes y más paisajes que son, en definitiva, la carta de presentación del espíritu del maduro realizador y la jovencísima discipula. Un encuentro de dos artistas generacionalmente disímiles pero unidos por la misma concepción de aquello que los reúne: el cine y cómo hacerlo. Bella e interesante película que nos habla de la libertad interior, la del espíritu y la de la mente, generando verdad y, según la Mayeútica de Sócrates, belleza. 

Elsa Bragato 

El Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales anuncia los estrenos y novedades a partir del próximo jueves 11 de agosto. Llegan al Complejo Gaumont los largometrajes Bigli, de Nicolás Tacconi, Cruces, de Ernesto Aguilar, La estrella roja, de Gabriel Lichtmann y Los que vuelven, de María Laura Casabé; el docu-ficción Lxs desobedientes, de Nadir Medina, y los documentales 8 cuentos sobre mi hipoacusia, de Charo Mato y Américo, de Federico Sosa.

Cine.Ar Play, la plataforma gratuita de video a demanda, actualiza su propuesta a partir del martes 9 de agosto con los largometrajes Arriba quemando el sol (Argentina – Ficción/Drama – 2018 – 75 min. – ATP), de Luisina Anderson y Roberto Bernasconi y Franzie (Argentina – Ficción/Drama – 2010 – 94 min. – SAM 13), de Alejandra Marino; los cortometrajes La edad de la marea (Argentina – 2019), de Guadalupe Docampo y Ernesto (Argentina – 2020 – 12 min.), de Javier Fortuny; y la primera temporada de Según Roxy (Argentina – Ficción/Comedia – 2016), serie en 27 capítulos de la realizadora Azul Lombardía. Desde el jueves 11, estarán disponibles los estrenos de Un bolso lleno de carteras (Argentina – Documental – 2019 – 81 min. – ATP), ópera prima de Leonardo Petralia; Apuntes desde el encierro (Argentina – Documental – 2022 – 75 min. – ATP), de Franca González; La teoría de los vidrios rotos (Argentina/Brasil/Uruguay – Ficción/Comedia negra – 2021 – 82 min. – ATP CR CL), de Diego Fernández Pujol y el documental Partidos (Argentina – Documental – 2020 – 67 min. – ATP CL), de Silvia Di Florio.

BIGLI
De Nicolás Tacconi. Con Luis Luque, Ana Celentano, María Onetto, Gonzalo Urtizberea, Laura Grandinetti, Rocco Posca, Ana Katz, Esteban Bligiardi, entre otros. Fotografía de Lucio Bonelli. Música de Tito Fargo. Duración: 75 minutos. Color

XXXX- LUIS LUQUE EN UNA ACTUACIÓN INSUPERABLE

Luis Luque compone a Bigli, cargando con el peso absoluto de esta historia, siendo su interpretación intensa, tierna, dramática, empática. El realizador Nicolás Tacconi nos cuenta la historia de un hombre perdido por el alcohol, viudo, que deja su trabajo a cambio de una indemnización. Por diferentes motivos, su sobrina Anita (Laura Grandinetti) le pide ayuda, se escapa a su domicilio (una lancha) con su novio Sebas (Rocco Posca), oponiéndose al deseo sus padres de un viaje a Europa (Ana Celentano en el rol de la cuñada de Bigli, madre de la adolescente, enfrentada a su marido).

Hay que destacar varios elementos: desde el diseño de arte, cálido y detallista, la sutil banda sonora de Fargo, la fotografía de interiores de Lucio Bonelli, hasta las locaciones y los efectos técnicos, es decir, un entorno que contiene a Bigli en su borrachera eterna, aunque con la lucidez necesaria en el momento justo. En algunas secuencias, se redescubre a un Luis Luque tan profundo y tierno a la vez que conmueve, como cuando danza alocadamente blandiendo los brazos como aspas de molino o mira hacia algún lugar donde el recuerdo de su esposa se hace real. O bien decide escapar con su viejo barco en medio de una terrible tormenta.

El manejo de los planos concretos y esas pinceladas de otros planos conjuntamente con la actuación de Luque intensa y cargada de tanta sensibilidad conforman un todo que distingue la realización de Nicolás Tacconi por sobre muchas otras nacionales. Es una película diferente con un protagónico insuperable.

Elsa Bragato



AMÉRICO
Guion y Dirección de Federico Sosa. Fotografía de Aylén Jópez. Música de Santiago Pedroncin.
XXX- ALAS DE LIBERTAD
Federico Sosa se enfoca, en este nuevo documental, en la figura de Américo Fontenla, y su compañero de aventuras, Oscar Valletta. Américo no es un papá común: tiene sus años, es delgado, no vive con su familia y tiene largas rastras. Su trabajo es, esencilamente, la colombofilia, una pasión por las palomas que hoy en día le permite participar de eventos internacionales y muchos nacionales.

Américo lo explica muy bien: no solo es criar palomas, cuidarlas, sino entrenarlas, que vuelen, que sean libres- Ellas siempre vuelven a su hogar.

En su rostro, bien captado por la fotografía de Lopez, están dibujadas la pasión y el placer que le produce esta tarea. En las palomas encuentra su camino, el que no supo avizorar antes.

El documental se transforma en algo más: es un docuficción, mostrando la vida cotidiana de este vivir entre palomas. Hay muchos colombófilos famosos, como César Mascetti, el periodista casado con Mónica Mihanovich, que sienten un profundo placer ejercitando la colombofilia. Américo Fontenla no es la excepción.

Para que el docuficción sea atractivo, Federico Sosa evitó el reportaje habitual, de alguien preparado en una silla para hablar a cámara. Los diálogos con ese "alter ego" de Sosa que no se ve son espontáneos, en situación de trabajo. Esta puesta en escena resulta atractiva, por lo que más que un documental, se está viendo una biopic de un segmento en la vida de un hombre con una pasión que es su trabajo: las palomas. El soltarlas para el vuelo matinal se transforma en vivir en libertad que es la razón de ser del protagonista.

Elsa Bragato


CRUCES
Dirección de Ernesto Aguilar. Con Julieta Cabazat, Alicia Toker y Esteban Zeballos. Fotografía de Leandro Díaz del Campo. Música de Gonzalo Pérez. Duración: 76 minutos.

XXX- TRES PERSONAJES EN DANZA

Esteban Aguilar se maneja con escasos elementos para contar una historia lineal a partir de una gran honestidad conceptual y formal. Tres personajes, una madre, su cuidadora y su hijo que viene luego de mucho tiempo a visitarla, conforman el trío protagónico de "Cruces" que debe llevar adelante una historia de reencuentro, de afecto y de cotidianeidad.

Desde estos puntos de vista, Aguilar cumple perfectamente. El quid está en el minimalismo extremo que ostenta la propuesta, con más espontaneidad que profesionalismo así como un comienzo desalentador con una cámara fija ubicada cerca de una mesa de cocina, y un personaje (María) que se ve en el fondo.

Hay falta de emoción, por ejemplo, en el encuentro entre el hijo y la madre. Luego de mucho tiempo de no verse, debió existir un profundo deseo de abrazarse. Lo que se ve es todo lo contrario.

