LOS ENVIADOS, DOS TEMPORADAS, 16 CAPÍTULOS

En octubre del año pasado se estrenó la miniserie, de dos temporadas, “Los enviados”, con producción y dirección de Juan Josè Campanella, Nos cuenta la historia, en dos series de 8 capítulos cada uno, de dos clérigos que son enviados por el Vaticano a investigar unos extraños milagros que se producen en una ciudad de México. La pareja protagónica la forman el español Miguel Angel Silvestre y el mexicano Luis Gerardo Méndez, junto a Assira Abbate, mexicana. La dupla de jóvenes clérigos se enfrentan a milagros que, en verdad ocultan asesinatos, violaciones, pedofilia, exorcismos, de manera tal que de principio a fin en cada uno de los capítulos no hay calma para el espectador. Sobresalen la fotografía de Antonio Riestra y la Mùsica de Emilio y Alejandro Kauderer, justa banda sonora que cobra ímpetu en las secuencias fundamentales, destacándose la excelencia armónica.
El aspecto fundamental es la narración y como está planteada, y los conflictos que surgen de manera continua derivando en nuevas acciones, impensadas muchas de ellas. Si bien se suman hechos del presente y del pasado con fluidez, fácilmente reconocibles, la trama es compleja por lo que resulta atrapante. Por sobre los hechos que los clérigos descubren, uno con más perspicacia que el otro (el español es más intuitivo que el mexicano), Campanella y el pool de guionistas le dan importancia al aspecto humano de cada uno de ellos. “Simón Antequera” (Miguel Angel Silvestre) no ha reprimido su sensibilidad humana aunque tiene los votos de castidad y pobreza como su colega. Mientras que “Pedro Salinas” (Luis Gerardo Méndez con nombre en la ficción de famoso poeta español) parece más ingenuo y apegado a reglas que cumple pero que da la impresión de que quisiera tener más libertades sobre ellas, o al menos, pensarlas un poco más, sin dejar de cumplirlas. Esta actitud frente a los votos que han tomado ante el Vaticano y frente a los hechos a veces de extrema violencia hacen que cobre mayor interés la relación entre ambos. Le dan brío a una historia muy bien elegida que tiene como colofón la famosa frase del filósofo francés Blas Pascal. “El corazòn tiene razones que la razón no entiende”. Excelente miniserie.
Elsa Bragato
 

Miniserie ATRAPADOS (Netflix)
Basada en una historia de Harlan Coben. Dirección de Miguel Cohan y Hernan Goldfrid. Con Soledad Villamil, Juan Minujin, Alberto Ammann, Matías Recall, Fernán Mirás, entre otros. Fotografía de Guillermo Saposnik y Manuel Rebella. Música de Leo Sujatovich. Duración de los seis capítulos: 310 minutos.

XXX -EMBARULLADO POLICIAL BIEN REALIZADO
Filmada en Bariloche, Netflix lanzó Atrapados, miniserie nacional basada en uno de los tantos libros del escritor Harlan Coben, prolífico autor de historias policiales enredadas, en las que se trata de encontrar a personas desaparecidas.
En este caso muestra la historia de “Ema Garay” (Soledad Villamil), periodista porteña que es enviada a descubrir qué pasa en esa ciudad del sur argentino en el que una joven violinista debía dar un concierto en el teatro Colón, viaja a Buenos Aires, pero no regresa más. En el medio de la historia, aparecen pivoteando distintos personajes, demasiados, y todos tienen algo de sospechoso, incluyendo el hijo adolescente de Ema. El primer contacto de la periodista es con Leo Mercer (Alberto Ammann) que tiene casi los mismos objetivos que ella. Aparece otro personaje amigo de Leo (Juan Minujin), con una intervención irregular en la trama, ambos con algo de sospechoso, tanto como los chicos del colegio que participan de una descontrolada fiesta nocturna.
En líneas generales los seis capítulos son atrapantes aunque justo es reconocer que el autor del libro ha trabajado sobre estructuras literarias policiales muy estereotipadas: todos son posibles embaucadores o asesinos o pedófilos. El error conceptual se comete al dejar de lado el papel de las redes sociales y las plataformas que permiten el conocimiento a distancia de personas. Aparecen como un motivo más de vez en cuando. Y en verdad éste debería ser el nudo del policial, pero el estilo de Harlan Coben hace que nuestro interés se distraiga en la multitud de personajes que parece ser culpable pero no lo es descuidándose lo esencial. O sea, las redes y sus peligros, pero el interés del autor está puesto en la multitud de personajes y lo que se pueda suponer de ellos.
Lo conceptual está desdibujado porque nada de lo que hace Ema Garay responde a una investigación periodística. Tampoco hay errores formales (cocinas “hollywoodenses) sino “clishés” de producción para que la historia sea vista aquí como en Francia, es decir, sean historias de consumo masivo internacional.
Muy bien filmada y muy bien actuada por el elenco nacional (Soledad Villamil es absolutamente sólida y creíble) uno se va creyendo, y es el único mérito que le reconocemos a Harlan Coben, que cada actor, sea adulto o adolescente, tuvo algo que ver con la desaparición de la violinista, aunque después salgan de escena abruptamente mientras surge otro personaje que inquieta, y así vamos pasando los seis capítulos con una historia que atrae de principio a fin pero nos deja bastante embarullados al final.
Tengamos en cuenta que el trabajo sobre la imaginación del espectador es el objetivo del Coben.
Siendo justos con nuestros artistas y técnicos, se deja ver.
Elsa Bragato, Actoresonline.com

1) EL CONTADOR 2, de Gavin O Connor. Con Ben Affleck, J. R. Simmons, Cynthia Addai-Robinson, entre otros.
Este film es secuela de “El contador”, del 2016.donde Ben Affleck compone a un personaje con doble cara: por un lado, es un contador común y, por el otro, es contador de empresas criminales. En esta segunda parte, la critica internacional coincide en que tiene más acción, se vuelve a la criminalidad estilo Hollywood y, de alguna manera, entretiene, aunque la historia sea un tanto atravesada, un mal de estos tiempos en materia de serie y miniseries.

2) BIÓNICA, de Sebastiàn Perillo

3) LA ZURDA, de Rosendo Ruiz.
Dos jóvenes que sueñan con triunfar en sus propias elecciones de vida, quedan atrapados en un crimen del que no saben nada por lo que no les queda otra opción que la de huir. Va desde el policial hasta el musical bolichero.

4) UN PASTEL PARA DOS
Dirección y guion de Maryam Moghaddam y Behtash Sanaeeha. Fotografía de Mohamad Hadadi. Con Lili Farhadpour, Esmaeel Mehrabi, Mohammad Heidari, entre otros. Duración: 97 minutos, Irán.
XXXX – POESÍA CINEMATOGRÁFICA AL SERVICIO DE LOS MAYORES
Behtash y Maryam empezaron a trabajar juntos en el 2014, incluso presentándose en competencia oficial en la Berlinale 2021. Cuentan en su haber con “Ballad of a white cow” y Risk of acid rain”. En “Un pastel para dos” fueron por más, a un tema muy humano. el de la mujer viuda durante décadas que un buen día acepta una segunda oportunidad, espontánea y vital a la vez. Mahin se anima a invitar a su casa a un taxista de una empresa a la que conocía al saber que también está solo como ella. Hasta ese momento, Mahin hacía una vida recoleta invitando a sus amigas a tomar el té o comer ricas tortas, dulces o lo que fuere. Hasta que una noche, especial sin duda, observa en la mirada de ese taxista la misma soledad que anida en ella.
La propuesta es hablarnos cinematográficamente de una segunda oportunidad, de esencialmente compartir ternura en un país como Irán donde la mujer está absolutamente sometida y no tiene los mismos derechos que el hombre. La prueba está en que una vecina, a la que le parece escuchar una voz de hombre en casa de Mahin, le toca timbre y le advierte lo que escuchó. Como dice Mahin, se cree con derecho a delatar porque su marido trabaja para el gobierno iraní.
Los dos realizadores detallan en una narración por momentos muy emotiva la cena que Mahin prepara a las apuradas para ese alma gemela, el encuentro de dos almas que no se animan en principio más que a bailar, y él, a arreglar la luz del jardín para poder comer ahí. Le promete traer flores mientras Mahin recoge hierbas para el pastel de la cena.
Behtasg y Maryam tratan el tema de este reencuentro entre soledades con ternura, respeto, y alegría. Y si bien son dos personajes en escena es tanto lo que transmiten en sus gestos, en sus bailes, en ese vino que toman demás, que no hace falta nada más para que la película funcione como tal, para que el reencuentro de dos soledades se transforme, si se puede, en algo más que una mirada. Pero sucede lo inimaginable, lo trágico: Mahin enfrenta una situación que no imaginó.
“Un pastel para dos” desborda sensibilidad, humanidad, comprensión de la soledad de los mayores. Es un regalo de poesía cinematográfica en el tratamiento de dos que se podrían animar a una segunda vez.
Hermoso film que, sin embargo, determinó la condena del gobierno iraní a los realizadores, con 14 días de prisión, además de una suspensión de cinco años supuestamente en sus actividades, y una tremenda multa, por considerar que la película ha ofendido los principios de la religión musulmana y muestra escenas obscenas que no se condicen con la vida de las mujeres iraníes. Un fallo totalmente insólito que muestra una vez más cómo el fundamentalismo religioso somete a las mujeres a una vida sin esperanzas. Sumándose una condena a sus realizadores que ha provocado la reacción de los grandes directores y artistas del mundo como Pedro Almodóvar y Juliete Binoche, entre otros.
No deje de verla si tiene más de 60 años. Hay allì una carga de esperanza en buena parte del film que le hará bien a su corazòn.
Elsa Bragato, Actoresonline.com

DIAMANTI
Direcciòn de ferzan Ospetek. Guion de Ospetec y Gianni Romoli. Con Sara Bari, Mara Venier, Lorenzo Franzin, Aurora Giovinazzi, Antnio Adil Morelli, Antonio Iorio, Milnea Mancini, Paola Minaccioni, Elena Ricci,, entre otros.Fotografía de Gianfilippo Corticelli. Mùsica de Giuliano Taviani y Carmelo Travia. Duraciòn: 135 miinutos. Italia.
XXX – NOSTALGIOSO RELATO SOBRE VESTUARISTAS DEL CINE
El director turco Ferzan Ospetek, radicado en Italia, cuenta una historia melancólica en la que une presente y pasado sobre uno de los aspectos fundamentales de un film: el diseño de arte y, dentro de éste, las vestuaristas, las costureras, las mujeres que día y noche vistieron y visten a las actrices, trabajos de horas extras que no siempre fueron aceptadas por sus parejas. Son “diamantes” para Ospetek que las reúne en un almuerzo, un “vaginodrama”, como indica una de las convocadas. Al realizador le resulta inevitable recordarlas trabajando y luchando con sus problemas cotidianos.
El film es coral. Hay un sinfín de actrices que, de alguna manera, diluye las historias personales apenas trazadas algunas de ellas en muy breves secuencias. El centro de todo es el vestuario, el trabajo de esas mujeres en conjunto, con amores o desamores que deben dejar de lado.
El objetivo de Ospetek es noble: honrar a las vestuaristas, dedicando la película a tres grandes actrices como lo fueron Mariangela Melato, Virna Lisi y Mónica Vitti (la musa de Michelangelo Antonioni). Sin embargo, resulta demasiado vasto el argumento y, al no hacerse pie en una historia en particular, se diluye la propuesta. Las pocas historias personales que se ven quedan desdibujadas. Hacia el final, la mirada del director resuelve muy parcialmente el conflicto narrativo a través de una mirada amorosa hacia esos recuerdos y esas mujeres a las que, sin lugar a dudas, les da el valor que ninguna otra película dio. Por cierto, corriendo el riesgo de perder el hilo conductor al transformarlo en variadas hilachas de un amplio tejido vaporoso, su propio guion. Para gente de cine.
Elsa Bragato, Actoresonline.com

BIONICA
Dirección de Sebastián Perillo. Guion de Gabriel Medina, Sebastián Perillo, Javier Rao, basado en la obra de William Prociuk. Con Fabián Arenillas, Julia Martínez, Luciana Grasso, Santiago Pedrero, entre otros. Fotografía de Mariano Suárez, Mùsica de DaríD Ramos Maldonado, duración. 82 minutos.
XXX – FUTURISMO BIOLÓGICO BIEN REALIZADO
Este film de ciencia ficción que dirigió Sebastián Perillo titulado “Biónica” nos remite a “Her”, del 2013, que dirigió Spike Jonze con Joaquín Phoenix, con las respectivas diferencias argumentales. Pero las une la formalidad, la presentación, minimalista con un viraje al rojo intenso. “Biónica” toma el caso de una joven que se somete a un “deceso programado” para luego tener una “reconstrucción biónica”, que dirige un médico encarnado por Fabián Arenillas. Concretamente, le cortan la cabeza y le colocan un software. Y el producto final será algo inesperado.
En verdad, el tema surge de las temáticas que el actor y autor William Prociuk trabaja basándose en científicos que buscan la recuperación del físico humano a través de la ciencia. Se parte de la muerte física (se ve todo este proceso) para lograr una resurrección computarizada. Pero algún detalle puede descuidarse, siendo esto el quid de esta historia. Para fans de la ciencia ficción aunque le falte emoción, tenga personajes mecanizados y una banda sonora por momentos estridente que apuntala las secuencias desde el comienzo. Impresiona y obliga a pensar en un futuro de seres programados sin sentimientos.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
 

1) PECADORES, de Rayn Cooger.
Un film de vampiros que da que hablar, que romoe con moldes, qye da un poco de todo: desde la relaciòn de familia, hasta el encuentro con lo monstruoso, matizado con riqueza visual y una banda sonora que hace temblar.

