JUEVES 5 DE DICIEMBRE DEL 2024
1.-EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: LA GUERRA DE LOS ROHIRRIM, de Kenji Kamiyama.
El cine épico tiene un muy buen lugar ganado desde tiempos inmemoriables. Sn
embargo no deja de ser una novedad de estos tiempos el cine èpico en Animè, en
animaciòn. Nada menos que un japonés encara esta tremenda tarea tecnológica,
Kenji Kamiyama en extensos 135 minutos. Es casi una precuela de los libros J.K.
Tolkien, ubicándose un siglo antes de la gran batalla, buceando en el abismo de
Helm, y en épocas del Rey de Rohan. Una maravillosa de la tecnología que
atraparà a los fans del anime y de los personajes del estudioso e historiados
inglés tan admirado por Jorge Luis Borges.
2.- BAGMAN, EL ESPÌRITU DEL MAL, de Colm McCarthy.
Para muchos, El hombre del Saco. Para la tradición argentina, El hombre de la
Bolsa, el que se llevaba a los chicos y los hacìa desaparecer. Por lo que había
que portarse bien. Al parecer, por más que se porten bien, no parecen escapar
los protagonistas de esta historia de terror de este terrorìfico señor. Clishès,
una producción que, en este gènero, exige más que en otros, y buenas
actuaciones, mantienen a flote una historia de terror que no rompe los moldes.
3. ASESINO SERIAL, DE JT Mollner.
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4.-RM RIGHT PEOPLE WRONG PLACE, de Nicolás Saad y Im Soo-bin.
A lo largo de ocho meses los directores siguen la gira de Kim Nam Joon, o RM, la
voz de BTS. Intentan retratar no solo al artista en sus presentaciones sino
también al ser humano con sus tribulaciones, sus miedos y certezas también antes
de un recital, o ya en pleno descanso. Un documental musical que nunca viene mal
y que, sin duda, atraerá a los fanáticos de la banda.
5.- SUSURROS MORTALES 2
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6.-LA FAVORITA DEL REY
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7.- REFLEJADO
Film nacional. Crìticas saldrán viernes en diferentes medios.
CRÌTICAS
ASESINO SERIAL
Direcciòn y guion de J.T.Mollner. Con Willa Fitzgerald y Kyle Gallner, en
los protagónicos y gran elenco. Fotografìa de Giovanni Ribisi. Mùsica de Craig
Deleon. Duraciòn: 96 minutos.
XXX – ALTO GRADO DE PERVERSIÒN
Tarda en llegar pero, finalmente, se produce lo que se espera de un film de
género, siendo innecesario explicitarlo ahora. El realizador JT Mollner
relaciona el caso de asesinos seriales con un encuentro sexual ocasional
derivando en un film de terror luego de un largo camino sangriento de
perversiones varias.
Trabaja con la fotografía, incluyendo los subtítulos (el film se divide en seis
capítulos y un epílogo), por lo que los cambios en la estructura narrativa
contribuyen a crear tensión de principio a fin. Es decir, hay una alternancia
desde el comienzo entre el conocimiento de la pareja hasta el encuentro sexual
que devendrà en una explosión de gore. Es en este aspecto donde Mollner logra
darle a su producto un matiz muy peculiar, muy personal: sale del común de la
narración de género para imprimirle el estilo de puzzle. Sin duda, un guion muy
trabajado con secuencias muy predeterminadas antes de iniciarse el rodaje en sì.
El director Mollner se vale además de una dupla protagónica de gran nivel
actoral como son Willa Fitzgerald y Kyle Gallner para desarrollar esta historia
basada en hechos reales: trabaja en blanco y negro virado al azul, en color, le
imprime luces rojizas intensas a determinados momentos, tejiendo una serie de
secuencias que, como si fuese un rompecabezas, nos muestra el comienzo erótico
de una pareja casual para ir conformando un devenir sangriento y brutal.
Nada más se puede decir para no caer en el espóiler. Vale agregar que es un film
de horror diferente desde lo fotográfico y lo actoral, para llegar al final que
se espera pero que se hará esperar. Como para que la tensión no decaiga y uno
pueda respirar profundamente con la palabra Fin.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
ESPERANDO AL MAR
De Lucas Peñafort y Fernando González. Documental con la participación de
Azizbek Nurlybaev, Uralbay Utegenov, Mansur Jumabayev, Dauka Utemuratov, Yusif
Erjanov. Fotografía de Fernando González, Montaje de Martín Solá, Sonido de
lucas Peñafort, Idioma: Karakalpak, Locación: Uzbekistán. Duración: 60 minutos.
XXXX – EL MAR QUE SE CONVIRTIÒ EN DESIERTO
Las noticias están pero a veces no les damos la importancia que tienen: el Mar
Aral, en Uzbekistàn, se esfumò, desapareció, hoy es un gigante desierto. Por
esas cosas que solo el destino sabe, los cineastas mendocinos Lucas Peñafort y
Fernando González tomaron contacto con una comunidad Sufi, que habita en
Mendoza. De esta manera se enteraron de que el Mar Aral desapareció. Con el
tiempo, emprendieron el largo viaje, pleno de inconvenientes, hasta ubicar a
Uralbay, ex pescador del pueblo de Moynaw. A partir de ese momento, los
realizadores mendocinos y su equipo comenzaron a retratar la tragedia
existencial de esa zona y de sus pobladores. Se sabe que en la década del 40 se
empezó a utilizar el agua del Aral, un mar gigantesco que tenía olas de hasta 7
metros de altura, cargado de vida marina. Y de a poco sus aguas se fueron
esfumando, desapareció. Quedó su lecho, con restos de barcos, incluso algunos
hundidos, con matorrales achaparrados, con arena volátil que enferma a los
habitantes que quedaron en los límites del gigante desaparecido.
Peñafort y González encaran con una narración determinante la historia: planos
largos que muestran la aridez, con el sonido del viento como protagonista, de
vez en cuando la voz de un habitante asombrado por lo que vive, expresando el
temor por lo que podrá sobrevenir. “El mar desapareció tres veces y tres veces
apareció” afirma. De todo lo que había, quedó esa arena volátil que enturbia la
visión, ese viento que silba y que se adueñó del lugar. Las cámaras se esmeran
en el contraste del ayer vital con la muerte actual: solo hay silencio, solo hay
polvo, y los poblados vecinos parecen abandonados al destino que la naturaleza
quiera darles, o al que la mano artera del hombre vuelva a producir.
Para explicar cómo era el mar Aral, llamado Aralkum por los lugareños, los
realizadores inician la película con films antiguos de pescadores y de los
diferentes oficios que la vida marítima había generado. Hoy esos pobladores
están a la deriva, buscando “artemisas”, pequeño molusco, en la zona norte donde
hay un poco de agua. La resignación de los ex pescadores no existe, hay estupor,
y solo esperan algún milagro para vivir como antes.
Un niño corre por el lecho del Aral elevando un barrilete, pensamos en que la
vida humana desplazó una vez más a la vida autóctona, en este caso, la vida
marítima del mar Aral. Mientras tanto las potencias buscan métodos que escapan
al conocimiento de los pueblos para o terminar con el calentamiento global o
bien transformar el planeta a sus fines. Con la extensión de un desierto por
delante, Peñafort y Gonzàlez lograron un documental atrapante, a través de la
fotografía y del sonido del lugar: las arenas y el viento dan fe en imágenes
sonoras de la realidad actual. Inquietante llamado de atención-
Elsa Bragato, Actoresonline.com
SUSURROS MORTALES 2 (LA PELÌCULA PUEDE LEVANTARSE PARA OTRA FECHA)
Film de Tailandia de Taweewat Wantha. Duraciòn: 110 minutos.
XXX – LUCHA DESPIADADA CONTRA HORRIBLES FANTASMAS
Esta secuela de Susurros Mortales o Tee Yod, producto de Tailandia esta vez
dirigido por Taweewaat Wantha, nos lleva al terror psicofísico sin vueltas. La
muerte de un familiar hace un tiempo ha sumido a una familia en el terror. A
este hecho, se yuxtaponen otras teorías del horror: los fantasmas de un bosque
cercano, el monstruo que obliga a tragarse una lengua y subsistir comiéndose a
los humanos, es decir, una sucesión de hechos espantosos que mantienen en vilo
al más pintado y que pueden confundir la línea argumental. Es que hay flashback
que enmarañan la trama de manera exagerada, aunque queda bien en claro que será
el valiente Yak, hermano mayor, quien está dispuesto a vencer al fantasma que
está destruyendo a su familia. En Yak se cifran las esperanzas de sobrevivir al
monstruo por lo que habrá luchas despiadadas, sangrientas, brutales, desde
ahorcamientos por “manos invisibles” hasta descabezamientos sin piedad.
Tiene todos los condimentos que los fanáticos del género necesitan: venganzas de
muertos, fantasmas, personas poseídas, ritos macabros, palizas descomunales,
ríos de sangre. Todo a disposición de un género que, en este caso, si bien
cumple con los clichés, hay un manejo de la narración que la hace diferente por
cómo se interrelacionan los integrantes de una familia tradicional oriental. La
fotografía es un protagonista esencial con la inclusión de algunos trucos
mientras que el trabajo en el sonido se transforma en fundamental. Para
fanáticos de los sustos al por mayor.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
ALGO NUEVO, ALGO VIEJO, ALGO PRESTADO
De Hernán Rosselli. Ganadora del premio Mejor Película en la Sección Oficial del
último Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.
XXX – EXCESIVA FRAGMENTACIÒN NARRATIVA EN UN FILM DESANGELADO
Hernán Rosselli se acaba de consagrar como ganador del último Festival
internacional de Cine de Mar del Plata con “Algo nuevo, algo viejo, algo
prestado”, su tercera entrega. Se lo reconoce como un buen husmeador de las
“malas juntas” de Lomas de Zamora y zonas aledañas.
En este caso, presenta la vida de la familia Felpeto que vive del juego ilegal,
mientras una voz femenina en off perteneciente va relatando la relación con sus
padres, cómo fue su infancia a través de documentales ficcionados. El caso es
que esa voz carece de modulación y tiene pésima dicción. Sin embargo es el único
elemento que le da hilación a esta historia exageradamente fragmentada indagando
en de su familia. De a poco surgen los inconvenientes del juego ilegal, llevar
el dinero fuera del país por si hay allanamientos, mientras un personaje promete
avisarles el dìa y la hora para que puedan escapar.
El tema es novedoso destacándose la postproducción que, en verdad, es el secreto
de este film. Se ve un trabajo fotográfico diferente, pero carente de garra en
las actuaciones, se siente un buscado desapasionamiento impide que uno se sienta
atrapado por esta historia que cabalga entre el documental y la ficción. Se
requiere mucha paciencia para llegar al final, donde se da lo único potente.
Pelìcula desangelada con actuaciones olvidables, con solo algunos rubros
técnicos destacables.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
LA FAVORITA DEL REY
Dirección de Maiwenn. Fotografía de Laurent Dailland, Música de Stepehn
Wrbeck. Con Johnny Depp, Maiwenn, entre otros. Duración: 116 minutos.
XXX – EL PALACIO DE VERSAILLES ANTE NUESTRAS NARICES
Las intrigas palaciegas siempre tuvieron sus seguidores. El cine ha dado buena
fe de este gusto un tanto morboso pero humano al fin. En “La favorita del rey”
se cuenta la historia de la plebeya Jeanne Du Barry quien, aunque casada con Du
Barry, logró convertirse en la favorita del rey Luis XV, considerado muy
“amoroso” en sus tiempos. La realizadora y actriz Maiwenn interpreta a Jeanne Du
Barry, personaje del siglo XVIII que logró enorme influencia no solo en los
aposentos íntimos de Luis XV (encarnado por Johnny Depp, siempre un atractivo
extra para cualquier película) sino en la corte. Se convirtió en la primera
cortesana en ir del brazo de un monarca y hasta vestir pantalones como el rey.
Ocupò el lugar de la reina, que había fallecido, enfrentando a las hijas del
rey. Pero no pudo escapar de un duro final luego de la revolución francesa.
La película de Maiwenn recrea con perfección ese período y tiene a su favor nada
menos que el Palacio de Versailles y sus jardines para que el elenco pueda jugar
sus roles. Visualmente, el film es un deleite y también la historia porque tiene
un interesante in crescendo a través de los peldaños sociales que va subiendo
Jeanne Du Barry hasta llegar al dormitorio del rey.
Si bien se trata de la historia de Francia, el film resulta interesante porque
sobresale el romance de la plebeya y el rey que decide tomar las riendas de su
propia vida cuando la soledad lo invade. Es decir, hay una historia de amor
prohibida que es el eje de la narración y que, por sobre la fotografía y la
potente banda sonora, se hace central. En esto tienen mucho que ver el rostro
anguloso y expresivo de Maiween y la solidez de Johnny Depp para encarnar
cualquier rol. Es un film que rescata un momento de la historia de Francia a
través del diseño de arte, las locaciones, y una producción con muy buena
inversión.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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JUEVES 21 DE NOVIEMBRE DEL 2024 CHOCOLATE PARA TRES
Dirección y Guion de Tomás Sánchez. Con Flor Torrente, Beatriz Spelzini, Romina
Gaetani, Gastón Soffritti, Andrea Pietra, Tomás Birabent, Elena Roger y la
participación de Arturo Puig, entre otros. Producción SánchezCine. Duración: 85
minutos.
XXXX – LINDA HISTORIA DE FAMILIA CON POTENTE MENSAJE SOCIAL
“Chocolate para tres” nos acerca a las buenas comedias argentinas, al buen gusto
y a nuestro concepto profundo de familia. Para darle fuerza a la propuesta se
buscó un elenco de altísimo nivel profesional -Puig, Roger, Pietra, Spelzini,
Gaetani, etcétera- basándose en hechos reales de bulimia y su contrapartida, a
partir de situaciones de la vida que no siempre se pueden asimilar rápidamente.
O bien que nos generan conflictos profundos y hay que transitar capa por capa
hasta poder alcanzar la luz y llegar a la curación.
En este caso, la protagonista es Flor Torrente, tan bella como buena actriz, en
el papel de Julia, que tiene una carrera en comedias musicales por delante pero
está atada al drama de la familia: su padre (Antonio Birabent) se divorció de su
madre (Andrea Pietra) y formó hogar con una cantante (Elena Roger) con quien va
a tener un hijo. Pero muere inesperadamente mientras Julia no pudo aceptarle
esta segunda oportunidad, hecho que la llena de culpa. Es el quid de la historia
que se relaciona con la separación de los abuelos (Puig y Spelzini), la eventual
venta del hotel que tienen en el Sur, y la negativa de Julia a tolerar tantos
cambios.
Este marco familiar impide que Julia supere su trastorno alimenticio siendo la
problemática de los adultos el “packaging” de la historia principal.
La fotografía de cualquier lugar de nuestro Sur es suficiente carta de
presentación para lograr belleza visual. Le añadimos un sólido elenco y una
historia de familia común, donde hace falta la aceptación y el perdón para
volver a empezar. Sencilla, bien actuada, bien realizada, Chocolate para Tres
nos regala una bella historia familiar con un mensaje potente sobre la
influencia negativa que hechos tristes y situaciones no resueltas entre los
mayores pueden afectar seriamente la salud de los más jóvenes.
Es entonces una película linda que sensibiliza porque cuenta hechos cotidianos
sin vueltas, a través de una narración que, si bien tiene algunos cabos sueltos,
logra el objetivo de darle visibilidad a una problemática muy seria sobre la
salud de los más jóvenes.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
1.-WICKED PART ONE, de Jon M. Chu. Con Ariana Grande
La tierra de Oz sigue dando frutos. En este caso, el guion se basa en la novela
del contemporáneo Gregory Maguire quien se basa en muchos de sus trabajos para
los chicos y adolescentes en historias antiguas. En esta oportunidad, la base es
El maravilloso Mago de Oz de Frank Baum, de 1804 y sus personajes, transformando
a la malvada bruja del Oesta en la dulce Elphaha.La trama toma solo el primer
acto del musical éxito de Broadway “Wicked”. El film reúne varios géneros, desde
el musical al fantástico.
2.-HEREJE, de Scott Beck y Bryan Woods. Con Hugh Grant.
Heretic o Hereje es uno de los thrillers más interesantes de los últimos tiempos
según la crítica internacional. Con pocos personajes, encabezados por Hugh Grant
como el sinuoso y malvado señor Reed, Beck y Woods construyen una larguísima
noche de terror en la que caen dos misioneras obligadas a demostrar su fe. Ir
hasta la casa indicada, la del señor Reed, significará ingresar en un laberinto
diabólico. De aquellas películas románticas a este papel tan opuesto, Hugh Grant
recorrió un largo camino y no fue en vano. Los fans piden más roles de malvado
para el galàn Hugh Grant.
3.- VERA Y EL PLACER DE LOS OTROS
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4.- CHOCOLATE PARA TRES, de Tomás Sánchez
5.- GAUCHO GAUCHO
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6.- CHECHERECO
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7.- LA SOCIEDAD DEL AFECTO
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CRÌTICAS
VERA Y EL PLACER DE LOS OTROS
Dirección y guion de Federico Actis y Romina Tamburello. Fotografía de Lucas
Pérez, Música de Pablo Crespo. Con Luciana Grasso, Inés Estévez, Carlos Resta,
Ofelia Castillo, entre otros. Duración: 103 minutos.
XXX – REBUSCADO NACER SEXUAL
La sexualidad es un tema recurrente en nuestro cine. En cambio, en el cine
foráneo se lo utiliza como un recurso que sobreviene a determinadas
interacciones, corriendo la cámara a la secuencia siguiente, nuestra
cinematografía gusta de la explicitación.
Así comienza este film de Actis y Tamburello: la relación de dos jóvenes, de los
que se muestra parte de sus cuerpos en pleno acto sexual y una banda sonora
basada, en ese momento inicial, en gemidos de placer. Hecha esta introducción,
la historia es el voyeurismo de una adolescente llamada Vera (excelente Luciana
Grasso) que alquila a parejitas escolares o del barrio uno de los departamentos
que tiene su mamá (Inés Estévez) para vender o alquilar.
Escenas fuertes como la masturbación ante cámara, en un plano largo a oscuras, o
la inclusión de Vera en la relación de una joven pareja amiga, trìo que se
brinda con placer en secuencias prácticamente silentes y extensas, van
conformando una narración que apunta al despertar sexual de una joven hasta que
descubre que no solo los adolescentes necesitan un refugio sino también los
adultos que conoce. Este descubrimiento es uno de los puntos relevantes del film
porque produce una inflexión en la historia muy fuerte, aunque no cambia su
tono.
Se destaca la actuación de Luciana Grasso y de Inés Estévez, madre e hija en la
ficción, espontáneas, creíbles, y el centro del despertar sexual propuesto como
largometraje.
Aunque la narración está muy bien realizada, fluida y coherente a la vez, el
guion carece de elevación conceptual. O sea se cae en la explicación de lo que
se hace: “Deja de hacer ruido que estoy escribiendo”, por ejemplo. Esta
elementalidad en los diálogos es recurrente y no dejaremos de apuntarla porque
impide que se genere un clima de inquietud espiritual o intelectual, como es el
caso de la protagonista “Vera”. Es solo contar los hechos de manera secuencial,
bien filmados. Lo formal está cumplido. Lo conceptual es muy pobre.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
LA SOCIEDAD DEL AFECTO
Documental de Alejandra Marino y Marcela Marcolini. Se ofrece en el Cine
Gaumont, los espacios INCAA y en Cine.ar. Duración: 79 minutos.
XXXX – BIOPIC DE UNA GESTORA CULTURAL DE VALÌA INTERNACIONAL
Pocas veces los documentales nos hablan de personalidades relacionadas con la
imaginación, con lo lúdico, con el respeto esencial al otro, desde cualquier
lugar, una cátedra como un cargo público. De allí que llevar al largometraje la
vida de la muy vigente María de los Angeles Chiqui González (Doctora Honoris
Causa de la Universidad de Irlanda y de Rosario, abogada y gestora cultural
nacida en Rosario, Santa Fe, docente de la Escuela de cine de San Antonio de Los
Baños) quien sigue dando batalla en favor del desarrollo de la imaginación y de
la belleza tiene un inconmensurable valor cultural-educativo.
“Chiqui” González, nacida en 1948, luchó por los derechos de los detenidos
durante la dictadura cívico militar tanto como apuntó certeramente al cuidado de
la niñez a través de la creación, del juego, de la celebración, del arte, pasos
a seguir para descubrir ese lado de la mente capaz de imaginar o sea creando
otros mundos. “El juego te ayuda a crear realidades”, afirma Chiqui González,
tanto como el afecto bien puede ser “una visión estratégica para cambiar la
sociedad”.
Por suerte, esta notable mujer aceptó cargos públicos y, entre 2006 y 2007, fue
Secretaria de Cultura de la Municipalidad de Rosario y entre 2007 y 2018,
Ministra de Innovación y Cultura de Santa Fe, títulos que, de por sí, indican un
planteo cultural diferente: desde esos lugares, generó espacios de cultura y
belleza, donde uno encontraba desde las máquinas de volar de Da Vinci hasta el
arte de generar sonidos con las manos. Y hasta tuvo la genialidad de llevar
sinfónicas a lugares del interior superando esos condicionamientos atávicos de
que, en lugares alejados a una ciudad, a Beethoven no se lo entiende.
Tanta estupidez que nos rodea fue boicoteada por esta enorme intelectual llamada
Chiqui González, que recita tanto a González Tuñón, como genera elencos
teatrales, o entiende lo “maravilloso” como aquello que cambia la vida, o
explica el valor del juego, contemplado en diversas leyes (Convención
Internacional sobre los Derechos del Niño (Art. 31) y la Ley de Protección
Integral de los Derechos de las Niñas, Niños y Adolescentes (Ley 26.061, Art.
20). Nada es ocioso: a través de lo lúdico el niño genera otras realidades
porque puede desarrollar su imaginación y a partir de esto su percepción.
Convengamos que, dentro de la percepción, o sea del desarrollo de los sentidos,
está el reconocer lo bello, unido a lo ético, a lo que debe ser por esencia.
Discípulos, elencos, gente que trabajó o trabaja con Chiqui González hace su
aporte a cámaras de manera muy sentida. Pero, sin duda, es la personalidad de
esta rosarina la que asombra, la que nos hace pensar una y otra vez en cuántas
“Chiquis” necesitamos para que la vida sea lo que debe ser.
El planteo del documental es rico en imágenes antiguas, actuales, se ve a Chiqui
en diversas actividades, mostrando objetos que ayudan a imaginar como dando
clases, o explicando qué sucede en algunos de esos inmensos espacios recreativos
que creó. Es decir, hay una protagonista absoluta, hay riqueza en el material,
una cámara que es realista cuando no subjetiva, y un mensaje infrecuente que
deleita: encontrar en la imaginación aquello que nos hace mejores personas, y en
esto va la comprensión del otro, del compartir, o sea del afecto. De visión
obligatoria.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
CHECHERECHE
Documental de Leo Leonardo y Pablo Gallo. Guion de Paula Romero Levit, Pablo
Gallo y Leo Leonardo, Montaje de Lucas Di Primio, Música de Juan Buscayrol,
Sonido de Juan Fabrel, Duración: 68 minutos.
XXXX – LA HISTORIA TRISTE DE UN ARGENTINO OLVIDADO
Cuesta creer que hoy en día exista un argentino al que el Estado no tiene en
cuenta, porque Chechereche, nombre que le dio el pueblo de Lules (sitio icònico
de Tucumàn porque allí nació Ramón Palito Ortega), lo adoptó como hijo. Llegó
allá por el 75, no se le entendía lo que hablaba y mostraba la lengua cortada
por la mitad, alguien dijo que bajaba de los montes donde estaban los supuestos
“terroristas”, y los milicos seguramente lo agarraron. Dicen que tampoco
encontró la que era su casa, ni a su familia. Chechereche es “nadie” para el
Estado, se supone que su edad ronda los 55 o 60 años, se supone que perteneció a
una familia de clase media porque sabe usar traje y corbata y bañarse en la casa
de los vecinos.
La gente del lugar explica que ellos también tienen una vida condicionada porque
viven en casas prestadas por los dueños del ex ingenio, así como recuerdan que
vieron llegar los helicópteros de los milicos, y cómo jóvenes con mochilas
subían a los montes. Tampoco olvidan que los obligaron a identificarse con papel
y foto y quien no tenía, desaparecía.
¿Acaso Chechereche o Pedro, como lo apodan, es consecuencia de las brutales
andanadas del ejército en la época de la triple A y luego de la última dictadura
cìvico-militar? No hay quién pueda decir quién es este hombre menudo, de buenos
modales, afable, que renguea bastante, y que no se le entiende porque le
cortaron la lengua los milicos, así dicen.
Los realizadores Leonardo y Gallo hicieron una narración de interés creciente,
partiendo del caminar oscilante de Pedro-Chechereche hasta la relación con los
habitantes, está quien le pide que compre algo o quien le ofrece el baño para la
ducha, o el que le corta el pelo. Chechereche es del pueblo de Lules, sus
pobladores coinciden en que, si le encontraran familia, sería una felicidad pero
ellos no lo quieren perder. Hay quien llora y dice “es triste esta historia”. Lo
es.
La fotografía de Leo Leonardo acompaña muy bien la narración, muestra la amplia
extensión cultivada, los montes lejanos, las casas sencillas donde se vive “de
prestado” y el andar de este personaje que conmueve: muestra la desigualdad
social, la ausencia de autoridades competentes, el olvido de los poderosos. La
cámara de Leonardo recorre rostros, casas, patios de tierra apisonada, los
caminos de Chechereche que son los de toda esa población.
Como documental, esta propuesta es una historia bien fundamentada con un
protagonista sòlido. Su trasfondo está muy claro: el Estado marginó a un
ciudadano, no lo considera tal. Lo sacó hasta de sus burocráticas oficinas
porque ni sus huellas se encontraron registradas. ¿Es el pasado dictatorial que
vuelve en este personaje, es Chechereche un remanente de la crueldad de antaño o
es el testimonio de una crueldad que persiste? Chechereche duele. Sì, es una
historia triste.
Elsa Bragato, Actoreonline.com
GAUCHO GAUCHO
Documental de Michael Dweck y Gregory Kershay, a cargo de la producción y la
fotografía. Ediciòn de Gabriel Rhodes. Sonio de Stephen Urata. Duraciòn. 95
minutos. En Blanco y Negro. Estados Unidos.
XXXX – HISTORIA RURAL CONTADA EN VIRTUOSO BLANCO Y NEGRO
Los galardonados Michael Dweck y Gregory Kershay decidieron, luego de sus
exitosas “Long Island” y la búsqueda de trufas blancas en Italia, The Trufle
Nunters, visitar la Argentina y, en especial, las comarcas del norte. Querían
retratar a las comunidades rurales gauchescas que, sin perder contacto con la
realidad, mantienen tradiciones de generación en generación.
Los dos fotógrafos y documentalistas realizan trabajos prodigiosos con sus
lentes, en planos largos cruzados por caballos al galope, en charlas de los más
ancianos con los jóvenes con cámara fija, o alguna cámara lenta sobre
movimientos humanos y de animales.
En el fondo, en lo conceptual, superan todo lo imaginable porque bucean en la
espiritualidad de estos gauchos y sus familias a través de diálogos que nos
cuentan el sentir de una comunidad. Sin dejar de aferrarse a la tradición, miran
al futuro a través de la educación escolar de los más jóvenes.
Hay una belleza visual poco común: determinadas secuencias parecen cuadros
trabajados con esfumaturas de crayones negros. No hay hilación narrativa porque
no se propone una historia específica: es la descripción del hacer y del sentir
de una comunidad rural a través de sus habitantes, cerquita de los confines
norteños de la patria. Un prodigio de buen gusto que reafirma la argentinidad y
empodera al gaucho. Disfrute visual bien argentino.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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JUEVES 14 DE NOVIEMBRE DEL 2024
GOLPE DE SUERTE EN PARÌS
Dirección y guion de Woody Allen. Con Lou de Laage, Neils
Schneider, Melvil Poupaud, Valerie Lemercier, entre otros. Fotografía de
Vittorio Storaro. Música: jazz aleatorio. Duración: 96 minutos. Coproducción
Francia- Estados Unidos.
XXXXX – JOYA POLICIAL DEL MAESTRO ALLEN
A punto de cumplir 89 años el próximo 30 de noviembre, Woody Allen regresa
con un policial delicioso que cabalga entre la ingenuidad y el sarcasmo, con
narrativa pausada, secuencias claras, y situaciones complejas. Woody Allen no se
apresura en esta historia de encuentros y desencuentros, de asesinatos y
complicidades.
Fanny (Lou Laage) se siente cómoda junto a su segundo marido, el millonario Jean
Fournier (Melvil Poupaud). Vive en medio del lujo sin dejar de trabajar en
galerías de París. Hasta que se topa en la calle con Alain (Niels Schneider),
compañero de estudios en New York que siempre estuvo enamorado de ella.
Divorciado, Fanny le devuelve la esperanza. A partir de aquí, el destino está en
manos del caos cósmico, característica central del pensamiento cinematográfico
de Woody Allen. Como en Match Point, todo depende de qué lado caiga la pelota de
tenis, por culpa del viento o de algún elemento fortuito. De lo estrictamente
azaroso entonces depende la vida de sus personajes, oscilando entre lo siniestro
y lo ingenuo con la fluidez narrativa que lo caracteriza.
El policial es consecuencia de esa fatuidad que envuelve a Fanny, Jean, Alain y
la madre de Fanny, en una encrucijada de intrigantes situaciones que, sin que
uno u otro lo determine, resolverá el destino de cada personaje.
Es un Allen auténtico, que se permite narrar con precisión y sin apuro una
suerte de síntesis de sus temáticas, esta vez en medio de ambientes de gran
elegancia. La comedia es dramática y ligera a la vez manteniendo la armonía,
entre la rara mezcla de crímenes, infidelidades, amores, y sofisticación.
Inteligencia cinematográfica vestida de thriller naif.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
1.- GLADIADOR 2, de Riddley Scott
Es la secuela de Gladiador que fue uno de los grandes sucesos en todo sentido de
la pantalla grande con Russell Crowe en el protagónico. Ya es un clásico. En
esta oportunidad está protagonizada por Paul Mescal en el rol de Lucio que
reingresa al Coliseo, lleno de furia. Busca devolverle la gloria perdida a Roma.
Es entonces una narración con todos los condimentos de los films épicos o bien
históricos.
2.- UN PANDA EN ÀFRICA, ANIMACIÒN. Aventura divertida sobre el joven oso
panda Ping y la dragona Jielong, que es secuestrada y llevada a África por lo
que se inician una serie de aventuras para disfrutar con la familia. Producción
de Dinamarca.
2.- GOLPE DE SUERTE EN PARÌS, de Woody Allen.
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3.- LA MALDICIÒN DEL BOSQUE
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4.- VIRGEN ROSA
5.- REVELAR, documental
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6.- HISTORIA DE DOS GUERREROS
Ver crítica
CRÌTICAS
REVELAR
Dirección y guion de Fermin Rivera. Con los testimonios de Lorena Battistiol
Colayago, Pedro Sandoval Fontana, Clauida Poblete Hlaczik, Horacio Pietragalla
Corti, Guillermo Amarilla Molfino, Victoria Donda Pérez, Guillermo Pérez
Rosinblit, Leonardo Fosatti Ortega. Fotografía de Emilia Penelas. Montaje de
Emiliano Serra, Sonido de Gino Gelsi, Música de Alejo Vintrob, Producción de
Sofía Vecchione, Duración: 69 minutos. Argentina.
XXXX – LA BÙSQUEDA DE SÌ MISMOS
Las consecuencias del holocausto provocado por la feroz dictadura cívico-militar
del 1976 continúan. Es una herida gigantesca, una escara que no cerrará jamás,
pero que tiene la tenue posibilidad de generar alguna piel que cubra en
apariencia esa herida, referida a infancias perdidas, a interrogantes que nunca
tendrán la respuesta del por qué.
Fermín Rivera se encarga en este documental de revelarnos, justamente, la
esencia de las búsquedas de identidad al bucear en los testimonios que ocho
personas dan frente a cámara, encontrando en que todos sintieron ese algo que
los diferenció de los padres apropiadores, esa diferencia física o esa intuición
de que algo pasaba porque no se hallaban en los rasgos de esas familias. Para
algunos, la sensación de ser lo que debieron ser estalló cuando no se
encontraron en las fotos de las familias verdaderas, pero sí se identificaron en
sus rasgos, en sus gestos, en una historia familiar kármica que solo se siente
porque no se encuentra en los datos sino en el alma.
Para la realización de este documental, profundo, que aporta elementos inasibles
que los entrevistados tuvieron como aliados para autoreconocerse, Rivera contó
con la colaboración de Angela Urondo Raboy, autora del libro “Quién te crees que
sos?”, hija de la periodista Alicia Cora Raboy y del escritor Paco Urondo, ambos
desaparecidos. En el título del libro está el numen de estos niños recuperados,
hoy adultos. Se aprecia la tranquilidad actual de sus conductas que esconde
tantos altibajos emotivos, tantas angustias, y ese dolor atávico que no se irà y
que, sin embargo, fue el motor que los llevó a reflexionar sobre sí mismos y
buscar la forma de ser las personas que sus padres biológicos quisieron. Ser
ellos mismos y no “ser de prestado”.
En este documental de Fermín Rivera nos topamos con la verdad que nunca se pudo
acallar a través de la voz de los que pudieron recuperar su identidad.
Documental con muy buena preproducción y una realización clásica basada en la
palabra y no en la sofisticación técnica. De visión obligatoria.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
HISTORIA DE DOS GUERREROS
Dirección de Pablo César. Guion de Pablo César y Jerónimo Toubes. Fotografía
y Cámara de Agustina Trincavelli. Sonido de Emiliano Monsegura. Montaje de
Liliana Nadal. Música de Hyperborei. Con Alejo Isnardi, Idriss Mousa Sare,
Horacio Ruiz, extras y elenco de la provincia de Corrientes cubriendo los roles
destacados. Duración: 61 minutos.
XXX – DOS HERMANOS DE LA VIDA
Pablo César retoma un tema que le es caro: la africanidad, sumando a través de
un personaje su especial dedicación a esta temática, consolidada a través de 9
coproducciones con naciones africanas. En esta oportunidad, toma el personaje de
Kossi (Idriss Mousa Sare, modelo y actor de la República de Malí, Africa) que
buscó su destino como futbolista en la provincia de Corrientes, pero se lesionó
y quedó a la deriva. Lo ayuda otro deportista de nombre Ara (Alejo Isnardi,
bailarín y cantor urbano) que se gana la vida en la recolección de cítricos y
como boxeador amateur. Al ver la situación de Kossi, lo ayuda a conseguir techo
y trabajo.
César trabajó en la ciudad de Empedrado, Corrientes, que tiene horizontes
soñados para filmar, además de requerir elenco de esa provincia. Una larga
secuencia boxística inicia el film que encara con honestidad intelectual la
amistad que surge entre Ara y Kossi, llegando hasta la atracción sexual. Pero la
realización no cae en escenas morbosas sino que trabaja el erotismo con una
fotografía diferente, en blanco y negro y con otros encuadres.
“Historia de dos guerreros” plantea varios temas: desde el sentido humanitario
hacia un semejante hasta el machismo inútil que sobrevive en muchas partes de
nuestro país, así como le da naturalidad y espontaneidad a la atracción entre
dos personas, que pueden superar la rivalidad del deporte dándole lugar a los
deseos y, por sobre éstos, al cariño.
En lo estrictamente formal, sobresale la riqueza visual con la que Pablo César
encaró esta producción (sigue rodando en 35 mm y 16 mm) por el empleo de muy
diversas tomas con enfoques de diferentes formatos, y, como dijéramos, empleando
blanco y negro y color.
Es una historia sencilla sobre el encuentro de dos jóvenes deportistas a quienes
la vida une por azar más allá de inútiles condenas sociales. Interesante film
con sólidos protagonistas realzándose lo actoral con la inquieta cámara de un
excelente director que hace cine en estilo puro.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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JUEVES 7 DE NOVIEMBRE DEL 2024
1.- TRAJE ROJO, de Jake Kasdan. Con Dwayne Johnson, Chris Evans.
Al acercarse las fiestas de fin de año, Hollywood prepara desde siempre un
pequeño arsenal de films con Papa Noel, navidades buenas, otras no tanto, y
romances entre pandulces y +arboles navideños. Incluso hay canales de cable que
dedican toda su programación durante dos meses a este tipo de películas. En este
caso, Hollywood está más acorde con estos tiempos violentos: se secuestrò a Papà
Noel, al “Traje rojo” por lo que el jefe de seguridad del Polo Norte, rol que
encarna Dwayne Johnson, se pone a trabajar para descubrir a los secuestradores y
liberar a Papá Noel o Traje Rojo para que no se postergue nunca la Navidad.
Estos films están bien realizados, son de gran ingenuidad, tienen todos los
clishès conocidos, pero siempre se rescata algún mensaje que, por un momento,
nos alivia de los pesares cotidianos. No busquemos la quinta esencia.
2.- EL TIEMPO QUE TENEMOS, de John Crowley. Con Andrew Garfield, Florence
Pugh, entre otros.
Digna historia de amor de este tiempo, con saltos al pasado, regresos al
presente, que configuran la vida en comùn de una pareja durante una década.
Andrew Garfield y Florence Pugh tienen mucha química y personalidad por lo que
son ellos los que ingresan a un período de romance intrincado que los lleva
hacia adelante y hacia atrás, pero que no los aleja del amor y de la voluntad de
vivir cada instante porque la vida no se les presenta fácil. Hay romanticismo,
complejidad temporal, y muy buenas interpretaciones.
3.- NO TE SUELTES, de Alexandre Aja, con Halle Berry, Percy Daggs IV,
entre otros.
A decir verdad, pocas veces un film de terror convoca a una primera figura como
Halle Berry. Pero se da el caso en este film. Berry compone a una madre que vive
con sus dos hijos en una cabaña en medio de un bosque. Y están sometidos a un
espíritu maligno que los obliga a estar atados, unidos, aferrados. Algo pasará
para que uno de los chicos se desate, salga del grupo que forma con su hermano y
su madre, por lo que se desatará una guerra por la supervivencia. Típico cliché
general de este tipo de películas de género aunque bien interpretado.
4.- TIEMPO DE PAGAR, de Felipe Wein. Película nacional sobre un cambista
típico del microcentro de esta ciudad que se ve envuelto en una telaraña de
problemas a raíz de su tarea y deberá enfrentar la solución dentro de un tiempo
muy limitado. El tema no es nuevo en nuestro cine.
5.- NORITA DOCUMENTAL, de Jayson McNamara y Andrea Carbonatto Tortonese.
Son 88 minutos dedicados a la vida de Nora Cortiñas, quien buscó a su hijo
desaparecido en tiempos de la dictadura cìvico militar, siendo cofundadora de
Madres de Plaza de Mayo. Aspectos desconocidos de esta intensa búsqueda unidos
al sufrimiento de una madre por un hijo del que nada sabe son los dos tópicos en
los que oscila este documental.
6.- SIN SALIDA, de Who. Con Minerva Casero, Laura Novoa, Fabián
Arenillas, entre otros. Una joven universitaria se despierta en el baúl de un
automóvil, comprendiendo rápidamente que ha sido raptada para una red de tratas.
El título de la película indica claramente la sensación constante que viven
estas mujeres sometidas a las que tan pocas veces se puede liberar. Intenso
thriller.
9.- UN BUEN PADRE
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10.- EL DOMINGO SE MUERE MÁS GENTE
Ver crítica
11.- ATENTADO EN MADRID
Ver crítica
12.- ODA AMARILLA
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CRÍTICAS
ATENTADO EN MADRID
Dirección de Daniel Calparsoro. Guion de Gemma Ventura. Con Luis Tosar, Inma
Cuesta, Nourdin Batan, Roberto Enríquez, entre otros. Fotografía de Tommie
Ferrerras, Música de Carlos Jean. Duración: 100 minutos. España.
XXXX – LUIS TOSAR EN UNA EXCEPCIONAL LABOR
La intensidad dramática creciente de Atentado en Madrid pone a prueba la mano
diestra de Daniel Calparsoro, un catalán reconocido por su capacidad para
dirigir tanto como por su intelectualidad, dándole peso a los argumentos que
elige. En este caso, toma el guion de Gemma Ventura y lo tuerce en tres
oportunidades, girando hacia espacios y tiempos imprevisibles que desconciertan
e inquietan.
El notable actor Luis Tosar es el protagonista de este thriller policial que
pone acento en una temática común a toda Europa: la inmigración no registrada de
países africanos, adiestrada para cometer atentados en nombre de Alá. A veces
las cosas no salen como están previstas y es el caso del taxista Santiago
(Tosar) que lleva un pasajero al aeropuerto de Madrid donde se produce una
terrible explosión. Alguien muy herido le pide que lo lleve a un hospital.
Accede hasta que se da cuenta de que ha sido raptado por uno de los terroristas
en cuyo cuerpo hay un ancho cinturón de explosivos.
No es éste el único elemento que toma Calparsoro para perturbar sino que recurre
a tres torsiones narrativas que cambiarán el rumbo de la historia: un accidente
automovilístico, la irrupción de un marroquí que mata al acompañante de Santiago
y dos niños que toman el teléfono con el que harán saltar las bombas, ahora en
el cuerpo del taxista.
Hay secuencias memorables por su espectacularidad como las que muestran a
“Santiago” que no puede dejar de caminar para no estallar en mil pedazos por la
Gran Vìa encabezando un desfile de tropas antiterroristas. Se incluye el trabajo
de la inteligencia artificial para complejizar el panorama a los terroristas,
mientras que Santiago sin dejar de moverse puede hablar con su esposa Laura y
con su hijo Raúl, quien recuerda a Mònica, la hermana fallecida hace un año.
Aquí juega un papel fundamental la ductilidad del rostro de Luis Tosar que posee
una capacidad infrecuente para expresar desde el asombro inicial cuando es
raptado, pasando por el terror de morir despedazado y la lenta aceptación de un
final trágico.
La tensión es creciente junto con lo que va viviendo el protagonista, cada paso
suyo es una descarga electrizante de adrenalina, es imposible no reprimir la
respiración por segundos ante las situaciones límites que va mostrando la
pantalla.
Por sobre esta película en sì, hay que decir que, sin la alharaca de Hollywood,
España está al frente de una soberbia calidad cinematográfica. Desde la
fotografía con una cámara subjetiva flotante hasta los diálogos justos,
superando con creces pequeños clishés. En su todo, estamos frente a un soberbio
thriller, a un gran virtuosismo narrativo. Sin dar vueltas, cine en serio, cine
con mayúsculas.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
UN BUEN PADRE
Dirección de Ronan Tronchot. Coguionista: Ludovic du Clary. Fotografía de
Antoine Chevier, Música de Damien Tronchot. Con Gregory Gadebois, Geraldine
Nakache, Anton Alluin, entre otros. Duración 93 minutos. Título original:
Paternei. Francia
XXX – ENTRE LAS NORMAS DE LA VIDA Y DE LA FE
Para el realizador Ronan Tronchot, el tema central de esta película no fue
cuestionar el valor de la espiritualidad sino las contradicciones humanas sobre
la fe en sì, la honestidad, la realidad. Toma como centro de su historia al
Padre Simòn encarnado por Gregory Gadebois, que está a cargo de una parroquia
lejana a Parìs, ubicada en medio de la campiña francesa.
De pronto, aparece Louise (Geraldine Nakache) con un niño de 11 años llamado
Aloè (Anton Alluin) informándole al padre Simòn que es su hijo, fruto de la
relación que tuvieron cuando èl ingresaba al seminario.
A partir de este hecho, la vida de un jovencito que sabe la verdad y no entiende
porque todos llaman Padre a su papà y a èl se le pide que no lo diga, surgen los
subtemas sociales y religiosos más que interesantes: desde la absurda oposición
de los clérigos de esas localidades a lo que llaman “escándalo público” hasta
las dudas del propio Padre Simòn sobre cómo actuar ante una vida de la que es
responsable sin mentir, sin manchar su fe y sin ser hipòcrita como cree que son
muchos integrantes de la Iglesia Catòlica.
La actuación de Gregory Gadebois es muy tierna y convincente, recorriendo todos
los matices de la sensibilidad, desde el asombro inicial hasta la aceptación de
que dio vida a un niño, y que se trata de una bendición. El pequeño Alluin
demuestra gran seguridad actoral, así como es intachable la recatada performance
de Geraldine Nakache y el resto del elenco.
Todo funciona de manera milimetrada, no hay melodrama resultando una cálida
comedia dramática sobre la vida y la Fe, el respeto por las leyes que rigen a
ambas y un severo planteo sobre la intransigencia de los fundamentalistas en
cualquier orden de la vida. Buena fotografía que, aun con una historia de
cámara, íntima, está enriquecida por diferentes tomas, desde zenitales hasta
primeros planos. Para disfrutar.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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LOS DOMINGOS MUEREN MÁS PERSONAS
Dirección de Jaid Said. Fotografìa de Giovanni Cimarosti. Mùsica de Frank
Ascari, con canciones a cargo de Rosario Ortega, Sofìa Vitola, Gepe. Montaje de
Flor Efron. Duraciòn 77 minutos. Coproducciòn de Argentina, Italia, Suiza.
XXX – MELODRAMA FAMILIAR CON PROTAGÒNICO DE SU DIRECTOR
Jair Said es el protagonista principal de su propio film, Los domingos mueren
más personas, en el rol de David. Compone a un corpulento joven que vive en
España, judío y homosexual, que debe romper con su pareja para regresar a Buenos
Aires cuando muere su tío. Lejos está de saber que pronto ocurrirá lo mismo con
su padre, en una suerte de oculta eutanasia.
El guion de Said se torna ágil porque encara un melodrama utilizando la vida
cotidiana de una familia y sus ritos religiosos. Entre diversas situaciones
donde se habla de la comida rápida, de miedos de soledad o de enfrentar momentos
límites, a través de diálogos mediocres, surgen secuencias interesantes que
quiebran la monotonía que Jair Said provoca con su forma de actuar pausada y
escasa gestualidad: un breve monólogo de Rita Cortese o también la corta escena
de David (Jair Said) con su psicólogo rescatan el ritmo interno de una película
que encara la tragedia en medio de un clima de comedia.
El film logra emotividad cuando Rita Cortese y Jair David se transforman en
madre e hijo en algunas secuencias, rodeados por un entorno familiar donde no
faltan los cumpleaños, la algarabía de los chicos, los rezos en hebreo, y el
costo de un entierro en el cementerio judío.
La banda sonora es un personaje interesante que aporta alegría con un vals
inicial resultando insólita la supuesta zamba de los créditos del final. Creemos
que tan disímiles propuestas rítmicas podrían ser matices para aportar fluidez
narrativa. Los aspectos técnicos son de buena factura, mientras que, en lo
estrictamente actoral, Jair Said logra un unipersonal con el soporto actoral de
un elenco de figuras, relegadas a breves intervenciones. En verdad, Jair Said es
muy buen director, pero no nos convenció como actor.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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ODA AMARILLA
Documental, Dirección y guion de Lucía Paz. Fotografía de Emiliano Chama.
Música de Santiago Gutierra. Duración: 67 minutos.
XXX – HOMENAJE PROFUNDAMENTE EMOTIVO
La pérdida de la memoria trastoca nuestras vidas. Y el cine ha sido un fiel
reflejo de este tema a través de historias conmovedoras sobre nuestros mayores y
ese principio de olvido (para algunos, “benignos seniles” y para otros el
temible ingreso al “Alzheimer”). Recordamos la maravillosa película nacional “El
hijo de la novia” con Norma Aleandro, Héctor Alterio y Ricardo Darìn, la inglesa
“Iris” con la formidable Judi Dench, o la norteamericana “Diario de una pasión”
con James Garner y Gena Rowlands. O la reciente “El padre”, con Anthony Hopkins,
otro film inglés desgarrador.
Y es Lucía Paz quien retoma este tema determinante para la vida familiar desde
un lugar muy íntimo y cálido: su madre tiene los primeros olvidos, es el
comienzo de esa penosa enfermedad senil. LA directora intenta que algunos
recuerdos las mantengan unidas, desde las playas con olas inquietas que solían
disfrutar años antes hasta fotografías de diversos momentos de la vida en común
y encuentros con la familia.
Queda de lado la formación intelectual de la mamá de Lucìa Paz. Importa su aquí
y ahora, ese que la fotografía singular de Emiliano Chama toma de las olas que
se rompen sobre la arena dejando una espuma blanca que se disuelve en segundos,
close up deintenso significado. Es allí también donde la realizadora se planta
para expresar este presente efímero de la memoria de su mamá y sus propios
sentimientos de desesperación como hija que busca un lugar posible de diálogo
coherente, ese espacio que las reúna en el futuro cercano.
Es un trabajo intenso entre álbumes de fotografías y uno nuevo que confecciona
con su mamá con el íntimo anhelo de que lo recuerde, de que sea un encuentro con
fotos y nombres donde el olvido no exista, donde su mamá logre ese espacio de
lucidez que las una para siempre.
El tema conmueve, la actitud de Lucía Paz también: el paralelismo entre el mar y
la mente resulta visualmente perturbador, es una metáfora lograda sobre una
memoria que se va perdiendo, y es la lucha que encara Paz aunque no se le pueda
ganar nunca a lo que la naturaleza dispone.
Lucía Paz logra una película de cámara, íntima, basada en diálogos entre madre e
hija, resultando una experiencia cinematográfica muy emotiva, además de un
sensible homenaje a su mamá. En algún lugar, nos toca a todos por igual.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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CICLÒN FANTASMA
Documental de Diana Cardini. Fotografía de Lucas Distefano. Sonido de Andrés
Perugini y Leonardo Cauteruccio. Montaje de Diana Cardini. Con Fabián Orfano,
María Rosa Mage, Reinaldo Alejandro Petraña, Marisa Pájaro, Facundo Orfano,
bailarines. Duración: 64 minutos.
XXX – LA MULTIPLICIDAD DE LA VIDA DIARIA
La directora Diana Cardini analiza diversos aspectos de Luján, la ciudad de la
Fe pero también de la diversión y de la ciencia. La que conserva algo de los
viejos parque de juegos que interesan a Fabián para construir algo
supernovedoso: el Ciclón Fantasma, que asuste de verdad, con personajes de carne
y hueso, no como ocurre con los juegos norteamericanos donde todo es o digital o
técnico. Así piensa, así lo expresa y pone manos a la obra. Por otra parte,
están los buscadores de fósiles en el río Luján, Rosa y Alejandro, aguas plenas
de rastros arqueológicos de hace miles de años. Solo hay que recorrer sus
márgenes sin prisa ni pausa. Y obviamente está la basílica de Luján, que reúne a
los fieles en misas, mientras en los alrededores se da la paradoja de las
“fortunetellers” o adivinadoras de la suerte. En algún punto, los tres elementos
se unen porque son la esencia histórica de la ciudad: el río está presente con
su riqueza milenaria por descubrir, la basílica es una fuente de Fe pujante, y
los viejos juegos de los parques de diversiones pueden reciclarse para dar vida
al sueño de Fabián, un restaurador que enternece cuando recupera a un muñeco
dinosaurio con quien habla como si fuese de verdad.
Hay que destacar la minuciosidad con que Diana Cardini filma la construcción del
Ciclón Fantasma (algo asì como el tren fantasma pero con más verdad y
truculencia) para ir llegando paso a paso a sus especiales bailarines-actores, y
a los fieles que asisten a las misas de la basílica. Esta narración detallista
provoca atención, curiosidad, inquieta al espectador por ver el final, qué se
encuentra en el río, cómo cumple su sueño Fabián (busca sonidos terroríficos,
maquillajes truculentos), y de qué manera la Fe sigue en pie como faro de una
ciudad pujante.
Con un trazo cinematográfico amplio, Diana Cardini logra un atractivo documental
sobre una ciudad en la que conviven su rico pasado con un presente pluriactivo.
Valioso aporte cultural.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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JUEVES 31 DE OCTUBRE DEL 2024
1.- LA HABITACIÓN DE AL LADO, de Pedro Almodóvar
Con este film, el manchego Almodóvar ganó su León de Oro en la Mostra, el
festival de cine de Venecia. Es el segundo español en obtenerlo, el primero fue
Luis Buñuel con Bell de Jour en 1967. En esta película encara la relación de dos
amigas de toda la vida cuyo reencuentro las enfrenta a decisiones límites.
Julianne Moore y la exquisita Tina Swinton encarnan a estas dos mujeres, una de
ellas enferma terminal, y la otra, la amiga que cuida la palabra y el gesto para
ayudarla en una decisión muy difícil. La crítica internacional coincide que es
una película muy dolorosa y, al mismo tiempo, una de las narraciones más
honestas y sin vueltas de Pedro Almodóvar, que, por otra parte, se caracterizó
siempre por exponer sus temas a su manera. Nosotros apuntamos el film “Dolor y
gloria” con Antonio Banderas (hizo siete películas con Almodóvar) que nos parece
un buen antecedente de esta posición del gran director ante la vida y la muerte.
Para ver, sin dudar.
2) TERRIFIER 3. PAYASO SINIESTRO, guion y dirección de Damián Leone.
La crítica internacional está dividida: por un lado se considera un “camino
sangriento” inigualable para quienes paladean el “gore” con fruición, por otra
parte hay quienes piensan que, por hacer explotar la sangre en la pantalla, la
narración tiene secuencias un tanto inconexas. Como sea, es un baño de sangre
que va a satisfacer y hasta “empalagar” a los fanáticos del género.
3) CIELO ROJO, GIGANTES DE METAL, de Marcelo Leguiza, film nacional.
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4) SARA FACIO: HABER ESTADO AHÌ De Cinthia Rajschmir.
Fallecida este año, Sara Facio es el emblema de la retratista, de la fotógrafa
que capta la realidad a través de una lente. Como A: Heinrich, fue icono de esta
ciudad dejando libros de fotos o fotoslibros porque quería ser reconocida como
una persona que vivía la realidad y no como un ser con vida que pasó sin dejar
su huella. Frente a su cámara pasaron los rostros más notables del país y del
mundo, como Julio Cortázar, famosa foto de 1967, a manera de ejemplo. Es un
documental que incluye notas suyas, y, en síntesis, un homenaje a una gran
artista.
5) LOS TURISTAS, de Gaby Smiths
Son 83 minutos del clásico de terror: amigos que se reúnen en una cabaña en
medio de un bosque. Pero con saber argentino. Para fanáticos del gènero.
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6) PROKOPIUK
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7) LOS AMANTES ASTRONAUTAS
Ver crítica
8) AL IMPENETRABLE
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CRÍTICAS
CIELO ROJO, GIGANTES DE METAL
Dirección de Marcelo Leguiza. Con Noelia Antùnez, Gaby Valenti, Susana
Varela, Paula Manzone, Esteban Prol, Victoria Carreras, Susana Varela, Evan
Andrew Leed, entre otros. Fotografía de Daniel Ring. Arte de Tania Covelli.
Vestuario de Ezequiel Edelman. Música de Oscar Pata. Duración: 72 minutos.
XX – PELÌCULA QUE SE QUEDA POR LA MITAD
Toda propuesta es interesante. Partimos de esa base. La cuestión, como solemos
decir, es cómo lo llevamos o a la literatura o a la pantalla grande, o a la
chica, o a un pentagrama. El realizador Marcelo Leguiza se encontró con un texto
muy rico a partir de una sola protagonista, Bianca ( Noelia Antùnez) no
encontrado el camino adecuado para el desarrollo del resto de los personajes.
