1.- GLADIADOR 2, de Riddley Scott
Es la secuela de Gladiador que fue uno de los grandes sucesos en todo sentido de la pantalla grande con Russell Crowe en el protagónico. Ya es un clásico. En esta oportunidad está protagonizada por Paul Mescal en el rol de Lucio que reingresa al Coliseo, lleno de furia. Busca devolverle la gloria perdida a Roma. Es entonces una narración con todos los condimentos de los films épicos o bien históricos.

2.- UN PANDA EN ÀFRICA, ANIMACIÒN. Aventura divertida sobre el joven oso panda Ping y la dragona Jielong, que es secuestrada y llevada a África por lo que se inician una serie de aventuras para disfrutar con la familia. Producción de Dinamarca.

2.- GOLPE DE SUERTE EN PARÌS, de Woody Allen.
Ver crítica

3.- LA MALDICIÒN DEL BOSQUE
Ver crítica

4.- VIRGEN ROSA

5.- REVELAR, documental
Ver crítica

6.- HISTORIA DE DOS GUERREROS
Ver crítica

CRÌTICAS

REVELAR
Dirección y guion de Fermin Rivera. Con los testimonios de Lorena Battistiol Colayago, Pedro Sandoval Fontana, Clauida Poblete Hlaczik, Horacio Pietragalla Corti, Guillermo Amarilla Molfino, Victoria Donda Pérez, Guillermo Pérez Rosinblit, Leonardo Fosatti Ortega. Fotografía de Emilia Penelas. Montaje de Emiliano Serra, Sonido de Gino Gelsi, Música de Alejo Vintrob, Producción de Sofía Vecchione, Duración: 69 minutos. Argentina.
XXXX – LA BÙSQUEDA DE SÌ MISMOS
Las consecuencias del holocausto provocado por la feroz dictadura cívico-militar del 1976 continúan. Es una herida gigantesca, una escara que no cerrará jamás, pero que tiene la tenue posibilidad de generar alguna piel que cubra en apariencia esa herida, referida a infancias perdidas, a interrogantes que nunca tendrán la respuesta del por qué.
Fermín Rivera se encarga en este documental de revelarnos, justamente, la esencia de las búsquedas de identidad al bucear en los testimonios que ocho personas dan frente a cámara, encontrando en que todos sintieron ese algo que los diferenció de los padres apropiadores, esa diferencia física o esa intuición de que algo pasaba porque no se hallaban en los rasgos de esas familias. Para algunos, la sensación de ser lo que debieron ser estalló cuando no se encontraron en las fotos de las familias verdaderas, pero sí se identificaron en sus rasgos, en sus gestos, en una historia familiar kármica que solo se siente porque no se encuentra en los datos sino en el alma.
Para la realización de este documental, profundo, que aporta elementos inasibles que los entrevistados tuvieron como aliados para autoreconocerse, Rivera contó con la colaboración de Angela Urondo Raboy, autora del libro “Quién te crees que sos?”, hija de la periodista Alicia Cora Raboy y del escritor Paco Urondo, ambos desaparecidos. En el título del libro está el numen de estos niños recuperados, hoy adultos. Se aprecia la tranquilidad actual de sus conductas que esconde tantos altibajos emotivos, tantas angustias, y ese dolor atávico que no se irà y que, sin embargo, fue el motor que los llevó a reflexionar sobre sí mismos y buscar la forma de ser las personas que sus padres biológicos quisieron. Ser ellos mismos y no “ser de prestado”.
En este documental de Fermín Rivera nos topamos con la verdad que nunca se pudo acallar a través de la voz de los que pudieron recuperar su identidad. Documental con muy buena preproducción y una realización clásica basada en la palabra y no en la sofisticación técnica. De visión obligatoria.
Elsa Bragato, Actoresonline.com

HISTORIA DE DOS GUERREROS
Dirección de Pablo César. Guion de Pablo César y Jerónimo Toubes. Fotografía y Cámara de Agustina Trincavelli. Sonido de Emiliano Monsegura. Montaje de Liliana Nadal. Música de Hyperborei. Con Alejo Isnardi, Idriss Mousa Sare, Horacio Ruiz, extras y elenco de la provincia de Corrientes cubriendo los roles destacados. Duración: 61 minutos.
XXX – DOS HERMANOS DE LA VIDA
Pablo César retoma un tema que le es caro: la africanidad, sumando a través de un personaje su especial dedicación a esta temática, consolidada a través de 9 coproducciones con naciones africanas. En esta oportunidad, toma el personaje de Kossi (Idriss Mousa Sare, modelo y actor de la República de Malí, Africa) que buscó su destino como futbolista en la provincia de Corrientes, pero se lesionó y quedó a la deriva. Lo ayuda otro deportista de nombre Ara (Alejo Isnardi, bailarín y cantor urbano) que se gana la vida en la recolección de cítricos y como boxeador amateur. Al ver la situación de Kossi, lo ayuda a conseguir techo y trabajo.
César trabajó en la ciudad de Empedrado, Corrientes, que tiene horizontes soñados para filmar, además de requerir elenco de esa provincia. Una larga secuencia boxística inicia el film que encara con honestidad intelectual la amistad que surge entre Ara y Kossi, llegando hasta la atracción sexual. Pero la realización no cae en escenas morbosas sino que trabaja el erotismo con una fotografía diferente, en blanco y negro y con otros encuadres.
“Historia de dos guerreros” plantea varios temas: desde el sentido humanitario hacia un semejante hasta el machismo inútil que sobrevive en muchas partes de nuestro país, así como le da naturalidad y espontaneidad a la atracción entre dos personas, que pueden superar la rivalidad del deporte dándole lugar a los deseos y, por sobre éstos, al cariño.
En lo estrictamente formal, sobresale la riqueza visual con la que Pablo César encaró esta producción (sigue rodando en 35 mm y 16 mm) por el empleo de muy diversas tomas con enfoques de diferentes formatos, y, como dijéramos, empleando blanco y negro y color.
Es una historia sencilla sobre el encuentro de dos jóvenes deportistas a quienes la vida une por azar más allá de inútiles condenas sociales. Interesante film con sólidos protagonistas realzándose lo actoral con la inquieta cámara de un excelente director que hace cine en estilo puro.
Elsa Bragato, Actoresonline.com

1.- TRAJE ROJO, de Jake Kasdan. Con Dwayne Johnson, Chris Evans.

Al acercarse las fiestas de fin de año, Hollywood prepara desde siempre un pequeño arsenal de films con Papa Noel, navidades buenas, otras no tanto, y romances entre pandulces y +arboles navideños. Incluso hay canales de cable que dedican toda su programación durante dos meses a este tipo de películas. En este caso, Hollywood está más acorde con estos tiempos violentos: se secuestrò a Papà Noel, al “Traje rojo” por lo que el jefe de seguridad del Polo Norte, rol que encarna Dwayne Johnson, se pone a trabajar para descubrir a los secuestradores y liberar a Papá Noel o Traje Rojo para que no se postergue nunca la Navidad.

Estos films están bien realizados, son de gran ingenuidad, tienen todos los clishès conocidos, pero siempre se rescata algún mensaje que, por un momento, nos alivia de los pesares cotidianos. No busquemos la quinta esencia.

2.- EL TIEMPO QUE TENEMOS, de John Crowley. Con Andrew Garfield, Florence Pugh, entre otros.
Digna historia de amor de este tiempo, con saltos al pasado, regresos al presente, que configuran la vida en comùn de una pareja durante una década. Andrew Garfield y Florence Pugh tienen mucha química y personalidad por lo que son ellos los que ingresan a un período de romance intrincado que los lleva hacia adelante y hacia atrás, pero que no los aleja del amor y de la voluntad de vivir cada instante porque la vida no se les presenta fácil. Hay romanticismo, complejidad temporal, y muy buenas interpretaciones.

3.- NO TE SUELTES, de Alexandre Aja, con Halle Berry, Percy Daggs IV, entre otros.
A decir verdad, pocas veces un film de terror convoca a una primera figura como Halle Berry. Pero se da el caso en este film. Berry compone a una madre que vive con sus dos hijos en una cabaña en medio de un bosque. Y están sometidos a un espíritu maligno que los obliga a estar atados, unidos, aferrados. Algo pasará para que uno de los chicos se desate, salga del grupo que forma con su hermano y su madre, por lo que se desatará una guerra por la supervivencia. Típico cliché general de este tipo de películas de género aunque bien interpretado.

4.- TIEMPO DE PAGAR, de Felipe Wein. Película nacional sobre un cambista típico del microcentro de esta ciudad que se ve envuelto en una telaraña de problemas a raíz de su tarea y deberá enfrentar la solución dentro de un tiempo muy limitado. El tema no es nuevo en nuestro cine.

5.- NORITA DOCUMENTAL, de Jayson McNamara y Andrea Carbonatto Tortonese. Son 88 minutos dedicados a la vida de Nora Cortiñas, quien buscó a su hijo desaparecido en tiempos de la dictadura cìvico militar, siendo cofundadora de Madres de Plaza de Mayo. Aspectos desconocidos de esta intensa búsqueda unidos al sufrimiento de una madre por un hijo del que nada sabe son los dos tópicos en los que oscila este documental.

6.- SIN SALIDA, de Who. Con Minerva Casero, Laura Novoa, Fabián Arenillas, entre otros. Una joven universitaria se despierta en el baúl de un automóvil, comprendiendo rápidamente que ha sido raptada para una red de tratas. El título de la película indica claramente la sensación constante que viven estas mujeres sometidas a las que tan pocas veces se puede liberar. Intenso thriller.

9.- UN BUEN PADRE
Ver Crìtica

10.- EL DOMINGO SE MUERE MÁS GENTE
Ver crítica

11.- ATENTADO EN MADRID
Ver crítica

12.- ODA AMARILLA
Ver Crìtica

--

CRÍTICAS

ATENTADO EN MADRID
Dirección de Daniel Calparsoro. Guion de Gemma Ventura. Con Luis Tosar, Inma Cuesta, Nourdin Batan, Roberto Enríquez, entre otros. Fotografía de Tommie Ferrerras, Música de Carlos Jean. Duración: 100 minutos. España.

XXXX – LUIS TOSAR EN UNA EXCEPCIONAL LABOR

La intensidad dramática creciente de Atentado en Madrid pone a prueba la mano diestra de Daniel Calparsoro, un catalán reconocido por su capacidad para dirigir tanto como por su intelectualidad, dándole peso a los argumentos que elige. En este caso, toma el guion de Gemma Ventura y lo tuerce en tres oportunidades, girando hacia espacios y tiempos imprevisibles que desconciertan e inquietan.

El notable actor Luis Tosar es el protagonista de este thriller policial que pone acento en una temática común a toda Europa: la inmigración no registrada de países africanos, adiestrada para cometer atentados en nombre de Alá. A veces las cosas no salen como están previstas y es el caso del taxista Santiago (Tosar) que lleva un pasajero al aeropuerto de Madrid donde se produce una terrible explosión. Alguien muy herido le pide que lo lleve a un hospital. Accede hasta que se da cuenta de que ha sido raptado por uno de los terroristas en cuyo cuerpo hay un ancho cinturón de explosivos.

No es éste el único elemento que toma Calparsoro para perturbar sino que recurre a tres torsiones narrativas que cambiarán el rumbo de la historia: un accidente automovilístico, la irrupción de un marroquí que mata al acompañante de Santiago y dos niños que toman el teléfono con el que harán saltar las bombas, ahora en el cuerpo del taxista.

Hay secuencias memorables por su espectacularidad como las que muestran a “Santiago” que no puede dejar de caminar para no estallar en mil pedazos por la Gran Vìa encabezando un desfile de tropas antiterroristas. Se incluye el trabajo de la inteligencia artificial para complejizar el panorama a los terroristas, mientras que Santiago sin dejar de moverse puede hablar con su esposa Laura y con su hijo Raúl, quien recuerda a Mònica, la hermana fallecida hace un año. Aquí juega un papel fundamental la ductilidad del rostro de Luis Tosar que posee una capacidad infrecuente para expresar desde el asombro inicial cuando es raptado, pasando por el terror de morir despedazado y la lenta aceptación de un final trágico.

La tensión es creciente junto con lo que va viviendo el protagonista, cada paso suyo es una descarga electrizante de adrenalina, es imposible no reprimir la respiración por segundos ante las situaciones límites que va mostrando la pantalla.

Por sobre esta película en sì, hay que decir que, sin la alharaca de Hollywood, España está al frente de una soberbia calidad cinematográfica. Desde la fotografía con una cámara subjetiva flotante hasta los diálogos justos, superando con creces pequeños clishés. En su todo, estamos frente a un soberbio thriller, a un gran virtuosismo narrativo. Sin dar vueltas, cine en serio, cine con mayúsculas.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

UN BUEN PADRE
Dirección de Ronan Tronchot. Coguionista: Ludovic du Clary. Fotografía de Antoine Chevier, Música de Damien Tronchot. Con Gregory Gadebois, Geraldine Nakache, Anton Alluin, entre otros. Duración 93 minutos. Título original: Paternei. Francia



XXX – ENTRE LAS NORMAS DE LA VIDA Y DE LA FE

Para el realizador Ronan Tronchot, el tema central de esta película no fue cuestionar el valor de la espiritualidad sino las contradicciones humanas sobre la fe en sì, la honestidad, la realidad. Toma como centro de su historia al Padre Simòn encarnado por Gregory Gadebois, que está a cargo de una parroquia lejana a Parìs, ubicada en medio de la campiña francesa.

De pronto, aparece Louise (Geraldine Nakache) con un niño de 11 años llamado Aloè (Anton Alluin) informándole al padre Simòn que es su hijo, fruto de la relación que tuvieron cuando èl ingresaba al seminario.

A partir de este hecho, la vida de un jovencito que sabe la verdad y no entiende porque todos llaman Padre a su papà y a èl se le pide que no lo diga, surgen los subtemas sociales y religiosos más que interesantes: desde la absurda oposición de los clérigos de esas localidades a lo que llaman “escándalo público” hasta las dudas del propio Padre Simòn sobre cómo actuar ante una vida de la que es responsable sin mentir, sin manchar su fe y sin ser hipòcrita como cree que son muchos integrantes de la Iglesia Catòlica.

La actuación de Gregory Gadebois es muy tierna y convincente, recorriendo todos los matices de la sensibilidad, desde el asombro inicial hasta la aceptación de que dio vida a un niño, y que se trata de una bendición. El pequeño Alluin demuestra gran seguridad actoral, así como es intachable la recatada performance de Geraldine Nakache y el resto del elenco.

Todo funciona de manera milimetrada, no hay melodrama resultando una cálida comedia dramática sobre la vida y la Fe, el respeto por las leyes que rigen a ambas y un severo planteo sobre la intransigencia de los fundamentalistas en cualquier orden de la vida. Buena fotografía que, aun con una historia de cámara, íntima, está enriquecida por diferentes tomas, desde zenitales hasta primeros planos. Para disfrutar.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

-

LOS DOMINGOS MUEREN MÁS PERSONAS
Dirección de Jaid Said. Fotografìa de Giovanni Cimarosti. Mùsica de Frank Ascari, con canciones a cargo de Rosario Ortega, Sofìa Vitola, Gepe. Montaje de Flor Efron. Duraciòn 77 minutos. Coproducciòn de Argentina, Italia, Suiza.



XXX – MELODRAMA FAMILIAR CON PROTAGÒNICO DE SU DIRECTOR

Jair Said es el protagonista principal de su propio film, Los domingos mueren más personas, en el rol de David. Compone a un corpulento joven que vive en España, judío y homosexual, que debe romper con su pareja para regresar a Buenos Aires cuando muere su tío. Lejos está de saber que pronto ocurrirá lo mismo con su padre, en una suerte de oculta eutanasia.

El guion de Said se torna ágil porque encara un melodrama utilizando la vida cotidiana de una familia y sus ritos religiosos. Entre diversas situaciones donde se habla de la comida rápida, de miedos de soledad o de enfrentar momentos límites, a través de diálogos mediocres, surgen secuencias interesantes que quiebran la monotonía que Jair Said provoca con su forma de actuar pausada y escasa gestualidad: un breve monólogo de Rita Cortese o también la corta escena de David (Jair Said) con su psicólogo rescatan el ritmo interno de una película que encara la tragedia en medio de un clima de comedia.

El film logra emotividad cuando Rita Cortese y Jair David se transforman en madre e hijo en algunas secuencias, rodeados por un entorno familiar donde no faltan los cumpleaños, la algarabía de los chicos, los rezos en hebreo, y el costo de un entierro en el cementerio judío.

La banda sonora es un personaje interesante que aporta alegría con un vals inicial resultando insólita la supuesta zamba de los créditos del final. Creemos que tan disímiles propuestas rítmicas podrían ser matices para aportar fluidez narrativa. Los aspectos técnicos son de buena factura, mientras que, en lo estrictamente actoral, Jair Said logra un unipersonal con el soporto actoral de un elenco de figuras, relegadas a breves intervenciones. En verdad, Jair Said es muy buen director, pero no nos convenció como actor.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

-

ODA AMARILLA

Documental, Dirección y guion de Lucía Paz. Fotografía de Emiliano Chama. Música de Santiago Gutierra. Duración: 67 minutos.



XXX – HOMENAJE PROFUNDAMENTE EMOTIVO

La pérdida de la memoria trastoca nuestras vidas. Y el cine ha sido un fiel reflejo de este tema a través de historias conmovedoras sobre nuestros mayores y ese principio de olvido (para algunos, “benignos seniles” y para otros el temible ingreso al “Alzheimer”). Recordamos la maravillosa película nacional “El hijo de la novia” con Norma Aleandro, Héctor Alterio y Ricardo Darìn, la inglesa “Iris” con la formidable Judi Dench, o la norteamericana “Diario de una pasión” con James Garner y Gena Rowlands. O la reciente “El padre”, con Anthony Hopkins, otro film inglés desgarrador.

Y es Lucía Paz quien retoma este tema determinante para la vida familiar desde un lugar muy íntimo y cálido: su madre tiene los primeros olvidos, es el comienzo de esa penosa enfermedad senil. LA directora intenta que algunos recuerdos las mantengan unidas, desde las playas con olas inquietas que solían disfrutar años antes hasta fotografías de diversos momentos de la vida en común y encuentros con la familia.

Queda de lado la formación intelectual de la mamá de Lucìa Paz. Importa su aquí y ahora, ese que la fotografía singular de Emiliano Chama toma de las olas que se rompen sobre la arena dejando una espuma blanca que se disuelve en segundos, close up deintenso significado. Es allí también donde la realizadora se planta para expresar este presente efímero de la memoria de su mamá y sus propios sentimientos de desesperación como hija que busca un lugar posible de diálogo coherente, ese espacio que las reúna en el futuro cercano.

Es un trabajo intenso entre álbumes de fotografías y uno nuevo que confecciona con su mamá con el íntimo anhelo de que lo recuerde, de que sea un encuentro con fotos y nombres donde el olvido no exista, donde su mamá logre ese espacio de lucidez que las una para siempre.

El tema conmueve, la actitud de Lucía Paz también: el paralelismo entre el mar y la mente resulta visualmente perturbador, es una metáfora lograda sobre una memoria que se va perdiendo, y es la lucha que encara Paz aunque no se le pueda ganar nunca a lo que la naturaleza dispone.

Lucía Paz logra una película de cámara, íntima, basada en diálogos entre madre e hija, resultando una experiencia cinematográfica muy emotiva, además de un sensible homenaje a su mamá. En algún lugar, nos toca a todos por igual.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

-

CICLÒN FANTASMA

Documental de Diana Cardini. Fotografía de Lucas Distefano. Sonido de Andrés Perugini y Leonardo Cauteruccio. Montaje de Diana Cardini. Con Fabián Orfano, María Rosa Mage, Reinaldo Alejandro Petraña, Marisa Pájaro, Facundo Orfano, bailarines. Duración: 64 minutos.



XXX – LA MULTIPLICIDAD DE LA VIDA DIARIA

La directora Diana Cardini analiza diversos aspectos de Luján, la ciudad de la Fe pero también de la diversión y de la ciencia. La que conserva algo de los viejos parque de juegos que interesan a Fabián para construir algo supernovedoso: el Ciclón Fantasma, que asuste de verdad, con personajes de carne y hueso, no como ocurre con los juegos norteamericanos donde todo es o digital o técnico. Así piensa, así lo expresa y pone manos a la obra. Por otra parte, están los buscadores de fósiles en el río Luján, Rosa y Alejandro, aguas plenas de rastros arqueológicos de hace miles de años. Solo hay que recorrer sus márgenes sin prisa ni pausa. Y obviamente está la basílica de Luján, que reúne a los fieles en misas, mientras en los alrededores se da la paradoja de las “fortunetellers” o adivinadoras de la suerte. En algún punto, los tres elementos se unen porque son la esencia histórica de la ciudad: el río está presente con su riqueza milenaria por descubrir, la basílica es una fuente de Fe pujante, y los viejos juegos de los parques de diversiones pueden reciclarse para dar vida al sueño de Fabián, un restaurador que enternece cuando recupera a un muñeco dinosaurio con quien habla como si fuese de verdad.

Hay que destacar la minuciosidad con que Diana Cardini filma la construcción del Ciclón Fantasma (algo asì como el tren fantasma pero con más verdad y truculencia) para ir llegando paso a paso a sus especiales bailarines-actores, y a los fieles que asisten a las misas de la basílica. Esta narración detallista provoca atención, curiosidad, inquieta al espectador por ver el final, qué se encuentra en el río, cómo cumple su sueño Fabián (busca sonidos terroríficos, maquillajes truculentos), y de qué manera la Fe sigue en pie como faro de una ciudad pujante.

Con un trazo cinematográfico amplio, Diana Cardini logra un atractivo documental sobre una ciudad en la que conviven su rico pasado con un presente pluriactivo. Valioso aporte cultural.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

---
 

1.- LA HABITACIÓN DE AL LADO, de Pedro Almodóvar

Con este film, el manchego Almodóvar ganó su León de Oro en la Mostra, el festival de cine de Venecia. Es el segundo español en obtenerlo, el primero fue Luis Buñuel con Bell de Jour en 1967. En esta película encara la relación de dos amigas de toda la vida cuyo reencuentro las enfrenta a decisiones límites. Julianne Moore y la exquisita Tina Swinton encarnan a estas dos mujeres, una de ellas enferma terminal, y la otra, la amiga que cuida la palabra y el gesto para ayudarla en una decisión muy difícil. La crítica internacional coincide que es una película muy dolorosa y, al mismo tiempo, una de las narraciones más honestas y sin vueltas de Pedro Almodóvar, que, por otra parte, se caracterizó siempre por exponer sus temas a su manera. Nosotros apuntamos el film “Dolor y gloria” con Antonio Banderas (hizo siete películas con Almodóvar) que nos parece un buen antecedente de esta posición del gran director ante la vida y la muerte. Para ver, sin dudar.

2) TERRIFIER 3. PAYASO SINIESTRO, guion y dirección de Damián Leone.
La crítica internacional está dividida: por un lado se considera un “camino sangriento” inigualable para quienes paladean el “gore” con fruición, por otra parte hay quienes piensan que, por hacer explotar la sangre en la pantalla, la narración tiene secuencias un tanto inconexas. Como sea, es un baño de sangre que va a satisfacer y hasta “empalagar” a los fanáticos del género.

3) CIELO ROJO, GIGANTES DE METAL, de Marcelo Leguiza, film nacional.
Ver crítica

4) SARA FACIO: HABER ESTADO AHÌ De Cinthia Rajschmir.
Fallecida este año, Sara Facio es el emblema de la retratista, de la fotógrafa que capta la realidad a través de una lente. Como A: Heinrich, fue icono de esta ciudad dejando libros de fotos o fotoslibros porque quería ser reconocida como una persona que vivía la realidad y no como un ser con vida que pasó sin dejar su huella. Frente a su cámara pasaron los rostros más notables del país y del mundo, como Julio Cortázar, famosa foto de 1967, a manera de ejemplo. Es un documental que incluye notas suyas, y, en síntesis, un homenaje a una gran artista.

5) LOS TURISTAS, de Gaby Smiths
Son 83 minutos del clásico de terror: amigos que se reúnen en una cabaña en medio de un bosque. Pero con saber argentino. Para fanáticos del gènero.
Ver crítica

6) PROKOPIUK
Ver crìtica

7) LOS AMANTES ASTRONAUTAS
Ver crítica

8) AL IMPENETRABLE
Ver crítica

CRÍTICAS

CIELO ROJO, GIGANTES DE METAL
Dirección de Marcelo Leguiza. Con Noelia Antùnez, Gaby Valenti, Susana Varela, Paula Manzone, Esteban Prol, Victoria Carreras, Susana Varela, Evan Andrew Leed, entre otros. Fotografía de Daniel Ring. Arte de Tania Covelli. Vestuario de Ezequiel Edelman. Música de Oscar Pata. Duración: 72 minutos.
XX – PELÌCULA QUE SE QUEDA POR LA MITAD
Toda propuesta es interesante. Partimos de esa base. La cuestión, como solemos decir, es cómo lo llevamos o a la literatura o a la pantalla grande, o a la chica, o a un pentagrama. El realizador Marcelo Leguiza se encontró con un texto muy rico a partir de una sola protagonista, Bianca ( Noelia Antùnez) no encontrado el camino adecuado para el desarrollo del resto de los personajes. Bianca es coptada por una secta o algo parecido, sufre malos tratos, inyecciones de mezclas extrañas, con las consecuencias psicofísicas consiguientes. Desde mareos, alucinaciones, y un profundo deseo de venganza que, en un caso tan extremo, bien se comprende. Hay un mundo “rojo” pero no queda en claro si es porque le ponen paños rojos a los veladores o porque asì son los ensueños que padece Bianca. De pronto, Bianca sacude fuertemente su cabeza y aparece en un taxi, o en un colectivo. No es muy comprensible todo lo que ocurre salvo el inicio.
Se llega a situaciones límites, bien “gore”pero ni aún así estos “despertadores” logran explicarse en la escena siguiente. Es decir, hay una propuesta de guion con demasiados altibajos que marcan falta de coherencia narrativa. La presencia especial de Esteban Prol y de Victoria Carreras como el padre y la madre respectivamente hubiesen sido muy útiles dentro de otro contexto, o sea, donde la protagonista y el elenco tuviesen una razón de ser más que la de haber sido raptada y drogada. Algo faltó para que cada secuencia tuviese su cierre a fin de ir llegando a un final convincente más que el previsto. No nos convenció.
Elsa Bragato, Actoresonline.com

AL IMPENETRABLE
Dirección de Sonia Bertotti. Guion de Sonia Bertotti y Emiliano Khayat. Con Guadalupe Docampo, Sergio Podeley, Gonzalo Suárez, entre otros. Fotografía de Alejandro Reynoso. Mùsica de Esteban Peòn y Emiliano Khayat. Duraciòn: 90 minutos.
XXX – MISTERIOS DE LA ARGENTNA PROFUNDA
Sonia Bertotti encontró un buen guion para este film que oscila entre lo fantástico y la ciencia ficción: tres jóvenes periodistas son enviados al Impènetrable para visitar a una comunidad Qom y mostrar en què condiciones viven y sus muchas necesidades. Pero algo pasarà porque el frondoso impenetrable no acepta a cualquiera, por lo visto y sufrirán extrañas persecuciones, asì como la comunidad Qom desaparecerà. La realizadora Bertotti va paso a paso: es detallista en la fotografía, muestra con drones la ubicación de esa comunidad, y el movimiento de la gente que, desde tanta altura, parecen hormigas. Y luego va al close up mostrando a las hormigas y su trabajo constante. Una suerte de comparación si bien esa comunidad indígena desaparece y las hormigas, no.
Los tres jóvenes intentarán salir del bosque cuando advierten que la niña indígena que habían conocido no está más y que, de pronto, la comunidad es tan solo un paraje desolado. Hete aquí que, en esta búsqueda de salida, habrá caminos que se bifurcan, equívocos, caídas, lastimaduras severas, y hasta tiros sin explicación. La desesperación invade a los protagonistas y es el motor de las secuencias hasta el final. Hay un mensaje que suele repetirse en el interior del país: “Ustedes que son tan inteligentes", refiriéndose a los porteños enviados, en este caso, a cubrir una denuncia social, y otra frase que indica lo contrario: “Si se fiaron de los indios, mmm”. O sea ni unos ni otros se salvan de la crítica, ni la inteligencia ni la sabiduría popular. Finalmente, se infiere que, cuando lo fantástico entra a tallar, nada se puede hacer. El trabajo narrativo de Bertotti es relevante, mantiene la tensión de principio a fin agregándole riqueza visual con planos zenitales y close up. Es una propuesta diferente dentro del género con elementos absolutamente argentinos: esta vez el bosque es nuestro.
Elsa Bragato, ACtoresonline.com

LOS AMANTES ASTRONAUTAS
Dirección y guion de Marco Berger. Con Lautaro Beltoni, Javier Orán, Mora Arenillas, entre otros. Fotografía de Mariano Da Rosa. Música de Pedro Irusta. Duración: 116 minutos. Coproducción Argentina-España.

XXX – DOS A QUERERSE
Marco Berger organizó un extenso planteo narrativo con los pormenores de una relación entre dos jóvenes, amigos desde chicos que, por una circunstancia exterior, se transforman en amantes. Maxi (Lautaro Beltoni) se peleó con su novia Sabrina (Mora Arenillas) y decide viajar a la costa donde ella está junto a otros amigos. Allí se encuentra con Pedro (el español Javier Orán), amigo de su niñez. A lo largo de las casi dos horas del film Berger logra mantener la atención solamente con los diálogos de estos dos personajes, Maxi y Pedro, en diferentes situaciones: en la playa, de día, de noche, en la camioneta, caminando por el bosque cercano (zonas de Ostende y aledaños). Maxi hace ostentación de su heterosexualidad mientras que Pedro es mesurado, no esconde su bisexualidad aunque se encuentra definido hacia la homosexualidad.
El desarrollo de esta amistad entre dos varones hacia un enamoramiento es paulatino. Berger les da el tiempo necesario a sus dos protagonistas para que jueguen con palabras y toqueteos infantiles. Para que se retracten, para que reconfirmen sus deseos, para que dada uno tome la decisión de tener sexo por voluntad propia.
Lo más flojo de la película está en sus diálogos porque son muy mediocres, muy burdos, por una excesiva explicitud que no mengua nunca. No obstante están actuados con espontaneidad. Berger maneja las situaciones como una comedia de enredos tradicional, que sí, que no, escarceos, pero no va más allá. En esto hay que resaltar las buenas actuaciones de Lautaro Beltoni y de Javier Orán, quienes resultan verosímiles en sus diálogos. Este conjunto de elementos determina que la historia resulte bien planteada.
En verdad, “Los amantes astronautas”, título que hace referencia a un juego de los dos amigos, es para un target determinado de público. El lenguaje tan sin vueltas -aunque las situaciones estén muy bien manejadas- puede herir susceptibilidades.
Elsa Bragato, Actoresonline.com

SARA FACIO – HABER ESTADO AHÌ
Dirección de Cinthia Rajschmir. Guion de Cinthia Rajschmir y Marcela Marcolini. Fotografía de Santiago Mouriño, Fernando Viñuela, Virginia Rojas, Mariana Russo y Sebastián Meléndez. Montaje de Liliana Nadal. Música de Horacio Straiker. Duración: 70 minutos.