2) EL DÍA QUE LA TIERRA EXPLOTÓ, de Peter Browngardt
Film animado que muestra todo lo malo que podemos ver en nuestro mundo pero da resquicios de lo muy bueno que hay y cómo saber dònde està. Si bien la crìtica internacional considera que el film está “Justito” en sus pretensiones, le concede una buena factura y un buen mensaje.

3) LA ÚLTIMA CENA, de Mauro Borrelli.
Se centra en la traición de Judas de Jesucristo recreada tal como se indica en los Santos Evangeliios. Es un film histórico.religioso.

4) NIGHT OF THE ZOOPOCALYPSE, de Ricardo Curtis y Rodrigo Pérez Castro. Animación.
Un meteorito cae en un zoológico transformando a los animales en zombies. Para muchos críticos internacionales, es una buena mezcla de lo insípido con lo creativo, de lo tonto con lo aterrador, cambiando un poco el estilo de Pixar que, justo es decir, en estos tiempos parece ser todo lo mismo. A lo mejor, esta película los redime de la repetición.

5)TIERRAS PERDIDAS, de âul W. S. Anderson.
Film alemán, de pura fantasia, llevada a cabo por actores humanos. El film está en el medio de los videojuegos homónimos como del relato de George R:R: Martin. La búsqueda de algo misterioso en un bosque es el eje narrativo que, a decir de la crítica internacional, está propuesta de manera decepcionante y aburrida. Diríamos “más de los mismo” pero mal.

CRÍTICAS

EL ANDARIEGO
Historia de un grupo vocal

Dirección y producción de Laura Piastrellini, Eduardo Fisicaro y Silvia Majul. Entrevistas y producción periodística de Santiago Giordano. Guion de Silvia Majul y Josefina Marcel. Sonido de Erwin Otoño, Abelardo Cabrera, Darío Arcella y Eduardo Fisicaro. Edición de Josefina Marcel. Cámaras de Magdalena Ripa Alsina, Laura Piastrellini y Eduardo Fisicaro. Arte de Majo Yorio. Con Angel Cacho Ritrovaro, Alberto Beto Sará, Raúl Mercado, Agustín Gómez, Santiago Giordano, participaciones de Pancho Cabral, Juan Arabel, Mariela la Contreras, Patricia Cangemi, Milena Salamanca, Rocío Araujo, Murga El Semillero, entre otros. Apoyo del INCAA y De UNAMU, Duración:63 minutos.

XXXXX – UNA HISTORIA DE CANTO Y LIBERTAD
Este documental, “El Andariego, historia de un grupo vocal”, tiene características especiales gracias a la sensibilidad de sus directores (Piastrellini, Fisicaro y Majul): no se remite solo a contarnos cómo se formó en San Rafael, Mendoza, en 1954, un cuarteto de voces que logró armonías complejas hasta convertirse en la base de los grupos vocales de nuestro país y de América Latina. Ese “extra” que encontramos se inicia con las charlas del periodista e investigador Santiago Giordano en un mano a mano con Cacho Ritro, Raùl Mercado, Agustín Gómez y Alberto Sará (integrantes de Los Andariegos)y trascienden lo meramente anecdótico para darnos un retrato de época. Es que Los Andariegos inauguraron una forma de cantar, de amalgamar voces a la manera de un cuarteto clásico de cuerdas y de ensayar armonías, siguiendo el patrón ideológico de aquellos años: la libertad y el sentido comunitario de lo social, unido al ideario del Partido Comunista de los 50 y 60, del que participaron no solo ellos sino Víctor Heredia, Osvaldo Pugliese, Ramón Ortega, entre otros. Con el bagaje artístico e ideológico inundaron con sus voces el mercado nacional y latinoamericano. Pero el compromiso de cantar por la libertad fue también una condena: el exilio obligado. Alberto Cortez los reunió en Madrid, y terminaron la vida musical en el 2018 en esta ciudad.
Por sobre las anécdotas, desde la formación hasta la influencia en el folklore, está el documental matizado con interpretaciones de canciones emblemáticas del conjunto sanrafaelino con la inclusión de inserts de diarios de época y fotos de aquellos juveniles años con un entrevistador medido y conocedor de lo que pregunta. Nos quedan sus valiosos recuerdos y la calidad de sus interpretaciones, base de los conjuntos que lograron fama y dinero en los 80. No se observa en quienes vemos en el documental una vida de lujo sino la sencillez de los que llevan pentagramas en el alma: vivir con música, un estilo de vida peculiar que resulta un don escaso. Fantástico y emotivo documental sobre músicos, libertad y el hechizo del folklore. De visión obligatoria el 18 en el cine Gaumont.
Elsa Bragato, actoresonline.com

UNA VEZ, UN CIRCO
Dirección de Saula Benavente. Fotografía y cámara de Pablo Racioppi, Sonido de Federico Huber, Montaje de Marco Furnari, Música de Gabriel Chwojnik, hablado en español, ruso, alemán e inglés. Locaciones en Argentina y Alemania. Duración: 82 minutos.

XXXX – HISTÓRICO RESCATE DEL “CIRCO DE MOSCÚ
Entre el circo y Saula Benavente, hay una cuestión personal: su padre, el notable escenógrafo Saulo Benavente, presidente del Instituto internacional de Teatro, fue convocado en los 60 a Moscú y, con caradurismo argento, se mandó la parte diciendo que era un experto en circos. Esa frase lo obligó a traer en 1966 al famoso Circo de Moscú, el más grande del mundo, desaparecido. Por suerte, el cine ayuda a rescatar hechos artísticos sin precedentes como el de este circo gracias al copioso material que tiene Saula Benavente, su hija, junto al productor Carlos Garaycochea, también ligado al mundo circense.
En la narración propuesta se dan dos momentos claves: el circo en sí, su llegada a la Argentina - un hecho político para la Unión Soviética mientras que para nosotros fue un hecho artístico- y el advenimiento de la Perestroika que terminò diluyendo la URSS y destruyendo literalmente la compañía del Circo de Moscú. Artistas, utileros, argentinos que participaron de esta movida artística dan sus testimonios: desde el afamado baterista Zurdo Roizner (fallecido) hasta Pipo Fischer o sea nuestro querido Pipo Pescador, alumno de escenografía de Benavente que fue invitado a participar del circo en la ciudad de Moscù, todos transmitieron su nostalgia por un arte mayor, que exigía disciplina rigurosa y entrenamiento de animales, prohibidos hoy en día (reglamentación que apoyamos).
En esos dos movimientos penduló la vida del Circo de Moscú que fue también un punto de exilio para quienes decidieron escapar de la URSS. Traspasar esa frontera significó la libertad. Pero el arte siguió, estos artistas fueron la base del Cirque du Soleil, hoy dan clases de circo en España, o viven plácidamente de recuerdos en Miami o Australia.
Saula Benavente logra un contundente hilo narrativo con el archivo estupendo que posee: desde el comienzo hasta el final del Circo de Moscú, pasando por las etapas políticas nacionales y de la Unión Soviética, desarrolla una historia atrapante de un hecho artístico que no existe más, a partir de un archivo inédito de altísimo valor cultural que logró llevar a la pantalla a través de El Borde, productora que la realizadora cofundó con Albertina Carri y Diego Schipani, con apoyo del INCAA y Mecenazgo. El documental es, entonces, una realización colectiva si bien la cuestión es personal para Saula Benavente, transmitiendo sus vivencias a través de este material que es historia pura de un hecho artístico que es pasado, irrepetible. De visión obligatoria.
Elsa Bragato, Actoresonline.com

MAZEL TOV
Dirección de Adrián Suar, guion de Pablo Solarz. Fotografía de Guillermo Nieto, Mùsica de Nicolás Sorìn. Con Adrián Suar, Fernán Mirás, Natalie Pérez, Benjamín Rojas, Rodolfo Ranni, entre otros, Duración: 97 minutos.

XXX – EN SU PROPIA SALSA
Adrián Suar, gerente artístico de Canal 13, actor de teatro, actor de televisión, productor, y actor de cine, se presenta con su segunda dirección cinematográfica titulada “Mazel Tov” en la que refleja la vida de una familia judía a través de diferentes circunstancias.
Conocedor de los matices de su personaje, del ritmo de comedia dramática, Suar transita con su cámara y su rol a través de una historia donde surgen desde la muerte del padre hasta celebraciones judías que hemos visto en otros films, bien realizadas.
En líneas generales, es una comedia al estilo Suar quien mantiene ciertos tics imitando a Woody Allen (es una apreciación nuestra), sobrevolando secuencias costumbristas, material narrativo que conoce muy bien. Y en esto reside su mayor logro como director y protagonista. Sin embargo, desde el punto de vista conceptual, se pudo profundizar en algunas secuencias para darle mayor desarrollo a los personajes y no una suerte de “pasada” por situaciones familiares propias de una comunidad. Yendo a lo meramente formal, el elenco está formado por rostros conocidos que son un fuerte atractivo para el público, pero esto no asegura que Fernán Miras sea creíble en physique du rol como Gabriel Roitman, hermano de Darío Roitman (Adrián Suar), por ejemplo. Aunque nos encanta que aparezca Rodolfo Ranni como don Salomón Roitman, aunque no nos olvidamos su origen triestino. Por supuesto, la magia de la actuación profesional de cada uno de ellos logra lo que una producción ambiciosa apiñó por contrato.
Es un producto familiar, atractivo, con un protagonista que conoce los secretos de la comedia, característica innegable en Suar a quien consideramos un muy buen actor en este rubro. Costumbrismo argento que entretiene, más allá de nuestras consideraciones.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
 

1)THE AMATEUR, DE JAMES HAWES.
Es un clásico film de venganza por mano propia. Cuando a un agente policial le matan a su esposa en un ataque terrorista, inicia una búsqueda por todo el mundo para dar con los asesinos. La película tiene un atractivo en su protagonista, Rami Malek, a quien conocimos por representar nada menos que a Freddy Mercury en el film autobiográfico.

2)LA NIÑA DE MIS OJOS, DE CHO YOUNG MYOUNG.
Desde Corea del Sur llega esta especie de historia de amor adolescente que surge en un colegio secundario. Todos los chicos están enamorados de la más linda y elegante compañera y será uno de ellos quien pueda acercarse pero nada será fácil. Si no, no habrìa guion… Hay, a veces, que apiadarse junto con las historias…

CRÍTICAS
BODEGÓN DE FANTASMAS

Dirección y guion de Enrique Buleo. Fotografía de Gina Ferrer, Música de Sergio Bertrán. Con Consuelo Trujillo, Fernando Sansegundo, Enric Benavent, Nuria Mencía, entre otros. Duración: 88 minutos.
XXXX – ENTRE EL ABSURDO Y EL TERROR
BODEGÓN DE FANTASMAS
Dirección y guion de Enrique Buleo. Fotografía de Gina
Ferrer, Música de Sergio Bertrán. Con Consuelo
Trujillo, Fernando Sansegundo, Enric Benavent, Nuria
Mencía, entre otros. Duración: 88 minutos.
XXXX – ENTRE EL ABSURDO Y EL TERROR
Tener creatividad,manejar el ingenio, dentro de un
concepto cinematográfico minimalista, son los elementos
que maneja Enrique Buleo para que “Bodegón de Fantasmas”
sea un film de género absolutamente diferente y
plausible. Son cinco historias, cada uno con un personaje
central, escaso mobiliario, y el surgimiento de
fantasmas que vienen a terminar con sus “cuitas” en este
mundo. Los casos ocurren en un pequeño pueblo de La
Mancha a través de cinco narraciones que, lejos de
horrorizarnos, demuestran que a través del absurdo se
llega al film de género, sin caer en el gore o en la
cuchillada fácil. Desde el atribulado fantasma de un
hombre que vuelve a la tierra para pedir que en su lápida
le saquen Eduardo y pongan Aurora porque siempre se
sintió mujer, hasta la familia que juega al Ouija y no
ven al fantasma. O la historia en la que se anuncia la
desaparición del “Limbo” en el cielo y las almas vagan
buscando ir al infierno. Es decir, los cinco capítulos
tienen sarcasmo y absurdo, un mix que requiere de gran
ductilidad intelectual. Enrique Buleo tiene el don de
hurgar en el enigma del más allá mientras se divierte
con el más acá. Una pequeña joyita de humor negro y de
absurdo que nos regala el cine español.
Elsa Bragato, Actoresonline.