De todas maneras, Aguilar responde al esquema básico del cine nacional de los últimos tiempos: historias que no tienen casi inversión de producción y productos finales que conforman muy poco. Se reconoce el trabajo de postproducción y de fotografía; en cambio las actuaciones fueron más que formales y carentes de esa sensibilidad necesaria para generar empatía con el espectador.

Elsa Bragato

30 NOCHES CON MI EX
De Adrián Suar. Con Adrián Suar y Pilar Gamboa. Pichu Straneo, Elisa Carricajo, Campi, Elvira Onettom entre otros. Guion: Javier Gross. Fotografía: Félix "Chango" Monti. Música: Nicolás Sorín. Edición: Emiliano Fardaus. Sonido: Guido Berenblum y Nicolás Cecinini. Dirección de arte: Mercedes Alfonsí.. Duración: 93 minutos.

XX- POCA DIFERENCIA CON LO ANTERIOR

Adrián Suar regresa al cine como protagonista, dándose el gusto de debutar como director de largometrajes.. En ambos casos tiene suficiente background. El quid que nunca tuvo solución en sus films está dado por los guiones que, si bien tienen autor, llevan su impronta. Una de las películas más "ganadoras" suyas es "Un novio para mi mujer", con una Valeria Bertucelli atrapante. En este caso, el cambio ha sido que la historia se centre más sobre él que sobre el personaje de Pilar Gamboa, la actriz española convocada para este dueto protagónico. Y eso va en desmedro de toda la historia.

No encontramos gran diferencia con ninguno de sus films, desde la cotidianeidad costumbrista muy marcada, el parloteo constante, y una realización que cumple con los requisitos de la pantalla grande. Desde el punto de vista cinematográfico no hay avance, sino prolijidad en la postproducción.

Es para pasar el rato, o bien pensar en quién pierde de acuerdo al título, si el varón, que debe sufrir o no la presencia de su ex, o la ex. Está dentro del cine nacional que no nos convence.

Elsa Bragato



CENTENARIO DE PASOLINI EN LA SALA LEOPOLDO LUGONES
Primeras funciones del ciclo

Viernes 12 de agosto
Comizi d'amore (92'; DCP).
(Italia, 1964)
Dirección: Pier Paolo Pasolini.

Copia restaurada por la Cineteca di Bologna.
A las 15 y 18.30 horas.

Sábado 13 de agosto
El Evangelio según San Mateo (137'; DM).
(Il Vangelo secondo Matteo; Italia, 1964)

Dirección: Pier Paolo Pasolini.

Con Enrique Irazoqui, Margherita Caruso, Susanna Pasolini.

A las 14.30 Y 17.30 horas.

Domingo 14 de agosto
El Decamerón (111'; DM).
(Il Decameron; Italia/Francia, 1971)

Dirección: Pier Paolo Pasolini.

Con Ninetto Davoli, Franco Citti, Pier Paolo Pasolini.

A las 15 horas.
Las mil y una noches (130'; DM).

(Il fiore delle mille e una notte; Italia/Francia, 1974)

Dirección: Pier Paolo Pasolini.

Con Ninetto Davoli, Franco Citti, Tessa Bouché.

A las 18 horas.



SEMANA HOMENAJE A LEONARDO FAVIO

COMPLEJO GAUMONT Av. Rivadavia 1635, CABA

Sala Leonardo Favio

Funciones: jueves 11, viernes 12, sábado 13, domingo 14 y miércoles 17 de agosto, a las 19 horas

Entrada gratuita hasta agotar la capacidad de la sala

Nazareno Cruz y el Lobo – Proyección en 35 mm.

NAZARENO CRUZ Y EL LOBO, Argentina – Terror/Fantástico – 1974 – 92 min.

Reparto: Juan José Camero, Marina Magali, Alfredo Alcón, Lautaro Murúa, Nora Cullen, Elcira Olivera Garcés, Saúl Jarlip, Juanita Lara, Yolanda Mayorani, Marcelo Marcote, Josefina Faustín, Augusto Kretschmar, Maira Sánchez.

VIERNES 12 DE AGOSTO

Juan Moreira

Argentina – Drama – 1973 – 102 min.

Reparto: Rodolfo Bebán, Elcira Olivera Garcés, Edgardo Suárez, Jorge Villalba, Elena Tritek, Eduardo Rudy, Alba Mujica, Carlos Muñoz, Héctor Ugazio, Osvaldo de la Vega, Pablo Herrera, Pablo Cumo, Pete Martin, Augusto Kretschmar, Rolando Franchi, Juan Carlos Vargas, Yaco Lorca, Osvaldo de Candia, Juan Carlos Riddell, Conrado Kerstich, Rubén Darío Basiles, El negro Frede, Fernando Martín López.

SÁBADO 13 DE AGOSTO

Gatica, el mono – Proyección en 35 mm.

Argentina – Drama – 1993 – 132 min.

Reparto: Edgardo Nieva, Horacio Taicher, Virginia Innocenti, Cecilia Cenci, Armando Capó, María Eva Gatica, Erasmo Olivera, Juan Costa, Miguel Fernández Alonso, Leonardo Favio, Mario Lozano, Raúl Germán Biaggioni, Eduardo Cutuli.

DOMINGO 14 DE AGOSTO

Crónica de un niño solo

Argentina – Drama – 1965 – 70 min.

Reparto: Diego Puente, Tino Pascali, Victoriano Moreira, Beto Gianola, Leonardo Favio, Carlos Lucero, Mario Peña, Juan Valunas, Amadeo Sáenz Valiente, María Vaner, María Luisa Robledo, Elcira Olivera Garcés, Juan Castro, Juan Delicio, Carlos Medrano, Miguel Medrano, Jorge Puente, Oscar Saraceni, Néstor Tricarico, Jorge Cabello, Roberto Domínguez, Carlos González, Carlos Membrives.

MIÉRCOLES 17 DE AGOSTO

El Dependiente

Argentina – Drama/Realismo Mágico – 1969 – 87 min.

Reparto: Walter Vidarte, Graciela Borges, Fernando Tacholas Iglesias, Nora Cullen, Martín Andrade, José E. Felicetti, Linda Peretz

JUEVES 4 DE AGOSTO DEL 2022.- 

El Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales anuncia los estrenos programados para el Complejo Gaumont desde el próximo jueves 4 hasta el miércoles 10 de agosto. A la Sala Leonardo Favio llega Lunáticos, una comedia escrita y dirigida por Martín Salinas; a la Sala María Luisa Bemberg llegan los documentales Marchioli camino al festival, de Diego Campessi y Los que no quieren ver, de Graciela De Luca; y a la Sala Fernando Birri, los documentales Gigantes, de Natalia Cano, Partidos, de Silvia Di Florio, y el largometraje de terror y suspenso Matar al dragón, de Jimena Monteoliva. 