XXX –LOS CAMINOS DEL ARTE VISUAL – HOMENAJE A UNA CREADORA

Decir Sara Facio es señalar a la retratista nacional más importante, es recordar los rostros de grandes artistas de los 60 y 70 plasmados en el maravilloso blanco y negro y sus matices. Nos dejó este año pero, por suerte, se tenía este extenso reportaje desde hace un tiempo atrás.
Reeditado para largometraje, Cinthia Rajschmir ingresa en la casa de Sara Facio quien, parsimoniosamente y sin perder una dulce sonrisa, le va mostrando su apabullante archivo fotográfico, ordenado desde sus comienzos, allá por el año 50. Nacida en San Isidro en 1932, hizo estudios recibiéndose con Alicia D’Amico quien la acompañó en gran parte de su carrera. Ambas fundaron diversas entidades para fotógrafos, e incursionaron en todos los diarios más importantes de la época.
El orden cronológico del largometraje se pierde bastante pero es lo que menos importa porque está ella, Sara Facio, frente a cámaras, de frente, de perfil, caminando, de espaldas, contando su vida y su obra. Y cómo le bastaron tres lentes, siempre los mismos, para captar la esencia de los rostros más que los eventos.
Impuso el retrato, el gesto, del famoso y del trabajador. Entre sus trabajos “extra” están las fotografías del funeral del General Perón, donde se preocupó por el hombre y la mujer que hicieron la larga cola de ingreso al Congreso bajo la lluvia dejando de lado a los funcionarios apiñados alrededor del féretro.
El momento más importante de su vida fue conocer a María Elena Walsh en 1975. No se separaron nunca más naciendo entonces una unión artística de carácter único que se fue plasmando en fotografías de Sara y en canciones de María Elena.
Sara Facio le dio a la fotografía el carácter de reportaje, de imágenes concatenadas que van contando historias siendo su quehacer esencialmente artístico más que técnico.
En este trabajo, Cinthia Rajschmir deja el protagónico absoluto a la voz y el rostro de Sara Facio, encargada de conducirnos por los caminos del arte visual bien argentino.
Extenso reportaje que se transforma en sentido homenaje.
Elsa Bragato, Actoresonline.com

PROCOPIUK
Direcciòn de Diego Lumerman, guion de Sofìa Tarruella y Diego Lumerman, edición de Susana Leunda, Con amigos y familiares de Carlos Procopiuk. Duraciòn: 68 minutos.

XXX – EL CINEASTA DE LA PATAGONIA: PROCOPIUK
El director neuquino Diego Lumerman volvió a su tierra luego de terminar la carrera de cine en esta ciudad conmovido por dos películas de 1975 y 1986 realizadas por Carlos Procopiuk, a quien no llegó a conocer dado que falleció a los 74 años en el 2007. Estaba asombrado como joven realizador diplomado por el notable material fílmico de “Proco”, documentales y películas de ficción, basadas en la topografía y en los mitos de la región. Con la colaboración del Ministerio de Cultura de Neuquén, así como del Museo del Cine de CABA pudo recopilar un material precioso y anécdotas unidas al material fílmico del pionero del Sur.
Hace 80 años, Neuquén estaba prácticamente desploblada y, en medio de la precordillera, de la meseta patagónica con plantas achaparradas, “Proco” filmó verdaderos westerns patagónicos. Dan testimonio uno de sus compañeros del viaje cinematográfico, Lorenzo Kelly, y su nieto, por quien sentía tremenda debilidad afectiva.
Este descubrimiento de Lumerman no hace sino confirmar la capacidad intelectual y artística que existe en nuestras provincias, en las que siempre hay autores como Procopiuk en alguna expresión o lírica o musical o pictórica o cinematográfica. Aunque se reconoce que el caso de Carlos Procopiuk es inusual. Con una cámara de VHS, pesada, filmó hasta en un ala delta, a falta de drones!, la superficie en especial del norte de Neuquén. No solo hizo documentales sino películas de ficción durante 50 años. Hay mucho material fílmico de este notable realizador que conforman la esencia de este documental.
Al mismo tiempo, sus realizaciones resultan deslumbrantes porque ponen al descubierto a un gran artista, docente en el Comahue, camarógrafo de varios noticieros zonales, guionista, que se preocupó por dejar testimonio de las creencias desde el pueblo fantasma hasta la naturaleza difícil de su lugar natal.
El valor de Diego Lumerman y de su equipo reside en darle visibilidad a Carlos Procopiuk, recuperando, difundiendo y honrando tanto a su obra como al hombre, notable cineasta patagónico que trabajó con pasión fuera de los circuitos comerciales: no buscò fama personal sino posteridad para su tierra, nuestra Patagonia.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
 

Direcciòn y Guion de Alejandro Agresti. Con Eleonora Wexler, Luir Rubio, Antonio Agresti, Carlos Gorosito y Juan Carlos Juznir. Arte de Ezequiel Endelman y Miranda Pauls. Fotografìa de Marcelo Camarino. Mùsica de Leo Caruso. Duraciòn: 84 minutos.

XXXX – UN MUNDO DE DOS
Encantador encuentro de diálogos cálidos, sinceros, entre un hombre y una mujer es la nueva propuesta de Alejandro Agresti. A la manera de Richard Linklater y su “Antes del anochecer”, o bien la saga de las tres películas. Dos personajes y el corazón sobre las manos, inventándose historias que los alejen de sus propias realidades. Se mienten a sabiendas contándose historias fantásticas, él, un novedoso y tierno Luis Rubio en el papel de “Yuri”, y ella, Eleonora Wexler, con nombre de actriz de las de antes fingiendo no ser Irene, tal como se llama.
Es tan solo la salida de una función de cine cine y la cita de los jueves en el bar Brighton para charlar sobre sus mundos propios, evitando que la “realidad” se cuele para que no les arruine la emoción de esos encuentros.
Es algo novedoso para nuestro cine, lo más cercano es “Elsa y Fred” o bien “Conversaciones con mamá”: son encuentros que dispone la vida y que, en algunos casos, terminan en pareja, pero aquí se trata de una amistad profunda en la que cualquier desencuentro dolerà. Los dos son divorciados, ella tiene un hijo adolescente encarnado por Antonio Agresti, y hay un par de mozos cómplices de esa amistad en la que se habla de paseos en el cosmos, o de estudiar Letras en la Sorbone, o bien de Africa y los safaris dominicales.
Agresti logra una historia de amor por sobre los convencionalismos, y, como avezado conocedor de las novelas, sabe què resortes tocar para que los diálogos sean simples, verosímiles y emotivos. En esto colabora la banda sonora de Leo Caruso, cuya partitura termina en una bella melodía ejecutada por un conjunto de cuerdas.
Sin lugar a dudas, las actuaciones de Wexler y Rubio son excepcionales: a través de sus miradas transmiten pura emoción, con lágrimas que llegan hasta ahì porque no caen.
Es una película que demuestra que el “otro” es tan importante para sobrevivir como la propia fuerza espiritual. Film no convencional, pleno de ternura, infrecuente en nuestro cine. Para aplaudir mientras a nosotros sì se nos caen algunas lágrimas.
 

1.- SUPER MAN, LA HISTORIA DE CHRISTOPHER REEVE, de Ian Bonhote y Peter Ettedgui. Con Christopher Reeve, Robin Williams, Dana Reeve, entre otros.
El caso de “Superman” y su primera maravillosa película interpretada por Christopher Reeve conmovió al mundo: en 1995, cayó de un caballo y tuvo una severa lesión medular que lo dejó cuadripléjico. Junto a su esposa creò una fundación para los estudios y ayuda económica de estos casos. La película resulta altamente conmovdora, se ve la lucha de un hombre por sobrevivir a su infortunio, por ser mejor padre y esposo que antes, a pesar de sus reales imposibilidades. Es una elegìa, un poema recordando a un actor que embelleció las pantallas del mundo.
2.- VENOM EL ÙLTIMO BAILE, dirección y guion de Kelly Marcel, basado en la historia de Tom Hardy Y Kelly Marcel. Con Tom Hardy, Juno Temple, entre otros. Superhéroes en fuga, acción dentro del mundo fantástico de la mitología hollywoodense. Para sus fans.
3.- BERNARDETTE LA MUJER DEL PRESIDENTE. De Lea Domenach
Ver crítica
4.-LA LEYENDA DEL DRAGÒN, de Salvador Simò Busom y Jianping Li Es una animación coproducida por España y China, y ubica la acción den los tiempos de la China Imperial: hay dragones, hechiceros malvados, y una intensa búsqueda de la inmortalidad. Para todos los gustos!
5.- LO QUE QUISIMOS SER
Ver crítica
6.- TEARS FOR FEARS LIVE (A TIPPINIG POINT FILM), documental de un concierto del afamado conjunto dirigido por Vincent Adam Paul. Responde a la Parte 2 del concierto del conjunto que realizò en el 2023. Es el primer lanzamiento de la banda en 17 años, ofrece temas tradicionales y los nuevos de su CD Tje To``omg ^pomt. Se rodò en el FirstBank Amphitheater de Graystone Quarry, cerca de Mashville, en Franklin, Tennessee, resultando un escenario extraordinario que, según los expertos, quedarà en la memoria de quienes vayan al cine a disfrutarlo.

CRÌTICAS

EL HOMBRE QUE AMABA LOS PLATOS VOLADORES – plataforma NETFLIX
De Diego Lerman. Guion de Diego Lerman de Adriàn Biniez. Con Leonardo Sbaraglia, Sergio Penna, Osmar Nuñez, Renata Lerman, entre otros. Fotografìa de Woiciech Staron, Mùsica de Josè Villalobos. Duraciòn: 107 minutos. Plataforma Netflix.

XXX – DEMASIADA FICCIÒN Y POCA BIOPIC
Es muy rara esta biopic de Josè de Zer, sobre todo para quienes lo conocimos y seguíamos, inevitablemente, sus incursiones en los noticieros de Canal 9, donde fue una de sus estrellas. En esta versión de Diego Lerman, está encarnado por Leonardo Sbaraglia que, si bien es un gran actor, no logra dar con la personalidad frente a cámaras de De Zer. Ciertamente, el fuerte de este periodista fueron los “platos voladores” y sus viajes a Córdoba donde, se dice, se asienta una ciudad intratierra y se avistan diariamente. Especialmente en la década del 80 se dio este furor de avistajes. Y las redacciones de revistas como FLASH y Semanario estaban al dìa con Ufòlogos y estudiosos del fenómeno.
Josè de Zer no solamente fue tras los OVNI sino también tras casas embrujadas y personajes con extraños poderes. Existen aun estos videos en diferentes sitios de internet. Por lo que hemos vivido, por lo que sabemos de Josè de Zer con quien hemos mantenido charlas, esta versión no da con su personalidad. El paso de periodista de espectáculo a periodista televisivo con especialidad en OVNI se debió a su temperamento y su desfachatez para generar informes que eran shows. Y marcaban rating.
Tampoco convence el inicio del film con el musical de una revista porteña donde supuestamente De Zer tenía a su novia o admirada belleza femenina. Extensa por demás, recuerda las películas argentinas menos cinematográficas y más televisivas de los años 70.
La película circula, asì que poco se puede agregar, es un fenómeno artístico concreto. A pesar de esto, nos animamos a decir que De Zer debió ser retratado en la sección noticias de un canal de televisión y a partir de allí marcar su derrotero “ovnílogo” o la visita a casas con fantasmas. Esta película deja a Josè de Zer como un “chanta” del periodismo cuando, en verdad, fue un periodista del show que supo sacar de noticias poco fiables informes estupendos. No nos convenciò, ni siquiera la caracterización de Leonardo Sbaraglia, aunque nunca está en duda su capacidad actoral. A Lerman y compañía se les fue la mano con la ficción.
Elsa Bragato, Actoresonine.com

CUELLOS BLANCOS, EL CASO VICENTIN
Documental de Andrés Cedròn. Fotografía de Lucas Timerman, Duración: 100 minutos.

XXX – FRONDOSO DOCUMENTO SOBRE LA CORRUPCIÒN
Del “caso Vicentín” venimos sabiendo desde hace un par de años. También nos hemos “desayunado” hace relativamente poco que el río Paraná casi nada nos pertenece, que la mayoría de sus puertos se han privatizado y que llegan naves de todo el mundo supuestamente para cargar soja y cereales en general pero, curiosamente, se han descubierto cargamentos de cocaína en puertos Europeos provenientes de algunos de estos puertos privados.
Da la impresión de que vivimos en una continua pesadilla donde la corrupción lleva la voz cantante. En este documental, hay sobradas entrevistas y argumentos que demuestran nuestra afirmación, o sea cómo, de una sencillez inicial agropecuaria, unos pocos se fueron adueñando de campos siendo hoy una de las sojeras más importantes. Y aparecen nombres, y Vicentìn no es ajeno a nada. Buena documentación, buenas entrevistas, dan cuenta de que Vicentìn, por ejemplo, había realizado una venta por 122 millones de dólares y la “escondió” al Estado y que, si nos quedaba alguna duda, el 40 por ciento de los créditos que recibió los logró durante el gobierno de Mauricio Macri. Esto determinó, entre otros temas, que 14 directivos hayan quedado complicados por la presunta estafa al fisco de 130 millones.
Números van y vienen por sobre nuestras narices. Lo realmente dramático es la persecución a sus delegados, la tortura a otros que poco tenían que ver más que con un reclamo salarial, y la presión de no hablar, de callar, de seguir adelante para, cuanto menos, conservar la vida. Hay otrosel rìo Paraná, donde “cae” tanta producción,: es una vìa de navegación de 1635 km que une a 7 provincias y que sirve para despachar el 80 por ciento de la producción agropecuaria. La privatización comenzó en la era de Menem, en 1995, y nada se hizo para renacionalizar el tramo navegable en ningún gobierno posterior.
Es un documental atrapante por la información que brinda, indicando un intenso trabajo de preproducción, ubicación de testigos, grabación de testimonios, para demostrar una realidad que es una pesadilla. Agil narrativa con variedad de voces y un tema en común: qué estamos dispuestos a hacer como Nación.
Elsa Bragato, Actoresonline.com

BERNARDETTE LA ESPOSA DEL PRESIDENTE
Dirección y Guion de Léa Domenach, coguionista: Clemence Dargent. Fotografía de Elin Kirschfink, Montaje de Christel Dewynter, Música de Anne Sophie Versnaeyen, Duración: 92 minutos.

XXX – CATHERINE DENEUVE EN NOTABLE ACTUACIÒN
Bernardette Therese Marie Chodron de Courcel de Chirac, hoy de lùcidos 91 años, fue la esposa del controvertido presidente francés Jacques Chirac, hombre misógino y corrupto que fue condenado a dos años de prisión sin cumplimiento por coimas así como el mundo conoció sus “affaireS” con actrices de cine y teatro. Su mujer, Bernardette, madre de sus dos hijas Y política también, fue la gran desconsiderada por su propio marido y su entorno, en el que estaba su hija menor. Su hija mayor, anoréxica, vivía fuera de la ciudad.
El desprecio de Chirac por su propia esposa a la que desvinculaba de todos los actos oficiales llevó a Bernardette a rebelarse sin perder el formalismo y tomar un camino de evolución y popularidad en solitario. De esa manera logró más aceptación de la gente que su marido, ayudándolo a que no perdiera la segunda presidencia, a la que finalmente tuvo que dejar por salud. Jaques Chirac gobernó Francia entre 1995 y 2007, falleciendo en el 2019.
La gran Catherine Deneuve, considerada el icono francés del cine, encarna a Bernardette componiendo un rol que oscila entre la adustez de una mujer despreciada y la timidez exacerbada por la situación social que vivía. Para más claridad, el bullying de su marido, de su hija menor, del entorno político de Chirac. Para las guionistas, una de ellas la joven directora Léo Domenach, la psicología de Bernardette respondìa a las de sus abuelas, es decir, una mentalidad anticuada, sujeta a las decisiones del hombre de la casa. Sin embargo, ya cursando la tercera década del siglo XXI no puede decirse que haya cambiado mucho la situación femenina en la realidad. Hay leyes, hay empoderamiento, todo muy favorable, pero en los hechos la mayoría sigue siendo Bernardette.
El clima logrado por Domenach es clásico, una biopic de puro estilo francés, detallista, elegante, pausada, permitiendo que sus personajes se desarrollen en los aspectos pautados en el guion: Chirac como misògeno, corrupto e infiel, y Bernardette como mujer culta, de buenos modales y respetuosa de la autoridad a la que enfrenta con sutil picardía. Sin dejar de lado los cargos políticos menores que ocupó a lo largo de su vida incluso durante la presidencia de su marido.
Es una pintura de época muy lograda tanto de la Francia de esos años como de un lugar poco conocido por el común de la gente: el Eliseo, residencia del presidente de Francia. Varios logros tiene entonces esta película: desde la elección del elenco hasta el clima de creciente interés por la actividad de Bernardette. Y aquí, una vez más, se destaca el histrionismo de la Deneuve, que con solo un mohín marca un sentimiento profundo. Leo Domenach desnuda la cara oculta de la política de su país.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
 

---

1.- ROBOT SALVAJE
La crítica extranjera considera a esta animación como tierna y conmovedora, que tiene un gran mensaje comunitario. Es una nueva adaptación de del best Sellers de Peter Brown, llamado Robot Salvaje La aventura épica del robot Rozzum unidad 7134, llamado Roz de manera abreviada. Se atribuye su atractivo al elenco de primerísimas voces que supieron darle un clima especialmente cálido a los personajes

2.- EL ASESINO DEL JUEGO DE CITAS, de Anna Kendrick, actriz devenida en directora que acaba de presentar este tremendo thriller, según la crítica extranjera, en el festival de cine de Toronto. Lleva a la pantalla un tremendo caso policial real: el de una joven que se topa con un amable fotógrafo, Alcalá, desconociendo su pasado como asesino serial. Fue condenado a muerte y aùn hoy se desconoce la cantidad de asesinatos que cometió.
3.- MY HERO ACADEMIA: AHORA ES TU TURNO, de Kenji Nagasaki.
Animación con personajes y acción trepidante. Se basa en el manga creado por Kohei Hurikoshi y ahora llevado al cine. El bien y el mal se enfrentan, su persona es Deku y, como toda animación japonesa, tiene fanáticos. La crítica internacional la calificó prácticamente como extraordinaria.
4.- EL BELLO VERANO
Ver crítica
5.- BAJO NARANJA, de Michael Taylor Jackson
Sobre un mochilero californiano que viene a nuestro país a rendir homenaje a quien fuese al suyo en 1818.
6.- AZÙCAR Y ESTRELLAS, de Sebastiàn Tulard.
Ver crìtica
7.- TRANSMITZVAH, de Daniel Burman.
Esta película llega pronto a la plataforma Netflix, oportunidad en la que la veremos y comentaremos en esta sección.

CRÌTICAS

EL BELLO VERANO

Dirección y guion de Laura Luchetti. Con Yle Vianello, Deva Cassel, Nicolás Maupas, Alessandro Piavani, Adriàn Dewitte, Cosima Centurioni, Gabriele G. Gasco, Anna Bellato, Andrea Bosca. Fotografìa de Diego Romero Suàarez, Ediciòn de Simona Paggi, Mùsica de Francesco Cerasi, Vestuario de Marìa Cristia La Parola, Duración 111 minutos.

XXXX – DELICADO PRECIOSISMO NARRATIVO
Sensual, fresca, atrapante, es este bello film de Laura Luchetti basado en la vida de una chica campesina, Ginia, encarnada por Yle Vianello, que va a la ciudad con su hermano Severino (Nicolas Maupas), a trabajar. Ambos están en la edad de enamorarse, de experimentar nuevas sensaciones. Serà Ginia quien más se aventure a través de su amistad con la insinuante y bella Amelia (Deva Cassel), que posa desnuda para los pintores bohemios de ese año, 1938, en una Turín que aun desconoce la furia de la guerra que se avecina.
La realizadora Laura Luchetti trabaja esta historia como una égloga literaria, es decir, traspasa al cine ese ambiente bucólico con dejos pastoriles en medio del deseo ardiente de amor de sus protagonistas. Lo prohibido, lo real, lo que se puede, lo que no conviene, cobran vida en el sugestivo rostro de Yle Vianello, de tez muy blanca, rasgos rotundos y ojos muy celestes. Es en verdad un hallazgo por su interpretación y por su belleza inusual.
Morosa, delicada, la narración nos lleva de la mano por este despertar al mundo de Ginia de la mano de Amelia, quien pronto pagará su desparpajo. Hay secuencias de gran poesía y ternura como el abrazo desesperado de Ginia a su hermano Severino, o el caminar de Ginia por un sendero nevado, tratando de hacer pie en la conmoción interior que vive a igual que los demás personajes.
En verdad, este tipo de historias parecieran responder a otros tiempos. Sin embargo, el melodrama basado en la búsqueda personal de sus dos protagonistas tiene un profundo sentido atemporal. Se dio en aquella Turìn como se puede dar hoy, habrá otros contextos, pero los sentimientos son siempre los mismos, los temores, las ansias, el erotismo, la diversión.
Deliciosa propuesta, diferente, con personajes e historias verosímiles aunque se den en el siglo pasado: el despertar del amor es siempre el mismo, la adultez, la maduración por la experiencia, no difieren, en todo caso tienen otro ropaje. Insinuante con un delicado preciosismo narrativo.
Elsa Bragato, Actoresonline.com

ENVIDIOSAS
SERIE DE NETFLIX, 12 CAPÌTULOS DE 30 MINUTOS.
Producciòn de Adriàn Suar. Top Five de la plataforma
XX – INSOPORTABLE NERVIOSISMO INTERPRETATIVO
Que se vea en todos los continentes de habla hispana como “novedad”, y que sea traducida a otros idiomas, no le quita a Envidiosa la calificación de insoportable que le estamos dando.
Debe ser la primera vez que Griselda Siciliani, en el rol de Vicky, una mujer divorciada que no logra armar otra pareja, está realmente insufrible “escupiendo” letra, sin componer un personaje desde adentro, es decir, desde lo estrictamente actoral. Es más, se nos ocurre verla como la sosìas de Adriàn Suar quien tiene esa característica de hablar sin parar a lo Woody Allen, salvando las insondables diferencias entre ambos.
Los doce capítulos se pasan rápido, se pueden maratonear. De esta manera vemos a Vicky hablar sin parar con su psicòloga, mientras se enamora de Nicolás (Benjamìn Vicuña), y tiene un vecino cariñoso, Matìas (Esteban Lamothe), que la contiene y la soporta. La incontinencia verbal de Vicky es continua, no tiene momentos de tranquilidad, por lo que este nerviosismo interpretativo, impuesto por el guion, se traslada al espectador.
No hay profundidad. Son personajes que se hilvanan por lo más elemental: porque son vecinos, son ex parejas, pero sin ir más allá, es decir, sin que exista ternura, meditación, arrepentimiento. Solo hablar sin parar de parte de Vicky, o sea de Griselda Siciliani, en el peor papel de su vida.
El único personaje que trasluce ternura, algo más que parlamentos agobiantes, es Matìas, o sea el de Esteban Lamothe. Entendemos la necesidad del público de ver ficción con nuestros artistas. Pero no por esta íntima convicción de defender nuestros valores artísticos hay que tolerar cualquier cosa y callar. Esta miniserie es de las peores que hemos visto, aunque ocupe los primeros lugares aquí y en el mundo. Es tan solo curiosidad que se verá defraudada al final.
Elsa Bragato, Actoresonline.com

AZÙCAR Y ESTRELLAS
De Sebastièn Tulard. Basado en el libro de Yazid Ichemrahen titulado “Un reve d’enfant etoilè”. Con Riadh Belaiche, Loubna Abidar, Marwan Amesker, Dicosh, Phenix Brossard, Pascal Legitimus, entre otros. Cinematografìa de Pierre Dejon. Mùsica de Brice Davoli. Ediciòn de Marielle Babinet. Duraciòn: 110 minutos.
XXXX – LA SUPERACIÒN DEL ABISMO ESPIRITUAL
Un film sobre pasteleros brillantes no es novedad entre las historias llevadas al cine. En el caso de “Azùcar y estrellas”, traducción literal del título en inglés, este film francés hace la diferencia. Transforma la historia de un chef ganador del campeonato mundial en postres sobre hielo en el 2014 en un ejemplo de superación, de búsqueda de la excelencia, de objetivos artísticos por sobre la realidad misma.
Estamos ante la biopic del afamado Yazid Ichemrahen, de poco más de 30 años, marroquí que logró superar los trastornos psicológicos de su madre, el paso por un reformatorio, y aceptar la calidez del hogar de adopción para cumplir con sus sueños de ser un gran chef, el mejor de todos. El mismo protagonista real colaboró en la realización del guion componiendo su rol el reconocido influencer Riadh Belaiche, quien se dejó conducir por el realizador Sebastián Tulard en la difícil composición del personaje.
Amante de la cocina desde niño, en especial de la pastelería, Izad se enfrenta a un destino muy poco propicio para cumplir con su sueño, pero lo logra a fuerza de un gran sentido de salvataje espiritual, dando manotazos sobre el borde de abismos para no caer, para subsistir y ser el mejor.
Hay varios factores que hacen diferente a esta propuesta: en principio, tiene un 80 por ciento de realidad, el resto está formado por los elementos de ficción que ayudaron a elaborar el guion. Otro aspecto interesante es la fruición visual del director Tulard para mostrar las creaciones gastronómicas. Y un elemento de cohesión entre el pasado y presente de Yazid es su encuentro con el orden, con el sistema de trabajo, con el respeto a las jerarquías que, vale la pena recordar, fueron creadas por Napoleón Bonaparte, llamando “brigadas” a los equipos de cocineros destinados a salados o dulces (esquema rìgido que se repite en profesiones como el periodismo gráfico).
Hay consustanciación entre el guion y el protagonista, el primero no tiene saltos entre flashback y el presente, mientras que el segundo logra una performance propia de un actor de fuste. Por lo tanto, hay una excelente dirección actoral aunada a la ductilidad de Riadh Belaiche, gran revelación. Una muy buena puesta, una meticulosa dirección de arte, un guion sólido, son los ingredientes de esta película que emociona; nos cuenta la historia de un treinteañero que es real y que engalana la cocina de los mejores restoranes del mundo.
Elsa Bragato, Actoresonline.com

Para este jueves solo se anuncia el film “Joker, locura de dos”, secuela de “Joker” que se estrenó en el 2019 y afianzò la enorme carrera de Joaquin Phoenix como uno de los actores más notables de su generación. En esta segunda parte está acompañado por Lady Gaga (ha demostrado ser una muy buena actriz además de excelente cantante), Brendan Glesson, entre otros.

Esta sección no tuvo acceso al link para visionar pero sì hemos investigado lo suficiente como traerle a nuestro público la opinión de grandes críticos del mundo.

Recordamos que la primera película terminó con un caos social que a muchos, y nos incluimos, nos dio la impresión de la verdadera locura de Arthur Fleck (Phoenix): el bullying, el desprecio social en todos los aspectos de su vida, el sentimiento de redimirse aunque significara matar.

El film comienza, en esta secuela, con Arthur internado, y con situaciones movilizadoras como conocer el amor y también la música, incluso la que él siente en su alma y que nunca expresó.
Para Luis Martínez, de Diario El Mundo, reconocido crítico español, se trata de una película “deslumbrante e irregular a la vez, desquiciada pero que, en definitiva, resulta admirable”, producción dirigida por Todd Phillips, quien fue también coguionista. Aclaramos que el personaje no es propio sino que pertenece a DC Cómics.

En las críticas de varios periodistas internacionales hay una coincidencia: irregularidad pero también creatividad superlativa tanto de la historia como del personaje aunque se desdibuje el inicial, el que conocimos en “Joker”. Es como darle la oportunidad de redimirse de su dolor vengativa en esta secuela. Veamos otras opiniones:

Tomasso Koch, de Diario El País, aplaude “la libertad creativa” pero reconoce que se aparte del “Jocker” inicial, observa un “puzzle” y también secuencias del desenlace que van directo al corazón y la mente de cada espectador.

Manu Yàñez, de Fotogramas, opina que es un “deslumbrante musical” con un comienzo fatalista, aunque en ningún momento le falta una profunda humanidad (característica de todo personaje que realice Joaquìn Phoenix).

Son muy pocos los críticos de fuste que no ven en esta secuela una creación aceptable o potente. Nosotros, que no la vimos, pensamos en que a Jocker se le está danto la oportunidad de ser mejor, de que la vida le acerque oportunidades benignas, y que del odio y la venganza se puede salir aún en medio de un estado mental desordenado.

Por sobre cualquier consideración, tengamos en cuenta que está Joaquín Phoenix quien es un actor muy especial, de una sensibilidad poco habitual, más cercano a la locura histriónica de Marlon Brando que a la del potente Robert De Niro. Por sobre su capacidad para “hacerse” de los personajes, de trabajarlos, de componerlos, hay un don para sentir la vida muy personal, traspasa la pantalla. Por lo que sus personajes jamás pasan desapercibidos. Nosotros, sin haber visto el film, le damos toda la credibilidad al actor. Recordemos su espectacular actuación en “Her”, un film poco recordado que estuvo nominado a los Oscar. Asombroso siempre Phoenix.

Para finalizar, ofrecemos los datos de “Joker”, traducido como “Guasòn” o “Comodìn”. Fue creado por Bill Finger, Bob Kane y Jerry Robinson, y apareció en el primer folletín de Batman en 1940, que publicó DC Cómics.

Tuvo a notables en su creación, pero destacamos como el más famoso con Jack Nicholson, y la performance del malogrado Heath Ledger, el actor australiano fallecido en el 2008, que fue premiado postmortem. Ese “Joker” es la base del rol que compone Joaquìn Phoenix, dándole una impronta única.

-

ATAHUALPA YUPANQUI UN TRASHUMANTE
Documental

De Federico Randazzo Abad. Con Antonieta P. Nenett Fitzpatrick, Isabel Aretz, Sergio Pujol, Roberto Chavero, Schubert Flores Vasella, Fabiola Ar., Patrick Clonrozier, Jean Marc Gardeux, Jiro Hamada, Jacqueline Rossi, T. Takado, entre otros. Equipos técnicos de Argentina, Francia y Japón. Diversos Archivos del artista y Archivo General de la Naciòn. Duraciòn: 95 minutos.



XXXX – DE COPLAS, EXILIOS Y AMORES

Más que interesante documental, rico en investigación periodística, señala con bastante certeza los diferentes aspectos de la vida del gran Atahualpa Yupanqui, nacido en Campo de la Cruz, de la provincia de Buenos Aires en el seno del hogar formado por un mestizo de Santiago del Estero y una madre de origen vasco. Diferentes voces van sumando aportes muy enriquecedores sobre la vida de don Ata, un hombre de carácter muy fuerte, tal como lo conocimos, que anduvo a caballo cerca de 18 años recorriendo el país. Tenía la necesidad atávica de conocer su tierra, sus decires, sus cantares. En el Noroeste encontró una gran fuente de inspiración, zambas de origen europeo como bagualas bien nuestras. Tuvo una vida intensa en los personal y profesional, se casó con su prima María Alicia Martínez, con quien tuvo tres hijos, abandonándola por la francesa Nenette, con quien vivió 48 años tanto aquí como en Francia. El hijo de ambos, Roberto, aparece en este documental relatando la vida en común en la casa de Cerro Colorado, donde hoy descansan sus cenizas a los pies de un roble francés.
Sobre don Ata, nombre que adoptó luego de conocer su etimología ligada a la tierra misma, van hablando personalidades del país, de Francia, de Japón. Recorrió el mundo con su guitarra y asombró hasta al eximio Narciso Yepes: tenía el secreto de un vibrato especial, aprendido de las primeras clases que tomó de violín siendo chico.

Lo recordamos muy severo, actitud que solo se ve en una secuencia de este documental, y siempre pidiendo “permiso para encontrarme con los duendes antes del show”. De gran sentido social, se afilió al partido comunista, pero se desafilió en 1953 luego de padecer cárcel, como Osvaldo Pugliese, Francisco Alvarenga, y tantos otros músicos, persecuciones y prohibición de actuar durante 7 años. Este período es el que recuerda su hijo Roberto como el más familiar por el disfrute del padre en casa.
El material propuesto por el director Francisco Randazzo Abad tiene un altísimo valor biográfico: para cerrar tan rica historia, aparece su asistente y última compañera, la francesa Jacqueline Rossi, encargada de cumplir su último pedido que fue descansar para siempre en la casa de Cerro Colorado.

Atrapante la figura y los dichos de Yupanqui, surgen frases que golpean el sentimiento como las palabras de un viejo gaucho que el artista recuerda: “Decía que el hombre es tierra que camina”, o trastocar con picardìa al filósofo Descartes diciendo “Pienso, luego exilio” y algo que llega rápidamente al sentimiento: la captación del alma de la tierra profunda. Esta aptitud fue la razón de su éxito internacional: no era necesario que un erudito japonés lo entendiera, como bien lo dice, sino que lo sintiera.