LOS DÌAS CON ELLA (BAFICI)
Dirección y guion y de Matías Italo Scarvaci. Fotografía de Armin Marchesini Weihmuller. Montaje de Susana Leunda, Sonido y música de Marzos Zoppi. Con Alejandra Lanfranchi y Aithana Sandoval. Duración: 80 minutos.
XXX – LOS DÍAS EN PRISIÓN
El realizador Matías Italo Scarvaci retrata, con una cámara poco inquieta, los días que Alejandra pasa en la prisión de mujeres de Ezeiza criando a su hijita Aithana de dos años, nacida en ese lugar. Se las ve jugando en un patio donde hay hamacas y varios juegos para niños de plástico, mientras la pequeña Aithana disfruta de una minipileta con agua. Son días de calor. La vida en la cárcel tiene normas estrictas, algunas de las reclusas las recuerdan, pueden hablar por teléfono o esperar el llamado, muchas han sido olvidadas por sus familias, Alejandra -que ha cometido homicidio- aun tiene a quién hablar.
La narración propuesta por Scarvaci es muy monótona, la cámara no se mueve de donde está emplazada si bien juega con algunos encuadres diferentes. Tampoco ocurren conflictos que permitan que la historia tome algún cauce un poco más interesante porque, en definitiva, los 80 minutos resultan un montón de tiempo donde no hay nada que no se remita, con poca diferencia, a la primera media hora. Si bien es una descripción de días que resultan interminables para una madre y su hijita, falta algún elemento que atrape al espectador, aunque se sepa que a los 4 años, la pequeña deberá ir con su familia. O sea madre e hija se separan pero ese momento no se ve. Ese desgarro del alma se omite. Solo queda la mirada cargada de preguntas y de tristeza de la pequeña Aithana ya en manos de sus tíos y primos. Es decir, se omite la tristeza que existe en los hechos para mostrar que la vida transcurre como si nada. Es una forma de describir un hecho pero le quitó profundidad a un dolor que marca la vida a Aithana. La fotografía tiene destaque en ciertos momentos.
Elsa Bragato, ACtoresonline.com
 

BAFICI 2025
Se ofrecen 298 pelìculas de 44 paìses en 641 funciones. Las salas previstas son el Cine Teatro Alvear, el teatro General San Martìn, el Cultural San Martín, el Cine Gaumont Incaa, Cinépolis Plaza Houssay, Cinearte Cacodelphia y Museo del Cine. El cetrno de las actividades estarán en el Teatro General San Martìn. Además de las poryecciones, habrá conferencias y reuniones sobre distribución de films, con presencia de personalidades reconocidas ampliamente.
La Apertura mundial fue con “Upa” Una primavra en Atenas, de Tamae, Garateguy, Santiago Giralt y Camila Toker. Es un título que tiene varios años y que determiinò una impronta experimental y enriquecedora dentro del mundo cinematográfico. Por supuesto, hay premios para cada categoría tanto nacionales como internacionales.
Hay que destacar que el material es de cine independiente y, en líneas generales, va dirigido al público joven, a los estudiantes y profesores de cine, si bien cualquier persona puede acercarse para elegir un film y sacar su entrada. Por otra parte, estas estàn al alcance de todos los bolsillos.
Es una fiesta internacional reconocida en todo el mundo por ser la muestra de cine de autor más amplia y extensa de todas las que se conoce.

PELÍCULAS PREVISTAS

1.- MINECRAFT MOVIE, de Hess,
Es un entretenimiento basado en videojuegos donde cuatro personajes de pronto son introducidos en un portal desconocido y deberán tener mucha creatividad para poder salir del mismo. Dicho esto de manejar muy general.

2.- INVENCIBLE. UN NIÑO FUERA DE SERIE. De Jon Gunn.
Tiene crìticas de diversa índole. Trata sobre una familia que tiene mucha fe en un niño que padece de autismo. Hay buena intención pero, al mismo tiempo, se señala que son tantos elementos que se van sumando a la vida de esa familia que pierde un poco el foco. De todas maneras, siempre hay que tener en cuenta que es un film que puede tener altibajos pero no daña el espíritu.

3.- ALMAS PERDIDAS, de Nick Cassavettes.
Se basa en la saga de “Hombres marcados” de Jay Crownover, marcados por los tataujes, decubriendo en cada novela más pasión y eoritsmo en sus personajes. De acuerdo a la crìtica internacional, la película de Cassavettes con el protagònico de Chase Stokes no logra demostrar el fuego que debiera “condenar” a la pareja central, formada por Ruth y Shaw. El amor y la atracción no llegan a los lìmites propuestos en las novelas por el autor Crownover.

ROCCO Y SUS HERMANOS
Dirección de Luchino Visconti. Guion de Suso Cecchi D Amico, Pasquale Festa Campanile, Massimo Franciosa, Enrico Medioli. Con Alain Delon, Renato Salvatori, Annie Girardot, Claudia Cardinale, entre otros.
XXXXX- UNA OBRA MAESTRA QUE VUELVE A LA PANTALLA
“Rocco y sus hermanos” es considerada una obra maestra que marcó un antes y después en el cine italiano, con profunda influencia en el cine internacional. Rocco y sus hermanos es una epopeya familiar, un drama neorrealista, con muchas aristas, tal como era la personalidad de Visconti. Se rodeó de un elenco de primeras figuras de aquellos años y le dio el gran espaldarazo a Alain Delon. Los jóvenes de entonces que aparecen en esta película han sido las estrellas del cine italiano y francés respectivamente poco después. Es de visión obligatoria, aquí no es necesario sintetizar nada, todo està en el título y muestra un drama de la postguerra. No se la pierda, es un film convocante y determinante de una época fundacional del nuevo cine internacional.
Elsa Bragato, Actoresonline.com

ROB1N – EL POSEÍDO

Dirección y Guion de Lawrence Fowler. Con Leona Clarke, Michaela Longden, Maximiliam Cherry, Simon Davies, entre otros. Cinematografía de Neil Parsons, Edición de Lawrence Fowler, Música de Christoph Allerstorfer, Duración: 90 Minutos
XXXX – INGENIOSA PARÁBOLA DE TERROR SANGRIENTO
Rob1n, El Poseído reúne todos los condimentos del film de género, con una buena hilación narrativa y, desde ese punto de vista, si bien previsible, muy bien realizada. Nos cuenta la historia de un hombre mayor, especializado en robótica, que no supera la muerte de su hijo luego del festejo de sus 11 años, y construye un robot, Rob1n, que “toma” el alma del niño. Y no es precisamente un ser bondadoso. Alguien que dice ser su sobrino vuelve a la casa con su novia con la idea, en principio, de casarse allì, pero nada será como se espera porque comienzan a sucederse hechos espeluznantes, pero con una buena preparación previa. Es decir, hay horror, hay susto, hay “gore”, pero mediando una historia que se va plasmando entre las secuencias sangrientas. En esto reside la fuerza de este film que utiliza historia y efectos especiales dentro de cánones muy ingleses, que tienen refinamiento en este género sin perder contundencia. Resulta una película atractiva, especialmente para quienes son fans del terror. Y para quienes no lo somos, es justo decir que nos mantuvo atentos de principio a fin porque el guion tiene sus guiños y vueltas de manera tal que la historia sea una parábola a descubrir por el espectador.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
 

DAAAAAALI!

Dirección, guion, fotografía y edición de Quentin Dupieux. Arte de Joan Le Boru, Vestuario de Isabelle Pannetier, Sonido de Alexis Place, Guillaume Le Braz. Con Anais Deoustier, Gilles Lellouche, Edouard Baerm Jonathan Cohen, Pio Marmai, Didier Flamand Duración: 77 minutos.

XXXX – EXTRAVAGANCIA SURREALISTA SOBRE EL GRAN DALÌ
Los comienzos del siglo XX trajeron revoluciones artísticas desde el cubismo hasta el dadaísmo y una serie de personajes geniales como Pablo Picasso y Salvador Dalí, poetas crípticos y románticos como Paul Eluard, y el existencialismo de Jean Paul Sartre. Nombres que pueden sonar extraños para los jóvenes pero que son la base de muchos movimientos actuales de supuesta “rebelión”.
El inquieto Quentin Dupieux, luego de “El segundo acto”, buscó en S alvador Dalí (1904-1989) una suerte de revolución cinematográfica narrativa con el protagónico de un ficcionado Dalí, para el que requirió cinco actores.
Una joven periodista gràfica intenta concretar una entrevista pero el extravagante pintor pone “peros” o se cansa o tiene exigencias insólitas, mientras el director intercala una larga cena, con comida repugnante, en casa de amigos donde un clérigo narra un sueño para que Dalí lo transforme en cuadro.
Esta película es una explosión de hilaridad, de surrealismo, de acciones y respuestas insólitas, con varios finales breves. A nivel actuación, Las imitaciones gestuales de Dalí resultan grotescas, en otras muy crueles. Se ve a su mujer Gala – encarnada por Catherine Schaub- (la ex del poeta Paul Eluard)- aconsejándolo sin mucha suerte. Y la fotografía, asì como el arte en general, invade con un sepia claro.
En verdad hay que aceptar a este Dalí ficcionado tan extravagante en poses y expresiones como una buena réplica del Dalí de la vida real conocido a través de los noticieros de los 60.
Es una película diferente, anticonvencional como su protagonista, cuyo hilo conductor es la joven periodista que intenta entrevistar a Dalì. Surrealismo al servicio de un planteo narrativo que actúa como parodia y como exaltación de un artista con una genialidad única e irrepetible.
Elsa Bragato, Actoresonline.com

TERRITORIO
Dirección y guion de José Celestino Campusano. Fotografía de Federico Jacobi, Mùsica de Claudio Miño, con Gustavo Vieyra, Farid Herrera, Christian Alejandro Gauto, Juan Marcos Fernández, Claudio Medina, Darío Laurenzano, Analì Vartolo, Laura Vanesa Masso, entre otros. Duración: 89 minutos.
XXXX – EL CINE “MACHO” DE CAMPUSANO
Hay un estilo determinado, preciso: es el del realizador Josè Celestino Campusano, que demuestra en “Territorio” un crecimiento narrativo notable, con personajes muy bien definidos, fuertes, abarcando una amplia gama de sentimientos: desde la pelea cotidiana por el lugar en el mundo hasta la sensibilidad y responsabilidad de un padre frente a un hijo rebelde.
El protagonista es “Román” (Gustavo Vieyra), que entrena a futuros boxeadores, tiene una joven amante que lo decepciona y un hijo rebelde que le complica la vida. Al mismo tiempo, se define políticamente por lo que debe enfrentar a la oposición que lo amenaza. Campusano logra que su personaje recorra diferentes niveles de emociones, desde tomar mate con su padre, hasta caer preso por una feroz lucha, o bien conducir a su hijo adolescente por el buen camino. Varios frentes en los que lucha con una masculinidad acendrada.
Por eso definimos a este cine como “macho”, las mujeres ocupan un lugar secundario porque aquí los asuntos es entre hombres, a las trompadas, a los tiros, o con ternura. Este costado del personaje de Román es una novedad muy bien desarrollada en este film de Campusano: si bien el lenguaje de los personajes es marginal, aun asì Román sabe mantener una relaciòn tierna con su hijo. Con un mensaje muy claro: por sobre los intereses personales, la búsqueda de superación y de dinero, está la familia.
Este Campusano nos asombrò, nos gustó, no pierde nunca el hilo argumental que le marca Román aunque lo rodeen personajes de distinta ralea. Y he aquí donde reside la fuerza de una película muy masculina que tiene un protagonista potente, resumiendo sin lugar a dudas la amplia gama de sentimientos que la vida nos exige para enfrentar lo malo y lo bueno. Buen Campusano, cine macho como pocos.
Elsa Bragato, Actoresonlines.com