Cine.Ar Play, la plataforma de video a demanda, suma desde el martes 2 de agosto a las novedades disponibles en forma gratuita los largometrajes Una casa con diez pinos, de Martín Ochoa, Guido Models, de Julieta Sans y Cómo llegar a Piedra Buena, de Hernán Gaffet; junto a los cortometrajes Las chicas de tía, de Guadalupe Docampo y 911: Una llamada cercana, de Juan Mangiantini. Y, desde el jueves 4, se suman a los estrenos La estrella roja, de Gabriel Lichtmann y Todo lo que se olvida en un instante, de Richard Shpuntoff. 

PARTIDOS, VOCES DEL EXILIO 

Documental de Silvia Di Florio. Guion de Andrés Habegger y Di Florio. Participación de Malena Alterio, entre otros argentinos exiliados en España. Fotografía de Gustavo Cataldi. Montaje de Marcela Sáenz. Sonido de Carlos Olmedio. Música de Nardo González y Silvia Di Florio. Duración: 68 ninutos. 

XXXX- NI DE AQUÍ NI DE ALLÁ 

El oscuro período que se inicia con la Triple A en 1975 y termina con la Guerra de Malvinas en 1982 bajo la última dictadura militar, dejó desaparecidos, familias destruidas, dolor individual y social y miles de exiliados que, aún sin pertenecer a algún partido político, por ser "portadores de cara" o por tener el pelo largo o porque aparecieron en la libreta de teléfonos de algún militante, fueron condenados sin condena a los campos de concentración, a morir arrojados desde un avión al Río de la Plata o a sobrevivir a brutales torturas que los quebraron física y espiritualmente. 

Entre los exiliados, muchos partieron hacia España, así como otros hacia Venezuela y México. La realizadora Silvia Di Florio pone su cámara en Buenos Aires, en Madrid y regresa a esta ciudad, a través de los relatos de muchos compatriotas afincados desde hace largas cuatro décadas en Europa incluyendo a los pocos que pudieron reinsertarse en el país a enfrentar pesadillas y miedos con un pedazo menos de corazón. 

Entre los exiliados, está el querido Héctor Alterio que recita el poema "¡Qué Lástima!" de León Felipe de manera tocante, sobrecogedora. Alterio regresa al cine luego de 8 años (con honorables 92 años sigue recorriendo la península hispánica con un espectáculo basado en poemas). Esta intervención suya, realizada en plena pandemia, le da un matiz muy diferente al documental. Deja de ser una sumatoria de entrevistas interesantes para transformarse en un sentimiento de argentinidad suspendida en el tiempo, con una lágrima retenida a duras penas en cada relato. Desde el periodista que pudo regresar al país hasta quien fue detenido porque sí caminando por el centro porteño, pasando por la simpática Malena Alterio (uno de los dos  hijos de Héctor) hoy con un decir donde las z del hablar español están marcadas con suavidad, asistimos a confesiones sobre exilios involuntarios, abruptos, que obligaron a aceptar condiciones de vida diferentes para salvar la vida. Algunos supieron por qué debieron exiliarse, otros nunca vieron con claridad los motivos. 

La propuesta de Di Florio es una narración distinta, que plasmó sentimientos de argentinos que hoy sienten que no son ni madrileños, ni españoles ni argentinos. Son, existen, salvaron sus vidas. No son ni de aquí ni de allá, migrantes eternos. Tienen el corazón partido, no por una canción sino por una realidad que viven, destino de migrantes y de hijos de migrantes. 

Elsa Bragato 

OTROS ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES: 

1.- BUENA SUERTE, LEO GRANDE, Sophie Hyde. Con Emma Thompson. Reino Unido. 

"Una tragicomedia británica inmensamente agradable", de Leslie Felperin, The Hollywood Reporter. 

"Thompson ofrece una interpretación emocionalmente generosa", de Peter Bradshay, The Gardian. 

"Ni la comedia ni las historias de los personajes son totalmente satisfactorias", de Martín Tsai, The Wrap. 

2.- LUNÁTICOS, de Alí Samadi Ahadi. Animación, Alemania. 

"Animación alemana descuidada y poco atractiva", de Larushka Ivan- Zadeh, The Times. 

"Un batiburrillo de payasadas folklóricas", de Leslie Felperin, The Guardian. 

"Referencias cinematográficas evidentes en este entretenido film para toda la familia", Carmen Lobo, Diario La Razón. 

3.- TREN BALA, de David Leitch. Con Brad Pitt. Estados Unidos. 

El tradicional blockbuster casi semanal que Hollywood ofrece, esta vez con un gran referente en el protagonico: Brad Pitt. 

4.- DESASTRE INMINENTE, de Vanya Peirani.- Vignes. Francia. Thriller intenso realizado en el 2021.- 

SANTA EVITA (MINISERIE)

Star Plus 2022

Dirección de Rodrigo García y Alejandro Maci. Con Natalia Oreiro, Ernesto Alterio, Darío Grandinetti, Diego Velázquez, entre otros. Guion de Marcela Guerty y Pamela Rementería. Fotografía de Félix Monti. Edición de Rosario Suárez. Música de Federico Jusid. Arte de Mercedes Alfonsín. Sonido de Gustavo Pomeranec y Adrián Rodríguez. Total: 7 episodios de 44 minutos de promedio. Producción de Sama Hayeck P. entre otros. Basada en la novela histórica "Santa Evita" de Tomás Eloy Martínez.

Star Plus lanzó el martes 26 de julio, en el aniversario número 70 del fallecimiento de Eva Maria Duarte de Perón, la miniserie "Santa Evita" protagonizada por Natalia Oreiro. Al periodismo se le permitió ver los tres primeros capítulos: "Esa Mujer", "Cuatro tumbas para Eva" y "Gracias por existir".

Si bien se basa en la novela de Tomás Eloy Martínez, uno de nuestros grandes escritores, en la que relata el martirio post mortem del cadáver de Eva Perón y por qué llega a ser Santa Evita, se trata de una ficción que crea un personaje para hilvanar la historia: las guionistas Marcela Guerty y Pamela Rementería tuvieron la misión de adaptar la novela al cine, y esto siempre conlleva cambios (se sustituyó al omnisciente Martínez por el personaje Vázquez). Supieron elegir las "boyas" narrativas que, sin convertirse en el "cuento" en sí de la vida y obra de Eva Perón, fueron momentos cruciales, necesarios para comprender su camino habia la trascendencia nacional e internacional.

Es de destacar que ni Natalia Oreiro ni Darío Grandinetti son fiel reflejo físico de Eva y Juan Perón. Se buscó un parecido sin que fuese una condición sine qua non para la interpretación. Tampoco ambos protagonistas intentaron imitarlos en sus respectivas gestualidades.

Además, sin ampulosidad o excesos narrativos, se entrecruzan algunos momentos fundamentales de la vida de Eva María Duarte con el azaroso traslado del cadáver ante el sufrimiento de su embalsamador, el doctor Ara (lo encarna el actor español Francesc Orella protagonista de la miniserie "Merlí" para Netflix) mientras tiene que enfrentar al prepotente Edecán de la Primera Dama, el coronel Carlos Moori Koenig, opuesto como tal por el propio Perón. Esa tarea le fue compensada con el cuidado del cadáver de Evita, que lo enloqueció y terminó vejándolo, cuando ya el general Perón estaba en el exilio.