Como hubiese soñado Don Ata, se unen sus sueños con los datos de su vida que nunca ocultó: se dedicó a estudiar la rítmica y el sonido de la gente simple conocida a la vera de los caminos que recorrió. En estos aspectos reside el secreto de su enorme obra etnológica que Randazzo Abad capta con claridad, dándole al valioso material el sentido que su protagonista le otorgó, el de la comprensión de las culturas ancestrales. Excelente realización enriquecida con filmaciones de época, presentaciones de Yupanqui, reportajes más actuales, y testimonios de nuestro país como de Francia y Japòn. Se destaca la hilación argumental tanto como el trabajo de pre y postproducción. De visión obligatoria.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

-

ROMINA SMILE

De Pablo Stigliani. Con Martina Gusmán, Vladimir Durán, Miranda Castiglione, Román Almarez, Rocío Pardo, Catalina Motto, Javier Niklison y María Ursi, entre otros. Fotografía de Luis Sens y Federico Martini, Sonido de Juan José Suarez, Nicolás Giusti y Flavio Nogueira, Arte de Miranda Pauls, Duraciòn:103 minutos.



XXX – UNA VERDAD SOCIAL SIN VUELTAS

“Romina Smile” es el tercer largometraje de Pablo Stigliani que muestra interesante sentido estético en varias secuencias siguiendo a su protagonista, Martina Gusmán en el papel de “Romina”, la chica de la sonrisa. Con pantallazos va mostrando de manera lineal la lucha por tener trabajo en un país cada vez más difícil. “Romina” tiene un hijo gay, una pareja ocasional, un padre que esporádicamente hace las veces de abuelo cariñoso, y un grupo de promotoras amigas guiadas por quien maneja el negocio. La edad va siendo un impedimento para sonreírle a los empresarios y el camino se va cerrando hacia lo menos deseado por las mujeres.

Stigliani muestra una verdad social que golpea brutalmente a diario. Los conflictos aparecen quebrando la monotonía de la historia, centrada en el sugestivo rostro de Martina Gusmán. Y se suceden los lugares comunes como los desayunos, los almuerzos, la charla más que elemental entre madre e hijo, y secuencias un tanto innecesarias como la del abuelo cantando a viva voz. Estas situaciones rompen, en verdad, el lento trajinar argumental pero no aportan elementos que puedan sumarse a la historia personal de “Romina”; en todo caso, se tornan en elementos ocasionales cuya inclusión es absolutamente optativa. La base del film está en Martina Gusmán: es por obra y gracia de esta bella y gran actriz que la propuesta de Stigliani cobra matices, saliendo de ese clima monótono que mantiene de principio a fin. Resulta poco verosímil que la desesperación por tener un peso para subsistir y ayudar a un hijo en un tramo difícil de su vida se manifieste de manera apática. De allí que, si bien hay hallazgos visuales, hace falta un soporte corpóreo o carnadura a la ficción. La entrada y salida eventual de personajes que repentinamente desaparecen tampoco favorece al film que tiene todos los condimentos para ser una denuncia social sin caer en la demagogia.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

-

ALGÚN DÌA, EN ALGÚN LUGAR

Dirección y guion de Ricardo Preve. Documental, Fotografía de Leonardo Val, Música de Andrés Rubinsztein, Sonido de Sebastián Lipszyc, Arte de Graciela Fraguglia, Edición de Gustavo Despouy, Duraciòn: 97 minutos.



XXX – SER EN OTRO PAÌS

Ser migrante no es cuestión fácil mientras se están viviendo grandes migraciones en todo el mundo. El origen está en la violencia y en la falta de trabajo en los propios países y continentes, sea América Latina, el Caribe o África. Ricardo Preve, reconocido primero como ingeniero agrónomo hasta que en el 2001 se inició en el cine, cuenta la historia de otros migrantes-inmigrantes a los Estados Unidos partiendo de su propia experiencia. Llegó en 1976 al país del Norte sin saber el idioma, sin visa, sin ningún papel que le permitiera trabajar. Y sin embargo la pudo hacer. Reconoce que en aquellas décadas el clima social hacia el migrante era diferente, amable. Pero que en 20 años cambió rotundamente. Hay discriminación, hay insultos al inmigrante latino, en cada uno de ellos se ve a un eventual asesino, o violador o saqueador. Pero, tal como van mostrando las entrevistas a cámara en blanco y negro, ninguno de ellos, mujeres y hombres, llegó porque quiso sino escapando de grandes males sociales, hasta de la muerte.

De esta manera, se suceden las entrevistas a Nelson, Rocío, Jennifer, Alba, María, Silvestre, Jonathan, Giovanni, entre otros, que cuentan el sufrimiento de dejar sus costumbres y sus raíces y la voluntad de trabajar en otro país haciendo lo que los nativos no hacen.

Si bien Preve trabaja con ejemplos del estado de Virginia, hemos visto lo mismo en California como en la Florida. Hay elementos comunes a todos: la carencia del idioma del país en el que desean vivir. Pero antes se daba una mano al que no sabìa, hoy en dìa los políticos estadounidenses levantan muros, deportan como Barak Obama, o pergeñan reglamentaciones en contra de los migrantes como Clinton y Bush. En verdad, los Estados Unidos se hicieron con los inmigrantes. La población autóctona prácticamente no existió. Los irlandeses con la hambruna, como el director de cine John Huston retrató siendo irlandés, hasta hoy, donde columnas multitudinarias de migrantes centroamericanos se animan a caminar miles de kilómetros para ingresar como puedan a los Estados Unidos, cruzando el famoso Río Bravo o cayendo bajo las balas de los guardianes de la frontera de Texas.

Las historias se repiten y las preguntas rondan los mismos aspectos: la gran falacia de los políticos latinoamericanos, africanos, orientales, basada en el no cumplimiento de promesas electorales y en el provecho económico propio.

El blanco y negro que utiliza Ricardo Preve da relieve a las historias de los entrevistados: muchas conmueven por la sencillez con que se presentan, por la humildad de sus respuestas, por las necesidades que manifiestan. En este sentido Preve no hizo variedad de tomas, Le dio primacía a la palabra antes que al alarde técnico, potenciando el material con el uso del blanco y negro. Solo en el final el color aparece en los rostros y vestimentas de quienes se prestaron a dar su testimonio. Resulta un documental vibrante y conmovedor que visibiliza el trabajo del migrante: nadie es instrumento para que otro se enriquezca, todos somos seres humanos construyendo la vida codo a codo. Documental de mensaje muy claro, que humaniza situaciones y personas conocidas a diario por todos.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

-

A TRAVÉS DE LA TIERRA

(Este documental estuvo previsto la semana pasada. Se reanunciò su estreno para hoy, por lo que repetimos la crítica)

De Malena Bystrowicz y Loreley Unamuno. Con Elìa Blanca y Patzi (Marquez Tarifa y Roque). Sonido de Martìn Méndez, Imagen de Luján Montes, Mùsica de Santiago Pedroncini. Duraciòn: 78 minutos.



XXX – DEL SUFRIMIENTO SOCIAL DEL MUNDO

El documental de Bystrowicz y Unamuno presenta el caso de Balcan y Patzi que dejan su Bolivia natal, ésa de las casitas de adobe, la pobreza honrosa, y los ritos ancestrales, por la vida en nuestra ciudad. Allá no encuentran trabajo, aquí sufrirán desde la esclavitud en las casas clandestinas de costura de ropa hasta represión. Pero no abandonan su cultura, el respeto por los ancestros, el recuerdo cotidiano por quienes ya no están, y tienen como sentido social que lo que se tiene es para todos. En Bolivia, fueron las plantaciones. Aquì, en los barrios carenciados, es el plato de comida en amplios comedores. Al mismo tiempo la vida en la ciudad las acerca a los grupos de lucha de las mujeres trans, de distintos colectivos sociales en los que se van enrolando para ayudar, para combatir por la justicia.

Por sobre las anécdotas, el recuerdo de ser “una mujer con falda en Bolivia” y usar “pantalones en Buenos Aires”, y algunas tradiciones que van acomodando a la nueva vida, está el problema del migrante. Con buena mano, los realizadores trazan el circuito del viaje, la llegada, la aceptación de otras condiciones de vida, hasta la rebelión. Pero, por sobre estos hechos que le dan fondo colorido a la historia, está el quiebre interior del que deja su tierra para buscar un mejor destino en otra extraña. Esto produce una escisión interna que no se supera. Se está allá pero se vive acá. Y solo se logra superar si se alcanza una simbiosis entre la vida de allá con la vida de acá.

Mientras en nuestro país tenemos la migración latinoamericana, en Europa pueblos enteros de Africa y Medio Oriente inundan sus países escapando a las guerras y la hambruna. Son sociedades sometidas al escarnio, a la tortura, a la falta de trabajo, y de medios dignos de vida. Es la sociedad mundial que sufre ante unos pocos que explotan. Porque, en verdad, por sobre la historia de estas dos protagonistas, sobrevuela el dolor social del mundo. Bystrowicz y Unamuno toman a dos personas integrantes de los éxodos actuales, que se transforman en la síntesis, de la lucha social mundial por dignidad. Sin aspavientos, esta historia es un ejemplo a tener en cuenta sintièndola en profundidad.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

---

CRÍTICAS

UN SILENCIO

Dirección de Joachim Lafosse. Guion de Lafosse junto a Chloé Duponchelle, Paul Ismael y Thomas van Zuilen. Con Daiel Auteuil, Emmanuelle Devos, Matthieu Galoux, Jeanne Cherhal, Louise Chevillotte. Fotografía de Jean Francois Hensgens. Montaje de Damien Keyeux. Música de Olafur Arnalds. Duración: 99 mintuos. Coproducción Bélgica, Francia, Luxemburgo.

XXXX – NOTABLE HISTORIA SOBRE LA CORROSIÒN DE LA PERVERSIÓN

Un guion a partir de su propia conciencia social es èste del director Joaquin Lafosse que llega al cine como “Un silencio”. Con coguionistas de fuste, logra un film muy inquietante que golpea las fibras íntimas de cada uno de nosotros sobre la vulnerabilidad de nuestros hijos, la ausencia del Estado en momentos claves, la escasa información sexual que se ofrece a los chicos, cobrando valor aquello que nos decían las bisabuelas: “Nunca hables con un extraño, vení para casa rápido”. Tan así es la vida en pleno siglo XXI que se muestra con una colorida libertad: pero los hechos demuestran día a día que hay que echar mano de la sabiduría de nuestros antepasados para sobrevivir.

En este caso, un notable abogado, Francois Schaar, encarnado por el prestigioso Daniel Auteuil, defiende a criaturas abusadas, es famoso, las cámaras lo esperan a la salida de su hogar. Todo pareciera ir sobre rieles. Hasta que es el mismo director Lafosse (basándose en el caso de las niñas Julie Lejeune y Melissa Russo, asesinadas por el pedófilo abogado que las defendía, Marc Dutroux) quien echa a rodar la máquina narrativa. Conceptualmente tan profunda que hiere.

Lafosse no trabaja con los hechos, no cae en la curiosidad morbosa, sino que muestra el desmembramiento de una familia una vez que los hijos de Shaaer deciden ir a la justicia aunque hayan pasado más de 25 años. Sabían que su padre era pedófilo, lo padecieron, mientras la madre callaba aún en los casos más aberrantes. El clima es tenso siempre, se suman hechos, se descubren otros, y la tragedia se avecina, es inexorable. Ya no se soporta la vejación ni la mentira. En estos planos narrativos sólidos, Lafosse apoya su sutil trabajo con los sentimientos, es decir, con la vergüenza que los hijos sienten, con la culpa de la esposa, con el rostro de un hombre perverso que mantiene su máscara de impunidad aún ante la justicia.

En rigor de verdad, es una película de sensibilidades expuestas en gestos, en palabras, en miradas, sin exabruptos. El trabajo es actoral. El ritmo de la cámara de Lafosse es continuo, genera el clima de lo inexorable. Maestría para narrar una historia actual que nos duele diariamente.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

-

EL AROMA DEL PASTO RECIÈN CORTADO

De Celina Murga. Con producción de Martìn Scorsese. Con Marina Tavira y Joaquìn Furriel, entre otros.
El film fue estrenado en el exterior. Aquí se dieron algunas privadas y no se facilitó link alguno por temor a la piratería por lo que esta sección no tiene comentario propio. En cambio, hemos recogido el de colegas extranjeros.

En líneas generales, se considera un buen producto pero “evasivo, frìo”, como indica Owen Gleiberman de Variety, mientras que Mae Abdulbaki, de Screen Rant, rescata la solidez de las interpretaciones y la profundidad alcanzada, notando todos ellos y otros especialistas más cierta rigidez narrativa.

-

TRAS LAS HUELLAS DE MENGELE

Dirección de Tomás de Leone y Alejandro Venturini. Guion de Tomás de Leone, Alejandro Venturini, Diego Fernández Romeral. Fotografía de Nicolás Pittaluga. Edición de Alejandro Venturini. Sonido de Francisco Seoane. Música de Manuel Pinto.Duraciòn: 72 minutos. Productora Maia Menta.



XXXX - CAMINO AL INFRAMUNDO

Hablar del Holocausto nazi, remontarnos a la Segunda Guerra Mundial, a Hitler y su SS, su servicio especial de inteligencia, es ir hacia el inframundo, hacia el horror, hacia lo inimaginable y monstruoso. En este documental, de Leone y Venturini hay un ingreso a ese camino tortuoso y lúgubre buscando la certeza de la muerte de Josep Mengele, mano derecha de Hitler en el exterminio de judíos: se calcula que unos 400 mil cayeron bajo sus garras. No fueron las únicas: también se dedicó a la investigación sin anestesia en seres humanos, especialmente criaturas y enanos.

Como tantos otros nazis, escapó hacia América Latina. En nuestro país lo tuvimos durante un tiempo, modosito, levantando una casita, así como tuvimos a otros nazis tales como Adolf Eichmann (su captura en 1960 por fuerzas israelíes produjeron conmoción política. Y en los 90, se descubrió a Erich Priebke en Bariloche, horca y cadena perpetua respectivamente).

Mengele vivió en el centro de Buenos Aires un tiempo, se indica un petit hotel ubicado en Junìn casi Rivadavia como su “casa”. Pero pronto optò por Paraguay y de allí al Brasil, donde eligió el pueblo de Embu. Muriò por un ACV nadando en las playas brasileñas y fue enterrado en esa ciudad. El 6 de junio de 1984 se ubicó su tumba, su hijo Rolf dejó su ADN, y se comprobó que eran los restos del asesino nazi.

A lo largo del documental, se muestra paso a paso la reconstrucción de su esqueleto, la rigurosa determinación de que el cráneo encontrado le pertenecía, la reconstrucción de su rostro con métodos de aquellos años cuando la tecnología actual lo haría en segundos. Todo indicó que Josep Mengele había muerto (aún en los 80 se dudaba de su fallecimiento). Hay testimonios valiosos de verdaderos genios de la ciencia internacional que colaboraron con grupos forenses argentinos. Y este intercambio permitió que se formaran técnicos argentinos de primer nivel, quienes ayudaron a identificar los restos del asesinato de 30 mil personas por parte de la última dictadura cívico militar del país.

Secuencias de intensidad dramática son aquéllas donde una sobreviviente de Auschwitz recuerda el rostro de aquel “Angel de la muerte”, de cómo logró escapar mientras su hermana y su madre fueron a morir a las cámaras de gas de Mengele. Aún hoy, lleva grabada la última mirada de su madre.

Es un documental muy claro, explicativo, que logra transmitir, a pesar de que se vean reconstrucciones de esqueletos o bien exhumaciones de restos, el dolor por el horror sufrido por millones de personas, hechos aberrantes que en nuestro país se reprodujeron entre 1976 y 1982. En lo formal, es un film ágil que, al ser tan didáctico, resulta muy interesante si bien se ingresa al inframundo, el mundo del horror. Es de visión obligatoria, informa y enseña el valor del “Nunca más”.

Elsa Bragato. ACtoresonline.com

-

LOS TONOS MAYORES

Dirección y guion de Ingrid Pokropek. Con Sofía Clausen, Pablo Seijo, Lina Ziccarello, Santiago Ferreira, Mercedes Halfon, Walter Jacob. Fotografía de Ana Roy, Arte de Santino Mondini, Montaje de Miguel De Zuvirìa, Música de Gabriel Chwojnik. Producción de Gong Cine, 36 Caballos y Jaibo Films. Duración: 100 minutos.



XXXX – LA MÙSICA COMO APRENDIZAJE DE LA REALIDAD

El primer largometraje de Ingrid Pokropek enlaza la música, sus tonos, con la realidad y la fantasía: Ana, de 14 años, vive con su padre viudo, un artista plástico de “novias de vez en cuando”, y tiene un metal ortopédico en su brazo izquierdo a raíz de un accidente. De pronto se da cuenta de que los latidos de su corazón no tienen nada que ver con las pulsaciones que le envía ese metal. Y junto a una amiga empiezan a descubrir notas. ¿Quièn envía, son mensajes, es un extraño còdigo? Lo que resulta a todas luces como un misterioso laberinto musical irá traduciéndose en el camino hacia la adultez de la protagonista. Hay música, hay tonos mayores, precisos, hay una canción en las notas que surgen de su brazo y que aplicadamente Ana y su amiga ubican en un pentagrama. De pronto, surge una lejana reminiscencia a Encuentro Cercano del Tercer Tipo de Spielberg que se agradece porque tiene razón de ser en esta trama.

Bien podemos afirmar que entre lo místico y lo pragmático se mueve esta narración de Pokropek para llevar a Ana a la comprensión de hechos dolorosos de la vida tanto como a otros muy bellos. Es un camino que recorrerán juntos protagonista y espectador.

La propuesta es, en sí, un obra muy diferente para el cine nacional. Pokropek propone tratar poéticamente los temas cotidianos en toda su gama. Y no hay duda alguna en esto porque su cámara apunta al expresivo rostro de Sofía Clausen, haciéndolo lucir como retratos en precisos close up, tanto como la acompaña en algún atardecer agónico. Es eso que decía Serrat: de vez en cuando la vida toma con nosotros un café hasta que, parafraseando al notable cantautor catalán, la realidad se impone y uno se da cuenta que se quedó sin el pirulìn. De esto trata esta película que honra al cine joven nacional. Pokropek tiene audacia creativa y calidad intelectual.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

---

---

---

---

2.- TIPOS DE GENTILEZA, de Yorgos Lanthimos

El gran realizador se atreve a un trìptico: un hombre atrapado con ganas de vivir su propia vida, la reaparición de la esposa de otro personaje pero cambiada, y finalmente una mujer que busca un líder espiritual. Siendo quien es Lanthimos, se espera una excelente factura, a través de planos especiales y muy propios asì como una narración atrapante. Los tres temas generan thrillers muy interesantes.

3) LA VIUDA DE CLICQUOT, de Thomas Napper

Esta película nos permite asistir a la fundación de la empresa del champan Veuve Clicquot, ocurrido a fines del siglo XVII. Tiene varios logros en diferentes secuencias, la visibilidad de los derechos de la mujer por ejemplo, pero puede resultar un tanto lenta en algunos momentos, especialmente cuando el romance inicial aparenta carecer de la pasión que la imagen requiere. No obstante, es un film más a elegir.

4.- EL CUERVO, de Rupert Sanders

Terror futurista, asesinatos, y romances frustrados.
Para fans del terror fuerte y del gore.

REESTRENO: RELATOS SALVAJES, de Damiàn Szifròn

RECOMENDACIÒN
PRIVIER

En Youtube, gratis y para todo público, está la miniserie argentina Privier, de seis capítulos de casi una hora de duración cada uno, con elenco nacional.
Tiene excelentes comentarios de los usuarios así que es una oportunidad para ver ficción nacional.

CRÌTICAS

EL PRIMER DÌA DE MI VIDA

Dirección y guion de Paolo Genovese, coguionistas: Paolo Costella, Rolando Ravello, Isabella Aguilar, basada en la novela homónima de Genoseve. Con Toni Servillo, Margherita Buy, Valerio Mastandrea, Sara Serraiocco, Gabriele Cristini, Lidia Vitale, entre otros. Fotografìa de Fabrizio Lucci, Montaje de Consuelo Catucci, Arte de Gemma Mascagni, Música de Maurizio Filardo, Duración: 121 minutos.



XXXX – CUATRO PERSONAJES EN BUSCA DE LA VIDA

Algunas veces en nuestras vidas aparece el diablo, otras un ángel. Cómo distinguirlos? Seguramente por las intenciones que tienen y cómo la transmiten, idea de Paolo Genovese para el libro de título homónimo al de esta película que exalta la vida a partir de quienes la desecharon frente a una prueba. Genovese desecha al que vende el alma al diablo y se queda con el Angel humano (El hombre, que encarna Tony Servillo) que hará de las suyas pero para bien.

Es una historia magnífica, mezcla de drama y humor, un melodrama sin excesos, que pone frente al espectador a cuatro personajes de distintas edades en situaciones límites: una mujer que perdió a su hija (Margherita Buy en el rol de Arianna), un jovencito cuyo padre lo obliga a ser el “gordo” influencer ( el niño Gabriele Cristini), una joven gimnasta frustrada (Sara Serraiocco como Emilia), y un hombre que cree terminada su pareja (Valerio Mastandrea como Napoleone). La muerte es el paso inmediato.

De pronto, “alguien” los recoge en su auto y les da una semana para que cada uno vea si acaso no era posible revertir ese paso final, eutanásico, para resolver el problema que enfrentaban. Son siete días, como la creación de los textos bíblicos. Hay tiempo para estar los cuatro juntos y para volver al punto de partida, mientras permanecen “suspendidos” en un limbo.

A través de una narración coherente, con frases simples como “hay personas que son importantes aunque no nos hagan felices”, diálogos consabidos pero, en verdad, extraídos de la experiencia común a Genovese y a todos nosotros, cada uno de ellos tiene su momento de reflexión. Ese compartir momentos de dolor, de rabia, de impotencia, nos une a estos cuatro seres conflictuados rescatados en el camino hacia la eternidad.

La narración que propone Genovese es la de su novela: no hay efectos especiales, es la continuidad que ofrece una narración llevada al cine donde la imaginación hace el resto. Los personajes se mueven en ambientes comunes, bares, restoranes, caminan por calles repletas de gente, pero no son visibles, o bien son “ignorables” por la decisión tomada.

La iluminación es un factor importante en el film de Genovese pues pocas veces se permite la brillantez sino que opta por cierto viraje al sepia y noches lluviosas y frías. Mientras que, a estos climas logrados, se le suman los planos largos, medios y zenitales. Hay que destacar el guion que, al basarse en una novela, es sólido, y al elenco. impecable en sus roles. El drama que escribió y llevó al cine el realizador Genoseve es el cotidiano, el de los obstáculos del día a día, dando paso a la reflexión que es lo que suele faltar en la vida diaria. En este caso, se da por sentado que siempre habrá alguien, conocido o no, que tenderá su mano. Es una película que emociona y, muy lejos del sermón, nos hace pensar en la sonrisa que siempre se le puede sacar a la vida.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

-

ORÈGANO, LA FAMILIA FRACASO

De Ramsés Tuzzio. Con Selva Jiménez, Juan Garrido, Marianela Bucafusco, Josè Ponce. Arte y fotografía de Guillermo Iñíguez, Mùsica de Federico Janda y Lucas Scaioli. Duraciòn: 74 minutos.



XXX – UN FRACASO QUE ASUSTA

La propuesta del realizador Ramsés Tuzzio, que cuenta con el guiòn del autor de la obra teatral o sea Sergio Lobo, resulta asfixiante. En principio, estamos ante teatro filmado, o teatro llevado a la pantalla grande. Cuatro personas, padre y madre con sus dos hijos adultos, se debaten en miserables cuestiones a la hora del almuerzo.

La miseria que rodea a la familia es una escenografía teatral, aunque responda a ciertas tristes realidades, Hileras de sifones, cajas amontonadas, luces navideñas por todas partes, así como una austeridad que es miseria galopante: el padre, en silla de ruedas por apatía, la madre enfurecida con la vida y con sus hijos a los que apunta varias veces con un revolver, el hijo que se quiere ir con su pareja, y la hija que no deja de reprocharles por qué tiene la misma edad que su padre. Es decir, sobrevuelan inconductas tales como la infidelidad y la violencia verbal y gestual, así como la incomprensión hacia otras elecciones sexuales y, en general, una sensación de mugre física y espiritual muy desagradable. Si la frustración en la vida se ve y se huele, es ésta.

Es, en verdad, un relato que se condice con un escenario y no con un set de cine. Sin embargo, las situaciones son tan bizarras que provocan la atención aun a disgusto por lo visual, plagada de una estética kitsch agobiante. Sin embargo, se la reconoce como una propuesta diferente, que tiene buena utilización de la cámara a través de diferentes planos. Aún así, está bastante alejada del concepto habitual de cinematografía.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

-

LA MALDICIÒN DE CENICIENTA

De Louise Warren con guion de Harrison Boxley, basado en el personaje de Charles Perrault. Con Kelly Rian Sanson, Chrissie Wunna, Danielle Scott, entre otros. Núsica de James Cox. Duraciòn: 82 minutos.



XXX – CENICIENTA, DE MUCAMA A VENGADORA SANGRIENTA

Tomar los llamados “clásicos infantiles” y darles otros matices es una tentación para los realizadores de cine, teatro y televisión. Louise Warren no escapó a esta fascinación por un personaje infantil como el de Cenicienta, nacido o en China o en el Egipto de los faraones. Claro que con otras características diferentes a las que le diera Perrault y luego Walt Disney. En aquellos tiempos, estos cuentos eran relatos para adultos no carentes de situaciones que los niños no deberían saber a tan tierna edad. La británica Warren tomó el cuento de Perrault, su visión de la Cenicienta criada como sirvienta por la madrastra y dos hermanastras envidiosas y la reversionó otorgándole al personaje una dosis máxima de resentimiento y maldad por todas las humillaciones sufridas.

En este filme, Cenicienta comienza siendo esa frágil y bella muchacha maltratada que conocimos en el cuento tradicional, escribe un diario y conserva un viejo libro que bien se podría calificar de “brujerías”. El asesinato del ama de llaves en el que ha sido implicada y el príncipe del condado que ha dejado de mirarla transformarán a la sirvienta de la casa en una mujer temible. Si bien se resiste a que esos pensamientos de extrema maldad la posean, llega una situación que soñó como “maravillosa” que se transforma en una humillación social y Cenicienta se dejará entonces tomar por los monstruos de su conciencia.

Aquí hay que vérselas con un verdadero baño de sangre. No queda resquicio de la pantalla sin estar salpicado por esa tinta roja que corre por nuestras venas. Las burlas, las humillaciones, los maltratos y abusos que padeció serán ahora armas que irán destruyendo todo a su paso, objetos y personas.
Las primeras secuencias del film de Warren antes de los títulos ya indican que no será una narración de fácil tránsito y que, en más de una oportunidad, se necesitará respirar hondo para continuar con el visionado. Hay tanto dolor transformado en saña que requiere de una gran comprensión de la conciencia humana para sobrellevarla.

Es que la británica Warren no se ahorró ni un céntimo de maldad: hay de todo, desde sablazos hasta cuchillazos, degüellos varios, latigazos, y todo tipo de tortura que justifican la ferocidad de esta Cenicienta que se hartó del bullying.

A Louise Warren se la conoce por la dirección de Harry Potter y las Reliquias de la muerte, y tiene en su haber una serie de interesantes títulos de índole terrorífica. Por lo que no parece que transformar a Cenicienta en una vengadora femenina, empoderándola con brujerías y malas artes, sea algo de difícil concepción y concreción para ella.

Sin lugar a dudas, es una película para entendidos en la materia y para aquéllos que pueden definirse como “espíritus fuertes”.

Elsa Bragato, Actoresonline.com
 

---

Elsa Bragato, Actoresonline.com

-

CRÒNICAS DE UNA SANTA ERRANTE

Dirección y guion de Tomás Gómez Bustillo. Con Mónica Villa, Horacio Marassi, Nahiel Correa D, entre otros. Mùsica de Felipe Delsart. Cinematografìa de Pablo Lozano. Duraciòn: 86 minutos.



XXXX – MÁGICA PROPUESTA SOBRE LA FE

La propuesta de Tomás Gómez Bustillo trabaja en el plano de lo real para pasar al realismo mágico sin perder verosimilitud a través del personaje de Mònica Villa que encarna a Rita López, mujer humilde de un pueblo bonaerense, que descubre la falta de una imagen en la iglesia y, por casualidad, encuentra otra en los sótanos. Mientras reza junto a las vecinas, urde una trama: restaurarla cumpliendo un acto de fe que, a lo mejor, le asegura algún beneficio celestial.

Pero, en principio, su actitud es la de reubicar esa imagen que responde a Santa Rita. Junto a su marido, Norberto (Horacio Marassi), la trasladan y la “acicalan”. Rita está imbuida de una enorme alegría, de un secreto en su alma que la lleva a vivir situaciones extremas, incluyendo un encuentro inesperado con el diablo en una secuencia sin desperdicio y la caída al río de su viejo Reanult 12 cargado de flores blancas para ornamentar la iglesia. Suceden hechos insólitos en Rita, en la imagen de Santa Rita, en la vida del pueblo, que el espectador deberá descubrir. Y es el momento en que el realizador Gómez Bustillo toma elementos del realismo mágico dándole un halo especial a su propuesta.

La fotografía abunda en planos medios y largos, se sostiene la continuidad narrativa con secuencias entre cotidianas, simpáticas e insólitas, y los personajes están tratados con sencillez, haciéndose queribles. Mònica Villa da muestras de su excelencia interpretativa a través de una gestualidad muy personal y expresiva que termina por redondear una historia diferente, linda, que aporta al cine nacional un género poco transitado. Se nota un trabajo de preproducción muy intenso para dar imagen a una idea de guion que está a medio camino entre lo terrenal y lo celestial. En ese “medio camino”, Gómez Bustillo demuestra tener una mano segura que lo mantiene en una linealidad narrativa aunque existan hechos mágicos e incluso del expresionismo. La sencillez del relato tocando temas no cotidianos es la regla de oro de esta película que ha merecido estupendas críticas en el exterior.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

-

LAGUNAS

Dirección y guion de Federico Cardone. Fotografía de Mariano Donoso. Música de Andrés Ceccarelli. Con Liliana Bodoc, Rubén Díaz, Roger Aguilera, Sandra Amaya, entre otros. Duración: 75 minutos.



XXX – JUNTO A LOS DUEÑOS DE LAS LAGUNAS DE GUANACACHE

La provincia de Mendoza cuenta con las llamadas “lagunas de Guanacache” en el límite con la provincia de San Juan, hoy desérticas, que esconden los tesoros de una civilización: la de los Huarpes. Los descendientes de esta población indígena sobreviven en la zona y, de acuerdo a datos recogidos en el lugar, también en el sur de la provincia. En tiempos antiguos, fueron los dueños de la zona. Se debe agregar que Mendoza fue desértica en muchas zonas y que gracias al sistema de riego que impusieron los Incas, quienes llegaron hasta allí, hoy es un vergel. Aclarado esto, este documental del mendocino Cardone nos lleva hasta ese lugar de la mano de la escritora Liliana Bodoc quien falleció antes de que terminara el rodaje. Escritora, inquieta, quiso conocer las historias que cuentan sus habitantes por lo que se le dio lugar en una escuela. Los chicos aceptaron a la invitada y sumaron sus conocimientos legendarios (los huarpes atados de pies y manos a un poste, hasta hacerlos morir de sed, por ejemplo).

Si bien la presencia de Bodoc se transforma en esencial en muchos pasajes de la narración, el director Cardone también suma sus propios recuerdos y el de sus hijos en esos parajes. Por momentos, juega con la iluminación, profundizando algunos aspectos fantasmagóricos de la sabiduría popular e incluye inserts antiguos. En definitiva todo conforma su propio imaginario unido al colectivo, p sea a esas historias que solo conocen los lugareños.