Bianca es coptada por una secta o algo parecido, sufre malos tratos, inyecciones
de mezclas extrañas, con las consecuencias psicofísicas consiguientes. Desde
mareos, alucinaciones, y un profundo deseo de venganza que, en un caso tan
extremo, bien se comprende. Hay un mundo “rojo” pero no queda en claro si es
porque le ponen paños rojos a los veladores o porque asì son los ensueños que
padece Bianca. De pronto, Bianca sacude fuertemente su cabeza y aparece en un
taxi, o en un colectivo. No es muy comprensible todo lo que ocurre salvo el
inicio.
Se llega a situaciones límites, bien “gore”pero ni aún así estos “despertadores”
logran explicarse en la escena siguiente. Es decir, hay una propuesta de guion
con demasiados altibajos que marcan falta de coherencia narrativa. La presencia
especial de Esteban Prol y de Victoria Carreras como el padre y la madre
respectivamente hubiesen sido muy útiles dentro de otro contexto, o sea, donde
la protagonista y el elenco tuviesen una razón de ser más que la de haber sido
raptada y drogada. Algo faltó para que cada secuencia tuviese su cierre a fin de
ir llegando a un final convincente más que el previsto. No nos convenció.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
AL IMPENETRABLE
Dirección de Sonia Bertotti. Guion de Sonia Bertotti y Emiliano Khayat. Con
Guadalupe Docampo, Sergio Podeley, Gonzalo Suárez, entre otros. Fotografía de
Alejandro Reynoso. Mùsica de Esteban Peòn y Emiliano Khayat. Duraciòn: 90
minutos.
XXX – MISTERIOS DE LA ARGENTNA PROFUNDA
Sonia Bertotti encontró un buen guion para este film que oscila entre lo
fantástico y la ciencia ficción: tres jóvenes periodistas son enviados al
Impènetrable para visitar a una comunidad Qom y mostrar en què condiciones viven
y sus muchas necesidades. Pero algo pasarà porque el frondoso impenetrable no
acepta a cualquiera, por lo visto y sufrirán extrañas persecuciones, asì como la
comunidad Qom desaparecerà. La realizadora Bertotti va paso a paso: es
detallista en la fotografía, muestra con drones la ubicación de esa comunidad, y
el movimiento de la gente que, desde tanta altura, parecen hormigas. Y luego va
al close up mostrando a las hormigas y su trabajo constante. Una suerte de
comparación si bien esa comunidad indígena desaparece y las hormigas, no.
Los tres jóvenes intentarán salir del bosque cuando advierten que la niña
indígena que habían conocido no está más y que, de pronto, la comunidad es tan
solo un paraje desolado. Hete aquí que, en esta búsqueda de salida, habrá
caminos que se bifurcan, equívocos, caídas, lastimaduras severas, y hasta tiros
sin explicación. La desesperación invade a los protagonistas y es el motor de
las secuencias hasta el final. Hay un mensaje que suele repetirse en el interior
del país: “Ustedes que son tan inteligentes", refiriéndose a los porteños
enviados, en este caso, a cubrir una denuncia social, y otra frase que indica lo
contrario: “Si se fiaron de los indios, mmm”. O sea ni unos ni otros se salvan
de la crítica, ni la inteligencia ni la sabiduría popular. Finalmente, se
infiere que, cuando lo fantástico entra a tallar, nada se puede hacer. El
trabajo narrativo de Bertotti es relevante, mantiene la tensión de principio a
fin agregándole riqueza visual con planos zenitales y close up. Es una propuesta
diferente dentro del género con elementos absolutamente argentinos: esta vez el
bosque es nuestro.
Elsa Bragato, ACtoresonline.com
LOS AMANTES ASTRONAUTAS
Dirección y guion de Marco Berger. Con Lautaro Beltoni, Javier Orán, Mora
Arenillas, entre otros. Fotografía de Mariano Da Rosa. Música de Pedro Irusta.
Duración: 116 minutos. Coproducción Argentina-España.
XXX – DOS A QUERERSE
Marco Berger organizó un extenso planteo narrativo con los pormenores de una
relación entre dos jóvenes, amigos desde chicos que, por una circunstancia
exterior, se transforman en amantes. Maxi (Lautaro Beltoni) se peleó con su
novia Sabrina (Mora Arenillas) y decide viajar a la costa donde ella está junto
a otros amigos. Allí se encuentra con Pedro (el español Javier Orán), amigo de
su niñez. A lo largo de las casi dos horas del film Berger logra mantener la
atención solamente con los diálogos de estos dos personajes, Maxi y Pedro, en
diferentes situaciones: en la playa, de día, de noche, en la camioneta,
caminando por el bosque cercano (zonas de Ostende y aledaños). Maxi hace
ostentación de su heterosexualidad mientras que Pedro es mesurado, no esconde su
bisexualidad aunque se encuentra definido hacia la homosexualidad.
El desarrollo de esta amistad entre dos varones hacia un enamoramiento es
paulatino. Berger les da el tiempo necesario a sus dos protagonistas para que
jueguen con palabras y toqueteos infantiles. Para que se retracten, para que
reconfirmen sus deseos, para que dada uno tome la decisión de tener sexo por
voluntad propia.
Lo más flojo de la película está en sus diálogos porque son muy mediocres, muy
burdos, por una excesiva explicitud que no mengua nunca. No obstante están
actuados con espontaneidad. Berger maneja las situaciones como una comedia de
enredos tradicional, que sí, que no, escarceos, pero no va más allá. En esto hay
que resaltar las buenas actuaciones de Lautaro Beltoni y de Javier Orán, quienes
resultan verosímiles en sus diálogos. Este conjunto de elementos determina que
la historia resulte bien planteada.
En verdad, “Los amantes astronautas”, título que hace referencia a un juego de
los dos amigos, es para un target determinado de público. El lenguaje tan sin
vueltas -aunque las situaciones estén muy bien manejadas- puede herir
susceptibilidades.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
SARA FACIO – HABER ESTADO AHÌ
Dirección de Cinthia Rajschmir. Guion de Cinthia Rajschmir y Marcela
Marcolini. Fotografía de Santiago Mouriño, Fernando Viñuela, Virginia Rojas,
Mariana Russo y Sebastián Meléndez. Montaje de Liliana Nadal. Música de Horacio
Straiker. Duración: 70 minutos.
XXX –LOS CAMINOS DEL ARTE VISUAL – HOMENAJE A UNA CREADORA
Decir Sara Facio es señalar a la retratista nacional más importante, es recordar
los rostros de grandes artistas de los 60 y 70 plasmados en el maravilloso
blanco y negro y sus matices. Nos dejó este año pero, por suerte, se tenía este
extenso reportaje desde hace un tiempo atrás.
Reeditado para largometraje, Cinthia Rajschmir ingresa en la casa de Sara Facio
quien, parsimoniosamente y sin perder una dulce sonrisa, le va mostrando su
apabullante archivo fotográfico, ordenado desde sus comienzos, allá por el año
50. Nacida en San Isidro en 1932, hizo estudios recibiéndose con Alicia D’Amico
quien la acompañó en gran parte de su carrera. Ambas fundaron diversas entidades
para fotógrafos, e incursionaron en todos los diarios más importantes de la
época.
El orden cronológico del largometraje se pierde bastante pero es lo que menos
importa porque está ella, Sara Facio, frente a cámaras, de frente, de perfil,
caminando, de espaldas, contando su vida y su obra. Y cómo le bastaron tres
lentes, siempre los mismos, para captar la esencia de los rostros más que los
eventos.
Impuso el retrato, el gesto, del famoso y del trabajador. Entre sus trabajos
“extra” están las fotografías del funeral del General Perón, donde se preocupó
por el hombre y la mujer que hicieron la larga cola de ingreso al Congreso bajo
la lluvia dejando de lado a los funcionarios apiñados alrededor del féretro.
El momento más importante de su vida fue conocer a María Elena Walsh en 1975. No
se separaron nunca más naciendo entonces una unión artística de carácter único
que se fue plasmando en fotografías de Sara y en canciones de María Elena.
Sara Facio le dio a la fotografía el carácter de reportaje, de imágenes
concatenadas que van contando historias siendo su quehacer esencialmente
artístico más que técnico.
En este trabajo, Cinthia Rajschmir deja el protagónico absoluto a la voz y el
rostro de Sara Facio, encargada de conducirnos por los caminos del arte visual
bien argentino.
Extenso reportaje que se transforma en sentido homenaje.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
PROCOPIUK
Direcciòn de Diego Lumerman, guion de Sofìa Tarruella y Diego Lumerman,
edición de Susana Leunda, Con amigos y familiares de Carlos Procopiuk. Duraciòn:
68 minutos.
XXX – EL CINEASTA DE LA PATAGONIA: PROCOPIUK
El director neuquino Diego Lumerman volvió a su tierra luego de terminar la
carrera de cine en esta ciudad conmovido por dos películas de 1975 y 1986
realizadas por Carlos Procopiuk, a quien no llegó a conocer dado que falleció a
los 74 años en el 2007. Estaba asombrado como joven realizador diplomado por el
notable material fílmico de “Proco”, documentales y películas de ficción,
basadas en la topografía y en los mitos de la región. Con la colaboración del
Ministerio de Cultura de Neuquén, así como del Museo del Cine de CABA pudo
recopilar un material precioso y anécdotas unidas al material fílmico del
pionero del Sur.
Hace 80 años, Neuquén estaba prácticamente desploblada y, en medio de la
precordillera, de la meseta patagónica con plantas achaparradas, “Proco” filmó
verdaderos westerns patagónicos. Dan testimonio uno de sus compañeros del viaje
cinematográfico, Lorenzo Kelly, y su nieto, por quien sentía tremenda debilidad
afectiva.
Este descubrimiento de Lumerman no hace sino confirmar la capacidad intelectual
y artística que existe en nuestras provincias, en las que siempre hay autores
como Procopiuk en alguna expresión o lírica o musical o pictórica o
cinematográfica. Aunque se reconoce que el caso de Carlos Procopiuk es inusual.
Con una cámara de VHS, pesada, filmó hasta en un ala delta, a falta de drones!,
la superficie en especial del norte de Neuquén. No solo hizo documentales sino
películas de ficción durante 50 años. Hay mucho material fílmico de este notable
realizador que conforman la esencia de este documental.
Al mismo tiempo, sus realizaciones resultan deslumbrantes porque ponen al
descubierto a un gran artista, docente en el Comahue, camarógrafo de varios
noticieros zonales, guionista, que se preocupó por dejar testimonio de las
creencias desde el pueblo fantasma hasta la naturaleza difícil de su lugar
natal.
El valor de Diego Lumerman y de su equipo reside en darle visibilidad a Carlos
Procopiuk, recuperando, difundiendo y honrando tanto a su obra como al hombre,
notable cineasta patagónico que trabajó con pasión fuera de los circuitos
comerciales: no buscò fama personal sino posteridad para su tierra, nuestra
Patagonia.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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LO QUE QUISIMOS SER
Direcciòn y Guion de Alejandro Agresti. Con Eleonora Wexler, Luir Rubio,
Antonio Agresti, Carlos Gorosito y Juan Carlos Juznir. Arte de Ezequiel Endelman
y Miranda Pauls. Fotografìa de Marcelo Camarino. Mùsica de Leo Caruso. Duraciòn:
84 minutos.
XXXX – UN MUNDO DE DOS
Encantador encuentro de diálogos cálidos, sinceros, entre un hombre y una
mujer es la nueva propuesta de Alejandro Agresti. A la manera de Richard
Linklater y su “Antes del anochecer”, o bien la saga de las tres películas. Dos
personajes y el corazón sobre las manos, inventándose historias que los alejen
de sus propias realidades. Se mienten a sabiendas contándose historias
fantásticas, él, un novedoso y tierno Luis Rubio en el papel de “Yuri”, y ella,
Eleonora Wexler, con nombre de actriz de las de antes fingiendo no ser Irene,
tal como se llama.
Es tan solo la salida de una función de cine cine y la cita de los jueves en el
bar Brighton para charlar sobre sus mundos propios, evitando que la “realidad”
se cuele para que no les arruine la emoción de esos encuentros.
Es algo novedoso para nuestro cine, lo más cercano es “Elsa y Fred” o bien
“Conversaciones con mamá”: son encuentros que dispone la vida y que, en algunos
casos, terminan en pareja, pero aquí se trata de una amistad profunda en la que
cualquier desencuentro dolerà. Los dos son divorciados, ella tiene un hijo
adolescente encarnado por Antonio Agresti, y hay un par de mozos cómplices de
esa amistad en la que se habla de paseos en el cosmos, o de estudiar Letras en
la Sorbone, o bien de Africa y los safaris dominicales.
Agresti logra una historia de amor por sobre los convencionalismos, y, como
avezado conocedor de las novelas, sabe què resortes tocar para que los diálogos
sean simples, verosímiles y emotivos. En esto colabora la banda sonora de Leo
Caruso, cuya partitura termina en una bella melodía ejecutada por un conjunto de
cuerdas.
Sin lugar a dudas, las actuaciones de Wexler y Rubio son excepcionales: a través
de sus miradas transmiten pura emoción, con lágrimas que llegan hasta ahì porque
no caen.
Es una película que demuestra que el “otro” es tan importante para sobrevivir
como la propia fuerza espiritual. Film no convencional, pleno de ternura,
infrecuente en nuestro cine. Para aplaudir mientras a nosotros sì se nos caen
algunas lágrimas.
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JUEVES 24 DE OCTUBRE DEL 2024
1.- SUPER MAN, LA HISTORIA DE CHRISTOPHER REEVE, de Ian Bonhote y Peter
Ettedgui. Con Christopher Reeve, Robin Williams, Dana Reeve, entre otros.
El caso de “Superman” y su primera maravillosa película interpretada por
Christopher Reeve conmovió al mundo: en 1995, cayó de un caballo y tuvo una
severa lesión medular que lo dejó cuadripléjico. Junto a su esposa creò una
fundación para los estudios y ayuda económica de estos casos. La película
resulta altamente conmovdora, se ve la lucha de un hombre por sobrevivir a su
infortunio, por ser mejor padre y esposo que antes, a pesar de sus reales
imposibilidades. Es una elegìa, un poema recordando a un actor que embelleció
las pantallas del mundo.
2.- VENOM EL ÙLTIMO BAILE, dirección y guion de Kelly Marcel, basado en la
historia de Tom Hardy Y Kelly Marcel. Con Tom Hardy, Juno Temple, entre otros.
Superhéroes en fuga, acción dentro del mundo fantástico de la mitología
hollywoodense. Para sus fans.
3.- BERNARDETTE LA MUJER DEL PRESIDENTE. De Lea Domenach
Ver crítica
4.-LA LEYENDA DEL DRAGÒN, de Salvador Simò Busom y Jianping Li Es una animación
coproducida por España y China, y ubica la acción den los tiempos de la China
Imperial: hay dragones, hechiceros malvados, y una intensa búsqueda de la
inmortalidad. Para todos los gustos!
5.- LO QUE QUISIMOS SER
Ver crítica
6.- TEARS FOR FEARS LIVE (A TIPPINIG POINT FILM), documental de un concierto del
afamado conjunto dirigido por Vincent Adam Paul. Responde a la Parte 2 del
concierto del conjunto que realizò en el 2023. Es el primer lanzamiento de la
banda en 17 años, ofrece temas tradicionales y los nuevos de su CD Tje To``omg
^pomt. Se rodò en el FirstBank Amphitheater de Graystone Quarry, cerca de
Mashville, en Franklin, Tennessee, resultando un escenario extraordinario que,
según los expertos, quedarà en la memoria de quienes vayan al cine a
disfrutarlo.
CRÌTICAS
EL HOMBRE QUE AMABA LOS PLATOS VOLADORES – plataforma NETFLIX
De Diego Lerman. Guion de Diego Lerman de Adriàn Biniez. Con Leonardo Sbaraglia,
Sergio Penna, Osmar Nuñez, Renata Lerman, entre otros. Fotografìa de Woiciech
Staron, Mùsica de Josè Villalobos. Duraciòn: 107 minutos. Plataforma Netflix.
XXX – DEMASIADA FICCIÒN Y POCA BIOPIC
Es muy rara esta biopic de Josè de Zer, sobre todo para quienes lo conocimos y
seguíamos, inevitablemente, sus incursiones en los noticieros de Canal 9, donde
fue una de sus estrellas. En esta versión de Diego Lerman, está encarnado por
Leonardo Sbaraglia que, si bien es un gran actor, no logra dar con la
personalidad frente a cámaras de De Zer. Ciertamente, el fuerte de este
periodista fueron los “platos voladores” y sus viajes a Córdoba donde, se dice,
se asienta una ciudad intratierra y se avistan diariamente. Especialmente en la
década del 80 se dio este furor de avistajes. Y las redacciones de revistas como
FLASH y Semanario estaban al dìa con Ufòlogos y estudiosos del fenómeno.
Josè de Zer no solamente fue tras los OVNI sino también tras casas embrujadas y
personajes con extraños poderes. Existen aun estos videos en diferentes sitios
de internet. Por lo que hemos vivido, por lo que sabemos de Josè de Zer con
quien hemos mantenido charlas, esta versión no da con su personalidad. El paso
de periodista de espectáculo a periodista televisivo con especialidad en OVNI se
debió a su temperamento y su desfachatez para generar informes que eran shows. Y
marcaban rating.
Tampoco convence el inicio del film con el musical de una revista porteña donde
supuestamente De Zer tenía a su novia o admirada belleza femenina. Extensa por
demás, recuerda las películas argentinas menos cinematográficas y más
televisivas de los años 70.
La película circula, asì que poco se puede agregar, es un fenómeno artístico
concreto. A pesar de esto, nos animamos a decir que De Zer debió ser retratado
en la sección noticias de un canal de televisión y a partir de allí marcar su
derrotero “ovnílogo” o la visita a casas con fantasmas. Esta película deja a
Josè de Zer como un “chanta” del periodismo cuando, en verdad, fue un periodista
del show que supo sacar de noticias poco fiables informes estupendos. No nos
convenciò, ni siquiera la caracterización de Leonardo Sbaraglia, aunque nunca
está en duda su capacidad actoral. A Lerman y compañía se les fue la mano con la
ficción.
Elsa Bragato, Actoresonine.com
CUELLOS BLANCOS, EL CASO VICENTIN
Documental de Andrés Cedròn. Fotografía de Lucas Timerman, Duración: 100
minutos.
XXX – FRONDOSO DOCUMENTO SOBRE LA CORRUPCIÒN
Del “caso Vicentín” venimos sabiendo desde hace un par de años. También nos
hemos “desayunado” hace relativamente poco que el río Paraná casi nada nos
pertenece, que la mayoría de sus puertos se han privatizado y que llegan naves
de todo el mundo supuestamente para cargar soja y cereales en general pero,
curiosamente, se han descubierto cargamentos de cocaína en puertos Europeos
provenientes de algunos de estos puertos privados.
Da la impresión de que vivimos en una continua pesadilla donde la corrupción
lleva la voz cantante. En este documental, hay sobradas entrevistas y argumentos
que demuestran nuestra afirmación, o sea cómo, de una sencillez inicial
agropecuaria, unos pocos se fueron adueñando de campos siendo hoy una de las
sojeras más importantes. Y aparecen nombres, y Vicentìn no es ajeno a nada.
Buena documentación, buenas entrevistas, dan cuenta de que Vicentìn, por
ejemplo, había realizado una venta por 122 millones de dólares y la “escondió”
al Estado y que, si nos quedaba alguna duda, el 40 por ciento de los créditos
que recibió los logró durante el gobierno de Mauricio Macri. Esto determinó,
entre otros temas, que 14 directivos hayan quedado complicados por la presunta
estafa al fisco de 130 millones.
Números van y vienen por sobre nuestras narices. Lo realmente dramático es la
persecución a sus delegados, la tortura a otros que poco tenían que ver más que
con un reclamo salarial, y la presión de no hablar, de callar, de seguir
adelante para, cuanto menos, conservar la vida. Hay otrosel rìo Paraná, donde
“cae” tanta producción,: es una vìa de navegación de 1635 km que une a 7
provincias y que sirve para despachar el 80 por ciento de la producción
agropecuaria. La privatización comenzó en la era de Menem, en 1995, y nada se
hizo para renacionalizar el tramo navegable en ningún gobierno posterior.
Es un documental atrapante por la información que brinda, indicando un intenso
trabajo de preproducción, ubicación de testigos, grabación de testimonios, para
demostrar una realidad que es una pesadilla. Agil narrativa con variedad de
voces y un tema en común: qué estamos dispuestos a hacer como Nación.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
BERNARDETTE LA ESPOSA DEL PRESIDENTE
Dirección y Guion de Léa Domenach, coguionista: Clemence Dargent. Fotografía
de Elin Kirschfink, Montaje de Christel Dewynter, Música de Anne Sophie
Versnaeyen, Duración: 92 minutos.
XXX – CATHERINE DENEUVE EN NOTABLE ACTUACIÒN
Bernardette Therese Marie Chodron de Courcel de Chirac, hoy de lùcidos 91 años,
fue la esposa del controvertido presidente francés Jacques Chirac, hombre
misógino y corrupto que fue condenado a dos años de prisión sin cumplimiento por
coimas así como el mundo conoció sus “affaireS” con actrices de cine y teatro.
Su mujer, Bernardette, madre de sus dos hijas Y política también, fue la gran
desconsiderada por su propio marido y su entorno, en el que estaba su hija
menor. Su hija mayor, anoréxica, vivía fuera de la ciudad.
El desprecio de Chirac por su propia esposa a la que desvinculaba de todos los
actos oficiales llevó a Bernardette a rebelarse sin perder el formalismo y tomar
un camino de evolución y popularidad en solitario. De esa manera logró más
aceptación de la gente que su marido, ayudándolo a que no perdiera la segunda
presidencia, a la que finalmente tuvo que dejar por salud. Jaques Chirac gobernó
Francia entre 1995 y 2007, falleciendo en el 2019.
La gran Catherine Deneuve, considerada el icono francés del cine, encarna a
Bernardette componiendo un rol que oscila entre la adustez de una mujer
despreciada y la timidez exacerbada por la situación social que vivía. Para más
claridad, el bullying de su marido, de su hija menor, del entorno político de
Chirac. Para las guionistas, una de ellas la joven directora Léo Domenach, la
psicología de Bernardette respondìa a las de sus abuelas, es decir, una
mentalidad anticuada, sujeta a las decisiones del hombre de la casa. Sin
embargo, ya cursando la tercera década del siglo XXI no puede decirse que haya
cambiado mucho la situación femenina en la realidad. Hay leyes, hay
empoderamiento, todo muy favorable, pero en los hechos la mayoría sigue siendo
Bernardette.
El clima logrado por Domenach es clásico, una biopic de puro estilo francés,
detallista, elegante, pausada, permitiendo que sus personajes se desarrollen en
los aspectos pautados en el guion: Chirac como misògeno, corrupto e infiel, y
Bernardette como mujer culta, de buenos modales y respetuosa de la autoridad a
la que enfrenta con sutil picardía. Sin dejar de lado los cargos políticos
menores que ocupó a lo largo de su vida incluso durante la presidencia de su
marido.
Es una pintura de época muy lograda tanto de la Francia de esos años como de un
lugar poco conocido por el común de la gente: el Eliseo, residencia del
presidente de Francia. Varios logros tiene entonces esta película: desde la
elección del elenco hasta el clima de creciente interés por la actividad de
Bernardette. Y aquí, una vez más, se destaca el histrionismo de la Deneuve, que
con solo un mohín marca un sentimiento profundo. Leo Domenach desnuda la cara
oculta de la política de su país.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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JUEVES 17 DE OCTUBRE DEL 2024
1.- ALAS BLANCAS. De Marc Foster, con Hellen Mirren.
La crítica internacional es relativamente benévola con este film donde una
abuela, encarnada por Hellen Mirren, le cuenta a su nieto su experiencia durante
la ocupación nazi en Francia. El jovencito fue expulsado de su colegio y siente
que lo rechazan de todas partes. Para algunos periodistas, es un film
aleccionador. Otros consideran que es una copia de la vida de Ana Frank,
mientras que, en general, se le reconocen elementos interesantes que siempre
pueden aportar algo al sentimiento del espectador.
2.- SONRÌE DOS, de Parker Finn, Con Naomì Scott.
Estamos ante la secuela del film Smile. Una famosa estrella de rock, Skye Riley,
a cargo de Naomì Scott, debe enfrentar un abrumador pesados que se traduce en
horrible presente para lograr enderezar su vida y su carrera.
3.-DALIA Y EL LIBRO ROJO, de David Bisbano, coproducción latinoamericana.
Animación sobre Dalia, hija de un famoso escritor fallecido, que debe finalizar
el libro de su padre.
4.-SIN CÒDIGOS
Ver crìtica
5.- ITZIA TANGO Y CACAO
Ver crítica
6.- EL REINO ANIMAL
Ver crítica
7.- EL APOCALIPSIS DE SAN JUAN. De Simon Delacre y Patricio Dondo.
Documental sobre ese libro sagrado, que intenta un viaje a través de las
misteriosas visiones que el santo dejara escritas.
8.- AVENTURAS CANINAS, EL MISTERIO DE LA CORONA,
Animaciòn de Vasillu Rovensky, Rusia.
Ver Crìtica.
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CRÌTICAS
REINO ANIMAL
Dirección de Thomas Cailley. Guion de Thomas Cailley y Pauline Munier.
Fotografía de David Cailley. Música de Andrea Laszio De Simone. Con Romain
Durin, Paul Kircher, Tom Mercier, entre otros. Duración: 127 minutos. Francia.
XXXX – FÁBULA SOBRE UNA PANDEMIA QUE BESTIALIZA
Los virus que nos pueden transformar en zombies ya se agotaron tanto como los
aliens dentro del mundo fantástico cinematográfico. En cambio, la propuesta del
francés Thomás Cailley es muy novedosa al encarar un virus diferente porque
provoca una enfermedad que va “animalizando” al ser humano. Centra la historia
en el hogar de Francois (Romain Duris) que tiene internada a su esposa en un
Centro para Monstruos y que vive con su hijo Emile, de 16 años, sobre el que
mantiene una atenta y tierna paternidad.
Algo empieza a sucederle a Emile en su cuerpo, uñas de lobro, una espina dorsal
que se agranda, y, en lugar de vello, un pelo duro similar al de un animal. Pero
no lo es, no pierde su cordura, enfrenta su enfermedad de una manera diferente
ayudado por su padre.
Por sobre las secuencias, algunas muy logradas como la del hombre pájaro que
encarna Tom Mercier y su amistad con Emile, hay varios subtemas inevitables:
Cailley no quiso entretener con una película de semi ciencia ficción sino que
apuntò alto, por sobre el guion, apelando a una fotografía clásica, a ningún
desborde melodramático, y a actuaciones sólidas, creíbles y esencialmente
carismáticas. Es decir, Cailley está diciendo que el hombre común, cualquiera de
nosotros, se animaliza cada dìa más conviviéndose en una suerte de pandemia de
la que todavía no nos damos cuenta. La bestialización que, por otra parte, es
nuestro propio origen animal, es cuestión de escaso tiempo para un mundo
manejado por poderosos con el espíritu ya enfermo. Falta poco.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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SIN CÓDIGOS
Dirección y guion de Thomas Arslan. Fotografía de Reinhold Vorschneider. Edición
de Reinaldo Pinto Almeida, Música de Ola Flottum. Con Misel Maticevic, Marie
Leuenberger, Alexander Fehling, Tim Seyfi, Marie Lou Sellem, entre otros.
Duración: 101 minutos.
XXX – UN POLICIAL COMO LOS DE ANTES
Invitado frecuente a la Berlinale, el director y guionista Thomas Arslan llega
con un policial como los de antes, sin aspavientos hollywoodenses sino con una
trama trabajaba palmo a palmo en cada secuencia, recayendo en su protagonista,
el alemán Misel Maticevic de ascendencia croata, el peso de la historia. Como en
la mìtica “Rififí” de 1965, “Topkapi” de 1966 o “The Thomas Crown Affaire”, de
1999, aquí la cuestión es un atraco peligroso. Y justamente Trojan (Misel
Maticevic) regresa a Berlín tras 12 años de ausencia para ayudar en este hecho
delictivo.
Entre Berlín y Branderburgo, la historia va mostrando el rearmado del grupo de
ladrones, el contacto con el millonario, y el dinero a recibir por el “trabajo
sucio”, a través de una narración parsimoniosa y detallista, generándose un
clima de tensión creciente.
Da la impresión de que no hay nada nuevo bajo el sol, pero la novedad está en el
“cómo” se cuentan los hechos. Es decir, Thomás Arslan tiene en su guion a
ladrones, el objetivo de un robo, el millonario contrabandista y el contacto
también. Pero no se queda en el armado solamente de la historia sino que da una
vuelta de tuerca generando una parábola en la que se luce el protagonista. O sea
que trabaja una historia a medida del rostro hierático de Misel Maticevic y de
su enorme capacidad para hacérselas con un personaje que esconde sus traumas
tras la fachada de indómito duro. Nada es perfecto, surgen conflictos
inesperados que aumentan la tensión. Pero la habilidad narrativa de Arslan
permite que Trojan, por sobre el hecho en sì, sea el héroe de un policial como
los de antes, al que no le falta nada, que mantiene la atención de principio a
fin, con una fotografía con toques minimalistas. En definitiva, un buen policial
no se le niega a nadie.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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ITZIA, TANGO Y CACAO
Dirección de Flora Martínez, Guion e historia original de Josè Reinoso, Con
Flora Martínez, Gerardo Romano, Hermes Camelo, Julián Díaz, Patricia Ercole,
Carmiña Martínez, José Acosta Soto, Ana Wills, Julio Pachòn, entre otros.
Fotografía de Robespierre Rodríguez, Sonido de Sebastián Pérez Bastidas. Maestra
de Señas: Lorena Bastidas. Música de José Reinoso (inclusión de temas de Carlos
Gardel, Matos Rodrìguez, entre otros autores). Duración: 88 minutos. Colombia.
XXX – POEMA TANGUERO SOBRE EL AMOR FILIAL
Hay historias pequeñas, sencillas, sin pretensiones, genuinas que, en verdad, se
agradecen. Es el caso de Itzia, nombre de la protagonista a cargo de Flora
Martínez (directora y actriz de la película, reconocida tanto en los Estados
Unidos como en España, protagonista de “Rosario Tijeras”, film colombiano que la
catapultó a la fama internacional), donde una pequeña que acompaña a su padre
bandoneonista en un pueblo de Colombia se escapa del “bailongo”, perdiéndose
contacto entre ambos. “Rubén”, encarnado por Gerardo Romano, regresa a Buenos
Aires con el dolor de la soledad: sin esposa y sin su hija, que quedó sorda.
La propuesta es esencialmente poética, basada en una historia del compositor
José Reinoso a quien pertenecen la mayoría de los temas que se escuchan, todos
ellos de una simplicidad profunda y bella a la vez.
La narración nos pone frente a una protagonista sorda que tiene grabada en su
mente la melodía de un bandoneón, y esa música viene del sur de Colombia, tal
vez más al sur todavía. En Buenos Aires, su padre pone en venta el instrumento
aunque ensaya algunos compases de vez en cuando. Itzia siente en su alma el
sonido de ese bandoneón.
Parece imposible que ambos protagonistas puedan reencontrarse. Pero la narración
tanto literaria como cinematográfica tiene artilugios y pueden superar cualquier
unidad de tiempo y espacio. Las elipsis colaboran en el armado de esta singular
historia de amor familiar en la que sobresale Gerardo Romano como Rubén, el
padre angustiado por la niña que perdió y la misma Flora Martìnez como Itzia,
directora y protagonista, como la treinteañera sorda que lleva en su alma el
sonido del bandoneón paterno. Mientras se gana la vida como recolectora de las
enormes vainas de cacao, Itzia tiene una meta muy clara que cumplir. Y Rubén,
por su parte, lucha por recuperar el tiempo perdido, teniendo en su bandoneón
una especie de lámpara de Aladino.
Filmada en Colombia, en diferentes localidades al norte de Bogotá, Itzia ofrece
en varias secuencias la riqueza visual de las plantaciones de cacao, acompañada
por una banda sonora muy porteña. La directora Martínez enfoca la propuesta en
la evolución de sus personajes por sobre el planteo escenográfico. Y justamente
el encanto de esta película está en ese grupo de seres de ficciòn que luchan por
superar las pérdidas y ganar la batalla de la resiliencia. No hay aquí un
descubrimiento narrativo. Itzia busca otra motivación en el espectador, es una
película para dejarse llevar por los sentimientos, para emocionarse, lejos de
toda crítica convencional. Seguramente el secreto del guion está en ese puñado
inasible de esplín que el tango deja en el corazón.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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AVENTURAS CANINAS, EL MISTERIO DE LA CORONA
Animación de Vasilliy Rovensky, Rusia.
XXX – PAN Y TECHO PARA TODOS EN EMOTIVA ANIMACIÒN PERRUNA
De Rusia llega esta simpática animación sobre Samson, perro vagabundo que lidera
una pequeña banda de “robacomidas”. Samson siempre escapa de las perreras y no
encuentra mejor lugar para esconcerse que la Opera Metropolitana donde se ofrece
el ballet “Carmen”. En su deambular, entra al camarìn de la primera bailarina
donde está la coqueta perrita Margò, a cargo del cuidado de la “corona” de la
Reina de Inglaterra que, en el siguiente acto, su dueña deberá lucir. Un ladrón
aprovecha la soledad del camarìn, olvidándose de que hay dos presencias
perrunas, y roba la corona.
Aquì comienza la verdadera aventura de Samson, Margó y los amigos, que deberán
sortear desde la perrera hasta la cárcel, el odio del carnicero al que le roban
comida, y descubrir dónde está escondida la corona para llegar a tiempo al
teatro y que nadie se dé cuenta de lo ocurrido.
Simple, directa, simpática, hace honor a una gran tradición rusa, el ballet
(famoso el teatro Bolshoi de Moscù y su ballet que en plena guerra fría visitò
nuestro país). Llama la atención la tarea de Samson, el perrito protagonista,
antes de conocer a Margo y es robar comida para los perros callejeros a los que
les organiza, junto a sus amigos, un comedor al aire libre haciéndolos poner en
fila para darles su ración. Este tema hace la gran diferencia con todas las
propuestas animadas que hemos visto: la pobreza, la falta del pan diario,
alcanza a todo el mundo y, en una animación tradicional, asoma el tema con
crudeza, siendo además la forma de vida del protagonista, o sea, ayudar a los
sin techo.
Sencilla, clásica, emotiva animación con un tema muy actual: pan y techo para
todos.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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JUEVES 10 DE OCTUBRE DEL 2024
1.- ROBOT SALVAJE
La crítica extranjera considera a esta animación como tierna y conmovedora,
que tiene un gran mensaje comunitario. Es una nueva adaptación de del best
Sellers de Peter Brown, llamado Robot Salvaje La aventura épica del robot Rozzum
unidad 7134, llamado Roz de manera abreviada. Se atribuye su atractivo al elenco
de primerísimas voces que supieron darle un clima especialmente cálido a los
personajes
2.- EL ASESINO DEL JUEGO DE CITAS, de Anna Kendrick, actriz devenida en
directora que acaba de presentar este tremendo thriller, según la crítica
extranjera, en el festival de cine de Toronto. Lleva a la pantalla un tremendo
caso policial real: el de una joven que se topa con un amable fotógrafo, Alcalá,
desconociendo su pasado como asesino serial. Fue condenado a muerte y aùn hoy se
desconoce la cantidad de asesinatos que cometió.
3.- MY HERO ACADEMIA: AHORA ES TU TURNO, de Kenji Nagasaki.
Animación con personajes y acción trepidante. Se basa en el manga creado por
Kohei Hurikoshi y ahora llevado al cine. El bien y el mal se enfrentan, su
persona es Deku y, como toda animación japonesa, tiene fanáticos. La crítica
internacional la calificó prácticamente como extraordinaria.
4.- EL BELLO VERANO
Ver crítica
5.- BAJO NARANJA, de Michael Taylor Jackson
Sobre un mochilero californiano que viene a nuestro país a rendir homenaje a
quien fuese al suyo en 1818.
6.- AZÙCAR Y ESTRELLAS, de Sebastiàn Tulard.
Ver crìtica
7.- TRANSMITZVAH, de Daniel Burman.
Esta película llega pronto a la plataforma Netflix, oportunidad en la que la
veremos y comentaremos en esta sección.
CRÌTICAS
EL BELLO VERANO
Dirección y guion de Laura Luchetti. Con Yle Vianello, Deva Cassel, Nicolás
Maupas, Alessandro Piavani, Adriàn Dewitte, Cosima Centurioni, Gabriele G.
Gasco, Anna Bellato, Andrea Bosca. Fotografìa de Diego Romero Suàarez, Ediciòn
de Simona Paggi, Mùsica de Francesco Cerasi, Vestuario de Marìa Cristia La
Parola, Duración 111 minutos.
XXXX – DELICADO PRECIOSISMO NARRATIVO
Sensual, fresca, atrapante, es este bello film de Laura Luchetti basado en la
vida de una chica campesina, Ginia, encarnada por Yle Vianello, que va a la
ciudad con su hermano Severino (Nicolas Maupas), a trabajar. Ambos están en la
edad de enamorarse, de experimentar nuevas sensaciones. Serà Ginia quien más se
aventure a través de su amistad con la insinuante y bella Amelia (Deva Cassel),
que posa desnuda para los pintores bohemios de ese año, 1938, en una Turín que
aun desconoce la furia de la guerra que se avecina.
La realizadora Laura Luchetti trabaja esta historia como una égloga literaria,
es decir, traspasa al cine ese ambiente bucólico con dejos pastoriles en medio
del deseo ardiente de amor de sus protagonistas. Lo prohibido, lo real, lo que
se puede, lo que no conviene, cobran vida en el sugestivo rostro de Yle
Vianello, de tez muy blanca, rasgos rotundos y ojos muy celestes. Es en verdad
un hallazgo por su interpretación y por su belleza inusual.
Morosa, delicada, la narración nos lleva de la mano por este despertar al mundo
de Ginia de la mano de Amelia, quien pronto pagará su desparpajo. Hay secuencias
de gran poesía y ternura como el abrazo desesperado de Ginia a su hermano
Severino, o el caminar de Ginia por un sendero nevado, tratando de hacer pie en
la conmoción interior que vive a igual que los demás personajes.
En verdad, este tipo de historias parecieran responder a otros tiempos. Sin
embargo, el melodrama basado en la búsqueda personal de sus dos protagonistas
tiene un profundo sentido atemporal. Se dio en aquella Turìn como se puede dar
hoy, habrá otros contextos, pero los sentimientos son siempre los mismos, los
temores, las ansias, el erotismo, la diversión.
Deliciosa propuesta, diferente, con personajes e historias verosímiles aunque se
den en el siglo pasado: el despertar del amor es siempre el mismo, la adultez,
la maduración por la experiencia, no difieren, en todo caso tienen otro ropaje.
Insinuante con un delicado preciosismo narrativo.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
ENVIDIOSAS
SERIE DE NETFLIX, 12 CAPÌTULOS DE 30 MINUTOS.
Producciòn de Adriàn Suar. Top Five de la plataforma
XX – INSOPORTABLE NERVIOSISMO INTERPRETATIVO
Que se vea en todos los continentes de habla hispana como “novedad”, y que sea
traducida a otros idiomas, no le quita a Envidiosa la calificación de
insoportable que le estamos dando.
Debe ser la primera vez que Griselda Siciliani, en el rol de Vicky, una mujer
divorciada que no logra armar otra pareja, está realmente insufrible
“escupiendo” letra, sin componer un personaje desde adentro, es decir, desde lo
estrictamente actoral. Es más, se nos ocurre verla como la sosìas de Adriàn Suar
quien tiene esa característica de hablar sin parar a lo Woody Allen, salvando
las insondables diferencias entre ambos.
Los doce capítulos se pasan rápido, se pueden maratonear. De esta manera vemos a
Vicky hablar sin parar con su psicòloga, mientras se enamora de Nicolás
(Benjamìn Vicuña), y tiene un vecino cariñoso, Matìas (Esteban Lamothe), que la
contiene y la soporta. La incontinencia verbal de Vicky es continua, no tiene
momentos de tranquilidad, por lo que este nerviosismo interpretativo, impuesto
por el guion, se traslada al espectador.
No hay profundidad. Son personajes que se hilvanan por lo más elemental: porque
son vecinos, son ex parejas, pero sin ir más allá, es decir, sin que exista
ternura, meditación, arrepentimiento. Solo hablar sin parar de parte de Vicky, o
sea de Griselda Siciliani, en el peor papel de su vida.
El único personaje que trasluce ternura, algo más que parlamentos agobiantes, es
Matìas, o sea el de Esteban Lamothe. Entendemos la necesidad del público de ver
ficción con nuestros artistas. Pero no por esta íntima convicción de defender
nuestros valores artísticos hay que tolerar cualquier cosa y callar. Esta
miniserie es de las peores que hemos visto, aunque ocupe los primeros lugares
aquí y en el mundo. Es tan solo curiosidad que se verá defraudada al final.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
AZÙCAR Y ESTRELLAS
De Sebastièn Tulard. Basado en el libro de Yazid Ichemrahen titulado “Un
reve d’enfant etoilè”. Con Riadh Belaiche, Loubna Abidar, Marwan Amesker,
Dicosh, Phenix Brossard, Pascal Legitimus, entre otros. Cinematografìa de Pierre
Dejon. Mùsica de Brice Davoli. Ediciòn de Marielle Babinet. Duraciòn: 110
minutos.
XXXX – LA SUPERACIÒN DEL ABISMO ESPIRITUAL
Un film sobre pasteleros brillantes no es novedad entre las historias llevadas
al cine. En el caso de “Azùcar y estrellas”, traducción literal del título en
inglés, este film francés hace la diferencia. Transforma la historia de un chef
ganador del campeonato mundial en postres sobre hielo en el 2014 en un ejemplo
de superación, de búsqueda de la excelencia, de objetivos artísticos por sobre
la realidad misma.
Estamos ante la biopic del afamado Yazid Ichemrahen, de poco más de 30 años,
marroquí que logró superar los trastornos psicológicos de su madre, el paso por
un reformatorio, y aceptar la calidez del hogar de adopción para cumplir con sus
sueños de ser un gran chef, el mejor de todos. El mismo protagonista real
colaboró en la realización del guion componiendo su rol el reconocido influencer
Riadh Belaiche, quien se dejó conducir por el realizador Sebastián Tulard en la
difícil composición del personaje.
Amante de la cocina desde niño, en especial de la pastelería, Izad se enfrenta a
un destino muy poco propicio para cumplir con su sueño, pero lo logra a fuerza
de un gran sentido de salvataje espiritual, dando manotazos sobre el borde de
abismos para no caer, para subsistir y ser el mejor.
Hay varios factores que hacen diferente a esta propuesta: en principio, tiene un
80 por ciento de realidad, el resto está formado por los elementos de ficción
que ayudaron a elaborar el guion. Otro aspecto interesante es la fruición visual
del director Tulard para mostrar las creaciones gastronómicas. Y un elemento de
cohesión entre el pasado y presente de Yazid es su encuentro con el orden, con
el sistema de trabajo, con el respeto a las jerarquías que, vale la pena
recordar, fueron creadas por Napoleón Bonaparte, llamando “brigadas” a los
equipos de cocineros destinados a salados o dulces (esquema rìgido que se repite
en profesiones como el periodismo gráfico).
Hay consustanciación entre el guion y el protagonista, el primero no tiene
saltos entre flashback y el presente, mientras que el segundo logra una
performance propia de un actor de fuste. Por lo tanto, hay una excelente
dirección actoral aunada a la ductilidad de Riadh Belaiche, gran revelación. Una
muy buena puesta, una meticulosa dirección de arte, un guion sólido, son los
ingredientes de esta película que emociona; nos cuenta la historia de un
treinteañero que es real y que engalana la cocina de los mejores restoranes del
mundo.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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JUEVES 3 DE OCTUBRE DEL 2024
"INFORME DE ELSA BRAGATO - JOKER, FOLIE À DEUX"
Para este jueves solo se anuncia el film “Joker, locura de dos”, secuela de
“Joker” que se estrenó en el 2019 y afianzò la enorme carrera de Joaquin Phoenix
como uno de los actores más notables de su generación. En esta segunda parte
está acompañado por Lady Gaga (ha demostrado ser una muy buena actriz además de
excelente cantante), Brendan Glesson, entre otros.
Esta sección no tuvo acceso al link para visionar pero sì hemos investigado lo
suficiente como traerle a nuestro público la opinión de grandes críticos del
mundo.
Recordamos que la primera película terminó con un caos social que a muchos, y
nos incluimos, nos dio la impresión de la verdadera locura de Arthur Fleck
(Phoenix): el bullying, el desprecio social en todos los aspectos de su vida, el
sentimiento de redimirse aunque significara matar.
El film comienza, en esta secuela, con Arthur internado, y con situaciones
movilizadoras como conocer el amor y también la música, incluso la que él siente
en su alma y que nunca expresó.
Para Luis Martínez, de Diario El Mundo, reconocido crítico español, se trata de
una película “deslumbrante e irregular a la vez, desquiciada pero que, en
definitiva, resulta admirable”, producción dirigida por Todd Phillips, quien fue
también coguionista. Aclaramos que el personaje no es propio sino que pertenece
a DC Cómics.
En las críticas de varios periodistas internacionales hay una coincidencia:
irregularidad pero también creatividad superlativa tanto de la historia como del
personaje aunque se desdibuje el inicial, el que conocimos en “Joker”. Es como
darle la oportunidad de redimirse de su dolor vengativa en esta secuela. Veamos
otras opiniones:
Tomasso Koch, de Diario El País, aplaude “la libertad creativa” pero reconoce
que se aparte del “Jocker” inicial, observa un “puzzle” y también secuencias del
desenlace que van directo al corazón y la mente de cada espectador.
Manu Yàñez, de Fotogramas, opina que es un “deslumbrante musical” con un
comienzo fatalista, aunque en ningún momento le falta una profunda humanidad
(característica de todo personaje que realice Joaquìn Phoenix).
Son muy pocos los críticos de fuste que no ven en esta secuela una creación
aceptable o potente. Nosotros, que no la vimos, pensamos en que a Jocker se le
está danto la oportunidad de ser mejor, de que la vida le acerque oportunidades
benignas, y que del odio y la venganza se puede salir aún en medio de un estado
mental desordenado.
Por sobre cualquier consideración, tengamos en cuenta que está Joaquín Phoenix
quien es un actor muy especial, de una sensibilidad poco habitual, más cercano a
la locura histriónica de Marlon Brando que a la del potente Robert De Niro. Por
sobre su capacidad para “hacerse” de los personajes, de trabajarlos, de
componerlos, hay un don para sentir la vida muy personal, traspasa la pantalla.
Por lo que sus personajes jamás pasan desapercibidos. Nosotros, sin haber visto
el film, le damos toda la credibilidad al actor. Recordemos su espectacular
actuación en “Her”, un film poco recordado que estuvo nominado a los Oscar.
Asombroso siempre Phoenix.
Para finalizar, ofrecemos los datos de “Joker”, traducido como “Guasòn” o
“Comodìn”. Fue creado por Bill Finger, Bob Kane y Jerry Robinson, y apareció en
el primer folletín de Batman en 1940, que publicó DC Cómics.
Tuvo a notables en su creación, pero destacamos como el más famoso con Jack
Nicholson, y la performance del malogrado Heath Ledger, el actor australiano
fallecido en el 2008, que fue premiado postmortem. Ese “Joker” es la base del
rol que compone Joaquìn Phoenix, dándole una impronta única.
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ATAHUALPA YUPANQUI UN TRASHUMANTE
Documental
De Federico Randazzo Abad. Con Antonieta P. Nenett Fitzpatrick, Isabel Aretz,
Sergio Pujol, Roberto Chavero, Schubert Flores Vasella, Fabiola Ar., Patrick
Clonrozier, Jean Marc Gardeux, Jiro Hamada, Jacqueline Rossi, T. Takado, entre
otros. Equipos técnicos de Argentina, Francia y Japón. Diversos Archivos del
artista y Archivo General de la Naciòn. Duraciòn: 95 minutos.
XXXX – DE COPLAS, EXILIOS Y AMORES
Más que interesante documental, rico en investigación periodística, señala con
bastante certeza los diferentes aspectos de la vida del gran Atahualpa Yupanqui,
nacido en Campo de la Cruz, de la provincia de Buenos Aires en el seno del hogar
formado por un mestizo de Santiago del Estero y una madre de origen vasco.
Diferentes voces van sumando aportes muy enriquecedores sobre la vida de don
Ata, un hombre de carácter muy fuerte, tal como lo conocimos, que anduvo a
caballo cerca de 18 años recorriendo el país. Tenía la necesidad atávica de
conocer su tierra, sus decires, sus cantares. En el Noroeste encontró una gran
fuente de inspiración, zambas de origen europeo como bagualas bien nuestras.
Tuvo una vida intensa en los personal y profesional, se casó con su prima María
Alicia Martínez, con quien tuvo tres hijos, abandonándola por la francesa
Nenette, con quien vivió 48 años tanto aquí como en Francia. El hijo de ambos,
Roberto, aparece en este documental relatando la vida en común en la casa de
Cerro Colorado, donde hoy descansan sus cenizas a los pies de un roble francés.
Sobre don Ata, nombre que adoptó luego de conocer su etimología ligada a la
tierra misma, van hablando personalidades del país, de Francia, de Japón.
Recorrió el mundo con su guitarra y asombró hasta al eximio Narciso Yepes: tenía
el secreto de un vibrato especial, aprendido de las primeras clases que tomó de
violín siendo chico.
Lo recordamos muy severo, actitud que solo se ve en una secuencia de este
documental, y siempre pidiendo “permiso para encontrarme con los duendes antes
del show”. De gran sentido social, se afilió al partido comunista, pero se
desafilió en 1953 luego de padecer cárcel, como Osvaldo Pugliese, Francisco
Alvarenga, y tantos otros músicos, persecuciones y prohibición de actuar durante
7 años. Este período es el que recuerda su hijo Roberto como el más familiar por
el disfrute del padre en casa.
El material propuesto por el director Francisco Randazzo Abad tiene un altísimo
valor biográfico: para cerrar tan rica historia, aparece su asistente y última
compañera, la francesa Jacqueline Rossi, encargada de cumplir su último pedido
que fue descansar para siempre en la casa de Cerro Colorado.
Atrapante la figura y los dichos de Yupanqui, surgen frases que golpean el
sentimiento como las palabras de un viejo gaucho que el artista recuerda: “Decía
que el hombre es tierra que camina”, o trastocar con picardìa al filósofo
Descartes diciendo “Pienso, luego exilio” y algo que llega rápidamente al
sentimiento: la captación del alma de la tierra profunda. Esta aptitud fue la
razón de su éxito internacional: no era necesario que un erudito japonés lo
entendiera, como bien lo dice, sino que lo sintiera.
Como hubiese soñado Don Ata, se unen sus sueños con los datos de su vida que
nunca ocultó: se dedicó a estudiar la rítmica y el sonido de la gente simple
conocida a la vera de los caminos que recorrió. En estos aspectos reside el
secreto de su enorme obra etnológica que Randazzo Abad capta con claridad,
dándole al valioso material el sentido que su protagonista le otorgó, el de la
comprensión de las culturas ancestrales. Excelente realización enriquecida con
filmaciones de época, presentaciones de Yupanqui, reportajes más actuales, y
testimonios de nuestro país como de Francia y Japòn. Se destaca la hilación
argumental tanto como el trabajo de pre y postproducción. De visión obligatoria.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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ROMINA SMILE
De Pablo Stigliani. Con Martina Gusmán, Vladimir Durán, Miranda Castiglione,
Román Almarez, Rocío Pardo, Catalina Motto, Javier Niklison y María Ursi, entre
otros. Fotografía de Luis Sens y Federico Martini, Sonido de Juan José Suarez,
Nicolás Giusti y Flavio Nogueira, Arte de Miranda Pauls, Duraciòn:103 minutos.
XXX – UNA VERDAD SOCIAL SIN VUELTAS
“Romina Smile” es el tercer largometraje de Pablo Stigliani que muestra
interesante sentido estético en varias secuencias siguiendo a su protagonista,
Martina Gusmán en el papel de “Romina”, la chica de la sonrisa. Con pantallazos
va mostrando de manera lineal la lucha por tener trabajo en un país cada vez más
difícil. “Romina” tiene un hijo gay, una pareja ocasional, un padre que
esporádicamente hace las veces de abuelo cariñoso, y un grupo de promotoras
amigas guiadas por quien maneja el negocio. La edad va siendo un impedimento
para sonreírle a los empresarios y el camino se va cerrando hacia lo menos
deseado por las mujeres.
Stigliani muestra una verdad social que golpea brutalmente a diario. Los
conflictos aparecen quebrando la monotonía de la historia, centrada en el
sugestivo rostro de Martina Gusmán. Y se suceden los lugares comunes como los
desayunos, los almuerzos, la charla más que elemental entre madre e hijo, y
secuencias un tanto innecesarias como la del abuelo cantando a viva voz. Estas
situaciones rompen, en verdad, el lento trajinar argumental pero no aportan
elementos que puedan sumarse a la historia personal de “Romina”; en todo caso,
se tornan en elementos ocasionales cuya inclusión es absolutamente optativa. La
base del film está en Martina Gusmán: es por obra y gracia de esta bella y gran
actriz que la propuesta de Stigliani cobra matices, saliendo de ese clima
monótono que mantiene de principio a fin. Resulta poco verosímil que la
desesperación por tener un peso para subsistir y ayudar a un hijo en un tramo
difícil de su vida se manifieste de manera apática. De allí que, si bien hay
hallazgos visuales, hace falta un soporte corpóreo o carnadura a la ficción. La
entrada y salida eventual de personajes que repentinamente desaparecen tampoco
favorece al film que tiene todos los condimentos para ser una denuncia social
sin caer en la demagogia.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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ALGÚN DÌA, EN ALGÚN LUGAR
Dirección y guion de Ricardo Preve. Documental, Fotografía de Leonardo Val,
Música de Andrés Rubinsztein, Sonido de Sebastián Lipszyc, Arte de Graciela
Fraguglia, Edición de Gustavo Despouy, Duraciòn: 97 minutos.
XXX – SER EN OTRO PAÌS
Ser migrante no es cuestión fácil mientras se están viviendo grandes migraciones
en todo el mundo. El origen está en la violencia y en la falta de trabajo en los
propios países y continentes, sea América Latina, el Caribe o África. Ricardo
Preve, reconocido primero como ingeniero agrónomo hasta que en el 2001 se inició
en el cine, cuenta la historia de otros migrantes-inmigrantes a los Estados
Unidos partiendo de su propia experiencia. Llegó en 1976 al país del Norte sin
saber el idioma, sin visa, sin ningún papel que le permitiera trabajar. Y sin
embargo la pudo hacer. Reconoce que en aquellas décadas el clima social hacia el
migrante era diferente, amable. Pero que en 20 años cambió rotundamente. Hay
discriminación, hay insultos al inmigrante latino, en cada uno de ellos se ve a
un eventual asesino, o violador o saqueador. Pero, tal como van mostrando las
entrevistas a cámara en blanco y negro, ninguno de ellos, mujeres y hombres,
llegó porque quiso sino escapando de grandes males sociales, hasta de la muerte.
De esta manera, se suceden las entrevistas a Nelson, Rocío, Jennifer, Alba,
María, Silvestre, Jonathan, Giovanni, entre otros, que cuentan el sufrimiento de
dejar sus costumbres y sus raíces y la voluntad de trabajar en otro país
haciendo lo que los nativos no hacen.