Los tres primeros capítulos resultan atrapantes, partiendo de la base que la vida de Eva Perón resulta siempre fascinante aquí y en el mundo.

En el caso de esta miniserie, se tomaron momentos específicos de su vida: cuando siendo niña va con su madre y sus hermanas a darle el último adiós a quien fue su padre, el terrateniente Duarte, y no se les permitió despedirlo, luego el encuentro con el cantor Agustín Magaldi en la casa materna y su viaje a Buenos Aires buscando trabajo, su ingreso como actriz de radioteatro, su primer encuentro con el general Perón cuando éste, siendo ministro de Trabajo, fue a la emisora y finalmente el decisivo reencuentro en el estadio de Luna Park mientras se realizaba la colecta para la provincia de San Juan sumida en la catástrofe del terremoto de 1945 (refiriéndonos siempre a los tres primeros capítulos).

Las fotografías de la época con la pareja son un excelente trabajo de postproducción a partir de Natalia Oreiro y Darío Grandinetti quienes encarnan a Eva y Juan Perón: fantástico "vintage". Si bien hay alguno que otro insert de films de la época, en verdad se trabajó en locaciones existentes con un excelente criterio de puesta en escena. Estos tres primeros capítulos resultan convocantes, fascinantes por momentos (la figura de Natalia Oreiro como el cadáver de Eva Perón es estremecedora). No conforma mucho el vocabulario demasiado actual para la década del 40 y algunos aspectos del make-up. Pero es, sin duda, una superproducción que merece todo nuestro apoyo.

El Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) anuncia los estrenos programados para el Complejo Gaumont desde el próximo jueves 28 de julio hasta el miércoles 3 de agosto. Se proyectarán el largometraje de ficción Expansivas, de Ramiro García Bogliano, y los documentales Bombonera, la película, de Leandro Baquela y Todo lo que se olvida en un instante de Richard Shpuntoff.

Por otra parte, en una presentación especial, el martes 26 de julio se realizó en el Complejo Gaumont una proyección en 35 mm de la película Eva Perón, con la presencia de su director, Juan Carlos Desanzo, el actor, Víctor Laplace y un saludo especial de Esther Goris.

Cine.Ar Play también sumó, de forma gratuita, los documentales El Rey del Rock and Roll, de Néstor Rodríguez Correa y Oscar Alemán, vida con swing, de Hernán Gaffet; la serie El cactus (4 capítulos), del realizador Cristian Salas; y los cortometrajes Business, de Malena Vain y Los Arcontes de Natalia Labaké y Agustina Pérez Rial. Desde el jueves 28, además, se añaden los estrenos Cadáver exquisito, de Lucía Vasallo, Recatate con los pibes, de Mariano Corbacho y Marcos Coria y RJW, de Fermín Rivera.



UNA VILLA EN LA TOSCANA

Director y guionista; James D'Arcy, Con Liam Neeson, Micheal Richardson, Valeria Bilello, entre otros. Fotografía de Mike Eley. Montaje de Anthony Boys y Ellier Dov. Duración: 94 minutos.

XXX- NEESON EN SU PAPEL MÁS ROMÁNTICO

Lejos de balaceras, persecuciones, sufrimientos extremos, Liam Neeson se dio el gusto de protagonizar "Una villa en la Toscana", comedia romántica de James D'Arcy que lo lleva de Londres a la península italiana. No es el primer actor que deja la capital británica por Italia: hace escasos días vimos cómo un grupo de danesas decidían visitar la Toscana para hacer un curso de cocina (Una receta perfecta) o bien como desde la plataforma Netflix se seduce al público con la película "En la Toscana". Algo hay.

En este caso, un artista londinense regresa a la casa familiar a pedido de su hijo, quien desea venderla. Se encuentran con una casona semidestruída perdida en la campiña. De a poco la recuperarán y, con esta tarea, Robert (Neeson) restañará el dolor de la viudez a través de bellos recuerdos y secretas esperanzas. A su vez Jack (Richardson) comprenderá otro aspecto de la vida de sus padres, iniciando también un redescubrimiento de sensaciones y sentimientos.

Esta comedia romántica de D'Arcy nos regala amorosidad, es por demás agradable y, aunque existan clishés y previsibilidad, todo confluye para que nos deje buen ánimo, nos gratifique, y disfrutemos a un Liam Neeson en uno de los pocos personajes románticos que se le conocen. Su Robert es tierno, comprensivo, con un dejo de resignación aunque mucha comprensión hacia la decisión de Jack, su hijo. Londres queda en el olvido con su carga de frustración mientras que la campiña Toscana cobra peso, valor, tanto por su belleza geográfica como por el trasfondo de esta historia.

Tierra de artistas notables, esta provincia italiana con su "gioiello" Florencia se convirtió, en los últimos tiempos, en una especie de tierra prometida para la felicidad. Porque "Una villa en la Toscana" es eso: recuperar lo perdido, volver a sonreir, aferrarse a la esperanza para alcanzar la resiliencia, ser feliz de nuevo. En verdad, una historia conocida pero con timing, con lo justo y necesario. O sea, un bello film, de ésos que nos permiten salir de la sala con el corazón contento.

Elsa Bragato



REPOSICIÓN

OTROS ESTRENOS COMERCIALES PREVISTOS PARA ESTE JUEVES:



1.- LA HABITACIÓN DEL HORROR, de Kwang-bin Kim. Corea del Sur.



"Le faltan algunos detalles para convertirs en un gran título",

De Santiago García, Leer Cine



2.- MARQUETALIA, de Laura Linares, Uruguay.



FILMS EN NETFLIX



EL HOMBRE GRIS, de los hermanos Russo. Sin definir lo que quiere ser, si Jason Bourne, Misión Imposible, o James Bond, esta película es una serie inconexa de balaceras, persecuciones y un derrape visual muy molesto. Ryan Goslin, su protagonista, tiende a invertir como productor en este tipo de películas, con algunas ha hecho un pingüe negocio, pero se ve que no siempre le sale bien. Al menos, en este "hombre gris" que de gris solo tiene el título, mientras que la intención se perdió en alguna sala de edición.

Elsa Bragato

JUEVES 21 DE JULIO DEL 2022

El Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales anuncia que, en el marco del programa ​Jueves Estreno, que propone nuevos contenidos en simultaneo en el Cine Gaumont, la señal de CINE.AR TV y Espacios INCAA, el próximo jueves 21 de julio se verán las películas Olaf, un film de aventuras dirigido por July Massaccesi y Cristina Agüero (Sala Leonardo Favio) y Las intemperies, un policial dirigido por Guido de Paula y Marcelo Riva.

También estrenan al Complejo Gaumont los documentales Eami, de Paz Encina (Sala María Luisa Bemberg) y Bernarda es la patria, de Diego Schipani (Sala Fernando Birri).


En la sala Leonardo Favio, el público infantil podrá disfrutar del Programa Especial de 12 Cortometrajes de Animación, de diferentes realizadores argentinos y del largometraje de animación El gigante egoísta, de Liliana Romero y Norman Ruiz.