Las secuencias que resultaron más interesantes fueron las del recorrido de las lagunas, acompañados por huarpes, quienes fueron narrando algunas historias tales como “eso que parecía” una pluma y que volaba pero nunca quedó en claro que era, o saber que debajo de las lagunas que hoy se caminan - antes se navegaban- está toda la civilización huarpe, cuya fauna ya no existe. Otra curiosidad es el cementerio que está un poco más lejos y tiene dos partes: la de los huarpes bautizados y la de los “moros”, los no bendecidos. Con solo hundir un poco una pala, saltan los huesos de los finados.

Como técnica narrativa encontramos un ida y vuelta excesivo que interrumpe el hilo argumental dado que repentinamente estamos en la historia de los descendientes de los huarpes para pasar a las charlas de la escritora Bodoc con los chicos o bien ver las filmaciones de Cardone y sus hijos. Entonces nos quedamos a mitad de camino de la propuesta: no conocemos cómo viven los huarpes hoy, ni en qué lugar específicamente, tampoco la inmensidad de la laguna seca, ni la familia de quienes son los guías. Es que al buscar universos paralelos como ser la propia historia o incluir a una intelectual del calibre de la literatra Bodoc, la propuesta diluye su tema central.

Rescatamos lo fundamental; darle visibilidad a los huarpes, una población autòctona de la que poco y nada se habla, los verdaderos dueños de esa zona que hoy llamamos Cuyo.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

-

INSEPARABLES

Animación de Jeremie Degruson. Guion basado en la historia de Joel Cohen y Alec Sokolow. Coproducción Francia, España, Bélgica. Duración: 85 minutos.



XXX – ¡A NO FIARSE DE LOS TÌTERES!

Jeremie Degruson y sus guionistas, a la manera del gran dramaturgo italiano Luigi Pirandello, le dan vida a marionetas que, luego de cada función, comentan lo aburridas que están por hacer siempre lo mismo. El bufón, de mostachos grises, flaco y alto, es el primero en decir que se va en busca de aventuras. Y que se siente “Don Quijote”. Aquí aparecen escenas que el gran Cervantes escribió para su noble personaje: los molinos de vientos y un patito atascado, o el “brioso corcel” que no es más que un matungo que da paseos por el Central Park. La “Dulcinea” de la literatura española es la pareja teatral del bufón que también deberá ser salvada junto con el resto del elenco de títeres. Su compañero de ruta será el perro Doggy Dog que es descartado. Para el bufón transformado en un loco Don Quijote, su imaginación es el motor de sus aventuras mientras que para el perro, su mayor ambición es hacer música y encontrar una familia. Finalmente, conforman la dupla Don Quijote y Sancho Panza, teniendo aventuras increíbles en el Central Park de Nueva York.

Es una animación plena de colorido y acción con dibujos tradicionales, buena música y efectos sonoros, y un excelente mensaje: la familia como centro de amor y crecimiento y la imaginación para generar proyectos. Simpática, bien hecha, un poco más de una hora a todo ritmo.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

-

CABEZA PARLANTE BOCA MUDA

Documental de Matilde Mechanie. Fotografía de Matías Iaccarino en Berlín y Mariano Maximovicz en Buenos Aires. Duración: 62 minutos.



XXX – UN PASADO QUE ES PRESENTE

Matilde Mechanie emigró a Alemania en 1990, justo cuando el país iniciaba una etapa muy especial con el entonces presidente Carlos Saúl Menem, una etapa que ella define como de “desigualdad” en este documental. Y regresó en el 2003, también un año de conmoción nacional, con la eventual reelección de Menem frente al candidato Nèstor Kirchner, quien terminó ganando la presidencia por abandono del primero.

En esa larga década se sucedieron hechos aquí y en el mundo que generaron situaciones caóticas, dando la impresión de que nada cambió, de que de tanto en tanto hay necesidad de implosionar algún segmento social aquí y en el mundo. A propósito de esto, Mechanie toma los casos de los atentados a la Embajada de Israel y a la Amia así como el ataque a las Torres Gemelas el 11 de setiembre del 2001 en New York, como el nacimiento de una nueva líder en Alemania, la premier Angela Merker. Idas y venidas de un mundo que hoy no está mejor que entonces, que es el pasado que nunca se fue como presente.

El documental tiene buen material de investigación desde antes de la época del doctor Alfonsín, paladín de nuestra democracia en 1983, hasta el devenir de los días de hoy. Y además una fotografía bien trabajada porque es clara y nítida, como si el paso del tiempo no hubiese hecho mella en los archivos. Es, en todo caso, un buen repaso de historia nacional contemporánea mechada con eventos internacionales desde la mirada de alguien que necesitó emigrar y que, en su regreso, enfrenta los mismos hechos sociales. Se puede pensar que acaso su memoria sufre una distorsión o sencillamente, a pesar de la tecnología de avanzada, las situaciones siguen siendo las mismas. Es ese pasado que se hace presente, hoy con un millón y medio de chicos argentinos que se van a la cama sin cenar. Uno se pregunta cuál es la sensación en palabras de Matilde Michanie de regresar a un pasado que debiera tener evolución siendo, entonces, un futuro con esperanzas. Difícil respuesta: en todo caso, es una cuestión de sobrevivir donde se esté.

Elsa Bragato, Actoresonline.com
 

---

---

1.- MAXXXINE, de Ti West.
Es un film de terror sobre la sobrevivencia en Los Ángeles para llegar a ser una estrella de Hollywood. La protagonista ha sobrevivido a los sangrientos incidentes de X, se llama Maxime, y sigue su derrotero entre secuencias calmas y otras de máximo “gore”.

2.- TUESDAY, EL ÙLTIMO ABRAZO. De Daina Oniunas´Pusic
Llueven los elogios sobre la directora Pusic por el tratamiento narrativo dado a esta historia donde una madre y su hija se enfrentan a la muerte, pero de una manera poco habitual. Por sobre la historia en sì, rigurosa, está la sensibilidad que maneja Pusic para retratar a estos personajes envueltos en el miedo y la lucha por sobrevivir.

3.- LA INMENSIDAD, de Emanuele Crialese.
Hay crítica

4.- FUMAR PROVOCA TOS, de Quentin Dupieux.
Lo absurdo y lo patético se dan la mano en este film de corte fantástico y comedia a la vez. Entre al emperador del mal, una tortuga demoníaca y la Tabac Force, surgen secuencias que provocan risa o estupor. Depende del espectador y sus gustos.

5.- HAROLD Y SU CRAYON MÀGICO (Harold and the Purple Crayon), animación de Carlos Saldanha.
La magia de un lápiz especial que crea maravillas. Para todos los públicos.

6.-EL ESCUERZO, Dirección y Guion: Augusto Sinay,

La gacetilla ubica la historia en nuestro en el siglo XIX. En un territorio serrano devastado por la guerra, un joven gaucho mata a un escuerzo. Cuando su madre vaticina que el sapo resucitará para vengarse, Venancio emprende un profundo viaje entre cuatreros, curas, chamanas y desertores, para salvarse de la maldición.

--

CRÍTICAS

LA INMENSIDAD

Dirección de Emanuele Crialese, guion de Emanuele Crialese, Francesca Manieri, Vittorio Moroni. Fotografía de Gergely Poharnok. Montaje de Clelio Benevento. Con Penélope Cruz, Vincenzo Amato, Filippo Pucillo, Aurora Quattrocchi, Luciana Giuliana, María Goretti, Penélope Nieto Conti, India Santella, entre otros. Duración: 04 minutos. Coproducción Italia y Francia.



XXXX – UNA MESA FAMILIAR DE COMIDA AGRIA

El director Emanuele Crialese confesó que tardó años en filmar su “Inmensidad”, una suerte de síntesis de recuerdos de infancia, tristezas superadas, resiliencias inevitables. Y lo logró en éste, su quinto largometraje.

“La inmensidad” nos lleva a los años 70, al hogar de Clara (una insuperable Penélope Cruz), Felice (Vincenzo Amato) y sus tres hijos, dos niñas y un varón. La situación conyugal es dramática, Clara sufre el avasallamiento y falta de respeto de su marido en forma constante. Su hija mayor, Adriana o Adri o “Andrea” (en italiano es nombre de varón, significa Andrés, proveniente del griego Andrós) es quien más hace frente a la situación de sus padres por una cuestión de edad. El del medio, el rubio “Patrizio” demuestra su perplejidad con pequeños hechos, mientras que la más chiquita hace de las suyas a la hora del almuerzo, enfureciendo a su padre que poco tiene de paternal. La infidelidad es otro motivo de profundo drama en esta pareja que tendrá consecuencias inimaginables para Clara.

Con planos cortos, muchos close up, y una cámara apretada sobre los protagonistas, Crialese va describiendo la dolorosa cotidianeidad, sombría por momentos, insoportable otros, recayendo sobre Clara la culpa de todos los males. Además de mostrar la respuesta de los hijos, convidados de piedra a esta mesa de platos agrios, desde la mayor que quiere ser varón hasta la pequeña que hace dibujos en el aire con un pedazo de carne. De a poco, manteniendo el hilo narrativo, el director pone sobre el tapete la desintegración interior de cada miembro de familia ante la desesperación por no sufrir más el inconcebible desamor del padre. Pero en esta desesperación no hay gritos, no hay desmanes, sino esa pasiva y triste mirada que tienen los niños cuando ven que sus padres no se soportan más.

Penélope Cruz es, desde hace tiempo, la nueva Sofía Loren del mundo del cine. Desde aquella inolvidable “Volver” de Pedro Almodóvar hasta en esta “La inmensidad”, la actriz española no ha hecho más que crecer en ductilidad y sensibilidad. Su rostro es la imagen perfecta de la sumisión y de la frustración de “Clara”. “La inmensidad” de Crialese está sin duda en la figura femenina de su protagonista, en esa mujer que tolera desprecios y engaños pero no abandona a sus hijos, y enfrenta con valentía un destino que no acepta.

Tremendo retrato de una familia que se autodestruye bajo el mando de un hombre impiadoso. Emanuele Crialese logró plasmar a esa familia tipo que conoció sumida en la desintegración con profundidad narrativa y la sensibilidad de Penélope Cruz, uniéndosele la carismática y verosímil actuación de la joven Luana Giuliana. “La inmensidad” deja sin palabras, duele su realidad.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

-

SALVAJES

Dirección y guion de Rodrigo Guerrero. Con Luis Gneco, Beatriz Spelzini, Alan Taty Fernández, Edgardo Moreira, entre otros. Fotografía de Ezequiel Salinas. Música de Juan Ignacio Bouscayrol. Duración: 90 minutos.



XXXX – DRAMÁTICO POLICIAL QUE UNE LO SOCIAL CON LO EMOCIONAL

Pocas veces el cine nacional nos regala un policial hecho y derecho como éste, Salvajes, de Rodrigo Guerrero. Recordamos de manera especial Un oso rojo de Israel Adrián Caetano del 2002, que nos impactó de la misma manera. Uno busca razones para la destreza cinematográfica y las encuentra en la creatividad y en la narración concisa, estudiada, detallista, aquello que tal como se pensó fue llevado a la pantalla.

En “Salvajes” (título que no nos convenció) un matrimonio mayor, de muy buen pasar económico, que vive en una mansión en alguna localidad vecina a la Capital federal, es asaltado por tres jóvenes que buscan dinero. Algún golpe demás y lo habitual: la mujer, Sonia (Beatriz Spelzini) es obligada a permanecer boca abajo además de ser apuntada por el más joven mientras su marido, Arturo (Luis Gnecco), soporta la peor parte al ser arrastrado por los cuartos, generándose un clima de tensión que no se detendrá hasta el final. Y es la característica esencial de “Salvajes”.

En cuanto se descuidan, Arturo logra tomar su revólver y sale al inmenso parque de la casa. Algo pasa, pero nos enteramos después, cuando su mujer descubre al más joven de los delincuentes encerrado en el sótano.

A esta intensísima historia (no se pueden dar detalles) el director da paso a secuencias de dramática psicopatía: el matrimonio descubre, cada uno a su tiempo, que ese chico que llora, patea, que pide volver con su madre, se parece al hijo que perdieron. No obstante, en medio de esta situación, cuyo desenlace se desconoce, Guerrero se las ingenia para rodar secuencias de gran refinamiento: a la hora de la cena o en algunos momentos de soledad de Arturo se escucha una canción clásica en la voz de una mezzosoprano por lo que, entre el piano y la cantante de fuerte temperamento, se agrega una capa más de sordidez y de tensión.

El comienzo de la película marca la parábola, común en el cine o en los textos periodísticos: es el final pero da inicio a un policial en el que valen tres personajes y la cámara de Guerrero. Y también la banda sonora que se entromete en distintos momentos a través de ruidos o sonidos apagados como si chocaran cables de alta tensión a manera de convidada de piedra que, a su manera, va agregando otra buena cuota de inquietud. Es decir todos los elementos técnicos y actorales se suman para conformar una historia tremenda, más que de salvajes, de enfermos de dolor y soledad que encuentran en un hecho delicuencial la forma de expresar el agónico dolor que padecen como padres.

Y aquí gana el policial de Guerrero: supo generar una hora y media de suspenso hasta hacerlo insoportable a través de las carencias emocionales de dos adultos porque, de detenerse en el asalto en sì, no hubiese superado la convención del gènero.

Es de lo mejor que hemos visto en el género, de gran intensidad dramática y actuaciones contundentes tanto de Spelzini y Gnecco como del joven Fernández, conmovedor y patético a la vez. La fotografía y la posproducción colaboraron en hacer de “Salvajes” un policial de colección.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

-

BAJO EL SOL DEL ROCANROL

Documental de Mónica Simoncini y Omar Neri. Fotografía de Sebastián Mariño, Arte de Ana Audivert, Música de Rubén de León y Jorge Senno. Con la participación de Jorge Pitocchi, Marta Kelly, Pipo Lernoud, Alfredo Rosso, Claudio Kleiman, entre otros. Duración: 110 minutos.



XXX- TRIBUJO A LA RESISTENCIA DE LOS SUEÑOS DE UN GRAN CREADOR GRÀFICO

En verdad, los documentalistas nacionales tienen una gran creatividad y, además de informar, regalan productos visualmente bellos e instructivos, con investigación profunda. Es el caso de “Bajo el sol del rocanrol” que rescata la figura del periodista Jorge Pistocchi, fallecido en el 2015, fundador de varias revistas de la llamada “contracultura”, desde su intervención iniciática en “Pelo” hasta sus productos Mordisco, Expreso Imaginario, Zaff y Pan Caliente.

Más allá de sus creaciones gráficas, está el camino que señaló y marcò: el del arte como liberación, una línea de acción que incluía la ecología y la ayuda al pròjimo que se forjò a finales de los 60 y que tuvo en el Rock and Roll nacional la voz ideal para decir verdades y contar sueños a realizar. Nada era imposible para Pistocchi, y eso lo llevò a generar festivales, a colaborar en la recuperación de una fábrica textil en los 90 y a mantener un programa radial en La Boca hasta el final para que los sueños no se olvidaran, tuviesen alguien que “los” hablara y les diera cabida.

El film cuenta con la muy interesante entrevista que se le realizò en su casa, de fondo amplio y cargado de plantas, desprolijo y cálido a la vez, hasta la presencia ante cámaras de quienes colaboraron y tuvieron de su parte un impulso estético para seguir viviendo. Por aquello tan socrático de que la ética es estética a la vez.

Estas entrevistas son a cámara pero son también diferentes porque se realizan con fondos lisos, puros y con una iluminación cenital y lateral al mismo tiempo: hay pureza visual, resultan como “recortadas” , claras, definidas.

También hay mucho trabajo de arte a través de animaciones coloridas de las consideradas psicodélicas, es decir, características de ese movimiento sesentista que se nutrió de drogas y rock and roll fuerte, ronco, estridente en todas sus texturas, las auditivas y las visuales.

De todo esto se trata Bajo el sol del rocanrol que cuenta con música de Rubén de León y Jorge Senno: de la lucha por hacer lo imposible posible de Jorge PIstocchi, un referente cultural para el período fuerte de nuestro rocanrol, con figuras increíbles como Litto Nebbia, Celeste Carballo, Alejandro Lerner y su bajista Rubén Rada, entre tantos otros nombres. Es que, como siempre hemos pensado, el rocanrol fue mucho más que un ritmo frenético que llegó a nuestras costas a fines de los 40: en nuestro país representó la voz de la libertad en los períodos oscuros. Fue la resistencia cantada y sin balas que abrevó Jorge Petrocchi, sobreviviente como nosotros del feroz bombardeo a la Plaza de Mayo de 1955. Representó el espacio cultural donde los ideales crecieron lentamente para seguir existiendo en cuanto el sol asomara un poco más fuerte.

Con fotografía de gran calidad, buenas entrevistas, y un diseño de arte de fuerte colorido y sonido estremecedor, surge Bajo el sol del rocanrol como un documental que rinde tributo a un hombre con ideales inquebrantables que supo resumir en palabras y arte la voz del común de la gente.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

-

FUMAR PROVOCA TOS

Dirección y guion de Quentin Dupieux. Con Gilles Lellouche, Vincent Lacoste, Anais Deloustier, Jean Pascal Zadi, Oulaya Amamra, JuliaFaure, entre otros. Fotografía de Quentin Dupieux. Duración: 80 minutos.



XXX -DISPARATE A LA FRANCESA

Poco se conoce de Quentin Dupieux, salvo en muestras o festivales, en esta parte del mundo. Es un director muy creativo y volcado al absurdo. En “Fumar provoca tos”, basa su historia en un grupo de cinco “justicieros” contra el “maligno” a la manera de “Los ángeles de Charlie” aunque su “Charlie” es un desagradable muñeco muy parecido al personaje “Alf” con una nariz más extensa y desagradables excreciones. Los justicieros reciben el nombre de “Tabac Force” porque cada uno de ellos representan elementos componentes del tabaco y su excipiente. Revientan, literalmente, a la Tortuga Maléfica y son enviados a un retiro para volver a tomar fuerzas. La película se torna lenta por el racconto de historias horrorosas de cada integrante, vestidos al estilo de la “Mujer maravilla” pero devaluada. Así asistimos, porque los cuentos cobran vida, al joven triturado o a la mujer con un casco que toma venganza, entre otras secuencias que son disparatadas, insólitas y, no obstante, no caen en lo burdo sino en el absurdo que, como tal, puede hacer o no reír.

En verdad, Dipieux se transformó en un director de culto que ha logrado crear un universo personal con personajes de la realidad y, en especial, de los superhéroes de Hollywood. Logra ridiculizarlos, los expone en sus debilidades y les quita la aureola de poderosos inalcanzables.

Dipieux maneja el absurdo de manera tal que pone al espectador frente a un desafío: se conecta con su sentido especial del humor o no hay entretenimiento. “Fumar provoca tos” nos deja pendulando entre los TeleTubies, Los Ángeles de Charlie, Alf, las Tortugas Ninja, y el Superagente 86, entre otros personajes, con frases tales como “el planeta de los locos o de los enfermos”, que lo ubican cerca del existencialismo francés y del surrealismo con un toque anterior, el del dadaísmo. Para determinados paladares cinematográficos.

Elsa Bragato, Actoresonline.com
 

---

---

---

---

---

--

CRÌTICAS

REPULSIÓN
Dirección y guion de Roman Polanski. Fotografìa de Gilbert Taylor. Mùsica de Chico Hamilton. Con Catherine Deneuve, Ian Hendry, Patrick Wimark, entre otros. Duración: 105 minutos. Año 1965



XXXX – REPOSICIÓN DE UN CLÀSICO DE ROMAN POLANSKI

Un joven Roman Polanski, una adolescente Catherine Deneuve, se unieron para esta película que marcó una época y una forma de narrar. Polanski tiene todas las características aquí de la nouvelle vague, ese andar pausado en el relato, centrar en una persona la historia, la banda sonora que no tiene empatía con lo que sucede sino solo sobre el final. En este caso, se centra en Carol (Deneuve) que vive en Londres con su hermana mayor, quien tiene pareja. De a poco Carol va mostrando un desapego enfermizo hacia el hombre, falta a la cita de un joven que conoce, rechaza la relación de su hermana, al punto que se va transformando en una autómata: Carol siente asco cuando su novio le da un beso, se lava la cara y se frota los dientes con furia. Hasta que es objeto de una violación y entonces enloquece de furia. Este inesperado y logrado viraje del guion le permite a Polanski pasar de una protagonista casi muda a una feroz asesina.

Es una notable pieza del género policial que ingresa en el gore de manera magistral y es además el gran logro del director polaco Roman Polanski porque demuestra su mano maestra para contar una transformación psicológica profunda.

El film es el primero de la llamada “trilogía del apartamento”: Repulsión y La semilla del diablo (1968) esta última un año antes del asesinato de su esposa Sharon Tate ocurrido en 1969. La trilogía recién la terminó en 1976 con El Quimérico inquilino, un año antes de ser acusado por violación en 1977 y posteriormente expulsado del país. Las películas de Roman Polanski cambiaron en el “cómo” a raíz de los brutales sucesos que vivió y causó. De allí que hayamos escrito estos datos.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

-

LA CONVERSIÒN (RAPITO)

Dirección y guion de Marco Bellocchio. Coguionista: Susanna Nicchiarelli. Fotografìa de Francesco Di Giacomo. Ediciòn de F. Calvellik y S. Mariotti. Mùsica de Fabio Capogrosso. Con Enea Sala, Leonardo Maltese, Paolo Pierobon, Fausto Russo Alesi, Barbara Ronchi, Samuela Treggi, Filippo Timi, Fabrizio Gifuni, Aurora Carnatti. Duraciòn: 134 minutos.



XXXX – OBRA MAESTRA DE LA CINEMATOGRAFÌA ITALIANA ACTUAL

Sin planteo alguno sobre la postura crítica de cualquier tipo de dogma del gran Marco Bellocchio o su férrea oposición a las instituciones conservadoras que cercenan la libertad de una sociedad, lanzó la película que nos ocupa,“El rapto”, traducido en castellano como “La conversión”. Cuenta el denominado “Caso Mortara”, basado en hechos reales: el rapto de niños judíos de la ciudad de Bologna, por orden del Papa Pío IX, para ser convertidos al catolicismo, o sea niños arrebatados a sus familias.
El caso de Edgardo Mortara, de 6 años, tomò estado público no solo en Italia sino a nivel internacional: era uno de los hijos del matrimonio judío Mortara que fue bautizado por la sirvienta Anna Morisi a escondidas, creyendo que se iba a morir. Y se transformò en un rumor que rápidamente llegó a los aposentos vaticanos.

Hay que ubicarse en el siglo XIX y aun en los anteriores para comprobar que en varios países, tal como los conocemos ahora, como Polonia y España, se persiguuiò a las familias judías para que se convirtieran al Catolicismo. Fue una cacerìa ideológica y no de fe, basta con analizar los hechos históricos.

Bellocchio es dueño de una narrativa magistral: oscura, tenebrosa, contundente, narra la vida de ese niño, Edgardo, arrancado brutalmente de los brazos de su madre y obligado a asistir a las escuelas vaticanas. Por un lado, está la batalla que su padre inicia con los judíos de Bologna, bajo las amenazas del Papa Pìo IX de volver a encerrarlos si no comprende que su hijo no es más judío. Por el otro, el crecimiento del pequeño luchando con su fe de nacimiento y la impuesta, así como el drama de sus padres, la lucha de sus hermanos por recuperarlo. Y él, asumiendo un dogma desconocido.
Es un film histórico sobre el final de los Estados pontificios hasta la creación del Vaticano en el siglo XX. Nos habla del abuso del poder, de la humillación por tener otra fe, del sojuzgamiento de los sectores minoritarios de la sociedad, y de la impunidad al ejercer un cargo supremo.

Bellocchio logra secuencias monumentales: el momento en que el pequeño Edgardo se conmueve ante una cruz y la figura de Jesùs crucificado y le saca los clavos de las manos y de los pies, o la virulenta secuencia del pequeño que se aferra a la falda de su madre en medio de un llanto conmovedor. La cámara del maestro italiano es tan segura que cada secuencia parece un cuadro de Rembrandt por el especial uso de la iluminación, incluyendo elementos de la banda sonora que acentúan las crisis de los personajes.

Podemos decir que Bellocchio, si bien toma un hecho històrico, tiene una dura posición contra el Estado Vaticano, y se apoya en su ideología progresista para filmar este caso con una intensidad dramática que, por momentos, da escalofríos: es un film perfecto, no hay debilidad alguna ni en la propuesta ni en su realización. “ La conversión” es una obra maestra que no merece ningún comentario sobre la ideologìa de Marco Bellocchio simplemente porque es cine de rmarca mayor.

Elsa Bragato, Actoresonline.com
 

---

ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES
(PUEDE HABER CAMBIOS IMPREVISTOS AJENOS A ESTA SECCIÒN)

1.- INTENSAMENTE 2 . animación de Kelsey Man,
Sin críticas hasta jueves-viernes

2.- EL ÙLTIMO ESCAPE, con Glenda Kackson y Michael aine.
“Un digno final para dos leyendas británicas del cine”, James Mottran, Radio Times.
“Glenda Jackson es fascinante en su última película. La fallecida actriz es una fuerza de la naturaleza hasta el final”, de Peter Bradshaw, The Guardian.

3.- LA INOCENCIA
Del gran Kore-edu-
Hay crìtica

4. HERENCIA SINIESTRA
“Una modesta pero eficaz apuesta por el terror. Incluso cuando el film parece más ordinario en su conclusion, la deslumbrante interpretacion de Cota le da un toque especial”, de J. Kim Murphy, Variety
 
5.- WINNIE THE POOH MIEL Y SANGRE DOS
Animaciòn, saga.

6. MIRANDA DE VIERNES A LUNES, de Marìa Victoria Menis
Con Inès Estèvez.
Jay crìtica

7.- ANIMAL, de Sofìa Earchou.
Hay Crìtica.

8. MARÌA, de Gabriel Greco. Con Sofìa Gala
Sin crítica hasta jueves/viernes

8.- LOS JINETES DE ROCA
Hay critica

--

CRÌTICAS

ANIMAL
Direcciòn y guion de Sofìa Exarchu. Fotografìa de Monika Lenczewska. Ediciòn de Dragos Apetri, música de Sofa Surfers. Con Dimitra Vlakopoulou, Flomaria Papadaki, Ahilleas Hariskos, entre otros. Duraaciòn: 116 minutos.



XXXX – LA MAQUINARIA TURÌSTICA QUE TRITURA ALMAS

Muy inquietante es este film titulado “Animal” de la realizadora Sofìa Exarchu, joven griega que conoce a la perfección la industria turística de su país tanto como su lado oscuro que los visitantes no ven, no descubren. Exarchu, que viene de la producción de dos películas que lograron buena repercusiòn, se ocupó en especial del elenco de un reconocido hotel, es decir, no de los meseros o encargados de la limpieza sino de ese grupo de hombres y mujeres que tienen la obligación de organizar eventos, shows, bailar, cantar, y entretener a los turistas de todas las edades con fiestas comunes a todos y otras nocturnas para adultos. Siempre deben estar dispuestos a trabajar con el cuerpo, saltar, cantar, bailar. El alcohol los sostiene, pero también los destruye.

Exarchu pone en primer plano a la líder del elenco, Kalia, encarnado por la actriz Dimitra Vlakopoulou. Es la guía de sus compañeros de elenco y lo es tambièn para el espectador. A través de ella se conoce ese lado oscuro, miserable, de los tours cobrando vida en esta película a la manera de un documental. Indudablemente, es una narración que perturba, que remueve por dentro porque todo lo que se ve es precario, miserable. El objetivo es que esos turistas tengan la distracción suficiente que los haga retornar a esa isla griega. Kalia y su gente son los nuevos clowns del capitalismo, los que divierten con sus cuerpos para que las monedas caigan en bolsillos ajenos.

Hay varios hallazgos narrativos: uno de ellos es el “Louvre de los pobres”, refirièndonos la secuencia donde aparece una laguna donde muchas obras de arte griegas están semihundidas, asì como es imposible no reaccionar con dolor cuando Kalia cuenta a un turista, en una noche que será fogosa aunque sin sentido, lo que siente que no es justamente aquello que el turismo ve.

Es una película que parece, en principio, transitar por caminos comunes porque no hay nada que llame la atención visual: su secreto está en estos personajes que, bajo agobio, siguen la rutina para sobrevivir. La cámara de Exarchu sigue rostros y cuerpos, se detiene poco en el paisaje, buscando captar en las gestualidades el sentimiento de amor o rechazo de Kalia (subyugante actuación) y sus compañeros ante lo que viven como trabajadores de turismo. En verdad, no dan ganas de visitar esa isla griega a fin de no convertirse en parte de esta maquinaria de triturar almas (casi todo el patrimonio cultural de Grecia está en manos de los ingleses en el British Museum, poco queda para admirar en ese país salvo la belleza del contraste entre el mar azul y las playas de arena blanca)

Elsa Bragato

-

JINETES DE ROCA
De Sebastiàn Dìaz. Documental.



XXXX – LA MENTIRA QUE NOS CUENTAN COMO HISTORIA ARGENTINA

Luego de ver este documental, se toma conciencia de que el “relato” existió siempre y que doblegar a los supuestamente débiles es una práctica común hasta hoy en dìa. El realizador Dìaz habla de la investigación que iniciara el historiador Osvaldo Bayer sobre los verdaderos objetivos del general Julio Argentino Roca para llevar adelante lo que llamó “la conquista del desierto”, de 1879. A través de palabras autorizadas como las de los estudiosos Adriàn Moyano, Carlos Masotta, Dana Fiore, Marcelo Valko, Marta Penhos, entre otros, se narra la verdadera historia de Roca y la cantidad de monumentos suyos que existen, en número superior a los del general Josè de San Martìn. Roca forma parte de la imposición de una ideología: la dominación y el exterminio de opositores. El impulsor del enorme monumento que tenemos en el centro fue el hijo de Roca y su realizador, gran amigo del citado, el escultor Zorrilla de San Martìn.

La síntesis que puede ayudar a comprender este estupendo documental es que se repite la historia, que nada cambió bajo el sol: en el siglo XIX se invadió el sur de la misma manera que los españoles hicieron en nuestras tierras siglos antes, se esclavizó a los aborígenes que están allí desde hace màs de 10 mil años, y se los obligò a vivir en la capital, o bien se los exterminó en la isla Martín García cremándolos en un gigantesco horno similar al de los nazis de Auschwitz, o los campos de tortura de la última dictadura cívico militar. Desde aquellos años hubo apropiación de bebés, violación de mujeres (un caso emblemático es el de “La cautiva” que llegó a la literatura y a las artes plásticas), torturas, exterminio en crematorios. Y una fecha que se recuerda de diferentes maneras: 1492, o la llegada de Cristóbal Colón al Caribe, clave para justificar “invasión” en lugar de “civilización”. Bien vale recordar algunos nombres citados: Zorrilla de San Martín, los Roca, el fotógrafo personal del general Antonio Pozo, el cuadro de Juan Manuel Blanes de 1896, los malones del pintor Angel Della Valle, los casos emblemáticos de los indios traídos a esta ciudad como el de Inacayal o la aborigen Margarita, la colección de cráneos de Estanislao Ceballos (decía “la barbarie está maldita”, murió en Londres, centro de las logias) que fue el ideólogo del general Roca. Visitar el Museo de La Plata es también encontrarnos con muestras de horror: cráneos y esqueletos de los dueños de la Patagonia, los aborígenes. Hasta el billete de 100 pesos de 1992 reconfirma el relato con el rostro de Roca y en el reverso su tropa tomada del cuadro de Blanes.

Es que nadie puede dudar, a estas alturas del siglo XXI, que hay un poder dominante en el mundo que sigue intacto, que renueva su espíritu de sangre y espanto contra los pueblos. Las guerras actuales así lo indican, brutales como la invasión española o el genocidio de Roca en el Sur o los crímenes de lesa humanidad de la dictadura del 76. Es éste uno de los documentales más completos y claros que hemos visto sobre el tema rindiéndole homenaje a la gesta del historiador Osvaldo Bayer, iniciador de la “desmonumentación” de Roca que, por suerte, ocurrió ya en 30 ciudades de nuestro país. Es un documental con un excelente material de investigación, desde entrevistados especializados hasta datos, fechas, fotos de época, postales de entonces, que fundamentan el “proyecto Bayer”: no más Roca ensalzado en pedestales mirándonos desde arriba.