EL SUEÑO DE EMMA
Dirección de Germán Vilche. Guion de Vilche con Federico Arzeno y Adrián Caram. Fotografía de Germán Vilche y Lucas Guardia, Sonido de Ignacio Gabriel, Edición de Juan Pablo Di Bitonto, Mùsica de Ignacio Gabriel, Duración: 88 minutos.
XXXX – BELLA HISTORIA SOBRE EL AMOR FILIAL
Precedida de una gran aceptación del público de festivales de Polonia, Triste (Italia), Cuba, Finlandia en los festivales de cine para los niños y jóvenes, llega “El sueño de Emma”, de Germán Vilche quien aborda el tema del amor filial entre un padre viudo, Marcos (Sebastián Arzeno) y su hija de 16 años, Emma (Luthien Ramos).
Dentro de nuestra cinematografía, esta película marca una gran diferencia tanto en el guion como en la narración audiovisual y el desarrollo de los personajes: hay un manejo de excelencia en la fotografía, rodada en los ríos internos de la zona del Tigre y sus islas, unida a una banda sonora tenue y profunda a la vez, que enmarca las secuencias con un profesionalismo musical infrecuente. Hay poesía en el relato propuesto por Vilche, que nunca se desmadra.
“Marcos” debe aceptar que su joven hija es una estudiante avanzada de inglès y que ganó una beca mediante intercambio estudiantil para Londres, su sueño. El dinero para el viaje lo aporta un amigo, “Alfredo” (Luis Ziembrowski) mientras la abuela Mito (Julia Azar), dejada a la buena de Dios por sus dos hijas, encuentra en Marcos y Emma la contención necesaria para valerse por sì misma.
Hay en este relato de Vilche mucha placidez sin que falte el conflicto que moviliza la historia y que està relacionado con el enorme afecto de padre e hija para quienes una separación momentánea resulta muy dolorosa. Aunque signifique crecimiento para Emma.
Vilche logra tocar fibras profundas con una historia bucólica y potente, engalanada por su riqueza visual y melódica. Y por esta sensibilidad especial del director para encarar la relaciòn padre-hija, que es siempre especial, “El sueño de Emma” se transforma en una película de puro sentimiento, rara avis dentro de la cinematografía nacional. Es un film para emocionarse, para confirmarnos, una vez más, que el sentido de familia està vivo entre nosotros.
Elsa Bragato, Actoresonline.com

1.- BLANCA NIEVES, de Mark Webb
Es la versión del tradicional cuento con actrices y actores reales, que dan vida a una historia que siempre atrajo: la joven que se escapa de la cruel madrastra y se esconde en el bosque en la casita de siete enanos leñadores. Lo vistoso de este clásico de los cuentos es la actuación del elenco que recrea personajes a los que hemos conocido en libros o bien en dibujos animados,
2.- MEMORIAS DE UN CARACOL, de Adam Elliot
Se la considera una joyita del Stop Motion, o sea el movimiento de figuras que van siendo captadas por una cámara, un trabajo harto minucioso con muñecos maleables. Al registrar cada movimiento y filmarlos, se genera el movimiento. En este caso, estas memorias tienen un “toque” de humor negro muy contemporáneo asì como, en el fondo, una tragedia imaginándonos tan solo la vida de cualquier caracol, frágil ante la brutalidad humana.
3.- HANS ZIMMER AND FRIENDS: DIAMOND IN THE DESERT
Es una fiesta musical que se adentra en la creación de uno de los grandes maestros compositores de estos tiempos: el germano-norteamericano Hans Zimmer. Recrea sus famosos temas con una orquesta de altísimo nivel en escenarios majestuosos como el Coca Coca Arena de Dubai. Se vuelven a escuchar sus grandes bandas sonoras asì como se incluyen entrevistas a artistas que trabajaron con èl como Christopher Nolan, Denis Villeneuve, entre otros. Un documental de ésos que son una fiesta de belleza de sonidos.
4.- El Pozo (The well), de Federico Zampaglione
Presentada en los festivales de cine de terror como el de Sitges, la crìtica considera que el director Zampaglione vuelve al cine “giallo” italiano, con influencias de Darío Argento. En este caso, toma la vida de una joven restauradora que inicia su trabajo en un cuadro medieval y a medida que avanza van surgiendo entidades maléficas. Es cine gótico, con ritos satánicos. Y està dirigido al público fan del género. El film, curiosamente, està hablado en inglés.
5.- EL SUEÑO DE EMMA, de Germán Vilche
Ver Crìtica
6.- TERRITORIO, de Josè Celestino Campusano
Ver crìtica
7.- DAAALÌ, de Quentin Dupieux
Ver Crìtica
8.- HABITAR LA SOMBRA, de Cèsar Italiano, Argentina
Documental sobre la vida de madrugada de la ciudad de La Plata. Cuando todos se van a dormir, surgen los trabajadores de la medianoche que acondicionan la ciudad para el día siguiente y cumplen hasta servicios comunitarios como llevar algo a un hospital, u otro pedido urgente. La noche tiene vida propia. Y es el retrato cinematográfico que hace César Italiano de la ciudad de La Plata, aùn no recuperada de las heridas de la última inundación.

 

Hay algunos estrenos previstos de los que brindaremos información y algún comentario crítico.

1.- NOVOCAÌNE, de Dan Berck y Rob. Olsen. Con Jack Quaid
La crìtica considera que es un thriller muy alocado y muy logrado a la vez, donde està el terror y la secuencia còmica como hilo conductor de una historia que solo un actor como Jack Quaid, de enorme ductilidad, pudo llevar a cabo.

2.- MICHEY 17, de Bong Joon-Ho. Con Robert Pattinson, Mark Ruffalo, Toni Colette.
Hay un muy buen elenco para este nuevo film del director de “Parásitos”. Y hay además tantas ideas sin desarrollar que la propuesta se torna, muchas veces, en caòtica. Sobresale la actuación de Robert Pattinson, quizás en una de sus performances más adultas.
 

3.- PRESENCE, de Steven Soderberg, Con Callina Linag, Lucy Liu, entre otros.
Un matrimonio y sus hijos se mudan a una casa que resulta estar habitada por fantasmas. Es un film curioso porque Soderberg toma más el punto de vista del fantasma que aterra que el de la familia, que ingresará además a un plano más virtual que real. Extraña película en el que se descubren los toques a lo Soderberg y es lo que la salva, en definitiva.

4.- ZEROBASEONE THE FIRST TOUR, con la presentación del líder de K-Pop, m`´usica electrizante con buenos backstage.
 

LAS BRIGADISTAS

Dirección de Juan Pablo Lepore. Cámara de Juan Pablo Lepore, Catriel Marmo, Miguel Baratta y Ruth Gómez. Fotografía de Catriel Marmo y Juan Pablo Lepore. Banda Sonora de Matías Chapiro. Duraciòn: 89 minutos
XXXX – LA ARGENTINA QUE AVERGÛENZA
Tremendamente conmovedor resulta este documental de Juan Pablo Lepore sobre las condiciones de vida de las poblaciones ubicadas en el Chaco Salteño, esencialmente las colonias Wichis y alguna que otra Guaraní.
La ausencia del Estado es absoluta y brutal a la vez. En los hospitales de la zona (que alguna vez recorrimos) la discriminación por el color de piel es absoluta, ni siquiera a los chicos se les da cama, salvo una medicación elemental y muchas veces mueren porque necesitaban una atención médica constante. Salta es una de las provincias con más deforestación del paìs y eso afectó y afecta la vida de las colonias aborígenes consustanciadas con la naturaleza. Y con alta mortalidad infantil.
El grupo de Brigadistas, o Brigadas Sanitarias de Salta, entre otras, es quien se acerca a los hogares, levantan improvisados consultorios, vacunan, sanan, dan instrucciones, y se hacen cargo de todo lo que pueden.
No se trata de contar aquí el argumento sino de dar pautas de una narración que conmueve profundamente, que solo la sensibilidad de Lepore y su equipo permiten conocer. Es el paìs que lastima, duele, rebela. Ni el desmonte ni la discriminación. Este escenario desolador, angustiante, es esencialmente la Argentina que no puede existir más. Es la Argentina que nos da vergüenza además de quebrarnos el corazòn. Vale la pena este documental.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
 

He aquí los comentarios sobre algunos de las películas previstas para su estreno en el dìa de la fecha.
MARÌA BY CALLAS, IN HER OWN WRPDS

De Tom Volf, Montaje e Janice Jones, Mùsica de Jean Guy Veran, Fotografìa de Janie Jones, Duraciòn: 113 minutos. Francia.
XXXX - LA MUJER DETRÀS DE LA GRAN CANTANTE LÌRICA
Como bien se manifestó, este documental, que no es el primero sobre la notable Marìa Callas, intenta redimir a la mujer por sobre la cantante, o a la par de ella. Tom Volf toma un reportaje en blanco y negro que va insertando de principio a fin en el que la apodada “La divina” cuenta su escisión entre ser Marìa y ser Callas, pero haber sido siempre la misma, uniendo a la dos, sobre un escenario.
En este film, se muestra el lado más humano de la gran cantante nacida en New york pero de ascendencia griega. Cuando sus padres se separaron, regresó a la tierra de sus padres junto a su madre y su hermana. Su madre la impulsó y presionó para que ingresara a la carrera lírica. No tuvo una infancia común sino de estudios, soñó con tener un marido e hijos pero, como bien afirma, su destino estaba en los escenarios, hecho que “dependió de Dios” y lo aceptó a pesar de que esta aceptación le produjera quiebres espirituales.
No vamos a describir su raid musical que fue breve pero intenso e insuperable. Marìa Callas reconoce en la maestra española Elvira de Hidalgo la perfección en la técnica y la natural voz que abarcaba tres octavas, algo inusual. Su talón de Aquiles fue la opera Norma, de V. Bellini, con ella triunfó y con ella fracasó a raíz de una pertinaz bronquitis que le impidió continuar con una función.
A tamaña artista, venerada hasta el paroxismo, encontrar el amor le fue muy difícil: en Verona, conoció al magnate Giovanni Meneghini, 30 años mayor que ella que, como bien manifestó la cantante, “se le subió la gloria a la cabeza cuando a mì no me importaba”. Decidió adoptar la ciudadanía paterna, la griega, por lo que su matrimonio quedó nulo. El conocimiento con Aristóteles Onassis fue ocasional pero definitorio en su vida como mujer y como cantante. Se alejò del canto, optó por hacerle caso y disfrutar de los placeres que èl podìa darle, su voz se deterioró, los cambios en el peso tambièn tuvieron efecto en su garganta, era el eclipse de una grande insuperable que no había llegado a los 50 años. Y el shock final fue saber por los diarios que Onassis contraía enlace con Jaqueline Kennedy. Las depresiones, el exceso de barbitúricos, hicieron el resto. Hubo amigos notables como Pier Paolo Passolini que la rescataron momentáneamente como actriz, porque tambièn lo era. Pero nada le devolvió su voluntad para regresar a un escenario.
En este documental se muestra la faceta femenina de esta mujer que era conocida por su temible temperamento cuando aceptaba una cantar determinada ópera. Sus exigencias profesionales asustaban. Pero detrás de esta Marìa Callas cantante, el realizador Tom Volf muestra su tremendo espíritu femenino, la necesidad de la protección de una pareja estable, la sinceridad de sus sentimientos, una Callas acuciada por el engaño de Onassis y por el desinterés de Meneghini, una Callas que sufrió los comentarios despiadados sobre su voz, su exceso de peso, su delgadez después para trabajar con Leonard Bernstein que, quizás, fue quien más conoció la nobleza de una mujer quebrada íntimamente por una tremenda sensibilidad. Murió a los 53 años, en su casa de París.
El film documental suma otros aspectos a los varios que se conocen sobre la gran Marìa Callas, destacando en este caso la femineidad de una mujer que tuvo una garganta notable pero que solo querìa vivir como una más. No pudo. Y en ese “no poder” reside el drama que el realizador Volf retrata y que no deja de lastimarnos al mostrar la destrucción psicofísico que provocan el egoísmo del público, de la crìtica y la ausencia del sostén de un amor. Volf logró su cometido en aspectos técnicos con inserts de algunas de sus actuaciones, con films de la época de noticieros, y con fragmentos de reportajes a la gran cantante. Para aplaudir de pie.
Elsa Bragato, Actoresonline