Si bien Preve trabaja con ejemplos del estado de Virginia, hemos visto lo mismo
en California como en la Florida. Hay elementos comunes a todos: la carencia del
idioma del país en el que desean vivir. Pero antes se daba una mano al que no
sabìa, hoy en dìa los políticos estadounidenses levantan muros, deportan como
Barak Obama, o pergeñan reglamentaciones en contra de los migrantes como Clinton
y Bush. En verdad, los Estados Unidos se hicieron con los inmigrantes. La
población autóctona prácticamente no existió. Los irlandeses con la hambruna,
como el director de cine John Huston retrató siendo irlandés, hasta hoy, donde
columnas multitudinarias de migrantes centroamericanos se animan a caminar miles
de kilómetros para ingresar como puedan a los Estados Unidos, cruzando el famoso
Río Bravo o cayendo bajo las balas de los guardianes de la frontera de Texas.
Las historias se repiten y las preguntas rondan los mismos aspectos: la gran
falacia de los políticos latinoamericanos, africanos, orientales, basada en el
no cumplimiento de promesas electorales y en el provecho económico propio.
El blanco y negro que utiliza Ricardo Preve da relieve a las historias de los
entrevistados: muchas conmueven por la sencillez con que se presentan, por la
humildad de sus respuestas, por las necesidades que manifiestan. En este sentido
Preve no hizo variedad de tomas, Le dio primacía a la palabra antes que al
alarde técnico, potenciando el material con el uso del blanco y negro. Solo en
el final el color aparece en los rostros y vestimentas de quienes se prestaron a
dar su testimonio. Resulta un documental vibrante y conmovedor que visibiliza el
trabajo del migrante: nadie es instrumento para que otro se enriquezca, todos
somos seres humanos construyendo la vida codo a codo. Documental de mensaje muy
claro, que humaniza situaciones y personas conocidas a diario por todos.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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A TRAVÉS DE LA TIERRA
(Este documental estuvo previsto la semana pasada. Se reanunciò su estreno para
hoy, por lo que repetimos la crítica)
De Malena Bystrowicz y Loreley Unamuno. Con Elìa Blanca y Patzi (Marquez Tarifa
y Roque). Sonido de Martìn Méndez, Imagen de Luján Montes, Mùsica de Santiago
Pedroncini. Duraciòn: 78 minutos.
XXX – DEL SUFRIMIENTO SOCIAL DEL MUNDO
El documental de Bystrowicz y Unamuno presenta el caso de Balcan y Patzi que
dejan su Bolivia natal, ésa de las casitas de adobe, la pobreza honrosa, y los
ritos ancestrales, por la vida en nuestra ciudad. Allá no encuentran trabajo,
aquí sufrirán desde la esclavitud en las casas clandestinas de costura de ropa
hasta represión. Pero no abandonan su cultura, el respeto por los ancestros, el
recuerdo cotidiano por quienes ya no están, y tienen como sentido social que lo
que se tiene es para todos. En Bolivia, fueron las plantaciones. Aquì, en los
barrios carenciados, es el plato de comida en amplios comedores. Al mismo tiempo
la vida en la ciudad las acerca a los grupos de lucha de las mujeres trans, de
distintos colectivos sociales en los que se van enrolando para ayudar, para
combatir por la justicia.
Por sobre las anécdotas, el recuerdo de ser “una mujer con falda en Bolivia” y
usar “pantalones en Buenos Aires”, y algunas tradiciones que van acomodando a la
nueva vida, está el problema del migrante. Con buena mano, los realizadores
trazan el circuito del viaje, la llegada, la aceptación de otras condiciones de
vida, hasta la rebelión. Pero, por sobre estos hechos que le dan fondo colorido
a la historia, está el quiebre interior del que deja su tierra para buscar un
mejor destino en otra extraña. Esto produce una escisión interna que no se
supera. Se está allá pero se vive acá. Y solo se logra superar si se alcanza una
simbiosis entre la vida de allá con la vida de acá.
Mientras en nuestro país tenemos la migración latinoamericana, en Europa pueblos
enteros de Africa y Medio Oriente inundan sus países escapando a las guerras y
la hambruna. Son sociedades sometidas al escarnio, a la tortura, a la falta de
trabajo, y de medios dignos de vida. Es la sociedad mundial que sufre ante unos
pocos que explotan. Porque, en verdad, por sobre la historia de estas dos
protagonistas, sobrevuela el dolor social del mundo. Bystrowicz y Unamuno toman
a dos personas integrantes de los éxodos actuales, que se transforman en la
síntesis, de la lucha social mundial por dignidad. Sin aspavientos, esta
historia es un ejemplo a tener en cuenta sintièndola en profundidad.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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JUEVES 19 DE SEPTIEMBRE DEL 2024
1.- TRANSFORMER ONE, de Joah Colley, Animaciòn.
Ya estrenada en el exterior, “Transformers one” nos revitaliza la enemistad
entre Optimus Prime y Megatron, el origen del odio, dando lugar a momentos
divertidos y, en general, a la demostración de las técnicas más avanzadas para
que dos muñecos virtuales tengan sus batallas cibernéticas. No hace mal, no
agrega nada. Puede distender.
2.-LA GEMELA DEL DIABLO, de William McCullough. Con Gena Shaw y D, West, entre
otros.
El traslado de una familia a la zona de Savannag (es parte del título en inglés)
se transforma en una tragedia. Perdieron a su hija más joven y en la casa que
compran encontrarán la presencia monstruosa de la jovencita. Escenas
espeluznantes. Para amantes del terror con ganas.
3.- THE BATMAN, de Matt Reeves, Con Robert Pattinson, Colin Farrell, Andy
Serkis, entre otros.
Se estrenó en el exterior y las críticas la aplauden a rabiar por ser más oscura
que la trilogía de Christopher Nolan (soberbia) y generar una profunda empatìa,
atrapante, fascinante, con el espectador. Pattinson casi casi en su salsa.
4.- LA SUSTANCIA, de Coralie Fargeat. Con Demi Moore.
Ya estrenada en el exterior. Se considera una espectacular actuación de Demi
Moore en un personaje que alcanza momentos “vomitivos”, desagradables, dentro de
la defensa del género femenino, contra la juventud que hace bullying a las
mujeres mayores. Para muchos críticos, resulta hasta “aberrante”, adjetivando de
esta manera una de las grandes cualidades del film. Se considera a Coralie
Fargeat como la gran promesa del cine de género.
-CRÍTICAS
UN SILENCIO
Dirección de Joachim Lafosse. Guion de Lafosse junto a Chloé Duponchelle, Paul
Ismael y Thomas van Zuilen. Con Daiel Auteuil, Emmanuelle Devos, Matthieu
Galoux, Jeanne Cherhal, Louise Chevillotte. Fotografía de Jean Francois
Hensgens. Montaje de Damien Keyeux. Música de Olafur Arnalds. Duración: 99
mintuos. Coproducción Bélgica, Francia, Luxemburgo.
XXXX – NOTABLE HISTORIA SOBRE LA CORROSIÒN DE LA PERVERSIÓN
Un guion a partir de su propia conciencia social es èste del director Joaquin
Lafosse que llega al cine como “Un silencio”. Con coguionistas de fuste, logra
un film muy inquietante que golpea las fibras íntimas de cada uno de nosotros
sobre la vulnerabilidad de nuestros hijos, la ausencia del Estado en momentos
claves, la escasa información sexual que se ofrece a los chicos, cobrando valor
aquello que nos decían las bisabuelas: “Nunca hables con un extraño, vení para
casa rápido”. Tan así es la vida en pleno siglo XXI que se muestra con una
colorida libertad: pero los hechos demuestran día a día que hay que echar mano
de la sabiduría de nuestros antepasados para sobrevivir.
En este caso, un notable abogado, Francois Schaar, encarnado por el prestigioso
Daniel Auteuil, defiende a criaturas abusadas, es famoso, las cámaras lo esperan
a la salida de su hogar. Todo pareciera ir sobre rieles. Hasta que es el mismo
director Lafosse (basándose en el caso de las niñas Julie Lejeune y Melissa
Russo, asesinadas por el pedófilo abogado que las defendía, Marc Dutroux) quien
echa a rodar la máquina narrativa. Conceptualmente tan profunda que hiere.
Lafosse no trabaja con los hechos, no cae en la curiosidad morbosa, sino que
muestra el desmembramiento de una familia una vez que los hijos de Shaaer
deciden ir a la justicia aunque hayan pasado más de 25 años. Sabían que su padre
era pedófilo, lo padecieron, mientras la madre callaba aún en los casos más
aberrantes. El clima es tenso siempre, se suman hechos, se descubren otros, y la
tragedia se avecina, es inexorable. Ya no se soporta la vejación ni la mentira.
En estos planos narrativos sólidos, Lafosse apoya su sutil trabajo con los
sentimientos, es decir, con la vergüenza que los hijos sienten, con la culpa de
la esposa, con el rostro de un hombre perverso que mantiene su máscara de
impunidad aún ante la justicia.
En rigor de verdad, es una película de sensibilidades expuestas en gestos, en
palabras, en miradas, sin exabruptos. El trabajo es actoral. El ritmo de la
cámara de Lafosse es continuo, genera el clima de lo inexorable. Maestría para
narrar una historia actual que nos duele diariamente.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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EL AROMA DEL PASTO RECIÈN CORTADO
De Celina Murga. Con producción de Martìn Scorsese. Con Marina Tavira y Joaquìn
Furriel, entre otros.
El film fue estrenado en el exterior. Aquí se dieron algunas privadas y no se
facilitó link alguno por temor a la piratería por lo que esta sección no tiene
comentario propio. En cambio, hemos recogido el de colegas extranjeros.
En líneas generales, se considera un buen producto pero “evasivo, frìo”, como
indica Owen Gleiberman de Variety, mientras que Mae Abdulbaki, de Screen Rant,
rescata la solidez de las interpretaciones y la profundidad alcanzada, notando
todos ellos y otros especialistas más cierta rigidez narrativa.
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TRAS LAS HUELLAS DE MENGELE
Dirección de Tomás de Leone y Alejandro Venturini. Guion de Tomás de Leone,
Alejandro Venturini, Diego Fernández Romeral. Fotografía de Nicolás Pittaluga.
Edición de Alejandro Venturini. Sonido de Francisco Seoane. Música de Manuel
Pinto.Duraciòn: 72 minutos. Productora Maia Menta.
XXXX - CAMINO AL INFRAMUNDO
Hablar del Holocausto nazi, remontarnos a la Segunda Guerra Mundial, a Hitler y
su SS, su servicio especial de inteligencia, es ir hacia el inframundo, hacia el
horror, hacia lo inimaginable y monstruoso. En este documental, de Leone y
Venturini hay un ingreso a ese camino tortuoso y lúgubre buscando la certeza de
la muerte de Josep Mengele, mano derecha de Hitler en el exterminio de judíos:
se calcula que unos 400 mil cayeron bajo sus garras. No fueron las únicas:
también se dedicó a la investigación sin anestesia en seres humanos,
especialmente criaturas y enanos.
Como tantos otros nazis, escapó hacia América Latina. En nuestro país lo tuvimos
durante un tiempo, modosito, levantando una casita, así como tuvimos a otros
nazis tales como Adolf Eichmann (su captura en 1960 por fuerzas israelíes
produjeron conmoción política. Y en los 90, se descubrió a Erich Priebke en
Bariloche, horca y cadena perpetua respectivamente).
Mengele vivió en el centro de Buenos Aires un tiempo, se indica un petit hotel
ubicado en Junìn casi Rivadavia como su “casa”. Pero pronto optò por Paraguay y
de allí al Brasil, donde eligió el pueblo de Embu. Muriò por un ACV nadando en
las playas brasileñas y fue enterrado en esa ciudad. El 6 de junio de 1984 se
ubicó su tumba, su hijo Rolf dejó su ADN, y se comprobó que eran los restos del
asesino nazi.
A lo largo del documental, se muestra paso a paso la reconstrucción de su
esqueleto, la rigurosa determinación de que el cráneo encontrado le pertenecía,
la reconstrucción de su rostro con métodos de aquellos años cuando la tecnología
actual lo haría en segundos. Todo indicó que Josep Mengele había muerto (aún en
los 80 se dudaba de su fallecimiento). Hay testimonios valiosos de verdaderos
genios de la ciencia internacional que colaboraron con grupos forenses
argentinos. Y este intercambio permitió que se formaran técnicos argentinos de
primer nivel, quienes ayudaron a identificar los restos del asesinato de 30 mil
personas por parte de la última dictadura cívico militar del país.
Secuencias de intensidad dramática son aquéllas donde una sobreviviente de
Auschwitz recuerda el rostro de aquel “Angel de la muerte”, de cómo logró
escapar mientras su hermana y su madre fueron a morir a las cámaras de gas de
Mengele. Aún hoy, lleva grabada la última mirada de su madre.
Es un documental muy claro, explicativo, que logra transmitir, a pesar de que se
vean reconstrucciones de esqueletos o bien exhumaciones de restos, el dolor por
el horror sufrido por millones de personas, hechos aberrantes que en nuestro
país se reprodujeron entre 1976 y 1982. En lo formal, es un film ágil que, al
ser tan didáctico, resulta muy interesante si bien se ingresa al inframundo, el
mundo del horror. Es de visión obligatoria, informa y enseña el valor del “Nunca
más”.
Elsa Bragato. ACtoresonline.com
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LOS TONOS MAYORES
Dirección y guion de Ingrid Pokropek. Con Sofía Clausen, Pablo Seijo, Lina
Ziccarello, Santiago Ferreira, Mercedes Halfon, Walter Jacob. Fotografía de Ana
Roy, Arte de Santino Mondini, Montaje de Miguel De Zuvirìa, Música de Gabriel
Chwojnik. Producción de Gong Cine, 36 Caballos y Jaibo Films. Duración: 100
minutos.
XXXX – LA MÙSICA COMO APRENDIZAJE DE LA REALIDAD
El primer largometraje de Ingrid Pokropek enlaza la música, sus tonos, con la
realidad y la fantasía: Ana, de 14 años, vive con su padre viudo, un artista
plástico de “novias de vez en cuando”, y tiene un metal ortopédico en su brazo
izquierdo a raíz de un accidente. De pronto se da cuenta de que los latidos de
su corazón no tienen nada que ver con las pulsaciones que le envía ese metal. Y
junto a una amiga empiezan a descubrir notas. ¿Quièn envía, son mensajes, es un
extraño còdigo? Lo que resulta a todas luces como un misterioso laberinto
musical irá traduciéndose en el camino hacia la adultez de la protagonista. Hay
música, hay tonos mayores, precisos, hay una canción en las notas que surgen de
su brazo y que aplicadamente Ana y su amiga ubican en un pentagrama. De pronto,
surge una lejana reminiscencia a Encuentro Cercano del Tercer Tipo de Spielberg
que se agradece porque tiene razón de ser en esta trama.
Bien podemos afirmar que entre lo místico y lo pragmático se mueve esta
narración de Pokropek para llevar a Ana a la comprensión de hechos dolorosos de
la vida tanto como a otros muy bellos. Es un camino que recorrerán juntos
protagonista y espectador.
La propuesta es, en sí, un obra muy diferente para el cine nacional. Pokropek
propone tratar poéticamente los temas cotidianos en toda su gama. Y no hay duda
alguna en esto porque su cámara apunta al expresivo rostro de Sofía Clausen,
haciéndolo lucir como retratos en precisos close up, tanto como la acompaña en
algún atardecer agónico. Es eso que decía Serrat: de vez en cuando la vida toma
con nosotros un café hasta que, parafraseando al notable cantautor catalán, la
realidad se impone y uno se da cuenta que se quedó sin el pirulìn. De esto trata
esta película que honra al cine joven nacional. Pokropek tiene audacia creativa
y calidad intelectual.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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JUEVES 12 DE SEPTIEMBRE DEL 2024
1.- LA SOMBRA DEL COMANDANTE, de Daniela Volker.
El título hace referencia directa a Rudolf Hoss, el comandante del campo de
Aushwitz, y, en este caso, al hijo de ese comandante que debe enfrentar la
sombra de su padre, la monstruosidad que hizo y el dolor inhumano que dejó. Es
un film atrapante pero también muy dramático sin caer en el amarillismo.
2- NO HABLES CON EXTRAÑOS, de James Walkins,
Con James McAvoy, Mackenzie Davis, entre otros.
Cuando la invitación de pasar un buen fin de semana proviene de recién
conocidos, si los personajes se adentran en zonas boscosas pero idílicas a la
vez, tenemos el resultado consabido: una historia de terror. Es el caso de este
film que recurre, con solidez y clishès, a un gènero que siempre es bienvenido.
3.-LA ESTRELLA AZUL, de Javier Macipe.
Con Pepe Lorente, Cuti Carabajal, Bruna Cusi, entre otros.
La acción se ubica en los 90 cuando un famoso roquero de España decide venir a
este continente para volcarse a la música y dejar una adicción. Aquì se
encontrarà con un viejo cantor al que ya nadie escucha y vive en la pobreza.
Pero algo surgirà de dos talentos musicales. Recordemos que es el caso de muchos
cantautores a quienes el autotun ha literlamente sacado del mercado.
4.- MI AMIGO EL PINGÜINO, de David Schurmann,
Con Jean Reno, Adriana Barraza, Nicolàs Francella, entre otros.
Con solo leer algunos créditos y ver al nuestro Nicolás Francella cerca del
notable Jean Renò bien se puede decir que la película ha ganado mucha empatìa.
Un buen señor rescata a un pingüino, y encuentra en este animalito a un amigo
leal. Lejos de caer en endulzamientos extremos, el film se transforma en una
historia armoniosa que hace bien a todo tipo de público, a todas las edades.
5.- EL AUGE DEL HUMANO 3, de Eduardo Williams
Es una supercoproducciòn que le permite a Williams deconstruir y construir una
historia cinematográfica a su manera. Por momentos, el grupo de personas que
participa en calidad de elenco es transportada de un lugar a otro viviendo
circunstancias muy diversas, para huir de la rutina, vivir intensamente la vida,
pero todo es un torbellino que aturde por momentos. En definitiva, dentro de lo
que aparece como incoherente, hay destellos de ocurrencia, de vivir otras
realidades. En verdad, todo ayuda a Williams para que pueda utilizar sus
técnicas cinematográficas ofreciendo un producto que se reconstruye a cada
instnate.
6.- RECUERDA
Ver crítica.
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CRITICAS
RECUERDA
Dirección y guion de Melina Terribili. Cámara y fotografía de Terribili, Sonido
de Gaspar Scheuer. Música de Tartini, Concierto en D Mayor, con el cello de
Luciano Falcón. Duración: 110 minutos. Documental.
XXXX – SENTIDO HOMENAJE A UN GRAN ARTISTA
La realizadora Melina Terribili enfrenta su propia sensibilidad al recuperar
parte de la obra de su padre, el reconocido artista Carlos Terribili
(1936-2016). su protagonista. El documental se inicia con un close up de su
rostro y del esbozo de una mano en lápiz sobre un papel, un dibujo que tiene una
profunda connotación social. Su padre se la explica, no es una mano más, es la
mano del pueblo que pide justicia. Es quizás el momento más significativo de
este encuentro entre el muralista y su hija. Además, es el diseño inicial de un
gran mural, el Angel Gris, basado en una obra de Alejandro Dolina. El final será
un enorme paredón con ese fresco en la estación Flores, ex ferrocarril
Sarmiento.
Es un mural bien porteño, “taitas” con exagerada amplitud de rostros y manos,
colores y grises. Habla de nosotros, del Guernica cotidiano de cada porteño.
Mientras se llega al momento sublime de su realización, en la que interviene un
equipo de expertos junto al artista, Melina Terribili incorpora, inserta, videos
de los momentos iniciales con la presencia de Alejandro Dolina, un alquimista de
la palabra y de los sentimientos. Reuniones familiares en una casona con patios
llenos de plantas que lo envuelven todo, macetas, el atelier del artista, tantas
paletas con colores, mezclas, los pinceles de diferente grosor. Y se presume ese
perfume especial a aguarràs que suele impregnar esos lugares de arte.
Melina Terribili trabaja con su padre, es su actor, pero también expone su
propia sensibilidad: hay cámara subjetiva que recorre desde las hojas de
árboles, arbustos, hasta rincones, se desplaza desde el rostro añoso al juvenil,
del patio al atelier.
Decimos que trabaja con material sensible, el suyo, el que le nace del alma,
porque hay otro elemento que lo confirma y está en la musicalización a través de
un concierto en D Mayor de Tartini ejecutado por el violoncellista Luciano
Falcòn.
Entre colores, entre diálogos entrecortados, filmaciones de otros años,
recuerdos de artistas que visitaron el atelier, la cámara que se detiene entre
el cielo y el verdor de una hoja espigada, ese silencio que no es tal, va
transcurriendo una narración muy sugestiva, plena de emotividad contenida: pocas
palabras y un artista en acción, exaltación de la imagen. Hasta plantarse ante
la ignorancia supina de hacer saltar por los aires con brutales taladros ese
mural tan significativo.
Documental homenaje realizado con sensible maestría para decir con imágenes la
concepción social del maestro Carlos Terribili que supo retratar este porteño
Guernica cotidiano.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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LA DAMA
Documental de Sebastiàn Cortès. Fotografìa de Nicolás Colledoni. Sonido de
Nicolás Garobi y Sebastiàn Cortès. Duraciòn: 67 minutos.
XXX – LA LUCHA POR VIVIR
Sebastián Cortés encara su primer largometraje con el retrato de Kiara
Rodríguez, una mujer trans peruana que decide dejar su Lima natal para buscar un
futuro mejor en la gran ciudad de Buenos Aires. Junto a Kiara están la comunidad
peruana, los amigos, y el amor trans que surge con la promesa de para “toda la
vida”, así como secuencias límites y otras de singular algarabía, mucho alcohol
y baile.
En líneas generales, desde lo visual este documental de Cortés tiene las
características de una filmación casera: la cámara que se mueve por demás dando
cuenta del cuchicheo entre familiares, las luces para el show especial de Kiara,
las idas y venidas por salones de belleza. Este material se entreteje con
fotografías de la vida de la protagonista, archivos varios y la filmación del
día a día dándole movilidad narrativa a través de diferentes tomas.
Siendo documental, tiene a favor el desarrollo del docu-ficción porque son
escasos los personajes que cuentan algo a la cámara si bien de manera
espontánea. Aunque no prevalece por sobre otras producciones similares, “La
dama” le otorga empoderamiento a la lucha trans por sobre el personaje y la
historia propuestas. He aquí su valor social.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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EL SEÑOR DE LAS BALLENAS
Dirección y guion de Alex Tossenberger. Con Osvaldo Laport, Malena Solda,
Enrique Natale, Carlos Kaspar, entre otros. Fotografía de Mariano Cuneo, Mùsica
de Sergio Vainicoff, Arte de Rodrigo Lico Lorente. Duraciòn: 90 minutos.
XXX – LAPORT EN UN PERSONAJE DE FÀBULA
Para el realizador Alex Tussenberger, el sur nuestro, la zona de Puerto Pirámide
y Madryn, ejercen sobre su espíritu una fascinación superlativa. Es el motivo
para realizar este film en el que ideó un personaje mitológico, Popei, un
contador de historias y ex ballenero (conductor de los barcos que transportan a
los turistas hacia las ballenas franco austral), encarnado por Osvaldo Laport,
llevando adelante una narración diferente y visualmente rica. En verdad,
Tussenberger siente un deleite extremo por este animal, considerado monumento
natural desde 1984: maneja una cámara subjetiva alrededor de las ballenas, tanto
por sobre la superficie del mar como también con cámaras submarinas.
El guion es endeble: Diana (Malena Solda) llega a esta zona para escribir
historias en el diario local. Le hablan de Popei, lo encuentra vestido como un
pirata en un rincón de la ciudad. Se dicen cosas non sanctas de Popei pero Diana
igual escribe una historia sobre él provocando los celos del ballenero “mafioso”
Carlos. Diana también va en busca de respuestas muy personales para las que
esperará el momento oportuno.
Estamos frente a una fábula donde se unen una maravillosa fotografía de las
ballenas, tomas zenitales estupendas, y el aporte de un personaje salido de un
cuento, entre clown y el Johnny Depp de Jack Sparrow encarnado por Laport. A
través de Popei, el actor recorre una gama de sentimientos y gestualidades
particulares que van desde momentos de locura hasta otros de profunda
sensibilidad y afectividad. Laport regala arte y, por sobre los diálogos y la
historia previsible, surgen su figura y la fotografía de Tussenberger como
pivots de la propuesta.
El secreto de El Señor de las Ballenas reside justamente en el Popei de Laport y
la fotografía de Tussenberger, por sobre un guion que nos deja con un final
abierto sin mucho sentido, deambulando por diferentes momentos, algunos más
logrados que otros, que van desde la brutalidad hasta un dolor en el alma que
esconden algunos personajes y que, en definitiva, es el fundamento de una
historia muy disfrutable desde lo visual y desde el sentimiento.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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JUEVES 5 DE SEPTIEMBRE DEL 2024
1.- BETTLEJUICE BETTLEJUICE, DE Tim Burton
Regresa el “niño terrible” de Hollywood con una secuela de su propio film
“BettleJuice” o “Bitelchùs” de 1988. Por razones de edad, han cambiado algunos
actores si bien el central sigue siendo Michael Keaton. Lo acompañan,. Entre
otros, Wiinona Ryder y ahora Mónica Bellucci, junto a un elenco donde hay muchas
celebridades. La familia Deez regresa a la casa familiar luego de sufrir una
tragedia, pero sin advertir que el portal del “más allá” sigue allí y que
Bettlejuici (jugo de escarabajo) o Beteljuice está allí nomás, en el “no mundo”,
entre vivos y muertos. El humor de Burton vuelve a través de personajes y
situaciones absurdas que siempre gustan al mundo adulto. Es un Burton legìtimo.
2.-KIII MASACRE EN EL TREN, N.N. Bhat
Este film indio tiene más de Hollywood que tradición propia, siendo como es una
de las más importantes cinematografías del mundo. Un viaje a nueva Delhi se
transforma para una pareja en un baño de sangre cuando se enfrentan dos bandos.
El “gore” en su máxima expresión mientras el “expreso” sigue su camino hacia la
ciudad. Hay mucha saña, crueldad, y sangre que llega hasta la platea. Un
Thriller de ésos que hacen temblar.
3.-UNA JIRAFA EN EL BALCÒN, de Diego Yaker
Andrea Frigerio encabeza el reparto de este film nacional que relata la vida de
una mujer exiliada de la última dictadura militar en España. Acompañan
importantes nombres como Juan Leyrado, Mirtha Busnelli, Mimì Ardù, Claudio
Gallardou, entre otros.
4.-MASCOTAS EN APUROS
Animación coproducida por Canadá, Sudáfrica y Estados Unidos, sobre la relación
entre “Gracie”, una perrita pura raza, y “Pedro”, un gatito rescatado, cuando
sus respectivas familias se mudan. Para toda la familia.
5.- ALMA & OSKAR
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6.- LA PRÁCTICA
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7.- EL VIEJO ROBLE
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CRÍTICAS
ALMA & OSKAR
Dirección y Guion de Dieter Berner, coguionista: Hilde Berger. Con Emily Cox,
Valentín Postlmayr, Anton Von Lucke, entre otros. Fotografía de Jakub
Bejnarowicz, Montaje de Brunner y Nahler. Duración: 88 minutos. Austria.
XXX – ELEGANTE DESPARPAJO ENTRE FALDAS DE SEDA, AMANTES Y MÙSICOS
Gustav Mahler fue uno de los grandes compositores austrìacos considerado
“revolucionario” por su concepción de la composición orquestal. Como tantos
músicos nacidos en el siglo XIX, aunque fallecidos en el siglo pasado, tuvieron
vidas con muchos altibajos personales. En este film, el octogenario realizador
vienés Dieter Berner hace una pintura muy lograda de la sociedad de su país y,
en especial, de la vida conyugal de Gustav Mahler, quien sometió a su bella
mujer, Alma, al cuidado de la casa desconociéndola como pianista y compositora.
Este “girar en torno” al famoso del hogar le resultó fatal como a tantos otros
compositores: su mujer lo engañó reiteradas veces y, cuando falleció en 1911,
dio rienda suelta a su ferocidad amatoria. Se casó tres veces pero tuvo un largo
amorío con un joven pintor, llamado Oskar Kokoschká, centro de la narración
propuesta.
El director Dieter Berner realiza una muy verosímil reconstrucción de época.
Viena fue el centro de la música en Europa en el siglo XIX y antes también
mientras que, al finalizar ese siglo, las costumbres se habían relajado
bastante. Alguna que otra droga ya circulaba así como se iniciaba una fuerte
lucha de empoderamiento femenino. Alma Mahler encarna esto último añadiéndole
mucha liviandad moral: su romance con el artista plástico Kokoschka rozó todos
los límites de la ética.
Convengamos en que, por lo que se sabe, la vida en Viena tuvo siempre un costado
lúdico y si se quiere de cierta perversión social. Berner lo describe con
pinceladas sutiles aunque no deja de resaltar el celo artístico de Alma por la
música de su primer marido, Mahler, y su búsqueda de un director orquestal que
pudiera estrenar la 10 sinfonía.
En verdad, Dieter Berner logra una pintura social perfecta de una sociedad con
mucha cultura musical que supo tener también relajamiento moral, un atractivo
para muchos que sumó a su estilo imperial. La actriz Emily Cox, en el rol de
Alma Mahler, tiene la prestancia exacta para ese rol que requirió de desenfado
escènico. Es una película sólida, con algunos altibajos narrativos especialmente
en la relación entre Alma y su amante joven, si bien tiene una fotografía de
gran calidad artística especialmente sobre los cuerpos desnudos tomados con
planos largos. Es un filme ciento por ciento vienés: elegante desparpajo entre
faldas de seda.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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EL VIEJO ROBLE
De Ken Loach. Guion de Paul Laverty. Fotografía de Robbie Ryan. Edición de
Jonathan Morris, Música de Geore Fenton. Duración: 113 minutos. Coproducción
Reino Unido, Francia, Bélgica. Distribuye Zeta Films.
XXXX – LA VIDA MISMA HECHA CINE
El maestro Ken Loach tiene la genialidad a sus 88 años de transformar en
imágenes la vida misma: este film “El viejo roble” es el dolor social a través
de la incomprensión, la discriminación, la ignorancia, la desesperanza, todos
ellos sentimientos cotidianos comunes a las sociedades actuales. La acción de
ubica en la Inglaterra profunda, en un poblado en penosa decadencia: los jóvenes
se van, solo quedan los mayores en medio de vecindarios vacíos con casas de
alquileres baratos. Hasta allí van llegando los refugiados sirios que son
inmediatamente rechazados por los nativos. Subsiste el pub “El viejo roble” a
cargo de TJ Bellantyne (Dave Turner), cuya única compañía es una pequeña perra.
El arribo de Yara (Ebla Mari), una joven estudiante que habla inglés, y su
familia obligan a una transformación dramática de la vida de todos. A TJ (Dave
Turner), sensible a la dura supervivencia de estas familias, lo enfrenta un
grupo de parroquianos soberbios. He aquí los dos planos de sentimientos que
plantea Ken Loach a través de personajes calcados de la realidad: la
sensibilidad del dueño del pub frente a la dureza de un grupo de sobrevivientes
del olvido estatal.
La continuidad narrativa no tiene pausa porque Loach trabaja más que con
diálogos filosóficos con la sensibilidad de sus personajes llevándolos al
límite. Unos por una aparente permisibilidad y otros por una cerrazón atávica
cultural enfrentándose en acciones sin retorno: una playa desierta, callecitas
sinuosas y solitarias, dan la impresión de que nada ocurrirá cuando
repentinamente irrumpen provocaciones y la calma muestra su peor cara, la de la
violencia sin sentido.
Loach regala una historia conmovedora sobre los sentimientos que manejan el día
a día de nuestras vidas por sobre personajes y hechos. Es una alerta, un llamado
de atención sobre el devenir. El maestro inglés no innova, permanece fiel a su
visión de la realidad social haciendo hincapié en ese costado brutal que existe
entre las capas sociales, castas egoístas, insensibles, que destruyen la
convivencia. Ken Loach lo dice abiertamente en un film duro, que duele, que
molesta, aunque nos obliga a la reconciliación.
Elsa Bragato. Actoresonline.co
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LA PRÁCTICA
Direcciòn y guion de Martìn Rejtman. Con Esteban Bigliardi, Camila Hiramu,
Manuela Oyarzùn. Mirtha Busnelli, entre otros. Fotografìa de Hugo Azevedo,
Mùsica de Santiago Motorizado. Duraciòn: 95 minutos. Argentina-Chile.
XXX – UN FILM DESANGELADO
Rara combinación realizó el director Martín Rejtman, muy reconocido por sus
filmes. En nuestro caso recordamos “Los guantes mágicos” que nos pareció una
revelación en todo sentido (2003). Entre sesiones de yoga y llevar esa temática
a través de una pareja protagónica a la narración cinematográfica se produjo en
“La práctica” una extraña mixtura dentro de un estilo marcado, tal vez más que
en otras realizaciones suyas: minimalismo estético avasallante y actitud
hierática en sus actores.
Es una extraña mezcla temática, insistimos, que no produce empatía: quien
muestra corazón en sus escasas intervenciones es Mirtha Busnelli, actriz de
riquísima trayectoria. El resto del elenco, la mayoría de origen chileno, no
llega a dar el tono amable requerido y, en todo caso, como algunos críticos
señalaron, se acercan más al humor a lo Buster Keaton, salvando las abismales
diferencias. A favor de Rejtman decimos que el camino incierto de todo ser
humano está en su historia, una pareja que se desintegra, una psicóloga, un
divorcio que divide muebles y horarios de yoga, y la actitud apática,
inexpresiva, esencialmente mecánica de cada personaje que, al ser tan marcada y
continua, termina por hacer perder la eventual comedia a la que se aspirò
realizar.
Minimalismo extremo en una película que mezcla la incomprensión cotidiana de una
pareja y el yoga en secuencias de buena factura técnica pero con un contenido
que no moviliza. Falta ángel, gracia, eso que los griegos llamaron “pathos”.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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TRASLADOS
Documental de Nicolás Gil Saavedra, Duración: 87 minutos
XXXX – TESTIMONIOS LACERANTES SOBRE LOS VUELOS DE LA MUERTE
En momentos en que encubiertamente se alienta desde algunos estamentos estatales
la liberación de los genocidas del 76, entre ellos, el de Alfredo Astiz, que se
hacia llamar “Gustavo Niño”, este documental de Nicolás Gil Saavedra cobra un
valor inconmensurable. Contó con la producción general de Milagros Hadad a
partir de una idea general de la productora Zoe Hochbaum. Los hechos narrados
por los sobrevivientes y las personalidades como el Nobel de la Paz Adolfo Pérez
Esquivel y el piloto Enrique Piñeiro, además de las Madres de Plaza de Mayo y
Abuelas, fueron guionados por Gustavo Gersberg.
Inútil es en esta crítica indicar qué se dijo frente a cámaras: hay que ver este
documental. Los mayores hoy lo sabemos, falta que la información veraz llegue a
los más jóvenes. Es justo decir que mucho de lo que hoy se sabe es gracias a la
combinación de la Ciencia Antropológica, los testimonios de sobrevivientes y de
cadetes que hablaron sobre lo que vieron, permitieron abordar un tema cuya
herida no sanará nunca. Fue un holocausto organizado por las Fuerzas Armadas de
la Argentina, con instrucciones desde la escuela de Chicago de los Estados
Unidos y de la escuela militar francesa, experta en la lucha contra las
guerrillas de Argelia.
Se establecieron dos líneas de trabajo criminal de la última dictadura cívico
militar: el sistemático robo de bebés y la sistemática desaparición de los
apresados a través de inyecciones que los atontaban, encapuchados y engrillados,
y subidos a los aviones Skyban, desde donde fueron arrojados al Río de la Plata.
A horas de la asunción del doctor Ricardo Alfonsín como presidente
constitucional en 1983, los milicos ordenaron quemar la documentación. Pero la
naturaleza dio los datos que se desconocían: los primeros cuerpos empezaron a
aparecer en las costas del Uruguay, cuya prensa tenía permiso para publicar los
hechos, no por una democrática decisión sino como pantalla de aberraciones de su
propia dictadura. Asimismo, lo que los asesinos callaron, lo dijeron los cuerpos
que aparecieron en la costa de Santa Teresita: desde Punta Rasa hasta Villa
Gessell, el mar devolvió los cuerpos de las víctimas del terrorismo de Estado.
De acuerdo a los testimonios, hay una frase que solía gritar Astiz y que hoy
cobra brutal vigencia: “Yo personalmente los mato antes de que los pongan en
libertad”. Es entonces cuando a nuestra memoria llegan las palabras de Dagmar
Hagelin, el padre de la joven que cayó en manos del que se hacia llamar “Gustavo
Niño”, infiltrado en la iglesia de la Santa Cruz como hijo de desaparecido, para
hacer desaparecer a las dos monjas francesas y a las madres que lideraban el
incipiente movimiento de acción legal.
Los testimonios que hay en este documental son el fundamento más claro para que
ninguno de los responsables de este brutal experimento socioeconómico, alentado
desde el exterior y llevado a cabo por nuestros militares, tenga el beneficio de
la libertad. La Memoria Colectiva debe abonarse siempre para que las nuevas
generaciones sepan que sus padres, sus abuelos, padecieron el terror del Estado
y muchos compañeros de trabajo y de estudios terminaron en el fondo del río de
la Plata. Los “traslados” a los que alude el título del documental se refiere al
viaje hacia la muerte. Por eso, el Nunca Más tiene hoy en día más vigencia que
nunca. Documental de visión obligatoria.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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LA OTRA MEMORIA DEL MUNDO
De Mariela Pietrogalla. Guion de Mariela Pietrogalla y Alejandra Portela.
Fotografía de Gerardo Azar y Matías Mayolo, Montaje de Mario Bocchicchio. Voz de
Judith Buchalter. Con Rafael Corral. Duración: 69 minutos.
XXX – UNA VIDA ENTRE BAILE Y CAJAS
Hace unas décadas, el mundo musical y cinematográfico nacional estuvieron
tachonados de estrellas españolas como Miguel de Molina y Pedrito Rico en la
música, o en el cine con una fantástica Amalia Sánchez Ariño, por ejemplo, o el
canto español de las argentinas Lolita Torres y, en alguna oportunidad, Eladia
Blázquez. Para los jóvenes de hoy, este documental La otra memoria del Mundo les
descubre aquel mundo y, en especial, a uno de sus participantes, Rafael Corral,
protagonista e integrante del ballet de Miguel de Molina, cantaor español que
mencionamos antes, que fuera perseguido por el franquismo por su homosexualidad,
a igual que Pedrito Rico. Si bien Miguel de Molina regresó varias veces a su
país, murió aquí el 4 de marzo de 1993.
El documental de Pietrogalla tiene mucho que ver con el cine arte: las cámaras
subjetivas trabajan sobre edificios, sobre galerías de archivos de miles de
latas que contienen celuloide, el de las películas. Otras galerías plagadas de
revistas de cine, o bien que reúnen carteles de los filmes, eso que hoy llamamos
“flyer”, y en el medio, Rafael Corral, que pasó la mayor parte de su vida en
esos museos de cine. Corral busca una de las películas en las que actuó con
Miguel de Molina mientras cuida del celuloide de cada film, sabe cómo utilizar
las viejas máquinas de casi un siglo mientras cuenta que nació en Callao y Santa
fe y que desde chico quiso ser bailarìn, a pesar de que no era bien visto
entonces. Cuando descubrió a Miguel de Molina y su troupe, se sintió aborbido
por la personalidad del español y, si bien no había aprendido danzas, tuvo
facilidad para bailar por la pasión que sentía por ese arte.
El trabajo de la realizadora es muy diferente al de otros documentales:
Pietragalla utiliza la cámara subjetiva y la sonorización se asemeja, por
momentos, a un film de terror porque sonoriza con ruidos extraños acompañando
una iluminación que se apaga y se enciende, mientras la cámara recorre los
espacios de la cinemateca. Para Rafael Corral, hoy con muchas caras, un rostro
afinado por la edad y una piel muy blanca, Miguel de Molina y su madre fueron
todo para èl y vivir entre esas latas le terminaron de dar sentido a su vida.
Minucioso documental, rico en matices visuales, tiene un protagonista diferente,
muy atractivo, que representa la historia viva de un momento singular de nuestra
cultura.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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LA JIRAFA EN EL BALCÓN
Dirección y guion de Diego Yaker. Con Andrea Frigerio, Juan Leyrado, Mimí Ardú,
Diana Gómez, Claudio Gallardou, Mirtha Busnelli, entre otros. Fotografía de
Mauricio Heredia y J. C. Lausín. Música de Claudio Lively. Duración: 91 minutos.
Coproducción Argentina-España.
XXX – LA OTRA CARA DE UNA REVOLUCIÓN
“La jirafa en el balcón” es una de las películas más controvertidas de los
últimos tiempos. Tiene coproducción y protagónico de Andrea Frigerio en el rol
de Lidia, una revolucionaria que escapó de la dictadura en 1978, embarazada y
cumpliendo residencia como médica. Se radicó en Barcelona donde tuvo a su hija,
casada y embarazada a su vez. Pero el pasado vuelve: recibe una citación de la
justicia argentina para ser testigo en la causa de desaparición de Oscar, su
pareja y presunto padre de Vale, su hija, encarnada por la actriz española Diana
Gómez.
El regreso le devuelve algunos compañeros de lucha como Juan Leyrado como
“Sergio” y Mirtha Busnelli como “Isabel”. Pero Lidia quiere encontrar a María de
los Angeles, encarnada por Mimí Ardù, y Jorge, a cargo de Claudio Gallardou,
radicados en La Rioja. Y hasta allí va Lidia, munida de fuerza espiritual y un
arma.
El título del film no tiene relación con nada infantil, es uno de los elementos
esenciales de la narración que debe descubrir el espectador así como el pasado
que tanto le cuesta asumir a Lidia, secretos que se irán descubriendo en una
singular forma narrativa: los personajes actuales van a un bar y conviven con
los jóvenes que fueron sentados a otra mesa. La cámara rápidamente puede pasar
de un grupo al otro, haciendo un flashback original, ágil, que se reitera a lo
largo de la historia.
La propuesta del director Diego Yaker es fuerte, diferente, y provocadora.
Muestra el accionar de los grupos revolucionarios en situaciones límites, no
vistas hasta ahora en el cine. En lo conceptual, la narración choca con el
imaginario colectivo acerca del accionar de estos grupos, y en lo formal, hay
una tensión creciente que lleva adelante el personaje de Frigerio. La modelo y
actriz logra una muy buena performance en un rol opuesto en muchos aspectos a su
nivel social. La banda sonora tiene una incidencia discreta pero al mismo tiempo
incisiva y agradable. Y también hay un transcurrir sin altibajos de la historia
donde un muñeco en forma de jirafa deja de ser un lindo juguete para tener un
rol de vida o muerte. Buen film, buena realización, para discutir.
Elsa Bragato, actoresonline.com
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JUEVES 29 DE AGOSTO DEL 2024
COLECCIONISTA DE ALMAS, de Oz Perkins, con Nicolás Cage
Poca aceptación de la crítica y del público tiene este nuevo film entre policial
y thriller. Para algunos es muy “malita” y convencional. Tengamos en cuenta para
las tardes de lluvia nada está mal, asì que ver nuevamente a Niclás Cage puede
ser una buena opción aunque no dé con el personaje.
ROBOTIA, la película, Animación. De Diego Cagide y Diego Lucero.
En un mundo de humanos, dos robots surgen de una misma fábrica, uno con un
pequeño defecto. Por diferentes circunstancias, son separados, siendo “criados”
de manera diferente. Pero, por esas vueltas de la vida también, uno intentará
ayudar al otro, al más desvalido. Siempre hay en estas animaciones una especie
de moraleja o de ejemplo que nunca está demás.
SECRETOS OSCUROS, de Xavier Legrand
El realizador Xavier Legrand ingresa en el mundo de la psicología y de las
herencias psicofísicas. Su protagonista es un modisto de renombre quien, frente
a un desfile, siente fuerte dolores en el pecho y, al mismo tiempo, le avisan de
un problema cardíaco de su padre en Canadá, del que está separado. Mucha
convención, mucha ficción, pero hay un muy buen manejo de situaciones que le dan
coherencia a las herencias secretas, aquèllas que tienen que ver con el alma y
el cuerpo.
FORJA, de Alex Kendrick.
Cuenta la historia de un adolescente que termina sus estudios bàsicos y necesita
organizar un camino de vida. Para èl, Dios tiene designios mayores y en esa
búsqueda y encuentro con un objetivo mayor transcurre una narración que es, hoy
en dìa, diferente a la producción general de USA, plagada de tiros sin sentido.
Es una historia pequeña para tener muy en cuenta.
HOMBRE MUERTO
Leer crítica.
CRíTICAS
HOMBRE MUERTO
Dirección y guion de Andrés Tambornino y Alejandro Gruz. Con Osvaldo Laport,
Roly Serrano, Daniel Valenzuela, Diego Velázquez, Sebastián Francini, entre
otros. Fotografía de Alejo Maglio. Música de Christian Basso. Duración: 107
minutos.
XXXX – WESTERN LOGRADO EN TIERRAS RIOJANAS
El western no es un género muy transitado por nuestra cinematografía, si bien
existe un aplaudido cine patriótico basado en los gauchos y las pampas
generosamente amplias que bien son del “lejano oeste porteño”, filmes de
“farwest” nacional. Quien hace unos años llamó la atención fue Fernando Spiner
con su “Aballay” reiniciando este género sin sesgo patriótico. Protagonizado
además por el muy recordado Pablo Cedròn.
Es el caso de “Hombre muerto”, que tiene a Osvaldo Laport como su protagonista
en un rol muy alejado del galán televisivo: Laport logra una estupenda
composición de un gaucho avejentado, don Almeida, unido a una joven mujer que
espera un hijo suyo, Patricia (Yanina Campos), hija del dueño de la pulpería
(Daniel Valenzuela).
La historia se centra en una localidad de la provincia de La Rioja, cuya tierra
rojiza conocida a través del Parque Nacional Talampaya, favorece la puesta en
escena de esta singular narración. Este pueblo está muriéndose porque la mina
del lugar está cerrada. Alguien viene con un trabajo “sucio” por el que pagara
mucho dinero y cree que Almeida- Laport, rebelde e individualista, es capaz de
realizarlo.
Las peripecias son varias y hay momentos en los que desde el comisario del lugar
hasta Almeida y la gente del pueblo toman las armas y se enfrentan al mejor
estilo Gary Cooper en “A la hora señalada”: he aquí cuando el western argentino
se logra a partir de personajes con nuestra idiosincrasia.
Desde el comienzo, la fotografía tiene gran importancia: los realizadores hacen
una extensa toma secuencia, en plano largo, de casi dos minutos nos lleva hasta
la casa-tapera de Almeida. A partir del interior de esa casa y de las tomas en
primer plano de Patricia recostada como punto de partida hasta deslizar la
cámara a fin de enfocar a Almeida, la fotografía enriquece este relato.
La pulpería y su dueño, padre de la mujer de Almeida, la desconfianza que
despierta el personaje de Laport, algún secreto que guarda, y la llegada del
forastero que tendrá su recorrido narrativo, conforman un western criollo con
todas las de la ley. Lejos de las gauchos que cimentaron el cine nacional de
gran factura del siglo XX, o sea un western con personajes e historia actuales.
Atractiva propuesta con un Osvaldo Laport que demuestra su enorme capacidad
interpretativa. Con su “Almeida”, Laport despliega matices actorales diferentes
a partir de un personaje que exigió una compleja composición. Destacamos el
pequeño rol del siempre carismático Roly Serrano, acompañados todos por un
elenco sólido y, como expresamos, con muy buenos rubros técnicos. El western
criollo logra otro baluarte con personajes propios y en tierras bien nuestras.
Linda historia, muy buena producción.
Elsa Bragato, actoresonline.com
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JUEVES 22 AGOSO DEL 2024
1.- PARPADEA DOS VECES, de Zoe Kravitz
La actriz Zoe Kravits devenida en cineasta llega al largometraje iniciatico con
el pie derecho.Trabaja con un elenco coral el “Me too”, por momentos ostenta
densidad narrativa atrapando desde el primer instante. Se la considera un éxito
absoluto.
2.- TIPOS DE GENTILEZA, de Yorgos Lanthimos
El gran realizador se atreve a un trìptico: un hombre atrapado con ganas de
vivir su propia vida, la reaparición de la esposa de otro personaje pero
cambiada, y finalmente una mujer que busca un líder espiritual. Siendo quien es
Lanthimos, se espera una excelente factura, a través de planos especiales y muy
propios asì como una narración atrapante. Los tres temas generan thrillers muy
interesantes.
3) LA VIUDA DE CLICQUOT, de Thomas Napper
Esta película nos permite asistir a la fundación de la empresa del champan Veuve
Clicquot, ocurrido a fines del siglo XVII. Tiene varios logros en diferentes
secuencias, la visibilidad de los derechos de la mujer por ejemplo, pero puede
resultar un tanto lenta en algunos momentos, especialmente cuando el romance
inicial aparenta carecer de la pasión que la imagen requiere. No obstante, es un
film más a elegir.
4.- EL CUERVO, de Rupert Sanders
Terror futurista, asesinatos, y romances frustrados.
Para fans del terror fuerte y del gore.
REESTRENO: RELATOS SALVAJES, de Damiàn Szifròn
RECOMENDACIÒN
PRIVIER
En Youtube, gratis y para todo público, está la miniserie argentina Privier, de
seis capítulos de casi una hora de duración cada uno, con elenco nacional.
Tiene excelentes comentarios de los usuarios así que es una oportunidad para ver
ficción nacional.
CRÌTICAS
EL PRIMER DÌA DE MI VIDA
Dirección y guion de Paolo Genovese, coguionistas: Paolo Costella, Rolando
Ravello, Isabella Aguilar, basada en la novela homónima de Genoseve. Con Toni
Servillo, Margherita Buy, Valerio Mastandrea, Sara Serraiocco, Gabriele
Cristini, Lidia Vitale, entre otros. Fotografìa de Fabrizio Lucci, Montaje de
Consuelo Catucci, Arte de Gemma Mascagni, Música de Maurizio Filardo, Duración:
121 minutos.
XXXX – CUATRO PERSONAJES EN BUSCA DE LA VIDA
Algunas veces en nuestras vidas aparece el diablo, otras un ángel. Cómo
distinguirlos? Seguramente por las intenciones que tienen y cómo la transmiten,
idea de Paolo Genovese para el libro de título homónimo al de esta película que
exalta la vida a partir de quienes la desecharon frente a una prueba. Genovese
desecha al que vende el alma al diablo y se queda con el Angel humano (El
hombre, que encarna Tony Servillo) que hará de las suyas pero para bien.
Es una historia magnífica, mezcla de drama y humor, un melodrama sin excesos,
que pone frente al espectador a cuatro personajes de distintas edades en
situaciones límites: una mujer que perdió a su hija (Margherita Buy en el rol de
Arianna), un jovencito cuyo padre lo obliga a ser el “gordo” influencer ( el
niño Gabriele Cristini), una joven gimnasta frustrada (Sara Serraiocco como
Emilia), y un hombre que cree terminada su pareja (Valerio Mastandrea como
Napoleone). La muerte es el paso inmediato.
De pronto, “alguien” los recoge en su auto y les da una semana para que cada uno
vea si acaso no era posible revertir ese paso final, eutanásico, para resolver
el problema que enfrentaban. Son siete días, como la creación de los textos
bíblicos. Hay tiempo para estar los cuatro juntos y para volver al punto de
partida, mientras permanecen “suspendidos” en un limbo.
A través de una narración coherente, con frases simples como “hay personas que
son importantes aunque no nos hagan felices”, diálogos consabidos pero, en
verdad, extraídos de la experiencia común a Genovese y a todos nosotros, cada
uno de ellos tiene su momento de reflexión. Ese compartir momentos de dolor, de
rabia, de impotencia, nos une a estos cuatro seres conflictuados rescatados en
el camino hacia la eternidad.
La narración que propone Genovese es la de su novela: no hay efectos especiales,
es la continuidad que ofrece una narración llevada al cine donde la imaginación
hace el resto. Los personajes se mueven en ambientes comunes, bares, restoranes,
caminan por calles repletas de gente, pero no son visibles, o bien son
“ignorables” por la decisión tomada.
La iluminación es un factor importante en el film de Genovese pues pocas veces
se permite la brillantez sino que opta por cierto viraje al sepia y noches
lluviosas y frías. Mientras que, a estos climas logrados, se le suman los planos
largos, medios y zenitales. Hay que destacar el guion que, al basarse en una
novela, es sólido, y al elenco. impecable en sus roles. El drama que escribió y
llevó al cine el realizador Genoseve es el cotidiano, el de los obstáculos del
día a día, dando paso a la reflexión que es lo que suele faltar en la vida
diaria. En este caso, se da por sentado que siempre habrá alguien, conocido o
no, que tenderá su mano. Es una película que emociona y, muy lejos del sermón,
nos hace pensar en la sonrisa que siempre se le puede sacar a la vida.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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ORÈGANO, LA FAMILIA FRACASO
De Ramsés Tuzzio. Con Selva Jiménez, Juan Garrido, Marianela Bucafusco, Josè
Ponce. Arte y fotografía de Guillermo Iñíguez, Mùsica de Federico Janda y Lucas
Scaioli. Duraciòn: 74 minutos.
XXX – UN FRACASO QUE ASUSTA
La propuesta del realizador Ramsés Tuzzio, que cuenta con el guiòn del autor de
la obra teatral o sea Sergio Lobo, resulta asfixiante. En principio, estamos
ante teatro filmado, o teatro llevado a la pantalla grande. Cuatro personas,
padre y madre con sus dos hijos adultos, se debaten en miserables cuestiones a
la hora del almuerzo.
La miseria que rodea a la familia es una escenografía teatral, aunque responda a
ciertas tristes realidades, Hileras de sifones, cajas amontonadas, luces
navideñas por todas partes, así como una austeridad que es miseria galopante: el
padre, en silla de ruedas por apatía, la madre enfurecida con la vida y con sus
hijos a los que apunta varias veces con un revolver, el hijo que se quiere ir
con su pareja, y la hija que no deja de reprocharles por qué tiene la misma edad
que su padre. Es decir, sobrevuelan inconductas tales como la infidelidad y la
violencia verbal y gestual, así como la incomprensión hacia otras elecciones
sexuales y, en general, una sensación de mugre física y espiritual muy
desagradable. Si la frustración en la vida se ve y se huele, es ésta.
Es, en verdad, un relato que se condice con un escenario y no con un set de
cine. Sin embargo, las situaciones son tan bizarras que provocan la atención aun
a disgusto por lo visual, plagada de una estética kitsch agobiante. Sin embargo,
se la reconoce como una propuesta diferente, que tiene buena utilización de la
cámara a través de diferentes planos. Aún así, está bastante alejada del
concepto habitual de cinematografía.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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LA MALDICIÒN DE CENICIENTA
De Louise Warren con guion de Harrison Boxley, basado en el personaje de Charles
Perrault. Con Kelly Rian Sanson, Chrissie Wunna, Danielle Scott, entre otros.
Núsica de James Cox. Duraciòn: 82 minutos.