Elsa Bragato

-

LA INOCENCIA

Dirección y guion de H. Kore-eda
Fotografía de Ryuto Kondo. Música de Ryuichi Sakamoto. Con Soya Kurosawa, Eita y Sakura Ando en los roles principales. Duración: 126 minutos.



XXXX. PEQUEÑAS DOSIS COTIDIANAS DE MALDAD

En inglés, el film de H. Koreeda se titula “Monstruo”. En esta propuesta, no lo vemos con los ojos pero lo sentimos en el alma: es esa dosis de maldad que no somos capaces de combatir dejándonos ganar por la hipocresía social y, para no ser menos, la sacamos a relucir. No medimos las consecuencias.
El maestro Kore-eda pone su objetivo en el bullying, que se manifiesta en distintas personas de diferentes edades, aunque localiza la acción en una escuela y en dos hogares. Suficiente para que pueda desarrollar lo que es capaz de hacer la mentira, la omisión, el miedo a hablar, es decir, un arco amplísimo de sentimientos que nos embargan cuando la agresión exterior nos llega ya sea en palabras como en acciones directas. Y esto vale tanto para los chicos como para loa adultos.

“Minato Mugino” (encarnado por Soya Jurosawa) perdió a su padre, vive con su madre que se preocupa por su tristeza y su comportamiento. De pronto el niño culpa a un maestro, Hori (el actor Eita), de pegarle. A partir de allí, la historia va teniendo diferentes pivots narrativos: madre e hijo, el profesor y la escuela, la directora y su hijo encarcelado, los dos amigos en la escuela, las burlas en la escuela, y finalmente los dos niños solos sintiéndose libres por sobre las problemáticas generadas por los adultos, con razón o no. Superan las malas actitudes de los adultos, la exageración del drama familiar, la mentira, las amenazas, reconstruyen el cariño de la pura amistad. Kore-eda se da el lujo de explotar al máximo el potencial de las historias particulares para mostrar en imágenes y en actuaciones superlativas los sentimientos que conforman las pequeñas maldades de todos los días . Mientras que la inocencia de los chicos arrasa con la problemática de los adultos, aùn con la ausencia de un padre o el maltrato de otro. La familia y el entorno son, esta vez, el objetivo de Kore-eda que, aun con reiteraciones temáticas, logra siempre tocar el corazón del espectador. Sus historias son verosímiles, creíbles, de todos los días.

Elsa Bragato

-

MIRANDA DE VIERNES A LUNES

Dirección y Guion de María Victoria Menis. Con Inés Estévez, Elvira Onetto, Laura Grandinetti, entre otros. Y grupos de rock. Fotografía de Daniel Andrade. Música de Loli Medina y, como se indicó, varios grupos musicales, asì como la voz de la protagonista. Duración: 87 minutos.



XXX – NUEVO CINE POPULAR SOBRE LA CLASE MEDIA PORTEÑO

La realizadora María Victoria Menis, de muy buena mano para la narración cinematográfica, encara la vida de una profesora de 48 años en el año 2016 que enfrenta un serio problema en su escuela pero, llegado el fin de semana, se dedica al hogar: el cumpleaños de una de sus hijas, traer a sus padres que están separados, convocar a su ex marido con quien mantiene buena relación. En la reunión familiar, realizada en un jardín interior de una casa cómoda, ubicada fuera de la ciudad capital, se producen las alegrías, las discusiones, las reacciones intempestivas de algunas de las hijas, y las charlas íntimas y cordiales con su ex, mientras el papà tiene Alzheimer y debe recostarse y la madre ostenta su dinero ganado en loterías, haciendo valer su condición de divorciada. Nada fuera de lo que hoy en día cierto sector de la clase media vive: casa propia, jardín, automóvil, padres separados, hijas que viven con la madre, rebeldías adolescentes, es decir, lo común, lo cotidiano, reflejado con autenticidad por Menis y, en especial, la actuación de Inés Estévez sobre quien recae el peso del relato a la manera de un unipersonal, aunque interactúe con el elenco. Entre ese viernes y ese lunes, Miranda (Estévez) se da cuenta de que la música, que abandonó por la docencia, puede más que el persistir en un puesto donde el lunes le exigirán disculpas por un hecho que apenas se menciona en todo el filme.

Menis hace un hábil recorte de la realidad de la clase media porteña centrando la historia en Miranda y la compleja toma de decisiones que suele darse a esa edad, cuando la vida llega al medio siglo.
Desde el punto de vista narrativo, la historia transcurre fluidamente, es como ver reflejado un fin de semana de cualquiera que tenga casa fuera de la capital y coche, y un mediano pasar económico. Por eso hablamos de un cine popular que refleja el estilo de vida porteño clase media. Por supuesto, Inés Estévez le da a su personaje una impronta muy interesante, de sólida presencia escénica con ese toque autobiográfica que es el canto, otra de las vetas artísticas de la protagonista. Sin este condimento -que va surgiendo de a poco a lo largo de la historia- la propuesta hubiese sido menos amena pero más acertada en relación a la vida de una profesora que rechaza imposiciones desatinadas.

Elsa Bragato

-

MIXTAPE LA PAMPA

Dirección y guion de Andrés Di Tella. Documental con fotografía de Daniel Schvarzstein. Duración: 104 minutos.



XXX – TRAS LOS PASOS DEL ANGLOARGENTINO HUDSON

Este nuevo trabajo del cineasta Andrés Di Tella busca encontrar las huellas en la vastedad pampeana de Guillermo Enrique Hudson, nacido en Quilmes el 4 de agosto de 1841, si bien falleció en Inglaterra el 18 de agosto de 1922. La cámara de Di Tella, quien también vivió en Londres, se adentra en lo que queda de la estancia de Hudson, nacido de un matrimonio norteamericano (Daniel Hudson y Carolina Kimble) que decidió emigrar de su país buscando un destino económico mejor. La descripción fílmica nos muestra una casa que se mantiene como museo, según algunas escasas secuencias, asì como el arroyo cercano a la casona donde solía jugar Hudson. Primero fue gaucho, luego estudió las aves del lugar, esquiló ovejas hasta que, según se indica, por una dolencia cardíaca, viajó a Inglaterra para no volver nunca más al país. Algunos dicen que temía encontrarse con cambios en costumbres y que optó por transformarse en un verdadero inglés, nunca más habló castellano y se dedicó a escribir una enciclopedia sobre diferentes aspectos de la naturaleza que conoció. Al punto que fue si no el primero uno de los más importantes ornitólogos argentinos, cofundó la sociedad de ornitología de Inglaterra, teniendo un lugar emérito en la sociedad similar de nuestro país.

Llama la atención cómo pudo escribir, 17 años después de irse del país, sobre las diferentes aves que conoció y la explicación de sus cantos con los elementos técnicos rudimentarios de entonces. Sus descripciones son perfectas, como si tuviese a cada ave entre sus manos. En todo caso, tiene relación directa con su sueño: ser naturalista. Creyó que no lo era y, sin embargo, sus conocimientos sobre la vida de la naturaleza pampeana parecieran ratificar lo contrario. Por lo que vemos, fue un naturalista hecho y derecho que se fascinó con las aves.

La narración de Andrés Di Tella es zigzagueante: nos lleva por caminos de tierra para luego dar paso al presente y a la búsqueda de los ejemplares que tanto amó Hudson, mientras hay datos autobiográficos que nos remiten, una y otra vez, a la vida del angloargentino. Es un mix extraño y atrapante a la vez que se enriquece con una fotografía generosa, con inserts de películas antiguas, cartas recuperadas, y la primera foto, de las pocas que hay, de Guillermo Enrique Hudson que se tomó ni bien llegó a Inglaterra.
Podríamos preguntarnos, aunque no sea tema del documental, por qué se radicó en Gran Bretaña y no en la tierra norteamericana de sus ancestros. Como fuera, Andrés Di Tella nos trae un documental muy rico en datos redescubriendo una personalidad notable como la de Hudson. “Mixtape La Pampa” tiene mucho del alma de Andrés Di Tella como de la realidad que vivió su protagonista, William Henry Hudson.

Elsa Bragato

---

---

--

CRÍTICAS

MAESTRO (s)

De Bruno Chiche. Con Pierre Arditi, Ivan Attal, Miou Miou, Pascale Arbillot, Nils Othenin Girar, Caroline Anglade. Fotografía de Denis Ronden, Música de Florencia Di Concilio (elección musical de obras de Mozart, Beethoven, Rachmaninov, entre otros).Duración: 96 minutos.



XXXX – FAMILIAS DE MÚSICOS SOBRE EL TAPETE

Pocas cinematografías dedican filmes o los relacionan con la música y sus intérpretes como la francesa. Es una característica del pueblo de Francia darle a la música clásica un lugar preponderante y eso se traduce en películas sobre directores e intérpretes, siempre un piano a mano, en géneros que van desde la comedia hasta el terror. En este caso, el realizador Bruno Chiche se basa en el film "Pie de página", del norteamericano Joseph Cedar del 2011 para analizar desde un lugar agradable la relación padre e hijo de dos consagrados directores de orquesta.

La difícil convivencia de varios artistas en una familia con la misma profesión también está abordada aquí con elegancia y sin melodrama. Francois (Arditi) es un afamado director de orquesta que sigue unido a su gran amor, Helene (la siempre vigente Miou Miou, reencuentro en pantalla con una gran estrella) sin casarse y cuyo hijo, Denis, también sigue las huellas paternas logrando importantísimos premios. Entre ambos músicos existe poca cordialidad, el padre no está conforme con su hijo, y el hijo siente que su padre no lo acompañó en su carrera aunque fuese la misma. A su vez, Denis es padre de un adolescente a quien intenta ayudar pero lo hace con la misma displicencia que su padre hacia él.

En verdad, Chiche pone acento en el respeto entre ambos profesionales, especialmente cuando surge una inesperada competencia: quién de los dos dirigirá en la Scala de Milán. Para Francois es la oportunidad esperada durante cuatro décadas, para Denis es un problema de conciencia: respeta a su padre más allá de las distancias afectivas. He aquí el "quid", como nos gusta decir, de la trama, Y la que enfrentará en un diálogo profundo y respetuoso a padre e hijo, sin duda el momento de mayor intensidad emocional de la película.

Porque convengamos que, por sobre las carreras profesionales, por sobre cualquier circunstancia de la vida, la relación padres-hijos tiene una estructura inflexible en cuanto al respeto partiendo de que aquellos mayores dieron la vida a los más jóvenes. El realizador Bruno Chiche se para allí, la música es un entorno majestuoso para Francois y Denis, pero por sobre cualquier aspecto o circunstancia, son padre e hijo.

Tocante, intimista, con actuaciones excelentes (la dirección orquestal de ambos actores es perfecta), con música de grandes autores como Mozart, Beethoven, Rachmaninov, entre otros, "Maestro (s)" tiene una narración impecable que fluye armoniosamente. Son 96 minutos de emoción y buen gusto, propios de una cinematografía que reconoce al arte musical como parte de la vida y no como costo empresarial. Para ver.

Elsa Bragato

-

EL CAMBIO DE GUARDIA

FILM GANADOR DE LA COMPETENCIA ARGENTINA DE LARGOMETRAJE EN EL 25 BAFICI
de Martín Farina. Con Juan José Chiarello, Héctor Luconi, Norberto Farina, Juan Carlos Gnemmi, Omar Figuera, Jorge Dos Santos Russo, Bernardo Fitzsimons. Montaje y Fotografía de Martín Farina, Banda Sonora original de Juanito El Cantor, Orquestación banda militar de Jorge Barilari. Duración de 72 minutos.



XXX – AMIGOS POR SOBRE LAS DIFERENCIAS

El realizador Martín Farina aborda el tema de la amistad por sobre las diferencias ideológicas a partir de siete amigos que compartieron la "colimba" en el Regimiento de Infantería I Patricios en épocas de la dictadura cívico militar. Primero es la emoción de volverse a ver cuando se está por producir un cambio de guardia, luego es notar la ausencia de uno de los amigos de entonces, y luego es participar de reuniones en las casas de lso amigos, asados, piscinas, y charlas.

Y es en estas charlas donde Farina hace hincapié porque no todos los ex conscriptos piensan igual: para uno en especial, el Peronismo es el salvador de la población, mientras que varios le hacen frente apoyando la política económica liberal de Macri.

Pocas veces el cine argentino puso una cámara en este tipo de situaciones tan comunes entre amigos y familiares al punto que, en muchos hogares, se "prohíbe" amigablemente hablar de religión y política a fin de que los enojos no pasen a mayores.

En el caso de "El cambio de guardia" es diferente: todos opinan con mayor o menor énfasis y terminan brindando, comiendo juntos y abrazándose también.

Para la rigidez de los diálogos que existe entre políticos en nuestro país, el cineasta Farina hace un aporte valioso. Es decir, se puede mantener la amistad aunque se piense distinto, como ocurre en muchos países del mundo. Entretenido, agradable documental, con excelente planteo de locaciones y realización de las secuencias.

Elsa Bragato

-

LAS CORREDORAS

Dirección y Guion de Néstor Montalbano. Coguionista: Marcela Potente. Fotografía de Sebastián Pereyra Jofré. Música de Renzo Montalbano. Con Diego Capusotto, Carola Reyna, Norman Briski, Alejandra Flechner, Alejandro Muller, entre otros. Duración:



XXXX- DE LA COMEDIA ROMÁNTICA AL POLICIAL SANGRIENTO

El director Néstor Montalbano viende tener varios éxitos en cine con Diego Capusotto y en televisión también, destacándose "Todo por dos pesos". Es dueño de un humor muy especial, entre simplón y burlón, y lo traslada a esta historia ubicada en 1959, en la que hay desde un guion trabajado hasta una notable postproducción.

En principio, estamos frente a un capo lavoro de Carola Reyna quien, desde el comienzo hasta el final, lleva sobre sus hombros el hilo narrativo de la historia. Compone a Mabel, una empleada ministerial que debe hacerle firmar a un hacendado de un lejano pueblo la donación de parte de sus tierras al Estado. Desde su llegada a la solitaria estancia, vivirá situaciones muy extrañas: desde la "señora" del hacendado (rol que encarna Diego Capusotto, dueño a su vez de varios personajes más) que tiene su retrato como corredora, como la llegada a medianoche del estanciero Antonovich (Capusotto), el encuentro con una amiga de la casa a cargo de Alejandra Flechner, también corredora, y, a partir de allí, una serie de hechos enlazados con el descarado lance amoroso del dueño a Mabel, la huida de ésta, y la insólita aparición del personaje de Alejandro Muller que tiende a explicar tantos desaguisados.

En verdad, la narración es una escalada de situaciones insólitas, de travestismos inesperados, con personajes entre estrambóticos y absurdos, y atisbos de musicales, desde cantar juntos Mabel y el estanciero la melodía del filme "Angustia del querer" hasta generar una creciente intriga a lo Hitchcock para rematar en un remedo de "Thelma and Louise". El guion de Montalbano y Potente lo tiene todo: lo edulcorado, lo musical, lo intrigante, lo policial, lo gore, lo sentimental.

Montalbano maneja el artificio de la historia con sabiduría y por momentos nos lleva a situaciones edulcoradas y, en otros, nos introduce en el policial sangriento. A estas peculiaridades reconocidas en el realizador le añadimos la excelente banda sonora de Renzo Montalbano, inusual por su calidad. Desde la actuación inicial con la participación especial de Norman Briski, "Las corredoras" es un arcón de sorpresas hilarantes, estrambóticas, un filme diferente que enriquece el acervo cinematográfico nacional. Sin duda, es una tragicomedia muy inteligente.

Elsa Bragato

-
 

AMOR Y CINE

Documental de Victoria Carreras. Participación especial de Mercedes Carreras. Duración: 64 minutos.



XXXX – HOMENAJE A UN GRANDE: ENRIQUE CARRERAS

Familia de artistas debería ser el título que resumiera este comentario. Victoria Carreras, una de las hijas del matrimonio conformado por el director de cine Enrique Carreras y la actriz Mercedes Carreras, dirigió este documental donde sintetiza con la ayuda de sus hermanas y de su madre, en colaboración especial, la extraordinaria carrera cinematográfica de su papá, don Enrique (nacido en Lima en 1925 y fallecido en Buenos Aires en 1995). Fue el director de cine argentino más prolífico: desde 1951 hasta 1991 filmó 95 películas, lanzó las carreras de grandes actrices y actores como Lolita Torres, colaboró con el cine "culto" y el cine popular, incluyendo a Niní Marshall, a Palito Ortega, al gran Luis Sandrini, entre tantos otros artistas; además fundó con sus hermanos Luis y Nicolás la Productora General Belgrano y fue uno de los creadores de DAC, la entidad que reúne, desde 1958, a los directores argentinos de cine.

Nos quedamos cortos al resumir su intensa actividad, que le valió muchos premios, entre ellos dos Cóndor de Plata por Los evadidos y La valija respectivamente, premios internacionales, y un reconocimiento a nivel popular único.

Sus hijas, encabezadas por Victoria (actriz y directora), y el aporte invalorable de Mercedes Carreras, actriz, esposa y madre de sus hijos, reconstruyen los momentos esenciales de la vida y obra de Enrique Carreras, sus comienzos, ese "romance largo con Amelita Vargas" antes de conocer a Mercedes, la unión fraternal y artística con sus hermanos, el amor y respeto por sus artistas y su equipo (trabajó siempre con los mismos técnicos), y la larguísima serie de películas que tuvieron un denominador común: aceptación popular que es sinónimo de éxito rotundo.

Es un documental rico en datos, en material fílmico, en aportes de recuerdos, de anécdotas, tiene el calor familiar afín a nuestra forma de ser. Y es un homenaje que tiene ciento por ciento ese sentimiento que nos define: la argentinidad que don Enrique Carreras supo traducir en imágenes inolvidables.

Elsa Bragato

---

-

ESTRENOS NACIONALES PREVISTOS

1.- CORRESPONSAL, de Emilia Serra
Hay crítica.

2.- LA MUJER HORMIGA, de Betiana Cappato

3.- CIUDAD OCULTA, de Francisco Bouzas.
Hay crítica

--

CRÍTICAS

LO MEJOR ESTÁ POR VENIR

Dirección de Nanni Moretti. Guion de Francesa Marciano, Nanni Moretti, Federica Pontremoli, Valia Santella. Fotografía de Michele D¨Attanasio. Música de Franco Piersanti. Con Nanni Moretti, Margherita Buy, Silvio Orlando, Mathieu Amalric, entre otros. Producción de Nanni Moretti y Domenico Procacci. Duración: 95 minutos.



XXX – ENREDOS DE AMOR EN UNA COMEDIA "ALLA ITALIANA"

Ganador de la Palma de Oro en Cannes hace unos años, Nanni Moretti es uno de los directores italianos que conservan su ideología política como bandera que los identifica. Moretti es decididamente comunista y desde hace unos 30 años, si no más, encaró en sus filmes su postura en oposición a la de Silvio Berlusconi, generando proyectos múltiples como salas de cine, espacios de debate ideológico, entre otros. Algunos de sus títulos más consagratorios han sido Caro Diario y L'unico paese al mondo", donde hace gala de su ideología.

No escapa "Lo mejor está por venir" a su modo de encarar la vida y la profesión. A esta parte del mundo puede llamarle la atención que aún hoy se hable de "comunismo". Sin embargo, al menos en Italia, desde siempre el Partido Comunista tuvo su lugar así como el Fascismo, si bien hoy en día este último se ha mimetizado en otras demostraciones ideológicas.

Moretti encara al protagonista de "Lo mejor está por venir", llamado "Giovanni", un director de cine que enfrenta una situación personal difícil: su esposa Sylvia (coincide con el nombre de su esposa en la vida real), encarnada por la muy bella Margherita Buy, decide dejarlo en pleno rodaje, mientras que la relación con su hija tampoco es la mejor. La filmación de "Giovanni" trae el mundo del circo de los 50, caro a los sentimientos peninsulares, la vida trashumante (inolvidable La strada, de Fellini), y a los protagonistas de esta película que, lejos de encarnar la pareja que el director pide, sienten que los une la pasión para desesperación del realizador. El dilema está en que se trata de reivindicar al Partido Comunista de Italia en su independencia de la Unión Soviética y en darle una mano a los húngaros refugiados en 1956 ante la invasión de los soviéticos. Parece difícil congeniar lo político con la inmigración forzosa y la vida real del director: mal que le pese, el amor se cuela por todas partes, por lo que la supuesta esencia política que "Giovanni" planificó, está teñida más por romance que por ideología.

La narración resulta por momentos demasiado fragmentada, con toques de expresionismo, y manifestaciones grandilocuentes de "Giovanni" a cámara, enamorado de su idea sobre la sociedad más que de su propia realidad. El tono es desparpajado, un tanto alocado, extrovertido, mostrándonos a un hombre que se debate entre su ideología, la realidad, y sus afectos. En verdad, se tiene la sensación de que Nanni Moretti tejió una urdimbre narrativa perfecta para demostrar que, por sobre cualquier posición intelectual, el amor hacia el otro es más importante que un espacio político o un set de filmación. Por sobre las consideraciones generales de que lo romántico puede ser "cursi", apostamos plenamente a este tipo de historias que nos aleja de la brutal realidad que se vive en el mundo.

Elsa Bragato

-

CIUDAD OCULTA

Dirección de Francisco Bouzas. Guion de Bouzas y Salerno. Fotografía de Julián Babino. Arte de Joaquín Maito. Música de Juan Ibarlucía. Con César Languidey, Ezequiel Martino Dosantos, Belén Ramírez, Nelson Pereira, Liz Lovers y Fernando González. Duración: 96 minutos.



XXXX- LA VIDA QUE NO VEMOS

Para Francisco Bouzas, su película Ciudad Oculta retrata mucho más que un barrio de los considerados marginales en la ciudad de Buenos Aires: es un mundo de fantasías y de frustraciones, de alegrías sencillas y de profundas tristezas, de vida y de muerte. Parte de una premisa que se encarga de explicar: el estado mata, a través de sus representantes armados, a una persona cada 20 horas. Esta estadística escalofriante surge de su propuesta ante la muerte de Ika Disantos, y de cómo su ausencia se siente en sus amigos, en especial, en Jonás, el protagonista. La historia, a partir de Jonás, se diversifica, nos muestra los prolegómenos de la murga del lugar, mientras está el velatorio del joven, la vida que continúa, la comisaría de un solo policía que tiene al vecindario bajo su mirada que es asedio y no prevención, sumado al poder de su arma.

Es decir, Bouzas trabaja con material complejo que une diversidad de personajes e historias. Hay una búsqueda de los sentimientos más profundos de los habitantes de Ciudad Oculta donde se padece discriminación según se sea del país o no, donde la muerte acecha bajo el poder del estado por ser pobres, por no ser nativos o por algún "porque sí" perverso.

Sobrevuelan las historias, a veces fundidas en colores chillones y otras en tenues atardeceres azulados, la condición humana que no se respeta, el temor a la muerte, el dolor por la pérdida, la impotencia que determina una condición social no buscada. Está lo existencial, inasible pero tangible en el rostro de Jonás, que nos atraviesa a todos por igual, se viva en Ciudad Oculta o en Barrio Norte. Solo cambia el ropaje, ese "pelo prestado" que, por lo visto, supedita la vida misma. Bouzas realiza un trabajo sociológico en busca del derecho de ser y de vivir, en donde la amistad o el compañerismo por compartir la misma herida gratuita en el alma está por sobre lo material, en esta realidad o en otro plano: los sentimientos son inalterables. Se vive una imposición social a regañadientes porque no se la pidió ni se la buscó y esto suele costar la vida misma. Intensa, profunda, Ciudad Oculta nos enfrenta al dolor de la pérdida y, al mismo tiempo, a la extraña existencialidad que llega a doler por la incomprensión de terceros. Es decir, sucede que la vida de algunos molesta a "los prójimos".

Elsa Bragato

-

CENIZAS Y DIAMANTES

De Ricky Piterburg. Elenco formado por los integrantes de la banda Don Cornelio y la Zona y amigos, con el recuerdo intacto de Roberto "Palo" Pandolfo y sus temas. Montaje de Norberto Ludín, Arte de Alejandra Fenochio, Fotografía de Juan Costamagna, Sonido de Mariana Delgado, Música y Archivo: Don Cornelio y La Zona, Duración: 89 minutos.



XXX – DOCUMENTAL SOBRE UN REENCUENTRO MUSICAL

En 1988 Juan Alberto Badía presentaba a la banda Don Cornelio y La Zona en "Badía y Cía", por Canal 13. Habían conseguido un gran éxito con "Ella vendrá" convirtiéndose, en medio de un sinnúmero de artistas roqueros, en un "hit". Piterburg cuenta la historia del reencuentro, tan siglo XXI, de aquellos soñadores músicos de los 80. Entre videos de sus actuaciones y el volver a verse, ahora con canas, transcurre una historia de música y de afectos entrañable, agradable de ver, un documental que se hace ficción cada vez que los jóvenes ochentosos aparecen en escena, aunque más no sea en un viejo VHS.

Hay mucho para contar sobre lo que ocurría con los músicos, con las bandas, de todos los géneros musicales. Muy pocos grababan. Charly Garcia, Spinetta, Nebbia (tras un largo período en el Brasil), pero no era lo común. Baste recordar que el mismísimo Astor Piazzolla solo pudo grabar su primer longplay en Uruguay con su Octeto Buenos Aires. Aquí estaba la "nueva ola" que perduraba en el tiempo y muy pocos artistas más que pudieran "interesar" a las discográficas (hoy desaparecidas). Sin embargo Don Cornelio y La Zona llegó a registrar dos longplays antes de disolverse en 1989. Es destacable la formación de la banda: había "vientos", o sea saxofón y trompeta, además de la base rítmica, y si bien esto no se subraya en el documental, sabemos que el éxito también les llegó por la calidad del rock y de los temas como "Ella vendrá" y el que le da título al documental, "Cenizas y diamantes" (título icónico además en el cine por el film de Andrzej Wajda, de 1958).

Es un documental de y sobre músicos, entonces se habla de sueños, de ensayos, se recita, se canta, se brinda mucho pero mucho. La bohemia de entonces, con una democracia recién alcanzada, generó grupos como Don Cornelio (extraño homenaje a don Cornelio Saavedra) y La Zona. La libertad estallaba por los poros, había ganas de decir, gritar y cantar, por lo que músicos y poetas tuvieron mucho trabajo. El festejo cobra sentido tanto como los recuerdos: la música no conoce de tiempos ni fronteras, y los sonidos de hace cuarenta años son tan válidos hoy como en aquellos años. Razón más que suficiente para celebrar a Don Cornelio y La Zona con un documental que les devuelve visibilidad. Para disfrutar.

Elsa Bragato

-

CORRESPONSAL

Dirección de Emiliano Serra. Guion de Emiliano Serra y Santiago Hadida, Música de Lucas Fridman, Fotografía de Manuel Rebella, Arte de Marina Raggio. Elenco: Gabriel Rosas, Edgardo Moreira, Ximena Banús, Gaby Pastor, Agustín Rittano, Jorge Prado, Diego Starosta, María Eugenia Spago, Luciana Dulitzky, Gabriela Saidón, Axel Benítez, Nayla Posse, Jorge Sesán, Fernando Javier Margenet, Facundo Aquino, Alfredo Staffolani y Uma Bahía Vega. Duración: 75 minutos. Distribución de Cinetren.



XXX – AUSTERO PERO INTENSO THRILLER SOBRE LAS DICTADURAS LATINOAMERICANAS

Está muy claro que las dictaduras que asolaron América Latina en los 70 no solo tuvieron origen militar sino también muchos civiles colaboraron incluyéndose a los medios de comunicación como principales aliados de los dictadores. El realizador Emiliano Serra toma el caso de los corresponsales, o sea los periodistas que informan sobre los sucesos a su editorial desde otro país, y lo personifica en "Eduardo Ulrich", hombre gris de aspecto y de alma, que debe controlar a un profesor y a su esposa, presuntamente relacionados con los movimientos revolucionarios. La historia tiene cierta ambigüedad en su localización: puede ser Buenos Aires como Asunción, capital del Paraguay. No así en el tiempo: transcurre en 1978, en los prolegómenos del mundial de fútbol y en 1992, cuando se encontraron los "archivos del terror" en la localidad de Lambaré, Paraguay.

La construcción narrativa que nos ofrece Serra es lineal: la cámara sigue a este personaje, encarnado por Gabriel Rosas, que cumple con un mandato de su editor periodístico y se convierte en informante de los dictadores, situación que lo va enajenando. Este hecho es trabajado con esmero por Serra y Rosas a base de mucha expresividad y el arrullo de las palomas.

Serra demuestra su capacidad para manejarse con austeridad y generar un thriller policial que va creciendo en intensidad hasta lograr una serie de secuencias muy impactantes. La música de Lucas Fridman, un piano insistente cuyo sonido aumenta en momentos claves hasta provocar rechazo, es un elemento clave en el armado de las secuencias.

"Corresponsal" es una película valiente al permitirse describir a cierto periodismo cuya actividad ayudó a consolidar las sangrientas dictaduras latinoamericanas (en los 70, actuó la llamada "escuela de Chicago" para imponer economías liberales). Serra pone sobre el tapete aspectos de ese período tan oscuro a través de un policial de pocos personajes, escasos diálogos, sólida fotografía, y creciente tensión. Ciertamente, con poco se puede hacer y decir mucho.

Elsa Bragato

---

--

CRÍTICAS

EL PLACER ES MÍO

Ganadora del premio 2024 de la Sección Internacional
Del BAFICI de este año.
Dirección de Sacha Amaral. Fotografía de Pedro knoli, Arte de Sol González, Música de José Vicente Orozco.Con Max Suen, Katja Alemann, Vladimir Durán, Sofía Palomino, Paco Onainty, Anabella Bacigalupo, Julián Larquier Tellarini, Luciano Suardi, entre otros. Producción de Gentil Cine, entre otras.



XXX- FUERTE RETRATO SOBRE LA ADOLESCENCIA A PARTIR DE HOGARES DISRUPTIVOS

"El placer es mío" es una ganadora de tema no convencional del último BAFICI, el festival de cine independiente de esta ciudad. El tema es la vida de un adolescente que sufre un drama familiar, un hogar donde es destratado, echado una y mil veces por su conducta. Se transforma en dealer, vende droga a gente muy diversa con la que suele mantener relaciones sexuales, y, cuando se descuidan, les roba.

En una buena parte del film, la narración se centra en sus relaciones sexuales, desde hombres mayores hasta jóvenes como él, y señoras que pueden ser su madre. Es un sinfín de relaciones, de consumo de estupefacientes, a fin de ganar algún dinero para el futuro. Hasta que un día su madre descubre dónde lo guarda y lo toma. Y ese hecho se transforma en un escándalo brutal. Es ahí donde la película cobra una gran fuerza y donde la narración hace pie, siendo la razón de la desazón interior del joven. Es decir, Sacha Amaral no juzga a su protagonista, lo muestra en su desesperación por construir un camino de vida, a pesar de humillaciones y vejaciones y del maltrato familiar.

Es un cine de honestidad absoluta, con una cámara inquieta que filma hasta momentos muy íntimos del protagonista, destacándose en esto una buena dirección actoral. A nivel conceptual hay cierto desaprovechamiento del drama familiar cuando es la razón de la difícil disyuntiva sobre cómo construir un camino de vida. Es un cine actual, de diálogos escasos, con secuencias de honestidad brutal y un "hipérbaton" narrativo que pudo evitarse.

Elsa Bragato

-

POR EL PARANÁ, LA DISPUTA POR EL RÍO

De Alejo Di Risio y Franco González. Duración: 62 minutos.



XXX- DOCUMENTAL SOBRE LA DESTRUCCIÓN DEL RIO PARANÁ POR SOBRE SU UTILIZACIÓN

"Por el Paraná" debiera ser un documental de exhibición obligatoria en los secundarios del país y en las carreras de geografía. Alejo Di Risio y Franco González cargan al hombro cámaras y el tema para buscar las raíces de lo que se dice: que el río Paraná, el de los camalotes y los islotes, hoy en día está en manos extranjeras o bien de intereses de multinacionales.