DESPUÈS DEL FINAL
Dirección de Pablo César. Guion de Jerónimo Toubes, Con Eleonora Wexler, Natalia Cociuffo, Nelson Rueda, Héctor Bidonde, Alejandro Botto, Nicolás Cùcaro, Nilda Raggi, Edgardo Moreira, Jesica Jurberg, Lisandro Carret, Martina Salazar, Constancia Nacarato, Juana Zurita y la propia Luz Castillo. Duración: 92 minutos.
XXX- HOMENAJE EN VIDA A UNA GRAN ARTISTA
La propuesta de Pablo César resulta más que interesante porque se basa en la vida real de Luz Fernández de Castillo, personalidad destacada de la cultura argentina, galerista afamada, artista plástica, quien a sus 88 años aceptó ser la protagonista de este homenaje a su vida. Es su rostro el que abre la narración, con versos de García Lorca que Luz recita en Off en los que nos habla del “Duende” que nos habita y que no tiene nada que ver con el Angel que nos sobrevuela o la Musa que nos inspira. Luz se enfrenta a este duende en un momento crucial de su vida: la van a operar. Y cuando los médicos le indican que piense en cosas lindas para que la anestesia surta efecto, empieza un repaso de su vida que va desde su presente hasta su niñez, cuando la abusaban, y el cariño con su padre andaluz que dirigía una librería y que tanto amor por la cultura le había dado. No hay temporalidad sino recuerdos y emociones en un plano que no es èste ni tampoco el de después del final.
El film es un legado artístico presentado como una ficción con una protagonista especial, Luz en persona componiendo a “Gloria” o ella misma escondiéndose de su nombre real. Allì, en ese mundo que supuestamente le ha proporcionado la anestesia, se reencuentra con parientes que hace tiempo partieron, con amigos, se siente cómoda y a la vez sorprendida. Aparecen los miedos de pequeña cuando la llevaban a un cuarto para violarla o esa desazón incomprensible que le produjo su marido diciéndole que la dejaba (papel a cargo de Héctor Bidonde, una de los artistas a quien va dedicado el film).
El trabajo de César como director de actores y al mismo tiempo de la propuesta es interesante y complejo a la vez: tiene a Luz frente a cámaras cuyo rostro de 88 años explora frente a un espejo al tiempo que resuena su voz en off, secuencia que bien se puede marcar como la característica más notable del film.
De una u otra manera, es una historia que llega al corazòn porque de ese Duende interior nadie escapa y porque la edad de Luz Fernández de Castillo- aquí como “Gloria”- indica el camino por el que todos vamos transitando. Sin golpes bajos, con mucho sentido artístico, César y Luz logran una performance cinematográfica para destacar, diferente, que hace pensar en lo que hay después del final. Un misterio que Luz Fernández de Castillo enfrenta con una buena carga emotiva pero sin sensiblería. Se agradece la propuesta porque los homenajes sencillamente deben hacerse en vida, aùn a riesgo del que diràn.

Elsa Bragato, Actoresonline.com
1978
Dirección y guion de Luciano y Nicolás Onetti, coguionista: Camilo Zaffora. Fotografía de Kasty Castillo, Luciano Montes de Oca. Duraciòn: 77 minutos.
X – GRUPOS DE TAREA EN ACCIÒN
Si bien este film estuvo nominado en el Festival de Sitges como mejor película, los hermanos Onetti conocen los resortes del horror y de los sustos, se hace a veces insoportable su visualización.
En 1978, Argentina jugaba el Mundial de Fútbol en el paìs, mientras la dictadura cívico-militar estaba en su apogeo de ensañamiento contra los jóvenes y los supuestos terroristas aplicando terror del Estado con todo su monstruoso aparato.
Carlos Portaluppi, gran actor, encarna a uno de los torturadores, asì como Mario Alarcón, con un make up que lo hace muy parecido al dictador Videla, es el que dirige el grupo de tareas dispuesto a torturar a un grupo de jóvenes secuestrados obviamente sin saber si son tirabombas o simplemente estudiantes universitarios. La sangre salpica la pantalla con el agregado del personaje de una joven embarazada que està por parir en medio de un lugar inmundo. Es decir, del terror propuesto se pasa a un infierno de sangre, gritos, picanas.
Hay que reconocer que los hermanos Onetti han realizado un producto sin altibajos narrativos, compacto, que resulta como película de horror más que de terror.
Nosotros sentimos resistencia ética a que el dolor sin parangón de los secuestrados en la época de los milicos sea motivo de un film de género para presentar en festivales.
Y esta opinión no va en desmedro del trabajo cinematográfico realizado sino que es una cuestión ética. Tanto horror bien pudo aplicarse a otro momento. Nos asqueò.
Elsa Bragato, Actoresonline.com

LA PERSECUCIÒN
Dirección y guion de Teddy Lussi-Modeste, coguionista: Audrey Diwan. Fotografía de Hichame Alaouiè, Mùsica de Jean. Benoit Dunckei. Con Francois Civil, Shain Boumedine, Toscane Duquesne, Mallory Wanecque, Bakary Kebe, Emma Boumial, enre otros. Duraciòn: 92 minutos.
XXX – LAS ESCUELAS, CENTRO DE PREOCUPACIÒN SOCIAL
La idea de mostrar què sucede dentro de las cuatro paredes de una escuela tiene, en este caso, elementos autobiográficos del director Teddy Lussi-Modeste, quien vivió el acoso injusto de una alumna siendo docente. Pero ni èl ni la alumna tuvieron la contención de colegas ni del sistema educativo francés.
Con este objetivo, se redactó el guion de “La persecución”, donde un joven profesor Keller, interpretado por Francois Civil, a raíz de una clase donde se hablaba de la seducción, es culpado por una alumna de un acoso inexistente. Sin embargo, si bien en principio los directivos lo acompañan mediante citación de la alumna y del hermano mayor que obra como padre, de a poco la idea de que ese docente es acosador va creciendo. Y el rumor, desfigurado, transformado en una mentira que crece a pasos agigantados, va dominando la escena al punto que hasta se le sugiere que se suicide.
En verdad, Lussi-Modeste muestra que una mentira puede con la vida misma de una comunidad, en este caso educativa, y que puede encerrar todo lo contrario: la necesidad de esa alumna de atención porque el padecimiento proviene de otro lugar.
El cine francés suele abordar el tema de la escolaridad, la relaciòn profesores y alumnos con bastante frecuencia y con una enorme claridad sobre las consecuencias que la educación tiene sobre la sociedad entera.
Se trata de un film muy creíble que, a partir de un hecho banal, pasa de la comedia dramática al thriller, al suspenso creciente hasta llegar al policial con ribetes diversos porque no hay muertos ni asesinos pero sì una muerte social, una “cancelación” que cae en los protagonistas sin que la verdad tenga posibilidad de manifestarse.
Es una propuesta intensa porque tiene un “tempo” interno creciente y transforma al protagonista, el profesor Keller, en un llamado de atención a las autoridades educativas del mundo: de no ponerse frenos en la formación cotidiana, èsa que da el hogar, las consecuencias sociales negativas son imposibles de determinar. Muy buenas actuaciones, sòlida narrativa y verosimilitud en la propuesta.
Elsa Bragato, Actoresonline.com

NALÁ
Documental de Florencia Romero. Duraciòn: 70 minutos.
XXXX- LA DIGNIDAD DE SER AUTÒCTONA
La directora Florencia Romero nos cuenta la vida actual de Nalà, la cacique indígena Qom que, en el mundo occidental acepta el nombre de Clara. A través de esta mujer, elegida por su pueblo por su enorme capacidad para dirigir, Romero nos muestra la necesaria visibilidad que necesitan los pueblos originarios, es decir, y tengamos en cuenta esto con toda su claridad, los pueblos que habitaron desde siempre América y que fueron hostigados, martirizados y exiliados de sus propias tierras por la supuesta colonización que hizo España y por muchos “blancos” de hoy, de equivocada concepción social.
Y en verdad, a través de las inteligentes charlas de Nalá en facultades y en su recorrida por localidades de todo el paìs donde subsisten indígenas Qom y de otras etnias, se nos obliga a una reflexión sobre el descomunal desprecio hacia las sociedades autóctonas obligadas al exilio de sus tierras, sometidos a martirios, exhibidos como animales primitivos en algunos museos del paìs. Bullying, matanzas, expropiación de cementerios y ciudades, son el pasado y presente de los verdaderos dueños de estas tierras.
De Norte a Sur surgen los representantes indígenas que se reúnen con Nalá para buscar soluciones a fin de enfrentar el destierro o la expropiación. Es una lucha constante, diaria, y Nalá lo sabe por lo que recorre las reservas indígenas transmitiendo el orgullo de serlo, y no la vergüenza de esconder el origen por temor a la burla. En estos traslados, està la cámara inquieta de Romero como testigo ineludible.
Este documental, pleno de información, nos muestra la necesaria revisión de leyes nacionales donde se contemple una en especial, la 26.160,que fue derogada por el gobierno de Javier Milei, y por la que se impide el desalojo y la expropiación pero, sin ella, pueden ser echados de sus casas como si se iniciara una nueva conquista del desierto, o, más bien, el robo de tierras ocupadas por sus dueños legales.
Excelente el diálogo con Nalá frente a cámaras, sorprende por su vocabulario, por su formación y sus conocimientos en general, siendo la fotografía el elemento esencial de Romero para mostrar a la Cacique de dìa y noche, en su casa o en cementerios, junto a los suyos o en una facultad. La lucha no puede detenerse porque todos tenemos derecho a la mirada respetuosa del otro. En verdad, la soberbia del “blanco” hoy en día da vergüenza.
Elsa Bragato, Actoresonline.com

WACAY MUJERES DEL TABACAL
Documental de Belén Rebollo. Fotografìa de Agustina Lòpez Camelo, Sonido de Juan Manuel Castrillo, Ediciòn de Diego Ricciardi. Con Silvana Velázquez, Dora Siclera, Lidia Chocobar, Ana Rosa Subiaurre, Miriam C. Rodrìguez y trabajadores de la zona. Filmada en Jujuy. Duraciòn. 78 minutos.
XXX – VIVIR ENTRE TABACALES
Bienvenido este documental de Belén Rebollo que, desde Jujuy, nos trae un segmento de vida cotidiana, la que se genera en las colonias tabacaleras, dando origen a las Wacay, que significa “trabajo rápido en conjunto” más afín a las pequeñas y ágiles manos de las mujeres. Con solidez narrativa, Rebollo no muestra a cada una de las cinco mujeres que relatan sus vidas desde la infancia hasta la adultez: la cámara no las individualiza sino que, de cada una de ellas, o sea de Dora, Lidia, Ana Rosa, Silvana y Miriam, se muestra el trabajo silente y constante en el tabacal, inmensas plantas de hojas enormes que se cosechan para luego ingresar a otro proceso: el de la clasificación, el secado, la trituración.
Mientras arrancan las hojas, van contando en “off” sus sueños de ir a la escuela, pero reconocen que la generación de sus padres fue “muy dura” y veían en el trabajo la única salida para una vida digna de sus hijas. Alguna soñó con enfermería, otra con docencia, otra con ser buena peluquera, pero finalmente aceptaron con mansedumbre el levantarse a las 5, tomar un té y esperar la hora para ir al tabacal, lo más temprano posible para evitar el sol del mediodía, insoportable.
Estas secuencias están intercaladas con una voz en off, a cargo de Silvia Rodríguez, que va recitando la leyenda sobre el origen del tabaco, la mujer que se escapó de la casa y que, antes de ser quemada, se transformó en un demonio. De sus cabellos nació el tabaco. La leyenda de final tan maligno se enfrenta a una realidad benigna porque las “wacay” estàn conformes con el trabajo: la ley contempla igual salario para hombres y mujeres y obra social, un logro en el que hacen hincapié.
La directora Rebollo muestra al detalle el trabajo en las fincas tabacaleras mientras da su propia mirada otorgándole el sesgo profundamente poético al material filmado: envuelve a las trabajadoras en la voz en off que narra la leyenda ancestral. Su cámara se vuelve subjetiva, aportando esa cuota de lirismo que visibiliza la tarea cotidiana de las wakay o mujeres de los tabacales. Es una película que se agradece y que, a partir de realizadoras como Rebollo, reconocida tanto aquí como en el exterior, forma parte de un polo cinematográfico muy rico: el de la lejana y bella Jujuy.
Elsa Bragato, Actoresonline.com