XXX – CENICIENTA, DE MUCAMA A VENGADORA SANGRIENTA
Tomar los llamados “clásicos infantiles” y darles otros matices es una tentación
para los realizadores de cine, teatro y televisión. Louise Warren no escapó a
esta fascinación por un personaje infantil como el de Cenicienta, nacido o en
China o en el Egipto de los faraones. Claro que con otras características
diferentes a las que le diera Perrault y luego Walt Disney. En aquellos tiempos,
estos cuentos eran relatos para adultos no carentes de situaciones que los niños
no deberían saber a tan tierna edad. La británica Warren tomó el cuento de
Perrault, su visión de la Cenicienta criada como sirvienta por la madrastra y
dos hermanastras envidiosas y la reversionó otorgándole al personaje una dosis
máxima de resentimiento y maldad por todas las humillaciones sufridas.
En este filme, Cenicienta comienza siendo esa frágil y bella muchacha maltratada
que conocimos en el cuento tradicional, escribe un diario y conserva un viejo
libro que bien se podría calificar de “brujerías”. El asesinato del ama de
llaves en el que ha sido implicada y el príncipe del condado que ha dejado de
mirarla transformarán a la sirvienta de la casa en una mujer temible. Si bien se
resiste a que esos pensamientos de extrema maldad la posean, llega una situación
que soñó como “maravillosa” que se transforma en una humillación social y
Cenicienta se dejará entonces tomar por los monstruos de su conciencia.
Aquí hay que vérselas con un verdadero baño de sangre. No queda resquicio de la
pantalla sin estar salpicado por esa tinta roja que corre por nuestras venas.
Las burlas, las humillaciones, los maltratos y abusos que padeció serán ahora
armas que irán destruyendo todo a su paso, objetos y personas.
Las primeras secuencias del film de Warren antes de los títulos ya indican que
no será una narración de fácil tránsito y que, en más de una oportunidad, se
necesitará respirar hondo para continuar con el visionado. Hay tanto dolor
transformado en saña que requiere de una gran comprensión de la conciencia
humana para sobrellevarla.
Es que la británica Warren no se ahorró ni un céntimo de maldad: hay de todo,
desde sablazos hasta cuchillazos, degüellos varios, latigazos, y todo tipo de
tortura que justifican la ferocidad de esta Cenicienta que se hartó del
bullying.
A Louise Warren se la conoce por la dirección de Harry Potter y las Reliquias de
la muerte, y tiene en su haber una serie de interesantes títulos de índole
terrorífica. Por lo que no parece que transformar a Cenicienta en una vengadora
femenina, empoderándola con brujerías y malas artes, sea algo de difícil
concepción y concreción para ella.
Sin lugar a dudas, es una película para entendidos en la materia y para aquéllos
que pueden definirse como “espíritus fuertes”.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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JUEVES 15 DE AGOSTO DEL 2024
1.- ALIEN, ROMULUS, de Fede Alvarez, producción de Ridley Scott.
La saga Alien continúa, con caras jóvenes dentro de una propuesta que tiene
aspectos interesantes aunque nada nuevo bajo el sol: un grupo de jóvenes
internautas que pretenden colonizar el espacio, se enfrentarán al máximo terror:
un Alien. Y allí tanto el elenco como el público sufrirà los avatares de estos
encontronazos, que no es uno sino varios.
2.- ROMPER EL CÌRCULO, de Justin Baldoni.
Es un film romántico cuya protagonista, Lily, debe enfrentar no pocos desafíos,
por lo que surgen otros temas de pareja. Y el hecho es que no son abordados con
profundidad. Lily tiene un pasado fuerte que involucra la casa paterna y su
pareja anterior. Más allá de los “peros” que uno pueda encontrarle, es una
“refrescada” a las pantallas que suelen estar repletas de terror, balazos y
cositas por el estilo. Sin ser lo mejor, se deja ver.
3.- SIEMPRE JUNTOS, de Tony Goldwyn, con Robert de Niro
El autismo tiene en este film un digno representante. El pequeño Ezra (William
Fitzgerald es el joven actor que deslumbra) tiene una familia muy ocupada en su
mejor desarrollo y esto implicará que los mayores, como su padre o su abuelo
(Robert de Niro) tomen medidas por momentos insólitas con el único objetivo de
ofrecerle una vida mejor. No es un film sensiblero sino que sensibiliza y deja
temas para pensar sobre el autismo y el entorno familiar.
4.- INSEPARABLES, de Jeremie Degruson
Hay Crìtica
5.- CRÒNICAS DE UNA SANTA ERRANTE
Hay crìtica
6.- CONTINUIARÁ…
Hay crìtica
7.- LAGUNAS
Hay crítica
-
CRÍTICAS
CONTINUARÁ…
Dirección y guion de Fermìn Rivera y Emiliano Penelas. Fotografìa de Emiliano
Penelas, Montaje de Emiliano Serra, Mùsica de Alejo Vintrob, duración. 63
minutos.
XXX – INTIMIDADES DEL CELULOIDE
Con entusiasmo la mayoría de nosotros se maneja con lo “digital” por rapidez,
porque requiere menos procesos, menos papeles, parece que todo es más claro,
deja más espacio, y se pueden reunir muchos temas en un pendrive, ahorrando
lugar en la biblioteca y evitando acumulación de àcaros en papeles y el polvo
que atrae. Pero, tiene sus peros…
Emiliano Penelas es director de fotografía, cineclubista y coleccionista de cine
y, a partir de estos conocimientos, va detallando y mostrando los centenarios
fragmentos de filmes en celuloide que se conservan y lo que puede pasar, y de
hecho ha pasado, con lo digital. Hay voces que aportan sus conocimientos tales
como las de Fernando Martín Peña, que hasta hace unas semanas estaba en la
dirección de la ENERC y hasta tenía un interesantísimo programa de cine por la
TV Pública a la medianoche. Es por sobre todo el principal coleccionista de cine
en el país con más de 9000 títulos en varios formatos en su poder. Y da su voz
de alarma al decir que el celuloide se puede cuidar y entonces dura para
siempre, “es eterno”, mientras que un pendrive o un DVD se borra, se esfuma, con
el tiempo. Hay muchos ejemplos.
Y detalles que se nos escapan a quienes no frecuentamos las intimidades del
celuloide: a la película filmada en 35 mm se la toca, se la limpia, se la
aclara, se la mejora, se la colorea, con las manos y con las técnicas que
existen. En cambio, ¿còmo hacemos con un pendrive? Resulta imposible.
La digitalización trajo rapidez, es cierto, pero también provocó el cierre de
numerosas salas al no tener un proyector específico para semejantes pendrives
(que no son los pequeños para computadora) porque no se pudo afrontar la
inversión económica que requieren. Entonces, estamos ante un gran problema: la
historia del cine puede “disolverse” con la digitalización mientras que la
inversión en celuloide nos asegura una fantástica biblioteca cinematográfica. La
intervención de especialistas, de visitas al BD cine en París que pertenece a
Fred Karali, o la visita a Claudio Arditi, exhibidor y proyectorista de cine y
uno de los pocos técnicos de proyectores 35 mm que quedan, asì como la
utilización del celuloide para generar arte visual, nos dan una idea bien clara
de que lo digital, cerrado como fortín de imágenes que no podemos retocar, puede
ser el final de las películas que, aunque “viejas”, aùn hoy nos gusta mirar. Es
decir, no todo “lo de antes” fue malo, como pasó con el vinilo que ahora está de
moda, justo cuando la gente tiró por la ventana los aparatos con platos y púas
para poder escucharlos.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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CRÒNICAS DE UNA SANTA ERRANTE
Dirección y guion de Tomás Gómez Bustillo. Con Mónica Villa, Horacio Marassi,
Nahiel Correa D, entre otros. Mùsica de Felipe Delsart. Cinematografìa de Pablo
Lozano. Duraciòn: 86 minutos.
XXXX – MÁGICA PROPUESTA SOBRE LA FE
La propuesta de Tomás Gómez Bustillo trabaja en el plano de lo real para pasar
al realismo mágico sin perder verosimilitud a través del personaje de Mònica
Villa que encarna a Rita López, mujer humilde de un pueblo bonaerense, que
descubre la falta de una imagen en la iglesia y, por casualidad, encuentra otra
en los sótanos. Mientras reza junto a las vecinas, urde una trama: restaurarla
cumpliendo un acto de fe que, a lo mejor, le asegura algún beneficio celestial.
Pero, en principio, su actitud es la de reubicar esa imagen que responde a Santa
Rita. Junto a su marido, Norberto (Horacio Marassi), la trasladan y la
“acicalan”. Rita está imbuida de una enorme alegría, de un secreto en su alma
que la lleva a vivir situaciones extremas, incluyendo un encuentro inesperado
con el diablo en una secuencia sin desperdicio y la caída al río de su viejo
Reanult 12 cargado de flores blancas para ornamentar la iglesia. Suceden hechos
insólitos en Rita, en la imagen de Santa Rita, en la vida del pueblo, que el
espectador deberá descubrir. Y es el momento en que el realizador Gómez Bustillo
toma elementos del realismo mágico dándole un halo especial a su propuesta.
La fotografía abunda en planos medios y largos, se sostiene la continuidad
narrativa con secuencias entre cotidianas, simpáticas e insólitas, y los
personajes están tratados con sencillez, haciéndose queribles. Mònica Villa da
muestras de su excelencia interpretativa a través de una gestualidad muy
personal y expresiva que termina por redondear una historia diferente, linda,
que aporta al cine nacional un género poco transitado. Se nota un trabajo de
preproducción muy intenso para dar imagen a una idea de guion que está a medio
camino entre lo terrenal y lo celestial. En ese “medio camino”, Gómez Bustillo
demuestra tener una mano segura que lo mantiene en una linealidad narrativa
aunque existan hechos mágicos e incluso del expresionismo. La sencillez del
relato tocando temas no cotidianos es la regla de oro de esta película que ha
merecido estupendas críticas en el exterior.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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LAGUNAS
Dirección y guion de Federico Cardone. Fotografía de Mariano Donoso. Música de
Andrés Ceccarelli. Con Liliana Bodoc, Rubén Díaz, Roger Aguilera, Sandra Amaya,
entre otros. Duración: 75 minutos.
XXX – JUNTO A LOS DUEÑOS DE LAS LAGUNAS DE GUANACACHE
La provincia de Mendoza cuenta con las llamadas “lagunas de Guanacache” en el
límite con la provincia de San Juan, hoy desérticas, que esconden los tesoros de
una civilización: la de los Huarpes. Los descendientes de esta población
indígena sobreviven en la zona y, de acuerdo a datos recogidos en el lugar,
también en el sur de la provincia. En tiempos antiguos, fueron los dueños de la
zona. Se debe agregar que Mendoza fue desértica en muchas zonas y que gracias al
sistema de riego que impusieron los Incas, quienes llegaron hasta allí, hoy es
un vergel. Aclarado esto, este documental del mendocino Cardone nos lleva hasta
ese lugar de la mano de la escritora Liliana Bodoc quien falleció antes de que
terminara el rodaje. Escritora, inquieta, quiso conocer las historias que
cuentan sus habitantes por lo que se le dio lugar en una escuela. Los chicos
aceptaron a la invitada y sumaron sus conocimientos legendarios (los huarpes
atados de pies y manos a un poste, hasta hacerlos morir de sed, por ejemplo).
Si bien la presencia de Bodoc se transforma en esencial en muchos pasajes de la
narración, el director Cardone también suma sus propios recuerdos y el de sus
hijos en esos parajes. Por momentos, juega con la iluminación, profundizando
algunos aspectos fantasmagóricos de la sabiduría popular e incluye inserts
antiguos. En definitiva todo conforma su propio imaginario unido al colectivo, p
sea a esas historias que solo conocen los lugareños.
Las secuencias que resultaron más interesantes fueron las del recorrido de las
lagunas, acompañados por huarpes, quienes fueron narrando algunas historias
tales como “eso que parecía” una pluma y que volaba pero nunca quedó en claro
que era, o saber que debajo de las lagunas que hoy se caminan - antes se
navegaban- está toda la civilización huarpe, cuya fauna ya no existe. Otra
curiosidad es el cementerio que está un poco más lejos y tiene dos partes: la de
los huarpes bautizados y la de los “moros”, los no bendecidos. Con solo hundir
un poco una pala, saltan los huesos de los finados.
Como técnica narrativa encontramos un ida y vuelta excesivo que interrumpe el
hilo argumental dado que repentinamente estamos en la historia de los
descendientes de los huarpes para pasar a las charlas de la escritora Bodoc con
los chicos o bien ver las filmaciones de Cardone y sus hijos. Entonces nos
quedamos a mitad de camino de la propuesta: no conocemos cómo viven los huarpes
hoy, ni en qué lugar específicamente, tampoco la inmensidad de la laguna seca,
ni la familia de quienes son los guías. Es que al buscar universos paralelos
como ser la propia historia o incluir a una intelectual del calibre de la
literatra Bodoc, la propuesta diluye su tema central.
Rescatamos lo fundamental; darle visibilidad a los huarpes, una población
autòctona de la que poco y nada se habla, los verdaderos dueños de esa zona que
hoy llamamos Cuyo.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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INSEPARABLES
Animación de Jeremie Degruson. Guion basado en la historia de Joel Cohen y Alec
Sokolow. Coproducción Francia, España, Bélgica. Duración: 85 minutos.
XXX – ¡A NO FIARSE DE LOS TÌTERES!
Jeremie Degruson y sus guionistas, a la manera del gran dramaturgo italiano
Luigi Pirandello, le dan vida a marionetas que, luego de cada función, comentan
lo aburridas que están por hacer siempre lo mismo. El bufón, de mostachos
grises, flaco y alto, es el primero en decir que se va en busca de aventuras. Y
que se siente “Don Quijote”. Aquí aparecen escenas que el gran Cervantes
escribió para su noble personaje: los molinos de vientos y un patito atascado, o
el “brioso corcel” que no es más que un matungo que da paseos por el Central
Park. La “Dulcinea” de la literatura española es la pareja teatral del bufón que
también deberá ser salvada junto con el resto del elenco de títeres. Su
compañero de ruta será el perro Doggy Dog que es descartado. Para el bufón
transformado en un loco Don Quijote, su imaginación es el motor de sus aventuras
mientras que para el perro, su mayor ambición es hacer música y encontrar una
familia. Finalmente, conforman la dupla Don Quijote y Sancho Panza, teniendo
aventuras increíbles en el Central Park de Nueva York.
Es una animación plena de colorido y acción con dibujos tradicionales, buena
música y efectos sonoros, y un excelente mensaje: la familia como centro de amor
y crecimiento y la imaginación para generar proyectos. Simpática, bien hecha, un
poco más de una hora a todo ritmo.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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CABEZA PARLANTE BOCA MUDA
Documental de Matilde Mechanie. Fotografía de Matías Iaccarino en Berlín y
Mariano Maximovicz en Buenos Aires. Duración: 62 minutos.
XXX – UN PASADO QUE ES PRESENTE
Matilde Mechanie emigró a Alemania en 1990, justo cuando el país iniciaba una
etapa muy especial con el entonces presidente Carlos Saúl Menem, una etapa que
ella define como de “desigualdad” en este documental. Y regresó en el 2003,
también un año de conmoción nacional, con la eventual reelección de Menem frente
al candidato Nèstor Kirchner, quien terminó ganando la presidencia por abandono
del primero.
En esa larga década se sucedieron hechos aquí y en el mundo que generaron
situaciones caóticas, dando la impresión de que nada cambió, de que de tanto en
tanto hay necesidad de implosionar algún segmento social aquí y en el mundo. A
propósito de esto, Mechanie toma los casos de los atentados a la Embajada de
Israel y a la Amia así como el ataque a las Torres Gemelas el 11 de setiembre
del 2001 en New York, como el nacimiento de una nueva líder en Alemania, la
premier Angela Merker. Idas y venidas de un mundo que hoy no está mejor que
entonces, que es el pasado que nunca se fue como presente.
El documental tiene buen material de investigación desde antes de la época del
doctor Alfonsín, paladín de nuestra democracia en 1983, hasta el devenir de los
días de hoy. Y además una fotografía bien trabajada porque es clara y nítida,
como si el paso del tiempo no hubiese hecho mella en los archivos. Es, en todo
caso, un buen repaso de historia nacional contemporánea mechada con eventos
internacionales desde la mirada de alguien que necesitó emigrar y que, en su
regreso, enfrenta los mismos hechos sociales. Se puede pensar que acaso su
memoria sufre una distorsión o sencillamente, a pesar de la tecnología de
avanzada, las situaciones siguen siendo las mismas. Es ese pasado que se hace
presente, hoy con un millón y medio de chicos argentinos que se van a la cama
sin cenar. Uno se pregunta cuál es la sensación en palabras de Matilde Michanie
de regresar a un pasado que debiera tener evolución siendo, entonces, un futuro
con esperanzas. Difícil respuesta: en todo caso, es una cuestión de sobrevivir
donde se esté.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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JUEVES 8 DE AGOSTO DEL 2023
1.- LA TRAMPA, de M. Night Shyamalan
Es considerado el mejor trabajo del realizador Shyamalan desde The Village, por
su buena plataforma cinematográfica, clara, precisa, con tintes diabólicos, con
trama simple y personajes complejos.
2.- BORDELANDS, de Eli Roch, con Cate Blanchett y Jack Black
Ciencia ficción pura con una Cate Blanchett que se ha visto en roles “humanos”
muy interesantes, junto a Jack Black, otra de las grandes figuras reconocidas
por nuestro público. La lucha contra los alienígenas es el centro argumental.
Solo para fans a quienes les guste tanta mentirita hollywoodense.
3.- EL CLUB DE LOS VÀNDALOS, de Jeff Nichols, Con Austin Butler.
De simple motoqueros a vándalos. Tal es la premisa de Jeff Nichols que logra un
film sólido dentro del género con muy buenas actuaciones.
4.- EL MAL NO EXISTE, de Ryusuke Hamaguchi.
Ver crítica.
5.- EL SONIDO DE ANTES, de Yael Szmulewisz
Ver crítica.
6.- LA ESTEPA, dirección y guion de Mariano Benito.
Ver crítica.
7.- OID MORTALES, de Verónica Velázquez.
Ver crìtica.
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CRÌTICA
EL SONIDO DE ANTES
De Yael Smulewicz. Con guion propio y coguionista Patricio Crom y Diego Labat.
Fotografía de Pablo Galarza y Tan Kurttekin. Duración: 80 minutos.
XXXX – ESA EXTRAÑA MÙSICA QUE ESCONDE LA NATURALEZA
Este segundo trabajo de Yael Smulewicz nos lleva al mundo de las guitarras,
desde las primitivas que tocaban los gauchos hasta las de Carlos Gardel. El
sonido de antes y el de ahora de acuerdo a la fabricación, a la mano de cada
luthier, es también tema de investigación. Es que partir de esos hermosos
trazados en forma de estrella alrededor de la boca de un guitarra o de ese nácar
de las clavijas antiguas, se abre un abanico de posibilidades de investigación.
Y allí va la realizadora Yael con su curiosa cámara.
La historia propuesta parte del coleccionista Patricio Crom, quien tiene
especial fascinación por este instrumento, e indaga en la importancia de Carlos
Gardel para su difusión, acercándonos ilustres nombres de luthiers y de
cantantes que conocen el secreto guitarrero. El recuerdo de don Atahualpa
Yupanqui (aparece en un breve insert) es enriquecedor: habla de la música que
trae cada árbol por el canto de los pájaros que habitaron sus ramas o de los
vientos que silbaron entre sus hojas. Hay música en la madera. Solo hay que
extraerla. Y para eso están las manos de los luthiers como maestros de los
sonidos de la madera y luego la forma de tocar el producto terminado, hasta
llegar a descubrir el intrigante sonido de las guitarras de las seis grabaciones
que Gardel hizo en 1912 para la Capitol.
La primera fábrica mundial de guitarras fue fundada por Francisco Núñez que,
lamentablemente, hace escasos meses se cerró. Pero sobreviven maestros luthiers
en la ciudad como Sebastián Nuñez, que vivió mucho tiempo en los Países Bajos y
trae información interesante tal como la diferencia entre la fabricación de una
guitarra y su restauración, dos procesos que no tienen nada en común.
Surgen voces de cantores y guitarristas, pero la curiosidad no termina en tanta
experiencia musical: hay que saber cómo se grababa a comienzos del siglo XX.
Para eso visitan a Guillermo Elías, experto en los sistemas de grabación a puro
micrófono “corneta” y ecualización a mano o sea a empujón limpio, insólito hoy
en día.
Muchos son los temas que enriquecen este documental: los nombres de los
hacedores de la guitarra (cuya base formal se ubica en la España del siglo XVI),
el payador nuestro como suerte de bardo pampeano, algunas pruebas con equipos
muy antiguos, la forma física de plasmar el sonido en una placa de metal,
infinitas maneras previas a la técnica actual que mejora lo imposible, ¡hasta a
los más desafinados cantantes y músicos!
Es un viaje fantástico la propuesta de Yael Smulewicz que pone en primer plano
la labor de un luthier, de un hacedor de instrumentos, de un especialista en
sonidos que recorre sensualmente un trozo de tronco hasta encontrar esa forma
oculta que transformará en instrumento.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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EL MAL NO EXISTE
Dirección y guion de Ryujuke Hamaguchi. Fotografía de Yoshio Kitagawa. Música de
Eiko Ishibashi. Duración. 106 minutos. Premio del Jurado en Venecia 2023 y dos
nominaciones, Mejor Película en el London Film Festival.
XXXX- SUGERENTE FILM SOBRE LA INSONDABLE CONDUCTA HUMANA
El cine japonés ha dado, desde siempre, grandes prodigios de la imagen y del
pensamiento. En este caso, el aclamado en festivales Ryusuke Hamaguchi por “El
mal no existe”, que varía un tanto el título original “El diablo no existe”,
regala una historia pausada, por momentos bucólica, que va cambiando de tonos de
manera inesperada, que comienza con la calma de un cielo entre ramas de árboles
altísimos para culminar con una parábola entre el bien y el mal que desacomoda y
perturba.
Luego de más de 8 minutos iniciales donde solo vemos cielo y ramas, surge la
historia de Takumi y su hija Hana, quienes viven en un poblado cercano a Tokyo,
en medio de bosques, con absoluta calma y contemplación de la naturaleza, esos
árboles, los ciervos, las aves de plumajes extraños. Hana se conmueve, Takumi la
ayuda a comprender cómo es vivir con la naturaleza en la que están la vida y la
muerte. Un buen día llegan dos representantes de una empresa que construirá un
“resort” en la zona, y llaman al pueblo a reunión. Allí surgen las voces de los
habitantes que exponen el tremendo daño que causarán al medio ambiente.
La anécdota sirve para que Hamaguchi desarrolle otros aspectos menos pragmáticas
y más existenciales tales como la relación entre el trabajo y la naturaleza, la
mentalidad del empresario que compra conciencias versus la manera de sentir del
hombre común, la codicia de uno frente a la sobrevivencia con dignidad del otro,
la indiferencia del que tiene dinero frente al que se gana el dinero día a día.
Hay muchos aspectos sociales que Hamaguchi plantea entretejiéndolos entre los
claroscuros del bosque. Y pone blanco sobre negro: la dignidad no se compra o no
se alquila y el respeto a la naturaleza es una condición de vida. Hamaguchi nos
está diciendo que el “El mal no existe” es una obra que plantea lo
inconmensurable o lo inasible: la vida, la muerte, la dignidad, en todos los
planos, el humano y el de los no humanos.
La técnica colabora con este planteo existencial de Hamaguchi al usar
travellings tanto como planos largos, con paisajes que se quiebran en horizontes
tachonados de árboles. Por momentos, “El mal no existe” nos deja perplejos:
¿acaso el mal es imprevisible, está aún donde no parece? Hamaguchi nos da
material para pensar.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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ESTEPA
Dirección y guion de Mariano Benito. Con Agustín Sullivan, Jorge Prado, Ariadna
Asturzzi, Emanuel Gallardo, Gustavo Barbato, entre otros. Fotografía de Leandro
Martínez. Música de Mariano Rodríguez. Duraciòn: 84 minutos.
XXX – LOS SECRETOS DE LA PATAGONIA
Siete planos largos, un cuadro en negro, y la estepa patagónica inician la
apertura de Estepa, que tiene centralidad fotográfica en esta película de
Mariano Benito. Es el escenario donde un joven oficial de la zona es enviado de
guardia a un carromato que obra como oficina policial. Francisco (Agustìn
Sullivan) pasará allí un largo dìa que coincide con su cumpleaños. Antes
comprará algo de comer en un bar-burdel de la zona llamado Mustang donde una
empleada tomará, en un descuido, su celular para registrar un video:muestra a
mujeres encerradas para ejercer la prostitución y a autoridades que
ocasionalmente van en ese momento. Ese video será el motivo de todo lo que
sucede después.
En principio, estamos frente a una historia muy bien contada, donde si bien
rápidamente se descubren los actos inmorales que ocurren en tan vastas
extensiones, nada cambiará narrativamente : Francisco vivirá momentos felices,
tendrá su fiesta de cumpleaños inesperada y también un momento de amor fugaz.
Con buen timing, Benito pasa de esta narración con matices pero sin sobresaltos
al policial que se desencadena de manera sorpresiva. La estepa no solo es un
escenario natural sino que lo es también emocional: los personajes están
inmersos en esa soledad profunda donde aprenden a manejarse con sus propias
normas de vida. La amplitud de la Patagonia se transforma entonces en la trampa
de un grupo de hombres y mujeres.
Es un western patagónico sin vueltas, donde no hay caballos pero sì automóviles,
donde hay tantas balas como en el oeste norteamericano, y donde la vida y la
muerte dependen de un instante, de algo imprevisto que Mariano Benito maneja con
precisión. Estepa es un valiente relato sobre la trata de blancas y la
corrupción policial, que contrasta hábilmente la libertad con la opresión, la
honestidad con lo abyecto. Sobresale la actuación del protagonista encarnado por
el joven actor Agustín Sullivan, quien interpretara a Sandro en la televisión,
cuyo carisma fascina a la cámara. Cine profesional, de muy buena factura.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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OID MORTALES
Dirección y guion de Verónica Velázquez, junto a Daniel Fernández. Fotografía de
María Fernanda López, Arte de Micol Metzner y Verónica Velasquez, Música de
Valeria Velásquez con Andrea Digorado, Luis Pardiño, Alan Fernández, Julián
Ignacio Calvo Pili, Cida Valeria Yanguas, Elías Nicolás Córdoba, Ramón Moringa,
Enzo Ayala. Duración: 88 minutos.
XXX - DOCUFICCIÒN SOBRE LOS CENTROS SOCIOEDUCATIVOS CERRADOS
La idea de retratar la vida en los centros Socioeducativos de régimen cerrado
para jóvenes que han delinquido es de la realizadora Verónica Velázquez
basándose en su propia experiencia como docente de esos lugares. Verónica está
graduada en el Instituto de Artes Publicas de Avellaneda y plasma aquí sus
propias vivencias intentando dar caminos de apertura a regímenes que pretenden
ser reeducativos y se transforman en todo lo contrario.
Lo que aquí se muestra es la degradación del ser humano por la desatención del
Estado desde las instalaciones hasta las condiciones cotidianas de vida. Hay
carencia de higiene y todo está inundado por la mediocridad de quienes están a
cargo. La falta de formación del personal que debe guiar a estos jóvenes resulta
apabullante. Y aquí tiene que ver la mano directa del Estado o más bien su
ausencia.
La realizadora ingresa para dar clases de pintura, en especial, frescos en las
roídas paredes del lugar. Asiste a peleas que no tienen sentido entre los
jóvenes, al trato poco humano de los superiores, a una desesperación interior de
los chicos que la manifiestan a través de la agresión: allí no hay nada que los
redima, los reeduque y les permita acceder a la libertad desde un lugar digno.
Desde este punto de vista, queda muy en claro que hay absoluta desatención de lo
indispensable hacia estos jóvenes y que los centros de socioeducativos no tienen
nada. Seguramente, este documental (encuentra en el sitio Cont.ar al que se
accede en forma gratuita además de ofrecerse en pocos días más en el cine
Gaumont) sirve para iniciar un camino del que mucho se habla pero nada se hace:
hacer cárceles y lugares de reeducación que sirvan como tales, que indiquen
caminos de dignidad y que, en todo caso, el castigo de no tener libertad durante
un tiempo, sea de aprendizaje y de formación en todos los aspectos, los formales
y aquéllos que hacen al espíritu: el del respeto al otro a partir de la
formación moral y el ejemplo de los superiores.
El planteo narrativo de la realizadora es coherente, desde la fotografía clásica
hasta la música con una escena que destacamos: un fragmento de una obra de
Mozart es ejecutado por un cuarteto el día de la muestra del mural siendo
bailado como carnavalito, perfecta síntesis de que la educación requiere
enriquecer el espíritu con distintas expresiones artísticas. Se siente esa
necesidad, ya sea pintura como mùsica en este caso. Lo demás vendrá con el
ejemplo.
Verónica Velázquez indica que es un docuficción porque se basa en hechos reales
pero el tratamiento cinematográfico es el de la ficción a partir de un elenco
coral del que van surgiendo los personajes y sus necesidades. Sólida
realización, convincente guion.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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OID MORTALES
Dirección y guion de Verónica Velázquez, junto a Daniel Fernández. Fotografía de
María Fernanda López, Arte de Micol Metzner y Verónica Velasquez, Música de
Valeria Velásquez con Andrea Digorado, Luis Pardiño, Alan Fernández, Julián
Ignacio Calvo Pili, Cida Valeria Yanguas, Elías Nicolás Córdoba, Ramón Moringa,
Enzo Ayala. Duración: 88 minutos.
XXX - DOCUFICCIÒN SOBRE LOS CENTROS SOCIOEDUCATIVOS CERRADOS
La idea de retratar la vida en los centros Socioeducativos de régimen cerrado
para jóvenes que han delinquido es de la realizadora Verónica Velázquez
basándose en su propia experiencia como docente de esos lugares. Verónica está
graduada en el Instituto de Artes Publicas de Avellaneda y plasma aquí sus
propias vivencias intentando dar caminos de apertura a regímenes que pretenden
ser reeducativos y se transforman en todo lo contrario.
Lo que aquí se muestra es la degradación del ser humano por la desatención del
Estado desde las instalaciones hasta las condiciones cotidianas de vida. Hay
carencia de higiene y todo está inundado por la mediocridad de quienes están a
cargo. La falta de formación del personal que debe guiar a estos jóvenes resulta
apabullante. Y aquí tiene que ver la mano directa del Estado o más bien su
ausencia.
La realizadora ingresa para dar clases de pintura, en especial, frescos en las
roídas paredes del lugar. Asiste a peleas que no tienen sentido entre los
jóvenes, al trato poco humano de los superiores, a una desesperación interior de
los chicos que la manifiestan a través de la agresión: allí no hay nada que los
redima, los reeduque y les permita acceder a la libertad desde un lugar digno.
Desde este punto de vista, queda muy en claro que hay absoluta desatención de lo
indispensable hacia estos jóvenes y que los centros de socioeducativos no tienen
nada. Seguramente, este documental (encuentra en el sitio Cont.ar al que se
accede en forma gratuita además de ofrecerse en pocos días más en el cine
Gaumont) sirve para iniciar un camino del que mucho se habla pero nada se hace:
hacer cárceles y lugares de reeducación que sirvan como tales, que indiquen
caminos de dignidad y que, en todo caso, el castigo de no tener libertad durante
un tiempo, sea de aprendizaje y de formación en todos los aspectos, los formales
y aquéllos que hacen al espíritu: el del respeto al otro a partir de la
formación moral y el ejemplo de los superiores.
El planteo narrativo de la realizadora es coherente, desde la fotografía clásica
hasta la música con una escena que destacamos: un fragmento de una obra de
Mozart es ejecutado por un cuarteto el día de la muestra del mural siendo
bailado como carnavalito, perfecta síntesis de que la educación requiere
enriquecer el espíritu con distintas expresiones artísticas. Se siente esa
necesidad, ya sea pintura como mùsica en este caso. Lo demás vendrá con el
ejemplo.
Verónica Velázquez indica que es un docuficción porque se basa en hechos reales
pero el tratamiento cinematográfico es el de la ficción a partir de un elenco
coral del que van surgiendo los personajes y sus necesidades. Sólida
realización, convincente guion.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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JUEVES 1RO DE AGOSTO DEL 2024
1.- MAXXXINE, de Ti West.
Es un film de terror sobre la sobrevivencia en Los Ángeles para llegar a ser una
estrella de Hollywood. La protagonista ha sobrevivido a los sangrientos
incidentes de X, se llama Maxime, y sigue su derrotero entre secuencias calmas y
otras de máximo “gore”.
2.- TUESDAY, EL ÙLTIMO ABRAZO. De Daina Oniunas´Pusic
Llueven los elogios sobre la directora Pusic por el tratamiento narrativo dado a
esta historia donde una madre y su hija se enfrentan a la muerte, pero de una
manera poco habitual. Por sobre la historia en sì, rigurosa, está la
sensibilidad que maneja Pusic para retratar a estos personajes envueltos en el
miedo y la lucha por sobrevivir.
3.- LA INMENSIDAD, de Emanuele Crialese.
Hay crítica
4.- FUMAR PROVOCA TOS, de Quentin Dupieux.
Lo absurdo y lo patético se dan la mano en este film de corte fantástico y
comedia a la vez. Entre al emperador del mal, una tortuga demoníaca y la Tabac
Force, surgen secuencias que provocan risa o estupor. Depende del espectador y
sus gustos.
5.- HAROLD Y SU CRAYON MÀGICO (Harold and the Purple Crayon), animación de
Carlos Saldanha.
La magia de un lápiz especial que crea maravillas. Para todos los públicos.
6.-EL ESCUERZO, Dirección y Guion: Augusto Sinay,
La gacetilla ubica la historia en nuestro en el siglo XIX. En un territorio
serrano devastado por la guerra, un joven gaucho mata a un escuerzo. Cuando su
madre vaticina que el sapo resucitará para vengarse, Venancio emprende un
profundo viaje entre cuatreros, curas, chamanas y desertores, para salvarse de
la maldición.
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CRÍTICAS
LA INMENSIDAD
Dirección de Emanuele Crialese, guion de Emanuele Crialese, Francesca Manieri,
Vittorio Moroni. Fotografía de Gergely Poharnok. Montaje de Clelio Benevento.
Con Penélope Cruz, Vincenzo Amato, Filippo Pucillo, Aurora Quattrocchi, Luciana
Giuliana, María Goretti, Penélope Nieto Conti, India Santella, entre otros.
Duración: 04 minutos. Coproducción Italia y Francia.
XXXX – UNA MESA FAMILIAR DE COMIDA AGRIA
El director Emanuele Crialese confesó que tardó años en filmar su “Inmensidad”,
una suerte de síntesis de recuerdos de infancia, tristezas superadas,
resiliencias inevitables. Y lo logró en éste, su quinto largometraje.
“La inmensidad” nos lleva a los años 70, al hogar de Clara (una insuperable
Penélope Cruz), Felice (Vincenzo Amato) y sus tres hijos, dos niñas y un varón.
La situación conyugal es dramática, Clara sufre el avasallamiento y falta de
respeto de su marido en forma constante. Su hija mayor, Adriana o Adri o
“Andrea” (en italiano es nombre de varón, significa Andrés, proveniente del
griego Andrós) es quien más hace frente a la situación de sus padres por una
cuestión de edad. El del medio, el rubio “Patrizio” demuestra su perplejidad con
pequeños hechos, mientras que la más chiquita hace de las suyas a la hora del
almuerzo, enfureciendo a su padre que poco tiene de paternal. La infidelidad es
otro motivo de profundo drama en esta pareja que tendrá consecuencias
inimaginables para Clara.
Con planos cortos, muchos close up, y una cámara apretada sobre los
protagonistas, Crialese va describiendo la dolorosa cotidianeidad, sombría por
momentos, insoportable otros, recayendo sobre Clara la culpa de todos los males.
Además de mostrar la respuesta de los hijos, convidados de piedra a esta mesa de
platos agrios, desde la mayor que quiere ser varón hasta la pequeña que hace
dibujos en el aire con un pedazo de carne. De a poco, manteniendo el hilo
narrativo, el director pone sobre el tapete la desintegración interior de cada
miembro de familia ante la desesperación por no sufrir más el inconcebible
desamor del padre. Pero en esta desesperación no hay gritos, no hay desmanes,
sino esa pasiva y triste mirada que tienen los niños cuando ven que sus padres
no se soportan más.
Penélope Cruz es, desde hace tiempo, la nueva Sofía Loren del mundo del cine.
Desde aquella inolvidable “Volver” de Pedro Almodóvar hasta en esta “La
inmensidad”, la actriz española no ha hecho más que crecer en ductilidad y
sensibilidad. Su rostro es la imagen perfecta de la sumisión y de la frustración
de “Clara”. “La inmensidad” de Crialese está sin duda en la figura femenina de
su protagonista, en esa mujer que tolera desprecios y engaños pero no abandona a
sus hijos, y enfrenta con valentía un destino que no acepta.
Tremendo retrato de una familia que se autodestruye bajo el mando de un hombre
impiadoso. Emanuele Crialese logró plasmar a esa familia tipo que conoció sumida
en la desintegración con profundidad narrativa y la sensibilidad de Penélope
Cruz, uniéndosele la carismática y verosímil actuación de la joven Luana
Giuliana. “La inmensidad” deja sin palabras, duele su realidad.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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SALVAJES
Dirección y guion de Rodrigo Guerrero. Con Luis Gneco, Beatriz Spelzini, Alan
Taty Fernández, Edgardo Moreira, entre otros. Fotografía de Ezequiel Salinas.
Música de Juan Ignacio Bouscayrol. Duración: 90 minutos.
XXXX – DRAMÁTICO POLICIAL QUE UNE LO SOCIAL CON LO EMOCIONAL
Pocas veces el cine nacional nos regala un policial hecho y derecho como éste,
Salvajes, de Rodrigo Guerrero. Recordamos de manera especial Un oso rojo de
Israel Adrián Caetano del 2002, que nos impactó de la misma manera. Uno busca
razones para la destreza cinematográfica y las encuentra en la creatividad y en
la narración concisa, estudiada, detallista, aquello que tal como se pensó fue
llevado a la pantalla.
En “Salvajes” (título que no nos convenció) un matrimonio mayor, de muy buen
pasar económico, que vive en una mansión en alguna localidad vecina a la Capital
federal, es asaltado por tres jóvenes que buscan dinero. Algún golpe demás y lo
habitual: la mujer, Sonia (Beatriz Spelzini) es obligada a permanecer boca abajo
además de ser apuntada por el más joven mientras su marido, Arturo (Luis
Gnecco), soporta la peor parte al ser arrastrado por los cuartos, generándose un
clima de tensión que no se detendrá hasta el final. Y es la característica
esencial de “Salvajes”.
En cuanto se descuidan, Arturo logra tomar su revólver y sale al inmenso parque
de la casa. Algo pasa, pero nos enteramos después, cuando su mujer descubre al
más joven de los delincuentes encerrado en el sótano.
A esta intensísima historia (no se pueden dar detalles) el director da paso a
secuencias de dramática psicopatía: el matrimonio descubre, cada uno a su
tiempo, que ese chico que llora, patea, que pide volver con su madre, se parece
al hijo que perdieron. No obstante, en medio de esta situación, cuyo desenlace
se desconoce, Guerrero se las ingenia para rodar secuencias de gran
refinamiento: a la hora de la cena o en algunos momentos de soledad de Arturo se
escucha una canción clásica en la voz de una mezzosoprano por lo que, entre el
piano y la cantante de fuerte temperamento, se agrega una capa más de sordidez y
de tensión.
El comienzo de la película marca la parábola, común en el cine o en los textos
periodísticos: es el final pero da inicio a un policial en el que valen tres
personajes y la cámara de Guerrero. Y también la banda sonora que se entromete
en distintos momentos a través de ruidos o sonidos apagados como si chocaran
cables de alta tensión a manera de convidada de piedra que, a su manera, va
agregando otra buena cuota de inquietud. Es decir todos los elementos técnicos y
actorales se suman para conformar una historia tremenda, más que de salvajes, de
enfermos de dolor y soledad que encuentran en un hecho delicuencial la forma de
expresar el agónico dolor que padecen como padres.
Y aquí gana el policial de Guerrero: supo generar una hora y media de suspenso
hasta hacerlo insoportable a través de las carencias emocionales de dos adultos
porque, de detenerse en el asalto en sì, no hubiese superado la convención del
gènero.
Es de lo mejor que hemos visto en el género, de gran intensidad dramática y
actuaciones contundentes tanto de Spelzini y Gnecco como del joven Fernández,
conmovedor y patético a la vez. La fotografía y la posproducción colaboraron en
hacer de “Salvajes” un policial de colección.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
-
BAJO EL SOL DEL ROCANROL
Documental de Mónica Simoncini y Omar Neri. Fotografía de Sebastián Mariño, Arte
de Ana Audivert, Música de Rubén de León y Jorge Senno. Con la participación de
Jorge Pitocchi, Marta Kelly, Pipo Lernoud, Alfredo Rosso, Claudio Kleiman, entre
otros. Duración: 110 minutos.
XXX- TRIBUJO A LA RESISTENCIA DE LOS SUEÑOS DE UN GRAN CREADOR GRÀFICO
En verdad, los documentalistas nacionales tienen una gran creatividad y, además
de informar, regalan productos visualmente bellos e instructivos, con
investigación profunda. Es el caso de “Bajo el sol del rocanrol” que rescata la
figura del periodista Jorge Pistocchi, fallecido en el 2015, fundador de varias
revistas de la llamada “contracultura”, desde su intervención iniciática en
“Pelo” hasta sus productos Mordisco, Expreso Imaginario, Zaff y Pan Caliente.
Más allá de sus creaciones gráficas, está el camino que señaló y marcò: el del
arte como liberación, una línea de acción que incluía la ecología y la ayuda al
pròjimo que se forjò a finales de los 60 y que tuvo en el Rock and Roll nacional
la voz ideal para decir verdades y contar sueños a realizar. Nada era imposible
para Pistocchi, y eso lo llevò a generar festivales, a colaborar en la
recuperación de una fábrica textil en los 90 y a mantener un programa radial en
La Boca hasta el final para que los sueños no se olvidaran, tuviesen alguien que
“los” hablara y les diera cabida.
El film cuenta con la muy interesante entrevista que se le realizò en su casa,
de fondo amplio y cargado de plantas, desprolijo y cálido a la vez, hasta la
presencia ante cámaras de quienes colaboraron y tuvieron de su parte un impulso
estético para seguir viviendo. Por aquello tan socrático de que la ética es
estética a la vez.
Estas entrevistas son a cámara pero son también diferentes porque se realizan
con fondos lisos, puros y con una iluminación cenital y lateral al mismo tiempo:
hay pureza visual, resultan como “recortadas” , claras, definidas.
También hay mucho trabajo de arte a través de animaciones coloridas de las
consideradas psicodélicas, es decir, características de ese movimiento
sesentista que se nutrió de drogas y rock and roll fuerte, ronco, estridente en
todas sus texturas, las auditivas y las visuales.
De todo esto se trata Bajo el sol del rocanrol que cuenta con música de Rubén de
León y Jorge Senno: de la lucha por hacer lo imposible posible de Jorge
PIstocchi, un referente cultural para el período fuerte de nuestro rocanrol, con
figuras increíbles como Litto Nebbia, Celeste Carballo, Alejandro Lerner y su
bajista Rubén Rada, entre tantos otros nombres. Es que, como siempre hemos
pensado, el rocanrol fue mucho más que un ritmo frenético que llegó a nuestras
costas a fines de los 40: en nuestro país representó la voz de la libertad en
los períodos oscuros. Fue la resistencia cantada y sin balas que abrevó Jorge
Petrocchi, sobreviviente como nosotros del feroz bombardeo a la Plaza de Mayo de
1955. Representó el espacio cultural donde los ideales crecieron lentamente para
seguir existiendo en cuanto el sol asomara un poco más fuerte.
Con fotografía de gran calidad, buenas entrevistas, y un diseño de arte de
fuerte colorido y sonido estremecedor, surge Bajo el sol del rocanrol como un
documental que rinde tributo a un hombre con ideales inquebrantables que supo
resumir en palabras y arte la voz del común de la gente.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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FUMAR PROVOCA TOS
Dirección y guion de Quentin Dupieux. Con Gilles Lellouche, Vincent Lacoste,
Anais Deloustier, Jean Pascal Zadi, Oulaya Amamra, JuliaFaure, entre otros.
Fotografía de Quentin Dupieux. Duración: 80 minutos.
XXX -DISPARATE A LA FRANCESA
Poco se conoce de Quentin Dupieux, salvo en muestras o festivales, en esta parte
del mundo. Es un director muy creativo y volcado al absurdo. En “Fumar provoca
tos”, basa su historia en un grupo de cinco “justicieros” contra el “maligno” a
la manera de “Los ángeles de Charlie” aunque su “Charlie” es un desagradable
muñeco muy parecido al personaje “Alf” con una nariz más extensa y desagradables
excreciones. Los justicieros reciben el nombre de “Tabac Force” porque cada uno
de ellos representan elementos componentes del tabaco y su excipiente.
Revientan, literalmente, a la Tortuga Maléfica y son enviados a un retiro para
volver a tomar fuerzas. La película se torna lenta por el racconto de historias
horrorosas de cada integrante, vestidos al estilo de la “Mujer maravilla” pero
devaluada. Así asistimos, porque los cuentos cobran vida, al joven triturado o a
la mujer con un casco que toma venganza, entre otras secuencias que son
disparatadas, insólitas y, no obstante, no caen en lo burdo sino en el absurdo
que, como tal, puede hacer o no reír.
En verdad, Dipieux se transformó en un director de culto que ha logrado crear un
universo personal con personajes de la realidad y, en especial, de los
superhéroes de Hollywood. Logra ridiculizarlos, los expone en sus debilidades y
les quita la aureola de poderosos inalcanzables.
Dipieux maneja el absurdo de manera tal que pone al espectador frente a un
desafío: se conecta con su sentido especial del humor o no hay entretenimiento.
“Fumar provoca tos” nos deja pendulando entre los TeleTubies, Los Ángeles de
Charlie, Alf, las Tortugas Ninja, y el Superagente 86, entre otros personajes,
con frases tales como “el planeta de los locos o de los enfermos”, que lo ubican
cerca del existencialismo francés y del surrealismo con un toque anterior, el
del dadaísmo. Para determinados paladares cinematográficos.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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JUEVES 18 DE JULIO DEL 2024
(Los siguientes son los títulos previstos para este jueves. Puede haber cambios
de último momento.)
1.- BLUELOCK EPISODE NADI, de S. Ischikawa. Japón
Es una animación japonesa que tiene como protagonista a NAGI, un delantero en
equipo de fútbol que logrará ser una estrella. Se indica que este episodio
requiere conocer el anterior, donde se lanza el llamado Proyecto Blue Lock. Las
técnicas del fútbol están muy bien logradas. Es para fanáticos de este deporte
que ya conozcan, como se dijo, al protagonista.
2.- DE NOCHE CON EL DIABLO, de Cameron Cairnes y Colin Cairnes
Es considerada como un gran producto que toma a la televisión como centro: en la
noche de 1977 el conductor Jack Deiroy entrevista a una parapsicóloga y a la
sobreviviente de una masacre. Y es el comienzo del terror que hará saltar de las
butacas.
3.- EL DIVINO ZAMORA, de Neri Marcoré
4.- LAS VOCES DE PABLO, de Gonzalo Murúa Losada.
5.- QUIZÀS ES CIERTO LO QUE DICEN DE NOSOTRAS, de Sofia Paloma Gómez y Camilo
Becerra. Chile.
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CRÌTICAS
LAS VOCES DE PABLO
Documental de Gonzalo Murúa Losada. Montaje de Mauro Caporossi y Gonzalo Murúa
Losada. Fotografía de Matías Slupski, Arte de Alix Cobelo, Música Original de
Gonzalo D Alessandro, Duración: 75 minutos.
XXXX – EMOTIVO HOMENAJE AL GRAN LAUTARO MURÌA DE SU HIJO PABLO
La relación padres e hijos es fundacional en la vida de cualquier persona. Los
conflictos no resueltos de los mayores que los llevan a una separación también
se tornan en basales en la vida de sus hijos. Es el caso de Gonzalo Murúa
Losada, nieto del gran actor chileno Lautaro Murúa, un hombre de enorme
elegancia, con una enorme intelectualidad y una capacidad única para la
actuación. Su hijo Pablo fue confidente de a ratos con su padre y hasta
compartieron el guion y actuaron juntos en Cuarteles de Invierno. Pero hubo un
quiebre entre ellos, o bien Pablo que quería alcanzar la grandiosidad de su
padre Lautaro, o la dificultad para sobresalir por sí mismo. No es un problema
inusual, les ocurre a todos los hijos de grandes artistas. Pero para Pablo fue
crucial, fundacional, como decíamos al principio. Su casamiento con la elegante
Losada dio dos frutos, una hermosa mujer y el pequeño Gonzalo, quien también
sintió admiración por su abuelo y su padre. Pero sufrió otro quiebre: la
separación de sus padres, y luego la ausencia de Pablo al viajar a España para
acompañar a don Lautaro que moría de cáncer en el exilio.
El guion es pura sensibilidad, no hay lugares comunes, hay dolor, hay exquisitez
en el amor filial, búsqueda de comprensión. Porque Pablo murió en el 2013, ya
unido a otra mujer, alejado de sus hijos, pero igual les dejó un email fechado
en el 2012.
Gonzalo quiso recomponer esta soledad, este ver a un padre por una pantalla o
por sus escritos, sus cuentos, en vez de sentir el necesario y ansiado abrazo.
Así surge este documental hecho a base de una búsqueda de amor que duele.
Gonzalo Murúa Losada se vale de una fotografía por momentos minimalista, en
otros casi de inteligencia artificial (una vieja máquina, tal vez una Remington,
de escribir tipeando sola, sin manos a la vista), de la voz en off de la
inefable Graciela Borges que tanto conoció a Pablo y tanto quiso a Lautaro.
Todos hablan del quiebre de Pablo cuando, jugando con armas cargadas, se escapó
un tiro e hirió casi de muerte al primo menor, un chiquitín de pocos años que
pudo salvar su vida.
Luego fueron las malas juntas, otro casamiento, el alejamiento de ese ombligo de
la vida que es la familia, hasta morir desquiciado de dolor. Gonzalo Murúa
Losada se vale de su madre, de su hermana, además de otras personalidades y
referentes familiares, para restañar su alma, y comprender el dolor existencial
de su padre, al que le regala este precioso documental, tan necesario por varios
motivos: porque es realmente cine arte y porque rescata la figura de dos
grandes, el abuelo Lautaro Murúa y uno de sus hijos, Pablo Murúa. Para ver, para
emocionarse, para comprender ese inconmensurable amor de padres e hijos.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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QUIZÁS ES CIERTO LO QUE DICEN DE NOSOTRAS
Dirección y guion de Camilo Becerra y Sofìa Gómez. Fotografía d e Manuel
Rebella, Música de Pablo Mondragòn. Con Aline Kuppenheim, Camila Milenka y Julia
Lubbert, entre otros. Duración: 95 minutos.
XXX – EL VALOR DE LOS PADRES ANTE EL ACECHO DE LAS SECTAS
La generación de sectas en las últimas décadas ha provocado tragedias familiares
inimaginables. En nuestro país y en el mundo. En esta película se plantea un
caso real que conmovió a la sociedad chilena en el 2013 cuando se supo que una
recién nacida había sido sacrificada por “Antares de la luz”, de la localidad de
Culliguay.
Tres tomas iniciales indican que el film irá de lo particular a lo general:
primero Ximena (Aline Kuppenheim), con un foco que va y viene sobre su rostro,
luego un espejo y un rincón de una casa con decoración minimalista, hasta
abrirse al jardín y ver por dónde ingresa una muchacha camuflada, rompiendo
vidrios. Es Tamara (Camila Milenka) que decide regresar a su hogar luego de
varios años. Hay una hermana menor y está su madre ambas asombradas por esta
vuelta inesperada.
El tema de las sectas se estudia desde hace tiempo por haberse generado varias
de ellas que sacaron a los hijos adolescentes de sus hogares, les lavaron el
cerebro, y los sometieron vilmente, desde hacerles consumir drogas hasta el
paroxismo, hasta el sexo comunitario. La libertad espiritual con que fueron
atraídos estos jóvenes de ambos sexos se transforma en una cárcel con torturas
físicas y, en el caso de las mujeres, en una maternidad no buscada expuestas a
la entrega inevitable de sus criaturas para venta o para horripilantes
asesinatos.
Tamara viene de vivir ese infierno, pero no habla, mira a la madre como una
enemiga, y se relaciona con una joven que logró escapar. Repentinamente, la
justicia hará su entrada y las cosas cambiarán.
Es un tema que estremece, que resulta incomprensible, pero que sucede: una
jovencita obligada a tirar su bebé a una hoguera, y luego la culpa, la
perturbación psíquica y la condena social y judicial. Pero hay una madre para
guiarla, solo que deberá romper el férreo círculo mental de su hija contra ella.
Muy buena fotografía, un elenco pequeño y sólido, con actuaciones conmovedoras y
convincentes como la secuencia del arrepentimiento de Tamara hasta quebrarse en
gritos de enloquecido dolor, van llevando la narración a los momentos cruciales
donde la verdad es tan cruda que resulta insoportable. Los directores manejan
con ductilidad esta dolorosa madeja de sentimientos más que poner la cámara a
disposición del horror. La buena decisión está en desarrollar la relación
madre-hija sumidas en una tragedia que ninguna imaginò. Y, obviamente, surge la
reflexión sobre entornos familiares y hasta la presunta culpabilidad de los
mayores. Pero en verdad los realizadores apuntan a mostrar el brutal destino de
dolor y culpa que se puede tener cuando se toman decisiones equivocadas o se ve
a los padres como una traba para una supuesta absoluta libertad. Para
reflexionar.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
-
EL DIVINO ZAMORA
De Neri Marcoré. Con Alberto Paradossi, Neri Marcoré, Marta Gastini Anna
Ferraioli Ravel, Walter Leonard, Giovanni Esposito, Giovanni Storti, Giacomo
Poretti, Pìa Engleberth, entre otros. Fotografía de Duccio Cimatti, Edición de
Alessio Dogione, Música de Pacífico, Duración: 100 minutos. Italia, Distribuye
Zeta Films en Argentina.
XXXX – REENCUENTRO CON LA BUENA COMEDIA ITALIANA
Para la mayoría del público de esta parte del mundo el nombre Neri Marcoré no
dice nada. Sin embargo, es una de las figuras populares en Italia que ha
transitado por el teatro, la televisión y ahora encara el cine “mayor” con la
película “El divino Zamora” basada en la novela homónima de Roberto Perrone. Es
un rebuscado homenaje al notable “portero” Zamora de España, considerado una
leyenda que dejó huella en el fútbol. Es “rebuscado” porque no hay una
referencia directa a ese apellido, solo el hecho de que haya sido un gran
arquero y nuestro protagonista deba luchar para ser o buen arquero o buen
contador.
Aunque, en verdad, la historia no es de fútbol sino de crecimiento personal:
Marcoré ubica a su personaje en los 60, en un pueblo vecino a la ciudad de
Milán. Allí “Walter Vismara” (Alberto Paradossi) trabaja como contador en una
empresa que cierra sus puertas pero el dueño le consigue un trabajo en la ciudad
de Milán. Allí vive la hermana de Walter, casada hace unos años con un
“viajante”. Lo que no sabe Walter es que el dueño de la nueva empresa es un
“tifoso” del fútbol, en especial del Inter, y que está buscando un arquero para
el partido entre casados y solteros.