La plataforma CINE.AR PLAY de video a demanda presenta sus novedades que desde el martes 19 de julio estarán disponibles en forma gratuita. Los nuevos títulos que suma la plataforma son el documental Compañía de monte, de Ariel Tcach; la serie La oruga (5 capítulos), de la realizadora Lucía Paz, los cortometrajes Botswana, de Horacio Parisotto y Las partículas, de Malena Vain; y desde el jueves 21, la plataforma, también suma dos estrenos, el documental Fantarias, realizado por Romina Richi y Bigli, un drama dirigido por Nicolás Tacconi, protagonizado por Luis Luque, Ana Celentano, Esteban Bigliardi y Ana Katz.

UNA RECETA PERFECTA

De Barbara Topsoe-Rothenborg. Con Kirsten Olessen, Karoline Hamm, Stina Ekblad, entre otros. Fotografía de Mattias Troelstrup. Música de Kristian Eldnes Andersen y Rasmus Christensen. Duración: 98 minutos.

XXX- COMEDIA ELEGANTE PARA SEÑORAS QUE AÚN SUEÑAN CON EL AMOR

Sin dobleces, espontánea, es la historia que propone la directora danesa Barbara Topsoe Rothenborg, basándose en su conocimiento de las reacciones frente a la ausencia o la infidelidad del compañero de vida. En este caso, la vida de Marie (Kirsten Olesen) sufre un brusco vuelco la noche de Navidad: primero recibe el regalo de un viaje para ella y su marido a Florencia, Italia, a fin de asistir a un curso de cocina, y poco después descubre que su esposo es bígamo. Decide entonces unirse a dos amigas de toda la vida, la elegante Berling (Stina Ekblad), solitaria desde hace tiempo, y la recientemente viuda Vanja (Kirsten Lehfeldt). Es un viaje de autoconocimiento para las tres mujeres, de más de 65 años, quienes van recuperando las ganas de vivir con cuerpo y alma de a poco, a través de la cocina florentina y sus compañeros de curso.

Es, en verdad, una comedia ligera llena de humor, esencialmente femenina, donde se expresa el pudor, el respeto por los que no están más, las ganas de vivir sin tapujos aunque subsisten la presión de las respectivas familias y el qué dirán. Berling es quien más dispuesta está a vivir intensamente mientras que Marie conlleva un proceso de autoconvencimiento de libertad, frente a la disposición tímida, cautelosa, de Vanja.

En definitiva, es una narración honesta, llana, que no pretende descubrir ningún secreto metafísico sino recrear situaciones de la vida a la manera de autoayuda. Nada es fácil pasados los 50 años para nadie. Pero la vida da chances, a veces el tren pasa dos veces por la misma estación. La cuestión está en subirse a tiempo, en no perderlo porque es el camino de la propia vida la que está en juego. Agradable comedia especialmente para mujeres.

Elsa Bragato

JUEVES 14 DE JULIO DEL 2022.- 

El INCAA anuncia que el jueves 14 de julio, en el Complejo Gaumont, se estrenan Fantarias, un documental realizado por Romina Richi (Sala María Luisa Bemberg); y los largometrajes Manto de gemas, de Natalia López Gallardo y Giro de ases, de Sebastián Tabany y Fernando Díaz (Sala Fernando Birri). 

En la sala Leonardo Favio, el público infantil y adolescente podrá disfrutar de una programación variada, especialmente confeccionada para las vacaciones de invierno: Un programa especial de 12 cortometrajes de diferentes realizadores; el documental El universo de Clarita, de Tomás Lipgot; el largometraje de animación El gigante egoísta, de Liliana Romero, Norman Ruiz; y los largometrajes Lava, de Blasco Ayar y Homless, de José Ignacio Navarro, Jorge Campusano​ y​ Santiago O'Ryan. 

La plataforma CINE.AR PLAY , de video a demanda, presenta sus novedades que, desde el martes 12 de julio estarán disponibles en forma gratuita. Los nuevos títulos que suma la plataforma son: Capital de Rock, de Felipe Ibañez; La Firulata, un micro de pueblo, de Candelaria Pantaleón; E incómodos, de Camila Villarruel, junto a los cortometrajes Comando campeón, de Demián Rugna y Espinas de Hernán Gabriel Oliva. Además, la plataforma, suma a sus propuestas, a partir del jueves 14 de julio, el estreno de Camila saldrá esta noche, de Inés Barrionuevo; La otra parte, de Felipe Restrepo; La encomienda, de Pablo Giorgelli y Después del recreo, de Mariano Laguyas. 

 ELVIS 

De Bas Luhrmann. Con Austin Butler, Tom Hanks,Olivia Dejonge, Helen Thomson, entre otros. Fotografía de Mandy Walker. Edición de Matt Villa y Johathan Redmond. Música de Elvis Presley y banda sonora de Elliott Wheeler. Duración: 159 minutos. 

XXX- EXPLOSIÓN VISUAL QUE OPACA AL PROTAGONISTA 

Este biopic de Elvis Presley puede ser aceptada tanto como muy criticada debido al estilo rocambolesco del realizador de Moulin Rouge, Bas Luhrmann. "Tanto de todo" precipita cierta falta de precisión en muchos datos biográficos. 

En líneas generales, más que una biopic de Elvis Presley es la de su manager interpretado por Tom Hanks, el Coronel Parker. Siendo como es un producto de Baz Luhrmann, hay explosión visual, abundancia hasta el paroxismo de color, movimiento, ritmo. No hay duda de que debe verse en la pantalla grande, más que en streaming. Y cumple así con uno de los objetivos del realizador: plasmar biografías de personajes reales, fuera de los héroes de cartón de las franquicias. La exuberancia filmográfica se comporta como el principal protagonista, por lo que la biopic empalidece en matices. De todas maneras, cumple con el objetivo del director australiano, reconocido como uno de los mejores de la actualidad: hacer películas para salas de exhibición donde la riqueza visual se puede apreciar alejándose del streaming y de los héroes de cartón de las franquicias. 

Más que hablar del Elvis Presley, nos detenemos forzosamente en el intenso trabajo de Baz Luhrmann, en su sentido del espectáculo, del showbusiness hollywoodense, el enorme trabajo de postproducción, todo lo cual es, en definitiva, el estilo Luhrmann, o sea la marca en el orillo de un gran realizador. 

Recordamos que varias películas, de las 33 (en verdad, 32) protagonizadas por Elvis Presley se pueden ver en Youtube en fragmentos o en totalidad como Love me tender, por ejemplo. Para quienes se sienten atrapados por el empalago visual, he aquí la película que no deben dejar pasar. 

Elsa Bragato 

OTROS ESTRENOS PREVISTOS 

EL HOMBRE GRIS, Anthony y Joe Russo. Esta película es considerada la más cara para la plataforma NEtflix. Luego de su breve paso por salas oficiales (de concretarse este estreno previsto para hoy), se podrá ver a partir del 22 de julio en Netflix. 