VRUTOS
Dirección y producción ejecutiva de Miguel Bou. Fotografía de Fernando Rodríguez, Edición de Rodrigo Grande y Miguel bou, Mùsica de Martìn Zero y Pedro Monzo. Con Darío Mastropierro, Diego Alonso, Gregorio Barrios, Lucas Tresca, Franco Tirri, Matías Apostolo, Federico Fermia, Ceci Colz. Duración: 102 minutos.
XXX – TUMBEROS A LA LUZ DEL DÌA
Para comprender la idea y producción de Miguel Bou sobre las peleas callejeras y muertes entre barras de jóvenes en Lugano 1 y 2, Villa Perito Moreno, Barrio el Bueno de Berazatagui, es necesario saber que nació en Villa Lugano por lo que conoce la esencia de la vida en esas calles.
Manejando planos largos y medios, con cámara fija en muchas secuencias, y en glorioso Blanco y Negro, el realizador Bou narra lo que supo, lo que sintió que pasaba en esos barrios. De allì que la película sea contundente, sólida: lo que Bou cuenta sucedió y sucede. La historia se centra en el joven Brian de 19 años que quiere seguir los pasos de su padre, un ex delincuente que solo aspira a que salga de las “malas juntas”. Abandonado por la madre, Brian no hace caso a las directivas paternas, por momentos desesperadas. Y va a terminar tal como la llamada “ley de la calle” impone.
En verdad, asaltos, heridos de muerte, vemos todos los dìas en los noticieros. Es un punto en contra de la película que, por su dirección, ganó el Gran Premio y la Direcciòn en el último BAFICI.
Bou pone sobre el tapete ese estilo de vida sin futuro socioeconómico, que se desarrolla en plazoletas, recodos de los edificios, y que se enciende en la pelea cuerpo a cuerpo, en el puntazo certero al rival, en la paliza hasta la agonía del contrincante. Nada nuevo bajo el sol.
Se rescata la hilación de la historia que no se mueve un ápice ni en escenas de dolor extremo ni cuando la justicia se ejerce sin jueces.
Como decíamos, el tema es cotidiano en la televisión, pero sin los detalles sobre la reuniòn de patotas que el director Bou muestra siendo aquello que le otorga la diferencia entre los noticieros y el cine. Bou logró que historias delicuenciales cotidianas tengan los condimentos necesarios para ser “una historia de cine”.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
 

BUENAS NOCHES
Dirección y guion de Matías Szulanski. Con Rebeca Rosseto, Tamara Leschner, German Baudino, Anamá Ferreyra, entre otros. Fotografía de Lourdes Sanz, Música de Dante Fisi. Duración: 91 minutos.
XXX – ENSALADA INSÒLITA AUNQUE INTERESANTE
La propuesta de Matías Szulanski no pudo ser más compleja en “Buenas noches” al contarnos las largas 10 horas de una joven brasileña que llega a Buenos Aires (habla castellano porque estudió periodismo en escuelas del país) para estar con su tía (Anamá Ferreyra). Pero ésta recién llegará al día siguiente desde Salta. Para Laura (Rebeca Rosseto), ese tiempo se transforma en un infierno. Pierde sus maletas, pierde su mochila, empieza a buscar ayuda en bares, conoce a chicas de su edad que le tienden una mano pero se va complicando su situación a través de hechos impensados y extravagantes. He aquí la inventiva de los guionistas que van desde la comedia simple a la venta ilegal de órganos, de las fiestas estudiantiles al asesinato impiadoso.
Desde el punto de vista narrativo, no hay altibajos. Buena fotografía y un elenco sólido aseguran un film para ver. Nos recuerda a “Berta y Pablo”, uno de los largometrajes de Szulanski, prolífico director nacional. También entonces la protagonista venía de un país limítrofe a Buenos Aires, no encontrando a la persona que buscaba sino la casa vacía. En el caso de “Buenas noches”, título cargado de sarcasmo, la protagonista tampoco encuentra a la persona que debía estar iniciando un periplo nocturno rayano en lo extravagante. Es decir, la cuestión pasa por el guion, cargado con una sucesión de hechos que, todos juntos, resultan insólitos, aunque esté marcando una mixtura de géneros muy interesante. La actuación de Rebecca Rosseto en el protagónico es impecable así como su rostro impávido si bien en tres oportunidades tanto espanto la llevan a gritar y tirarse de los pelos. Algo tenía que pasarle.
Es una buena apuesta a elencos jóvenes, con un final demasiado previsible porque busca cerrar la sucesión de secuencias extremas con una todavía más extrema. En esta escena final se cae, se quiebra, la novedosa conjunción de géneros a la que echó mano Matías Szulanski quien, a estas alturas, es uno de los directores más audaces y competentes del cine nacional.
Elsa Bragato
Actoresonline.com

LA SEMILLA DE LA HIGUERA SAGRADA
Dirección y guion del director iraní Mohammad Rasoulof, Fotografía de Pouyan Aghababayi. Mùsica de Karza Mahmood. Con Musagh Zarech, Setareh Naleki, Sohella Golestani, Mahsa Rostami, entre otros. Duración: 168 minutos.
XXXXX – UNA OBRA DE EXCELENCIA DENTRO DEL CINE DE DENUNCIA
Para analizar este film hay que ubicarse en la situación social de las mujeres en Irán, la persecución, la vejación, el maltrato, la sentencia a muerte, si no se cumple con las normas de un supuesto régimen religioso encastrado en el poder. El director Mohammed Rasoulof tuvo que escapar de su paìs para recalar en Alemania, a fin de no tolerar más prisiones y latigazos ante el inminente estreno de “La semilla de la higuera sagrada”
Su guion establece la historia en una familia tradicional, un padre, Imán (Zarech) que es ascendido a juez de instrucción, cargo que lo obliga a firmar sentencias de muerte a jóvenes adolescentes que se han rebelado ante alguna autoridad. Al principio, con resquemores éticos humanos, luego como una práctica que lo transforma en un hombre de rostro inexpresivo, alejado de sus dos hijas adolescentes (los brotes nuevos de la higuera) aunque cuidado con esmero por su esposa. Entre otros elementos propios de su cargo, se le otorga un revólver. Hasta que éste desaparece y entonces decide huir con su mujer e hijas de la ciudad, ayudado por su superior. Su firma en sentencias de muerte diarias es conocida y teme un atentado.
A este meollo del guion hay que agregarle muchas secuencias en las que Imán se van transformando en un ser abominable, de padre cariñoso a interrogador policial de su mujer e hijas. La tensión crece, nada se sabe del revólver, y la casa de campo exacerbará la brutalidad de su espíritu hacia sus seres queridos.
En la narrativa propuesta se llega a momentos de paroxismo cuando se produce una confrontación entre la posición de la madre que todo lo acepta con la de las hijas, que cuestionan el maltrato a sus compañeras de estudio cuando participan en manifestaciones. Lo ven en videos que les envían a sus celulares. Las jóvenes no aceptan esa realidad que explota la cabeza de una compañera por los golpes de la represión policial. Para la madre, “traía la enfermedad del aneurisma” y por eso murió. Para las hijas, las mentiras de sus padres son cada vez más evidentes, desde el ocultamiento de la tarea de verdugo de su padre hasta la impostada aceptación del machismo de la madre (Sohella Golestani como Najmeh). Y deciden enfrentar a Imán, que descubre ante su familia el desalmado fundamentalismo religioso que, para èl, es política social.
Es notable el pase de género que hace Mohammad Rasoulof al mostrar, primero, la vida de una familia iraní de buena posición con hijas adolescentes que sueñan con pintarse las uñas para, en segundo lugar, ingresar al policial de intensidad creciente a partir del conflicto que estalla cuando no se encuentra el revolver. Se cabalga entonces entre el policial y el terror, por momentos previsible.
Sin lugar a dudas, la denuncia del director Rasoulof es brutalmente clara y precisa. Para algunos, es exagerada; en cambio otros pensamos que tuvo una mano dúctil para manejar el trastorno de personalidad de Imán, el sufrimiento de su esposa, y la libertad que encarnan Razved y Sana, las adolescentes que enfrentan una cultura basada en la represión a la mujer con el argumento que es “ley de Dios”.
Es un film preciso, va creciendo la tensión lentamente hasta convertirse en natural. Es, además, un policial con mucha intriga, con vueltas sobre sì mismo, que funciona como denuncia de un régimen fuera del tiempo. Es, como se consideró, una obra cinematográfica mayor, de excelencia, aun con cierta previsiblidad y exceso de reboots.
Agregado: el título indica que las semillas nuevas terminan por ahogar o hacer sucumbir a los frutos viejos.
Elsa Bragato
Actoresonline.com

SETIEMBRE 5
Dirección de Tim Fehlbaum, guion de Moritz Binder, Tim Fehlbaum y Alex David. Fotografía de Markus Forderer, Música de Lorenz Dangel. Con Peter Sarsgaard, John Magaro, Ben Chaplin, Leonie Benesh, entre otros. Duración: 95 minutos.
XXXX- EL CINE HACE JUSTICIA CON EL PERIODISMO
Para quienes peinamos canas, es imposible olvidar el atentado a los atletas judíos ocurridos en 1972 en los Juegos Olímpicos previstos en la ciudad de Munich. En comentarios anteriores, hicimos una breve reseña de este film ubicado entre los posibles ganadores de los premios Oscars, porque no se había determinado su fecha de estreno como ahora sì, es este jueves.
En principio, la historia se ubica en el control de los periodistas deportivos de la ABC que fueron enviados a cubrir los deportes. Nadie podìa prever que un grupo de terroristas se había infiltrado y la tragedia era inminente.
Una característica de este film es que no sale de este estudio central, pero logra atraer por el tratamiento que se le da a los personajes, sus actividades, sus inquietudes y el poner en primer plano el trabajo del periodista obligado a cumplir con una misión sea de su agrado o no.
Los periodistas arman el control central, ubican sus cámaras hacia la villa olímpica y en las diferentes competencias, cuando observan la aparición en los ventanales de algunos encapuchados y jóvenes apuntados con armas. Las cámaras del director Fehlbaum captan a su vez lo que ocurre en ese control central, especialmente las dudas de enviar directamente al aire lo que estàn viendo. De no hacerlo, sería negar la verdad de los hechos, es decir, la ética profesional llevada a un caso extremo. Tambièn es la tristeza sin límite de quienes estàn al frente de esta tarea: se transmite el horror, se da cuenta, testimonio, de una tragedia mientras està ocurriendo y nada se puede hacer para detenerla.
Si bien puede resultar un film claustrofóbico, y estamos al tanto de que existen numerosos registros cinematográficos documentales y ficcionados de esta tragedia, “Septiembre 5” ofrece otro punto de vista, el del periodismo abocado a la transmisión televisiva. Y aquí hay que remarcar que es notable la verosimilitud de los hechos y conductas del elenco al punto tal que se participa intensamente de los sentimientos de quienes personifican al equipo deportivo de entonces. Cabe añadir que en Alemania se consideraba todo previsto para que los Juegos Olímpicos fuesen un ejemplo de civilidad con el fin de cambiar la imagen de un paìs que había condenado por el nazismo a la cámara de gas y a las torturas más crueles e inimaginables a 6 millones de judíos, además de gitanos, homosexuales y oponentes al régimen de Hitler. La historia le dio un fuerte revés a Alemania condenando a su sociedad a cambiar parámetros culturales súbitamente.
Es una gran película, diferente, que funciona como documental pero es ficción basada en hechos reales ocurridos en un control central de transmisión televisiva en aquel entonces.
Elsa Bragato
Actoresonline.com

FLOW
Animación dirigida por Gints Zilbalodis, con guion propio y coguionista Matiss Kaza. Mùsica de Rihards Zalupe y Gints Zilbalodis. Duración: 83 minutos. Coproducción Letonia-Bélgica-Francia.
XXXX -IDÌLICA ANIMACIÒN SOBRE LA AMISTAD
Gatos y perros han sido protagonistas desde siempre del cine. Faltaba un gato letón como Flow, creado por Gints Zilbalodis, un creativo que iniciò a su protagonista Flow, un gato negro, en un corto para luego transformarlo en un largometraje donde no hay diálogos sino una delicada banda sonora que acompaña los movimientos que se producen en un planeta inundado con sus habitantes humanos desaparecidos. Flow debe salvar su vida y puede hacerlo en una balsa que va a la deriva en los inmensos caminos de los bosques transformados en ríos.
Pero no està solo, aparece un lémur, una grulla, un perro mastín, entre otros animales que tambièn buscan salvarse. De a poco aprenden a tolerarse, a no querer morderse, a no sacarse el alimento que, en este caso, abunda: los peces. Lentamente empiezan a compartir el espacio, a tolerarse y finalmente a hacerse amigos.
Zilbalodis tiene una extrema sensibilidad hacia la naturaleza que refleja en esta propuesta donde todo fluye como los torrentes de agua: la animación y la mùsica. No hay diálogos, no pretendió que sus animales hablaran entre sì como humanos sino que en Flow y con Flow todos empiezan a comprender el lenguaje del otro, el ladrido, el graznido, el grito. Son idiomas diferentes, solo hay que tratar de comprenderlas.
En sì, Flow es un canto idílico a la naturaleza pero factible a la vez porque es un hermoso cuento sobre la amistad, la comprensión y la hermandad. Es una égloga letona de amor por el ecosistema terrestre. Nuestra forma de leer el mensaje de Zilbalodis es entender que el secreto de la salvación reside en la hermandad,
Elsa Bragato
Actoresonline.com

OTROS ESTRENOS PREVISTOS

1.- BETTER MAN, LA HISTORIA DE ROBBIE WILLIAMS, DE Michael Gracey.
Robbie Williams se presta para contar su propia historia de vida pero a través de expresiones simias, riéndose de sì mismo pero, al mismo tiempo, de esos elementos propios de cada uno de nosotros.
2.- DUNA: PARTE DOS, de Denis Villeneuve.
Esta segunda parte es visualmente una maravilla, tal indican diferentes crìticos, si bien puede lucir más frìa, con menos atisbos de humanidad, aunque atractiva. Lleva mùsica del gran maestro Hans Zimmer.
3.- LOS PEREZ-OSOS, animación de Australia.
Historia inusual sobre los perezosos, con mucha acción.