En la narración de Neri Marcoré, esta mentira de Walter (tiene la altura
necesaria para ser arquero y buena pinta como para enamorar) es la llave de paso
hacia la superación de sus frustraciones frente a los dictámenes paternos.
También, Marcoré (se reservó el rol de Giorgio Cavazzoni, reconocido ex arquero
que vive en la indigencia) va guiando a su personaje hacia la evolución y
maduración como hombre y como profesional. En esto tendrá mucho que ver la
positiva actitud de su hermana y, por supuesto, el arquero Cavazzoni.
Estamos frente a un regreso sólido y atractivo de la comedia italiana, más
romántica que picaresca. Hay un protagonista que debe crecer como persona,
adaptarse a reglas sociales muy diferentes a las de su pueblo. En estos cambios
de actitud que Walter debe asimilar está el secreto de esta comedia que resulta
muy agradable, muy bien realizada (los rubros técnicos son impecables) aunque le
reprochamos a Marcoré un desenlace un tanto apurado. Pero esto no hace mella en
la propuesta en sí que nos regala la llegada de un galán como Alberto Paradossi,
como buen oponente a los de estirpe hollywoodense. Para disfrutar.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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JUEVES 11 DE JULIO DEL 2024
1.-TORNADOS
Una actualización de la tradicional Twisters, a través de la experiencia de una
“busca tornados” en especial que tuvo un gran revés en el pasado.
2.- LA OTRA CARA DE LA LUNA, de Greg Berlanti
Con Scarlett Johansson y Channin Tatum, sobre el alunizaje de la Apolo 11 en la
Luna y el llamado a una experta en marketing (Johansson) para mejorar la imagen
de la NASA.
3.- LAS FIERAS, de Juan Agustín Flores
4.- MEJUNJE, documental de Javier Pernas
5.- LA GRUTA CONTINUA, de Juliàn D Angiolillo
6.- BERTA Y PABLO, de Matìas Szulanski
7.- YUKU Y LA FLOR DEL HIMALAYA, Animaciòn.
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CRÌTICAS
LAS FIERAS
Dirección y guion de Juan Agustìn Flores. Coguionista: Ezequiel Epifanio.
Fotografía de Mariano Laguzzi. Con Andrés Ciavaglia, Jorge Sesán, Moro
Anghileri, Carlos Portaluppi, entre otros. Duración: 75 minutos.
XXX – DRAMÁTICO RELATO SOBRE LA CODICIA
En verdad la codicia se muestra a la vuelta de la esquina. Salta, surge, cuando
uno menos lo piensa. Tal es el caso que vive Julián cuando regresa al hogar
paterno en la Patagonia junto a su pareja Clara. Su padre está por morir y le
deja a su cargo la casa y el ganado. Lo que no sabe el protagonista es que el
entorno envidia esas posesiones y hará lo que fuere para que Julián abandone el
lugar. Aunque todo esto se irá desarrollando en la propuesta y hay que ver hasta
qué punto ceden unos y otros en sus respectivas posiciones, manejándose un
suspenso entre siniestro y trágico en cualquiera de los casos.
La historia tiene una narración muy sencilla: secuencia tras secuencia, una
duración bastante extrema hasta llegar a momentos más cruciales. De a poco, el
director Flores va “cocinando” la acción. Muchas llamadas telefónicas, la novia
que va a la escuela a dar cursos, el padre que espera la llegada del hijo siendo
cuidado por una enfermera. Todo parece ir por carriles salvo por las
especulaciones de los vecinos, encarnados por Carlos Portaluppi en un rol fuerte
y Jorge Sesán, su compinche que ve las cosas con menos violencia.
La acción se acelera con la muerte del padre y sobreviene la catástrofe
previsible que mantuvo en ascuas desde el comienzo y que es el gran logro de
esta historia. En sí misma, la propuesta no tiene nada novedoso pero sí lo es el
tratamiento narrativo que le da Flores a través de un medido timing en las
secuencias, o detalles a cuentagotas del “gore” sin que llegue a explotar.
La fotografía es realmente muy buena, especialmente la nocturna, hay un especial
cuidado en la iluminación, así como hay un trabajo muy profesional de todo el
elenco que, aunque pocos personajes, rinde y mucho.
Buen tratamiento narrativo, buena fotografía y personajes que cobran
protagonismo en cada secuencia con un final que nos deja boquiabiertos.
Elsa Bragato, actoresonline.com
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BERTA Y PABLO
(Estreno en Cine Arte Cacodelphia)
De Matìas Szulanski. Fotografía de Matìas Szulanski. Música de Carlos Páez y
Matías Szulanski. Con Ana Skornik, Inés Urdìnez, Camila Buch, Paulo Pécora y
Valentina D’Emilio. Duraciòn 61 minutos.
XXX - RECUERDOS DE FAMILIA
“Berta y Pablo” es un homenaje del director Matías Szulanski a sus abuelos,
Pablo y Berta, el primero fallecido muy temprano y luego Berta, su viuda.
Tuvieron un amor profundo y , para el realizador Szulanski, pocas veces visto. A
partir de este tema personal, encara esta película que bien califica él mismo de
“naif” donde “Carolina” (Ana Stornik) ,la protagonista, decide viajar desde
Montevideo a Buenos Aires a fin de darle aire a la relación que mantiene y, de
paso, ir a la casa de la abuela ya fallecida, y ver qué puede recuperar como
legado familiar.
La realización narrativa es impecable. Sin duda, Szulanski no es ningún
improvisado en el arte de contar una historia. El tema pasa por la escasa
emotividad y una búsqueda “a las cansadas” de recuerdos de los abuelos cuando el
tema que supuestamente la moviliza para vivir en la casa de sus antepasados
debiera movilizar su corazón. Esta carencia de emoción la transforma en una
película más, si bien promediando la propuesta cinematográfica “Carolina”
encuentra un breve film de la época con los abuelos y una dedicatoria en un
libro de una reconocida colección de hace 50 años y, casi como de paso, conoce
al hermano del abuelo en una librería “de viejos”. Muy poco sobre el tema en sí
y mucho del andar de la joven protagonista por las calles porteñas y grabar
temas musicales, de buena factura, con una amiga suya.
La realización es muy buena, diríamos impecable, pero muy fría. Mucho celular
dando lugar a la presentación de “Carolina” como cantante más que como nieta de
unos abuelos cuyos recuerdos quiere rescatar.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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LA GRUTA CONTINUA
De Julián D’Angiolillo, guion en base a idea de Alby Cotti. Montaje de Pablo
Mazzolo y Julián D’Angiolillo, Música de Nicolás Varchausky. Con la
participación de Alberto Cotti, Andrea Gobetti, Giovanni Badino, Claudio de
Filippo, Angel Graña. Duración:
XXXX – LAS GRUTAS ENTRE EL MISTERIO Y LA CIENCIA
La espeleología es la ciencia que estudia las grutas que encontramos en este
planeta. Pero además de esta especialidad, está Julián D’Angiolillo con su
inquieta cámara mostrándonos los misterios de las grutas, que va desentrañando o
cuanto menos determinándolos para poder afirmar que la vida allí dentro es más
lenta y no hay radiaciones que la contaminen.
En el caso de este documental, que cuenta con la producción de la reconocida
Lita Stantic, uno de los grandes nombres de la producción cinematográfica
nacional, D’Angiolillo recorre algunas grutas de los montes italianos, así como
el sistema cavernario más grande de la isla de Cuba, que sirvió de búnker al Che
Guevara durante el período de los misiles de 1962.
Para este realizador, su mirada es diferente a cualquier enamorado de estos
espacios bajo tierra de extrañas aberturas para ingresar: D’Angiolillo estudia
formas y sonidos, encuentra armonías diferentes entre grutas redondas, o muy
extensas, o alargadas. Y logra llevarlas, plasmarlas en complejos sistemas
tecnológicos donde se logra verlas en su tridimensionalidad. Fascinante trabajo
visual.
Su trabajo en zonas tan extrañas del planeta intentan acercarnos a estos
misterios terrestres, interpretarlos, respetarlos y concebirlos como lo que
pueden ser: desde reservorios de agua dulce hasta futuros techos, bunkers como
lo fueron en la antigüedad y en el siglo XX. Es decir, encara el documental bajo
un lema tácito: el respeto por espacios cargados de misterios que va
desentrañando ante cámaras. Sin descontar los peligros que pueden acarrear como
quedar atascados entre rocas angostas, o no calcular fehacientemente ni el frío
o el calor de determinadas zonas de estos senderos bajo tierra.
En definitiva, un trabajo estupendo que le regala al cine ciencia y belleza
visual, diferente, con la que se puede unir el arte de la danza hasta la música
misma. Solo es cuestión de encontrarlas entre las piedras que nunca verán la luz
del sol. Caminos bajo tierra que pueden ser salvación.
Excelente fotografía y creatividad puesta al servicio de una ciencia especial
que resulta una atracción cargada de misterios a resolver.
Elsa Bragato, actoresonline.com
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MEJUNJE
Dirección y Guion de Javier Pernas. Fotografía de Fernando Nogueira. Duración:
82 minutos.
XXX – CÓMO ENCONTRAR LA FELICIDAD SIENDO UNO MISMO
El caso de Melisa Granados, con síndrome de Down, es ejemplar. El realizador
Javier Pernas recorre un momento en la vida de esta joven actriz que está
convencida de lo que quiere más que ningún otro: ser feliz. Se dio cuenta desde
siempre que en el escenario encontraba ser ella misma, y, en especial, en la
comedia. No así en el drama, donde sufre. Hay una secuencia de intenso llanto
donde demuestra que no es lo que quiere para ella.
Melisa es la protagonista esencial de esta especie de unipersonal filmado:
frente a cámaras, explica cómo se siente, lo que quiere para su vida y, en
especial, ser vista, reconocida por su arte y no ser invisible como se siente
caminando por la calle o en la vida cotidiana. Tiene un instructor y tiene a su
madre quien la ayuda a componer su personaje llamado Mejunje, con el que va
armando diferentes secuencias, desde el texto hasta encontrar el vestuario
adecuado para llevarlo a escena.
Fuera del escenario, donde transcurre la mayor parte del documental, Pernas da
aire a la propuesta con Melisa yendo a la orilla del río o disfrutando de la
puesta del sol. Es un documental que sensibiliza y, a pesar de ser monotemático
al extremo, encuentra en la forma de narrar del director, a través de closeup o
planos largos, un momento cinematográfico donde el lema es alcanzar la felicidad
siendo uno mismo. Pocas veces el objetivo de un film es tan claro como aquí. El
logro es de Melisa y de un director con la capacidad de captar el sentimiento de
su primera actriz transformándolo en imágenes.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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YUKU Y LA FLOR DEL HIMALAYA
Dirección y guion de Arnaud Demuynch y codirección de Rémi Durin. Música de
Alexandre Broulliard, David Rémy y Yan Volsy. Duración: 65 minutos. Bélgica,
Francia, Suiza.
XXXX – PRECIOSA ANIMACIÓN SOBRE EL AMOR A LOS ABUELOS
Con una animación estilizada, es decir, ratones de cuerpos aerodinámicos, Arnaud
Demuynch y su equipo crean una historia de amor y respeto a los mayores adornada
con una música deliciosa, basada en diferentes ritmos del jazz, desde el swing
hasta el rap y el blues. “Yuku” es una ratoncita dueña de un ukelele y sabe que
la música exorciza muchos males; para agasajar a su abuelita que se va
despidiendo de la vida, decide ir a buscar “la flor del Himalaya” con su ukelele
segura como está que no habrá quién se le resista. Es una cruzada muy difícil,
debiendo enfrentar a una ardilla, un zorro, un cuervo y un lobo feroz en su
largo trajinar. Pero ese ukelele logrará milagros.
Es imposible no reconocer en esta animación el gusto de los belgas por el jazz
así como por las animaciones con sus conflictos pero que pueden resolverse sin
exageración. Se nota un refinamiento en las secuencias no habitual en las
grandes factorías de animación.
Lejos de los dibujos en tercera dimensión, se optó por la linealidad, el color y
la música para dar vida a una historia que se sigue con gusto y hasta hace
bailar en la butaca. “Yuku” es un regalo para grandes y chicos que merece
disfrutarse por su realización y por su bello mensaje.
Nota de redacción: Alexandre Brouilliard es uno de los tres fundadores de una
empresa de animación en Bruselas, en el 2008. Asì como Los dos directores
Demuynck y Durin es la tercera animación en la que trabajan juntos.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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JUEVES 4 DE JULIO DEL 2024
ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE PRIMER JUEVES DE JULIO
(PUEDE HABER CAMBIOS IMPREVISTOS)
1.- UN LUGAR EN SILENCIO, DÌA UNO, de Michael Zarnosky, Estados Unidos.
Sin crítica hasta el jueves o viernes en diarios nacionales e internacionales.
2.-CLUB CERO, de Jessica Hauser. Austria.
Hay crítica.
3.- LA MATRIARCA, de Matthey Saville, Nueva Zelanda
Hay crítica
4..- LA RUPTURA, de Marina Glazer, Argentina
5.- LA CULPA DE NADA, de Manuel Vignau, Argentina
Hay crìtica
6.- LOS JUSTOS, de Martìn Piñeiro, Argentina
Hay crìtica
CRÍTICAS
LA MATRIARCA
Dirección y guion de Matthew Saville. Con Charlotte Rampling, George Ferrier,
Marton Csokas, Edith Poor. Fotografía de Martyn Williams, Música de Marlon
Williams y Mark Perkings, Duración: 94 minutos. Nueva Zelanda
XXX – BUEN RELATO SOBRE LAS RELACIONES FAMILIARES
Echando mano a su propia historia adolescente, el realizador Matthew Saville
lleva al cine la historia que èl tuvo con su propia abuela, una fotógrafa de
guerra que era alcohólica y que había decidido volver al hogar de la familia en
Nueva Zelanda. Y a él le tocó cuidarla por una elección familiar. Con la
magnífica Charlotte Rampling como la abuela Ruth y el joven George Ferrier como
el nieto “Sam”, reconstruye una vivencia propia a través de secuencias que van
aumentando la empatía con los personajes y sensibilizando al espectador ante la
bella relación familiar que se establece.
“Sam” es un joven rebelde, con tendencias suicidas desde que falleció su madre y
su padre (Marton Csokas) decidió llevarlo a un internado. Cuando la “matriarca”
de la familia, Ruth (Rampling) se quiebra una pierna, el padre decide que sea su
hijo quien la cuide mientras él regresa a Londres a vivir su vida.
Vibrante Charlotte Rampling en el papel de Ruth, encarna a esa abuela que
mantiene su fuerte carácter, que no abandona la ginebra y que no se rinde aunque
tenga que estar a expensas de terceros para trasladarse. Su nieto Sam (Ferrier)
detesta la situación que le toca vivir, hasta que descubre el lado lùdico y la
femineidad en esa señora de 77 años que no abandona la idea de vivir otros
momentos de felicidad. Conquista a los amigos de su nieto al ofrecerles una
fiesta con mucha bebida si son capaces de limpiar el jardín tan abandonado.
Es el puntapie para que la historia tome un cariz simpático a través de la buena
relación entre el nieto y la abuela. El primero entiende que es una mujer vital,
a pesar de los años, y la dama vuelve a sonreír y a disfrutar de la vida por un
largo momento a través de la alegría de los jóvenes.
Este ida y vuelta entre mayores y jóvenes resulta estimulante, así como la
energía de la abuela Ruth mantiene el hilo narrativo de principio a fin.
Charlotte Rampling es dueña de gran elegancia en sus actuaciones, no siendo ésta
la excepción, y los años añadieron a sus interpretaciones sencillez,
naturalidad, no hay afectación en esta dama setentona sino calidad
interpretativa. Resulta un film edificante y emotivo aunque deba transitar
algunos clishés. Para disfrutar.
Elsa Bragato, actoresonline.com
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LOS JUSTOS
Dirección y guion de Martín Piñeiro. Con Arturo Puig, Claudio Rissi, Claudia
Lapacó, Luis Ziembrowski, Mirta Wons, Muriel Santa Ana, entre otros. Fotografía
de Agustín Barrutia, Arte de Augusto Latorraca Escalante, Música original de
Juan Tobal. Duración: 80 minutos.
XXXX – EL PODER DE LOS ABUELOS
El escritor Adolfo Bioy Casares escribió la novela “La guerra del cerdo”, que
fuese llevada al cine, donde vio venir la cuestión “etárea” tan actual: los más
jóvenes desoyendo a los mayores o bien discriminándolos. Martín Piñeiro,
reconocido director nacional e internacional, toma una punta de esta idea y
realiza una estupenda comedia negra con toques de humor inglés: nada es burdo,
hay elegancia en este setentoso señor Atilio (Arturo Puig) que luego de su
viudez y de sufrir un accidente físico, es llevado a un geriátrico por su hija (
Muriel Santa Ana). Aquello que en principio podría generarle depresión, queda al
margen cuando conoce a otro añoso abuelo llamado “Beto” (el recordado Claudio
Rissi), que sabe cómo escaparse de noche para pasarla mejor. Asì descubren a un
malandra encarnado por Luiz Ziembrowski, dueño de una funeraria, que utiliza los
ataúdes para armas y dinero malhabido. Y Atilio y Beto pergeñan un plan para
mandarlos presos. Se les suma una compañera, encarnada por Claudia Lapacò. El
geriàtrico estarà en vilo por un buen tiempo aunque los internos se preparan con
su ingenio y armas como muletas y andadores para dar batalla.
Hay secuencias realmente divertidas y bien realizadas, así como muy bien
actuadas y, como decíamos al comienzo, con toques del consabido humor inglés,
siempre eficaz y nunca chabacano.
La narración de Piñeiro transcurre con una creciente tensión, pasando de la
comedia semitrágica, a la comedia negra y al policial, sin olvidar el toque
romántico. Arturo Puig demuestra la solvencia propia de los grandes actores que
hacen creíbles cualquier personaje, secundado por un Claudio Rissi muy lejos de
sus tremebundos personajes televisivos, y por una Claudia Lapacó dueña de una
belleza intacta, sólida y tierna a la vez en su rol.
Es que el primer logro de Piñeiro está en la conformación del elenco con nombres
populares y reconocidos, y luego en esta propuesta que sale de lo común en la
cinematografía nacional permitiéndole competir con títulos ingleses o italianos.
Martín Piñeiro se maneja a sus anchas sin efectos especiales, solo con un buen
guion y un gran elenco, inteligente criterio de filmación y mano para sostener
el timing de una comedia que pasa por varios géneros sin perder el buen gusto.
Piñeiro le tira un ancla a los mayores echando por la borda aquello de la
“guerra del cerdo” al hacer trizas la meneada “cuestión etárea” de moda.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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CLUB CERO
De Jessica Hausner. Guion de Geraldine Bajard y Jessica Hausner. Fotografìa de
Marìn Gschlacht, Mùsica de Markus Bindercon Mia Wasikowska, Sidse Babett
Knudsen, Elsa Zyloberstein, entre otros. Duraciòn: 1120 minuroa. Austria.
XXX – DISTÓPICO RELATO SOBRE LA ALIMENTACIÓN CONSCIENTE
Perteneciente a una familia de artistas, la realizadora austrìaca Jessica
Hausner toma el género minimalista que conoce para llevar al cine un tema
áspero, difícil, cuestionable: la alimentación de nuestros hijos a partir de una
materia que se dicta en una escuela especial. Bajo la dirección de la flamante
docente Miss Novak (Mia Wasikowska) un grupo de cinco alumnos adhiere a su
postulado de no comer (conformando el Club Cero) trabajando técnicas de control
mental y posturas orientales. Las consecuencias son dramáticas, por momentos
desagradables, enfrentando a la profesora con la mayoría de los padres, incluso
aquéllos que la apoyaban.
El cine que nos muestra Hausner es austero en lo visual, frío, carente de
emoción. Hay un paralelismo buscado entre el espacio y la narración, escasos
elementos lineales en una escenografía sin ornamentación, mientras los cuartos
de algunos de los chicos (tres mujeres y dos varones) tienen estilo barroco,
colorido y recargado. Hausner separa voluntariamente su propuesta del
espectadore en lo formal, genera una gélida cuarta pared, mientras que en lo
sustancial lanza toda su artillería cinematográfica: diálogos cargados de
significado sobre la llamada alimentación consciente, las consecuencias en
hechos y palabras de un extremismo pedagógico distópico, y alguna secuencia que
provoca un gran desagrado.
Surgen varios temas que quedan a disposición del espectador: la injerencia de la
escuela en la vida de los alumnos fuera del consenso de los padres y la
maleabilidad de las conciencias sin experiencia de vida de los jóvenes. Por
sobre este tema central, que se reitera en demasía en cada uno de los
personajes, está la total desinformación de las sociedades para poner freno a la
manipulación mental y conductual de nuestros adolescentes. Destacamos la
secuencia final donde padres y una alumna están sentados alrededor de una larga
mesa a la manera de La última cena, la obra de Leonardo Da Vinci, motivo que
utilizara un gran cineasta como Luis Buñuel en su famosa “Viridiana”. Para
Hausner esta última cena es la síntesis de su historia dándole el mismo sentido
trágico histórico.
Jessica Hausner logra inquietar con una propuesta de austeridad visual extrema y
un tema muy actual, pero que se desvanece en la reiteración y en la
previsibilidad.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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LA CULPA DE NADA
Dirección y guion de Victoria Hladilo. Con Julieta Petruchi, Manuel Vignau,
Victoria Hladilo, Julián Doregger, Débora Zandilli, Martín Tecchi, Leonardo
Azamor, Mariana Genesio Peña, Mùsica de Andrea Strenitz, Fotografía de Lucas
Schiaffi. Duración: 97 minutos.
XXX – MELODRAMA SOBRE LAS RELACIONES HUMANAS
Resulta interesante la propuesta de la directora Victoria Hladilo: trabajar en
un ámbito hogareño las relaciones humanas, las del matrimonio y su pequeña hija,
la de los amigos en pareja, la invitada extraña. La cita es para el cumpleaños
de Mariano (Manuel Vignau), casado con Andrea (Julieta Petruchi). Pero el
retraso del marido a la casa y la llegada de sus compañeros antes del horario
empieza a destapar lo que estos “péndex viejos” hacen en los ratos libres y
fuera del hogar. Se sienten solteros, no toman conciencia del compromiso
matrimonial, lastiman en definitiva a quienes dicen querer.
La secuencia inicial transcurre en una casa con una piscina donde los maridos
sin sus esposas y varias hermosas mujeres chapucean desnudos pero
lamentablemente descubre el corazón de la narración. Se sabe que ese rato de
esparcimiento prohibido será la causa de todo lo que vendrá después. El
cumpleaños será entonces un verdadero “juego de la verdad” con consecuencias
impensadas.
En general, Victoria Hladilo trabaja en interiores por lo que algunas secuencias
resultan extremadamente teatrales; por ejemplo, algunos actores quedan
congelados en un determinado lugar mientras frente a cámara una pareja discute.
Hay muchos lugares comunes junto con un lenguaje mediocre que le imprime
trivialidad a un tema interesante. Aun así, la realizadora logra secuencias de
buena intensidad sin apelar a un trabajo de cámara exhaustivo: hay planos
medios, largos, sin primeros planos o close up.
Es, en síntesis, una pintura de una determinada clase media que vive con un buen
pasar pero carece de formación espiritual e intelectual. Da la impresión de que
el vivir con comodidad permite licencias maritales altamente destructivas.
Victoria Hladila cumple con el título: estos personajes no sienten culpa alguna
por lo que ni siquiera piensan en el daño que causan. Algo asì como “una dolce
vita” criolla con una banda sonora que alude màs a un festejo infantil que a un
drama de adultos.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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LA RUPTURA
Dirección y guion de Marina Glazer. Con Alfonso Tort, Catalina Silva, Adriana
Ferrer y Sergio Gorfain, entre otros. Fotografía de Arauco Hernández Holz, Arte
de Alejandro Castiglioni, Música de Nicolás Ibarburu. Duración: 77 minutos.
Coproducción Uruguay y Argentina.
XXX – SENSIBLE RELATO CONTRA EL ATROPELLO
Dicen que como muestra basta un botón. Y este dicho bien se puede aplicar a esta
primera película de la galardonada actriz Marina Glazer quien logra plasmarla
lucha de un poblado ubicado en la playa, en la zona de Cabo Polonio (Uruguay).
Los enviados por el gobierno van marcando las casas a derribar, al mejor estilo
nazi. La idea es sacar a los habitantes de esa zona y levantar un complejo
turístico de lujo.
Ese ambiente de tensión, de inseguridad, de sensación de pérdida, de atropello a
las familias asentadas desde décadas, se traslada a la vida de cada uno. Julia
(Catalina Silva) y Pablo (Alfonso Tort, actor cuyo nombre suena de manera
creciente) atraviesan una gran crisis a pesar de amarse. Para Julia, el peligro
que se cierne sobre el caserío le provoca tal desazón que la traslada a su
relación con Pablo quien, al no sentirse apoyado, toma actitudes por momento
agresivas. Cuando Julia decide irse junto a su madre, se da cuenta de que deja
mucho más que un espacio de vida.
Glazer logra conmover con recursos genuinos, con una fotografía sólida que
permite disfrutar de la belleza de la zona, característica de la costa uruguaya:
arenas blancas y cielos azules. El guion tiene mucho que ver: aquí la forma se
une al fondo. Es decir, al tener los personajes bien definidos y contar con un
elenco que da perfectamente para cada rol, puede contar una historia creíble de
la que surgen sentimientos de amor, de culpa, de abandono, de lucha por lo que
se tiene, en definitiva, de principios éticos que contrastan abruptamente con la
imposición del Estado de arrebatar espacios con fines de lucro.
Esta situación está generalizada: se parte de un hecho particular, como bien
explicó Glazer, para darle universalidad. Lo que ocurre en esa playa de la zona
de Cabo Polonio es lo que sucede en ciudades y poblados del Uruguay y de la
Argentina: el atropello de los derechos adquiridos generan quiebres profundos en
los habitantes de cualquier lugar, influye directamente en las relaciones
humanas al punto de romperlas. Aunque también es posible considerar que los
sentimientos son más fuertes y pueden sobreponerse al clima sociopolítico del
medioambiente.
Es un muy buen debut en el largometraje de Marina Glazer, porque logra narrar,
con elementos sencillos, una historia de amor y de lucha social ante la
insensible avanzada neoliberal. Glazer sabe lo que quiere contar y lo hace de
manera precisa logrando, por sobre el tema en sí, actuaciones espontáneas y
creíbles.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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JUEVES 27 DE JUNIO DEL 2024.-
ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES
(PUEDE HABER CAMBIOS SIN PREVIO AVISO)
1.-CÓMPLICES DEL ENGAÑO, de Richard Linklater.
“Hay tres ingredientes en esta película que la convierten en excepcional, su
bien elaborado guion, la interpretación llena de matices y… el insospechado
talento que esparce en ella Linklater”, de Oti Rodrìguez Marchante, Diario ABC.
“Desenfadada pero sofisticadísima, deliciosamente amoral y rotundamente
divertida, es una película magnífica capaz de alegrarle a uno el día”, de Nando
Salvà, Diario El Periódico.
2.- EXORCISMO, de Joshua John Miller
“Representa la segunda incursión reciente de Crowe en este particular subgénero,
tras The Pop s Exorcist. Al menos esa película de 2023 mantenía un argumento
cohesionado y ofrecía una conclusión plausible”, de Justin Lowe, The Hollywood
Reporter.
“Crowe protagoniza su segunda película de exorcista en un año, interpretación no
es mala pero al final el mensaje parece ser: el poder de la basura te obliga”,
de Owen Gleiberman, Variety.
3.- EL FANTASMA DE LA FAMILIA RAMPANTE de Leandro Tolchinksy. Documental sobre
el Escuadrón Volante, grupo de teatro de Varieté.
4.- GHOST: RITE HERE RITE NOW
Documental sobre la banda Ghost y sus dos últimas presentaciones en California,
durante el 2023. Del género musical y fantástico.
Para la crítica del exterior, resulta un film insulso que no aporta nada al
subgénero de documentales sobre recitales o backstage de bandas.
5.- HISTORIAS INVISIBLES, de G: Navarro. Argentina.
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CRÌTICAS
PARTIÓ DE MÍ UN BARCO LLEVÁNDOME
Dirección de Cecilia Kang. Con Melanie Chang, Eunice Cho, la participación
especial de Julio Chávez, y más de 30 actores de la colectividad coreana y de
Corea del Sur. Guion de Virginia Roffo. Fotografía de Victoria Pereda. Música de
Delfina Peydro. En Corea del Sur, Sarah Kang entre otros rubros técnicos.
Traducción de Federico Orio. Duración: 77 minutos.
Premio Especial del Jurado y Premio del Público en el
Festival Internacional de Cine de Mar del Plata 2023
XXXX – DOCUMENTAL SOBRE LAS MUJERES COREANAS RAPTADAS POR EL EJÈRCITO JAPONÈS
Basándose en los versos de Alejandra Pizarnik que dicen “explicar con palabras
de este mundo que partió de mí un barco llevándome”, escritos en 1962, la
realizadora Cecilia Kang intenta representar lo inasible, el dolor del alma, la
vejación, eso que no se ve pero es un sentimiento de miles de mujeres mayormente
coreanas que fueron ultrajadas. Kang descubre el testimonio de una sobreviviente
de los raptos de coreanas por parte de los japoneses, llamada Hwang Geum-Ju que
aparece en el “Comfort Women, an unfinished ordeal, report of a mission”,
publicado en Ginebra, Suiza en 1994.
En su viaje al país de sus padres, en 2013, Cecilia Kang descubre en
conferencias y en la actividad cotidiana la rebelión creciente de las mujeres,
reuniéndose en plazas, gritando a los cuatro vientos que el maltrato de sus
maridos debe ser condenado y jamás olvidado el caso de las “comfort women”.
Estas mujeres, en su mayoría coreanas, fueron denominadas “mujeres de confort o
placer” para servir físicamente al ejército japonés. Se calculan unas 300 mil
mujeres, de las que poco sobrevivieron. En verdad, nunca se habló de la “misión”
de mujeres, que fueron ocultadas por los generales japoneses hasta que una
sobreviviente logró hablar (no dejemos de lado el estilo japonés de las
“geishas”. Al parecer un estilo de relación del hombre japonés con las mujeres,
desde que les sirvan el té hasta transformarlas en sirvientas sexuales como el
caso de las “Comfort Women”).
La realizadora Kang parte de una protagonista, Melanie, argentina-coreana, que
sufre por la violencia que su padre tuvo con su madre, e intenta llevar a escena
el relato conmovedor de la sobreviviente Hwang. Le resulta muy difícil leer el
testimonio, se rebela algo en su alma, y, en una charla cálida con el actor y
docente Julio Chávez (una de las secuencias más simpáticas, sin movimiento de
cámaras u ostentación narrativa), le habla de su experiencia en Corea del Sur,
donde está su hermano, y esa sensación extraña de verse rodeada de gente con sus
mismas características étnicas: “coreanos por todos lados”.
El momento sublime es la visita al The war an Women’s Human Rights Museum donde
ve las máscaras de los rostros tomadas en vida a las sobrevivientes de aquella
misión de ultraje, fotos de entonces, y mininichos donde pudo dejar una flor. La
vida continúa, es cierto, junto a su hermano, su cuñada, el regreso a Buenos
Aires, pero en el fondo de su alma está el horror del ultraje a las mujeres, aún
hoy, en su país. Bien se puede agregar que en el mundo.
Cecilia Kang posee una narrativa muy ágil si bien se toma su tiempo para llegar
al tema central, al que tampoco desarrolla ampliamente mostrándolo en contadas
secuencias (alguna charla, un pequeño meeting en Corea del Sur, la visita al
museo): opta por darle paso a la vida cotidiana de Melanie quien se esmera en su
preparación actoral para representar el testimonio de Hwam, pero vive el
presente. Ese holocausto femenino subyace, forma parte del ser de la mujer
coreana pero, mientras se alza la voz en contra de la discriminación machista,
hay que vivir. Kang apela a la paciencia del espectador para llegar al meollo
que justifica la historia de su película, tema desconocido por el que resta
luchar con la pluma y la palabra para erradicar el abuso machista. El de antes y
el actual.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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NAUFRAGIOS
De Vanina Spataro. Con Sofìa Palomino, Alfonso Tort, Maiamar ABrodos, Lautaro
Bettoni, Mateo Chiarino y Romina Peluffo. Fotografìa de Fìctor Kino Gonzàlez,
Arte de Nicole Davrieux, Mùsica de Josè Del Fabbro, duración: 90 minutos.
Uruguay-Argentina.
XXX –HISTORIA DE RESILIENCIAS NO CONCRETADAS
Vanina Spataro tiene muy en claro cómo filmar, qué fotografía es la más
adecuada, cuál es el mejor encuadre, aunque no parece amiga del “close up” que,
a veces, es de gran ayuda. El tema que no conforma de Naufragios está en los
diálogos, muy chatos y apegados a las circunstancias, en algunas ocasiones con
lenguaje chabacano que no los hace cotidianos sino chocantes.
Maite (Sofía Palomino) llega a un balneario para tratar de superar un desamor, y
se encuentra con una pequeña comunidad de tres personas que ocultan sus propios
fracasos sentimentales. O soledades apenas sobrellevadas. Un náufrago aparece en
las playas y da la impresión de que hará florecer el entusiasmo perdido. Pero ni
siquiera este estímulo narrativo supera la medianía de la historia que se salva
por la estupenda fotografía, el mar, la arena blanca, un cielo intensamente
cerúleo.
La narración es lineal y no se reanima con el golpe de efecto que da la llegada
del náufrago al que se le da una página “de más allá” sin sentido ni explicación
alguna: la historia resulta deshilvanada, no hay empatía entre los personajes,
cada uno está en lo suyo, con excepción de una buena secuencia entre Adriana
(Romina Peluffo) y Esteban (Alfonso Tort) de gran sensibilidad. Se destaca
entonces lo visual por sobre los aspectos narrativos que, de habérsele dado
mayor centralidad a la pareja joven (Sofía Palomino y Lau, hubiesen tenido pleno
desarrollo. También es cierto que los naufragios sentimentales son individuales
en una gran ciudad como en una bella playa alejada. Pero esto es ficción y puede
darse el lujo de las excepciones por sobre la realidad.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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JUEVES 20 DE JUNIO DEL 2024.-
ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES
(PUEDE HABER MODIFICACIONES DE ÚLTIMO MOMENTO)
1.- MI VILLANO FAVORITO 4, de Chris Renaud.
“Las anteriores entregas de la serie parecían dibujos animados. Esta parece como
si alguien hubiera metido con calzador un puñado de cortos en una película de 90
minutos, ligeramente desordenada”, de Peter Debruge, Variety.
“Un poco escasa de trama real pero repleto de chistes”,
De Wendy Ide, Screendaily.
2.- EL ÚLTIMO CONJURO, de Hideo Nakata
“Es una pena constatar que el Nakata de The Ring ya hace tiempo que no refulge”,
de Jordi Batlle Caminal, Diario La Vanguardia.
“La desgana de Nakata en la dirección, plana como una tabla de planchar,
desactiva la eficacia de los cambios de tono y registro del filme. Y lastra el
ritmo de una película tosca y torpe”, de Sergi Sánchez, Diario La Razón.
3.- LA VENGANZA DEL VAMPIRO, de Brando De Sica,
(Recordemos que Brando de Sica es nieto de uno de los padres del neorrealismo
italiano, Vittorio de Sica)
Sin crítica hasta jueves o viernes
4.- LA CONVERSIÓN, de Marco Bellocchio,
Hay crítica
5,- MARZO, de Ezequiel Troncozo.
Historia de jóvenes en la zona marítima.--
CRÌTICAS
REPULSIÓN
Dirección y guion de Roman Polanski. Fotografìa de Gilbert Taylor. Mùsica de
Chico Hamilton. Con Catherine Deneuve, Ian Hendry, Patrick Wimark, entre otros.
Duración: 105 minutos. Año 1965
XXXX – REPOSICIÓN DE UN CLÀSICO DE ROMAN POLANSKI
Un joven Roman Polanski, una adolescente Catherine Deneuve, se unieron para esta
película que marcó una época y una forma de narrar. Polanski tiene todas las
características aquí de la nouvelle vague, ese andar pausado en el relato,
centrar en una persona la historia, la banda sonora que no tiene empatía con lo
que sucede sino solo sobre el final. En este caso, se centra en Carol (Deneuve)
que vive en Londres con su hermana mayor, quien tiene pareja. De a poco Carol va
mostrando un desapego enfermizo hacia el hombre, falta a la cita de un joven que
conoce, rechaza la relación de su hermana, al punto que se va transformando en
una autómata: Carol siente asco cuando su novio le da un beso, se lava la cara y
se frota los dientes con furia. Hasta que es objeto de una violación y entonces
enloquece de furia. Este inesperado y logrado viraje del guion le permite a
Polanski pasar de una protagonista casi muda a una feroz asesina.
Es una notable pieza del género policial que ingresa en el gore de manera
magistral y es además el gran logro del director polaco Roman Polanski porque
demuestra su mano maestra para contar una transformación psicológica profunda.
El film es el primero de la llamada “trilogía del apartamento”: Repulsión y La
semilla del diablo (1968) esta última un año antes del asesinato de su esposa
Sharon Tate ocurrido en 1969. La trilogía recién la terminó en 1976 con El
Quimérico inquilino, un año antes de ser acusado por violación en 1977 y
posteriormente expulsado del país. Las películas de Roman Polanski cambiaron en
el “cómo” a raíz de los brutales sucesos que vivió y causó. De allí que hayamos
escrito estos datos.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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LA CONVERSIÒN (RAPITO)
Dirección y guion de Marco Bellocchio. Coguionista: Susanna Nicchiarelli.
Fotografìa de Francesco Di Giacomo. Ediciòn de F. Calvellik y S. Mariotti.
Mùsica de Fabio Capogrosso. Con Enea Sala, Leonardo Maltese, Paolo Pierobon,
Fausto Russo Alesi, Barbara Ronchi, Samuela Treggi, Filippo Timi, Fabrizio
Gifuni, Aurora Carnatti. Duraciòn: 134 minutos.
XXXX – OBRA MAESTRA DE LA CINEMATOGRAFÌA ITALIANA ACTUAL
Sin planteo alguno sobre la postura crítica de cualquier tipo de dogma del gran
Marco Bellocchio o su férrea oposición a las instituciones conservadoras que
cercenan la libertad de una sociedad, lanzó la película que nos ocupa,“El
rapto”, traducido en castellano como “La conversión”. Cuenta el denominado “Caso
Mortara”, basado en hechos reales: el rapto de niños judíos de la ciudad de
Bologna, por orden del Papa Pío IX, para ser convertidos al catolicismo, o sea
niños arrebatados a sus familias.
El caso de Edgardo Mortara, de 6 años, tomò estado público no solo en Italia
sino a nivel internacional: era uno de los hijos del matrimonio judío Mortara
que fue bautizado por la sirvienta Anna Morisi a escondidas, creyendo que se iba
a morir. Y se transformò en un rumor que rápidamente llegó a los aposentos
vaticanos.
Hay que ubicarse en el siglo XIX y aun en los anteriores para comprobar que en
varios países, tal como los conocemos ahora, como Polonia y España, se
persiguuiò a las familias judías para que se convirtieran al Catolicismo. Fue
una cacerìa ideológica y no de fe, basta con analizar los hechos históricos.
Bellocchio es dueño de una narrativa magistral: oscura, tenebrosa, contundente,
narra la vida de ese niño, Edgardo, arrancado brutalmente de los brazos de su
madre y obligado a asistir a las escuelas vaticanas. Por un lado, está la
batalla que su padre inicia con los judíos de Bologna, bajo las amenazas del
Papa Pìo IX de volver a encerrarlos si no comprende que su hijo no es más judío.
Por el otro, el crecimiento del pequeño luchando con su fe de nacimiento y la
impuesta, así como el drama de sus padres, la lucha de sus hermanos por
recuperarlo. Y él, asumiendo un dogma desconocido.
Es un film histórico sobre el final de los Estados pontificios hasta la creación
del Vaticano en el siglo XX. Nos habla del abuso del poder, de la humillación
por tener otra fe, del sojuzgamiento de los sectores minoritarios de la
sociedad, y de la impunidad al ejercer un cargo supremo.
Bellocchio logra secuencias monumentales: el momento en que el pequeño Edgardo
se conmueve ante una cruz y la figura de Jesùs crucificado y le saca los clavos
de las manos y de los pies, o la virulenta secuencia del pequeño que se aferra a
la falda de su madre en medio de un llanto conmovedor. La cámara del maestro
italiano es tan segura que cada secuencia parece un cuadro de Rembrandt por el
especial uso de la iluminación, incluyendo elementos de la banda sonora que
acentúan las crisis de los personajes.
Podemos decir que Bellocchio, si bien toma un hecho històrico, tiene una dura
posición contra el Estado Vaticano, y se apoya en su ideología progresista para
filmar este caso con una intensidad dramática que, por momentos, da escalofríos:
es un film perfecto, no hay debilidad alguna ni en la propuesta ni en su
realización. “ La conversión” es una obra maestra que no merece ningún
comentario sobre la ideologìa de Marco Bellocchio simplemente porque es cine de
rmarca mayor.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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JUEVES 13 DE JUNIO DEL 2024
ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES
(PUEDE HABER CAMBIOS IMPREVISTOS AJENOS A ESTA SECCIÒN)
1.- INTENSAMENTE 2 . animación de Kelsey Man,
Sin críticas hasta jueves-viernes
2.- EL ÙLTIMO ESCAPE, con Glenda Kackson y Michael aine.
“Un digno final para dos leyendas británicas del cine”, James Mottran, Radio
Times.
“Glenda Jackson es fascinante en su última película. La fallecida actriz es una
fuerza de la naturaleza hasta el final”, de Peter Bradshaw, The Guardian.
3.- LA INOCENCIA
Del gran Kore-edu-
Hay crìtica
4. HERENCIA SINIESTRA
“Una modesta pero eficaz apuesta por el terror. Incluso cuando el film parece
más ordinario en su conclusion, la deslumbrante interpretacion de Cota le da un
toque especial”, de J. Kim Murphy, Variety
5.- WINNIE THE POOH MIEL Y SANGRE DOS
Animaciòn, saga.
6. MIRANDA DE VIERNES A LUNES, de Marìa Victoria Menis
Con Inès Estèvez.
Jay crìtica
7.- ANIMAL, de Sofìa Earchou.
Hay Crìtica.
8. MARÌA, de Gabriel Greco. Con Sofìa Gala
Sin crítica hasta jueves/viernes
8.- LOS JINETES DE ROCA
Hay critica
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CRÌTICAS
ANIMAL
Direcciòn y guion de Sofìa Exarchu. Fotografìa de Monika Lenczewska. Ediciòn de
Dragos Apetri, música de Sofa Surfers. Con Dimitra Vlakopoulou, Flomaria
Papadaki, Ahilleas Hariskos, entre otros. Duraaciòn: 116 minutos.
XXXX – LA MAQUINARIA TURÌSTICA QUE TRITURA ALMAS
Muy inquietante es este film titulado “Animal” de la realizadora Sofìa Exarchu,
joven griega que conoce a la perfección la industria turística de su país tanto
como su lado oscuro que los visitantes no ven, no descubren. Exarchu, que viene
de la producción de dos películas que lograron buena repercusiòn, se ocupó en
especial del elenco de un reconocido hotel, es decir, no de los meseros o
encargados de la limpieza sino de ese grupo de hombres y mujeres que tienen la
obligación de organizar eventos, shows, bailar, cantar, y entretener a los
turistas de todas las edades con fiestas comunes a todos y otras nocturnas para
adultos. Siempre deben estar dispuestos a trabajar con el cuerpo, saltar,
cantar, bailar. El alcohol los sostiene, pero también los destruye.
Exarchu pone en primer plano a la líder del elenco, Kalia, encarnado por la
actriz Dimitra Vlakopoulou. Es la guía de sus compañeros de elenco y lo es
tambièn para el espectador. A través de ella se conoce ese lado oscuro,
miserable, de los tours cobrando vida en esta película a la manera de un
documental. Indudablemente, es una narración que perturba, que remueve por
dentro porque todo lo que se ve es precario, miserable. El objetivo es que esos
turistas tengan la distracción suficiente que los haga retornar a esa isla
griega. Kalia y su gente son los nuevos clowns del capitalismo, los que
divierten con sus cuerpos para que las monedas caigan en bolsillos ajenos.
Hay varios hallazgos narrativos: uno de ellos es el “Louvre de los pobres”,
refirièndonos la secuencia donde aparece una laguna donde muchas obras de arte
griegas están semihundidas, asì como es imposible no reaccionar con dolor cuando
Kalia cuenta a un turista, en una noche que será fogosa aunque sin sentido, lo
que siente que no es justamente aquello que el turismo ve.
Es una película que parece, en principio, transitar por caminos comunes porque
no hay nada que llame la atención visual: su secreto está en estos personajes
que, bajo agobio, siguen la rutina para sobrevivir. La cámara de Exarchu sigue
rostros y cuerpos, se detiene poco en el paisaje, buscando captar en las
gestualidades el sentimiento de amor o rechazo de Kalia (subyugante actuación) y
sus compañeros ante lo que viven como trabajadores de turismo. En verdad, no dan
ganas de visitar esa isla griega a fin de no convertirse en parte de esta
maquinaria de triturar almas (casi todo el patrimonio cultural de Grecia está en
manos de los ingleses en el British Museum, poco queda para admirar en ese país
salvo la belleza del contraste entre el mar azul y las playas de arena blanca)
Elsa Bragato
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JINETES DE ROCA
De Sebastiàn Dìaz. Documental.
XXXX – LA MENTIRA QUE NOS CUENTAN COMO HISTORIA ARGENTINA
Luego de ver este documental, se toma conciencia de que el “relato” existió
siempre y que doblegar a los supuestamente débiles es una práctica común hasta
hoy en dìa. El realizador Dìaz habla de la investigación que iniciara el
historiador Osvaldo Bayer sobre los verdaderos objetivos del general Julio
Argentino Roca para llevar adelante lo que llamó “la conquista del desierto”, de
1879. A través de palabras autorizadas como las de los estudiosos Adriàn Moyano,
Carlos Masotta, Dana Fiore, Marcelo Valko, Marta Penhos, entre otros, se narra
la verdadera historia de Roca y la cantidad de monumentos suyos que existen, en
número superior a los del general Josè de San Martìn. Roca forma parte de la
imposición de una ideología: la dominación y el exterminio de opositores. El
impulsor del enorme monumento que tenemos en el centro fue el hijo de Roca y su
realizador, gran amigo del citado, el escultor Zorrilla de San Martìn.
La síntesis que puede ayudar a comprender este estupendo documental es que se
repite la historia, que nada cambió bajo el sol: en el siglo XIX se invadió el
sur de la misma manera que los españoles hicieron en nuestras tierras siglos
antes, se esclavizó a los aborígenes que están allí desde hace màs de 10 mil
años, y se los obligò a vivir en la capital, o bien se los exterminó en la isla
Martín García cremándolos en un gigantesco horno similar al de los nazis de
Auschwitz, o los campos de tortura de la última dictadura cívico militar. Desde
aquellos años hubo apropiación de bebés, violación de mujeres (un caso
emblemático es el de “La cautiva” que llegó a la literatura y a las artes
plásticas), torturas, exterminio en crematorios. Y una fecha que se recuerda de
diferentes maneras: 1492, o la llegada de Cristóbal Colón al Caribe, clave para
justificar “invasión” en lugar de “civilización”. Bien vale recordar algunos
nombres citados: Zorrilla de San Martín, los Roca, el fotógrafo personal del
general Antonio Pozo, el cuadro de Juan Manuel Blanes de 1896, los malones del
pintor Angel Della Valle, los casos emblemáticos de los indios traídos a esta
ciudad como el de Inacayal o la aborigen Margarita, la colección de cráneos de
Estanislao Ceballos (decía “la barbarie está maldita”, murió en Londres, centro
de las logias) que fue el ideólogo del general Roca. Visitar el Museo de La
Plata es también encontrarnos con muestras de horror: cráneos y esqueletos de
los dueños de la Patagonia, los aborígenes. Hasta el billete de 100 pesos de
1992 reconfirma el relato con el rostro de Roca y en el reverso su tropa tomada
del cuadro de Blanes.
Es que nadie puede dudar, a estas alturas del siglo XXI, que hay un poder
dominante en el mundo que sigue intacto, que renueva su espíritu de sangre y
espanto contra los pueblos. Las guerras actuales así lo indican, brutales como
la invasión española o el genocidio de Roca en el Sur o los crímenes de lesa
humanidad de la dictadura del 76. Es éste uno de los documentales más completos
y claros que hemos visto sobre el tema rindiéndole homenaje a la gesta del
historiador Osvaldo Bayer, iniciador de la “desmonumentación” de Roca que, por
suerte, ocurrió ya en 30 ciudades de nuestro país. Es un documental con un
excelente material de investigación, desde entrevistados especializados hasta
datos, fechas, fotos de época, postales de entonces, que fundamentan el
“proyecto Bayer”: no más Roca ensalzado en pedestales mirándonos desde arriba.
Elsa Bragato
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LA INOCENCIA
Dirección y guion de H. Kore-eda
Fotografía de Ryuto Kondo. Música de Ryuichi Sakamoto. Con Soya Kurosawa, Eita y
Sakura Ando en los roles principales. Duración: 126 minutos.
XXXX. PEQUEÑAS DOSIS COTIDIANAS DE MALDAD
En inglés, el film de H. Koreeda se titula “Monstruo”. En esta propuesta, no lo
vemos con los ojos pero lo sentimos en el alma: es esa dosis de maldad que no
somos capaces de combatir dejándonos ganar por la hipocresía social y, para no
ser menos, la sacamos a relucir. No medimos las consecuencias.
El maestro Kore-eda pone su objetivo en el bullying, que se manifiesta en
distintas personas de diferentes edades, aunque localiza la acción en una
escuela y en dos hogares. Suficiente para que pueda desarrollar lo que es capaz
de hacer la mentira, la omisión, el miedo a hablar, es decir, un arco amplísimo
de sentimientos que nos embargan cuando la agresión exterior nos llega ya sea en
palabras como en acciones directas. Y esto vale tanto para los chicos como para
loa adultos.
“Minato Mugino” (encarnado por Soya Jurosawa) perdió a su padre, vive con su
madre que se preocupa por su tristeza y su comportamiento. De pronto el niño
culpa a un maestro, Hori (el actor Eita), de pegarle. A partir de allí, la
historia va teniendo diferentes pivots narrativos: madre e hijo, el profesor y
la escuela, la directora y su hijo encarcelado, los dos amigos en la escuela,
las burlas en la escuela, y finalmente los dos niños solos sintiéndose libres
por sobre las problemáticas generadas por los adultos, con razón o no. Superan
las malas actitudes de los adultos, la exageración del drama familiar, la
mentira, las amenazas, reconstruyen el cariño de la pura amistad. Kore-eda se da
el lujo de explotar al máximo el potencial de las historias particulares para
mostrar en imágenes y en actuaciones superlativas los sentimientos que conforman
las pequeñas maldades de todos los días . Mientras que la inocencia de los
chicos arrasa con la problemática de los adultos, aùn con la ausencia de un
padre o el maltrato de otro. La familia y el entorno son, esta vez, el objetivo
de Kore-eda que, aun con reiteraciones temáticas, logra siempre tocar el corazón
del espectador. Sus historias son verosímiles, creíbles, de todos los días.
Elsa Bragato
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MIRANDA DE VIERNES A LUNES
Dirección y Guion de María Victoria Menis. Con Inés Estévez, Elvira Onetto,
Laura Grandinetti, entre otros. Y grupos de rock. Fotografía de Daniel Andrade.
Música de Loli Medina y, como se indicó, varios grupos musicales, asì como la
voz de la protagonista. Duración: 87 minutos.
XXX – NUEVO CINE POPULAR SOBRE LA CLASE MEDIA PORTEÑO
La realizadora María Victoria Menis, de muy buena mano para la narración
cinematográfica, encara la vida de una profesora de 48 años en el año 2016 que
enfrenta un serio problema en su escuela pero, llegado el fin de semana, se
dedica al hogar: el cumpleaños de una de sus hijas, traer a sus padres que están
separados, convocar a su ex marido con quien mantiene buena relación. En la
reunión familiar, realizada en un jardín interior de una casa cómoda, ubicada
fuera de la ciudad capital, se producen las alegrías, las discusiones, las
reacciones intempestivas de algunas de las hijas, y las charlas íntimas y
cordiales con su ex, mientras el papà tiene Alzheimer y debe recostarse y la
madre ostenta su dinero ganado en loterías, haciendo valer su condición de
divorciada. Nada fuera de lo que hoy en día cierto sector de la clase media
vive: casa propia, jardín, automóvil, padres separados, hijas que viven con la
madre, rebeldías adolescentes, es decir, lo común, lo cotidiano, reflejado con
autenticidad por Menis y, en especial, la actuación de Inés Estévez sobre quien
recae el peso del relato a la manera de un unipersonal, aunque interactúe con el
elenco. Entre ese viernes y ese lunes, Miranda (Estévez) se da cuenta de que la
música, que abandonó por la docencia, puede más que el persistir en un puesto
donde el lunes le exigirán disculpas por un hecho que apenas se menciona en todo
el filme.
Menis hace un hábil recorte de la realidad de la clase media porteña centrando
la historia en Miranda y la compleja toma de decisiones que suele darse a esa
edad, cuando la vida llega al medio siglo.
Desde el punto de vista narrativo, la historia transcurre fluidamente, es como
ver reflejado un fin de semana de cualquiera que tenga casa fuera de la capital
y coche, y un mediano pasar económico. Por eso hablamos de un cine popular que
refleja el estilo de vida porteño clase media. Por supuesto, Inés Estévez le da
a su personaje una impronta muy interesante, de sólida presencia escénica con
ese toque autobiográfica que es el canto, otra de las vetas artísticas de la
protagonista. Sin este condimento -que va surgiendo de a poco a lo largo de la
historia- la propuesta hubiese sido menos amena pero más acertada en relación a
la vida de una profesora que rechaza imposiciones desatinadas.
Elsa Bragato
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MIXTAPE LA PAMPA
Dirección y guion de Andrés Di Tella. Documental con fotografía de Daniel
Schvarzstein. Duración: 104 minutos.
XXX – TRAS LOS PASOS DEL ANGLOARGENTINO HUDSON
Este nuevo trabajo del cineasta Andrés Di Tella busca encontrar las huellas en
la vastedad pampeana de Guillermo Enrique Hudson, nacido en Quilmes el 4 de
agosto de 1841, si bien falleció en Inglaterra el 18 de agosto de 1922. La
cámara de Di Tella, quien también vivió en Londres, se adentra en lo que queda
de la estancia de Hudson, nacido de un matrimonio norteamericano (Daniel Hudson
y Carolina Kimble) que decidió emigrar de su país buscando un destino económico
mejor. La descripción fílmica nos muestra una casa que se mantiene como museo,
según algunas escasas secuencias, asì como el arroyo cercano a la casona donde
solía jugar Hudson. Primero fue gaucho, luego estudió las aves del lugar,
esquiló ovejas hasta que, según se indica, por una dolencia cardíaca, viajó a
Inglaterra para no volver nunca más al país. Algunos dicen que temía encontrarse
con cambios en costumbres y que optó por transformarse en un verdadero inglés,
nunca más habló castellano y se dedicó a escribir una enciclopedia sobre
diferentes aspectos de la naturaleza que conoció. Al punto que fue si no el
primero uno de los más importantes ornitólogos argentinos, cofundó la sociedad
de ornitología de Inglaterra, teniendo un lugar emérito en la sociedad similar
de nuestro país.