LA GALLINA TURULECA, animación coproducción de Argentina y España. Personaje creado por Gaby Fofó y Miliki, los tres payasos ibéricos que conquistaron la pantalla chica nacional durante varios años. Fueron artistas exclusivos de Canal 13. 

JUEVES 7 DE JULIO DEL 2022.- 

El Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) anuncia que el jueves 7 de julio llegan 5 estrenos nacionales al Complejo Gaumont. Los largometrajes de ficción Panash, de Christoph Behl, y Bahía Blanca, de Rodrigo Caprotti; y los documentales Marea verde, de Ángel Giovanni Hoyos, Cafrune, de Julián Giulianelli, y Amasando futuro, de Marta Valle.  
 

La plataforma de video a demanda CINE.AR PLAY presenta sus novedades: Desde el 5 de julio estarán disponibles en forma gratuita los largometrajes Tenemos un problema, Ernesto, de Diego Recalde y Buen día mi General, de Cristian Salas, junto a los cortometrajes Bestia gaucha, de Matías Damián López, y Chico Miguel, de Maximiliano Subiela, y la serie Cambio justo, de León Pavón y Bárbara Almi. Además, a partir del jueves 7 de julio estarán disponibles los estrenos de Marea verde, de Ángel Giovanni Hoyos y El arponero, de Mirko Stopar. 

MEMORIA 

Guion, fotografía, dirección, de Apichatpong Weerasethakil (Tailandia, entre otros países coproductores). Con Tina Swinton, Agnes Brekker, Daniel Giménez Cacho, entre otros. Música de César López. Duración: 136 minutos. 

XXXX- ECOS DEL PASADO 

Tina Swinton, la estupenda actriz inglesa, es la protagonista de este film del tailandés Weerasethakil, ganador del premio del Jurado de Cannes 2011 por "El hombre que podía recordar sus vidas pasadas", Por añadidura, es el primero que filma totalmente fuera de su país. En este caso, en Colombia, concretamente en Bogotá y su zona montañosa (estupendo verdor). 

El karma, los ecos de otros seres tanto humanos como animales, es el eje del film que opta por una fotografía que refleja la realidad sin ensoñaciones. Jessica (Swinton) tiene un insomnio aterrador: se suele despertar escuchando brutales golpes, profundos y huecos a la vez. Nadie más que ella los escucha. Y empieza a investigar el origen. En Bogotá visita a antropólogos, gente amiga, que trabaja en la transmigración de almas, hasta que encuentra a un parapsíquico "natural" en medio de la montaña que tiene muchas respuestas a sus inquietudes.  

El realizador tailandés se detiene en este sitio de la historia: entre la realidad y lo onírico. La primera está en lo que hace, lo que ve, lo que siente, Jessica. Lo segundo se encuentra en la actividad del parapsíquico, en los poemas de Jessica, y en la comprensión de la existencia de estos fenómenos paranormales que se plantean, se verbalizan. Si provienen de los sonidos de la tierra en medio de un temblor, o acaso están en la piel del cuerpo humano, o en la mente. Es una conexión "virtual", anímica, que Weerasethakil construye con las imágenes reales de Jessica y sus ocasionales compañeros de aventura psíquica. 

La narración es muy interesante, la actuación de Swinton es superlativa, su rostro y su físico se adecuan a este personaje que requiere ese asombro constante de su mirada o la esbeltez de su cuerpo longilíneo. Las reflexiones de este personaje así como el decir de sus poemas agregan fascinación sin exageración. No hay desbordes. Aunque se siente, se presiente, un clima especial donde el tiempo pasado vuelve con fuerza al presente, solucionado con sonidos de diversa índole. 

Es cine de culto, que puede interesar a aquel cinéfilo que busca realizaciones concretas sobre temas que no lo son. 

Elsa Bragato 

CAFRUNE 

Documental de Julián Giulianelli.  

XXXX-EL RECUERDO FÍLMICO DE UN GRANDE DEL FOLKLORE 

Pasaron casi 45 años. Jorge Cafrune, una voz única del folklore, fue hallado muerto el 1ro de febrero de 1978 en un camino cerca de Benavídez. Era plena dictadura militar y se sabía que su presencia molestaba a los asesinos en el poder. Era un cantor del pueblo que había recorrido y unido las provincias a caballo y que se aprestaba a unir Buenos Aires con Yapeyú en memoria del General San Martín. A través de la palabra de su hija mayor, Yamila, y de los testimonios del periodista Sergio Pujol, del cantante Mario Perotte, del sonidista Luis Nogués, y de valiosos fílmicos de los 60 y 70 donde Cafrune canta la "canción prohibida", "Zamba de mi esperanza", se rinde homenaje a un hombre muy especial del folklore argentino, que incluso triunfó en Europa. Más que analizar un rico documental desde algún aspecto, este trabajo de Giulianelli hay que disfrutarlo y difundirlo, tal como está previsto llevarlo a todas las provincias. No deje de verlo. 

Elsa Bragato 

OTROS ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES: 

1.-THOR, AMOR Y TRUENO, de Taika Waititi, neozelandés aplaudido por este film durante la presentación mundial a la prensa (LKa primera película sobre Thor se estrenó en el 2011 bajo la dirección del inglés Kenneth Branagh). 

2.- MANTO DE GEMAS, de Natalia López, México. 

"Esta película muestra el talento de López como una directora de alto nivel técnico. No obstante, tanto el guion como la edición resultan muy inconsistentes dejándonos con más preguntas que respuestas", de Valerie Complex, Deadline. 

"La película brilla como una experiencia sensorial. Sin embargo, no se encontrará nada que ilumine alguna secuencia sino más bien que desalienta al espectador", de Michael Nording, Variety. 

JUEVES 30 DE JUNIO DEL 2022.- 

ESTRENOS DEL INCAA EN SUS ESPACIOS 

El Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) anuncia que el jueves 30 de junio llegan 6 estrenos nacionales al Complejo Gaumont. Se trata de tres largometrajes de ficción: Pequeña Flor, de Santiago Mitre; Mañana tal vez, de Florencia Wehbe y Aluvión, de Alejandro Magnone, Rogelio Pivetta, Abril Suárez Bueno, María Mozzi, Juan Rodríguez, Paula Garavagno y Valentina Ñonquepan; y los documentales La herida y el cuchillo, de Miguel Zeballos; Un bolso lleno de carteras, de Leonardo Petralia y Retratos del futuro, de Virna Molina. 

La programación completa del Complejo Gaumont con los estrenos y las continuidades estará disponible desde el martes en la web del INCAA. 

Los Espacios INCAA también renuevan su cartelera semanal con estrenos y reposiciones nacionales en las salas de todo el país. La programación está disponible cada semana en www.incaa.gov.ar/programacion-espacios-incaa.  

La plataforma de video a demanda CINE.AR PLAY presenta las novedades de la semana: Desde el 28 de junio estarán disponibles en forma gratuita los largometrajes El llamado del desierto, de Pablo César y Noemí Gold, de Dan Ruben, junto a los cortometrajes Noche de luna, de Tomás Morelli y Todos somos Roberto, de Julio Caloggero y Gustavo Winkler. Además, a partir del jueves 30 de junio estará disponible el estreno Emilia, de César Sodero. 