 

JUEVES 20 DE FEBRERO DEL 2025

HAY UNA PUERTA AHÌ
Documental de Facundo Ponce de Leòn y Juan Ponce de Leòn, con guiones propios. Intervienen Fernando Sureda, Enric Benito Oliver, Laura Ramos, Inés Aldecoa, Salvador Sureda Aldecoa, Fernando Sureda Aldecoa. Música de Luciano Supervielle. Duración: 70 minutos.

XXXX – SOBRE LA PAZ ESPIRITUAL Y LA ACEPTACIÒN
Mucho se habla de “tratamientos paliativos” y hasta de “eutanasia” en algunos países europeos. Especialmente en Suiza, donde el actor francés Alain Delon la adoptó para partir de este plano simplemente porque consideró estar muy anciano. Esto no ocurre en el resto del mundo y mucho menos en el Río de la Plata. La muerte no está todavía sujeta a una inyección sino a nuestras propias condiciones de vida.
Los directores Ponce de León presentan el caso del uruguayo Fernando Sureda que, a raíz del pedido de una médica, mantiene conversaciones vía Videollamada con un especialista de España, Enric Benito Oliver. Las charlas entre ambos fueron los miércoles y se extendieron durante 9 meses hasta el fallecimiento de Fernando en setiembre del 2020.
El documental retrata la charla de los dos hombres y, ocasionalmente, la intervención de la esposa de Fernando, postrado por diferentes enfermedades, especialmente el ELA, además de tener una adicción al cigarrillo y al whiskey que no abandona ni aún en la cama. Fernando solo quiere morirse y le pide ayuda a Enric para realizar la eutanasia. Pero nada es fácil, ni siquiera morirse cuando uno lo dispone. Enric le hace ver lo que sufre su familia al verlo sin ganas de vivir a pesar de las enfermedades que tiene, y lo insta a dejar de pensar autoritariamente solo en lo que él supuestamente necesita empezando a mirar alrededor suyo, a su mujer, a sus hijos, que sufren impotentes ante el requerimiento de Fernando.
Las entrevistas, amistosas, duras a veces, hacen cambiar de actitud paulatinamente a Fernando quien llega a pedir que lo bañen, lo vistan, lo afeiten, para atender a su amigo al otro lado del océano. Empieza a aceptar su situación y no a enfrentarla.
Si bien la cámara no tiene mayor desenvolvimiento que ir de un plano a otro, de un rostro a otro, el valor de lo que estos dos hombres hablan (la necesidad de reconocer la conciencia con nombre y apellido, el dejar de mirarse el ombligo, el pensar que es un todo, uno y la familia, padeciendo una enfermedad terminal) se torna tan existencialmente rico que atrapa, que hace ver que “hay otra puerta ahí”, que es posible verla solo cuando la calma llega al espíritu, cuando se bajan las falsas defensas contra algo que nos consumirá se quiera o no, y uno se rinde ante el destino, el que dicta nuestra vida y que nuestra conciencia conoce.
Este documental realiza un gran aporte a situaciones de enfermos terminales conscientes, que tiranizan sin darse cuenta a sus familiares que no solo tienen que atenderlos postrados sino que deberán hacerse cargo del después. La aceptación conduce a la calma espiritual. De alguna manera, es aprender a vivir y a morir porque, como dice el español Enric, la vida y la muerte tienen la misma estructura. Es también una profunda mirada sobre lo que somos capaces de hacer para vivir y para morir en paz sin recurrir a la violencia de una inyección letal o a una agonía dolorosa más para la familia que para el que se va. “Hay una puerta ahí” es un fantástico documental sobre cómo pasar al más allá con aceptación del destino humano, algo así como nacer de nuevo dentro de otros parámetros de la naturaleza.
Elsa Bragato
Actoresonline.com

IMPLACABLE
De Hans Petter Moland, sobre guion de Tony Gayton. Fotografía de Philip Ogaard, Músico de Kaspar Kaae. Con Lima Neeson, Ron Porlman y Yolonda Ross, entre otros. Duración: 122 minutos.
XXX – ENTRE CRÌMENES Y OLVIDOS
Liam Neeson regresa a la pantalla con este film que se llama “Absoluciòn” pero que, por razones comerciales, se ha titulado en nuestro país “Implacable”, una suerte de sello cinematográfico que identifica al gran actor irlandés.
Las corridas por los techos de Estambul buscando a su esposa e hijas raptadas, que dieron lugar a una saga de tres films, ya no están. Neeson tiene edad que pesa a la hora de componer roles con tanto desgaste físico. Pero eso no quiere decir que abandone su porte de implacable, de duro, relacionado con lo marginal.
A los 72 años, apuesto como siempre, pero más delgado y avejentado gracias al make up, Liam Neeson es Thug, un gangster que empieza a tener olvidos notables de nombres, de calles. Está solo, no sabe nada de sus hijos, uno de ellos fallecido, y la recomposición de la relación con su hija es casi imposible. Pero aparece una mujer afroamericana que lo consolará, le hará saber que, además de balaceras, existen caricias. Pero no nos vayamos a creer que Neeson pierde las mañas y que no está rápido para sacar su revolver y resolver las cuestiones a los tiros.
Es un film que, al comienzo, da la impresión de ser de clase B, pero a medida que transcurre la narración, se oscila entre el policial y la comedia dramática. Liam Meeson muestra otra faceta de su enorme capacidad actoral al descubrir los temores que siente frente a una eventual enfermedad como el Alzheimer, mientras la realidad lo acicatea para que termine de cumplir con su tarea criminal. Tiene peso la parte existencial del personaje Thug (Neeson), que busca resarcirse del mal que pudo hacerle a sus seres queridos. A esta altura tal vez el calor de una caricia venga de quien menos lo espera, càlida actitud que se suma a los sueños con su padre como un llamado del “más allá” que lo perturban. Y es esta mezcla de thriller y existencialismo lo que hace diferente a esta película.
Liam Neeson se redescubre como actor dramático, emociona por sobre cualquier clishè. THug, su rol, es un ser humano que no por ser gangster deja de soñar con una vida menos violenta: se da cuenta de la finitud de la vida. Simple, directa, una película que hace pensar desde el lugar menos pensado: el de un gangster arrepentido.
Elsa Bragato
Actoresonline.com

EL CREPÙSCULO DE LAS ESPECIES
Documental alegórico de Alberto Romero. Fotografía de Martín Turnes, Sonido de Pablo Córdoba, Arte de Angie Frinchaboy, Rodada en Naicó, provincia de La Pampa y Caba. Duración 79 minutos-
XXXX – DRAMÀTICA ALEGORÌA SOBRE LA PÉRDIDA DE LOS BOSQUES
Como síntesis, pusimos el título dramática y real de la pérdida de los bosques. Pero el director Alberto Romero ofrece mucho más: flora y fauna a merced del ser humano, el depredador salvaje de la naturaleza. Y ubica una voz en Off, la de “Diana”, de 75 años, que cuenta cómo, en el año 2063, el boque del Caldén en su Pampa natal no existe más, de la misma manera que nos habla de su amistad con Miguel, el guardamonte que se encargaba de salvar a las especies autóctonas de los cazadores y de los incendios provocados. La naturaleza tiene sus propios incendios, es una autolimpieza propia pero los devastadores son los generados por los humanos, cuyo fuego quema vivos no solo a la flora sino a los animales que habitan montes y bosques.
A través de cámaras con lentes infrarrojos Romero logra un documental que estremece, como nos estremecen los incendios de la Patagonia o de Corrientes o de Córdoba. La relatora en off vuelve a su niñez, la ubica en el 2022 para contarnos de la existencia del “pichiciego”, del que casi no hay fotografías o filmaciones porque siempre supo cómo vivir en cuevas y no dejarse ver, va con Miguel y su familia y curan pájaros que ya conocen la maldad humana y pìan como aviso: ahì está el hombre, cuidado, trae fuego, nos viene a matar.
Miguel y sus amigos salvan. Y hasta aceptan que el puma, ya extinto según el relato de Diana, se los coma si tiene hambre o siente miedo. Es la relación hombre-fauna. El animal ataca por miedo o por hambre. El hombre destruye por egoísmo. Por maldad, establece una guerra con la flora y fauna que no tiene razón, como cualquier guerra.
Diana ofrece datos muy interesantes sobre el comportamiento animal a raíz de la incursión del ser humano en sus territorios. Por ejemplo, luego de Chernobyl, las ranas cambiaron su color, de verde a marrón, para tolerar mejor la radiación. Y analiza cómo el comportamiento animal sufrió variaciones solo para salvarse del ser humano, porque el hombre es el principal enemigo.
Cuando Diana habla, ya no quedan ni caldenes, ni zorros grises, ni guanacos, ni ñandúes, fauna autóctona desplazada por los ciervos europeos traídos para cazar. Todo es monstruoso, ni este ciervo merece reproducirse para ser asesinado por una bala humana ni nuestra fauna debe caer bajo las mismas balas.
Este documental duele. Hay, entre nosotros, asesinos de la naturaleza. Hoy disfrutan de la muerte ajena, pero no ven un futuro en el que el aire no será respirable porque no habrá montes ni bosques. Y le dejamos a nuestros herederos la obligación de usar tanques de oxígeno y bigoteras para subsistir.
A pesar de tantas pérdidas, estamos a tiempo de parar con la locura mercantilista de los poderosos. Romero nos hace ver un futuro que casi es presente, nos avisa que algo de tiempo hay. Pero tenemos que apurarnos y sacar del medio a los salvajes humanos. De visión obligatoria.
Elsa Bragato
Actoresonline.com

ESA SEMANA JUNTOS
Direcciòn de Pablo Yatich, Guion de Agustìn Marchese. Fotografìa de Nicolás Ferraretto, Con Pablo Yutich, Magui Bravi, Gerardo Romano, Alejandro Muller, Edgardo Moreira, Alejandro Fiore, Matìas Alé, Toti Ciliberto, Luli Drozdek, Federico Baròn , Delfina Sánchez, Manu Viale, Mariana Litvin, Silvina Sánchez Fontán, Alejandro Cupito Alexis Guirado, entre otros. Duraciòn: 98 minutos. Argentina.
XX – CHIQUILINADA EN PANTALLA GRANDE
Pocas veces vemos en pantalla un elenco con tantos nombres valiosos y populares, desde un Gerardo Romano a un Matías Alé, entre otros muy conocidos. Pero, como siempre decimos, la cuestión es el guion. Pertenece a Agustìn Marchese quien echó mano a la elementalidad supina. Dos ex novios se reencuentran cuando se organiza el viaje a Bariloche de sus hijos. Luego de veinte años, Rodrigo (el mismo director Pablo Yatich) enfrenta una difícil situación económica porque su ex novia del secundario, Clara (Magui Bravi) puso un negocio cerca del suyo con el mismo rubro.
Repentinamente se redescubren en las reuniones del colegio que organiza el director (Edgardo Moreira) dirigidas por uno de los padres más vehementes, rol a cargo de Matías Alé. Tienen que definir la empresa que llevará a sus hijos al viaje de egresados, cumpliendo con que ellos no pudieron hacer. Pero que al quedarse los dos aquí, les permitió vivir una hermosa semana juntos.
La comedia romántica pudo funcionar si se hubiese creado un clima propicio y no quermeses, bailes de disfraces, encuentros con tarotistas o un musical con el valioso Antonio Ríos.
Poco romanticismo, mucha charla en reuniones de padres, ningún deseo amoroso que se concrete entre los ex enamorados, y reproches entre padres e hijos.
Es una película que queda reducida a una chiquilinada llevada a la pantalla grande. Nos resultó un fiasco como comedia romántica y como comedia en sí. El cine no es un arte fácil, aunque se cuente con un elenco de gran nivel.
Elsa Bragato
Actoresonline.com

OTROS ESTRENOS
SiROCCO Y EL REINO DE LOS VIENTOS, ANIMACIÒN

UNA VIDA SOÑADA
Direcciòn y guion de Morgan Simon, fotografía de Sylvain Verdet, Mùsica de David Chalmin, con Valeria Bruni Tedeschi, Felix Lefebvre, Lubna Azabal, Dylan Benha Guedi, Gedeon Ekay, Francois De Brauer, Antonia Buresi, Tya Deslauriers. Duraciòn: 07 minutos.