Llama la atención cómo pudo escribir, 17 años después de irse del país, sobre
las diferentes aves que conoció y la explicación de sus cantos con los elementos
técnicos rudimentarios de entonces. Sus descripciones son perfectas, como si
tuviese a cada ave entre sus manos. En todo caso, tiene relación directa con su
sueño: ser naturalista. Creyó que no lo era y, sin embargo, sus conocimientos
sobre la vida de la naturaleza pampeana parecieran ratificar lo contrario. Por
lo que vemos, fue un naturalista hecho y derecho que se fascinó con las aves.
La narración de Andrés Di Tella es zigzagueante: nos lleva por caminos de tierra
para luego dar paso al presente y a la búsqueda de los ejemplares que tanto amó
Hudson, mientras hay datos autobiográficos que nos remiten, una y otra vez, a la
vida del angloargentino. Es un mix extraño y atrapante a la vez que se enriquece
con una fotografía generosa, con inserts de películas antiguas, cartas
recuperadas, y la primera foto, de las pocas que hay, de Guillermo Enrique
Hudson que se tomó ni bien llegó a Inglaterra.
Podríamos preguntarnos, aunque no sea tema del documental, por qué se radicó en
Gran Bretaña y no en la tierra norteamericana de sus ancestros. Como fuera,
Andrés Di Tella nos trae un documental muy rico en datos redescubriendo una
personalidad notable como la de Hudson. “Mixtape La Pampa” tiene mucho del alma
de Andrés Di Tella como de la realidad que vivió su protagonista, William Henry
Hudson.
Elsa Bragato
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JUEVES 30 DE MAYO DEL 2024
ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES
(puede haber cambios de último momento)
1.- HAIKYU, LA BATALLA DEL BASURERO
Animación de Japón.
2.- INMACULADA, de Michael Mohan.
Hay crítica.
3.- LA INOCENCIA
Hay crítica
4.- UNA JUNGLA DE LOCURA
Animación Familiar, BF París Filmes.
5.- EL CAMPO EN MÍ, de Tamara Mesri.
Documental sobre personajes de una familia.
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CRÍTICAS
INMACULADA
De Michel Mohan. Guion de Andrew Lobel. Música de Will Bates. Fotografía de de
Elisha Christian. Con Sidney Sweeney, Alvaro Morte, Simona Tabasco, entre otros.
Hablada en inglés e italiano. Duración: 89 minutos.
XXX – ESPELUZNANTE THRILLER RELIGIOSO
El joven realizador norteamericano, Michel Mohan encara el llamado "terror
religioso" con una trama espeluznante que no se advierte en su magnitud al
comienzo. Algo sucederá con la novicia Cecilia (Sidney Sweeney), que llega a la
campiña italiana, concretamente al convento de Nuestra Señora de los Dolores,
ubicado sobre las catacumbas de San Esteban. Esa misma noche tomará los votos
definitivos de castidad, pobreza y obediencia. Desde que pisa ese convento, las
cosas son extrañas, desde el consejo de alejarse ya mismo hasta las autoridades
eclesiásticas con actitudes propias de las extremas religiosas.
Mohan, más allá de su propia experiencia con la fe que desconocemos, tira todo
sobre la parrilla, es decir, el fanatismo psicopático. Por lo que no ahorra un
céntimo de violencia, de masacre, de sangre. Y el centro es el dogma católico,
con sus aciertos y sus fallas, acercándose más a las prácticas asesinas de la
Inquisición española que a la liturgia de los últimos tres siglos. Como fuere,
hay una historia, una ficción, muy bien narrada, que muestra una vertiente
extrema de una determinada fe.
El mecanismo narrativo es el de la intriga acuciante: cada paso de la
protagonista es un escalón hacia lo brutal. Buenas actuaciones, solidez
fotográfica, Mohan hace alarde con un guion generoso para abordar el llamado
"terror religioso". Si bien en algunas secuencias se prevé algo, el final es una
apoteosis de sangre y de saña aterradoras e inimaginables. Es un film para
fanáticos del gore a quienes lo sacrílego no les hace mella. Bien se puede
agregar que "El bebé de Rosemary" (Polanski, 1968) es un poroto al lado de
"Inmaculada".
Elsa Bragato
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SALIDOS DE SALAMANCA
Documental. Dirección y guion de Josefina Zavalía Abalos. Fotografía de César
Giardia Aleman, Juan Pablo Chillón, Eduardo Fisicaro. Edición de Elena Marangón.
Música de Lucas Gordillo. Con los aportes de la familia Díaz, Guillermo Pinto,
Churo Castillo, Manuel Cairola, Julio Rodríguez Ledesma, Carolina Saganías, Luis
Garay, Atilio Peralta, Cansino, Jorge Bravo, Mario Garnica, Los hermanos Abalos,
Adolfo Marino Ponti, Víctor Simón, Elpido Herrera, Manolo Herrera, Alejando
Herrera, Néstor Garnica, Vitilo Abalos (fallecido en 2019), Andres Chazarreta
(fallecido en 1960), Sixto Palavecino (fallecido en el 2009), Isabel Aretz
(fallecida en el 2005). Duración: 63 minutos.
XXXX – INTENSA BÚSQUEDA DE NUESTRAS RAÍCES MUSICALES
Con la participación especial de Peteco Carabajal, la directora Josefina Zavalía
Abalos nos muestra un amplísimo panorama que hace a la cultura más acendrada de
nuestro país, a nuestras propias raíces culturales. La historia se ubica en la
provincia de Santiago del Estero, especialmente en la zona de Salavina, cuna de
tanta música nuestra. La narración se va nutriendo paulatinamente con la palabra
de investigadores, poetas, músicos lugareños, luthiers, para explicar qué es la
salamanca, qué simbiosis se produjo por los cruzamientos entre los nativos, el
africano esclavizado y el blanco europeo. A todas luces, ha sido una cultura
rica y profunda que, aún con vocablos que no son propios (el "diablo" viene de
España, aquí se habló de "espíritu maligno", por ejemplo) se mantiene sin
variantes. Hay aportes muy significativos como los del maestro Víctor Simón
quien demuestra cómo, con un pequeño agregado, la chacarera (probablemente con
origen en la Marinera peruana o en su samacueca) se transforma en cueca, o con
algunos "bordoneos" del piano toma los ritmos africanos. Sin lugar a dudas, la
cercanía con el llamado "camino real" que unía con el Virreynato del Perú,
enriqueció el acervo cultural santiagueño.
Rescatamos solo dos elementos de los muchos que hay en este documental: el
significado de "salamanca" y su relación con el "espíritu maligno" y la
incorporación del violín que trajeron los españoles y que los nativos, con
sensibilidad muy especial, adoptaron con rapidez.
Es un documental rico en información histórica y musical con el aporte de
filmaciones y entrevistas. Hay una muy buena fotografía, y esencialmente un
excelente trabajo de preproducción que permitió alcanzar un largometraje
cultural-educativo de visión obligatoria.
Elsa Bragato
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EL CAMPO EN MÍ
Dirección y guion de Tamara Mesri. Ficha técnica conformada por Camila Sassi,
Roberta Ainsteins. Hablada en castellano e yiddichs.Con Luba Alkon de Biegun,
Tamara Mesri, Ethel blegún, Jome Biegun de Cadoche, Marku Almirón, entre otros.
Duración. 62 minutos.
XXX – RECONSTRUCCIÓN DE UN PASADO TRÁGICO
La fotógrafa, teatrista y ahora directora de cine Tamara Mesri llega al
largometraje a través de un documental que aporta datos del Holocausto, esa gran
tragedia de la humanidad que nunca se superará.
Parte de hechos personales, habla en off, y relata la muerte de su mamá, muy
joven, a los 22 años, y la cercanía con su abuela Luba Biegun, sobreviviente de
los campos de concentración nazis, nacida en Polonia en 1927. Hechos trágicos
que marcan a cuatro generaciones.
La narración está muy lejos de ser dramática o bien de recrear esos momentos
terribles al pie de la letra. En todo caso, Tamara lo recrea desde sí misma,
desde ese legado que recibió a través de tantos relatos de la abuela y que toma
como un pasado que es presente. Aquellos campos de concentración hoy reviven en
ella, como en tantos herederos del pueblo judío que encontraron en nuestro país
una tierra donde vivir, donde echar raíces.
De Luba sabemos que a los 12 años se topó con una seguidilla de campos de
concentración, que más de una vez se preguntó cómo sobrevivió pero lo hizo, tuvo
fuerzas, y fue capaz de fundar una familia y de tener hijos. Es decir, de
apostar a la vida a pesar de algunos relatos muy breves que muestran el horror
vivido.
"El campo en mí" es un título que sintetiza el sentido de la vida que Tamara
Mesri tiene: su abuela, que tampoco está ya en este plano, a los 12 años sufría
horrores, mientras que sus hijas, las bisnietas de Luba, de 12 y 15 años, hoy
son chicas libres. Por eso, porque los legados familiares de cualquier índole no
se borran, porque el pasado sigue siendo un presente en algún plano del alma,
aquellos espantosos campos nazis hoy siguen estando como un atavismo de la
conciencia que duele, que está alerta, pero que apuesta siempre a la vida. Hay
un contrapunto muy interesante en este documental: mientras una voz en off nos
relata muy puntualmente el horror que tanto pesa, las imágenes nos muestran el
hoy de la familia, un presente luminoso, alegre, que se opone a la oscuridad
vivida. Muy buena narración, con una cámara que se esfuerza por el fuera de
foco, o se cae, búsqueda imprecisa y descuidada de un rostro en frenético "close
up" o un objeto a propósito, marcando gran diferencia con propuestas similares.
Lo oscuro se estrella contra la luz de la vida, entonces, hoy y siempre.
Elsa Bragato
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JUEVES 23 DE MAYO DEL 2024
ALGUNOS DE LOS ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES (PUEDE HABER CAMBIOS DE
ÚLTIMO MOMENTO)
1.- FURIOSA, DE LA SAGA MAD MAX, de George Miller, con Anya Tylor-Joy
"Precuela, algo deslucida, de la poderosa Mad Max, furia en la carretera. Ha
recurrido en demasía a los efectos digitales. Eso sí, Furiosa tiene una hora
final espléndida", de Gregorio Belinchon, Diario El País.
"Un filme divertido, bestial, magistralmente realizado, con dos protagonistas
carismáticos y con un mensaje político que sigue dando en la llaga", de Pepa
Blanes, Cadena SER.
2.- LOS EXTRAÑOS. CAPÍTULO 1. De Renny Harlin
"Innecesario, un extraño remake de la película de 2008 que le quita todo el
suspenso", de Benjamín Lee, The Guardian.
"Nada nuevo que ver aquí, amigos. Quizá tengamos más suerte con las dos próximas
películas pero, por ahora, quédate con la original", de Emma Kiely, Collider.
3.- BONNIE BEARS: CÓDIGO GUARDIÁN, de Lin Yongchang
Animación proveniente de China.
4.- LA MALDICIÓN DE CENICIENTA, de Louise Warren
El clásico cuenta de la Cenicienta transformado en una película de terror. Hay
que ver para qué sirve el zapatito de cristal de la protagonista!
5.- MAESTROS (S)
Hay crítica
6.- LAS CORREDORAS, de Néstor Montalbano.
Hay crítica.--
CRÍTICAS
MAESTRO (s)
De Bruno Chiche. Con Pierre Arditi, Ivan Attal, Miou Miou, Pascale Arbillot,
Nils Othenin Girar, Caroline Anglade. Fotografía de Denis Ronden, Música de
Florencia Di Concilio (elección musical de obras de Mozart, Beethoven,
Rachmaninov, entre otros).Duración: 96 minutos.
XXXX – FAMILIAS DE MÚSICOS SOBRE EL TAPETE
Pocas cinematografías dedican filmes o los relacionan con la música y sus
intérpretes como la francesa. Es una característica del pueblo de Francia darle
a la música clásica un lugar preponderante y eso se traduce en películas sobre
directores e intérpretes, siempre un piano a mano, en géneros que van desde la
comedia hasta el terror. En este caso, el realizador Bruno Chiche se basa en el
film "Pie de página", del norteamericano Joseph Cedar del 2011 para analizar
desde un lugar agradable la relación padre e hijo de dos consagrados directores
de orquesta.
La difícil convivencia de varios artistas en una familia con la misma profesión
también está abordada aquí con elegancia y sin melodrama. Francois (Arditi) es
un afamado director de orquesta que sigue unido a su gran amor, Helene (la
siempre vigente Miou Miou, reencuentro en pantalla con una gran estrella) sin
casarse y cuyo hijo, Denis, también sigue las huellas paternas logrando
importantísimos premios. Entre ambos músicos existe poca cordialidad, el padre
no está conforme con su hijo, y el hijo siente que su padre no lo acompañó en su
carrera aunque fuese la misma. A su vez, Denis es padre de un adolescente a
quien intenta ayudar pero lo hace con la misma displicencia que su padre hacia
él.
En verdad, Chiche pone acento en el respeto entre ambos profesionales,
especialmente cuando surge una inesperada competencia: quién de los dos dirigirá
en la Scala de Milán. Para Francois es la oportunidad esperada durante cuatro
décadas, para Denis es un problema de conciencia: respeta a su padre más allá de
las distancias afectivas. He aquí el "quid", como nos gusta decir, de la trama,
Y la que enfrentará en un diálogo profundo y respetuoso a padre e hijo, sin duda
el momento de mayor intensidad emocional de la película.
Porque convengamos que, por sobre las carreras profesionales, por sobre
cualquier circunstancia de la vida, la relación padres-hijos tiene una
estructura inflexible en cuanto al respeto partiendo de que aquellos mayores
dieron la vida a los más jóvenes. El realizador Bruno Chiche se para allí, la
música es un entorno majestuoso para Francois y Denis, pero por sobre cualquier
aspecto o circunstancia, son padre e hijo.
Tocante, intimista, con actuaciones excelentes (la dirección orquestal de ambos
actores es perfecta), con música de grandes autores como Mozart, Beethoven,
Rachmaninov, entre otros, "Maestro (s)" tiene una narración impecable que fluye
armoniosamente. Son 96 minutos de emoción y buen gusto, propios de una
cinematografía que reconoce al arte musical como parte de la vida y no como
costo empresarial. Para ver.
Elsa Bragato
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EL CAMBIO DE GUARDIA
FILM GANADOR DE LA COMPETENCIA ARGENTINA DE LARGOMETRAJE EN EL 25 BAFICI
de Martín Farina. Con Juan José Chiarello, Héctor Luconi, Norberto Farina, Juan
Carlos Gnemmi, Omar Figuera, Jorge Dos Santos Russo, Bernardo Fitzsimons.
Montaje y Fotografía de Martín Farina, Banda Sonora original de Juanito El
Cantor, Orquestación banda militar de Jorge Barilari. Duración de 72 minutos.
XXX – AMIGOS POR SOBRE LAS DIFERENCIAS
El realizador Martín Farina aborda el tema de la amistad por sobre las
diferencias ideológicas a partir de siete amigos que compartieron la "colimba"
en el Regimiento de Infantería I Patricios en épocas de la dictadura cívico
militar. Primero es la emoción de volverse a ver cuando se está por producir un
cambio de guardia, luego es notar la ausencia de uno de los amigos de entonces,
y luego es participar de reuniones en las casas de lso amigos, asados, piscinas,
y charlas.
Y es en estas charlas donde Farina hace hincapié porque no todos los ex
conscriptos piensan igual: para uno en especial, el Peronismo es el salvador de
la población, mientras que varios le hacen frente apoyando la política económica
liberal de Macri.
Pocas veces el cine argentino puso una cámara en este tipo de situaciones tan
comunes entre amigos y familiares al punto que, en muchos hogares, se "prohíbe"
amigablemente hablar de religión y política a fin de que los enojos no pasen a
mayores.
En el caso de "El cambio de guardia" es diferente: todos opinan con mayor o
menor énfasis y terminan brindando, comiendo juntos y abrazándose también.
Para la rigidez de los diálogos que existe entre políticos en nuestro país, el
cineasta Farina hace un aporte valioso. Es decir, se puede mantener la amistad
aunque se piense distinto, como ocurre en muchos países del mundo. Entretenido,
agradable documental, con excelente planteo de locaciones y realización de las
secuencias.
Elsa Bragato
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LAS CORREDORAS
Dirección y Guion de Néstor Montalbano. Coguionista: Marcela Potente. Fotografía
de Sebastián Pereyra Jofré. Música de Renzo Montalbano. Con Diego Capusotto,
Carola Reyna, Norman Briski, Alejandra Flechner, Alejandro Muller, entre otros.
Duración:
XXXX- DE LA COMEDIA ROMÁNTICA AL POLICIAL SANGRIENTO
El director Néstor Montalbano viende tener varios éxitos en cine con Diego
Capusotto y en televisión también, destacándose "Todo por dos pesos". Es dueño
de un humor muy especial, entre simplón y burlón, y lo traslada a esta historia
ubicada en 1959, en la que hay desde un guion trabajado hasta una notable
postproducción.
En principio, estamos frente a un capo lavoro de Carola Reyna quien, desde el
comienzo hasta el final, lleva sobre sus hombros el hilo narrativo de la
historia. Compone a Mabel, una empleada ministerial que debe hacerle firmar a un
hacendado de un lejano pueblo la donación de parte de sus tierras al Estado.
Desde su llegada a la solitaria estancia, vivirá situaciones muy extrañas: desde
la "señora" del hacendado (rol que encarna Diego Capusotto, dueño a su vez de
varios personajes más) que tiene su retrato como corredora, como la llegada a
medianoche del estanciero Antonovich (Capusotto), el encuentro con una amiga de
la casa a cargo de Alejandra Flechner, también corredora, y, a partir de allí,
una serie de hechos enlazados con el descarado lance amoroso del dueño a Mabel,
la huida de ésta, y la insólita aparición del personaje de Alejandro Muller que
tiende a explicar tantos desaguisados.
En verdad, la narración es una escalada de situaciones insólitas, de
travestismos inesperados, con personajes entre estrambóticos y absurdos, y
atisbos de musicales, desde cantar juntos Mabel y el estanciero la melodía del
filme "Angustia del querer" hasta generar una creciente intriga a lo Hitchcock
para rematar en un remedo de "Thelma and Louise". El guion de Montalbano y
Potente lo tiene todo: lo edulcorado, lo musical, lo intrigante, lo policial, lo
gore, lo sentimental.
Montalbano maneja el artificio de la historia con sabiduría y por momentos nos
lleva a situaciones edulcoradas y, en otros, nos introduce en el policial
sangriento. A estas peculiaridades reconocidas en el realizador le añadimos la
excelente banda sonora de Renzo Montalbano, inusual por su calidad. Desde la
actuación inicial con la participación especial de Norman Briski, "Las
corredoras" es un arcón de sorpresas hilarantes, estrambóticas, un filme
diferente que enriquece el acervo cinematográfico nacional. Sin duda, es una
tragicomedia muy inteligente.
Elsa Bragato
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AMOR Y CINE
Documental de Victoria Carreras. Participación especial de Mercedes Carreras.
Duración: 64 minutos.
XXXX – HOMENAJE A UN GRANDE: ENRIQUE CARRERAS
Familia de artistas debería ser el título que resumiera este comentario.
Victoria Carreras, una de las hijas del matrimonio conformado por el director de
cine Enrique Carreras y la actriz Mercedes Carreras, dirigió este documental
donde sintetiza con la ayuda de sus hermanas y de su madre, en colaboración
especial, la extraordinaria carrera cinematográfica de su papá, don Enrique
(nacido en Lima en 1925 y fallecido en Buenos Aires en 1995). Fue el director de
cine argentino más prolífico: desde 1951 hasta 1991 filmó 95 películas, lanzó
las carreras de grandes actrices y actores como Lolita Torres, colaboró con el
cine "culto" y el cine popular, incluyendo a Niní Marshall, a Palito Ortega, al
gran Luis Sandrini, entre tantos otros artistas; además fundó con sus hermanos
Luis y Nicolás la Productora General Belgrano y fue uno de los creadores de DAC,
la entidad que reúne, desde 1958, a los directores argentinos de cine.
Nos quedamos cortos al resumir su intensa actividad, que le valió muchos
premios, entre ellos dos Cóndor de Plata por Los evadidos y La valija
respectivamente, premios internacionales, y un reconocimiento a nivel popular
único.
Sus hijas, encabezadas por Victoria (actriz y directora), y el aporte
invalorable de Mercedes Carreras, actriz, esposa y madre de sus hijos,
reconstruyen los momentos esenciales de la vida y obra de Enrique Carreras, sus
comienzos, ese "romance largo con Amelita Vargas" antes de conocer a Mercedes,
la unión fraternal y artística con sus hermanos, el amor y respeto por sus
artistas y su equipo (trabajó siempre con los mismos técnicos), y la larguísima
serie de películas que tuvieron un denominador común: aceptación popular que es
sinónimo de éxito rotundo.
Es un documental rico en datos, en material fílmico, en aportes de recuerdos, de
anécdotas, tiene el calor familiar afín a nuestra forma de ser. Y es un homenaje
que tiene ciento por ciento ese sentimiento que nos define: la argentinidad que
don Enrique Carreras supo traducir en imágenes inolvidables.
Elsa Bragato
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JUEVES 16 DE MAYO DEL 2024
ESTRENOS INTERNACIONALES PREVISTOS
1.- AMIGOS IMAGINARIOS, DE JOHN KRASINSKI.
Sin críticas hasta el viernes
2.- TAROT DE LA MUERTE, de Cohen y Halberg.
"Taarot es demasiado irritante en su planteamiento. Y, sin embargo, los
directores consiguen una admirable fe en su propia película, proporcionando
muertes siempre deliciosas en una historia culebronesca", de Alison Foreman,
IndieWire.
"Una perezosa imitación de Final Destination que lucha por rellenar el tiempo de
la película con asesinatos medriocres", de Jesse Hassenger, IGN
3.- MONKEY MAN, EL DESPERTAR DE LA BESTIA, de Dev Patel
"Thriller frenético sostenido sobre el atractivo de sus secuencias de combate
cuerpo a cuerpo, el problema es un empeño con el que intenta envolverse de
significados profundos y gravedad espiritual", de Nando Salvá, Diario El
Periódico.
"Filme impregnado de un sabor intenso como a curry indio... Una película oscura,
embarrada incluso, aunque de una vitalidad digna de admiración", Salvador
Llopart, Diario La Vanguardia.
4.- INCREÍBLE PERO CIERTO, de Quentin Dupieux
"Los resultados son divertidos, sin duda, pero los envuelve una fina pero
consistente capa de melancolía", Nando Salvá, El Periódico, de España.
"Fantasía delirante... Es una premisa digna de un episodio de The twilight zone
aderezada con una subtrama en torno a un pene electrónico con unas hormigas
buñuelianas. Irresistible". Jordi Batle Caminal, Diario La Vanguardia.-
ESTRENOS NACIONALES PREVISTOS
1.- CORRESPONSAL, de Emilia Serra
Hay crítica.
2.- LA MUJER HORMIGA, de Betiana Cappato
3.- CIUDAD OCULTA, de Francisco Bouzas.
Hay crítica
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CRÍTICAS
LO MEJOR ESTÁ POR VENIR
Dirección de Nanni Moretti. Guion de Francesa Marciano, Nanni Moretti, Federica
Pontremoli, Valia Santella. Fotografía de Michele D¨Attanasio. Música de Franco
Piersanti. Con Nanni Moretti, Margherita Buy, Silvio Orlando, Mathieu Amalric,
entre otros. Producción de Nanni Moretti y Domenico Procacci. Duración: 95
minutos.
XXX – ENREDOS DE AMOR EN UNA COMEDIA "ALLA ITALIANA"
Ganador de la Palma de Oro en Cannes hace unos años, Nanni Moretti es uno de los
directores italianos que conservan su ideología política como bandera que los
identifica. Moretti es decididamente comunista y desde hace unos 30 años, si no
más, encaró en sus filmes su postura en oposición a la de Silvio Berlusconi,
generando proyectos múltiples como salas de cine, espacios de debate ideológico,
entre otros. Algunos de sus títulos más consagratorios han sido Caro Diario y
L'unico paese al mondo", donde hace gala de su ideología.
No escapa "Lo mejor está por venir" a su modo de encarar la vida y la profesión.
A esta parte del mundo puede llamarle la atención que aún hoy se hable de
"comunismo". Sin embargo, al menos en Italia, desde siempre el Partido Comunista
tuvo su lugar así como el Fascismo, si bien hoy en día este último se ha
mimetizado en otras demostraciones ideológicas.
Moretti encara al protagonista de "Lo mejor está por venir", llamado "Giovanni",
un director de cine que enfrenta una situación personal difícil: su esposa
Sylvia (coincide con el nombre de su esposa en la vida real), encarnada por la
muy bella Margherita Buy, decide dejarlo en pleno rodaje, mientras que la
relación con su hija tampoco es la mejor. La filmación de "Giovanni" trae el
mundo del circo de los 50, caro a los sentimientos peninsulares, la vida
trashumante (inolvidable La strada, de Fellini), y a los protagonistas de esta
película que, lejos de encarnar la pareja que el director pide, sienten que los
une la pasión para desesperación del realizador. El dilema está en que se trata
de reivindicar al Partido Comunista de Italia en su independencia de la Unión
Soviética y en darle una mano a los húngaros refugiados en 1956 ante la invasión
de los soviéticos. Parece difícil congeniar lo político con la inmigración
forzosa y la vida real del director: mal que le pese, el amor se cuela por todas
partes, por lo que la supuesta esencia política que "Giovanni" planificó, está
teñida más por romance que por ideología.
La narración resulta por momentos demasiado fragmentada, con toques de
expresionismo, y manifestaciones grandilocuentes de "Giovanni" a cámara,
enamorado de su idea sobre la sociedad más que de su propia realidad. El tono es
desparpajado, un tanto alocado, extrovertido, mostrándonos a un hombre que se
debate entre su ideología, la realidad, y sus afectos. En verdad, se tiene la
sensación de que Nanni Moretti tejió una urdimbre narrativa perfecta para
demostrar que, por sobre cualquier posición intelectual, el amor hacia el otro
es más importante que un espacio político o un set de filmación. Por sobre las
consideraciones generales de que lo romántico puede ser "cursi", apostamos
plenamente a este tipo de historias que nos aleja de la brutal realidad que se
vive en el mundo.
Elsa Bragato
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CIUDAD OCULTA
Dirección de Francisco Bouzas. Guion de Bouzas y Salerno. Fotografía de Julián
Babino. Arte de Joaquín Maito. Música de Juan Ibarlucía. Con César Languidey,
Ezequiel Martino Dosantos, Belén Ramírez, Nelson Pereira, Liz Lovers y Fernando
González. Duración: 96 minutos.
XXXX- LA VIDA QUE NO VEMOS
Para Francisco Bouzas, su película Ciudad Oculta retrata mucho más que un barrio
de los considerados marginales en la ciudad de Buenos Aires: es un mundo de
fantasías y de frustraciones, de alegrías sencillas y de profundas tristezas, de
vida y de muerte. Parte de una premisa que se encarga de explicar: el estado
mata, a través de sus representantes armados, a una persona cada 20 horas. Esta
estadística escalofriante surge de su propuesta ante la muerte de Ika Disantos,
y de cómo su ausencia se siente en sus amigos, en especial, en Jonás, el
protagonista. La historia, a partir de Jonás, se diversifica, nos muestra los
prolegómenos de la murga del lugar, mientras está el velatorio del joven, la
vida que continúa, la comisaría de un solo policía que tiene al vecindario bajo
su mirada que es asedio y no prevención, sumado al poder de su arma.
Es decir, Bouzas trabaja con material complejo que une diversidad de personajes
e historias. Hay una búsqueda de los sentimientos más profundos de los
habitantes de Ciudad Oculta donde se padece discriminación según se sea del país
o no, donde la muerte acecha bajo el poder del estado por ser pobres, por no ser
nativos o por algún "porque sí" perverso.
Sobrevuelan las historias, a veces fundidas en colores chillones y otras en
tenues atardeceres azulados, la condición humana que no se respeta, el temor a
la muerte, el dolor por la pérdida, la impotencia que determina una condición
social no buscada. Está lo existencial, inasible pero tangible en el rostro de
Jonás, que nos atraviesa a todos por igual, se viva en Ciudad Oculta o en Barrio
Norte. Solo cambia el ropaje, ese "pelo prestado" que, por lo visto, supedita la
vida misma. Bouzas realiza un trabajo sociológico en busca del derecho de ser y
de vivir, en donde la amistad o el compañerismo por compartir la misma herida
gratuita en el alma está por sobre lo material, en esta realidad o en otro
plano: los sentimientos son inalterables. Se vive una imposición social a
regañadientes porque no se la pidió ni se la buscó y esto suele costar la vida
misma. Intensa, profunda, Ciudad Oculta nos enfrenta al dolor de la pérdida y,
al mismo tiempo, a la extraña existencialidad que llega a doler por la
incomprensión de terceros. Es decir, sucede que la vida de algunos molesta a
"los prójimos".
Elsa Bragato
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CENIZAS Y DIAMANTES
De Ricky Piterburg. Elenco formado por los integrantes de la banda Don Cornelio
y la Zona y amigos, con el recuerdo intacto de Roberto "Palo" Pandolfo y sus
temas. Montaje de Norberto Ludín, Arte de Alejandra Fenochio, Fotografía de Juan
Costamagna, Sonido de Mariana Delgado, Música y Archivo: Don Cornelio y La Zona,
Duración: 89 minutos.
XXX – DOCUMENTAL SOBRE UN REENCUENTRO MUSICAL
En 1988 Juan Alberto Badía presentaba a la banda Don Cornelio y La Zona en
"Badía y Cía", por Canal 13. Habían conseguido un gran éxito con "Ella vendrá"
convirtiéndose, en medio de un sinnúmero de artistas roqueros, en un "hit".
Piterburg cuenta la historia del reencuentro, tan siglo XXI, de aquellos
soñadores músicos de los 80. Entre videos de sus actuaciones y el volver a
verse, ahora con canas, transcurre una historia de música y de afectos
entrañable, agradable de ver, un documental que se hace ficción cada vez que los
jóvenes ochentosos aparecen en escena, aunque más no sea en un viejo VHS.
Hay mucho para contar sobre lo que ocurría con los músicos, con las bandas, de
todos los géneros musicales. Muy pocos grababan. Charly Garcia, Spinetta, Nebbia
(tras un largo período en el Brasil), pero no era lo común. Baste recordar que
el mismísimo Astor Piazzolla solo pudo grabar su primer longplay en Uruguay con
su Octeto Buenos Aires. Aquí estaba la "nueva ola" que perduraba en el tiempo y
muy pocos artistas más que pudieran "interesar" a las discográficas (hoy
desaparecidas). Sin embargo Don Cornelio y La Zona llegó a registrar dos
longplays antes de disolverse en 1989. Es destacable la formación de la banda:
había "vientos", o sea saxofón y trompeta, además de la base rítmica, y si bien
esto no se subraya en el documental, sabemos que el éxito también les llegó por
la calidad del rock y de los temas como "Ella vendrá" y el que le da título al
documental, "Cenizas y diamantes" (título icónico además en el cine por el film
de Andrzej Wajda, de 1958).
Es un documental de y sobre músicos, entonces se habla de sueños, de ensayos, se
recita, se canta, se brinda mucho pero mucho. La bohemia de entonces, con una
democracia recién alcanzada, generó grupos como Don Cornelio (extraño homenaje a
don Cornelio Saavedra) y La Zona. La libertad estallaba por los poros, había
ganas de decir, gritar y cantar, por lo que músicos y poetas tuvieron mucho
trabajo. El festejo cobra sentido tanto como los recuerdos: la música no conoce
de tiempos ni fronteras, y los sonidos de hace cuarenta años son tan válidos hoy
como en aquellos años. Razón más que suficiente para celebrar a Don Cornelio y
La Zona con un documental que les devuelve visibilidad. Para disfrutar.
Elsa Bragato
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CORRESPONSAL
Dirección de Emiliano Serra. Guion de Emiliano Serra y Santiago Hadida, Música
de Lucas Fridman, Fotografía de Manuel Rebella, Arte de Marina Raggio. Elenco:
Gabriel Rosas, Edgardo Moreira, Ximena Banús, Gaby Pastor, Agustín Rittano,
Jorge Prado, Diego Starosta, María Eugenia Spago, Luciana Dulitzky, Gabriela
Saidón, Axel Benítez, Nayla Posse, Jorge Sesán, Fernando Javier Margenet,
Facundo Aquino, Alfredo Staffolani y Uma Bahía Vega. Duración: 75 minutos.
Distribución de Cinetren.
XXX – AUSTERO PERO INTENSO THRILLER SOBRE LAS DICTADURAS LATINOAMERICANAS
Está muy claro que las dictaduras que asolaron América Latina en los 70 no solo
tuvieron origen militar sino también muchos civiles colaboraron incluyéndose a
los medios de comunicación como principales aliados de los dictadores. El
realizador Emiliano Serra toma el caso de los corresponsales, o sea los
periodistas que informan sobre los sucesos a su editorial desde otro país, y lo
personifica en "Eduardo Ulrich", hombre gris de aspecto y de alma, que debe
controlar a un profesor y a su esposa, presuntamente relacionados con los
movimientos revolucionarios. La historia tiene cierta ambigüedad en su
localización: puede ser Buenos Aires como Asunción, capital del Paraguay. No así
en el tiempo: transcurre en 1978, en los prolegómenos del mundial de fútbol y en
1992, cuando se encontraron los "archivos del terror" en la localidad de
Lambaré, Paraguay.
La construcción narrativa que nos ofrece Serra es lineal: la cámara sigue a este
personaje, encarnado por Gabriel Rosas, que cumple con un mandato de su editor
periodístico y se convierte en informante de los dictadores, situación que lo va
enajenando. Este hecho es trabajado con esmero por Serra y Rosas a base de mucha
expresividad y el arrullo de las palomas.
Serra demuestra su capacidad para manejarse con austeridad y generar un thriller
policial que va creciendo en intensidad hasta lograr una serie de secuencias muy
impactantes. La música de Lucas Fridman, un piano insistente cuyo sonido aumenta
en momentos claves hasta provocar rechazo, es un elemento clave en el armado de
las secuencias.
"Corresponsal" es una película valiente al permitirse describir a cierto
periodismo cuya actividad ayudó a consolidar las sangrientas dictaduras
latinoamericanas (en los 70, actuó la llamada "escuela de Chicago" para imponer
economías liberales). Serra pone sobre el tapete aspectos de ese período tan
oscuro a través de un policial de pocos personajes, escasos diálogos, sólida
fotografía, y creciente tensión. Ciertamente, con poco se puede hacer y decir
mucho.
Elsa Bragato
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JUEVES 9 DE MAYO DEL 2024
Apoyamos el abrazo al INCAA para que la entidad que "hace" cine nacional siga en
pie, más allá de cualquier reestructuración que se considere necesaria. Esto
último no puede significar el cierre de tamaña casa de cultura cinematográfica.
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CRÍTICAS
EL PLACER ES MÍO
Ganadora del premio 2024 de la Sección Internacional
Del BAFICI de este año.
Dirección de Sacha Amaral. Fotografía de Pedro knoli, Arte de Sol González,
Música de José Vicente Orozco.Con Max Suen, Katja Alemann, Vladimir Durán, Sofía
Palomino, Paco Onainty, Anabella Bacigalupo, Julián Larquier Tellarini, Luciano
Suardi, entre otros. Producción de Gentil Cine, entre otras.
XXX- FUERTE RETRATO SOBRE LA ADOLESCENCIA A PARTIR DE HOGARES DISRUPTIVOS
"El placer es mío" es una ganadora de tema no convencional del último BAFICI, el
festival de cine independiente de esta ciudad. El tema es la vida de un
adolescente que sufre un drama familiar, un hogar donde es destratado, echado
una y mil veces por su conducta. Se transforma en dealer, vende droga a gente
muy diversa con la que suele mantener relaciones sexuales, y, cuando se
descuidan, les roba.
En una buena parte del film, la narración se centra en sus relaciones sexuales,
desde hombres mayores hasta jóvenes como él, y señoras que pueden ser su madre.
Es un sinfín de relaciones, de consumo de estupefacientes, a fin de ganar algún
dinero para el futuro. Hasta que un día su madre descubre dónde lo guarda y lo
toma. Y ese hecho se transforma en un escándalo brutal. Es ahí donde la película
cobra una gran fuerza y donde la narración hace pie, siendo la razón de la
desazón interior del joven. Es decir, Sacha Amaral no juzga a su protagonista,
lo muestra en su desesperación por construir un camino de vida, a pesar de
humillaciones y vejaciones y del maltrato familiar.
Es un cine de honestidad absoluta, con una cámara inquieta que filma hasta
momentos muy íntimos del protagonista, destacándose en esto una buena dirección
actoral. A nivel conceptual hay cierto desaprovechamiento del drama familiar
cuando es la razón de la difícil disyuntiva sobre cómo construir un camino de
vida. Es un cine actual, de diálogos escasos, con secuencias de honestidad
brutal y un "hipérbaton" narrativo que pudo evitarse.
Elsa Bragato
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POR EL PARANÁ, LA DISPUTA POR EL RÍO
De Alejo Di Risio y Franco González. Duración: 62 minutos.
XXX- DOCUMENTAL SOBRE LA DESTRUCCIÓN DEL RIO PARANÁ POR SOBRE SU UTILIZACIÓN
"Por el Paraná" debiera ser un documental de exhibición obligatoria en los
secundarios del país y en las carreras de geografía. Alejo Di Risio y Franco
González cargan al hombro cámaras y el tema para buscar las raíces de lo que se
dice: que el río Paraná, el de los camalotes y los islotes, hoy en día está en
manos extranjeras o bien de intereses de multinacionales.
Los realizadores entrevistan a un sinnúmero de habitantes, desde especialistas
en temas de ambientación hasta pescadores ribereños, familias afincadas en
alguno de los márgenes del Paraná que se van destruyendo por el paso de las
gigantescas factorías extranjeras que lo surcan. Hoy se habla de "Hidrovía" una
palabra que no existe y que reúne los intereses de un grupo de empresarios de
soja y otros productos que pueden vender al exterior concentrando el poder en la
Bolsa de Comercio de Rosario. Para que los buques de gran calado puedan pasar y
cargar en alguno de los más de 30 puertos que rodean la ciudad de Rosario, se
dragó el río hasta más de 35 pies, es más que río un profundo "canal", dicen los
expertos.
El ingreso de estos buques de carga que no respetan la velocidad (8 km) provoca
la destrucción de las orillas (las van "comiendo") y de las barrancas, así como
ciertos lugares del "antiguo" Paraná donde muchos peces tenían sus crías.
Por sobre la situación anímica de quienes están sufriendo la pérdida de su
hábitat – nada menos-, está la soberanía del país que no existe en los hechos
desde que el ex presidente Menem otorgada la concesión por 20 años a estas
empresas en 1994. Y está el planteo, hasta con lágrimas, de los lugareños que
piden el regreso del Estado nacional para evitar una mayor extranjerización de
lo nuestro porque ni las ganancias quedan en el país dado que todo es "sin
aranceles" así como tampoco se declaran las cargas. Hablan de 115 buques de gran
calado transportando 100 millones de toneladas de soja. Y "cargas"
desconocidas... A buen entendedor...
Es un documental revelador y desolador, que indigna a la vez por la codicia de
empresarios que destruyen todo a su paso. Nada les importa. Pero la concesión se
termina este año, y a lo mejor algún funcionario toma cuenta de que la Argentina
todavía es un país soberano. Un documental revelador y perturbador sobre el
futuro del país.
Elsa Bragato
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LAS PUERTAS DE TAQUIMILÁN
De Eduardo Spagnuolo. Con Mariano Panello, Darío Altomaro, Alejandra Rincón, A.
de Fátima. Fotografía de Mathieu Orcel. Arte de Valentina Dariomerlo. Música
original Mapuche. Canción "Mimí mi sol", de Gustavo Gregorio. Duración: 65
minutos.
XXX – VALIOSO RESCATE DE UNA VERDAD HISTÓRICA
El realizador Eduardo Spagnuolo, de quien hace poco hemos visto otro trabajo,
rescata en "Las puertas de Taquimilán" el misticismo mapuche. Se vale de pocos
personajes (elenco neuquino): Martín (Mariano Panello) regresa al sur llamado
por Ceferino (Darío Altomaro), viaja en su automóvil a través de una oscura
noche, y el GPS lo lleva hasta el hospital zonal donde encontrará a su amigo.
Sin recurrir a ningún artilugio técnico, Spagnuolo hace un paralelo a la manera
de flashback entre Martín y Ceferino 13 años antes y el viaje actual de Martín
en busca de Ceferino. En aquel momento, era un chico de Buenos Aires que quería
demostrar cómo el general Roca había incluido a los mapuches al país. Ceferino,
entonces chofer de una empresa de remises, le habla de la historia de su raza,
contrarrestando la posición porteña.
"Algo" llamó a Martín luego de más de 10 años y regresa al lugar para
encontrarse con Ceferino internado por su propia hija, Ailín (Alejandra Rincón),
médica, a fin de someterlo a una arriesgada operación. Pero Ceferino preferirá
la sabiduría de su pueblo anhelando irse a la ciudad virtual de Taquimilán,
donde están los ancestros. Metáfora de morir para vivir en otro plano.
El filme nos muestra el choque generacional que se produce entre la cultura
porteña y la del sur encarnada por los mapuches, así como el encontronazo
interno de éstos, en este caso la hija médica de Ceferino y su propio padre que
solo acepta las premisas de sus creencias, ese espacio virtual que la Fe genera.
La ciudad de Taquimilán es el espacio traspersonal que Spagnuolo logra
materializar con una buena fotografía (a cargo del realizador francés Mathieu
Orcel), delineada sutilmente sobre los paisajes.
Resulta una película sencilla y al mismo tiempo con una propuesta
conceptualmente muy rica, trabajada con la complejidad de manejar narrativa y
técnicamente dos épocas de la amistad surgida entre el capitalino Martín y el
mapuche Ceferino. Buena fotografía, interesante temática, buenas actuaciones,
una película nacional que rescata la historia mapuche genuina, enmarcada en la
música original de los pueblos de la Patagonia.
Elsa Bragato
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LEYENDA FEROZ
De Denise Urfeig y Mariano Frigerio. Guion de Mariano Frigerio. Fotografía de
Aylén L+ópez, Montaje de Karina Expósito, Música de Adrián Guzmán, Animaciones
de Julieta Roccoasa Productora Salamanca. Con Marcelo Piñeyro, Fernán Mirás,
Cecilia Dopazo, Imanol Arias, entre otros. Cine.Duración: 77 minutos.
XXXX – LUCES Y SOMBRAS DE UN FILM ICÓNICO
Resulta atrapante "Leyenda Feroz" como documental por su agilidad narrativa y la
investigación de producción para "rearmar", desde el detrás de escena, la
realización de la película Tango Feroz, estrenada el 3 de junio de 1993. Es la
historia de un héroe del rock nacional apodado Tanguito, sobrenombre de José
Alberto Iglesias, fallecido en extrañas circunstancias a los 26 años en 1972.
Para los directores del documental, Urfeig y Frigerio, aquel film que realizó
Marcelo Piñeyro en un contexto económico opuesto (el menemismo donde "todo se
compraba y vendía"), proponía el amor como fuerza de la vida ("El amor es más
fuerte"; notable tema de Barrientos y Martín), y le develó a los jóvenes de hace
30 años las raíces del rock nacional, y la realidad que se vivía tan opuesta a
los sueños: dictaduras que sometieron a nuestra sociedad, persecuciones de los
jóvenes de pelo largo, una juventud haciendo música en espacios pequeños, poco
visibles pero plagados de proyectos, de sueños.
Es muy interesante la charla con el director Piñeyro, "hacedor" de este éxito
que hoy es leyenda, que habla de las tantas dificultades que tuvieron, desde
iniciar su primera película, luego de trabajar muchos años con Luis Puenzo,
hasta la elección de un elenco de incipientes actores como Fernán Mirás y
Cecilia Dopazo, Leonardo Sbaraglia, Imanol Arias, entre tantos otros. Así como
la súbita falta de financiamiento oponiéndose al fantástico apoyo incondicional
de la escritora Aída Bornik para guionar. Fernán Mirás reconoce que fue el
lanzamiento de su carrera, como lo fue para Dopazo y el resto del elenco, hoy
reconocidos artistas de la escena nacional e internacional.
Uno a uno van desfilando frente a las cámaras de Urfeig y Frigerio con el
asombro aún hoy, a tres décadas, en el rostro: el éxito de "Tango feroz" fue
rotundo y superó con creces los muchos obstáculos que mencionábamos debiendo
agregarse el rechazo de Litto Nebbia a autorizar el uso de "La balsa", pieza
fundamental para la historia, al mismo tiempo que surgieron los detractores
considerando que fue una gran ficción con pocos elementos reales de la vida de
Tanguito.
El éxito se mantiene, la canción "El amor es más fuerte" es un himno de entonces
y de ahora, nos reconocemos en esa melodía roquera que marcó al film y le dio
sentido a esta biografía ficcionada de este personaje especial del rock
nacional. Teniéndose en cuenta siempre el valor sociopolítico de nuestro rock
tan ligado a la democracia y contrarios a las dictaduras desde siempre.
En fotografía, material periodístico, este documental es uno de los mejores de
este año incluyéndose su fluidez narrativa basada en la alternancia de
personajes frente a cámara, la melodía sustancial, los inserts del film "Tango
feroz" y un guion bien estructurado. Aquel "Tango feroz", como Bornik denominó
al rock, merece esta "Leyenda feroz", suceso sin fecha de vencimiento.
Elsa Bragato
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OTROS TÍTULOS ARGENTINOS PREVISTOS
2.- LA ESTRELLA QUE PERDÍ, de Luz Orlando Brennan.
Película que toma el caso de una actriz que retoma su carrera con una obra muy
mediocre, sufriendo el abandono afectivo y efectivo de su hija. Es un camino
difícil donde se mezclan la profesión y la familia. Con Mirtha Busnelli en el
protagónico.
ESTRENOS INTERNACIONALES PREVISTOS
1.- EL PLANETA DE LOS SIMIOS, NUEVO REINO, de Wes Ball
Son críticas hasta el viernes.
2.-HCHIKO 2: SIEMPRE A TU LADO de Ang Zu.
Continuación de la historia de este perrito, que conmueve profundamente a
diferentes públicos de diferentes edades. Producción de China.
3.- EL GRAN CAMBIO, de Brock Heasley
"Un fárrago notablemente incoherente de temas de ciencia ficción y proselitismo
cristiano", de Noah Berlastky, Chicago Reader
"Tiene efectos visuales e interpretaciones decentes, pero este drama de ciencia
ficción basado en la fe tiene problemas con un guion irregular"; de Jeffrey
Anderson, Common Sense Media.
"La película intenta desesperadamente asustarnos con la idea de un mundo sin
creencias, pero no tiene ni la acción ni los diálogos necesarios para lograr tal
hazaña", de Nadir Samara, Screen Rant.
3.- LA GARRA DE HIERRO, de Sean Durkin.
"Se deja llevar por los imperativos de la tragedia de un modo muy sugerente", de
Sergi Sánchez, Diario La Razón.
"Sean Durkin filma con aplicada corrección... expone los conflictos dramáticos
alternando cuadrilátero y hogar, de manera muy verosímil", de Jordi Batle
Caminal, Diario La Vanguardia.
4.- BOONIE BEARS, CÓDIGO GUARDIÁN
Animación de origen chino.
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JUEVES 2 DE MAYO DEL 2024
Estrenos previstos para este jueves (pueden producirse cambios de último
momento)
1.- GARFIELD, FUERA DE CASA, de Mark Dindal. Animación
2.-PROFESIÓN PELIGRO, de David Leitch, con Ryan Goslin.
Llega al cine la famosa serie Profesión Peligro cuyo detectiva, Colt, está
encarnado por el laureado Ryan Goslin. Es un doble acción y su actividad lo
lleva a tener consecuencias alocadas. Para entretener.
3.-LA HABANA DE FITO, documental
Hay crítica.
4.- AMOR, MENTIRAS Y SANGRE, de Rose Glass, Kristen Stewart, Katy O'Brian, Ed
Harris, Dave Franco, entre otros.
Sin críticas hasta el viernes.
5.- LITERAL, de Alberto MAsliah.
Sin críticas hasta el viernes.
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CRÍTICAS
(Aclaramos que algunas de estas películas cuyas críticas presentamos fueron
vistas en grupo de críticos de cine dado que los links de los films no se pueden
reenviar. Es una forma de cumplir con las exigencias de las distribuidoras)
UN HOMBRE QUE ESCRIBE
De Liliana Paolinelli. Con Abelardo Castillo, María Moreno, Mayna Leciñana.
Fotografía de Paula Grandio y Alejandro Ortigueira, Soledad Rodríguez. Edición
de Lorena Moriconi, Sonido de Leandro de Loredo y Luciana Braga. Duración: 61
minutos.
XXX – REPORTAJE A UN GRAN LITERATO
Hace dos años partió a otro plano el notable escritor Abelardo Castillo, que
dejó una vasta producción literaria que honra nuestro acervo cultural. Fue
fundador y director de las revistas El Grillo de papel, El Escarabajo de Oro y
El Ornitorrinco. Su obra se divide en novelas, teatros, cuentos.
En este documental, habla de los 70, de la concepción de escritor, de los
talleres que ofreció, de su oficio y sobre su esposa. La cámara nunca se mueve.
Es Abelardo Castillo de costado casi aunque frente a cámara, respondiendo
preguntas y explayándose en los temas que conoce desde una seguridad personal y
sin falsa humildad. Aunque sabe, reconoce, el trabajo de escribir, el éxito de
todo lo que ha hecho. Sin reconocerse "un escritor".
Como documental, ofrece muy poco material. La narración apenas se enriquece con
algunas tapas de sus libros, con capítulos abiertos frente a cámaras, con el
paso de las páginas en forma rápida. Pero nada más. Es decir, es un documento
literario para un target determinado de público más que un documental, dado que
no hay una investigación periodística: todo se basa en la figura del escritor
Abelardo Castillo respondiendo preguntas. Un reportaje valioso pero nada
cinematográfico.
Elsa Bragato
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LA NOCHE ADENTRO
De Carina Piazza y Alejandro Alonso. Con Mónica Lairana, Valeria Luz Aoaricio y
Chicho Vargas. Guion de Carina Piazza. Fotografía de Mariano Donoso, Arte de
Alejandra Mascareño y Selva Tulián, Duración: 93 minutos.
XXX – INTENSO THRILLER SOBRE LAS LIBERTADES INDIVIDUALES
Desde Mendoza llega la película "La noche adentro", filmada en el departamento
de Lavalle, sobre el caso de un padre y una hija que viven en un lugar desolado
e inhóspito a cuya choza llega una joven revolucionaria malherida, hecho que
ocurre en 1978. Es decir, plena dictadura cívico militar de aquellos trágicos
años.Todo aquel que era sospechoso corría la misma suerte: la muerte, dentro de
un régimen nazi que, a décadas de la caída de Hitler, cobró vida en nuestro país
hasta 1983. La joven que llega herida es rápidamente socorrida por María y su
padre, un hombre hosco, que sabe accionar más que dialogar. Su hija está
sometida a ese destino rutinario sin salida y encuentra en la joven
revolucionaria un cambio sustancial. Pocas horas bastan para que María se
enamore de la chica. Mientras, el padre está atento al cada vez más cercano
patrullaje militar por sus terrenos. Es decir, salvar la vida de la joven, presa
de pánico, está convirtiendo su hábitat en una cárcel para sobrevivir. Casi un
contrasentido.
Los directores trabajaron con colores opacos, así como los escasos diálogos
obligan a esforzar la atención en los gestos de los tres habitantes: el rostro
de la joven presa del terror, el de María cargada de desesperanza, el del padre
con una pertinaz hosquedad. El policial surge de golpe, la muerte acecha, y la
vigilancia sobre tres personas aisladas del mundo es mayor.
En verdad, hay un planteo sobre los alcances de la libertad y su relatividad,
sociedades sujetas desde tiempos inmemoriales a los designios de poderosos,
encierros que no son cárceles pero que actúan de la misma manera en la vida de
las personas.
En lo formal, hay una buena narrativa basada en una excelente fotografía con
variedad de planos y tomas conformando una historia atractiva de principio a
fin. La pasión de María por la joven es lo menos interesante como aporte de
conflicto: ésta es una historia de libertades condicionadas por diferentes
motivos, desde lo político hasta la pobreza. Es la noche dentro de uno, la falta
de luz espiritual que lleva al precipicio. Para pensar.
Elsa Bragato
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LA HABANA DE FITO
Dirección y guion de Juan Vin Vilar. Fotografía de Raúl Prado Rodríguez, Banda
Sonora de Velia Díaz de Villalvilla. Duración: 62 minutos.
XXXX – EL OTRO FITO
El documental "La Habana de Fito" de origen cubano rescata la figura del
cantautor Fito Páez desconocida para la mayoría: el Fito músico habanero. Llegó
en 1986 a la isla de Cuba luego de sufrir la tragedia que cubrió las noticias
policiales de ese entonces: el asesinato de su abuela, su tía y de la señora que
ayudaba, hecho ocurrido en su ciudad natal, Rosario. Encontrar a Pablo Milanés
en la capital de Cuba y conocer a la trova cubana fue la salvación de su vida
porque, luego de semejante desguace familiar, solo le quedaba el suicidio.
Fito se ubica en una terraza de un hotel que quiere mucho en La Habana y con su
interlocutor va repasando su vida en Cuba; fue un visitante asiduo aun
desconociendo, como bien dice, cualquier cuestión política de fondo. Se enamoró
de su gente, de su acervo cultural, se sintió allí inmensamente feliz, felicidad
que transmite este documental muy bien narrado con inclusión de videos de la
época: fragmentos de los conciertos de Fito de 1987, 1988, su regreso en 1996
(un largo período en el que lo acompañó quien era su pareja, la actriz Cecilia
Roth), 2012, 2014 y 2016.
La amistad con Milanés (filmación anterior al 2022 dado que el artista falleció
ese año en España, donde estaba radicado) fue un camino de vida para Fito Páez,
voz a la que se suman las de Carlos Alfonso, Eve Valdés, Santiago Feliú, la Van
Van Orquesta, el ministro Roberto Robaina, Luis Alberto García, Cecilia Roth,
entre tantos otros, que fueron dando su testimonio sobre lo que significó Fito
Páez para los cubanos: nuestro artista fue otra revolución para Cuba por su
música y su desparpajo.
Admiración mutua, recuerdos de borracheras, de noches y días de música y ron, y
la presencia inesperada del comandante Fidel Castro, quien le habló de cualquier
tema menos de política, jalonan esta charla imperdible, que va recorriendo años,
décadas, con un artista entusiasmado por lo vivido y con la emoción a flor de
piel.
Para Fito Páez, La Habana debe conservarse así, con sus construcciones antiguas
porque en ellas está su espíritu, la alegría, la risa, la buena música, y el
saber vivir. Quizás sea cuestión del clima del Caribe, Fito no lo sabe, pero
está seguro de que La Habana y su gente son únicas.