UN BOLSO LLENO DE CARTERAS 

Documental de Leonardo Petralia. 

Este documental nos habla de la compulsión de la madre de Celia Argüello Rena a guardar todo tipo de objetos. Celia es una reconocida bailarina y coreógrafa, entre otras actividades artísticas, que pudo transformar con la ayuda de Petralia en un largometraje el trabajo cotidiano de transformar lo inútil, lo inservible, en arte. Hablamos hace unas pocas semanas de este documental que finalmente llega a las salas oficiales. Un docuficción bien contado, interesante y diferente. EB 

LA HERIDA Y EL CUCHILLO 

Documental de Miguel Ceballos. Fotografía de de Ajzensztat, Vega y Ceballos. Duración: 74 minutos. Cine independiente. 

XXX- EL CAOS QUE NOS HABITA 

Finalmente llega a una sala oficial este trabajo de Miguel Ceballos que retrata, a lo largo de cinco años, instantes, fragmentos, en la producción artística de Emilio García Wehbi, reconocido director del teatro experimental, especialmente performático. Con buen tino argumental, Ceballos recorre desde el documental en sí, el docuficción, hasta un replanteo sobre el cuerpo humano, limpio y sucio, vestido o desnudo, que compromete al mismo García Wehbi. Con interrogantes sin respuesta a partir de lo que se ve o lo que se oculta. 

Se puede hablar de disrupción absoluta, de absurdo e incoherencia en la propuesta cinematográfica y, por consiguiente, en la dramaturgia de García Wehbi. Sin embargo, fuera del packaging visual, recoge la violencia y el caos que nos rodea. La masacre a martillazos de objetos de diversa índole es una muestra cabal de la impotencia humana ante lo molesto y lo irreversible. García Wehbi surge entonces como un performático, y hasta procaz en algún sentido, enfrentado al cinismo social. 

Es un buen estudio, un tanto espasmódico, sobre lo oscuro, lo corrosivo, lo antisistémico. Como dice García Wehbi, tiene la belleza del "choque del cuerpo contra las reglas del mundo". Ni más ni menos. 

Elsa Bragato 

ALICIA Y EL ALCALDE 

De Nicolás Pariser. Con Fabrice Luchini, Anais Demoustier, Nora Hamzawi, entre otros. Fotografía de Sebastien Buchmann. Música de Benjamín Esdraffo. Duración: 105 minutos.  

XXX- LOS POLÍTICOS EN UN TEMBLADERAL 

Nada más francés que los diálogos, las disquisiciones sobre la vida, la sociedad, la filosofía, la literatura, las artes. Nicolás Pariser echa mano en su guion a dos personajes como el Alcalde de Lyon (Luchini como Paul) y una nueva empleada (Demoustier en el rol de Alice) a la que se contrata como "filósofa" si bien es una egresada de Letras. Paul se da cuenta de no que no tiene más ideas, que no puede pensar, y esta nueva empleada puede ser su solución. Claro que el crecimiento de Alice dentro de la estructura gubernamental molesta al resto del personal por lo que la "venganza" será rápida e inexorable. 

Paul y Alice se entrecruzan en interesantes paseos sobre el socialismo actual o las ansias políticas de la derecha, el desencanto de los pueblos en el progresismo, o las nuevas generaciones enfocadas más en el dinero rápido que en las carreras humanísticas. Tantas ideas hay que, por propio peso específico, provocarán el derrumbe menos esperado. 

Es en este punto donde la película de Pariser se enriquece, deja de ser árida o "cartesiana" para mostrar el otro aspecto de Paul y Alice: el del humanismo, el de la sensibilidad, el de la compañía mientras, en el afuera, la traición y la deslealtad están a la orden del día. Imposible negar el desencanto generalizado por las acciones poco éticas de los estamentos políticos, o la avaricia espiritual que desemboca en tristezas individuales en las que la generalidad no repara. Por momentos, parece una "newsletter" de nuestro país. 

Hay que destacar que los dos protagonistas de este duelo actoral, Fabrice Luchini y Anais Demoustier, confieren a roles tan complicados (pensar, decir, filosofar y vivir) la humanidad que requieren por lo que, aunque hay un exceso de secuencias poco empáticas, el film logra desnudar el alma humana por sobre las distorsiones socio-políticas que imperan en Francia y aquí también. 

Elsa Bragato 

OTROS ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES: 

MINIONS 2, de Kyle Balda, Brad Ableson, Jonathan del Val. Con las voces de Steve Carell, Jean Claude Van Damme, entre otros 

"No hay cambios en la manera de tratar este tipo de animaciones, solo se busca entretener a los más chicos con más Minions, y referencias a otros personajes de la franquicia", de Rafael Motamayor, Slashfilm. 

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"Estas películas carecen de un punto particular fuerte en sus guiones... Instalan temas que fácilmente se distinguen en otros films", de Olly Richards, Empire. 

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PEQUEÑA FLOR, de Santiago Mitre. Con Daniel Hendler. 

¨Película nacional que viene precedida de críticas de diversa índole. 

PARA ELEGIR EN NETFLIX 

. FIN DE SEMANA EN CROACIA 

. NOTICIAS DEL GRAN MUNDO 

.LA ÚLTIMA NOTA 

. AMOR Y GELATO 

.EL BANQUERO DE LA RESISTENCIA 

. ORGULLO Y PREJUICIO 

. SENSATEZ Y SENTIMIENTOS 

. HABLA CON ELLA Y VOLVER, DOS PELÍCULAS DE ALMODÓVAR 

. LA BATALLA DE KAMDASH 

JUEVES 23 DE JUNIO DEL 2022.-



El Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales anuncia los 6 estrenos nacionales que llegan al Complejo Gaumont el jueves 23 de junio. Se trata de los largometrajes Los libros cautivos, de Gabriela Fernández; La otra parte, de Felipe Restrepo; Hékate, de Nadia Benedicto; Tu forma de ver el mundo, de Germán Abal; Emilia, de César Sodero, y El oscuro lugar donde habitan, de Gabriel Musco.



La plataforma de video a demanda CINE.AR PLAY presenta las novedades de la semana: Desde el 21 de junio estarán disponibles en forma gratuita los largometrajes Calzones rotos, de Arnaldo Valsecchi, y Kryptonita, de Nicanor Loreti, junto a los cortometrajes El pez si no abre la boca muere, de Agnese Boaretto, e Iberia, de Romina Mauro. Además, a partir del jueves 23 de junio estará disponible el documental OIANT música para un futuro ancestral, de Nacho Garassino



Los Espacios INCAA también renuevan su cartelera semanal con estrenos y reposiciones nacionales en las salas de todo el país. La programación está disponible cada semana en www.incaa.gov.ar/programacion-espacios-incaa.