XXXX – RELATO CONMOVEDOR SOBRE DIFERENCIAS GENERACIONALES EXACERBADAS
Para Nicole (la ìtalo francesa Valeria Bruni Tedeschi), su vida es un fracaso. Tiene a cargo a su hijo Serge (Felix Lefebrvre), de 19 años, quien no acepta nada de su madre, critica ser hijo único, el estilo de vida de su madre, siente vergüenza de ella y de la vida que le da, hasta que el conflicto llega a mayores y abandona a su madre horas antes de Navidad.
Morgan Simon vivió en los suburbios de París como su protagonista y también, según confesó, cuestionó a su madre por su historia, por su presente, hasta que se dio cuenta de que él era parte de ella, y viceversa, y le rindió tributo antes de que fuese tarde. Es decir que Simon parte de una mujer de 52 años, sin trabajo, rechazada socialmente por la edad y por su hijo que primero la ofende para luego abandonarla. Y establece, a través de un guion lúcido que lleva adelante la talentosa Bruni Tedeschi, la confrontación de ciertos jóvenes de hoy a sus mayores, a quienes ofenden y critican de la misma manera que Serge. Esto nos recuerda, l Diario de la guerra del cerdo, obra de Adolfo Bioy Casares, que fue llevada al cine: los jóvenes que se burlan de los mayores, que desprecian a los abuelos y de sus creencias, de sus amores, y que los “cancelan” socialmente, o sea, hay que ignorarlos, desecharlos.
El tratamiento narrativo está sujeto a la capacidad emotiva de Valeria Bruni Tedeschi: dependemos de su llanto, de su resiliencia, de su sonrisa, de su voluntad de salir adelante aún con el corazón roto, para que la historia alcance el clímax emotivo que el guion contiene. Hay aquí una enorme sensibilidad de parte de Morgan Simon que expone autobiográficamente la relación conflictiva que mantuvo con su madre como tantos otros jóvenes de su época. Es una película madura, adulta, de ésas que retratan un momento de una familia que, lejos de ser particular, es universal. Para ver.
Elsa Bragato
Actoresonline.com

DALTON REVOLUCIÒ
Documental de Alejandro Jablonskis, coguionista junto a Matías Spadaro. Música de Matías Spadaro y Gabriela Grabowski. Fotografía, cámara y montaje de Alejandro Jablosnkis. Sonido de Eduardo Sánchez Fernando Iguacel Duracion:105 minutos. Argentina
XXX – CIRCENSES DE ALMA
Filmado en la Argentina, Andorra y Cataluña (España), el director Alejando Jablonskis decide llevar a la pantalla la historia de los hermanos Dalton, nacidos en el país, que recorrieron el mundo como artistas circenses siguiendo la tradición familiar. Es que la vida en un circo despierta fascinación, curiosidad. Eso de vivir en carromatos, de especializarse en trapecios, en artes de equilibrio y malabarismos, llama la atención pero requiere de dedicación constante y, ciertamente dejar costumbres sociales tales como ser sedentarios viviendo en un departamento. Las comodidades cambian, el trueque con el arte es absoluto.
A través de la historia de los hermanos mayores, de aquéllos que fueron parte de la primera generación de descendientes del padre Dalton y de los que formaron la segunda camada de artistas, es decir, los hijos más jóvenes, Jablonskis descubre un mundo que, fuera de lo formal, tiene sentimientos de alegría y tristeza y una educación de extrema severidad y crueldad que no conocíamos. La idea de que en un circo las alegrías son plenas se desvanece para dar lugar a la realidad de seres humanos que sufren y se alegran de manera extrema.
Los hermanos que hoy mantienen vigente la llama sagrada de este ejercicio artístico tan apasionante (tenemos artistas como Flavio Mendoza y el Bicho Gòmez que son fieles representantes de familias circenses, criados en circo) van mostrando en forma individual fotos muy antiguas de familiares que conformaban el grupo inicial, cuentan las historias tristes de quienes murieron por enfermedades contraídas en algún lugar alejado donde el circo paraba, todo es recuerdo pero tambièn todo es presente.
Es que el circo es la madre de las artes teatrales de los últimos tres siglos. En nuestro país, fue la base del teatro criollo. Y, aun con los cambios actuales de que no hay más animales, el circo atrae. La llegada de estas troupes a los pueblos equivale a alegría. Ciertamente, la historia de este documental es muy atractiva y también muy sentimental, emociona la vida de artistas que van pasando de generación en generación sus conocimientos, nos conmueve saber que algunos armaron su vida fuera del circo y jamás regresaron, mientras otros quedaron atrapados en carpas y carromatos. Nos muestra que hay otra vida fuera de las ciudades pero requiere de mucho sacrificio, renunciamientos, habilidades artísticas y duro entrenamiento. Es un documental que trasunta muchos sentimientos y llegan rápido al corazón del espectador.
Elsa Bragato (actoresonline.com)

ESTRENOS EN PLATAFORMAS
LA CHICA DE LA AGUJA (estrenada en MUBI)
Dirección y guion de Magnus von Horn, junto al coguionista Line Langebek. Fotografía de Michal Dymek, Música de Frederikke Hoffmeier. Con Victoria Carmen Sonne, Trine Dyrholm, Beze Zecin, entre otros. Duración: 115 minutos.
XXX – SINIESTRA HISTORIA SOBRE TRATA DE BEBÈS
Nadie puede salir del cine sin un rictus de dolor luego de ver este film. Karoline (Victoria Carmen Sonne), supuestamente viuda de un hombre que fue al frente en la Gran Guerra y sumida en la miseria, encuentra asilo en el negocio que atiende una cincuentona, Dagmar Overbye, asesina serial de bebès, que fuese condenada a muerte en Dinamarca en 1921. Pero obviamente ni Karoline ni muchas madres jóvenes lo supieron porque supo esconder durante años su perversión criminal bajo la apariencia de una dama que daba bebés en adopciones dignas, aunque ilegalmente. Uno de los casos es el de la propia Karoline, rechazada por un hombre de la sociedad al descubrir su preñez. El regreso de su marido de la guerra con el rostro destruido y la miseria en la que vive, la llevan a entregar su criatura a Dagmar y a pedirle asilo.
Este es el nudo del guion que se resuelve en secuencias que, en muchos casos, causan repugnancia, especialmente cuando Karoline tiene que amamantar a una preadolescente. Es una patraña de Dagmar para ocultarle a Karoline su miserable morbo, que pudo tener explicación en la marginalidad provocada por la primera guerra mundial – hecho irracional por donde se lo mire- que no solo de destrucción y muerte sino también huellas en mentes enfermas como las de la protagonista.
No obstante la muy buena reconstrucción de época, la historia resulta abrumadoramente cruel, impiadosa, brutal. Es decir, formalmente, el uso del blanco y negro, el curioso empleo de rostros deformados que surgen como máscaras a la manera de intervalos “monstruosos”, y la narración, son impecables.
El guion asombra porque, si bien se atiene a hechos reales, es tan verosímil en sus secuencias que provoca rechazo y dolor insoportables.
Para Magnus Von Horn, director sueco de poco más de 40 años, la historia es un vector que canaliza su propio sufrimiento por una brutal agresión que sufrió al llegar a Estocolmo. Y admitió que, desde ese momento, se interesó por las personalidades violentas, cómo retratar la maldad que llevan en el alma, como el caso ofrecido en “La chica de la aguja”, título cuyo significado no podemos develar.
Por eso, bien se puede decir que, en lo formal Von Horn se lleva todos los laureles, mientras que en el fondo o sea en la historia planteada, la brutalidad de Dagmar, aunque haya sido asì, es tan real en la pantalla que llega a límites insoportables. Ciertamente, el cine es un arma de denuncia fenomenal y la historia de Von Horn sobre la impiedad de muchas personas es, en verdad, un reclamo a corazón abierto sobre la insensibilidad y perversión que anida, según su visión, en el corazón de las sociedades en las que vivimos. Por eso, inferimos, no tuvo prurito alguno, valiosa actitud de un cineasta, en llegar, en algunas secuencias, al límite de la tolerancia de la crueldad. Es una historia para adultos que perturba, inquieta, duele y repugna, aunque se sepa que la asesina será condenada. Este hecho histórico apenas alivia el agobio que provoca una narración plagada de situaciones brutales, que transforman un retrato de época en un policial descomunal. Solo para adultos capaces de tolerar tanta crueldad.
Elsa Bragato
Actoresonline.com

OTROS ESTRENOS EN SALAS COMERCIALES
1.- CAPTAIN AMERICA, BRAVE NEW WORLD, de Julius Onah, con Harrison Ford.
Se trata de la cuarta película de la franquicia que reitera temas propios de Hollywood, Harrison Ford compone nuevamente al presidente de su país y Captain América tiene que descubrir el complot que puede terminar con la vida del primer mandatario. Lo único nuevo es la tecnología que, visualmente, enriquece una temática archiconocida.
2.-BRIDGET JONES, LOCA POR ÈL, de Michael Morris, con Renée Zellwegger y Hugh Grant, entre otros.
Los años pasan y, en el caso de Bridget Jones, crecen, tienen canas, se casan, tienen hijos. Por suerte no permanecen en el limbo cinematográfico. Bridget enviudò, tiene un hijo y a instancias de familiares y amigos entabla relación con un profesor. Habrà que ver si realmente está enamorada, si llega a estar loca por el profesor, apuesto y seductor. Una linda comedia para el dìa de los Enamorados.

 

Direcciòn y Guion de Alejandro Agresti. Con Eleonora Wexler, Luir Rubio, Antonio Agresti, Carlos Gorosito y Juan Carlos Juznir. Arte de Ezequiel Endelman y Miranda Pauls. Fotografìa de Marcelo Camarino. Mùsica de Leo Caruso. Duraciòn: 84 minutos.

XXXX – UN MUNDO DE DOS
Encantador encuentro de diálogos cálidos, sinceros, entre un hombre y una mujer es la nueva propuesta de Alejandro Agresti. A la manera de Richard Linklater y su “Antes del anochecer”, o bien la saga de las tres películas. Dos personajes y el corazón sobre las manos, inventándose historias que los alejen de sus propias realidades. Se mienten a sabiendas contándose historias fantásticas, él, un novedoso y tierno Luis Rubio en el papel de “Yuri”, y ella, Eleonora Wexler, con nombre de actriz de las de antes fingiendo no ser Irene, tal como se llama.
Es tan solo la salida de una función de cine cine y la cita de los jueves en el bar Brighton para charlar sobre sus mundos propios, evitando que la “realidad” se cuele para que no les arruine la emoción de esos encuentros.
Es algo novedoso para nuestro cine, lo más cercano es “Elsa y Fred” o bien “Conversaciones con mamá”: son encuentros que dispone la vida y que, en algunos casos, terminan en pareja, pero aquí se trata de una amistad profunda en la que cualquier desencuentro dolerà. Los dos son divorciados, ella tiene un hijo adolescente encarnado por Antonio Agresti, y hay un par de mozos cómplices de esa amistad en la que se habla de paseos en el cosmos, o de estudiar Letras en la Sorbone, o bien de Africa y los safaris dominicales.
Agresti logra una historia de amor por sobre los convencionalismos, y, como avezado conocedor de las novelas, sabe què resortes tocar para que los diálogos sean simples, verosímiles y emotivos. En esto colabora la banda sonora de Leo Caruso, cuya partitura termina en una bella melodía ejecutada por un conjunto de cuerdas.
Sin lugar a dudas, las actuaciones de Wexler y Rubio son excepcionales: a través de sus miradas transmiten pura emoción, con lágrimas que llegan hasta ahì porque no caen.
Es una película que demuestra que el “otro” es tan importante para sobrevivir como la propia fuerza espiritual. Film no convencional, pleno de ternura, infrecuente en nuestro cine. Para aplaudir mientras a nosotros sì se nos caen algunas lágrimas.