Buena narración, buena documentación que incluye fragmentos de noticieros de la
época, una fotografía que alterna la charla de Fito Páez con los inserts
fílmicos, y que redondea la idea inicial: Fito Páez no pudo sustraerse a la
fascinación que La Habana produce en todos quienes la visitan. O quizás se pueda
decir que así como Páez tuvo su "flash" con La Habana, los cubanos tuvieron el
suyo con nuestro Fito.
Elsa Bragato
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JUEVES 25 DE ABRIL DEL 2024.-
1.- AESPA WORLD TOUR IN CINEMAS, de Oh Yoon Dong. Primer concierto de AESPA,
realizado en año pasado.
2.- DESAFIANTES, de Luca Guadagnino. Con Zendaya.
TRAILER
https://youtu.be/XLD4HcndxSM?si=vBptNfj1vGAQ6pok
Para la prensa internacional, esta película de Guadagnino es fresca, juguetona,
sexy, y la más placentera. Opiniones recogidas de The Hollywood Reporter y de
The Independent.
3.- CONTRA TODOS, de Moritz Mohr
TRAILER
https://youtu.be/5eGymVl-NuE?si=wawij1a6eyqdJAJ_
La crítica extranjera considera a este film como una "orgía de sangre", que va a
saciar el apetito de los fans del gore. Opiniones obtenidas en sitios online
como The Daily Beast.
4.- RED, Animación de Pixar y Disney. Con Sandra Oh.
TRAILER
https://youtu.be/rYqYwYTsXT4?si=OpdwIhulInnQQUrx
La opinión general es que con esta película se le dio visibilidad a un tema poco
frecuentado en las animaciones infantiles, siendo un retrato de adolescencia
divertido y ágil.
5.- VERMÍN LA PLAGA, de Sebastien Vanicek
TRAILER
https://youtu.be/7NxV0URDxpI?si=PuslyAicXA6NLYhf
Para algunos críticos internacionales, tanto bicho en pantalla resultó
apabullante, para otros luego de Tarántula es la mejor película del género. Ver
Diario ABC y Cinemanía.
6.- EL VIAJE SOÑADO, de Marc Fitoussi. Con Kristin Scott.
TRAILER
https://youtu.be/CzEotPwWkCg?si=n80LOFo_9VRzq6EV
Variadas opiniones sobre el viaje de estas mujeres a un lugar ansiado: por un
lado, algunos críticos piensan que puede ser una mirada oscura sobre la sociedad
actual, es decir, la soledad, el contentarse, el llenar la vida como sea. Para
otros, es un divertido retrato de lo que pueden divertirse un grupo de señoras
en un lindo lugar. Ver Variety.
7.- LEÓN, de Andi Nachon, y papu Curotto. Con Carla Crespo.
TRAILER
https://youtu.be/5PABzmRuaV0?si=7U_9X0mibtx-D53n
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CRÍTICAS
ANIMU
Documental de Miguel Cohan, BAFICI 2924.
Música de Wara Calpanchay. Fotografía de Federico Bracken. Compañías Vertiente
Cine, La Pluma Producciones, Duración 61 minutos.
XXX – SENSIBLE RELATO SOBRE EL CRECIMIENTO ESPIRITUAL DE UNA ADOLESCENTE
Miguel Cohan le da protagonismo a Wara, una adolescente de la Puna que decide
vivir fuera de la ciudad de Jujuy. Toca el Violín, de hecho la música del film
le pertenece, y tiene gran cercanía con su abuela. Cuando esta muere, empieza un
crecimiento involuntario que le resulta doloroso. De eso se trata esta historia
contada en blanco y negro.
Si bien esta la supuesta "tía" Delia, la ausencia definitiva de la abuela es
diferente: va unida a la música y reconoce que solo le ha quedado esto último.
Ahora se da cuenta de que es tanta su necesidad de afecto que es capaz de
abrazar a un desconocido o a un animal, a los que de niña les temía. Pero falta
mucho para su crecimiento, porque nada sabe de las costumbres de su pueblo,
aunque comparta algunas. El mundo se convirtió un lugar desconocido al que debe
desandar y descubrir.
El tratamiento que Cohan le da al guion es metafísico, tal como se entiende hoy,
basado en esas preguntas que no tienen respuestas especialmente cuando alguien
cercano muere. Dónde está, cómo reencontrarlo, dejamos realmente que su alma
vuele o lo atamos a la tierra con nuestros deseos. Ni la ciencia aun las ha
podido desentrañar. Para Wara todo es comienzo o tal vez volver a las raíces y
encontrar alguna respuesta desde su nombre hasta el presente, con tíos y primos
que no sabe si son de su sangre o no, y buscar un camino dentro del arte como
salida. Tiene a la música como compañera inseparable del recuerdo ahora de su
abuela, el camino tal vez esté en las artes audiovisuales...
En esta película se habla de los sueños, de la música, del reencuentro con los
seres que no están, marcando notable diferencia con las películas donde se trata
el crecimiento de una adolescente. Es, en definitiva, un sentido documental, con
muy buenos rubros técnicos una historia de adolescencia diferente contada desde
el lugar del alma y del pensamiento.
Elsa Bragato
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JUEVES 18 DE ABRIL DEL 2024
Aclaración: carecemos de información del INCAA dado que su jefatura de prensa
fue cerrada.
1.- ABIGAIL, de Matt Bettinelli Olpien y Tyler Gillett
"Decepcionante, probablemente tenía mejor pinta sobre el papel", de Alison
Foreman, Indie.Wire
"Un nuevo éxito de público de Bettinelli Olpin y Gillet. Está preparada para
ofrecer lo más divertido que se pueda ver en el cine este año", de Meagan
Navarro, Bloody Disgusting.
2.- NUNCA ES TARDE PARA AMAR
Hay crítica
3.- UN GATO CON SUERTE
Hay crítica
4.- GUERRA CIVIL, de Alex Garland
"Cualquier cosa que te esperes esta película te dará otra cosa... es
rabiosamente convincente y perturbadora. Es una gran película que tiene su
propia fuerza vital", de Mart Zoller Seiz, regerebert.com
"Un cine inolvidable si te atreves a verla", de David Crow. Den of Geek.
"Una impresionante proeza técnica pero un drama emocionalmente frío", de Adrián
Horton, The Guardian.
5.- AMOR SIN TIEMPO, de Bertrand Bonello. Basada en la novela corta de Henry
James, La bete, en adaptación libre.
Hay crítica
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CRÍTICAS
CINENSANGRE
Dirección y guion de Eduardo Spagnuolo. Fotografía de Ricardo de Angelis,
Investigación de Hayrabet Alacaha y Spagnuolo, Edición de Mariana Durán, Sonido
de Juan Silva, Música de Gustavo Romagnuoli, Equipos técnicos de San Juan y de
Buenos Aires. Producción de Hugo Castro Fau. Con Nilda Oyola, Ricardo de
Angelies. Duración: 71 minutos.
XXX- CINE-PASIÓN EN UN BUEN DOCUMENTAL
Hacer cine en Buenos Aires tiene diferencias de medios respecto del mismo
trabajo en las provincias de nuestro país. Es la vivencia del director Eduardo
Spagnuolo quien viajó al pueblo Zonda, a 20 km de la ciudad de San Juan, para
entrevistar a Fabián Arévalo, fotógrafo, entre otros menesteres, transformado en
director de cine. Un cine a pulmón para el que se hacen rifas a fin de
financiarlo, un crowdfounding casero. La idea de Fabián fue filmar la vida de la
montonera Martina Chapanay, reconocida como la vengadora de la muerte del Chacho
Peñaloza, que nació en la comunidad de los huerpes en 1800 aproximadamente y
falleció en 1887. La actriz elegida fue la lugareña Nilda Oyola, a quien
convenció su hermana de tomar el papel por el valor histórico del personaje.
Todo en familia.
Spagnuolo se encontró con un grupo de amantes del cine, sin experiencia
profesional que, sin embargo, estaban registrando increíbles escenas de acción.
Allí advirtió capacidad e ingenio, y pasión por filmar. Los trajes de época
estuvieron a cargo de una vecina, mientras que cada integrante del elenco llevó
su propio caballo porque "son más protagonistas que nadie".
Por sobre lo que nos cuenta en forma fluida y animada este documental, está la
tremenda oposición entre los medios con los que se cuentan en nuestra ciudad y
los que faltan en el interior profundo. Claro que tener medios no es ni gratis
ni fácil porque se suceden las presiones de los sindicatos, de organizaciones
ligadas al cine, y de los elencos profesionales, que enloquecen con exigencias
al productor y al director.
Para Spagnuolo ha sido un hallazgo que lo entusiasmó por lo que terminó de
organizar este documental: se topó con gente con pasión que lograba lo que aquí
se hacía con inversiones importantes. El resultado es una especie de western
criollo interesante, una propuesta que hace bien ver: argentinos con amor por lo
que hace, que tiene ingenio y voluntad por sobre las carencias. Un film valioso
que pone sobre el tapete el ingenio y la voluntad por sobre una realidad difícil
pero nunca insalvable.
Elsa Bragato
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UN GATO CON SUERTE
Animación dirigida por Christopher Jenkins. Voces de Mo Gilligan, Simone Ashley,
Sophie Okonedo, entre otros. Duración: 78 minutos. Distribuye BF París.
XXX – UN GATO CON UN KARMA ESPECIAL
Esta animación, que fuese presentada en el festival Sundance, viene alcanzando
buenos niveles de público por su temática: un gato al que las 7 vidas le
alcanzan para llegar al cielo y volver con varias más. Se trata de "Beckett",
gato muy mimado que, de casualidad, cae en la casa de una investigadora
científica quien busca salvar a las abejas. Por uno u otro motivo, va perdiendo
sus vidas hasta que, al llegar a la última, el único camino que le queda es el
del Cielo. Allí hay una encargada de recibirlo que le irá solucionando sus
ansias de vivir pero en el cuerpo de otros animales.
Es curioso cómo uno de los enunciados metafísicos indican que, al pasar a la
otra vida, la reencarnación sobreviene en el cuerpo de otro ser humano. Para
algunos, también en animales o insectos, si bien esta última es la teoría más
rechazada. En el gato Beckett resulta muy simpática esta reencarnación para
regresar a la tierra convertido en laucha, en zorrino, en abeja, en caballo,
entre otros animales, siempre cumpliendo con una tarea de ayuda a su dueña que
llora por él.
El tema se torna muy simpático por el personaje, Beckett empatiza rápidamente
con el público y la narración resulta atractiva de principio a fin si bien el
pobre gatito sufre las mil y una. En verdad, una animación con mucha alma y
sentido ecológico.
Elsa Bragato
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ASTOLFO
Dirección y guion de Gianni Di Gregorio. Con Gianni Di Gregorio, Stefanía
Sandrelli, Gigio Morra, Alfonso Santagata, Mauro Lamantia, Alberto Testone,
Agnese Nano, Simone Colombari, Biagio Forestieri, Mariagrazia ompei, entre
otros, Fotografia de Maurizio Calvesi, Mu´sica de Ratchev and Carratello.
Duración: 97 minutos. Bibi Film y Le Pacte.
XXX- COMEDIA SOBRE EL AMOR AÑOSO
Las sociedades actuales miran con recelo el amor y la sexualidad en la llamada
"tercera edad". Está asumido que los "añosos" no pueden tener las mismas
habilidades amatorias que los de 20, 30, 40 o 50. Gianni Di Gregorio, que peina
sus canas, enfoca su película sobre este aspecto cuando, por diversas razones,
debe dejar su departamento romano y vivir en un viejo palacio familiar. Algunas
cosas cambiaron, el párroco del lugar tomó parte del edificio, y, en la zona
liberada, viven un pordiosero, un chef y un joven, todos sin techo ni trabajo.
"Astolfo", que encarna Di Gregorio, tiene una infinita paciencia por lo que
acepta vivir con los tres, mientras intenta recuperar la propiedad. Al margen de
las diversas circunstancias que enfrenta al respecto, su primo se empecina en
presentarle a una viuda, Stefanía (la siempre bella Stefanía Sandrelli, aquélla
inolvidable de "Nos habíamos amado tanto", film de Ettore Scola, 1974), quien, a
su vez, ha dejado de vivir su propia vida para atender los reclamos de su hijo y
nietos. La llegada de Astolfo cambia su rutina diaria no sin inconvenientes.
Por sobre los personajes bien delimitados, surge el planteo de Astolfo, hombre
sesentón, quien se pregunta si tiene derecho a volver a amar, si puede ser
aceptado y si no hará el ridículo. Otro tanto le ocurre a Stefania.
Es, más allá de los protagonistas, una problemática social que determina la
soledad de gente mayor con enormes valores intelectuales aun cuando mantienen
capacidad para trabajar y rehacer sus vidas. De allí el valor de esta comedia
que no cae en el melodrama y en los rebuscamientos conceptuales. Di Gregorio
logra una comedia cálida, de planteos sociales sutiles, enmarcados en este nuevo
amor al que se anima a darle cauce. Es una película honesta, que divierte, hace
bien y hace pensar subliminalmente.
Elsa Bragato
AMOR SIN TIEMPO
Dirección y guion de Bertrand Bonello, basado en un cuento de Henry James, La
Bete. Con Léa Seydoux y George Mackay, enre otros. Fotografía de Josée Deshaies,
Música de Bertrand Bonello y Anna Bonello. Duración: 146 minutos.
XXX – HISTORIA DE UN AMOR Y ALGO MÁS
El cuento "La bestia" de Henry James, considerado el padre de la Psicología
Norteamericana, llega por segunda vez al cine esta vez de la mano de Bertrand
Bonello con "Amor sin tiempo" en castellano, quien logra un film demasiado
extenso, pero sin poder de síntesis.
La protagonista es Gabrielle, una joven y bella mujer (Lea Seydoux), quien no
quiere sufrir más y se somete a la Inteligencia Artificial que ha logrado
"comprender los sentimientos para tenerlos sin sufrir". Bonello empieza su
narración en el 2044 para llevarla a 1910 y 2014, a través de un extraño proceso
que, para la paciente, es un abrir y cerrar de ojos. En todos estos momentos,
Gabrielle ha sentido el temor de que su vida corre peligro, si bien se encuentra
con su amor de adolescencia. Está casada con un hombre que, repentinamente, se
dedicó al negocio de muñecas de plástico, hasta que decide separarse.
La "bestia" del título en francés está presente en donde menos se espera. Y,
como todo buen cuentista, James lo descubre en el final, algo que Bertrand
Bonello respeta. Mientras tanto, el realizador nos pasea por diferentes
sentimientos y sensaciones: desde el miedo a morir al miedo a un desastre, el
miedo al entorno, el miedo a la soledad, hasta dejar de manera tácita por sobre
todos estos miedos la esencia de lo existencial, este permiso de estar con vida
por un ratito nomás.
Nada es muy explícito en el film de Bertrand Bonello salvo la aparición del amor
de adolescencia de Gabrielle en cada período, pero el director no logra fusionar
estas etapas que vive la protagonista en un todo sino que quedan como
secuencias, o paréntesis que pueden eliminarse sin que la propuesta pierda
sentido.
Es innegable que hay una búsqueda del amor como salvación, planteo
incuestionable de la protagonista. Pero se diluye en una narrativa laberíntica.
Si el cuento de Henry James está pleno de pesimismo sobre la condición humana,
el film de Bonello toma sus ideas literarias de manera parcializada, dándole
tinte policial. Ideal para festivales más que para todo tipo de audiencias.
Elsa Bragato
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JUEVES 11 DE ABRIL DEL 2024
1.- BACK TO BACK, de Sam Taylor Johnson.
Sin criticas hasta el viernes.
2.- SISMO MAGNITUD 9.5, de Oxide Pang Chun
Hay crítica
3.- RECUERDOS MORTALES, de Adam Cooper, con Russell Crowe
La crítica internacional, tomando como base lo expresado por Paste Magazine o la
Rogerebert.com, considera a esta película muy elemental, plagada de trucos
baratos, con policías muy malos, con una narración con altibajos, muy lúgubre,
aunque siempre está la actuación de Russell Crowe que le da su impronta por lo
que el espectador se mantiene atento.
4.-SIEMPRE HABRÁ UN MAÑANA,
Hay crítica.
5.- VLADIMIR, de Martín Riwny, con Daniel Aráoz.
Sin crítica hasta el viernes.
6.- LAS DOS MARIETTE, de Poli Martínez Kalun
Hay crítica.
7.- SISMO MAGNITUD 9.5
Hay crítica.
CRÍTICAS
SISMO MAGNITUD 9,5 DESASTRE TOTAL
De Oside Pang. Corea del Sur.
XX – PELÍCULA CATÁSTROFE QUE DECEPCIONA
Repentinamente se produce un tremendo terremoto de 9,5 grados en la ciudad de
Chengsung, donde existe un Parque Industrial. Si bien el cuerpo de bomberos
tiene entrenamientos en este tipo de catástrofes, este terremoto los superará y
transformará una próspera ciudad en una villa apocalíptica.
La película es una sucesión de desastres para los que se cree estar preparado
hasta que se desata el feroz sismo de 9.5 que produce la explosión de las
tuberías de la planta química. Solo hay una pareja que pone la cuota de amor: él
es bombero y ella una experta en situaciones límites que se pone a disposición
para recorrer la planta a fin de determinar los elementos químicos y trabajar
entonces con los mejores medios de protección. El melodrama romántica está en
que ella no acepta casarse con su novio bombero y, sin embargo, la vida los
enfrentará a una situación tan dramática que ambos deberán analizar si tienen o
no futuro.
Hay escenas de sensiblería máxima aunque se ajusten a alguna realidad vivida:
los bomberos que se declaran hijos del padre de un compañero, un anciano que
está por desmayarse por el llanto, que ha fallecido en el desastre telúrico o el
pendrive que, bajo tierra, un bombero atrapado logra grabar y enviar a la
maestra de quien está enamorado para despedirse. No es una película buena, es
una sucesión de desastres de computación que no aportan nada nuevo. Mucho
apocalipsis técnico, llantos forzados y carencia de auténtica sensibilidad.
Elsa Bragato
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LAS DOS MARIETTE
Dirección y guion de Poli Martínez Kaplun, fotografía de Hernán Menéndez, Música
de Cesar Lerner. Con Mariette Diamant, amigas y familia. Duración: 80 minutos.
XXXX – LAS DOS ALMAS DE MARIETTE
La realizadora Poli Martínez Kaplun logra una larga y sentida entrevista con
Mariette Diamant, nacida en Austria que vivió en París con sus padres y fue
educada en los mejores colegios católicos. Cuando los alemanes ocuparon Francia,
sus padres decidieron emigrar a la Argentina. Mariette recuerda a su madre por
su glamour y su voluntad férrea mientras que su padre, bastante mayor que la
mamá, se ocupó del mantenimiento del hogar. Por un hecho fortuito, su madre le
confesó que su papá era judío y que ella no tenía acta de nacimiento porque se
había incendiado la oficina estatal.
MAriette empezó a vivir un quiebre profundo: si su padre era judío, ella lo era
también, pero su madre había ocultado todo posible judaísmo siendo educada en la
fe contraria. Judía pero católica profunda. Junto a un grupo de amigas, luego a
sus tres hijas, Mariette comprende que su sufrimiento por esta dualidad tuvo un
por qué: su madre quiso cuidarla. De decir que era judía, tal vez no habría
vivido. Mientras que para MAriette es muy importante aún hoy esta situación
dual, así como para sus hijas mujeres no hay ningún problema y para su hijo
varón la situación lo tiene sin cuidado. Mucho menos importa a sus nietos para
quienes la situación hasta es divertida.
De esta biopic resultan muy interesante las charlas de las amistades judías de
Mariette y las diferentes hipótesis que hilvanan sobre el caso. Pero nadie la
culpa, solo hay que lamentar que Mariette sufra aún hoy imaginándose si pudo ser
discriminada por antisemitismo, o si no cumplió con su fe. Que sienta, en
definitiva, una culpa por algo que no le pertenece.
Bien podemos afirmar que en este film de Poli Martínez Kaplun es esencial lo
conceptual: el secreto de "Las dos Mariette" está en lo que se habla en las
reuniones con familiares y amigos. No obstante, la realizadora cumple con los
elementos del documental al poner frente a cámaras a Mariete Diamant así como se
entrevista con diferentes integrantes de su entorno. Historia conmovedora que
habla de las consecuencias de las guerras, de la lucha por la supervivencia, de
la discriminación por fe, y la resiliencia cuando es posible. Para Mariette,
protagonista empática, es un dilema, eje de su vida, aunque se comprende y
acepte su profunda conmoción espiritual. Un documental pleno de emoción.
Elsa Bragato
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SIEMPRE HAY UN MAÑANA
De Paola Cortellesi. Guion de Paola Cortellesi, Furio Andreotti y Giulia
Calenda. Fotografía de Davide Leone, Música de Lele Marchitelli. Con Paola
Cortellesi, Valerio Mastandrea, Vinicio Maarchioni, entre otros. Duración: 118
minutos.
XXXX- UNA HEROÍNA SURGIDA EN EL NEORREALISMO
La directora, guionista y protagonista de Siempre hay un mañana presenta una
película sobre el empoderamiento de las mujeres ubicando la historia en 1946,
plena postguerra, con la utilización del blanco y negro.
Es la misma directora y coguionista quien personifica a Delia, una hermosa mujer
casada con un hombre violento, madre de tres hijos, la mayor a punto de
comprometerse, que creyó en el matrimonio pero ahora con la carga de sus sueños
hechos trizas mientras cumple a rajatabla con sus obligaciones de ama de casa,
esposa y madre.
La historia se asemeja a muchas otras, salvo que en esta oportunidad Delia es la
esencial protagonista, la cámara (la propia cámara de Paola Cortellesi) la sigue
haciéndonos sentir su quiebre interior mientras la vida familiar continúa sin
variantes. Sin embargo, se produce un atisbo de salida que es más que
individual, social. En principio, surge como un pellizco en el camino narrativo
por lo que aquello que parece como determinación de libertad no sea personal
sino social.
Es decir, Delia y su historia conforman una gran alegoría sobre las libertades
sociales femeninas. Trasciende los estereotipos al no quedarse en una agónica
idea de irse. El tratamiento que le da Paola Cortelessi a su heroína es de
universalidad a partir de la individualidad, trabajando el lenguaje básico del
neorrealismo con secuencias que caen en el surrealismo por su extrema
teatralidad, resultando insólitas y desparpajadas. Una película sobre la
condición femenina atrapante, muy bien realizada, con una heroína fascinante.
Estupenda, para ver.
Elsa Bragato
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ALEMANIA
Dirección y guion de María Zanetti. Con Maite Aguilar, Andy Pruss, Vicky Peña,
entre otros. Fotografía de de Agustín Burrutia, Música de Sergio de la Puente,
Duración: 87 minutos.
XXXX- HALLAZGO CINEMATOGRÁFICO EN UNA HISTORIA COTIDIANA
Es el primer largometraje de María Zanetti y el debut de su protagonista, Maite
Aguilar, moviéndose en un medio en el que parecen haber nacido: el cine. Se
cuenta la historia de una adolescente de 16 años, Lola, que logra una beca para
Alemania a fin de culminar su secundario en Europa. Se enfrenta a las
vicisitudes de su hogar, donde su hermana mayor es el centro de preocupación de
los padres, mientras que el hermano menor aporta inquietud y alegría. Lola queda
siempre relegada, pero está convencida de lograr su sueño a costa de lo que
fuere.
María Zanetti trabaja con el medio plano, produciendo cercanía, familiaridad.
Nada de lo que ocurre en la historia resulta desconocido, uno se integra a esa
familia de clase media baja. Mérito sin duda de Zanetti que mantiene en un mismo
nivel la narración: no hay tiempos muertos o que resulten excesivos. En todo
caso, la realizadora tiene manejo de la historia para ir dosificando las
tensiones intrafamiliares, agregándose la calidez de la abuela (la reconocida
española Vicky Peña). El conflicto estalla sin caer en el melodrama, es una
circunstancia difícil más que enfrenta un matrimonio con una hija enferma, otra
con un viaje al exterior y un pequeño al que hay que criar. Ningún personaje
sobra o está fuera de contexto. Lola crece abruptamente a partir de las pequeñas
y cotidianas frustraciones, mientras no abandona su sueño. Fluye la historia
como la vida misma, solo es necesario abrir los caminos de la conciencia para
que los hechos se encaucen.
Se trata de una película redonda, bien realizada en todos sus aspectos, los
actorales y los técnicos. Asombra la calidad interpretativa de la novel Maite
Aguilar, así como el conocimiento y manejo de la esencia de lo cinematográfico
que tiene María Zanetti. Un pequeño gran hallazgo.
Elsa Bragato
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VLADIMIR
Dirección y guion de Martin Riwnyj. Fotografía de Joaquín Silvatici, Arte de
Victoria Cachán, Edición de Leo López y Esteban Rivero, Música de Pablo Trilnik,
Eduardo Gómez Bidondo. Con Daniel Aráoz, Enrique Dumont, Marcelo Melingo, Mimí
Ardú, Alma Bagnato, María Eugenia Rigón, Mariela Pizzo, Germán Baudino, Carlos
Belloso, Stefanía Koessl, entre otros. Duración: 72 minutos.
XXXX- PROTAGÓNICO POTENTE Y OSCURO PARA UN NOTABLE DANIEL ARÁOZ
Tener a Daniel Aráoz como protagonista de una obra, en este caso,
cinematográfica es lograr un altísimo porcentual de calidad desde el vamos. El
director Martín Riwnyj, artista plástico y realizador al mismo tiempo, lo
convoco para un personaje muy especial, Vladimir, ideal para la personalidad
escénica de Aráoz. Vladimir es un artista a quien, como primera circunstancia,
la muerte trágica de su mejor amigo, Raulito (Enrique Dumont) le provoca un
cambio psicológico profundo iniciando una carrera pictórica a base de oscuros
actos. Su contracara es "Pereda", a cargo de Carlos Belloso, policía corrupto
que intenta no serlo. El resto de los personajes tienen que ver con el mundo del
arte, galeristas, expertos, a quienes poco les importa la vida del artista sino
lo que sus productos generan. La segunda circunstancia que quiebra el espíritu
de Vladimir es la aparición de una joven mujer que lo obliga a un replanteo de
su vida y de su propia muerte.
Es una película diferente, donde hay planteos sobre distintos aspectos desde la
moral hasta la fe y la vida en el más allá. Riwnyj logra climas envolventes, con
una cámara por momentos subjetiva, en cuyas tomas hay ocultas respuestas, tan
secretas como la inspiración de Vladimir.
En definitiva, estamos frente a un intenso policial, donde la perversión y el
absurdo se fusionan en el protagonista, quien logra su obra maestra de manera
sorprendente al punto tal de que deja sin aliento. Muy buen filme.
Elsa Bragato
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JUEVES 4 DE ABRIL DEL 2024.-
ESTRENOS PREVISTOS
Los títulos previstos son los siguientes, pero consignamos, como siempre, que
pueden haber modificaciones a último momento cuando la sección esté cerrada.
1.- ARTHUR
TRAILER
https://youtu.be/PfpiaULKREs?si=yV8mOS2u7KCjx8zh
"A veces es emocionalmente manipuladora y está llena de melodrama, pero eso no
impide que sea una forma perfecta de pasar 90 min en el cine, especialmente para
los amantes de los perros", de Nate Richard, Collider.
2.- LA PRIMERA PROFECÍA
TRAILER
https://youtu.be/61rrDlVwvx4?si=xM0XMF9yaBUSH6C9
Sin críticas hasta el viernes 5.-
3.- TOKYO SHAKING
Hay crítica
4.- CLARA SE PIERDE EN EL BOSQUE
TRAILER
https://youtu.be/l1fyU4h6N0c?si=obn3CH0GLG1Exyzf
Hay crítica
5.- HEMSHEJ
Hay Crítica
TRAILER
https://youtu.be/KmhXwv-N79s?si=InpPrw-nfyhUwHP6
Documental. Argentina. Hay crítica.--
CRÍTICAS
TOKYO SHAKING
Dirección y guion de Olivier Peyon, coguionista: Cyril Brody. Fotografía de
Alexis Ravirchine, Música de Manuel Rolank y el Coro de Abricot. Con Karin
Viard, Stephane Bak, entre otros. Duración: 101 minutos. Mirada Distribution
XXX –UNA MIRADA DIFERENTE SOBRE EL DESASTRE DE FUKUYIMA
Olivier Peyon, principal guionista de esta realización que dirigió, centra la
historia en "Alexandre" (Karin Viard), francesa trasladada a Tokyo cumpliendo
con un ascenso, y en el empleado "Amani" (Stephane Bak) de origen congoleño. En
esa dupla protagónica se generan una serie de temas que Peyon no desarrolla sino
que puntualiza, he aquí la cuestión narrativa, enmarcando la historia en la
explosión nuclear de Fukuyima y sus consecuencias inmediatas.
"Alexandre", francesa en Tokyo, permite analizar el caso de la migración, por
necesidad en su caso o por voluntad como fue la elección de "Amani", así como la
presión sobre una mujer que ocupa un importante cargo. Sin embargo, está
sojuzgada por su marido, por su superior, y por las circunstancias: es migrante,
mujer, y tiene un cargo gerencial. En verdad, hay numerosos subtemas
interesantes que no se profundizan pero se señalan claramente porque el drama no
está en Fukuyima sino en la vida cotidiana, centrándose en "Alexandre" y su
capacidad para surfear una situación límite mientras la aquejan diferentes
factores individuales y sociales.
Dentro de la estructura de una comedia dramática clásica, Peyon vira la
narración surgido de un hecho límite para desgranar, puntualizar, la reacción
individual desde lo cotidiano y los valores que se ponen en juego. Deja un claro
mensaje sobre los pro y contra de sociedades avanzadas donde la discriminación
por sexo y raza siguen vigentes como hace siglos. Para pensar.
Elsa Bragato
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HEMSHEJ
Dirección y guion de Julieta Lande. Camara de Lande y Pablo Linietsky.
Anmaciones de Tomás Lerer. Idiomas: castellano, polaco e inglés. Duración: 71
minutos. Producción Argentina- Polonia.
XXX – LA BÚSQUEDA DE LOS ORÍGENES
La directora Julieta Lande reconstruye el origen de su familia a partir de lo
que no se dijo, de lo que no se habló en familia. Sus abuelos fueron
"sobrevivientes", lo único que supo, y vinieron de Polonia en 1939. Mucho más no
se habló, actitud que fue muy común en los inmigrantes del siglo XX por
diferentes motivos.
Viaja a Polonia, busca la calle donde vivieron sus antepasados, visita
cementerios judíos, viaja a Israel, se encuentra con sus primos. Una parte de la
familia está interesada en los orígenes mientras que otra considera que son
actitudes "nostálgicas". Resulta diferente su posición respecto de Israel y
Palestina, los árboles que se plantaron en tierras ocupadas que le obligan a
decir que una historia de vida tapa otra. Casi como cuestionamiento o bien una
pregunta para esa disyuntiva.
Es atractivo el primer plano casi constante de Lande, busca en los rostros de su
tío y de su padre respuestas que, a veces, dan más los gestos que las palabras.
Su voz en off va explicando desde las fotos iniciales de Joel y Jana, los
abuelos a quienes dedica el documental, así como el por qué de su viaje a
Polonia, un país que les suena como "cementerio de judíos". La ayuda de su tío y
su padre resulta determinante: "la vida era normal hasta que dejó de serlo",
afirma su padre, mientras que señala que "Hemshef" significa recuerdo, iniciar
ese recuerdo y darle continuidad. Siendo entonces una actitud de vida para todos
los judíos. Hay un trasvasamiento generacional del dolor infringido.
El documental resulta muy atractivo en lo conceptual por la riqueza en la
búsqueda, que encuentra desde el bosque de los mártires de Stok hasta la
diferencia entre los nativos de Israel y los judíos nacidos en otros países,
enriqueciendo además la fotografía con paisajes poloneses e israelíes.
Diferente, con un pensamiento claro y sin cortapisas sobre lo que es ser judío:
hay una carga histórica que se debe afrontar siempre.
Elsa Bragato
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CLARA SE PIERDE EN EL BOSQUE
Dirección y Guion de Camila Fabbri. Fotografía de Victora pereda, Montaje de
Josefina Llobel, Arte de Iara Ohanian,Con Camila Peralta, Agustín Gagliardi,
Julián Larquier Tellarini, Florencia Gómez García, Maitina de Marco, Martina
Chamorro y Pedro García Narbaitz- Duración. 86 minutos.
XXX – RECUERDOS QUE NO SE SUPERAN
Es el primer largometraje de la escritora Camila Fabbri y, en verdad, logra un
filme diferente, un tanto complejo conceptualmente, pero que despierta interés
especialmente en los más jóvenes.
Nos cuenta un momento especial en la vida de Clara (Camila Peralta) que desea
ser madre y su viaje hacia un paraje campestre con su pareja, un encuentro
familiar bucólico, amable, simple, con un bosque enfrente de la casa y la
libertad de descansar cuando se quiere. Pero Clara mantiene charlas vía celular
con su amiga de siepre, Martina, quien ya está embarazada y es quien la ayudó a
salvarse en la masacre ocurrida el 30 de diciembre del 2004 en Cromañón, el
lugar bailable de la zona de ONCE que se cobró más de 195 vidas en cuando las
bengalas lanzadas por los chicos rozaron las telas que cubrían el techo. Era una
presentación de Callejeros, que terminó en una tragedia social.
El trabajo de Camila Fabbri es interesante: los recuerdos que Clara y Martina
sienten, que las movilizan, se cuentan vía telefónica, mientras lo que se ve,
las imágenes, nos muestran la vida familiar, la alegría de los chicos, los
perros corriéndose, y la visita al bosque, paseo obligado que, por momentos,
asusta porque cualquiera puede perderse.
Es decir, hay una oposición concreta: lo que se ve no es lo que voces en off nos
cuentan. Hay una exclusión adrede de lo que se vive (sentarnos, escuchar a
otros, tomar mate) con lo que la mente de Clara acepta y, en este caso, es lo
que Martina le recuerda sobre la tragedia de Cromañón, ese hecho traumático que
las unió. La narración transcurre a partir de un claro sentido de lo "no
empático" porque no se logra fusionar el sentimiento de Clara, en medio del
bosque de sus pensamientos y traumas, con la vida cotidiana de la que parece
participar.
Camila Fabbri logra plantear una dicotomía profunda en la protagonista,
basándose en lo que más conoce que es la literatura: lo que sucede es literario,
se habla, está en diálogos o monólogos, pero no en las imágenes que muestran un
grupo familiar que disfruta de una casona en el campo. En definitiva, la
película transcurre en una voz en off.
Elsa Bragato
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JUEVES 28 DE MARZO DEL 2024.-
ESTRENOS PREVISTOS
1. GODZILLA Y KONG, EL NUEVO IMPERIO, de Adam Wingard
(Sin crítica hasta el viernes 29)
2.- LAZOS DE VIDA, James Hawes
(Sin críticas hasta el viernes 29)
3. DETRÁS DE LA VERDAD, de Miles Joris Peyrafitte
(hay crítica)
4.- RECUERDOS MORTALES, de Adam Cooper. Con Russell Crowe.
"Aburrido, un thriller de combustión lenta que al público dejará de importarle
mucho antes de que llegue al final", de Frank Scheck, The Hollywood Reporter.
"Todos son policías malos y giros de m... que convierten la fragilidad de la
memoria humana en un truco barato", de Josse Hassenger, Paste Magazine.
5.-EL LIBRO DE LAS SOLUCIONES,
(Hay crítica, presenta Zeta Films)
6.- EL VIAJE SOÑADO, de Marc Fitoussi
"Su principal problema es que no desata carcajadas, sino que se conforma con
dejar sentimentalismo con trazos de amargura de lo más efímero"; de Philipp
Enger, Cinemanía.
"Aunque el escenario de fondo no está mal, es bastante tonta y rebuscada"; de
Ben Kenigsberg, The New York Times--
CRÍTICAS
CONVERSACIONES CON SÁBATO
Documental de 1983. Dirección de Pablo César. Idea y producción de Ana María
Novick. Música de Guido Sábato. Edición de Liliana Nadal. Postproducción de
sonido de Emiliano Monsegur. Postproducción de imagen de Gorky Films. Proceso de
escaneo digital del film Super8 de Sebastián Tolosa. Diseño gráfico de Gabriel
Real.
XXXX – RECUPERACIÓN DEL PENSAMIENTO DE UN GRAN ESCRITOR
El realizador Pablo César, de vasta trayectoria, logró ubicar en Tailandia a Ana
María Novick, quien fuera la ideóloga de este documental con el escritor y
físico Ernesto Sábato como protagonista antes de que terminara la dictadura
cívicomilitar, en 1983. Hubo un proceso de digitalización y de renovación
tecnológica del material inicial y se pudo llegar a este mediometraje de gran
interés. Se ve a Ernesto Sábato paseando por Parque Lezama, el lugar de sus
personajes de Sobre Héroes y Tumbas, y también en su casa de Santos Lugares.
Tiene un pensamiento lúcido, preciso, que le permitió definir al movimiento
Peronista, desentrañar el caso de Eva Perón, figura a la que admiró siempre,
distinguir entre el arte en sí mismo del arte propagandístico a través de
Beethoven y de Picasso como ejemplos, y hablar de la vida y de la muerte,
riéndose porque a la segunda "solo me llevarán con la fuerza pública". Es una
figura adusta y amable a la vez que nos habla del por qué de la pintura, la
diferencia entre sueño y creación, su problema de visión, las pasiones entre
pintura y literatura, y un sentimiento especial de empatía con la naturaleza. Es
de gran interés cultural ver este documental que se ofrecerá los días 3 y 10 de
abril a las 19 horas en el CCK con entrada libre y gratuita. Escuchar a un
pensador nacional es lo más conveniente que nos puede pasar en estos días.
Elsa Bragato
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EL LIBRO DE LAS SOLUCIONES
Dirección y guion de Michael Gondry. Con Pierre Niney, Blance Gardin, Frankis
Wallach, Francoise Lebruri, ente otros. Fotografía de Laurent Brunet, edición de
Elise Flevet, Música de Etienne Charry, sonido de Le Braz, Iven y Gaborieau,
Diseño de producción de Pierre pell, Duración: 102 minutos. Distribuye Zeta
Films.
XXX – RELATO SOBRE LA CREACIÓN Y SUS CONTRATIEMPOS
Michael Gondry regresa a la pantalla grande (Premio Oscar por Eterno resplandor
de una mente sin recuerdos) tras varios años de ausencia aunque dedicado a los
videos musicales, siendo como es, baterista.
En "El libro de las soluciones" nos presenta a Marc, cineasta excéntrico cuya
última filmación es rechazada pero se empecina y va a la casa de una tía suya,
en las afueras de París, decidido a terminarla. Tiene un fiel equipo que lo
sigue y una tía que lo comprende más allá de lo habitual.
Hay ideas espontáneas y brillantes mientras Marc (Pierre Niney)se descontrola en
forma constante por lo que su película queda detenida más de lo aconsejable. Hay
varias secuencias interesantes aunque insólitas dentro de un contexto por
momentos caótico: de pronto, Marc dirige un ensemble musical así como por
causalidad se transforma en alcalde del lugar, mientras logra que el mismísimo
Sting grabe la música para una película de la que poco y nada se sabe, adempas
de preocuparse por la salud de su tía. Mucho al mismo tiempo.
La narración explota en ideas, el protagonista las va escribiendo en su "libro
de las soluciones", y, dentro de la incomprensión que se genera por la
yuxtaposición de situaciones, surge el costado humano que le devuelve al film y
al protagonista la cordura que está faltando. Digamos que un poco de rareza está
bien pero cuando la historia se desarticula a cada instante a partir de un
personaje excéntrico, se pierde ese costado de comedia innato y puede aburrir o
cansar. Cine dentro del cine con el desparpajo creativo de Michael Gondry.
Elsa Bragato
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DETRÁS DE LA VERDAD
Dirección de Miles Joris Peyrafitte. Guion de Madison Hassiron y Miles Joris
Peyrafitte. Con Hilary Swank, Olivia Cooke, Jack Reynor, entre otros. Duración:
90 minutos. Distribución de Digicine.
XXX – INTENSO DRAMA SOBRE EL SUBMUNDO DE LAS DROGAS
La notable actriz Hilary Swank protagoniza a una periodista, Marissa Bennings,
quien sufre el asesinato de uno de sus hijos y se ve envuelta en una
investigación de enorme crueldad.
El supuesto paraíso de las drogas está aquí expuesto con crudeza, sin
exageración, como si tanto drama fuese lo habitual aún en las familias
supuestamente bien conformadas. Lo curioso del tratamiento narrativo de Miles
Joris Peyrafitte es la contención de la intensidad dramática, dosificándola
sobre el personaje de Marissa Bennings, eje del drama.
El rostro de Hillary Swank se transforma en la base de la fotografía siendo la
razón de esta propuesta que trasciende la anécdota (un hijo asesinado por el
submundo de la droga) para ser referente de un drama social que, lejos de
disminuir, crece diariamente.
Densidad dramática en una historia que recurre al drama personal, exento de
balaceras y persecuciones, a través de un personaje, buscando en su mirada, en
sus expresiones, el dolor de la pérdida ante el absurdo de la autoaniquilación.
Elsa Bragato
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JUEVES 21 DE MARZO DEL 2024.-
Por los hechos que son de público conocimiento, carecemos de información del
INCAA en materia de estrenos nacionales tanto en el cine Gaumont como en su
plataforma Cine.ar Play, esperando que a la brevedad todo vuelva a la
normalidad.--
ESTRENOS PREVISTOS
1.- Ghostbusters: Apocalipsis Fantasma, de Gil Kenan.
(Sin críticas hasta el viernes)
2.- LUCA, de Enrico Casarosa, animación
"Nostálgico capricho italiano de Pixar. La propia concepción de la cinta implica
una suerte de vacaciones en Italia. De Federico Marín Bellón, Diario ABC.
"Una película menor, un título de fondo de armario, un himno a la tolerancia
hacia lo diferente", de Sergi Sánchez, Diario La Razón.
3.-RECUERDOS DE PARÍS, de Alice Winocour.
(Hay crítica)
4.-CABRINI, de Alejandro Monteverde
(Hay crítica)
5.- LOVE LIFE, de Kodi Fukada.
"Fukada no va de Haneke ni de Von Trier por la vida, sino que se mira en Rohmer,
en Erice y en Kurosawa que le dio clases en la universidad", de Yago García,
Cinemanía.
"La película no tarda en propinarle al espectador tan magno bofetón que éste no
entiende de dónde le havenido ni por qué", Phillip Engel, Diario La Vanguardia.
6.-NO ESPERES DEMASIADO DEL FIN DEL MUNDO, Rumania.
(Hay crítica)
7.-CROSS DREAMERS, de Soledad Velasco (Argentina)
8) EL VIENTO QUE ARRASA, de Paula Hernández, (Argentina)
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CRÍTICAS
NO ESPERES DEMASIADO DEL FIN DEL MUNDO
Direccion y guion de Radu Jude. Con Ilinca Manolache, Nina Hass, Ovidiu Piryan,
entre otros. Fotografía de Marius Panduru. Duración: 163 minutos. Distribuye
Zeta Films.
XXXX – INESTIMABLE DESCRIPCIÓN SOCIAL
El regreso del rumano Radu Jude con "No esperes demasiado del fin de mundo" nos
mete de lleno y sin permiso en una realidad caótica e impiadosa donde lo humano
tiene muy poco espacio (se recuerda que obtuvo el León de Oro de la Berlinale
con su película Sexo desafortunado o Porno Loco). Protagonizada por una
reconocida Iliaca Manulache, nos muestra la vida de "Angela" que trabaja en la
producción de un film para una multinacional con sede en Austria. Su tarea es
filmar a los trabajadores que hayan sufrido accidentes a fin de que las
aseguradoras actúen en consecuencia. Todo bajo un ojo al estilo de Gran Hermano
que los fiscaliza desde un zoom a pantalla plena.
Es, en sí, un film incómodo por su extensión narrativa, por su lenguaje, por sus
escenas sin cortapisas, y angustiante por el destino de la protagonista: Angela
vive agobiada por su día a día manejando su automóvil para ubicar a los
"accidentados", tiene más de 15 horas de trabajo, por lo que su furia contenida
la expresa a través de un "alter ego" racista y marginal como es "Bobita" que
irrumpe en la pantalla para manifestar procazmente los sentimientos de repulsión
que siente.
En la forma, en lo que vemos, el film es significativo por la cámara como plano
secuencia sobre Angela en blanco y negro y momentos en color del pasado, muy
pocos, con sonido ambiente y una narración audiovisual de casi 3 horas. En el
fondo, en lo que nos va dejando en el alma, encontramos varios elementos.
Por empezar, de la incomodidad que nos invade por la extensión narrativa, por
algunas escenas que solo buscan provocar, podemos extraer subtemas: en principio
nos puede atraer el desenfado del rumano Jude para explorar los sentimientos de
Angela como trabajadora y, a través de su alter ego, el desagradable Bobita,
podemos reírnos de esta tragicomedia cotidiana, o podemos pensar si se superó el
sistema de sociedad feudal. Da la impresión de que no, de que bajo el peso
indubitable de las artes, no logran ocultar una extrema rusticidad en sus
interrelaciones. "No esperes demasiado del fin del mundo " es un grotesco feroz
de la vida en una ciudad impiadosa, símbolo de las del resto del mundo. Película
nada fácil aunque inestimable descripción social. Jude disruptivo y
desparpajado.
Elsa Bragato
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RECUERDOS DE PARÍS
Direccion y guion de Alice Vinocout, coguionistas: Jean Stephane Bron y Marcia
Romano. Con Virgine Efira, Gregory Colin, Benoit Magimel, entre otros.
Fotografía de Stephane Fontaine. Música de Anna Von Hausswolff. Duración: 105
minutos.
XXXX – DE LA TRAGEDIA A LA VIDA POR EL CAMINO DE LA RESILIENCIA
"Recuerdos de París" es un producto esencialmente femenino, desde la
protagonista, insigne Virgine Efira, hasta la música de Von Hausswolff.
Reconstruyen el ataque terrorista a un céntrico restó parisino donde "Mia"
(Virgine Efira) se refugia de la lluvia antes de regresar a su casa, motoquera,
bella, enamorada de su pareja, el médico Vincent (Gregoire Colin).
Pero se produce el ataque terrorista: Mia recién reiniciará su vida normal tres
meses después pero sin recordar lo que pasó. Es aquí donde la historia hace un
quiebre definitivo: deja el thriller inicial para adentrarse en la búsqueda de
la protagonista de su propia memoria, de la razón de su subsistencia, que es la
razón de ser de la película. Los grupos de autoayuda, los sobrevivientes, aquél
que la reconoce, otra que la confunde, y ese encuentro de almas entre Mia y
Thomás (Benoit Magimel) que buscan la razón de estar vivos acariciándose las
cicatrices, siendo ésta la escena de amor más impresionante del film.
Es cierto también que hay varias escenas de intensa ternura, de emocionalidad
profunda, con la sensación de que siempre es la mirada de Mia, que la cámara se
ha instalado en ella para sentir sus sentimientos y para mirar lo que está
mirando. Aquí hay un hallazgo narrativo de Alice Winocour (cineasta francesa de
reconocida y activa producción también en televisión) que habla de su
sensibilidad para elaborar una historia en la que uno va de la mano de la
protagonista. Logra fundir la técnica con el significado, la forma con el fondo,
en un relato clásico.
Las actuaciones son notables: fluye de ellas sensibilidad pura, generándose un
clima de intensa emotividad que debe encontrar su cauce, fluir, a través de Mia
en el reconocimiento del otro, es decir, la recuperación del camino del dolor
para comprender la supervivencia inesperada. Tiempos muy complejos donde solo la
conciencia emotiva puede desatar nudos gordianos de odio y resentimiento.
Elsa Bragato
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CABRINI
Dirección de Alejandro Monteverde, sobre una historia del propio Monteverde y
Rod Barr, guionista. Con Cristiana Della )Anna, John Lighgow, Giancarlo
Giannini, entre otros. Fotografía de Gorka Gómez Andreu. Música de Gene Back.
Duración: 145 minutos. Distribuye BF Films.
XXX – BUENA BIOPIC SOBRE LA PRIMERA SANTA NORTEAMERICANA
Con cierta teatralidad, exceso de clasicismo y momentos melodramáticos,
"Cabrini" resulta ser una buena biopic de la primera santa norteamericana y
Patrona de los Inmigrantes, la italiana Francesca Cabrini, canonizada el 7 de
julio de 1946 por Pío XII luego de reconocérsele la curación milagrosa de la
vista de un niño.
La historia nos cuenta cómo esta monja italiana tenía la ambición de difundir la
fe y ayudar a los chicos pero en Oriente. Una visita al Papa la llevó a New
York, a fines del siglo XIX, donde los pequeños inmigrantes morían de hambre por
sus calles y los trabajadores eran brutalmente discriminados.
La Monja Cabrini luchó contra sus propios superiores, contra las autoridades
norteamericanas que optaban descaradamente por los irlandeses considerando a los
italianos poco inteligentes, contra una burocracia que también la desestimó por
ser mujer.
El recorrido narrativo va paso a paso en una historia donde la figura de esta
mujer, venida de un pueblo italiano y con convicciones de acero, se empodera al
punto tal que, antes de morir (estaba muy enferma desde su juventud pero
sobrevivió hasta los 67 años), se transforma en una poderosa empresaria que
logró abrir hospitales, orfanatos y escuelas a lo largo y ancho de los Estados
Unidos y también en Oriente, como había sido su sueño inicial.
Hay una interesante fotografía y sólidas actuaciones, en especial de su
protagonista, Cristiana Dell"Anna, con una banda sonora en algún momento
excesiva. Es una película que honra a una gran mujer, sólida, clásica,
estructurada, pero convincente con el melodrama de la vida misma.
Elsa Bragato
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JUEVES 14 DE MARZO DEL 2024.-
INFORMACIÓN DEL INCAA
AL cierre de esta sección la tradicional información del INCAA no había llegado.
Destacamos la difícil situación que se pasa en la entidad debido al despido de
más de 100 trabajadores y el suspenso de muchas de sus actividades internas en
consecuencia. Unimos nuestra voz al reclamo por la normalización de la insigne
entidad cinematográfica.
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ESTRENOS INTERNACIONALES
1) ATRAPADOS EN LO PROFUNDO, de Claudio Fan.
"La duración de 90 minutos está muy bien para este tipo de historia. En general,
se trata de un thriller de supervivencia", de Karina Adelgaard, Heaven of
Horror.
"Lo único bueno que hay es Colm Meaney, la presencia de tiburones, un guiño
intencionado o no a Jaws... y la secuencia del accidente de avión", de Geo
Capodanno, Bloody Disgusting.
2) DOBLES DE ACCIÓN, de Larry Yang.
(Hay crítica)
3) RESCATE IMPOSIBLE
"Una vez que establece lo que está en juego, la película se instala con
demasiada comodidad en el territorio de las máquinas de guerra", de Barry Hertz,
The Globe and Mad.
"Es difícil de recomendar pero si puedes superar un primer acto duro, verás unos
superhéroes militares absurdos y la mejor carrera de supermercado de la
historia. Hace cuarenta años incluso podría haber iniciado una franquicia", de
Luke Y. Thompson, AV Club
4)EL BASTARDO, de Nikolaj Arcel., Dinamarca
(Hay crítica)
5)LA HISTORIA DE MI MUJER, Hungría
(Hay crítica)
ESTRENOS NACIONALES
CHAGAS, ORQUESTA INVISIBL, de Lucas Martelli.
EUREKA, de Lisandro Alonso--
CRÍTICAS
DOBLES DE ACCIÓN
De Larry Yang, incluyendo el guion. Con Jackie Chan, Liiu Haogun, Qilin Guo,
entre otros. Fotografía de Ming Sun, Duración: 136 minutos.
XXX –JACKIE CHAN PARA TODA LA FAMILIA
Sin más pretensiones que entretener con un producto para la familia, la relación
padre e hija, y la relación del padre con un bellísimo caballo al que el
protagonista Lou (Jackie Chan) salvó de la muerte en cuanto nació, son los
pivots sobre los que Larry Yang, guionista y director, mueve los hilos de su
narración.
Para algunos puede ser un melodrama pequeño, para otros es una película que nos
devuelve el ámbito de lo familiar, lo emotivo, las relaciones entre padres e
hijos, la resolución de los problemas, desde una simplicidad en el guion
contrapuesta a la complejidad en su filmación dados los numerosos encontronazos
de "Lou", personaje del afamado Jackie Chan, con enemigos, así como cumpliendo
con su rol de doble de acción junto a su caballo en el cine.
Este tipo de guiones sencillos y lineales hoy en día deben agradecerse porque
tienen mensajes movilizadores a tener en cuenta: las relaciones familiares que
deben afrontarse y resolverse. Es éste el punto más fuerte del film que
corresponde a la vida misma. Hay toques de ternura, una pizca de melodrama y
mucha veracidad en el relato porque a nadie escapa que entre padres e hijos
surgen muchos problemas generacionales. Es decir que la problemática de la vida
misma surge en estos personajes con emoción genuina. Con buenos rubros técnicos,
baqueteados en el cine, clishés, pero siempre atractivos. Aquí no se sigue
ninguna otra filosofía o enigma metafísico que aquél que nos impone la vida
misma. Por eso nos encantó.
Elsa Bragato
EL BASTARDO (THE PROMISED LAND)
Dirección y guion de Nikolai Arcel. Coguionistas: Anders Thomas Jensen. Con Mads
Mikkelsen, Amanda Collin, Simon Bennedijerz, entre otros. Fotografía de Rasmus
Videbaek, Música de Dan Romer. Duración: 127 minutos.
XXXX - SOBERBIA EPOPEYA NÓRDICA
Inmensidad, crueldad, dignidad, son sustantivos que, en buena medida, definen
esta historia, ubicada en el siglo XVIII (excelente diseño de arte) y centrada
en la vida del capitán Ludvig Kahlen, servidor del ejército, que se dispone a
conquistar las desoladas tierras nórdicas a fin de transformarlas en suelos
fértiles para su rey. A cambio solo quiere un título de noble. Es en verdad una
cruzada desigual la que emprende Kahlen, encarnado por Mads Mikkelson con una
gallardía y presencia escénica apabullantes. El es el pivot de esta historia, el
que genera el odio del joven y cruel noble Frederik de Schinkel, quien vive en
una mansión cercana. Es una mente enferme que somete a sirvientes, los
martiriza, los afrenta, pero frente a él se empodera el capitán Kahlen, rival
inmutable e inquebrantable.
Echadas las cartas, el director Nikolai Arcel despliega un arsenal de
acontecimientos en una sucesión sinfín que van desde el asentamiento de Kahlen
ayudado por una pareja de forajidos, una niña morena proveniente de una tribu, y
un sacerdote. La tarea es colosal, el clima adverso no perdona, mientras Kahlen
hace frente tanto a la irracional maldad del joven noble como a las supercherías
ignorantes. Es él frente el mundo.
De esta manera, la narración pasea por una amplia gama de sensaciones y
sentimientos, provocando horror ante una tortura, la impiedad con los animales,
los brutales enfrentamientos con gente de toda rale, hasta llegar a Kahlen
decidido a hacer parir la tierra y a matar o morir.
Como en el viejo Oeste, en "El bastardo" el protagonista gana terreno con sangre
y sudor, nada fuera de lo conocido pero atrapante por la enorme figura de Mads
Mikkilson que se adueña de una epopeya fascinante. Es en sí misma una historia
clásica, aunque no convencional, que fascina por su trasfondo humano y que tiene
en su protagonista a un hombre subyugante, imponente, que hace suya toda la
propuesta. Gigante, soberbia epopeya nórdica.