Los realizadores entrevistan a un sinnúmero de habitantes, desde especialistas en temas de ambientación hasta pescadores ribereños, familias afincadas en alguno de los márgenes del Paraná que se van destruyendo por el paso de las gigantescas factorías extranjeras que lo surcan. Hoy se habla de "Hidrovía" una palabra que no existe y que reúne los intereses de un grupo de empresarios de soja y otros productos que pueden vender al exterior concentrando el poder en la Bolsa de Comercio de Rosario. Para que los buques de gran calado puedan pasar y cargar en alguno de los más de 30 puertos que rodean la ciudad de Rosario, se dragó el río hasta más de 35 pies, es más que río un profundo "canal", dicen los expertos.

El ingreso de estos buques de carga que no respetan la velocidad (8 km) provoca la destrucción de las orillas (las van "comiendo") y de las barrancas, así como ciertos lugares del "antiguo" Paraná donde muchos peces tenían sus crías.

Por sobre la situación anímica de quienes están sufriendo la pérdida de su hábitat – nada menos-, está la soberanía del país que no existe en los hechos desde que el ex presidente Menem otorgada la concesión por 20 años a estas empresas en 1994. Y está el planteo, hasta con lágrimas, de los lugareños que piden el regreso del Estado nacional para evitar una mayor extranjerización de lo nuestro porque ni las ganancias quedan en el país dado que todo es "sin aranceles" así como tampoco se declaran las cargas. Hablan de 115 buques de gran calado transportando 100 millones de toneladas de soja. Y "cargas" desconocidas... A buen entendedor...

Es un documental revelador y desolador, que indigna a la vez por la codicia de empresarios que destruyen todo a su paso. Nada les importa. Pero la concesión se termina este año, y a lo mejor algún funcionario toma cuenta de que la Argentina todavía es un país soberano. Un documental revelador y perturbador sobre el futuro del país.

Elsa Bragato

-

LAS PUERTAS DE TAQUIMILÁN

De Eduardo Spagnuolo. Con Mariano Panello, Darío Altomaro, Alejandra Rincón, A. de Fátima. Fotografía de Mathieu Orcel. Arte de Valentina Dariomerlo. Música original Mapuche. Canción "Mimí mi sol", de Gustavo Gregorio. Duración: 65 minutos.



XXX – VALIOSO RESCATE DE UNA VERDAD HISTÓRICA

El realizador Eduardo Spagnuolo, de quien hace poco hemos visto otro trabajo, rescata en "Las puertas de Taquimilán" el misticismo mapuche. Se vale de pocos personajes (elenco neuquino): Martín (Mariano Panello) regresa al sur llamado por Ceferino (Darío Altomaro), viaja en su automóvil a través de una oscura noche, y el GPS lo lleva hasta el hospital zonal donde encontrará a su amigo. Sin recurrir a ningún artilugio técnico, Spagnuolo hace un paralelo a la manera de flashback entre Martín y Ceferino 13 años antes y el viaje actual de Martín en busca de Ceferino. En aquel momento, era un chico de Buenos Aires que quería demostrar cómo el general Roca había incluido a los mapuches al país. Ceferino, entonces chofer de una empresa de remises, le habla de la historia de su raza, contrarrestando la posición porteña.

"Algo" llamó a Martín luego de más de 10 años y regresa al lugar para encontrarse con Ceferino internado por su propia hija, Ailín (Alejandra Rincón), médica, a fin de someterlo a una arriesgada operación. Pero Ceferino preferirá la sabiduría de su pueblo anhelando irse a la ciudad virtual de Taquimilán, donde están los ancestros. Metáfora de morir para vivir en otro plano.

El filme nos muestra el choque generacional que se produce entre la cultura porteña y la del sur encarnada por los mapuches, así como el encontronazo interno de éstos, en este caso la hija médica de Ceferino y su propio padre que solo acepta las premisas de sus creencias, ese espacio virtual que la Fe genera. La ciudad de Taquimilán es el espacio traspersonal que Spagnuolo logra materializar con una buena fotografía (a cargo del realizador francés Mathieu Orcel), delineada sutilmente sobre los paisajes.

Resulta una película sencilla y al mismo tiempo con una propuesta conceptualmente muy rica, trabajada con la complejidad de manejar narrativa y técnicamente dos épocas de la amistad surgida entre el capitalino Martín y el mapuche Ceferino. Buena fotografía, interesante temática, buenas actuaciones, una película nacional que rescata la historia mapuche genuina, enmarcada en la música original de los pueblos de la Patagonia.

Elsa Bragato

-

LEYENDA FEROZ

De Denise Urfeig y Mariano Frigerio. Guion de Mariano Frigerio. Fotografía de Aylén L+ópez, Montaje de Karina Expósito, Música de Adrián Guzmán, Animaciones de Julieta Roccoasa Productora Salamanca. Con Marcelo Piñeyro, Fernán Mirás, Cecilia Dopazo, Imanol Arias, entre otros. Cine.Duración: 77 minutos.



XXXX – LUCES Y SOMBRAS DE UN FILM ICÓNICO

Resulta atrapante "Leyenda Feroz" como documental por su agilidad narrativa y la investigación de producción para "rearmar", desde el detrás de escena, la realización de la película Tango Feroz, estrenada el 3 de junio de 1993. Es la historia de un héroe del rock nacional apodado Tanguito, sobrenombre de José Alberto Iglesias, fallecido en extrañas circunstancias a los 26 años en 1972. Para los directores del documental, Urfeig y Frigerio, aquel film que realizó Marcelo Piñeyro en un contexto económico opuesto (el menemismo donde "todo se compraba y vendía"), proponía el amor como fuerza de la vida ("El amor es más fuerte"; notable tema de Barrientos y Martín), y le develó a los jóvenes de hace 30 años las raíces del rock nacional, y la realidad que se vivía tan opuesta a los sueños: dictaduras que sometieron a nuestra sociedad, persecuciones de los jóvenes de pelo largo, una juventud haciendo música en espacios pequeños, poco visibles pero plagados de proyectos, de sueños.

Es muy interesante la charla con el director Piñeyro, "hacedor" de este éxito que hoy es leyenda, que habla de las tantas dificultades que tuvieron, desde iniciar su primera película, luego de trabajar muchos años con Luis Puenzo, hasta la elección de un elenco de incipientes actores como Fernán Mirás y Cecilia Dopazo, Leonardo Sbaraglia, Imanol Arias, entre tantos otros. Así como la súbita falta de financiamiento oponiéndose al fantástico apoyo incondicional de la escritora Aída Bornik para guionar. Fernán Mirás reconoce que fue el lanzamiento de su carrera, como lo fue para Dopazo y el resto del elenco, hoy reconocidos artistas de la escena nacional e internacional.
Uno a uno van desfilando frente a las cámaras de Urfeig y Frigerio con el asombro aún hoy, a tres décadas, en el rostro: el éxito de "Tango feroz" fue rotundo y superó con creces los muchos obstáculos que mencionábamos debiendo agregarse el rechazo de Litto Nebbia a autorizar el uso de "La balsa", pieza fundamental para la historia, al mismo tiempo que surgieron los detractores considerando que fue una gran ficción con pocos elementos reales de la vida de Tanguito.

El éxito se mantiene, la canción "El amor es más fuerte" es un himno de entonces y de ahora, nos reconocemos en esa melodía roquera que marcó al film y le dio sentido a esta biografía ficcionada de este personaje especial del rock nacional. Teniéndose en cuenta siempre el valor sociopolítico de nuestro rock tan ligado a la democracia y contrarios a las dictaduras desde siempre.

En fotografía, material periodístico, este documental es uno de los mejores de este año incluyéndose su fluidez narrativa basada en la alternancia de personajes frente a cámara, la melodía sustancial, los inserts del film "Tango feroz" y un guion bien estructurado. Aquel "Tango feroz", como Bornik denominó al rock, merece esta "Leyenda feroz", suceso sin fecha de vencimiento.

Elsa Bragato

--

OTROS TÍTULOS ARGENTINOS PREVISTOS
2.- LA ESTRELLA QUE PERDÍ, de Luz Orlando Brennan.
Película que toma el caso de una actriz que retoma su carrera con una obra muy mediocre, sufriendo el abandono afectivo y efectivo de su hija. Es un camino difícil donde se mezclan la profesión y la familia. Con Mirtha Busnelli en el protagónico.

ESTRENOS INTERNACIONALES PREVISTOS

1.- EL PLANETA DE LOS SIMIOS, NUEVO REINO, de Wes Ball
Son críticas hasta el viernes.

2.-HCHIKO 2: SIEMPRE A TU LADO de Ang Zu.
Continuación de la historia de este perrito, que conmueve profundamente a diferentes públicos de diferentes edades. Producción de China.

3.- EL GRAN CAMBIO, de Brock Heasley
"Un fárrago notablemente incoherente de temas de ciencia ficción y proselitismo cristiano", de Noah Berlastky, Chicago Reader
"Tiene efectos visuales e interpretaciones decentes, pero este drama de ciencia ficción basado en la fe tiene problemas con un guion irregular"; de Jeffrey Anderson, Common Sense Media.
"La película intenta desesperadamente asustarnos con la idea de un mundo sin creencias, pero no tiene ni la acción ni los diálogos necesarios para lograr tal hazaña", de Nadir Samara, Screen Rant.

3.- LA GARRA DE HIERRO, de Sean Durkin.
"Se deja llevar por los imperativos de la tragedia de un modo muy sugerente", de Sergi Sánchez, Diario La Razón.
"Sean Durkin filma con aplicada corrección... expone los conflictos dramáticos alternando cuadrilátero y hogar, de manera muy verosímil", de Jordi Batle Caminal, Diario La Vanguardia.

4.- BOONIE BEARS, CÓDIGO GUARDIÁN
Animación de origen chino.

---

Estrenos previstos para este jueves (pueden producirse cambios de último momento)

1.- GARFIELD, FUERA DE CASA, de Mark Dindal. Animación
2.-PROFESIÓN PELIGRO, de David Leitch, con Ryan Goslin.
Llega al cine la famosa serie Profesión Peligro cuyo detectiva, Colt, está encarnado por el laureado Ryan Goslin. Es un doble acción y su actividad lo lleva a tener consecuencias alocadas. Para entretener.
3.-LA HABANA DE FITO, documental
Hay crítica.
4.- AMOR, MENTIRAS Y SANGRE, de Rose Glass, Kristen Stewart, Katy O'Brian, Ed Harris, Dave Franco, entre otros.
Sin críticas hasta el viernes.
5.- LITERAL, de Alberto MAsliah.
Sin críticas hasta el viernes.

--

CRÍTICAS
(Aclaramos que algunas de estas películas cuyas críticas presentamos fueron vistas en grupo de críticos de cine dado que los links de los films no se pueden reenviar. Es una forma de cumplir con las exigencias de las distribuidoras)

UN HOMBRE QUE ESCRIBE

De Liliana Paolinelli. Con Abelardo Castillo, María Moreno, Mayna Leciñana. Fotografía de Paula Grandio y Alejandro Ortigueira, Soledad Rodríguez. Edición de Lorena Moriconi, Sonido de Leandro de Loredo y Luciana Braga. Duración: 61 minutos.

XXX – REPORTAJE A UN GRAN LITERATO

Hace dos años partió a otro plano el notable escritor Abelardo Castillo, que dejó una vasta producción literaria que honra nuestro acervo cultural. Fue fundador y director de las revistas El Grillo de papel, El Escarabajo de Oro y El Ornitorrinco. Su obra se divide en novelas, teatros, cuentos.
En este documental, habla de los 70, de la concepción de escritor, de los talleres que ofreció, de su oficio y sobre su esposa. La cámara nunca se mueve. Es Abelardo Castillo de costado casi aunque frente a cámara, respondiendo preguntas y explayándose en los temas que conoce desde una seguridad personal y sin falsa humildad. Aunque sabe, reconoce, el trabajo de escribir, el éxito de todo lo que ha hecho. Sin reconocerse "un escritor".
Como documental, ofrece muy poco material. La narración apenas se enriquece con algunas tapas de sus libros, con capítulos abiertos frente a cámaras, con el paso de las páginas en forma rápida. Pero nada más. Es decir, es un documento literario para un target determinado de público más que un documental, dado que no hay una investigación periodística: todo se basa en la figura del escritor Abelardo Castillo respondiendo preguntas. Un reportaje valioso pero nada cinematográfico.

Elsa Bragato

-

LA NOCHE ADENTRO

De Carina Piazza y Alejandro Alonso. Con Mónica Lairana, Valeria Luz Aoaricio y Chicho Vargas. Guion de Carina Piazza. Fotografía de Mariano Donoso, Arte de Alejandra Mascareño y Selva Tulián, Duración: 93 minutos.

XXX – INTENSO THRILLER SOBRE LAS LIBERTADES INDIVIDUALES

Desde Mendoza llega la película "La noche adentro", filmada en el departamento de Lavalle, sobre el caso de un padre y una hija que viven en un lugar desolado e inhóspito a cuya choza llega una joven revolucionaria malherida, hecho que ocurre en 1978. Es decir, plena dictadura cívico militar de aquellos trágicos años.Todo aquel que era sospechoso corría la misma suerte: la muerte, dentro de un régimen nazi que, a décadas de la caída de Hitler, cobró vida en nuestro país hasta 1983. La joven que llega herida es rápidamente socorrida por María y su padre, un hombre hosco, que sabe accionar más que dialogar. Su hija está sometida a ese destino rutinario sin salida y encuentra en la joven revolucionaria un cambio sustancial. Pocas horas bastan para que María se enamore de la chica. Mientras, el padre está atento al cada vez más cercano patrullaje militar por sus terrenos. Es decir, salvar la vida de la joven, presa de pánico, está convirtiendo su hábitat en una cárcel para sobrevivir. Casi un contrasentido.
Los directores trabajaron con colores opacos, así como los escasos diálogos obligan a esforzar la atención en los gestos de los tres habitantes: el rostro de la joven presa del terror, el de María cargada de desesperanza, el del padre con una pertinaz hosquedad. El policial surge de golpe, la muerte acecha, y la vigilancia sobre tres personas aisladas del mundo es mayor.
En verdad, hay un planteo sobre los alcances de la libertad y su relatividad, sociedades sujetas desde tiempos inmemoriales a los designios de poderosos, encierros que no son cárceles pero que actúan de la misma manera en la vida de las personas.
En lo formal, hay una buena narrativa basada en una excelente fotografía con variedad de planos y tomas conformando una historia atractiva de principio a fin. La pasión de María por la joven es lo menos interesante como aporte de conflicto: ésta es una historia de libertades condicionadas por diferentes motivos, desde lo político hasta la pobreza. Es la noche dentro de uno, la falta de luz espiritual que lleva al precipicio. Para pensar.

Elsa Bragato

-

LA HABANA DE FITO

Dirección y guion de Juan Vin Vilar. Fotografía de Raúl Prado Rodríguez, Banda Sonora de Velia Díaz de Villalvilla. Duración: 62 minutos.

XXXX – EL OTRO FITO

El documental "La Habana de Fito" de origen cubano rescata la figura del cantautor Fito Páez desconocida para la mayoría: el Fito músico habanero. Llegó en 1986 a la isla de Cuba luego de sufrir la tragedia que cubrió las noticias policiales de ese entonces: el asesinato de su abuela, su tía y de la señora que ayudaba, hecho ocurrido en su ciudad natal, Rosario. Encontrar a Pablo Milanés en la capital de Cuba y conocer a la trova cubana fue la salvación de su vida porque, luego de semejante desguace familiar, solo le quedaba el suicidio.
Fito se ubica en una terraza de un hotel que quiere mucho en La Habana y con su interlocutor va repasando su vida en Cuba; fue un visitante asiduo aun desconociendo, como bien dice, cualquier cuestión política de fondo. Se enamoró de su gente, de su acervo cultural, se sintió allí inmensamente feliz, felicidad que transmite este documental muy bien narrado con inclusión de videos de la época: fragmentos de los conciertos de Fito de 1987, 1988, su regreso en 1996 (un largo período en el que lo acompañó quien era su pareja, la actriz Cecilia Roth), 2012, 2014 y 2016.
La amistad con Milanés (filmación anterior al 2022 dado que el artista falleció ese año en España, donde estaba radicado) fue un camino de vida para Fito Páez, voz a la que se suman las de Carlos Alfonso, Eve Valdés, Santiago Feliú, la Van Van Orquesta, el ministro Roberto Robaina, Luis Alberto García, Cecilia Roth, entre tantos otros, que fueron dando su testimonio sobre lo que significó Fito Páez para los cubanos: nuestro artista fue otra revolución para Cuba por su música y su desparpajo.
Admiración mutua, recuerdos de borracheras, de noches y días de música y ron, y la presencia inesperada del comandante Fidel Castro, quien le habló de cualquier tema menos de política, jalonan esta charla imperdible, que va recorriendo años, décadas, con un artista entusiasmado por lo vivido y con la emoción a flor de piel.
Para Fito Páez, La Habana debe conservarse así, con sus construcciones antiguas porque en ellas está su espíritu, la alegría, la risa, la buena música, y el saber vivir. Quizás sea cuestión del clima del Caribe, Fito no lo sabe, pero está seguro de que La Habana y su gente son únicas.
Buena narración, buena documentación que incluye fragmentos de noticieros de la época, una fotografía que alterna la charla de Fito Páez con los inserts fílmicos, y que redondea la idea inicial: Fito Páez no pudo sustraerse a la fascinación que La Habana produce en todos quienes la visitan. O quizás se pueda decir que así como Páez tuvo su "flash" con La Habana, los cubanos tuvieron el suyo con nuestro Fito.

Elsa Bragato

---

--

CRÍTICAS

ANIMU

Documental de Miguel Cohan, BAFICI 2924.

Música de Wara Calpanchay. Fotografía de Federico Bracken. Compañías Vertiente Cine, La Pluma Producciones, Duración 61 minutos.

XXX – SENSIBLE RELATO SOBRE EL CRECIMIENTO ESPIRITUAL DE UNA ADOLESCENTE

Miguel Cohan le da protagonismo a Wara, una adolescente de la Puna que decide vivir fuera de la ciudad de Jujuy. Toca el Violín, de hecho la música del film le pertenece, y tiene gran cercanía con su abuela. Cuando esta muere, empieza un crecimiento involuntario que le resulta doloroso. De eso se trata esta historia contada en blanco y negro.

Si bien esta la supuesta "tía" Delia, la ausencia definitiva de la abuela es diferente: va unida a la música y reconoce que solo le ha quedado esto último. Ahora se da cuenta de que es tanta su necesidad de afecto que es capaz de abrazar a un desconocido o a un animal, a los que de niña les temía. Pero falta mucho para su crecimiento, porque nada sabe de las costumbres de su pueblo, aunque comparta algunas. El mundo se convirtió un lugar desconocido al que debe desandar y descubrir.

El tratamiento que Cohan le da al guion es metafísico, tal como se entiende hoy, basado en esas preguntas que no tienen respuestas especialmente cuando alguien cercano muere. Dónde está, cómo reencontrarlo, dejamos realmente que su alma vuele o lo atamos a la tierra con nuestros deseos. Ni la ciencia aun las ha podido desentrañar. Para Wara todo es comienzo o tal vez volver a las raíces y encontrar alguna respuesta desde su nombre hasta el presente, con tíos y primos que no sabe si son de su sangre o no, y buscar un camino dentro del arte como salida. Tiene a la música como compañera inseparable del recuerdo ahora de su abuela, el camino tal vez esté en las artes audiovisuales...

En esta película se habla de los sueños, de la música, del reencuentro con los seres que no están, marcando notable diferencia con las películas donde se trata el crecimiento de una adolescente. Es, en definitiva, un sentido documental, con muy buenos rubros técnicos una historia de adolescencia diferente contada desde el lugar del alma y del pensamiento.

Elsa Bragato

---

XXX- CINE-PASIÓN EN UN BUEN DOCUMENTAL

Hacer cine en Buenos Aires tiene diferencias de medios respecto del mismo trabajo en las provincias de nuestro país. Es la vivencia del director Eduardo Spagnuolo quien viajó al pueblo Zonda, a 20 km de la ciudad de San Juan, para entrevistar a Fabián Arévalo, fotógrafo, entre otros menesteres, transformado en director de cine. Un cine a pulmón para el que se hacen rifas a fin de financiarlo, un crowdfounding casero. La idea de Fabián fue filmar la vida de la montonera Martina Chapanay, reconocida como la vengadora de la muerte del Chacho Peñaloza, que nació en la comunidad de los huerpes en 1800 aproximadamente y falleció en 1887. La actriz elegida fue la lugareña Nilda Oyola, a quien convenció su hermana de tomar el papel por el valor histórico del personaje. Todo en familia.

Spagnuolo se encontró con un grupo de amantes del cine, sin experiencia profesional que, sin embargo, estaban registrando increíbles escenas de acción. Allí advirtió capacidad e ingenio, y pasión por filmar. Los trajes de época estuvieron a cargo de una vecina, mientras que cada integrante del elenco llevó su propio caballo porque "son más protagonistas que nadie".

Por sobre lo que nos cuenta en forma fluida y animada este documental, está la tremenda oposición entre los medios con los que se cuentan en nuestra ciudad y los que faltan en el interior profundo. Claro que tener medios no es ni gratis ni fácil porque se suceden las presiones de los sindicatos, de organizaciones ligadas al cine, y de los elencos profesionales, que enloquecen con exigencias al productor y al director.

Para Spagnuolo ha sido un hallazgo que lo entusiasmó por lo que terminó de organizar este documental: se topó con gente con pasión que lograba lo que aquí se hacía con inversiones importantes. El resultado es una especie de western criollo interesante, una propuesta que hace bien ver: argentinos con amor por lo que hace, que tiene ingenio y voluntad por sobre las carencias. Un film valioso que pone sobre el tapete el ingenio y la voluntad por sobre una realidad difícil pero nunca insalvable.

Elsa Bragato

-

UN GATO CON SUERTE

Animación dirigida por Christopher Jenkins. Voces de Mo Gilligan, Simone Ashley, Sophie Okonedo, entre otros. Duración: 78 minutos. Distribuye BF París.

XXX – UN GATO CON UN KARMA ESPECIAL

Esta animación, que fuese presentada en el festival Sundance, viene alcanzando buenos niveles de público por su temática: un gato al que las 7 vidas le alcanzan para llegar al cielo y volver con varias más. Se trata de "Beckett", gato muy mimado que, de casualidad, cae en la casa de una investigadora científica quien busca salvar a las abejas. Por uno u otro motivo, va perdiendo sus vidas hasta que, al llegar a la última, el único camino que le queda es el del Cielo. Allí hay una encargada de recibirlo que le irá solucionando sus ansias de vivir pero en el cuerpo de otros animales.

Es curioso cómo uno de los enunciados metafísicos indican que, al pasar a la otra vida, la reencarnación sobreviene en el cuerpo de otro ser humano. Para algunos, también en animales o insectos, si bien esta última es la teoría más rechazada. En el gato Beckett resulta muy simpática esta reencarnación para regresar a la tierra convertido en laucha, en zorrino, en abeja, en caballo, entre otros animales, siempre cumpliendo con una tarea de ayuda a su dueña que llora por él.

El tema se torna muy simpático por el personaje, Beckett empatiza rápidamente con el público y la narración resulta atractiva de principio a fin si bien el pobre gatito sufre las mil y una. En verdad, una animación con mucha alma y sentido ecológico.

Elsa Bragato

-

ASTOLFO

Dirección y guion de Gianni Di Gregorio. Con Gianni Di Gregorio, Stefanía Sandrelli, Gigio Morra, Alfonso Santagata, Mauro Lamantia, Alberto Testone, Agnese Nano, Simone Colombari, Biagio Forestieri, Mariagrazia ompei, entre otros, Fotografia de Maurizio Calvesi, Mu´sica de Ratchev and Carratello. Duración: 97 minutos. Bibi Film y Le Pacte.

XXX- COMEDIA SOBRE EL AMOR AÑOSO

Las sociedades actuales miran con recelo el amor y la sexualidad en la llamada "tercera edad". Está asumido que los "añosos" no pueden tener las mismas habilidades amatorias que los de 20, 30, 40 o 50. Gianni Di Gregorio, que peina sus canas, enfoca su película sobre este aspecto cuando, por diversas razones, debe dejar su departamento romano y vivir en un viejo palacio familiar. Algunas cosas cambiaron, el párroco del lugar tomó parte del edificio, y, en la zona liberada, viven un pordiosero, un chef y un joven, todos sin techo ni trabajo.

"Astolfo", que encarna Di Gregorio, tiene una infinita paciencia por lo que acepta vivir con los tres, mientras intenta recuperar la propiedad. Al margen de las diversas circunstancias que enfrenta al respecto, su primo se empecina en presentarle a una viuda, Stefanía (la siempre bella Stefanía Sandrelli, aquélla inolvidable de "Nos habíamos amado tanto", film de Ettore Scola, 1974), quien, a su vez, ha dejado de vivir su propia vida para atender los reclamos de su hijo y nietos. La llegada de Astolfo cambia su rutina diaria no sin inconvenientes.

Por sobre los personajes bien delimitados, surge el planteo de Astolfo, hombre sesentón, quien se pregunta si tiene derecho a volver a amar, si puede ser aceptado y si no hará el ridículo. Otro tanto le ocurre a Stefania.

Es, más allá de los protagonistas, una problemática social que determina la soledad de gente mayor con enormes valores intelectuales aun cuando mantienen capacidad para trabajar y rehacer sus vidas. De allí el valor de esta comedia que no cae en el melodrama y en los rebuscamientos conceptuales. Di Gregorio logra una comedia cálida, de planteos sociales sutiles, enmarcados en este nuevo amor al que se anima a darle cauce. Es una película honesta, que divierte, hace bien y hace pensar subliminalmente.

Elsa Bragato

AMOR SIN TIEMPO

Dirección y guion de Bertrand Bonello, basado en un cuento de Henry James, La Bete. Con Léa Seydoux y George Mackay, enre otros. Fotografía de Josée Deshaies, Música de Bertrand Bonello y Anna Bonello. Duración: 146 minutos.

XXX – HISTORIA DE UN AMOR Y ALGO MÁS

El cuento "La bestia" de Henry James, considerado el padre de la Psicología Norteamericana, llega por segunda vez al cine esta vez de la mano de Bertrand Bonello con "Amor sin tiempo" en castellano, quien logra un film demasiado extenso, pero sin poder de síntesis.

La protagonista es Gabrielle, una joven y bella mujer (Lea Seydoux), quien no quiere sufrir más y se somete a la Inteligencia Artificial que ha logrado "comprender los sentimientos para tenerlos sin sufrir". Bonello empieza su narración en el 2044 para llevarla a 1910 y 2014, a través de un extraño proceso que, para la paciente, es un abrir y cerrar de ojos. En todos estos momentos, Gabrielle ha sentido el temor de que su vida corre peligro, si bien se encuentra con su amor de adolescencia. Está casada con un hombre que, repentinamente, se dedicó al negocio de muñecas de plástico, hasta que decide separarse.

La "bestia" del título en francés está presente en donde menos se espera. Y, como todo buen cuentista, James lo descubre en el final, algo que Bertrand Bonello respeta. Mientras tanto, el realizador nos pasea por diferentes sentimientos y sensaciones: desde el miedo a morir al miedo a un desastre, el miedo al entorno, el miedo a la soledad, hasta dejar de manera tácita por sobre todos estos miedos la esencia de lo existencial, este permiso de estar con vida por un ratito nomás.

Nada es muy explícito en el film de Bertrand Bonello salvo la aparición del amor de adolescencia de Gabrielle en cada período, pero el director no logra fusionar estas etapas que vive la protagonista en un todo sino que quedan como secuencias, o paréntesis que pueden eliminarse sin que la propuesta pierda sentido.

Es innegable que hay una búsqueda del amor como salvación, planteo incuestionable de la protagonista. Pero se diluye en una narrativa laberíntica. Si el cuento de Henry James está pleno de pesimismo sobre la condición humana, el film de Bonello toma sus ideas literarias de manera parcializada, dándole tinte policial. Ideal para festivales más que para todo tipo de audiencias.

Elsa Bragato

---

XX – PELÍCULA CATÁSTROFE QUE DECEPCIONA

Repentinamente se produce un tremendo terremoto de 9,5 grados en la ciudad de Chengsung, donde existe un Parque Industrial. Si bien el cuerpo de bomberos tiene entrenamientos en este tipo de catástrofes, este terremoto los superará y transformará una próspera ciudad en una villa apocalíptica.

La película es una sucesión de desastres para los que se cree estar preparado hasta que se desata el feroz sismo de 9.5 que produce la explosión de las tuberías de la planta química. Solo hay una pareja que pone la cuota de amor: él es bombero y ella una experta en situaciones límites que se pone a disposición para recorrer la planta a fin de determinar los elementos químicos y trabajar entonces con los mejores medios de protección. El melodrama romántica está en que ella no acepta casarse con su novio bombero y, sin embargo, la vida los enfrentará a una situación tan dramática que ambos deberán analizar si tienen o no futuro.

Hay escenas de sensiblería máxima aunque se ajusten a alguna realidad vivida: los bomberos que se declaran hijos del padre de un compañero, un anciano que está por desmayarse por el llanto, que ha fallecido en el desastre telúrico o el pendrive que, bajo tierra, un bombero atrapado logra grabar y enviar a la maestra de quien está enamorado para despedirse. No es una película buena, es una sucesión de desastres de computación que no aportan nada nuevo. Mucho apocalipsis técnico, llantos forzados y carencia de auténtica sensibilidad.

Elsa Bragato

-

LAS DOS MARIETTE

Dirección y guion de Poli Martínez Kaplun, fotografía de Hernán Menéndez, Música de Cesar Lerner. Con Mariette Diamant, amigas y familia. Duración: 80 minutos.

XXXX – LAS DOS ALMAS DE MARIETTE

La realizadora Poli Martínez Kaplun logra una larga y sentida entrevista con Mariette Diamant, nacida en Austria que vivió en París con sus padres y fue educada en los mejores colegios católicos. Cuando los alemanes ocuparon Francia, sus padres decidieron emigrar a la Argentina. Mariette recuerda a su madre por su glamour y su voluntad férrea mientras que su padre, bastante mayor que la mamá, se ocupó del mantenimiento del hogar. Por un hecho fortuito, su madre le confesó que su papá era judío y que ella no tenía acta de nacimiento porque se había incendiado la oficina estatal.

MAriette empezó a vivir un quiebre profundo: si su padre era judío, ella lo era también, pero su madre había ocultado todo posible judaísmo siendo educada en la fe contraria. Judía pero católica profunda. Junto a un grupo de amigas, luego a sus tres hijas, Mariette comprende que su sufrimiento por esta dualidad tuvo un por qué: su madre quiso cuidarla. De decir que era judía, tal vez no habría vivido. Mientras que para MAriette es muy importante aún hoy esta situación dual, así como para sus hijas mujeres no hay ningún problema y para su hijo varón la situación lo tiene sin cuidado. Mucho menos importa a sus nietos para quienes la situación hasta es divertida.

De esta biopic resultan muy interesante las charlas de las amistades judías de Mariette y las diferentes hipótesis que hilvanan sobre el caso. Pero nadie la culpa, solo hay que lamentar que Mariette sufra aún hoy imaginándose si pudo ser discriminada por antisemitismo, o si no cumplió con su fe. Que sienta, en definitiva, una culpa por algo que no le pertenece.

Bien podemos afirmar que en este film de Poli Martínez Kaplun es esencial lo conceptual: el secreto de "Las dos Mariette" está en lo que se habla en las reuniones con familiares y amigos. No obstante, la realizadora cumple con los elementos del documental al poner frente a cámaras a Mariete Diamant así como se entrevista con diferentes integrantes de su entorno. Historia conmovedora que habla de las consecuencias de las guerras, de la lucha por la supervivencia, de la discriminación por fe, y la resiliencia cuando es posible. Para Mariette, protagonista empática, es un dilema, eje de su vida, aunque se comprende y acepte su profunda conmoción espiritual. Un documental pleno de emoción.

Elsa Bragato

-

SIEMPRE HAY UN MAÑANA

De Paola Cortellesi. Guion de Paola Cortellesi, Furio Andreotti y Giulia Calenda. Fotografía de Davide Leone, Música de Lele Marchitelli. Con Paola Cortellesi, Valerio Mastandrea, Vinicio Maarchioni, entre otros. Duración: 118 minutos.