LA IRA DE DIOS

(estrenada en Netflix)

De Sebastián Schindel. Con Diego Peretti, Juan Minujin, Macarena Achaga, Mónica Antonópulos, Germán de Silva, entre otros. Fotografía de Fernando Lockett. Arte de Sebastián Orgambide, Música de Iván Wyszogrod. Duración: 98 ninutos,


XX- LA VENGANZA DE LA LITERATURA


El realizador Sebastián Schindel repite en "La ira de Dios" la excelencia técnica de "El patrón", entre otros films bien recibidos por público y crítica. En cambio, la historia en sí, basada en la exitosa novela "La muerte lenta de Luciana B." de Guillermo Martínez, está lejos de tener fluidez y tensión propias de un thriller. Solo chispazos de suspenso a manera de borbotones, que pierden fuerza por secuencias aleatorias que no agregan tensión. Se aleja incomprensiblemente del eje dramático: descubrir al asesino de muertes extrañas que ocurren en la familia de Luciana Blanco (Macarena Achaga), ex secretaria del escritor Kloster (Diego Peretti). Juan Minujin compone a un periodista, Esteban Rey, que se interesa por el caso que le plantea Luciana.

La secuencia inicial es por demás auspiciosa: se filmó en la librería Ateneo, ex cine teatro Gran Splendid, donde Luciana espera a Kloster quien está presentando un libro. Alguien cae desde ese tercer piso que la cámara no muestra. Y comienza entonces la propuesta de Schindel en la que se disipa la intensidad del thriller porque no logró, en su trasposición de la literatura al cine, coherencia narrativa audiovisual. El paso del tiempo es confuso y las actuaciones carecen de buena dirección. Diego Peretti está irreconocible, declamando sus parlamentos. Mientras que Macarena Achaga no tiene dicción actoral por lo cual no se le entiende una palabra; al mismo tiempo parece no haber comprendido el dramático sino de su rol. Todos actúan con autosuficiencia, sin una aparente entrega a la historia, más bien un aprendizaje maquinal de la letra.

El contraste inicial basta para darnos cuenta de que se trata de un thriller fallido: se pasa de la excelente secuencia de apertura, cargada de tensión esperanzadora, a otra inmediata donde el escritor Kloster se pasea dictando un texto anodino a su secretaria Luciana. De entrada, el director tira por la borda la fuerza, Así será hasta el final: alternará secuencias muy fuertes con otras que aplastan todo intento de suspenso.

Innegable la calidad técnica de Schindel y su equipo. El resto, un enigma de por qué a veces la literatura hace trampas fatales a quienes la transforman en imágenes.

Elsa Bragato



TU FORMA DE VER EL MUNDO

De Germán Abal. Con Jorge Garrido, Gaby Valenti, Tadeo Iglesias, Omar Muso, Gastón Pauls, Mario Alarcón, Alejandro Fiore, Magalí Cárdenas, Leonardo Venegas, entre otros. Fotografía de Ricardo González. Arte de Julieta Meana. Música de Leonardo Datri. Duración: 77 minutos. Producción independiente.



XXX- HISTORIA SIN DOBLECES

Quilmeño de nacimiento, el director Germán Abal logra, en su primer largometraje, un drama intimista que ocurre entre dos pacientes de un hospital. El joven y el viejo. El ímpetu y la soberbia vs la sabiduría. Uno lo tiene todo y no lo sabe. El otro está por perderlo todo.

El film es una propuesta sencilla, sin dobleces, en la que cobran importancia lo que los personajes dicen, sus parlamentos: Alan (Jorge Garrido) es un hombre atareado que trabaja todo el día y desatiende a su mujer y su pequeño hijo. Un accidente lo lleva a estar meses en un hospital donde conoce a Víctor (Omar Musa, un hombre mayor que tiene los días contados. Por un lado, es un paciente. Por el otro, es una especie de ángel que ayuda a los niños enfermos o a gente como Alan, perdidos en la rutina sin vivir la vida. Una ventana a una plaza es la conexión vital para ambos pacientes.

Germán Abal es un ex paciente oncológico, situación que subrayó a la hora de explicar este proyecto en el que, con honestidad intelectual, apunta al corazón del espectador. Está muy lejos de ser un cine elaborado formal y conceptualmente, no obstante consigue interesar desde la cotidianeidad de sus personajes. En lo más simple está la verdad que Abal construye con imágenes.

Se destacan las participaciones especiales de figuras como Gastón Pauls, Mario Alarcón, entre otras figuras. Es una película sin vueltas, que ayuda a ver esa forma de ver peculiar que cada uno de nosotros tiene y que puede ser errada.

Elsa Bragato



MAMMA ROMA

Guuion y dirección de Pier Paolo Pasolini. Con Anna Magnani, Ettore Garofolo, Franco Citti, Silvana Corsini, Luisa Orioli, entre otros. Duración: 110 minutos.



XXXX-OBRA MAESTRA DEL NUEVO NEORREALISMO



La puesta en valor de "Mamma Roma", obra maestra de Pier Paolo Pasolini (asesinado en 1975), es un hecho artístico de envergadura llega a nuestros cines. Estrenada en 1962, en algunos países en 1965, Pasolini pone sobre la mesa la realidad social de la Ciudad Eterna volcando en el guion y en las imágenes todas sus inquietudes, desde la prostitución cotidiana hasta la discriminación, el sometimiento de la mujer y la abnegación de una madre. Una fuerte mezcla de sentimientos que golpean al espectador a través de la magnífica actuación de Anna Magnani (protagonista del primer film que marcó el neorrealismo italiano, Roma Cittá Aperta, de R. Rossellini, en 1945), quien compone a una prostituta que quiere darle una buena vida a su hijo de 17 años, alejándolo de los caminos oscuros por los que ella misma transitó y es obligada a transitar. La tragedia familiar, la miserabilidad del espíritu humano, la pobreza, son los puntales de esta narración que cuenta con una actriz superlativa, símbolo en sí misma de Roma.

La realización es muy especial, muy Pasoliniana: hay un minimalismo expreso en las locaciones, que dan sensación de pobreza lacerante. Tampoco Pasolini muestra a la ciudad como un lugar turístico sino sórdido, de estrechas callecitas donde el mal se agazapa, donde se engendra rápidamente el delito y la muerte misma.

Tan desolado relato es, en definitiva, un espejo cabal del espíritu martirizado de Pier Paolo Pasolini, discriminado por su sexualidad y su rebeldía artística, volcada en filmes posteriores.

Un elemento a tener en cuenta es el visual: Pasolini filmó con reminiscencias lejanas a "La pasión de Juana de Arco", por ejemplo, de finales de la década del 20. Es decir, con iluminación y escenografías mínimas que dan ese matiz trágico que esta obra cinematográfica conlleva, marcando el nacimiento de un "nuevo" neorrealismo en el cine italiano. Además, "Mamma Roma" nos devuelve a una de las más grandes actrices del cine internacional, con quien fuese comparada nuestra única Tita Merello. Hoy Pasolini es sinónimo de cine de culto.

Elsa Bragato



Otros estrenos previstos para este jueves:



1.- EL TELÉFONO NEGRO, de Scott Derrickson. USA



2.- DOG UN VIAJE SALVAJE, de Channing Tatum y Reid Carolin. USA



3.- PEQUEÑA FLOR, de Santiago Mitre. Argentina.



4.- HÉKATE, de Nadia Benedicto. Argentin