Elsa Bragato
-
LA HISTORIA DE MI MUJER
De Ildiko Enyedi. Guion de la directora sobre la novela de Milán Fust. Con Lea
Seydoux, Gijs Naber, Louis Garrel, entre otros. Fotografía de Marcell Rev,
Música de Adam Balazs. Duración: 168 minutos. Coproducción de Hungría, Alemania,
Italia y Francia.
XXXX – PASIÓN SIN LÍMITES
La pasión entre el elegante y apuesto Jacob, capitán de barco, y la sensual
Lizzy, surge con tal frenesí que genera una historia de amor bella y trágica a
la vez, cargada de erotismo enmarcado por una fotografía exquisita. La historia
se ubica en la década del 20, en medio de la explosión por la vida luego de la
Gran Guerra; Lizzy y Jacob disfrutan de las reuniones sociales, el alcohol, la
diversión máxima. Se aman con intensidad, y se acicatean: quién es capaz de
engañar al otro. Esta duda que Lizzy (una increíblemente sensual Lea Seydoux,
nueva promoción francesa) se encarga de generar despierta en Jacob un inusitado
desenfreno. Será éste el nuevo rumbo narrativo, que desploma sin vueltas una
historia de amor muy bella. Es cuando la pasión se descontrola, se torna
violenta, lastima. Los protagonistas pasan por una amplia gama de sentimientos,
desde fundirse uno en el otro hasta el rechazo. Y entonces se alcanza un climax
de belleza y erotismo en medio de un "tempo" sensual por momentos extremo. La
vida se encarga de poner límites a los desafíos de Jacob y Lizzy.
Hay un gran sentido de lo cinematográfico en la directora Ildiko Enyedi: la
escena de sexo entre Jacob y Lizzy tomada con cámara fija desde un cuarto
aledaño explota el contraste entre los cuerpos blancos y los acolchados oscuros.
Es decir, la fotografía y la recreación de época son pilares que acompañan dos
actuaciones plenas de pasión, como nacidos uno para el otro, de tal magnitud es
la química entre Jacob (Naber) y Lizzy (Seydoux). En pleno siglo XXI, una
película que nos habla del amor, la pasión, el sexo, con todos sus vaivenes. Por
momentos, fascinante.
Elsa Bragato
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TORMENTA DE FUEGO
INCENDIOS EN LA PATAGONIA
Documental de Luciano Nacci y Axel Emilien. Fotografía de Luciano Nacci y
cámara. Sonido de Luciano Nacci. Microfonista: Axel Emilien. Montaje de Luciano
Nacci, FX de Lali Rizza. Grafica de Hernán Altamiranda.
XXX – RELATO DE UNA FEROZ TORMENTA DE INTERESES
Desde CABA se ve en los noticieros las filmaciones de los desastrosos incendios
en la Patagonia como en diferentes puntos del país, se siente impotencia, dolor.
Y falta de respuestas: Lo curioso es que a esa sensación que tenemos se le añade
el hecho de que a ningún habitante de esos lugares se les ocurre pensar que la
naturaleza porque sí enfureció, a pesar del cambio climático Las cámaras de
Nacci y Emilien recorren los parajes de la provincia de Chubut que el 9 de marzo
del 2021 sufrieron atroces incendios. Los vecinos que perdieron todo dan la
cara, ninguno estuvo convencido de que fue por obra y gracia de algo inasible.
Para todos hay demasiados intereses políticos y económicos siendo muy clara la
intencionalidad: extranjeros que van ocupando las tierras dadas generosamente
por el Estado bajo la consigna de que ya no hay árboles autóctonos. O bien se
pueden "regalar" para megaminería, para hotelería, etc. Ahí están los vecinos de
toda la vida y los pueblos originarios, que perdieron todo así como hubo que
lamentar vidas humanas y no humanas, como fiel reflejo del dolor y del desastre
que padecieron. Hasta las autoridades de esos parques naturales saben que
"alguna mano" bien humana provocó la feroz tormenta de fuego que tardaba un solo
minuto en arrasar 50 metros, lenguas de fuego gigantes, pavorosas. Un vecino
indica que vio a ambos lados de la carretera "siete fuegos pequeños,
curiosamente encendidos a la misma hora", un dato inobjetable.
Excelente fotografía por cielo y por tierra, testimonios lacerantes frente a
cámara, música incidental sutil: Tormenta de fuego une fondo y forma en una
denuncia absoluta y cabal de la tormenta de intereses mezquinos que se padece en
Chubut.
Elsa Bragato
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JUEVES 7 DE MARZO DEL 2024
INFORMACIÓN DEL INCAA
Este jueves 7 llegan al Cine Gaumont los estrenos de los documentales Me gustas
cuando hablas, de Silvina Estévez y Marlene Grinberg; Los Xey, una historia de
película, de Eneko Olasagasti y David Berraondo —Premio del Público al Mejor
Documental en el Festival de Cine Documental de Georgia—; Elda y los monstruos,
de Nicolás Herzog; y Madre de los dioses, de Pablo Agüero — Premio Ecuménico
Visions du Réel, 2015—.
El cortometraje de esta semana es 8|16|35, escrito y dirigido por Mariano Torres
Negri — Mención de Honor en el FIDBA 2022; Premio de la Audiencia en el
Legendary Docs; partició en el Continental Films de Tokyo— que se proyectará en
programa doble junto al documental Los Xey, una historia de película.
La película de Eneko Olasagasti y David Berraondo, Los Xey, una historia de
película, forma parte del Programa de estreno federal de documentales digitales,
por eso, además de su estreno en el Cine Gaumont, desde el jueves 7 se podrá ver
en la señal CINE.AR TV a las 20 horas y, desde el viernes 8, estará disponible
por una semana en la plataforma CINE.AR PLAY. También será exhibido en la Red de
Espacios INCAA.--
ESTRENOS INTERNACIONALES
1.- KUNG FU PANDA 4, ANIMACIÓN, de Mike Michell, Voces de Jack Black, Angelina
Jolie, Jackie Chan, Dustin Hoffman, entre otros.
(Sin críticas hasta el viernes)
2.- IMAGINARIO, JUGUETE DIABÓLICO, de Jeff Wadlow
(Sin críticas hasta el viernes)
3.- TODOS SOMOS EXTRAÑOS, de Andre Haigh
"Es posible que después de verla se quedan a vivir en ella por la sencilla razón
de que la amarán como solo se ama al propio amor", de Luis Martínez, Diario El
Mundo.
"La idea de la película es preciosa. Haigh es un maestro de lo que se dice entre
líneas, y las mejores escenas de la cinta son las que trabajan la intimidad",
Sergi Sánchez, Diario La Razón.
4.- LA HISTORIA DE MI MUJER, de Ildiko Enyedi. Hungría.
"La directora posee sentido visual y vocación lírica, aunque no logra implicarme
demasiado en la fiebre que sienten sus personajes", de Carlos Boyero, Diario El
País.
"Cansina... adopta las formas de un melodrama decimonónico, con aspiraciones
viscontinianas para hundirse en las aguas del europudding catatónico", de Sergi
Sánchez, Diario La Razón.
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ESTRENOS NACIONALES
LA RENGA, TOTALMENTE POESÍDOS, de Gustavo Napoli
Documental sobre música y músicos
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CRÍTICAS
ELDA Y LOS MONSTRUOS
Guion y dirección de Nicolás Herzog. Con Diego Detona, Natalia Curcho, Calypso
Summer, Anul Oribe y Fran Dacunda. Edición de Nicol{as Herzog, Leandro Aste y
Guillermo Saredo. Arte de Claudina Roda. Sonido de Emiliano Biai{, Sergio
Cabrera y Marcos Zoppi. Fotografía de Fernanda Montiliengo y Fernando Lorenzale.
Música de Matías Sorokin, Diego Detona, Lautaro Osorio, Juan C. Federik,
Santiago Butto y Alan Anderson. Duración: 73 minutos.
XXX – RETRATO DE UNA TRANSFORMACIÓN EXISTENCIAL
Nicolás Herzog vuelve a lo suyo: a dejar crecer al protagonista a medida que
avanza la narración. El espectador participa de un crecimiento especial, de una
conversión, de una confirmación de personalidad. En este caso, Diego Detona, de
Concordia, Entre Ríos, es el joven de muy buena voz, entre pop y rock, que
descubre su lado trans como parte de su verdadero ser. De a ´poco, a partir de
un grupo de fieles amigos y de un viaje trascendental, va logrando ser quien
quiere ser.
Diego es Elda, Diego en la vida y Elda en los escenarios, cantando
estupendamente bien, con algo del recordado Freddy Mercury en sus movimientos.
Pero es Diego también. La aceptación de lo que siente ser la va logrando a
través de un viaje superador y trascendental, peligroso porque incluye zonas
selváticas y cruces de anchos ríos, hasta llegar a la tumba de La Muda, un
travesti asesinado en uno de esos parajes y, sin que sea el lugar exacto, tiene
un monumento funerario popular. Por casualidad o causalidad surge el nombre de
La Muda y la convicción de rendirle tributo. Para Diego-Elba y sus amigos es un
objetivo a cumplir, a pesar de que incluya una ardua travesía que es, en
definitiva, la de la vida misma, es la que los va a reconstruir por dentro sin
que ellos mismos se den cuenta.
Herzog logra que su personaje se asuma, lo muestra de entrecasa y con las luces
de un escenario, le da todas las posibilidades para que se exprese. Y es, en
definitiva, una descripción de estos tiempos, en los que las búsquedas
personales, el saber quién se quiere ser más que quién se es, es un modo de
vida. Las transformaciones, las adaptaciones, las transiciones, son los caminos
que todos enfrentamos en todos los aspectos de nuestras vidas, los personales,
los sociales y los profesionales.
La película tiene logros en todos los rubros técnicos, locaciones diurnas y
nocturnas, trabajos de fotografía muy interesantes, y un elenco que ayuda con su
espontaneidad y honestidad histriónica. Herzog vuelve, entonces, a regalar un
film redondo, sin fisuras, esta vez descubriéndonos a un joven trans dueño de
una maravillosa voz: la consigna es que Elba tenga mayor presencia que Diego
para que éste sea lo que desea ser.
Elsa Bragato
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ME GUSTA CUANDO HABLAS
Dirección de Silvina Estévez y Marlene Grinberg. Guion de Bonelli, Howlin,
Grinberg y Estéves. Con Rosa Rodríguez, Fabiele Rodrígues Bomfim, Violeta
Osorio, Montserrat Olave, Carolina Rodríguez y Cecilia Giordano. Fotografía de
Florencia Mamberti. Sonido de Pepa Santa María. Música de Maximiliano Padin.
Duración: 70 minutos.
XXX – CINCO MUJERES COMO EJEMPLO DEL FEMINISMO
La lucha por los derechos de las mujeres viene tomando fuerza a través de
diversas manifestaciones. Un día antes del Día de la Mujer, el 8 de marzo, se
ofrece este documental que nos muestra, con buena cámara, o sea buena
fotografía, la vida de una poetisa erótica, una Ceo, una madre de familia, una
influencer, un grupo de mujeres bolivianas y sus rituales, entre otras. Es
curioso que no se haya incluido a una estudiante universitaria o personas
abocadas a otras especialidades culturales.
El comienzo del documental es bastante chocante, la poetisa erótica en pleno
acto de autoplacer, para luego enterarnos de que es madre de varios hijos, tiene
nietos y bisnietos, y que optó por los juguetes eróticos y las compañías
virtuales para satisfacer su sexualidad. Está la joven influencer brasileña para
quien la brisa sobre el rostro significa la libertad, el ama de casa con sus
críos y la obligación constante de ocuparse de cada uno de ellos, hasta la CEO,
tal vez la mujer menos retratada dentro del contexto narrativo propuesto.
El documental es un documento justamente de determinados casos que plantean
situaciones personales sin fijar posición. Tiene buena fotografía, buenos
planos, buenas tomas, por lo que, por instantes, es una ficción sobre diferentes
mujeres y sus quehaceres. No complace a esta sección el inicio de la propuesta
porque resulta chocante. Podemos tener mucha libertad intelectual y de
pensamiento pero también existen el pudor y el buen gusto. Y nos parece que a la
poetisa erótica se la descuidó en su aspecto: lo natural está bien pero no lo
desprolijo. Es tan solo una opinión.
Elsa Bragato
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FIN DE PERÍODO DE RECESO HASTA MARZO
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JUEVES 15 DE FEBRERO DEL 2024.-
MADAME WEB, S.J. Clarkson.
Sin comentarios críticos hasta el viernes 9.
BOB MARLEY, LA LEYENDA, de Reinaldo Marcus Green
Sin comentarios críticos hasta el viernes 9.
SOUL, de Peter Docter.
"La avasalladora nueva joya animada de Pizar, deslumbra con su estética.
Coreografías de acción exquisitamente orquestadas y un derroche de brillantes
visual", de Alejandro Alegre, El Confidencial
4.-ZONA DE INTERÉS, Jonathan Glazer.
"Es una película conceptualmente brillante. El único problema es que se cierra
con un muy cuestionable epílogo", de Elsa Fernández Santos, Diario El País.
"Me interesa e inquieta cómo Jonathan Glazer muestra la vida cotidiana de los
verdugos nazis en esta película, pero hay cosas que me molestan en su muy
pensado y a veces pretencioso estilo visual", de Carlos Boyero, Diario El País.
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INICIO DE PERÍODO DE RECESO HASTA MARZO
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JUEVES 8 DE FEBRERO DEL 2024.-
INFORMACIÓN DEL INCAA
Este jueves 8 llegan al Cine Gaumont los estrenos de El banquete, de Federico
Badía −que participó en tres categorías del Toronto International Nollywood Film
Festival−; la comedia Limbo alucinante, de Tetsuo Lumiere; la comedia de acción
Jaque mate, de Jorge Nisco y protagonizada por Adrián Suar; y el documental Esa
casa amarilla, realizado por Valeria Ciceri y Marina Vota, ganadora del Programa
de Mecenazgo Cultural.
El cortometraje de la semana es Agnus Dei, de Matías Xavier Rispau, que
participó de diversos festivales internacionales. Será proyectado en programa
doble junto al largometraje El banquete.
Además, a 40 años del fallecimiento de Julio Cortazar, esta semana se reestrena
el documental Cortázar y Antín: cartas iluminadas, de Cinthia Rajschmir, que
obtuvo el premio a Mejor Largometraje en el Festival Internacional de Cine de La
Mujer, en Punta del Este (Uruguay) y el Premio del Público en el Festival de
Cine Latinoamericano de Trieste, Italia.
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ESTRENOS INTERNACIOINALES
1.- EL COLOR PÚRPURA, de Blitz Bazawale.
"Una verdadera delicia... una visión vívida y alternativa de una historia
clásica", De Caryn James, BBC
"Hay muchas cosas que están bien en esta versión de la novela de Alice Walker
pero la historia sigue siendo un poco escurridiza para los fans potenciales", de
Alissa Wilkinson, The New York Times.
2.- LOS QUE SE QUEDAN, de Alexander Payne
"El teclado mecánico de Alexander Payne... Sin hablar de nada más que el ser
humano y su teclado emocional suena una melodía que te anima a ver el mundo como
si hubiera que estrenarlo", de Oti Rodríguez Marchante, Diario ABC.
"Es buena noticia el regreso de Payne al cine bello, humanista y hasta emotivo,
pero se echa de menos el riesgo y la ausencia de miedo a decepcionar de sus
mejores y más redondas películas. Y molesta esa búsqueda constante del aplauso
fácil", de Luis Martínez, Diario El Mundo.
3.- DUNA, de Denis Villeneuve.
"Desde el principio me pierdo un poco con su argumento... las imágenes son
espectaculares... Nada de esto evita mi indiferencia hacia... lo que pretende
contarme el director", de Carlos Boyero, Diario el País.
4.- LIMBO ALUCINANTE, Iván Sen
Film nacional, comentarios críticos el viernes 9
5.- MAVKA, animación.
"Es una película estándar pero el uso de la música filk... añade un carácter
distintivo y cierto encanto", de Wendy Ide, the Guardian.
"Un atractivo cuento popular ucraniano de duendes", de Leslie Felperín, The
Guardian.
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CRÍTICA DE UN REESTRENO INELUDIBLE: CARLAS ILMUMINADAS
CARTAS ILUMINADAS
Dirección y Guion de Cinthia Rajschmir. Con Manuel Antín,Ponchi Morpurgo,
Graciela Borges, Dora Baret, entre otros. Fotografía de Pedro Romero, música de
Strauer. Duración: 66 minutos. 1962
XXXX. UNA AMISTAD ILUMINADA POR LA INTELEGENCIA
REESTRENO
El intercambio epistolar y esencialmente intelectual entre el director Manuel
Antin y el escritor Julio Cortázar refleja una de las amistades más singulares
que se dio en el medio artístico del cine y la literatura. Manuel Antín, quien
en 1983 fue director del INCAA y suprimió la censura, llevó al largometraje tres
cuentos de Cortázar, logrando un intercambio epistolar con el ya afamado
escritor que honrosamente llegó a la pantalla grande a través de Cinthia
Rajschmir, fina cineasta que plasma ese algo más que sobrevuelan las cartas de
Cortázar y los recuerdos de Antín.
La cifra impar de 1962, Circe de 1964 e Intimidad en los parques de 1965, son
tres producciones que, surgiendo en suelo argentino, representan peculiarmente
la famosa Nouvelle Vague francesa. Ese espíritu, entre sigiloso y trágico común
en Jean Luc Godard o Francois Truffaut, está presente en Antín, en la voz de
Cortázar explicando su dificultad para escribir algunos diálogos, y en la
interpretación de artistas del calibre de Graciela Borges, Alberto Arbigay,
Fernanda Mistral, Dora Baret, Lautaro Muría, Walter Vidarte, o Sergio Renán. Ese
lento y sinuoso mirar a cámara de la Borges, la calidez de Argibay, la
intransigencia de Murúa, trasuntan el clima entre opresivo y premonitorio de
tres historias donde se entrelazan la capacidad cinematográfica de Antín y la
concepción de lo literario de Cortázar.
El documental pasea por los protagonistas con la inclusión de Ponchi Morpurgo,
esposa de Antín, de Graciela Borges y Dora Baret, los recuerdos del director
para quien su sueño hubiese sido "ser Cortázar, autor de Rayuela" y para el
mismo Julio Cortázar que soñó con imaginar secuencias a la manera de su flamante
amigo Manuel Antín.
En ese ida y vuelta de ambos, a través de cartas manuscritas y de fonocartas
entre París, Berlín, y Buenos Aires, transcurre una narración infrecuente en la
que el intercambio de lo esencialmente intelectual se vuelve el núcleo de una
amistad, diríamos propia de los 50 y 60 entre grandes del cine, la música y la
literatura. Fue esa bohemia creativa que no necesitó de trasnochadas ni
elementos extraños para concretar maravillosas creaciones, tiempos de
prepotencia intelectual que se extrañan y que deberían volver.
Elsa Bragato
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JUEVES 1 DE FEBRERO DEL 2024.-
INFORMACIÓN DEL INCAA
Este jueves 1 llegan al Cine Gaumont los estrenos de El castillo, de Martín
Benchimol −ganadora en la categoría Horizontes Latinos del Festival
Internacional de Cine de San Sebastián y destacada con tres premios
independientes en la 38ª edición del Festival Internacional de Cine de Mar del
Plata−; el drama erótico Vainilla, de Valeria Rowinski y Gerard Marcó de Mas; y
el documental Desiderio: reflexiones sobre un autorretrato, realizado por
Juliana Fischbein, que obtuvo el Premio del Público en la última edición del
Festival Internacional de Cine y Derechos Humanos de Buenos Aires.
El corto de la semana es Barrio Frontera, de Reed Purvis, que participó de
diversos festivales internacionales. Será proyectado en programa doble junto al
largometraje El castillo.
La programación completa del Cine Gaumont, con los horarios de proyección de los
estrenos y las continuidades de la semana, estará disponible desde el martes en
la web del INCAA.
El documental Desiderio: reflexiones sobre un autorretrato, de Juliana
Fischbein, forma parte del Programa de Estreno de Documentales Digitales, por
eso, simultáneamente a su estreno en el Cine Gaumont, el jueves 1 podrá verse en
la señal CINE.AR TV a las 20 horas, y desde el viernes 2 estará disponible por
una semana en la plataforma CINE.AR PLAY. También será exhibido en la Red de
Espacios INCAA (consultar salas en la cartelera de Espacios INCAA).
Los Espacios INCAA renuevan su cartelera semanal con estrenos y reposiciones
nacionales en las salas de todo el país. La programación se encuentra en
http://www.incaa.gov.ar/programacion-espacios-incaa.
Además, del 1 al 7 de febrero se desarrollará el ciclo Noches de Terror III. Los
encuentros serán en la Sala Leonardo Favio del Cine Gaumont a las 22 horas, y
las películas serán presentadas por sus realizadores.
Para la apertura, se proyectará Pequeña flor, de Santiago Mitre, una
coproducción con Francia, Bélgica y España, que cuenta con las actuaciones de
Daniel Hendler, Vimala Pons, Melvil Poupaud, Sergi López y Françoise Lebrun.
En el ciclo también se proyectarán Algo que pasó en Año Nuevo, de Jorge
Pinarello; Finde, de Nano Garay Santaló, con las actuaciones de Leonardo
Sbaraglia y Malena Pichot; Pussy Cake, de Pablo Parés, que el año pasado ganó en
la categoría Mejor Largometraje en el Corrosivo Film Fest de Costa Rica;
Cazador, la película, de Georgina Zanardi y Marcelo Leguiza; y dos clásicos del
género: Fase 7, de Nicolás Goldbart y Plaga Zombie: Revolución Tóxica, de Pablo
Parés y Hernán Sáez.--
ESTRENOS INTERNACIONALES
1.- ARGYLLE: AGENTE SECRETO. DE Matthew Vaughn
Sin críticas hasta el viernes.
2.- CHICAS MALAS, de Samantha Jayne
"Es una versión descafeinada y precocinada de su predecesora. Toda la frescura,
la naturalidad, la picardía, ha quedado sepultada en una remake nada original",
de Marta Medina, El Confidencial.
"Demuestra que la cultura de las chicas malas sigue mereciendo la pena", de Owen
Gleiberman, Variety
3.- JACK EN LA CAJA MALDITA 3, de Laurence Fowler
Sin críticas hasta el viernes
4.- EL HOMBRE DE LOS SUEÑOS, de Kristoffer Borgli
"Nos ofrece un personaje de Cage que no habíamos visto antes, en modo víctima
quejumbrosa", de Michael Rechtshaffen, The Hollywood Reporter.
"Borgli esboza con destreza una cultura insensible que cultiva, digiere y se
deshace de sus novedades a la velocidad vertiginosa de una buena comedia", de
Charles Bramesco, The Guardian.
5.- SETTEMBRE, de Michal Vinik.
6.- SLEPP EL MAL NO DUERME, de Jason Yu.
"Este suspenso mantendrá despierto al espectador, ya que aporta cambios
imaginativos y pícaros a una sencilla premisa de sonambulismo", de Jonathan
Rourney, Screendaily.
"La dirección, el diseño de sonido y los actores principales, siguen haciendo de
ella una recomendación fácil, pero el último acto flaquea mucho", de Jose
Lipsett, Bloody Disgusting.
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CRÍTICAS
VALERIA
Dirección y guion de Michal Vinik. Con Lena Fraifeld, Dasha Tvoronovich, Yakov
Zada Daniel, Avraham Shalom Levi. Fotografía de Guy Raz. Música de Dafhna
Keenan. Duración: 76 minutos. Idiomas: Hebrero, ruso, inglés. Israel y Ucrania.
XXXX – DE UCRANIA, SIN AMOR
Michal Vinik toma el caso de dos hermanas ucranianas que, por diversos motivos
que no se explicitan, deciden contraer matrimonio con israelíes. La mayor,
Valeria, alienta a su hermana menor Cristina a hacer lo mismo, para lograr tener
hogar y una vida dignas. Pero surgen inconvenientes, Cristina no es tan dócil
como Valeria y no acepta las imposiciones del hombre elegido para ella. La
"transacción" amorosa la hizo su cuñado a través de una agencia supuestamente
legal para conseguir parejas cobrando 5000 dólares por cada caso.
El relato es ágil, por momentos hilarante, pleno de un atractivo suspenso a la
manera de thriller amoroso que se va complicando. El realizador desnuda con
habilidad sin caer en el melodrama de un machismo acendrado en culturas
orientales que, en verdad, inaceptables.
Es una narración dinámica, fresca, con muchos matices, que enfrenta la libertad
de la mujer para vivir con la opresión masculina. Atractivo relato que no pierde
nunca el timing, sosteniendo el aire de comedia dentro del formato del drama
cotidiano.
Elsa Bragato
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SETTEMBRE
Dirección y guion de Giulia Steigerwalt. Fotografía de Vladan Radovic, Música de
Michele Braga. Con Tesa Litvan, Farizio Bentivoglia, Barbara Ronchi, etcétera.
Duración: 110 minutos. Italia.
XXXX – LAS FORMAS DEL AMOR
Todas las formas de amar son posibles. Surgen, son inevitables, es algo que nos
atre hacia el otro u otra de manera determinante. Así Giulia Steigerwalt
desarrolla la idea de su guion, una narración ágil y simpática.
Pasado el verano, Settembre es el mes del comienzo de las tareas cotidianas en
Europa y la vuelta a las aulas. María, de 14 años, se siente atraída por
Cristian, pero no sabe cómo acercársele por lo que acepta recibir "clases" de
iniciación de un amigo en común. Hay algo que une a todos: el pequeño "profesor"
de artes amorosas es el hijo de Francesca (Barbara Ronchi), que está harta de
soledad marital y entabla amistad con la esposa de uno de los amigos de su
marido, convirtiéndose en uno de los pivots de la historia. Por otra parte está
María, bella pelirroja, que va a misa para lavar sus pecados por ejercer la
prostitución.
Este variopinto panorama de mujeres, que buscan un cambio de vida a través del
amor en cualquier manifestación, es la hábil propuesta de Steigerwaltd cuya
cámara va de un caso a otro sin perder el hilo conductor: las relaciones entre
seres humanos. Maneja además el humor blanco, gracias a la ductilidad actoral
del elenco que dirige, logrando una comedia profunda en clave de comedia
romántica. Pero Settembre es mucho más: hace cosquillas al corazón... y a la
cabeza.
Elsa Bragato
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JUEVES 25 DE ENERO DEL 2024.-
INFORMACIÓN DEL INCAA
El jueves 25 de enero llegan al Cine Gaumont los estrenos de Cambio Cambio, de
Lautaro García Candela −ganadora del Programa de Mecenazgo Cultural y mención
especial en la 37ª edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata−;
el thriller Látex rojo, segunda película del guionista y director Gerard Marcó
de Mas; y el documental Carmelo Saitta, collage 1944, realizado por Gino Gelsi,
que tuvo su estreno mundial en la 24ª edición del Buenos Aires Festival
Internacional de Cine Independiente (BAFICI).
El corto de la semana es Error 404, de Mariana Wainstein, que ganó el Cóndor de
Plata a Mejor Cortometraje en 2017 y el Premio CINE.AR en la 23ª edición del
Festival Latinoamericano de Video y Artes Audiovisuales, entre otros. Será
proyectado en programa doble junto al largometraje Puan, de María Alché y
Benjamín Naishtat.
El documental Carmelo Saitta, collage 1944, de Gino Gelsi, forma parte del
Programa de Estreno de Documentales Digitales, por eso, simultáneamente a su
estreno en el Cine Gaumont, el jueves 25 podrá verse en la señal CINE.AR TV a
las 20 horas, y desde el viernes 26 estará disponible por una semana en la
plataforma CINE.AR PLAY. También será exhibido en la Red de Espacios INCAA
(consultar salas en la cartelera de Espacios INCAA).--
ESTRENOS INTERNACIONALES
MUTI, RITUALES MORTALES, DE George Gallo
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ANATOMÍA DE UNA CAÍDA, de Justine Triet
"La directora disecciona de forma bastante asombrosa una relación matrimonial a
través del juicio a la esposa después de una caída mortal del marido... un
rompecabezas afectivo urdido con enorme originalidad", de Elsa Fernández Santos,
Diario El País.
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MASHA Y EL OSO, EL DOBLO DE DIVERSIÓN
Animación rusa. Se elaboraron cinco episodios especiales para la pantalla
grande. Diversión para grandes y chicos desde Rusia.
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BARBIE, de Greta Gerwig.
"Es tan divertida y empoderadora como prometía pero mucho más musical y profunda
de lo que esperabas... es una apuesta inteligente y valiente"... de Janire
Zurbano, Cinemanía.
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CON TODOS MENOS CONTIGO, de Wll Gluck
(Film anunciado reiteradas veces)
"Ni la química cinematográfica ni las risas pueden ser manufacturadas,
especialmente con la clase de guion vulgar de Anyone But you, que no hace nada
por reanimar el moribundo género de la comedia romántica"... de David Rooney,
The Hollywood Reporter.
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JAQUE MATE, de Jorge Nisco (Argentina, Adrián Suar
Las críticas de esta última película de Adrián Suar se encuentran en los
principales diarios de nuestro país. Es una coproducción prometedora.
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CRÍTICAS
OPPENHEIMER
Dirección y guion de Christopher Nolan. Basado en el libro editado en 2005 Kai
Bird, de Martin Sherwin. Con Cillian Murphy, Emily Blunt, Matt Damond, Robert
Downey Jr., Gary Oldman, entre otros. Fotografía de Hoyte Van Hoytema. Música de
Ludwig Goransson. UIP
XXX – UNA BUENA IDEA EN ENREDADO GUION
La idea de llevar a la pantalla grande la vida de Julius Robert Oppenheimer (
el “creador” de la bomba atómica) es inobjetable, para cine, para streaming,
para miniserie. Aun basándose en la biografía Prometeo Americano, o Kay Bird, de
Martin Sherwin del 2005. Hay datos allí como para una serie de varias
temporadas. Christopher Nolan, notable realizador, logró condensarlos en tres
horas.
Los efectos digitales ayudaron en la primera parte de la película que, si bien
tiene una duración de tres horas, logra atraer sin aburrir, aunque no deja de
aturdir. Veamos por qué: la vida del científico norteamericano está elaborada en
mojones, en boyas, como en el teatro, haciendo hincapié en el proceso que Lewis
Strauss (Robert Downey Jr) le inició a J. R Oppenheimer por considerarlo espía
de los rusos.
Sin mayores novedades formales, Nolan introduce el plano y contraplano y el
blanco y negro como máximos recursos fotográficos que aligeran los diálogos
complejos entre los protagonistas. El tema es arduo, árido, y el film no tiene
elementos, salvo algunos digitales supuestamente del cosmos, como para morigerar
la exigencia de máxima atención, así como tampoco hay lucimiento de figuras
femeninas.
Es decir, es una especie de Memento, inolvidable realización de Nolan, que
obliga a retener datos que se mezclan, que se diluyen, que reaparecen, mientras
Oppenheimer está al frente del Proyecto Manhattan en Los Alamos y es asediado
por quienes lo enjuician, a través de la intervención de Strauss.
Se puede decir que es una magnífica clase de cómo hacer cine utilizando algunos
elementos básicos de la fotografía, manejando un grupo de excelsos actores, y
atiborrando al espectador de palabras que no dejan en claro muchos aspectos del
proceso contra Oppenheimer así como fechas claves de su vida. Sobre el final,
cuando la narración avanzó más de dos horas, Oppenheimer se entera del resultado
de su descubrimiento, surgiendo su desesperanza por dejar como legado un
monstruo asesino. Es ahí donde asoma, donde se cuela, algo de sensibilidad: un
Robert Downey Jr delgado y empoderado frente a un Cillian Murphy que se sume en
un pánico anímico del que no podrá salir. Son gotas de sensibilidad que Nolan se
permite en ésta, su interpretación de la biografía de Oppenheimer: árida,
verborrágica, con un guion que va y viene, es un logro cinematográfico en sí
pero no conmueve.
Elsa Bragato
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RITUALES MORTALES
De Geroge Gallo. Fotografía de Andrezej Sekula.- Música de Tom Russbueldt.
Con Morgan Freeman, entre otros. Duración: 92 minutos.
XXX – UN MORGAN FREEMAN QUE SE LAS TRAE
La propuesta de George Gallo y su pool de guionistas, entre los que está él
también, no sale de los clishés de un policial, en este caso con particular
énfasis en secuencias gore. No abundan pero resultan suficientes y, en alguna
oportunidad, hasta repugnantes. Para los amantes del género verán que esta
película los satisface aunque la propuesta no salga de lo conocido, tal como
dijimos: balaceras, asesinos escurridizos, rituales desconocidos en Occidente,
jovencitas en peligro, en fin, una serie de “bondades” que complacerá a los
fans.
Morgan freeman es el “gancho”, buena actuación, sólida, de este octogenario
que tiene pasta para rato. Compone a un profesor de culturas africanas cuya
ayuda, y algo más a descubrir por el espectador, es esencial para un detective
que necesita localizar a un asesino singular y feroz. De esta manera se plantea
el brutal rito “Muti”, tema que el profesor Mackles (Freeman) conoce bien. Entre
él y Lucas Boyd (Cold Hauser), el inspector empeñado en encontrar al asesino, se
establece una relación profunda que tendrá beneficios para ambas partes.
El público asiste a un policial tenso, atrapante y desagradable a la vez, con
un Morgan Freeman en buena performance y un elenco bien dirigido, sin
particularidades especiales, salvo las que surgen del Muti y sus consecuencias.
Es para salir gritando de la sala porque hasta el último segundo hay motivo para
el horror dosificado a lo largo de la narración, sin evitar una arcada… Sobre
gustos…
Elsa Bragato
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JUEVES 18 DE ENERO DEL 2024.-
INFORMACIÓN DEL INCAA
Este jueves 18 de enero, al Cine Gaumont llegan los estrenos de Arturo a los 30,
una comedia de Martín Shanly, que participó de la sección Forum del 73° Festival
Internacional de Cine de Berlín y ganó el Premio a la Mejor Dirección en la
Competencia Argentina y el Premio del Público al Mejor Largometraje Argentino de
la 24ª edición del BAFICI; el drama Durazno sangrando, ópera prima de Claudio
Santorelli que obtuvo los premios a Mejor Actriz y Mejor Guion en el Festival de
Cine Inusual de Buenos Aires (2022), Mejor Interpretación y Mejor Largometraje
en el Festival Nacional de Cine de Luján (2022); y los documentales Mover (lo
que no se ve), realizado por Mara Ávila y Muchachos, la película de la gente, de
Jesús Braceras.
El corto de la semana es Rebelado, de Eduardo Igolnikow, que en 2022 ganó el
Primer Premio del Festival Audiovisual de Bariloche, el Premio Especial GRABA, y
fue parte de la Selección Oficial del BAFICI. Será proyectado en programa doble
junto al largometraje Arturo a los 30.
Además, en el marco del ciclo Homenajes en el Gaumont, el miércoles 17 a las 20
horas, se proyectará La odisea de los giles, de Sebastián Borensztein, con
entrada libre y gratuita. La película, coproducida con España y con las
actuaciones de Ricardo Darín y Luis Brandoni, obtuvo el galardón de Mejor
Película Iberoamericana en la 34ª edición de los Premios Goya en 2019.
El documental Mover (lo que no se ve), de Mara Ávila, también forma parte del
Programa Estreno Federal de Documentales Digitales, por eso, y simultáneamente a
su estreno en el Cine Gaumont, el jueves 18 se podrá ver en la señal CINE.AR TV,
a las 20 horas, y desde el viernes 19 estará disponible por una semana en la
plataforma CINE.AR PLAY. También será exhibido en la Red de Espacios INCAA
ESTRENOS INTERNACIONALES
1.- POBRES CRIATURAS, de Yorgos Lanthimos. Con Emma Stone.
"Un enloquecido viaje hasta los límites del sexo, los esquemas sociales y el
libre albedrío... Una interpretación dificilísima de Emma Stone... Ella, en la
pantalla libérrima. Y el espectador, enfrente, encerrado en su jaula de
convenciones", de Tommaso Koch, Diario El País.
"Extraordinaria... Esta película generosa, creativa, radical y excesiva no sería
la misma sin Emma Stone", Sergi Sánchez, Diario La Razón
2.- CON TODOS MENOS CONTIGO, DE Will Gluck.
"Ni la química cinematográfica ni las risas pueden ser manufacturas,
especialmente con la clase de guion vulgar de Anyone but you, que no hace nada
por reanimar el moribundo género de la comedia romántica de estudio", de David
Rooney, The Hollywood Reporter.
"Se niega a mentirnos o a sí misma sobre lo que quiere ser y eso bastará para
convencer a mucha de la gente que la vea de que no se mienta sobre el hecho de
que nosotros también seguimos queriendo que las películas sean así". De David
Ehrlich, IndieWire.
3.- AGUAS SINIESTRAS, de Breck Eisner.
"Este flojo estreno sobrenatural de Blumhouse y Atomic Monster parece la última
obra desastrosa del M.Niight Shyamalan de los últimos tiempos", de Alison
Foreman, Indie Wire.
"Mcquire logra manipular tus ideas preconcebidas y divertirse un poco con ellas.
Esto hace que la película resulte atractiva, incluso cuando se ve atascada por
las presiones y los patrones de la fórmula de terror elegida", Matthew Jackson,
Av Club.
4.- SOBREVIVIENTES: DESPUÉS DEL TERREMOTO, de Tae Hwa Eom.
(Sin críticas hasta el viernes)
Esta película fue uno de los sucesos del 2023 en Corea del Sur y en los países
donde se exhibió, Incluso representó a su país para los Oscar a la mejor
película en habla no inglesa. Las películas "catástrofe" siempre resultan una
atracción redundando en buena taquilla.
ESTRENOS NACIONALES
1.- DURAZNO SANGRANDO, de Claudio Santorelli
Incluyendo la programación del cine Gaumont.
CRÍTICAS
NO HAY OSOS
Dirección y guion de Jafar Panahi. Fotografía de Amin Jaferi. Con Jafar Panahi,
Mina Kavani, Naser Hashemi, entre otros. Duración: 197 minutos. Irán.
XXXXX – CUANDO UNA PELÍCULA ES CINE
El realizador iraní Jafar Panahi, en un raro momento de su vida en libertad (fue
encarcelado, tiene prohibido salir de su país), regresa con una pequeña joya de
cine. Porque hacer películas no siempre significa hacer cine.
Formalmente Panahi hace cine puro, manejándose en este caso a distancia, desde
un pueblo limítrofe con Turquía donde están sus actores: los dirige mediante una
computadora portátil, lejos de la frontera porque allí están "los osos" (se los
supone salvajes y hambrientos), y tiene un alquiler de palabra de una más que
rudimentaria casa. Conceptualmente, Panahi encara muchos temas como al pasar,
profundos, desnudando la educación elemental de quienes viven sometidos, los
temores religiosos que los acechan, y el nihilismo como forma de vida: nada por
esperar, solo el momento. Panahi no necesita muchos actores ni una inversión
millonaria: solo su talento y su cámara, su automóvil y los habitantes del lugar
en su medioambiente, o sea en "su salsa".
Hay algunas secuencias muy "nouvelle vague" como tomar a dos de sus compañeros
de aventura de espaldas mientras dialogan. Nos recordó "Vivir su vida" de Jean
Luc Godard, film de avanzada estética de 1962.
Es decir, la historia propuesta por el realizador iraní es él mismo en
situaciones incómodas, espiado, rodeado por pobladores que lo conocen y admiran
pero que están cargados de terror religioso y político.
Hacer cine es una cuestión de creatividad y Panahi lo demuestra: una película
árida por el entorno, sin recursos, como otras suyas, se transforma en el más
puro quehacer cinematográfico, el que se aplaude, el que nos conmovió porque,
vaya uno a saber con qué resortes, Panahi maneja el thriller sutil, el que nos
lleva a situaciones límites, y el que nos descubre alguna salida no fácil para
seguir viviendo. Cámara fija sobre un soporte, personajes que se debaten entre
el saludo cordial y el deseo de que Panahi se vaya cuanto antes, peleas
callejeras, la abuela que le ofrece el té para limpiarse por dentro, los jóvenes
violentos, los adultos silenciosos, el dueño de casa aterrado por su inquilino,
es decir, un entorno que no necesita de guionistas más que al propio Panahi
filmando. "No hay osos" es una auténtica alegoría de las mentiras de los
poderosos para someter a los pueblos. Por eso, esta película de Panahi es un
hecho cinematográfico de esencia, o sea cine puro, un hecho cultural para
festejar.
Elsa Bragato
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JUEVES 11 DE ENERO DEL 2024.
INFORMACIÓN DEL INCAA
Este jueves 11 de enero, en el Cine Gaumont se estrenan El amigo visible, un
film de suspenso y terror psicológico escrito y dirigido por Cristian Bidone; y
el documental Galasso, pensar en nacional, de Federico Sosa, sobre el
historiador y biógrafo de Arturo Jauretche y Raúl Scalabrini Ortiz, Norberto
Galasso.
El corto de la semana es El ocaso, dirigido por Iván Gómez —con producción de la
Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC) sede
NEA y con el apoyo del INCAA— que será proyectado en programa doble junto al
largometraje Cuando acecha la maldad, de Demián Rugna, que continúa en
cartelera.
El documental Galasso, pensar en nacional, de Federico Sosa, también forma parte
del Programa de Estreno Federal de Documentales Digitales. Por ese motivo,
además de su estreno en el Cine Gaumont, el jueves 11 se podrá ver en la señal
CINE.AR TV, a las 20 horas, y desde el viernes 12 estará disponible en la
plataforma CINE.AR PLAY por una semana. También será exhibido en la Red de
Espacios INCAA (consultar salas en la cartelera de Espacios INCAA).
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ESTRENOS INTERNACIONALES
1.- BEEKEEPER SENTENCIA DE MUERTE, DE DAVID AYER. DIAMOND FILMS
(sin críticas hasta el viernes)
2.- INSTINTO MATERNAL, DE BENOIT DELHOMME, CON ANNE HATHAWAY.
(sin críticas hasta el viernes)
3.- ALICIA EN EL PAÍS DE LAS PESADILLAS, DE RICHARD JOHN TAYLO, CON RULA LENSKA.
(sin críticas hasta el viernes)
4.- ROSE, DE AURELIE SANDA.
5.- EL NIÑO Y LA GARZA, DE HAYAO MIYAZAKI.
"Por ahora solo se puede clasificar de maravillosa pero tal vez el tiempo le
otorgue otro carácter aun más dulce o enérgico que hoy se escapa". De Oti
Rodríguez Marchante, Diario ABC.
"Una de las obras más audaces del director a nivel formal. Avanza... vehiculada
por una sucesión de dibujos increíblemente detallados que parecen surgidos más
bien de un poder superior", de Nando Salva, El periódico de España
"De una belleza arrebatadpra... despliega un preciosismo que no renuncia a la
crudeza ni al dolor inherente a todo proceso de crecimiento"..., de Enric
Albero, El Cultural.
ESTRENOS NACIONALES
1.- EL AMIGO VISIBLE, DE CRISTIAN BIDONE
2.- GALASSO, PENSAR EN NACIONAL, DE FEDERICO SOSA--
CRÍTICAS
GALASSO, PENSAR EN NACIONAL
Dirección y guion de Federico Sosa. Con Norberto Galasso. Fotografía de Pablo
Parra Aylen López. Sonido de Pablo Orzeszko. Música de Santiago Pedroncini.
Duración: 83 minutos. Barbarie Cine.
XXXX – MAGISTRAL CLASE DE HISTORIA CONTEMPORÁNEA
La voz calma y monocorde del historiador Norberto Galasso nos permite conocer en
una extensa conferencia detalles de las idas y venidas de la política nacional
que, en tiempos de la filmación (período del macrismo) eran tan espeluznantes
como las actuales en materia de educación, de formación, de tergiversación de
valores.
Galasso tiene honorables 87 años y cuenta su largo camino en la izquierda
nacional, algunas de sus decepciones, su lucha ideológica, su profundo
conocimiento del pensamiento de Jauretche y de Aguirre, detalles poco conocidos
del general Perón y lo que pudo hacer y lo que no hizo o porque no quiso o
porque no pudo. Para Galasso solo hay dos salidas hasta ahora: el Este o el
Norte. Y así se está en un país con fuerte dependencia de la agricultura por
razones naturales (una pampa envidiable, acotamos nosotros). Hay estructuras que
debieron superarse pero se continua igual.
La larga charla de Galasso no aburre, es una conferencia filmada en diferentes
locaciones, un estudio atestado de libros y apuntes, un aula, no mucho más. Su
propuesta es profunda y atrapante aún para quienes no adhieran a su ideología:
recuerda cómo Perón adoptó las leyes socialistas del diputado Alfredo Palacios,
cómo ese socialismo teñido de "peronismo" alegró a más del 50 por ciento de los
trabajadores del país, proporción superior a la de la "casta" de entonces – de
alrededor de un 40 por ciento.- Pero esa diferencia se fue perdiendo y hay que
volver a lograr que los trabajadores sean más que los que viven de ellos. Tan
simple como eso.-
Se esté o no de acuerdo, esta clase de historia es muy rica. Galasso es casi un
único representante de varias décadas de historia nacional, pleno de vivencias
que puede transmitir. Buena fotografía, un documental de narración fluida que se
acerca a una clase universitaria que a todos nos viene muy bien porque, si se
coincide, se aprende un poco más, y si no se coincide, se tienen los datos
necesarios para oponérsele.
Elsa Bragato
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ROSE
De Aurelie Saada. Guion de Saada y Yael Langmann. Fotografía de Martín De
Chabaneix. Música de Aurelie Saada. Con Francoise Fabian,Pascal Elbé,Aure
Atika,Gregory Montel,entre otros. Duración:102 minutos.
XXX – LA DECISIÓN DE VIVIR LA VIDA
De atrás para adelante: empezar por la muerte para celebrar la vida es poco
habitual,. La diectora Aurelie Saada encara una suerte de hipérbaton existencial
en "Rose" cuya protagonista va ganando la atención y el corazón. "Rose" queda
viuda a los 78 años, tiene varios hijos adultos, alguno viva con ella, es la
típica "idishe mame" que los complace, que asiste a los ritos religiosos, que
guardó que, además de madre y esposa, tenía sentimientos y gustos personales.
Por suerte, anida en ella una llama de vida que se resiste a entregarse, a
vestir un batón y ver la tele desde la cama.
Rose avanza en sus ganas de vivir al principio a tientas. Sus hijos no aceptan
amablemente tantos cambios en la madre, desde el lápiz labial hasta que quiera
bailar, desde que les ponga un tope a las exigencias, hasta que los ubique en lo
que son, adultos que siguen prendidos a la falda de la madre asfixiándola.
Si bien el tema es más que conocido, en estos casos sobresale la habilidad de la
puesta en escena y del clima logrado tanto por la directora como por la
protagonista Francoise Fabian, la "Rose" del título, quien hace tan suyo el
personaje que emociona, que inquieta, que obliga a repensar en los vínculos
cotidianos de cada uno de nosotros.
Se destacan algunas secuencias de extrema ternura como el encuentro en el bar de
Laurent, la charla, la mirada entre Rose y Laurent, y ese dejarse llevar por la
pasión tratada con tanta sutileza y respeto por la directora.
Si bien nada sorprende, todo encanta, deja una sonrisa, Rose hace bien.
Elsa Bragato
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ALICIA EN EL PAÍS DE LAS PESADILLAS
Dirección y guion de Richard John Taylor. Con Lizzy Willis,Rula Lenska, Jon Paul
Gates, entre otros. Fotografía de Harry Tali Cord, Música de CraigGannon.
Duración; 77 minutos. Inglaterra. Distribuye High Fliers Films
XX – APENAS UNA ILUSIÓN DE TERROR
Dicen que los extractos de perfumes y los venenos vienen en dosis chicas. Bien
puede aplicarse este axioma a esta versión de "Alicia en el país de las
pesadillas", narrativa retorcida de "Alicia en el país de las maravillas", de
Lewis Carroll. Pocos personajes, la abuela y Alicia como protagonistas, dos
gatos, y un puñado de actores en medio de un bosque, intentan asustar con una
historia a la que le falta convicción.
Veamos: Alicia asiste a extraños sucesos que la obligan a vivir con su abuela
quien reside en una vieja casona en medio de un bosque, clishés de un film de
género.
Los personajes que rodean a Alicia (una angelical Lizzy Willis) aparecen como
caídos del cielo, sin ninguna razón argumental. Y se tiene la impresión de que
las escenas escabrosas son una mera justificación del título porque tampoco
tienen una clara relación con Alicia y su mundo. Tienen que estar sin más porque
es una película de terror.
Se sabe que los bosques esconden secretos y que es mejor no ir a buscarlos, así
como siempre aparece un personaje curioso que se mete en líos porque no pudo con
su genio. Es el caso de "Alicia" a quien ni siquiera la música incidental le
resulta una advertencia. Rara sensación para el espectador: la fotografía
muestra un arroyo de aguas límpidas rodeadas de una bella vegetación mientras la
música intenta crispar los nervios de la protagonista y del espectador. En
definitiva, "Alicia..." es un oxímoron visual del que surge el rostro angelical
de Lizzy Willis, no hay médula sino efectismo dentro de una realidad ficcional
sin coherencia.
Elsa Bragato
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JUEVES 4 DE ENERO DEL 2024.-
INFORMACIÓN DEL INCAA
El jueves 4 de enero, en el Cine Gaumont, se estrenan cuatro ficciones: Los
delincuentes, una comedia de suspenso escrita y dirigida por Rodrigo Moreno, que
participó —entre otros— en la Selección Oficial del 61° Festival Internacional
de Cine de Nueva York; en el Festival Internacional de Cine de Toronto 2023; y
en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes; No va más, el diablo no
juega a los dados, un thriller de suspenso dirigido por Alex Tossenberger,
escrito por el director junto a Julio Ordano, con las actuaciones de Carlos
Portaluppi, Marcos Montes y Carlos Kaspar; La invitada, un film de terror
dirigido por Facundo Escudero Salinas; y Águila y Jaguar, los guerreros
legendarios, un largometraje de animación infantil de aventuras escrita y
dirigida por Mike R. Ortiz, ganadora del Premio a Mejor Película de Animación en
los X Premios Platino del Cine Iberoamericano, y nominada como Mejor
Largometraje de Animación en los 65° Premios Ariel 2023, de la Academia Mexicana
de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC).
El cortometraje de la semana es Detrás de la puerta, de Andrés Borghi, ganador
del Premio a Mejor Cortometraje en el Tokyo International Monthly Film Festival
(Japón - 2022); obtuvo el Premio del Público en el DC Shorts Festival
(Washington, Estados Unidos - 2020) y ganó como Mejor Cortometraje Nacional en
el Festival Buenos Aires Rojo Sangre (Argentina – 2019), entre otros. Será
proyectado en programa doble junto a La invitada, de Miguel Ángel Rocca.
ESTRENOS INTERNACIONALES
1.- WISH, EL PODER DE LOS DESEOS, DE Cris Buck. Buena Vista, Disney
"Disney celebra 100 años con una de sus películas más mágicas y entrañables", de
Enid Román Almansa, Cinemanía.
"La película se homenajea a sí misma homenajeando la estética que tan bien le ha
funcionado a la productora... Sin sorpresas, con muchos números cantados y
algunas bellas ideas visuales", de Quim Casas, El Periódico de España.
2.- DOGMAN, de Luc Besson. Francia, Diamond Films
"La película es muchas cosas a la vez, una parábola religiosa, un melodrama
social, una confesión a tumba abierta, un thriller de justicieros urbanos y una
fábula animalista... Su excentricidad es un soplo de aire fresco", Sergio
Sánchez, Diario La Razón.
"Es todo un alarde tan confuso y desproporcionado como extrañamente hipnótico y
naif... la gracia está en lo imprevisible, en esa capacidad tan Besson de
mezclar lo pomposo y lo ingenuo con un desparpajo que asusta", de Luis Martínez,
Diario El Mundo.
3. PATOS, de Benjamín Renner y Guy Laurent Homay, UIP, Animación.
"Una función familiar de altos vuelos, lo mejor en pajarracos animados desde la
desternillante Angry Birds. No es "Canta" ni "Mascotas", las joyas de
Illumination, pero va sobrada de acción, risas y bailoteo", de Phillip Engel,
Diario La Vanguardia.
"Incluso durante menos de 80 minutos, sin los créditos, la película parece
tardar una eternidad en llegar a su destino. Lo más divertido de Migration es
Mooned, el cortometraje que la precede en su estreno en cines de este país", de
Peter Debruge, Variey.
4.- EL JUEGO DE LA MUERTE, de Anna Zaytseva. BF, París Films
(sin críticas hasta el viernes, film del 2021)
5. EL TEOREMA DE MARGUERITE, de Anna Novion. Francia-Suiza, ZFilms.
CRÍTICAS
EL TEOREMA DE MARGHERITE
Dirección de Anna Novion. Guion de Novion, m. Robin, M.Imbert y A. Feuvre. Con
{eiia Rumpf, Jean Pierre Darroussin, Clotilde Couru, Sonia Bonny, Julien Frison,
Idir Azougli, Leila Muse, Dominique Ratonnat. Fotografía de Jacques Girault.
Sonido de Marc Von Sturler y Bearice Wick. Música de Pascal Bideau. Duración:
112 minutos. Zeta Films.
XXX- CONJETURAS QUE SOLO RESUELVE LA VIDA
Que las Matemáticas parecen no estar en contacto con los sentimientos es un
pensamiento generalizado: son números, fríos, así solemos definirla. Sin
embargo, en esta película de Anna Novion, El Teorema de Margherite, si bien se
parte de lo estrictamente racional, demuestra que las ciencias suelen
desencadenar pasiones que van más allá de sus dogmas fundacionales.
Marguerite es una investigadora que debe entregar una tesis basada en la
resolución de notables enigmas matemáticos como la "conjetura de Goldbach",
entre otros. Un pequeño error de cálculo destruye su trabajo de años por lo que
decide abandonar los estudios, tratando de vivir de otra cosa. Sus conocimientos
son tan notables que el destino la lleva a hacer cálculos y ganar en un difícil
juego oriental. De universitaria a jugadora clandestina. Pero no está dicha la
última palabra: el regreso de un colega, el compartir el departamento con una
joven entregada a la vida y lejos de las aulas, determinan un cambio: fuera de
los claustros, está el amor, y un compañero de estudios puede ser,
repentinamente, la fuente inagotable de resoluciones matemáticas y sexuales a la
vez.
La narración es muy pausada pero inexorable: un comienzo distante, aulas
austeras, silencios quebrados por el correr de una tiza sobre el pizarrón, van
dando paso a una joven que necesita vivir para resolver varios problemas
personales: desde las perspectivas de una conjetura matemática del siglo XVIII
hasta su propia vida.
La realizadora Novion recurre al in crescendo: de la simpleza inicial a la cada
vez más rica vida de la protagonista y, por ende, de las secuencias en
fotografía y diálogos, con el aporte de exteriores muy determinados y personajes
que se tornan esenciales.
El resultado es un film muy diferente en su propuesta, muy francés también (una
cultura signada por pensadores matemáticos y el existencialismo, los grandes
músicos y los más encumbrados modistos, etcétera), que no sale del planteo
clásico en lo formal pero que se da el lujo de exponer una profunda
intelectualidad que se doblega ante la vida misma. Nada más real.
Elsa Bragato
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