XXXX- UNA HEROÍNA SURGIDA EN EL NEORREALISMO

La directora, guionista y protagonista de Siempre hay un mañana presenta una película sobre el empoderamiento de las mujeres ubicando la historia en 1946, plena postguerra, con la utilización del blanco y negro.

Es la misma directora y coguionista quien personifica a Delia, una hermosa mujer casada con un hombre violento, madre de tres hijos, la mayor a punto de comprometerse, que creyó en el matrimonio pero ahora con la carga de sus sueños hechos trizas mientras cumple a rajatabla con sus obligaciones de ama de casa, esposa y madre.

La historia se asemeja a muchas otras, salvo que en esta oportunidad Delia es la esencial protagonista, la cámara (la propia cámara de Paola Cortellesi) la sigue haciéndonos sentir su quiebre interior mientras la vida familiar continúa sin variantes. Sin embargo, se produce un atisbo de salida que es más que individual, social. En principio, surge como un pellizco en el camino narrativo por lo que aquello que parece como determinación de libertad no sea personal sino social.

Es decir, Delia y su historia conforman una gran alegoría sobre las libertades sociales femeninas. Trasciende los estereotipos al no quedarse en una agónica idea de irse. El tratamiento que le da Paola Cortelessi a su heroína es de universalidad a partir de la individualidad, trabajando el lenguaje básico del neorrealismo con secuencias que caen en el surrealismo por su extrema teatralidad, resultando insólitas y desparpajadas. Una película sobre la condición femenina atrapante, muy bien realizada, con una heroína fascinante. Estupenda, para ver.

Elsa Bragato

-

ALEMANIA

Dirección y guion de María Zanetti. Con Maite Aguilar, Andy Pruss, Vicky Peña, entre otros. Fotografía de de Agustín Burrutia, Música de Sergio de la Puente, Duración: 87 minutos.

XXXX- HALLAZGO CINEMATOGRÁFICO EN UNA HISTORIA COTIDIANA

Es el primer largometraje de María Zanetti y el debut de su protagonista, Maite Aguilar, moviéndose en un medio en el que parecen haber nacido: el cine. Se cuenta la historia de una adolescente de 16 años, Lola, que logra una beca para Alemania a fin de culminar su secundario en Europa. Se enfrenta a las vicisitudes de su hogar, donde su hermana mayor es el centro de preocupación de los padres, mientras que el hermano menor aporta inquietud y alegría. Lola queda siempre relegada, pero está convencida de lograr su sueño a costa de lo que fuere.

María Zanetti trabaja con el medio plano, produciendo cercanía, familiaridad. Nada de lo que ocurre en la historia resulta desconocido, uno se integra a esa familia de clase media baja. Mérito sin duda de Zanetti que mantiene en un mismo nivel la narración: no hay tiempos muertos o que resulten excesivos. En todo caso, la realizadora tiene manejo de la historia para ir dosificando las tensiones intrafamiliares, agregándose la calidez de la abuela (la reconocida española Vicky Peña). El conflicto estalla sin caer en el melodrama, es una circunstancia difícil más que enfrenta un matrimonio con una hija enferma, otra con un viaje al exterior y un pequeño al que hay que criar. Ningún personaje sobra o está fuera de contexto. Lola crece abruptamente a partir de las pequeñas y cotidianas frustraciones, mientras no abandona su sueño. Fluye la historia como la vida misma, solo es necesario abrir los caminos de la conciencia para que los hechos se encaucen.

Se trata de una película redonda, bien realizada en todos sus aspectos, los actorales y los técnicos. Asombra la calidad interpretativa de la novel Maite Aguilar, así como el conocimiento y manejo de la esencia de lo cinematográfico que tiene María Zanetti. Un pequeño gran hallazgo.

Elsa Bragato

-

VLADIMIR

Dirección y guion de Martin Riwnyj. Fotografía de Joaquín Silvatici, Arte de Victoria Cachán, Edición de Leo López y Esteban Rivero, Música de Pablo Trilnik, Eduardo Gómez Bidondo. Con Daniel Aráoz, Enrique Dumont, Marcelo Melingo, Mimí Ardú, Alma Bagnato, María Eugenia Rigón, Mariela Pizzo, Germán Baudino, Carlos Belloso, Stefanía Koessl, entre otros. Duración: 72 minutos.

XXXX- PROTAGÓNICO POTENTE Y OSCURO PARA UN NOTABLE DANIEL ARÁOZ

Tener a Daniel Aráoz como protagonista de una obra, en este caso, cinematográfica es lograr un altísimo porcentual de calidad desde el vamos. El director Martín Riwnyj, artista plástico y realizador al mismo tiempo, lo convoco para un personaje muy especial, Vladimir, ideal para la personalidad escénica de Aráoz. Vladimir es un artista a quien, como primera circunstancia, la muerte trágica de su mejor amigo, Raulito (Enrique Dumont) le provoca un cambio psicológico profundo iniciando una carrera pictórica a base de oscuros actos. Su contracara es "Pereda", a cargo de Carlos Belloso, policía corrupto que intenta no serlo. El resto de los personajes tienen que ver con el mundo del arte, galeristas, expertos, a quienes poco les importa la vida del artista sino lo que sus productos generan. La segunda circunstancia que quiebra el espíritu de Vladimir es la aparición de una joven mujer que lo obliga a un replanteo de su vida y de su propia muerte.

Es una película diferente, donde hay planteos sobre distintos aspectos desde la moral hasta la fe y la vida en el más allá. Riwnyj logra climas envolventes, con una cámara por momentos subjetiva, en cuyas tomas hay ocultas respuestas, tan secretas como la inspiración de Vladimir.

En definitiva, estamos frente a un intenso policial, donde la perversión y el absurdo se fusionan en el protagonista, quien logra su obra maestra de manera sorprendente al punto tal de que deja sin aliento. Muy buen filme.

Elsa Bragato

---

--

CRÍTICAS

TOKYO SHAKING

Dirección y guion de Olivier Peyon, coguionista: Cyril Brody. Fotografía de Alexis Ravirchine, Música de Manuel Rolank y el Coro de Abricot. Con Karin Viard, Stephane Bak, entre otros. Duración: 101 minutos. Mirada Distribution

XXX –UNA MIRADA DIFERENTE SOBRE EL DESASTRE DE FUKUYIMA

Olivier Peyon, principal guionista de esta realización que dirigió, centra la historia en "Alexandre" (Karin Viard), francesa trasladada a Tokyo cumpliendo con un ascenso, y en el empleado "Amani" (Stephane Bak) de origen congoleño. En esa dupla protagónica se generan una serie de temas que Peyon no desarrolla sino que puntualiza, he aquí la cuestión narrativa, enmarcando la historia en la explosión nuclear de Fukuyima y sus consecuencias inmediatas.

"Alexandre", francesa en Tokyo, permite analizar el caso de la migración, por necesidad en su caso o por voluntad como fue la elección de "Amani", así como la presión sobre una mujer que ocupa un importante cargo. Sin embargo, está sojuzgada por su marido, por su superior, y por las circunstancias: es migrante, mujer, y tiene un cargo gerencial. En verdad, hay numerosos subtemas interesantes que no se profundizan pero se señalan claramente porque el drama no está en Fukuyima sino en la vida cotidiana, centrándose en "Alexandre" y su capacidad para surfear una situación límite mientras la aquejan diferentes factores individuales y sociales.

Dentro de la estructura de una comedia dramática clásica, Peyon vira la narración surgido de un hecho límite para desgranar, puntualizar, la reacción individual desde lo cotidiano y los valores que se ponen en juego. Deja un claro mensaje sobre los pro y contra de sociedades avanzadas donde la discriminación por sexo y raza siguen vigentes como hace siglos. Para pensar.

Elsa Bragato

-

HEMSHEJ

Dirección y guion de Julieta Lande. Camara de Lande y Pablo Linietsky. Anmaciones de Tomás Lerer. Idiomas: castellano, polaco e inglés. Duración: 71 minutos. Producción Argentina- Polonia.

XXX – LA BÚSQUEDA DE LOS ORÍGENES

La directora Julieta Lande reconstruye el origen de su familia a partir de lo que no se dijo, de lo que no se habló en familia. Sus abuelos fueron "sobrevivientes", lo único que supo, y vinieron de Polonia en 1939. Mucho más no se habló, actitud que fue muy común en los inmigrantes del siglo XX por diferentes motivos.

Viaja a Polonia, busca la calle donde vivieron sus antepasados, visita cementerios judíos, viaja a Israel, se encuentra con sus primos. Una parte de la familia está interesada en los orígenes mientras que otra considera que son actitudes "nostálgicas". Resulta diferente su posición respecto de Israel y Palestina, los árboles que se plantaron en tierras ocupadas que le obligan a decir que una historia de vida tapa otra. Casi como cuestionamiento o bien una pregunta para esa disyuntiva.

Es atractivo el primer plano casi constante de Lande, busca en los rostros de su tío y de su padre respuestas que, a veces, dan más los gestos que las palabras. Su voz en off va explicando desde las fotos iniciales de Joel y Jana, los abuelos a quienes dedica el documental, así como el por qué de su viaje a Polonia, un país que les suena como "cementerio de judíos". La ayuda de su tío y su padre resulta determinante: "la vida era normal hasta que dejó de serlo", afirma su padre, mientras que señala que "Hemshef" significa recuerdo, iniciar ese recuerdo y darle continuidad. Siendo entonces una actitud de vida para todos los judíos. Hay un trasvasamiento generacional del dolor infringido.

El documental resulta muy atractivo en lo conceptual por la riqueza en la búsqueda, que encuentra desde el bosque de los mártires de Stok hasta la diferencia entre los nativos de Israel y los judíos nacidos en otros países, enriqueciendo además la fotografía con paisajes poloneses e israelíes. Diferente, con un pensamiento claro y sin cortapisas sobre lo que es ser judío: hay una carga histórica que se debe afrontar siempre.

Elsa Bragato

-

CLARA SE PIERDE EN EL BOSQUE

Dirección y Guion de Camila Fabbri. Fotografía de Victora pereda, Montaje de Josefina Llobel, Arte de Iara Ohanian,Con Camila Peralta, Agustín Gagliardi, Julián Larquier Tellarini, Florencia Gómez García, Maitina de Marco, Martina Chamorro y Pedro García Narbaitz- Duración. 86 minutos.

XXX – RECUERDOS QUE NO SE SUPERAN

Es el primer largometraje de la escritora Camila Fabbri y, en verdad, logra un filme diferente, un tanto complejo conceptualmente, pero que despierta interés especialmente en los más jóvenes.

Nos cuenta un momento especial en la vida de Clara (Camila Peralta) que desea ser madre y su viaje hacia un paraje campestre con su pareja, un encuentro familiar bucólico, amable, simple, con un bosque enfrente de la casa y la libertad de descansar cuando se quiere. Pero Clara mantiene charlas vía celular con su amiga de siepre, Martina, quien ya está embarazada y es quien la ayudó a salvarse en la masacre ocurrida el 30 de diciembre del 2004 en Cromañón, el lugar bailable de la zona de ONCE que se cobró más de 195 vidas en cuando las bengalas lanzadas por los chicos rozaron las telas que cubrían el techo. Era una presentación de Callejeros, que terminó en una tragedia social.

El trabajo de Camila Fabbri es interesante: los recuerdos que Clara y Martina sienten, que las movilizan, se cuentan vía telefónica, mientras lo que se ve, las imágenes, nos muestran la vida familiar, la alegría de los chicos, los perros corriéndose, y la visita al bosque, paseo obligado que, por momentos, asusta porque cualquiera puede perderse.

Es decir, hay una oposición concreta: lo que se ve no es lo que voces en off nos cuentan. Hay una exclusión adrede de lo que se vive (sentarnos, escuchar a otros, tomar mate) con lo que la mente de Clara acepta y, en este caso, es lo que Martina le recuerda sobre la tragedia de Cromañón, ese hecho traumático que las unió. La narración transcurre a partir de un claro sentido de lo "no empático" porque no se logra fusionar el sentimiento de Clara, en medio del bosque de sus pensamientos y traumas, con la vida cotidiana de la que parece participar.

Camila Fabbri logra plantear una dicotomía profunda en la protagonista, basándose en lo que más conoce que es la literatura: lo que sucede es literario, se habla, está en diálogos o monólogos, pero no en las imágenes que muestran un grupo familiar que disfruta de una casona en el campo. En definitiva, la película transcurre en una voz en off.

Elsa Bragato

---

--

CRÍTICAS

CONVERSACIONES CON SÁBATO

Documental de 1983. Dirección de Pablo César. Idea y producción de Ana María Novick. Música de Guido Sábato. Edición de Liliana Nadal. Postproducción de sonido de Emiliano Monsegur. Postproducción de imagen de Gorky Films. Proceso de escaneo digital del film Super8 de Sebastián Tolosa. Diseño gráfico de Gabriel Real.

XXXX – RECUPERACIÓN DEL PENSAMIENTO DE UN GRAN ESCRITOR

El realizador Pablo César, de vasta trayectoria, logró ubicar en Tailandia a Ana María Novick, quien fuera la ideóloga de este documental con el escritor y físico Ernesto Sábato como protagonista antes de que terminara la dictadura cívicomilitar, en 1983. Hubo un proceso de digitalización y de renovación tecnológica del material inicial y se pudo llegar a este mediometraje de gran interés. Se ve a Ernesto Sábato paseando por Parque Lezama, el lugar de sus personajes de Sobre Héroes y Tumbas, y también en su casa de Santos Lugares. Tiene un pensamiento lúcido, preciso, que le permitió definir al movimiento Peronista, desentrañar el caso de Eva Perón, figura a la que admiró siempre, distinguir entre el arte en sí mismo del arte propagandístico a través de Beethoven y de Picasso como ejemplos, y hablar de la vida y de la muerte, riéndose porque a la segunda "solo me llevarán con la fuerza pública". Es una figura adusta y amable a la vez que nos habla del por qué de la pintura, la diferencia entre sueño y creación, su problema de visión, las pasiones entre pintura y literatura, y un sentimiento especial de empatía con la naturaleza. Es de gran interés cultural ver este documental que se ofrecerá los días 3 y 10 de abril a las 19 horas en el CCK con entrada libre y gratuita. Escuchar a un pensador nacional es lo más conveniente que nos puede pasar en estos días.

Elsa Bragato

-

EL LIBRO DE LAS SOLUCIONES

Dirección y guion de Michael Gondry. Con Pierre Niney, Blance Gardin, Frankis Wallach, Francoise Lebruri, ente otros. Fotografía de Laurent Brunet, edición de Elise Flevet, Música de Etienne Charry, sonido de Le Braz, Iven y Gaborieau, Diseño de producción de Pierre pell, Duración: 102 minutos. Distribuye Zeta Films.

XXX – RELATO SOBRE LA CREACIÓN Y SUS CONTRATIEMPOS

Michael Gondry regresa a la pantalla grande (Premio Oscar por Eterno resplandor de una mente sin recuerdos) tras varios años de ausencia aunque dedicado a los videos musicales, siendo como es, baterista.

En "El libro de las soluciones" nos presenta a Marc, cineasta excéntrico cuya última filmación es rechazada pero se empecina y va a la casa de una tía suya, en las afueras de París, decidido a terminarla. Tiene un fiel equipo que lo sigue y una tía que lo comprende más allá de lo habitual.

Hay ideas espontáneas y brillantes mientras Marc (Pierre Niney)se descontrola en forma constante por lo que su película queda detenida más de lo aconsejable. Hay varias secuencias interesantes aunque insólitas dentro de un contexto por momentos caótico: de pronto, Marc dirige un ensemble musical así como por causalidad se transforma en alcalde del lugar, mientras logra que el mismísimo Sting grabe la música para una película de la que poco y nada se sabe, adempas de preocuparse por la salud de su tía. Mucho al mismo tiempo.

La narración explota en ideas, el protagonista las va escribiendo en su "libro de las soluciones", y, dentro de la incomprensión que se genera por la yuxtaposición de situaciones, surge el costado humano que le devuelve al film y al protagonista la cordura que está faltando. Digamos que un poco de rareza está bien pero cuando la historia se desarticula a cada instante a partir de un personaje excéntrico, se pierde ese costado de comedia innato y puede aburrir o cansar. Cine dentro del cine con el desparpajo creativo de Michael Gondry.

Elsa Bragato

-

DETRÁS DE LA VERDAD

Dirección de Miles Joris Peyrafitte. Guion de Madison Hassiron y Miles Joris Peyrafitte. Con Hilary Swank, Olivia Cooke, Jack Reynor, entre otros. Duración: 90 minutos. Distribución de Digicine.

XXX – INTENSO DRAMA SOBRE EL SUBMUNDO DE LAS DROGAS

La notable actriz Hilary Swank protagoniza a una periodista, Marissa Bennings, quien sufre el asesinato de uno de sus hijos y se ve envuelta en una investigación de enorme crueldad.

El supuesto paraíso de las drogas está aquí expuesto con crudeza, sin exageración, como si tanto drama fuese lo habitual aún en las familias supuestamente bien conformadas. Lo curioso del tratamiento narrativo de Miles Joris Peyrafitte es la contención de la intensidad dramática, dosificándola sobre el personaje de Marissa Bennings, eje del drama.

El rostro de Hillary Swank se transforma en la base de la fotografía siendo la razón de esta propuesta que trasciende la anécdota (un hijo asesinado por el submundo de la droga) para ser referente de un drama social que, lejos de disminuir, crece diariamente.

Densidad dramática en una historia que recurre al drama personal, exento de balaceras y persecuciones, a través de un personaje, buscando en su mirada, en sus expresiones, el dolor de la pérdida ante el absurdo de la autoaniquilación.

Elsa Bragato

---

--

ESTRENOS PREVISTOS

1.- Ghostbusters: Apocalipsis Fantasma, de Gil Kenan.

(Sin críticas hasta el viernes)

2.- LUCA, de Enrico Casarosa, animación

"Nostálgico capricho italiano de Pixar. La propia concepción de la cinta implica una suerte de vacaciones en Italia. De Federico Marín Bellón, Diario ABC.

"Una película menor, un título de fondo de armario, un himno a la tolerancia hacia lo diferente", de Sergi Sánchez, Diario La Razón.

3.-RECUERDOS DE PARÍS, de Alice Winocour.

(Hay crítica)

4.-CABRINI, de Alejandro Monteverde

(Hay crítica)

5.- LOVE LIFE, de Kodi Fukada.

"Fukada no va de Haneke ni de Von Trier por la vida, sino que se mira en Rohmer, en Erice y en Kurosawa que le dio clases en la universidad", de Yago García, Cinemanía.

"La película no tarda en propinarle al espectador tan magno bofetón que éste no entiende de dónde le havenido ni por qué", Phillip Engel, Diario La Vanguardia.

6.-NO ESPERES DEMASIADO DEL FIN DEL MUNDO, Rumania.

(Hay crítica)

7.-CROSS DREAMERS, de Soledad Velasco (Argentina)

8) EL VIENTO QUE ARRASA, de Paula Hernández, (Argentina)

--

CRÍTICAS

NO ESPERES DEMASIADO DEL FIN DEL MUNDO

Direccion y guion de Radu Jude. Con Ilinca Manolache, Nina Hass, Ovidiu Piryan, entre otros. Fotografía de Marius Panduru. Duración: 163 minutos. Distribuye Zeta Films.

XXXX – INESTIMABLE DESCRIPCIÓN SOCIAL

El regreso del rumano Radu Jude con "No esperes demasiado del fin de mundo" nos mete de lleno y sin permiso en una realidad caótica e impiadosa donde lo humano tiene muy poco espacio (se recuerda que obtuvo el León de Oro de la Berlinale con su película Sexo desafortunado o Porno Loco). Protagonizada por una reconocida Iliaca Manulache, nos muestra la vida de "Angela" que trabaja en la producción de un film para una multinacional con sede en Austria. Su tarea es filmar a los trabajadores que hayan sufrido accidentes a fin de que las aseguradoras actúen en consecuencia. Todo bajo un ojo al estilo de Gran Hermano que los fiscaliza desde un zoom a pantalla plena.

Es, en sí, un film incómodo por su extensión narrativa, por su lenguaje, por sus escenas sin cortapisas, y angustiante por el destino de la protagonista: Angela vive agobiada por su día a día manejando su automóvil para ubicar a los "accidentados", tiene más de 15 horas de trabajo, por lo que su furia contenida la expresa a través de un "alter ego" racista y marginal como es "Bobita" que irrumpe en la pantalla para manifestar procazmente los sentimientos de repulsión que siente.

En la forma, en lo que vemos, el film es significativo por la cámara como plano secuencia sobre Angela en blanco y negro y momentos en color del pasado, muy pocos, con sonido ambiente y una narración audiovisual de casi 3 horas. En el fondo, en lo que nos va dejando en el alma, encontramos varios elementos.

Por empezar, de la incomodidad que nos invade por la extensión narrativa, por algunas escenas que solo buscan provocar, podemos extraer subtemas: en principio nos puede atraer el desenfado del rumano Jude para explorar los sentimientos de Angela como trabajadora y, a través de su alter ego, el desagradable Bobita, podemos reírnos de esta tragicomedia cotidiana, o podemos pensar si se superó el sistema de sociedad feudal. Da la impresión de que no, de que bajo el peso indubitable de las artes, no logran ocultar una extrema rusticidad en sus interrelaciones. "No esperes demasiado del fin del mundo " es un grotesco feroz de la vida en una ciudad impiadosa, símbolo de las del resto del mundo. Película nada fácil aunque inestimable descripción social. Jude disruptivo y desparpajado.

Elsa Bragato

-

RECUERDOS DE PARÍS

Direccion y guion de Alice Vinocout, coguionistas: Jean Stephane Bron y Marcia Romano. Con Virgine Efira, Gregory Colin, Benoit Magimel, entre otros. Fotografía de Stephane Fontaine. Música de Anna Von Hausswolff. Duración: 105 minutos.

XXXX – DE LA TRAGEDIA A LA VIDA POR EL CAMINO DE LA RESILIENCIA

"Recuerdos de París" es un producto esencialmente femenino, desde la protagonista, insigne Virgine Efira, hasta la música de Von Hausswolff. Reconstruyen el ataque terrorista a un céntrico restó parisino donde "Mia" (Virgine Efira) se refugia de la lluvia antes de regresar a su casa, motoquera, bella, enamorada de su pareja, el médico Vincent (Gregoire Colin).

Pero se produce el ataque terrorista: Mia recién reiniciará su vida normal tres meses después pero sin recordar lo que pasó. Es aquí donde la historia hace un quiebre definitivo: deja el thriller inicial para adentrarse en la búsqueda de la protagonista de su propia memoria, de la razón de su subsistencia, que es la razón de ser de la película. Los grupos de autoayuda, los sobrevivientes, aquél que la reconoce, otra que la confunde, y ese encuentro de almas entre Mia y Thomás (Benoit Magimel) que buscan la razón de estar vivos acariciándose las cicatrices, siendo ésta la escena de amor más impresionante del film.

Es cierto también que hay varias escenas de intensa ternura, de emocionalidad profunda, con la sensación de que siempre es la mirada de Mia, que la cámara se ha instalado en ella para sentir sus sentimientos y para mirar lo que está mirando. Aquí hay un hallazgo narrativo de Alice Winocour (cineasta francesa de reconocida y activa producción también en televisión) que habla de su sensibilidad para elaborar una historia en la que uno va de la mano de la protagonista. Logra fundir la técnica con el significado, la forma con el fondo, en un relato clásico.

Las actuaciones son notables: fluye de ellas sensibilidad pura, generándose un clima de intensa emotividad que debe encontrar su cauce, fluir, a través de Mia en el reconocimiento del otro, es decir, la recuperación del camino del dolor para comprender la supervivencia inesperada. Tiempos muy complejos donde solo la conciencia emotiva puede desatar nudos gordianos de odio y resentimiento.

Elsa Bragato

-

CABRINI

Dirección de Alejandro Monteverde, sobre una historia del propio Monteverde y Rod Barr, guionista. Con Cristiana Della )Anna, John Lighgow, Giancarlo Giannini, entre otros. Fotografía de Gorka Gómez Andreu. Música de Gene Back. Duración: 145 minutos. Distribuye BF Films.

XXX – BUENA BIOPIC SOBRE LA PRIMERA SANTA NORTEAMERICANA

Con cierta teatralidad, exceso de clasicismo y momentos melodramáticos, "Cabrini" resulta ser una buena biopic de la primera santa norteamericana y Patrona de los Inmigrantes, la italiana Francesca Cabrini, canonizada el 7 de julio de 1946 por Pío XII luego de reconocérsele la curación milagrosa de la vista de un niño.

La historia nos cuenta cómo esta monja italiana tenía la ambición de difundir la fe y ayudar a los chicos pero en Oriente. Una visita al Papa la llevó a New York, a fines del siglo XIX, donde los pequeños inmigrantes morían de hambre por sus calles y los trabajadores eran brutalmente discriminados.

La Monja Cabrini luchó contra sus propios superiores, contra las autoridades norteamericanas que optaban descaradamente por los irlandeses considerando a los italianos poco inteligentes, contra una burocracia que también la desestimó por ser mujer.

El recorrido narrativo va paso a paso en una historia donde la figura de esta mujer, venida de un pueblo italiano y con convicciones de acero, se empodera al punto tal que, antes de morir (estaba muy enferma desde su juventud pero sobrevivió hasta los 67 años), se transforma en una poderosa empresaria que logró abrir hospitales, orfanatos y escuelas a lo largo y ancho de los Estados Unidos y también en Oriente, como había sido su sueño inicial.

Hay una interesante fotografía y sólidas actuaciones, en especial de su protagonista, Cristiana Dell"Anna, con una banda sonora en algún momento excesiva. Es una película que honra a una gran mujer, sólida, clásica, estructurada, pero convincente con el melodrama de la vida misma.

Elsa Bragato

---

--

CRÍTICAS

DOBLES DE ACCIÓN

De Larry Yang, incluyendo el guion. Con Jackie Chan, Liiu Haogun, Qilin Guo, entre otros. Fotografía de Ming Sun, Duración: 136 minutos.

XXX –JACKIE CHAN PARA TODA LA FAMILIA

Sin más pretensiones que entretener con un producto para la familia, la relación padre e hija, y la relación del padre con un bellísimo caballo al que el protagonista Lou (Jackie Chan) salvó de la muerte en cuanto nació, son los pivots sobre los que Larry Yang, guionista y director, mueve los hilos de su narración.

Para algunos puede ser un melodrama pequeño, para otros es una película que nos devuelve el ámbito de lo familiar, lo emotivo, las relaciones entre padres e hijos, la resolución de los problemas, desde una simplicidad en el guion contrapuesta a la complejidad en su filmación dados los numerosos encontronazos de "Lou", personaje del afamado Jackie Chan, con enemigos, así como cumpliendo con su rol de doble de acción junto a su caballo en el cine.

Este tipo de guiones sencillos y lineales hoy en día deben agradecerse porque tienen mensajes movilizadores a tener en cuenta: las relaciones familiares que deben afrontarse y resolverse. Es éste el punto más fuerte del film que corresponde a la vida misma. Hay toques de ternura, una pizca de melodrama y mucha veracidad en el relato porque a nadie escapa que entre padres e hijos surgen muchos problemas generacionales. Es decir que la problemática de la vida misma surge en estos personajes con emoción genuina. Con buenos rubros técnicos, baqueteados en el cine, clishés, pero siempre atractivos. Aquí no se sigue ninguna otra filosofía o enigma metafísico que aquél que nos impone la vida misma. Por eso nos encantó.

Elsa Bragato

EL BASTARDO (THE PROMISED LAND)

Dirección y guion de Nikolai Arcel. Coguionistas: Anders Thomas Jensen. Con Mads Mikkelsen, Amanda Collin, Simon Bennedijerz, entre otros. Fotografía de Rasmus Videbaek, Música de Dan Romer. Duración: 127 minutos.

XXXX - SOBERBIA EPOPEYA NÓRDICA

Inmensidad, crueldad, dignidad, son sustantivos que, en buena medida, definen esta historia, ubicada en el siglo XVIII (excelente diseño de arte) y centrada en la vida del capitán Ludvig Kahlen, servidor del ejército, que se dispone a conquistar las desoladas tierras nórdicas a fin de transformarlas en suelos fértiles para su rey. A cambio solo quiere un título de noble. Es en verdad una cruzada desigual la que emprende Kahlen, encarnado por Mads Mikkelson con una gallardía y presencia escénica apabullantes. El es el pivot de esta historia, el que genera el odio del joven y cruel noble Frederik de Schinkel, quien vive en una mansión cercana. Es una mente enferme que somete a sirvientes, los martiriza, los afrenta, pero frente a él se empodera el capitán Kahlen, rival inmutable e inquebrantable.

Echadas las cartas, el director Nikolai Arcel despliega un arsenal de acontecimientos en una sucesión sinfín que van desde el asentamiento de Kahlen ayudado por una pareja de forajidos, una niña morena proveniente de una tribu, y un sacerdote. La tarea es colosal, el clima adverso no perdona, mientras Kahlen hace frente tanto a la irracional maldad del joven noble como a las supercherías ignorantes. Es él frente el mundo.

De esta manera, la narración pasea por una amplia gama de sensaciones y sentimientos, provocando horror ante una tortura, la impiedad con los animales, los brutales enfrentamientos con gente de toda rale, hasta llegar a Kahlen decidido a hacer parir la tierra y a matar o morir.

Como en el viejo Oeste, en "El bastardo" el protagonista gana terreno con sangre y sudor, nada fuera de lo conocido pero atrapante por la enorme figura de Mads Mikkilson que se adueña de una epopeya fascinante. Es en sí misma una historia clásica, aunque no convencional, que fascina por su trasfondo humano y que tiene en su protagonista a un hombre subyugante, imponente, que hace suya toda la propuesta. Gigante, soberbia epopeya nórdica.

Elsa Bragato

-

LA HISTORIA DE MI MUJER

De Ildiko Enyedi. Guion de la directora sobre la novela de Milán Fust. Con Lea Seydoux, Gijs Naber, Louis Garrel, entre otros. Fotografía de Marcell Rev, Música de Adam Balazs. Duración: 168 minutos. Coproducción de Hungría, Alemania, Italia y Francia.

XXXX – PASIÓN SIN LÍMITES

La pasión entre el elegante y apuesto Jacob, capitán de barco, y la sensual Lizzy, surge con tal frenesí que genera una historia de amor bella y trágica a la vez, cargada de erotismo enmarcado por una fotografía exquisita. La historia se ubica en la década del 20, en medio de la explosión por la vida luego de la Gran Guerra; Lizzy y Jacob disfrutan de las reuniones sociales, el alcohol, la diversión máxima. Se aman con intensidad, y se acicatean: quién es capaz de engañar al otro. Esta duda que Lizzy (una increíblemente sensual Lea Seydoux, nueva promoción francesa) se encarga de generar despierta en Jacob un inusitado desenfreno. Será éste el nuevo rumbo narrativo, que desploma sin vueltas una historia de amor muy bella. Es cuando la pasión se descontrola, se torna violenta, lastima. Los protagonistas pasan por una amplia gama de sentimientos, desde fundirse uno en el otro hasta el rechazo. Y entonces se alcanza un climax de belleza y erotismo en medio de un "tempo" sensual por momentos extremo. La vida se encarga de poner límites a los desafíos de Jacob y Lizzy.

Hay un gran sentido de lo cinematográfico en la directora Ildiko Enyedi: la escena de sexo entre Jacob y Lizzy tomada con cámara fija desde un cuarto aledaño explota el contraste entre los cuerpos blancos y los acolchados oscuros. Es decir, la fotografía y la recreación de época son pilares que acompañan dos actuaciones plenas de pasión, como nacidos uno para el otro, de tal magnitud es la química entre Jacob (Naber) y Lizzy (Seydoux). En pleno siglo XXI, una película que nos habla del amor, la pasión, el sexo, con todos sus vaivenes. Por momentos, fascinante.

Elsa Bragato

-

TORMENTA DE FUEGO

INCENDIOS EN LA PATAGONIA

Documental de Luciano Nacci y Axel Emilien. Fotografía de Luciano Nacci y cámara. Sonido de Luciano Nacci. Microfonista: Axel Emilien. Montaje de Luciano Nacci, FX de Lali Rizza. Grafica de Hernán Altamiranda.

XXX – RELATO DE UNA FEROZ TORMENTA DE INTERESES

Desde CABA se ve en los noticieros las filmaciones de los desastrosos incendios en la Patagonia como en diferentes puntos del país, se siente impotencia, dolor. Y falta de respuestas: Lo curioso es que a esa sensación que tenemos se le añade el hecho de que a ningún habitante de esos lugares se les ocurre pensar que la naturaleza porque sí enfureció, a pesar del cambio climático Las cámaras de Nacci y Emilien recorren los parajes de la provincia de Chubut que el 9 de marzo del 2021 sufrieron atroces incendios. Los vecinos que perdieron todo dan la cara, ninguno estuvo convencido de que fue por obra y gracia de algo inasible. Para todos hay demasiados intereses políticos y económicos siendo muy clara la intencionalidad: extranjeros que van ocupando las tierras dadas generosamente por el Estado bajo la consigna de que ya no hay árboles autóctonos. O bien se pueden "regalar" para megaminería, para hotelería, etc. Ahí están los vecinos de toda la vida y los pueblos originarios, que perdieron todo así como hubo que lamentar vidas humanas y no humanas, como fiel reflejo del dolor y del desastre que padecieron. Hasta las autoridades de esos parques naturales saben que "alguna mano" bien humana provocó la feroz tormenta de fuego que tardaba un solo minuto en arrasar 50 metros, lenguas de fuego gigantes, pavorosas. Un vecino indica que vio a ambos lados de la carretera "siete fuegos pequeños, curiosamente encendidos a la misma hora", un dato inobjetable.

Excelente fotografía por cielo y por tierra, testimonios lacerantes frente a cámara, música incidental sutil: Tormenta de fuego une fondo y forma en una denuncia absoluta y cabal de la tormenta de intereses mezquinos que se padece en Chubut.

Elsa Bragato

---

--

ESTRENOS INTERNACIONALES

1.- KUNG FU PANDA 4, ANIMACIÓN, de Mike Michell, Voces de Jack Black, Angelina Jolie, Jackie Chan, Dustin Hoffman, entre otros.

(Sin críticas hasta el viernes)

2.- IMAGINARIO, JUGUETE DIABÓLICO, de Jeff Wadlow

(Sin críticas hasta el viernes)

3.- TODOS SOMOS EXTRAÑOS, de Andre Haigh

"Es posible que después de verla se quedan a vivir en ella por la sencilla razón de que la amarán como solo se ama al propio amor", de Luis Martínez, Diario El Mundo.

"La idea de la película es preciosa. Haigh es un maestro de lo que se dice entre líneas, y las mejores escenas de la cinta son las que trabajan la intimidad", Sergi Sánchez, Diario La Razón.

4.- LA HISTORIA DE MI MUJER, de Ildiko Enyedi. Hungría.

"La directora posee sentido visual y vocación lírica, aunque no logra implicarme demasiado en la fiebre que sienten sus personajes", de Carlos Boyero, Diario El País.

"Cansina... adopta las formas de un melodrama decimonónico, con aspiraciones viscontinianas para hundirse en las aguas del europudding catatónico", de Sergi Sánchez, Diario La Razón.

--

ESTRENOS NACIONALES

LA RENGA, TOTALMENTE POESÍDOS, de Gustavo Napoli
Documental sobre música y músicos

--

CRÍTICAS

ELDA Y LOS MONSTRUOS

Guion y dirección de Nicolás Herzog. Con Diego Detona, Natalia Curcho, Calypso Summer, Anul Oribe y Fran Dacunda. Edición de Nicol{as Herzog, Leandro Aste y Guillermo Saredo. Arte de Claudina Roda. Sonido de Emiliano Biai{, Sergio Cabrera y Marcos Zoppi. Fotografía de Fernanda Montiliengo y Fernando Lorenzale. Música de Matías Sorokin, Diego Detona, Lautaro Osorio, Juan C. Federik, Santiago Butto y Alan Anderson. Duración: 73 minutos.

XXX – RETRATO DE UNA TRANSFORMACIÓN EXISTENCIAL

Nicolás Herzog vuelve a lo suyo: a dejar crecer al protagonista a medida que avanza la narración. El espectador participa de un crecimiento especial, de una conversión, de una confirmación de personalidad. En este caso, Diego Detona, de Concordia, Entre Ríos, es el joven de muy buena voz, entre pop y rock, que descubre su lado trans como parte de su verdadero ser. De a ´poco, a partir de un grupo de fieles amigos y de un viaje trascendental, va logrando ser quien quiere ser.

Diego es Elda, Diego en la vida y Elda en los escenarios, cantando estupendamente bien, con algo del recordado Freddy Mercury en sus movimientos. Pero es Diego también. La aceptación de lo que siente ser la va logrando a través de un viaje superador y trascendental, peligroso porque incluye zonas selváticas y cruces de anchos ríos, hasta llegar a la tumba de La Muda, un travesti asesinado en uno de esos parajes y, sin que sea el lugar exacto, tiene un monumento funerario popular. Por casualidad o causalidad surge el nombre de La Muda y la convicción de rendirle tributo. Para Diego-Elba y sus amigos es un objetivo a cumplir, a pesar de que incluya una ardua travesía que es, en definitiva, la de la vida misma, es la que los va a reconstruir por dentro sin que ellos mismos se den cuenta.

Herzog logra que su personaje se asuma, lo muestra de entrecasa y con las luces de un escenario, le da todas las posibilidades para que se exprese. Y es, en definitiva, una descripción de estos tiempos, en los que las búsquedas personales, el saber quién se quiere ser más que quién se es, es un modo de vida. Las transformaciones, las adaptaciones, las transiciones, son los caminos que todos enfrentamos en todos los aspectos de nuestras vidas, los personales, los sociales y los profesionales.

La película tiene logros en todos los rubros técnicos, locaciones diurnas y nocturnas, trabajos de fotografía muy interesantes, y un elenco que ayuda con su espontaneidad y honestidad histriónica. Herzog vuelve, entonces, a regalar un film redondo, sin fisuras, esta vez descubriéndonos a un joven trans dueño de una maravillosa voz: la consigna es que Elba tenga mayor presencia que Diego para que éste sea lo que desea ser.

Elsa Bragato

-

ME GUSTA CUANDO HABLAS

Dirección de Silvina Estévez y Marlene Grinberg. Guion de Bonelli, Howlin, Grinberg y Estéves. Con Rosa Rodríguez, Fabiele Rodrígues Bomfim, Violeta Osorio, Montserrat Olave, Carolina Rodríguez y Cecilia Giordano. Fotografía de Florencia Mamberti. Sonido de Pepa Santa María. Música de Maximiliano Padin. Duración: 70 minutos.

XXX – CINCO MUJERES COMO EJEMPLO DEL FEMINISMO

La lucha por los derechos de las mujeres viene tomando fuerza a través de diversas manifestaciones. Un día antes del Día de la Mujer, el 8 de marzo, se ofrece este documental que nos muestra, con buena cámara, o sea buena fotografía, la vida de una poetisa erótica, una Ceo, una madre de familia, una influencer, un grupo de mujeres bolivianas y sus rituales, entre otras. Es curioso que no se haya incluido a una estudiante universitaria o personas abocadas a otras especialidades culturales.

El comienzo del documental es bastante chocante, la poetisa erótica en pleno acto de autoplacer, para luego enterarnos de que es madre de varios hijos, tiene nietos y bisnietos, y que optó por los juguetes eróticos y las compañías virtuales para satisfacer su sexualidad. Está la joven influencer brasileña para quien la brisa sobre el rostro significa la libertad, el ama de casa con sus críos y la obligación constante de ocuparse de cada uno de ellos, hasta la CEO, tal vez la mujer menos retratada dentro del contexto narrativo propuesto.

El documental es un documento justamente de determinados casos que plantean situaciones personales sin fijar posición. Tiene buena fotografía, buenos planos, buenas tomas, por lo que, por instantes, es una ficción sobre diferentes mujeres y sus quehaceres. No complace a esta sección el inicio de la propuesta porque resulta chocante. Podemos tener mucha libertad intelectual y de pensamiento pero también existen el pudor y el buen gusto. Y nos parece que a la poetisa erótica se la descuidó en su aspecto: lo natural está bien pero no lo desprolijo. Es tan solo una opinión.

Elsa Bragato

---

FIN DE PERÍODO DE RECESO HASTA MARZO

---

---

INICIO DE PERÍODO DE RECESO HASTA MARZO

---

--

CRÍTICA DE UN REESTRENO INELUDIBLE: CARLAS ILMUMINADAS

CARTAS ILUMINADAS

Dirección y Guion de Cinthia Rajschmir. Con Manuel Antín,Ponchi Morpurgo, Graciela Borges, Dora Baret, entre otros. Fotografía de Pedro Romero, música de Strauer. Duración: 66 minutos. 1962

XXXX. UNA AMISTAD ILUMINADA POR LA INTELEGENCIA

REESTRENO

El intercambio epistolar y esencialmente intelectual entre el director Manuel Antin y el escritor Julio Cortázar refleja una de las amistades más singulares que se dio en el medio artístico del cine y la literatura. Manuel Antín, quien en 1983 fue director del INCAA y suprimió la censura, llevó al largometraje tres cuentos de Cortázar, logrando un intercambio epistolar con el ya afamado escritor que honrosamente llegó a la pantalla grande a través de Cinthia Rajschmir, fina cineasta que plasma ese algo más que sobrevuelan las cartas de Cortázar y los recuerdos de Antín.

La cifra impar de 1962, Circe de 1964 e Intimidad en los parques de 1965, son tres producciones que, surgiendo en suelo argentino, representan peculiarmente la famosa Nouvelle Vague francesa. Ese espíritu, entre sigiloso y trágico común en Jean Luc Godard o Francois Truffaut, está presente en Antín, en la voz de Cortázar explicando su dificultad para escribir algunos diálogos, y en la interpretación de artistas del calibre de Graciela Borges, Alberto Arbigay, Fernanda Mistral, Dora Baret, Lautaro Muría, Walter Vidarte, o Sergio Renán. Ese lento y sinuoso mirar a cámara de la Borges, la calidez de Argibay, la intransigencia de Murúa, trasuntan el clima entre opresivo y premonitorio de tres historias donde se entrelazan la capacidad cinematográfica de Antín y la concepción de lo literario de Cortázar.

El documental pasea por los protagonistas con la inclusión de Ponchi Morpurgo, esposa de Antín, de Graciela Borges y Dora Baret, los recuerdos del director para quien su sueño hubiese sido "ser Cortázar, autor de Rayuela" y para el mismo Julio Cortázar que soñó con imaginar secuencias a la manera de su flamante amigo Manuel Antín.

En ese ida y vuelta de ambos, a través de cartas manuscritas y de fonocartas entre París, Berlín, y Buenos Aires, transcurre una narración infrecuente en la que el intercambio de lo esencialmente intelectual se vuelve el núcleo de una amistad, diríamos propia de los 50 y 60 entre grandes del cine, la música y la literatura. Fue esa bohemia creativa que no necesitó de trasnochadas ni elementos extraños para concretar maravillosas creaciones, tiempos de prepotencia intelectual que se extrañan y que deberían volver.

Elsa Bragato

---

--

ESTRENOS INTERNACIONALES

1.- ARGYLLE: AGENTE SECRETO. DE Matthew Vaughn

Sin críticas hasta el viernes.

2.- CHICAS MALAS, de Samantha Jayne

"Es una versión descafeinada y precocinada de su predecesora. Toda la frescura, la naturalidad, la picardía, ha quedado sepultada en una remake nada original", de Marta Medina, El Confidencial.

"Demuestra que la cultura de las chicas malas sigue mereciendo la pena", de Owen Gleiberman, Variety

3.- JACK EN LA CAJA MALDITA 3, de Laurence Fowler

Sin críticas hasta el viernes

4.- EL HOMBRE DE LOS SUEÑOS, de Kristoffer Borgli

"Nos ofrece un personaje de Cage que no habíamos visto antes, en modo víctima quejumbrosa", de Michael Rechtshaffen, The Hollywood Reporter.

"Borgli esboza con destreza una cultura insensible que cultiva, digiere y se deshace de sus novedades a la velocidad vertiginosa de una buena comedia", de Charles Bramesco, The Guardian.

5.- SETTEMBRE, de Michal Vinik.

6.- SLEPP EL MAL NO DUERME, de Jason Yu.

"Este suspenso mantendrá despierto al espectador, ya que aporta cambios imaginativos y pícaros a una sencilla premisa de sonambulismo", de Jonathan Rourney, Screendaily.

"La dirección, el diseño de sonido y los actores principales, siguen haciendo de ella una recomendación fácil, pero el último acto flaquea mucho", de Jose Lipsett, Bloody Disgusting.

--

CRÍTICAS

VALERIA

Dirección y guion de Michal Vinik. Con Lena Fraifeld, Dasha Tvoronovich, Yakov Zada Daniel, Avraham Shalom Levi. Fotografía de Guy Raz. Música de Dafhna Keenan. Duración: 76 minutos. Idiomas: Hebrero, ruso, inglés. Israel y Ucrania.

XXXX – DE UCRANIA, SIN AMOR

Michal Vinik toma el caso de dos hermanas ucranianas que, por diversos motivos que no se explicitan, deciden contraer matrimonio con israelíes. La mayor, Valeria, alienta a su hermana menor Cristina a hacer lo mismo, para lograr tener hogar y una vida dignas. Pero surgen inconvenientes, Cristina no es tan dócil como Valeria y no acepta las imposiciones del hombre elegido para ella. La "transacción" amorosa la hizo su cuñado a través de una agencia supuestamente legal para conseguir parejas cobrando 5000 dólares por cada caso.

El relato es ágil, por momentos hilarante, pleno de un atractivo suspenso a la manera de thriller amoroso que se va complicando. El realizador desnuda con habilidad sin caer en el melodrama de un machismo acendrado en culturas orientales que, en verdad, inaceptables.

Es una narración dinámica, fresca, con muchos matices, que enfrenta la libertad de la mujer para vivir con la opresión masculina. Atractivo relato que no pierde nunca el timing, sosteniendo el aire de comedia dentro del formato del drama cotidiano.

Elsa Bragato

-

SETTEMBRE

Dirección y guion de Giulia Steigerwalt. Fotografía de Vladan Radovic, Música de Michele Braga. Con Tesa Litvan, Farizio Bentivoglia, Barbara Ronchi, etcétera. Duración: 110 minutos. Italia.

XXXX – LAS FORMAS DEL AMOR

Todas las formas de amar son posibles. Surgen, son inevitables, es algo que nos atre hacia el otro u otra de manera determinante. Así Giulia Steigerwalt desarrolla la idea de su guion, una narración ágil y simpática.

Pasado el verano, Settembre es el mes del comienzo de las tareas cotidianas en Europa y la vuelta a las aulas. María, de 14 años, se siente atraída por Cristian, pero no sabe cómo acercársele por lo que acepta recibir "clases" de iniciación de un amigo en común. Hay algo que une a todos: el pequeño "profesor" de artes amorosas es el hijo de Francesca (Barbara Ronchi), que está harta de soledad marital y entabla amistad con la esposa de uno de los amigos de su marido, convirtiéndose en uno de los pivots de la historia. Por otra parte está María, bella pelirroja, que va a misa para lavar sus pecados por ejercer la prostitución.

Este variopinto panorama de mujeres, que buscan un cambio de vida a través del amor en cualquier manifestación, es la hábil propuesta de Steigerwaltd cuya cámara va de un caso a otro sin perder el hilo conductor: las relaciones entre seres humanos. Maneja además el humor blanco, gracias a la ductilidad actoral del elenco que dirige, logrando una comedia profunda en clave de comedia romántica. Pero Settembre es mucho más: hace cosquillas al corazón... y a la cabeza.

Elsa Bragato

---

--

ESTRENOS INTERNACIONALES


MUTI, RITUALES MORTALES, DE George Gallo

-

ANATOMÍA DE UNA CAÍDA, de Justine Triet
"La directora disecciona de forma bastante asombrosa una relación matrimonial a través del juicio a la esposa después de una caída mortal del marido... un rompecabezas afectivo urdido con enorme originalidad", de Elsa Fernández Santos, Diario El País.

-

MASHA Y EL OSO, EL DOBLO DE DIVERSIÓN
Animación rusa. Se elaboraron cinco episodios especiales para la pantalla grande. Diversión para grandes y chicos desde Rusia.

-

BARBIE, de Greta Gerwig.
"Es tan divertida y empoderadora como prometía pero mucho más musical y profunda de lo que esperabas... es una apuesta inteligente y valiente"... de Janire Zurbano, Cinemanía.

-

CON TODOS MENOS CONTIGO, de Wll Gluck
(Film anunciado reiteradas veces)

"Ni la química cinematográfica ni las risas pueden ser manufacturadas, especialmente con la clase de guion vulgar de Anyone But you, que no hace nada por reanimar el moribundo género de la comedia romántica"... de David Rooney, The Hollywood Reporter.

-

JAQUE MATE, de Jorge Nisco (Argentina, Adrián Suar
Las críticas de esta última película de Adrián Suar se encuentran en los principales diarios de nuestro país. Es una coproducción prometedora.

--

CRÍTICAS

OPPENHEIMER

Dirección y guion de Christopher Nolan. Basado en el libro editado en 2005 Kai Bird, de Martin Sherwin. Con Cillian Murphy, Emily Blunt, Matt Damond, Robert Downey Jr., Gary Oldman, entre otros. Fotografía de Hoyte Van Hoytema. Música de Ludwig Goransson. UIP

XXX – UNA BUENA IDEA EN ENREDADO GUION

 

La idea de llevar a la pantalla grande la vida de Julius Robert Oppenheimer ( el “creador” de la bomba atómica) es inobjetable, para cine, para streaming, para miniserie. Aun basándose en la biografía Prometeo Americano, o Kay Bird, de Martin Sherwin del 2005. Hay datos allí como para una serie de varias temporadas. Christopher Nolan, notable realizador, logró condensarlos en tres horas.

Los efectos digitales ayudaron en la primera parte de la película que, si bien tiene una duración de tres horas, logra atraer sin aburrir, aunque no deja de aturdir. Veamos por qué: la vida del científico norteamericano está elaborada en mojones, en boyas, como en el teatro, haciendo hincapié en el proceso que Lewis Strauss (Robert Downey Jr) le inició a J. R Oppenheimer por considerarlo espía de los rusos.

Sin mayores novedades formales, Nolan introduce el plano y contraplano y el blanco y negro como máximos recursos fotográficos que aligeran los diálogos complejos entre los protagonistas. El tema es arduo, árido, y el film no tiene elementos, salvo algunos digitales supuestamente del cosmos, como para morigerar la exigencia de máxima atención, así como tampoco hay lucimiento de figuras femeninas.
Es decir, es una especie de Memento, inolvidable realización de Nolan, que obliga a retener datos que se mezclan, que se diluyen, que reaparecen, mientras Oppenheimer está al frente del Proyecto Manhattan en Los Alamos y es asediado por quienes lo enjuician, a través de la intervención de Strauss.

Se puede decir que es una magnífica clase de cómo hacer cine utilizando algunos elementos básicos de la fotografía, manejando un grupo de excelsos actores, y atiborrando al espectador de palabras que no dejan en claro muchos aspectos del proceso contra Oppenheimer así como fechas claves de su vida. Sobre el final, cuando la narración avanzó más de dos horas, Oppenheimer se entera del resultado de su descubrimiento, surgiendo su desesperanza por dejar como legado un monstruo asesino. Es ahí donde asoma, donde se cuela, algo de sensibilidad: un Robert Downey Jr delgado y empoderado frente a un Cillian Murphy que se sume en un pánico anímico del que no podrá salir. Son gotas de sensibilidad que Nolan se permite en ésta, su interpretación de la biografía de Oppenheimer: árida, verborrágica, con un guion que va y viene, es un logro cinematográfico en sí pero no conmueve.

Elsa Bragato

-

RITUALES MORTALES

De Geroge Gallo. Fotografía de Andrezej Sekula.- Música de Tom Russbueldt. Con Morgan Freeman, entre otros. Duración: 92 minutos.

XXX – UN MORGAN FREEMAN QUE SE LAS TRAE

La propuesta de George Gallo y su pool de guionistas, entre los que está él también, no sale de los clishés de un policial, en este caso con particular énfasis en secuencias gore. No abundan pero resultan suficientes y, en alguna oportunidad, hasta repugnantes. Para los amantes del género verán que esta película los satisface aunque la propuesta no salga de lo conocido, tal como dijimos: balaceras, asesinos escurridizos, rituales desconocidos en Occidente, jovencitas en peligro, en fin, una serie de “bondades” que complacerá a los fans.

Morgan freeman es el “gancho”, buena actuación, sólida, de este octogenario que tiene pasta para rato. Compone a un profesor de culturas africanas cuya ayuda, y algo más a descubrir por el espectador, es esencial para un detective que necesita localizar a un asesino singular y feroz. De esta manera se plantea el brutal rito “Muti”, tema que el profesor Mackles (Freeman) conoce bien. Entre él y Lucas Boyd (Cold Hauser), el inspector empeñado en encontrar al asesino, se establece una relación profunda que tendrá beneficios para ambas partes.

El público asiste a un policial tenso, atrapante y desagradable a la vez, con un Morgan Freeman en buena performance y un elenco bien dirigido, sin particularidades especiales, salvo las que surgen del Muti y sus consecuencias. Es para salir gritando de la sala porque hasta el último segundo hay motivo para el horror dosificado a lo largo de la narración, sin evitar una arcada… Sobre gustos…

Elsa Bragato

---

XXXXX – CUANDO UNA PELÍCULA ES CINE

El realizador iraní Jafar Panahi, en un raro momento de su vida en libertad (fue encarcelado, tiene prohibido salir de su país), regresa con una pequeña joya de cine. Porque hacer películas no siempre significa hacer cine.

Formalmente Panahi hace cine puro, manejándose en este caso a distancia, desde un pueblo limítrofe con Turquía donde están sus actores: los dirige mediante una computadora portátil, lejos de la frontera porque allí están "los osos" (se los supone salvajes y hambrientos), y tiene un alquiler de palabra de una más que rudimentaria casa. Conceptualmente, Panahi encara muchos temas como al pasar, profundos, desnudando la educación elemental de quienes viven sometidos, los temores religiosos que los acechan, y el nihilismo como forma de vida: nada por esperar, solo el momento. Panahi no necesita muchos actores ni una inversión millonaria: solo su talento y su cámara, su automóvil y los habitantes del lugar en su medioambiente, o sea en "su salsa".

Hay algunas secuencias muy "nouvelle vague" como tomar a dos de sus compañeros de aventura de espaldas mientras dialogan. Nos recordó "Vivir su vida" de Jean Luc Godard, film de avanzada estética de 1962.

Es decir, la historia propuesta por el realizador iraní es él mismo en situaciones incómodas, espiado, rodeado por pobladores que lo conocen y admiran pero que están cargados de terror religioso y político.

Hacer cine es una cuestión de creatividad y Panahi lo demuestra: una película árida por el entorno, sin recursos, como otras suyas, se transforma en el más puro quehacer cinematográfico, el que se aplaude, el que nos conmovió porque, vaya uno a saber con qué resortes, Panahi maneja el thriller sutil, el que nos lleva a situaciones límites, y el que nos descubre alguna salida no fácil para seguir viviendo. Cámara fija sobre un soporte, personajes que se debaten entre el saludo cordial y el deseo de que Panahi se vaya cuanto antes, peleas callejeras, la abuela que le ofrece el té para limpiarse por dentro, los jóvenes violentos, los adultos silenciosos, el dueño de casa aterrado por su inquilino, es decir, un entorno que no necesita de guionistas más que al propio Panahi filmando. "No hay osos" es una auténtica alegoría de las mentiras de los poderosos para someter a los pueblos. Por eso, esta película de Panahi es un hecho cinematográfico de esencia, o sea cine puro, un hecho cultural para festejar.

Elsa Bragato

---

--

CRÍTICAS

GALASSO, PENSAR EN NACIONAL

Dirección y guion de Federico Sosa. Con Norberto Galasso. Fotografía de Pablo Parra Aylen López. Sonido de Pablo Orzeszko. Música de Santiago Pedroncini. Duración: 83 minutos. Barbarie Cine.

XXXX – MAGISTRAL CLASE DE HISTORIA CONTEMPORÁNEA

La voz calma y monocorde del historiador Norberto Galasso nos permite conocer en una extensa conferencia detalles de las idas y venidas de la política nacional que, en tiempos de la filmación (período del macrismo) eran tan espeluznantes como las actuales en materia de educación, de formación, de tergiversación de valores.

Galasso tiene honorables 87 años y cuenta su largo camino en la izquierda nacional, algunas de sus decepciones, su lucha ideológica, su profundo conocimiento del pensamiento de Jauretche y de Aguirre, detalles poco conocidos del general Perón y lo que pudo hacer y lo que no hizo o porque no quiso o porque no pudo. Para Galasso solo hay dos salidas hasta ahora: el Este o el Norte. Y así se está en un país con fuerte dependencia de la agricultura por razones naturales (una pampa envidiable, acotamos nosotros). Hay estructuras que debieron superarse pero se continua igual.

La larga charla de Galasso no aburre, es una conferencia filmada en diferentes locaciones, un estudio atestado de libros y apuntes, un aula, no mucho más. Su propuesta es profunda y atrapante aún para quienes no adhieran a su ideología: recuerda cómo Perón adoptó las leyes socialistas del diputado Alfredo Palacios, cómo ese socialismo teñido de "peronismo" alegró a más del 50 por ciento de los trabajadores del país, proporción superior a la de la "casta" de entonces – de alrededor de un 40 por ciento.- Pero esa diferencia se fue perdiendo y hay que volver a lograr que los trabajadores sean más que los que viven de ellos. Tan simple como eso.-

Se esté o no de acuerdo, esta clase de historia es muy rica. Galasso es casi un único representante de varias décadas de historia nacional, pleno de vivencias que puede transmitir. Buena fotografía, un documental de narración fluida que se acerca a una clase universitaria que a todos nos viene muy bien porque, si se coincide, se aprende un poco más, y si no se coincide, se tienen los datos necesarios para oponérsele.

Elsa Bragato

-

ROSE

De Aurelie Saada. Guion de Saada y Yael Langmann. Fotografía de Martín De Chabaneix. Música de Aurelie Saada. Con Francoise Fabian,Pascal Elbé,Aure Atika,Gregory Montel,entre otros. Duración:102 minutos.

XXX – LA DECISIÓN DE VIVIR LA VIDA

De atrás para adelante: empezar por la muerte para celebrar la vida es poco habitual,. La diectora Aurelie Saada encara una suerte de hipérbaton existencial en "Rose" cuya protagonista va ganando la atención y el corazón. "Rose" queda viuda a los 78 años, tiene varios hijos adultos, alguno viva con ella, es la típica "idishe mame" que los complace, que asiste a los ritos religiosos, que guardó que, además de madre y esposa, tenía sentimientos y gustos personales. Por suerte, anida en ella una llama de vida que se resiste a entregarse, a vestir un batón y ver la tele desde la cama.

Rose avanza en sus ganas de vivir al principio a tientas. Sus hijos no aceptan amablemente tantos cambios en la madre, desde el lápiz labial hasta que quiera bailar, desde que les ponga un tope a las exigencias, hasta que los ubique en lo que son, adultos que siguen prendidos a la falda de la madre asfixiándola.

Si bien el tema es más que conocido, en estos casos sobresale la habilidad de la puesta en escena y del clima logrado tanto por la directora como por la protagonista Francoise Fabian, la "Rose" del título, quien hace tan suyo el personaje que emociona, que inquieta, que obliga a repensar en los vínculos cotidianos de cada uno de nosotros.

Se destacan algunas secuencias de extrema ternura como el encuentro en el bar de Laurent, la charla, la mirada entre Rose y Laurent, y ese dejarse llevar por la pasión tratada con tanta sutileza y respeto por la directora.

Si bien nada sorprende, todo encanta, deja una sonrisa, Rose hace bien.

Elsa Bragato

-

ALICIA EN EL PAÍS DE LAS PESADILLAS

Dirección y guion de Richard John Taylor. Con Lizzy Willis,Rula Lenska, Jon Paul Gates, entre otros. Fotografía de Harry Tali Cord, Música de CraigGannon. Duración; 77 minutos. Inglaterra. Distribuye High Fliers Films

XX – APENAS UNA ILUSIÓN DE TERROR

Dicen que los extractos de perfumes y los venenos vienen en dosis chicas. Bien puede aplicarse este axioma a esta versión de "Alicia en el país de las pesadillas", narrativa retorcida de "Alicia en el país de las maravillas", de Lewis Carroll. Pocos personajes, la abuela y Alicia como protagonistas, dos gatos, y un puñado de actores en medio de un bosque, intentan asustar con una historia a la que le falta convicción.

Veamos: Alicia asiste a extraños sucesos que la obligan a vivir con su abuela quien reside en una vieja casona en medio de un bosque, clishés de un film de género.

Los personajes que rodean a Alicia (una angelical Lizzy Willis) aparecen como caídos del cielo, sin ninguna razón argumental. Y se tiene la impresión de que las escenas escabrosas son una mera justificación del título porque tampoco tienen una clara relación con Alicia y su mundo. Tienen que estar sin más porque es una película de terror.

Se sabe que los bosques esconden secretos y que es mejor no ir a buscarlos, así como siempre aparece un personaje curioso que se mete en líos porque no pudo con su genio. Es el caso de "Alicia" a quien ni siquiera la música incidental le resulta una advertencia. Rara sensación para el espectador: la fotografía muestra un arroyo de aguas límpidas rodeadas de una bella vegetación mientras la música intenta crispar los nervios de la protagonista y del espectador. En definitiva, "Alicia..." es un oxímoron visual del que surge el rostro angelical de Lizzy Willis, no hay médula sino efectismo dentro de una realidad ficcional sin coherencia.

Elsa Bragato

---

XXX- CONJETURAS QUE SOLO RESUELVE LA VIDA

Que las Matemáticas parecen no estar en contacto con los sentimientos es un pensamiento generalizado: son números, fríos, así solemos definirla. Sin embargo, en esta película de Anna Novion, El Teorema de Margherite, si bien se parte de lo estrictamente racional, demuestra que las ciencias suelen desencadenar pasiones que van más allá de sus dogmas fundacionales.

Marguerite es una investigadora que debe entregar una tesis basada en la resolución de notables enigmas matemáticos como la "conjetura de Goldbach", entre otros. Un pequeño error de cálculo destruye su trabajo de años por lo que decide abandonar los estudios, tratando de vivir de otra cosa. Sus conocimientos son tan notables que el destino la lleva a hacer cálculos y ganar en un difícil juego oriental. De universitaria a jugadora clandestina. Pero no está dicha la última palabra: el regreso de un colega, el compartir el departamento con una joven entregada a la vida y lejos de las aulas, determinan un cambio: fuera de los claustros, está el amor, y un compañero de estudios puede ser, repentinamente, la fuente inagotable de resoluciones matemáticas y sexuales a la vez.

La narración es muy pausada pero inexorable: un comienzo distante, aulas austeras, silencios quebrados por el correr de una tiza sobre el pizarrón, van dando paso a una joven que necesita vivir para resolver varios problemas personales: desde las perspectivas de una conjetura matemática del siglo XVIII hasta su propia vida.

La realizadora Novion recurre al in crescendo: de la simpleza inicial a la cada vez más rica vida de la protagonista y, por ende, de las secuencias en fotografía y diálogos, con el aporte de exteriores muy determinados y personajes que se tornan esenciales.

El resultado es un film muy diferente en su propuesta, muy francés también (una cultura signada por pensadores matemáticos y el existencialismo, los grandes músicos y los más encumbrados modistos, etcétera), que no sale del planteo clásico en lo formal pero que se da el lujo de exponer una profunda intelectualidad que se doblega ante la vida misma. Nada más real.

Elsa Bragato